Nuevo Hollywood y el cine americano

El Nuevo Hollywood estadounidense, o a menudo llamado el Renacimiento de Hollywood, se refiere a un movimiento cinematográfico desde mediados de los años 60 hasta principios de los 80 que marcó la historia del cine, cuando una nueva generación de jóvenes directores se volvió prominente en Estados Unidos. Influyeron en los tipos de películas producidas, su producción, publicidad y mercadotecnia, así como en los métodos con los que abordaban la realización cinematográfica.

En las películas del Nuevo Hollywood, el director, en lugar del estudio, asumió un papel autoral esencial. La definición de «Nuevo Hollywood» varía según el autor, algunos lo definen como un movimiento y otros como un período. La duración del período también es objeto de controversia, ya que algunos autores, como Thomas Schatz, afirman que el Nuevo Hollywood contiene varios elementos. Las películas realizadas en esta etapa se identifican estilísticamente porque su historia a menudo difiere notablemente de los estándares clásicos. Tras la muerte del sistema de estudios y el auge de la televisión, el éxito comercial de las películas se redujo.

Los grandes éxitos del Nuevo Hollywood de la primera era incluyen Bonnie and Clyde, El graduado, La noche de los muertos vivientes, The Wild Bunch y Easy Rider, Heaven’s Gate y One from the Heart.

Historia del Nuevo Hollywood

Con el fin de la propiedad de cadenas de cines por parte de los estudios y con la llegada de la televisión (donde John Frankenheimer, Paddy Chayefsky y también Sidney Lumet trabajaron en sus primeros años), el sistema típico de producción de estudios se vio afectado. Technicolor estableció un uso aún más generalizado, mientras que procesos de pantalla ancha e incluso mejoras tecnológicas, como CinemaScope, audio estéreo y otros, como el 3-D, fueron creados para contrarrestar la disminución del mercado objetivo y hacer frente a la televisión. Sin embargo, generalmente no tuvieron éxito en aumentar las ganancias. En 1957, la publicación Life llamó a los años 50 «la década terrible» de Hollywood.

Los años 50 y principios de los 60 vieron un Hollywood dominado por musicales, épicas históricas y otras películas que se beneficiaban de pantallas más grandes, encuadres más amplios y audio mejorado. Ya en 1957, la era fue apodada «Nuevo Hollywood» y los intentos fallidos de replicar el éxito de The Sound of Music pusieron tensión en los estudios.

A medida que la generación del baby boom llegó a la mayoría de edad en los años 60, el «Viejo Hollywood» estaba perdiendo dinero rápidamente; los estudios no sabían cómo reaccionar ante la gran transformación demográfica de la audiencia. El cambio de mercado durante el período pasó de una audiencia de mediana edad con mayor educación en la mitad de los 60 a una audiencia más joven, más acomodada y con educación universitaria: a mediados de los 70, el 76% de todos los espectadores tenía menos de 30 años, de los cuales el 64% había asistido a la universidad.

Las películas europeas, tanto de autor como comerciales (especialmente la Comedia italiana, la Nueva Ola Francesa, el Spaghetti Western), y el cine japonés causaban sensación en Estados Unidos: el enorme mercado de jóvenes desencantados parecía encontrar relevancia y significado artístico en filmes como Blow Up de Michelangelo Antonioni, con su estructura narrativa oblicua y la desnudez femenina en todas partes.

La ansiedad que sentían los estudios durante este período de declive financiero, así como tras pérdidas por fracasos costosos, llevó a la tecnología y a la toma de riesgos, permitiendo un mayor control por parte de directores y productores jóvenes. Por lo tanto, en un intento por encontrar ese mercado objetivo que se identificara con los «films de arte», los talleres emplearon a una miríada de jóvenes directores y les permitieron hacer sus propias películas con un control razonablemente bajo por parte del estudio.

Algunos de ellos, como el actor Jack Nicholson y el director Peter Bogdanovich, fueron guiados por el «Rey de la película B» Roger Corman, mientras que otros, como el famoso director de fotografía Vilmos Zsigmond, trabajaron para directores de películas B menos conocidos como Ray Dennis Steckler. Se estrenó en 1962 Wild Guitar y también el musical de terror de 1963 The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies.

Esto, junto con el mal funcionamiento del Código de Producción Cinematográfica en 1966 y también el nuevo sistema de clasificación en 1968 (reflejando la creciente división del mercado) creó la situación ideal para el Nuevo Hollywood.

Bonnie y Clyde

Una película fundamental de la generación del Nuevo Hollywood fue Bonnie y Clyde (1967). También creada y protagonizada por Warren Beatty y dirigida por Arthur Penn, su mezcla de violencia física y humor, así como su estilo extravagante de juventud desencantada, fue un éxito en los mercados objetivo. La película ganó Oscars a la Mejor Actriz de Reparto (Estelle Parsons) y a la Mejor Cinematografía.

