Das Internationale Filmfestival von Venedig: Geschichte und Gewinner des Goldenen Löwen

Einleitung: Die Entstehung und das anhaltende Prestige der Internationalen Filmfestspiele von Venedig

Die Internationalen Filmfestspiele von Venedig, eröffnet im Jahr 1932, tragen den Ruf, das älteste Filmfestival der Welt zu sein, ein Leuchtturm, der das Kino erstmals als eine Kunstform beleuchtete, die einer internationalen Würdigung würdig ist. Entstanden als Ableger der umfassenderen Biennale di Venezia, einer multidisziplinären kulturellen Institution, die 1895 gegründet wurde, erbte das Festival eine tiefe Verbindung zu den bildenden Künsten, die seine anfängliche Wahrnehmung prägte und seine künstlerische Berufung betonte. Von Anfang an war das Hauptziel, „die besten Produkte des Kinos als Kunstform zu präsentieren“, eine Absicht, die das Festival von rein kommerziellen Veranstaltungen unterschied und seine Geschichte durchdringt.

Im Laufe der Jahrzehnte hat sich das Festival zu einem Ereignis von außergewöhnlicher globaler Resonanz entwickelt, einem grundlegenden Knotenpunkt zur Entdeckung neuer Talente, zur Einführung von Schauspielern und Regisseuren auf der Weltbühne und einem mächtigen Einflussfaktor in der Geschichte des Kinos selbst. Seine Fähigkeit, Trends vorauszusehen, innovative und manchmal kontroverse Werke zu präsentieren, hat sein Prestige gefestigt. Das Festival war jedoch keine von Italiens historischem und politischem Kontext losgelöste Entität; im Gegenteil, es war oft ein treuer Spiegel, zum Guten wie zum Schlechten, der kulturellen Politik, die von den verschiedenen Regimen und Regierungen ausgedrückt wurde, die einander ablösten, und durchlief Phasen starker Beeinflussung, aber auch mutiger Autonomie.

Die Gründung des Festivals im Jahr 1932, mitten in der faschistischen Herrschaft, war kein Zufallsereignis. Sie war vielmehr Teil einer umfassenderen kulturellen Strategie, die darauf abzielte, das Bild eines modernen und avantgardistischen Italiens zu fördern, wobei das Kino – ein mächtiges Massenkommunikationsmedium, das rasch an Bedeutung gewann – als Instrument kulturellen Einflusses und implizit politischer Bestätigung genutzt wurde. Die Figur von Giuseppe Volpi, damals Präsident der Biennale und zuvor Mussolinis Finanzminister, unterstreicht diese enge anfängliche Verbindung zwischen dem Festival und den politischen Machtbereichen. Diese ursprüngliche Verbindung zum Regime prägte zwangsläufig die frühen Ausgaben, beeinflusste deren Entscheidungen und internationale Wahrnehmung und erforderte in der Nachkriegszeit ein bedeutendes Engagement, um die Autonomie und kulturelle Glaubwürdigkeit des Festivals wiederherzustellen.

Die anfängliche Zugehörigkeit zur Kunstbiennale verlieh dem Festival sofort eine Aura von „Künstlerischem“. Während diese Verbindung eine prestigeträchtige Plattform und organisatorische Ressourcen bot, könnte sie das Kino zunächst als eine „minderwertige“ oder nebensächliche Kunst im Vergleich zu etablierten Disziplinen gerahmt haben. Doch das anschließende und überwältigende Wachstum des Festivals, seine fortschreitende Autonomisierung und seine Fähigkeit, sich als eines der wichtigsten Filmereignisse der Welt zu etablieren, zeugen von der endgültigen Bestätigung des Kinos als eigenständige künstlerische Sprache, ausgestattet mit einer Ausdruckskraft und einem kulturellen Einfluss, die autonom und weitreichend sind.

II. Die Ursprünge und Frühen Ausgaben (1932-1939): Zwischen Experiment und Politischem Einfluss

Die Wurzeln des Internationalen Filmfestivals von Venedig liegen in einer Zeit großen kulturellen Aufbruchs und wachsender politischer Spannungen. Seine Entstehung und die frühen Jahre waren geprägt von einer Phase bahnbrechender Experimente, aber auch von einem fortschreitenden und unumkehrbaren Einfluss des italienischen und europäischen politischen Kontexts.

Die Erste Ausstellung (1932): Ein Nicht-Wettbewerblicher Anfang

Die erste Ausgabe, genannt „Internationale Ausstellung der filmischen Kunst“, fand vom 6. bis 21. August 1932 auf der malerischen Terrasse des Hotel Excelsior am Lido di Venezia statt. Dieses bahnbrechende Ereignis verzeichnete die Teilnahme von neun Nationen und wurde mit der Vorführung des amerikanischen Films Dr. Jekyll and Mr. Hyde von Rouben Mamoulian eröffnet. In dieser embryonalen Phase wurden keine offiziellen Preise von einer Jury vergeben. Stattdessen fand ein Referendum unter dem anwesenden Publikum statt, das gebeten wurde, die Filme und Darstellungen zu benennen, die es für am meisten verdient hielt. Unter den durch Volksabstimmung vergebenen Anerkennungen wurde À Nous la Liberté von René Clair als Unterhaltsamster Film gewählt, The Sin of Madelon Claudet von Edgar Selwyn als Bewegendster Film ausgezeichnet (mit Helen Hayes als beste Schauspielerin und Fredric March als besten Schauspieler), während Dr. Jekyll and Mr. Hyde als Originellster Fantasy-Film Anerkennung erhielt. Trotz beträchtlichen Publikums- und Kritikererfolgs fand die Veranstaltung