Cuando Jack L. Warner, entonces CEO de Warner Bros., vio por primera vez Bonnie y Clyde en el verano de 1967, la odiaba. Los ejecutivos de distribución de Warner Brothers estuvieron de acuerdo, proporcionando a la película un estreno discreto y un lanzamiento limitado. Su enfoque pareció justificado cuando Bosley Crowther, crítico cinematográfico de nivel medio del New York Times, dio una crítica feroz a la película. 

Tras una de las críticas negativas, la revista Time recibió cartas de fans de la película y, según el reportero Peter Biskind, el impacto de la crítica Pauline Kael en su reseña positiva del filme (octubre de 1967, New Yorker) llevó a otros críticos a seguir su propio camino y reevaluar la película (en particular Newsweek y Time).

Kael llamó la atención sobre la inocencia de los personajes en la película y el mérito artístico de contrastarla con la violencia en el film: «En cierto sentido, es la ‘ausencia de sadismo – es violencia sin sadismo – lo que conmociona a las audiencias hacia Bonnie and Clyde. Kael también señaló la reacción del público al clímax violento de la película y el potencial para empatizar con la banda de criminales en términos de ingenuidad e inocencia, reflejando un cambio en las expectativas del cine estadounidense.

La historia de portada de la revista Time en diciembre de 1967 celebró el cine y la tecnología en el cine de la Nueva Ola estadounidense. Este importante artículo de Stefan Kanfer afirmaba que Bonnie and Clyde representaba un «Nuevo Cine» a través de sus líneas de categoría difusas, e incluso el descuido de aspectos de la trama e inspiración, que «tanto en la fertilización como en la implementación, Bonnie así como Clyde es un punto de inflexión en la imagen, del tipo que señala un estilo completamente nuevo, una nueva moda.»

Biskind especifica que esta crítica y el cambio de opinión de algunos críticos de cine permitieron el relanzamiento de la película, verificando así su éxito industrial y reflejando también el enfoque del Nuevo Hollywood. El efecto de esta película es esencial para comprender el resto de la Nueva Ola estadounidense, así como las condiciones que fueron necesarias para ello.

Estos primeros éxitos allanaron el camino para que el estudio cediera prácticamente el control completo a estos ingeniosos jóvenes directores. A mediados de la década de 1970, películas distintivas y sorprendentes como Paper Moon, Dog Day Afternoon, Chinatown, así como Taxi Driver, entre otras, disfrutaron de un notable éxito comercial. Estos éxitos de los miembros del Nuevo Hollywood han llevado a cada uno de ellos sucesivamente a hacer peticiones cada vez más extravagantes, tanto en el estudio como en algún momento incluso en el mercado de referencia.

El Estilo del Nuevo Hollywood

Esta nueva generación de directores de Hollywood fue muy significativa, desde el punto de vista de los estudios, joven, por lo tanto capaz de alcanzar el mercado objetivo de los jóvenes que estaban perdiendo. Este grupo de jóvenes directores – actores, directores y escritores – llamado «Nuevo Hollywood» por la prensa, transformó brevemente el negocio desde el sistema hollywoodense impulsado por productores del pasado.

Todd Berliner escribió en realidad algunas técnicas narrativas inusuales. La década de 1970, dice Berliner, marca la mejora formal más significativa de Hollywood. Las películas del Nuevo Hollywood se desvían de los estándares narrativos atemporales más que las películas de Hollywood de cualquier otra época o movimiento. Berliner sostiene que cinco principios controlan las estrategias narrativas características de las películas de Hollywood de los años 70: las películas de los años 70 revelan una propensión a integrar, por medios narrativos incidentales, detalles de cuentos cortos y herramientas estilísticas que son perjudiciales para los objetivos narrativos necesarios de la película.

Los directores de Hollywood de los años setenta a menudo sitúan sus prácticas cinematográficas entre las del Hollywood clásico y las del cine de arte europeo y asiático. Las películas de los setenta provocan reacciones en los espectadores que son más desalentadoras e inciertas que las de las películas más normales de Hollywood. Las narrativas de los años setenta ponen un enfoque inusual en la insolvencia, particularmente en el clímax o los epílogos, cuando las películas más estándar de Hollywood resolvían los asuntos pendientes.

El cine de los setenta dificulta la linealidad narrativa así como la energía y hunde sus posibilidades de crear suspense e incluso diversión. Thomas Schatz señala otra diferencia con la Edad de Oro de Hollywood, que trata sobre la relación entre los personajes y la trama. Él argumenta que la trama en las películas clásicas de Hollywood (y en algunas películas tempranas del Nuevo Hollywood como The Godfather) «tendía a surgir de manera más orgánica como función de los impulsos, deseos, motivaciones y objetivos de los personajes centrales.

Durante la época dorada del sistema de estudios, las películas se hacían prácticamente a propósito en sets aislados en estudios. El contenido de las películas estaba limitado por el Código de Producción Cinematográfica, y aunque los directores de la Edad de Oro encontraban tecnicismos en sus directrices, las escenas más prohibidas en las películas eran limitadas. El cambio hacia un «realismo completamente nuevo» fue posible cuando se introdujo el sistema de sonido de la Motion Picture Association of America y la adquisición se volvió mucho más factible. La ciudad de Nueva York fue un lugar favorito para esta nueva generación de cineastas debido a su ambiente animado.

Gracias a innovaciones en la tecnología cinematográfica (por ejemplo, la cámara Panavision Panaflex, introducida en 1972), los cineastas del Nuevo Hollywood pudieron filmar en 35mm al aire libre con relativa facilidad. Los documentales de DA Pennebaker, los hermanos Maysles y Frederick Wiseman, entre otros, también influyeron en los directores de esta época.

En la edición, los directores del Nuevo Hollywood se adhirieron al realismo de manera más liberal que la mayoría de sus predecesores del Hollywood clásico, usando a menudo la edición con fines artísticos más que solo para la continuidad, una práctica inspirada por los filmes de arte europeos y directores clásicos de Hollywood como DW Griffith y Alfred Hitchcock.

La superación del código de producción permitió que las películas del Nuevo Hollywood presentaran temas políticos anti-establecimiento, haciendo uso del rock and roll, así como de la libertad sexual considerada «contracultural» por los estudios. El movimiento juvenil de los años sesenta convirtió a antihéroes como Bonnie y Clyde así como a Cool Hand Luke en ídolos de la cultura pop, y la revista Life llamó a Easy Rider «parte del mito fundamental principal de la contracultura de finales de los años 60».

Easy Rider también influyó en el método que los estudios querían usar para llegar al mercado juvenil. El éxito de Midnight Cowboy, a pesar de su clasificación «X», fue prueba del interés, así como reveló la debilidad del sistema de clasificación e incluso la división del mercado objetivo.

¿Qué es el Nuevo Hollywood?

Para Peter Biskind, la nueva ola fue anticipada por Bonnie and Clyde y comenzó en serio también con Easy Rider. La publicación Easy Riders and Raging Bulls afirma que el movimiento del Nuevo Hollywood marcó un cambio notable hacia producciones separadas y vanguardistas de una nueva era del cine, pero que este cambio comenzó a revertirse a medida que el éxito industrial de Jaws y Star Wars llevó a los estudios a tomar conciencia de la importancia de las películas independientes, el marketing y el control de la producción.

Escribiendo en 1968, la crítica de cine Pauline Kael argumentó que la importancia de The Graduate residía en su relevancia social para una nueva audiencia joven, y también en el deber de los medios, en contraposición a cualquier tipo de elemento fantasioso. Kael dijo que incluso la comprensión universitaria de The Graduate no era diferente de la audiencia que incluía a los personajes de los dramas cinematográficos de años anteriores.

John Belton indica el grupo en transformación hacia mercados objetivo aún más jóvenes y conservadores a mediados de los años 70 (50% entre 12 y 20 años) y la transferencia a motivos menos políticamente subversivos en el cine comercial, que vio a mediados y finales de los 70 el declive de la actividad del cine de arte como una presión industrial sustancial con su pico en 1974-75 con Nashville y Chinatown.

Según el autor y crítico de cine Charles Taylor, él dijo que «los años 70 siguen siendo el tercer y último período formidable en los films americanos«. El autor AD Jameson afirmó que Star Wars fue el mejor logro del Nuevo Hollywood que en efecto simbolizó las características de «películas adultas mayores e innovadoras».

Críticas al Nuevo Hollywood

Esta era del cine americano también ha sido criticada por su extrema decadencia y también por las desventuras en el set. Incluso Steven Spielberg, quien codirigió / coprodujo Twilight Zone: The Movie en 1983 con John Landis, se avergonzó tanto del manejo de este último del peligroso accidente de helicóptero que llevó a la muerte del actor Vic Morrow y de los jóvenes Myca Dinh Le y Renee Shin-Yi Chen, que rompió toda relación. Cuando fue contactado por la prensa sobre el incidente, dijo: «Nadie merece morir en una película. Creo que la gente está mucho más en contra ahora que nunca de directores y productores que piden demasiado. Si algo no es libre de riesgos, es el derecho así como la obligación de toda estrella o participante del equipo gritar: ‘¡Corten!’

Herencia del Nuevo Hollywood

Las películas de Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola influyeron tanto en el género Poliziotteschi en Italia como, un año después, también en la actividad del Cinéma du look en Francia. El Cine estadounidense fue influenciado por esta época. Ambas tradiciones comparten temas y narrativas similares de existencialismo y la necesidad de interacción humana. En comparación, el cine estadounidense excéntrico no tiene un contexto definido; sus películas muestran personajes muy individualistas cuyas preocupaciones giran en torno a su propia personalidad.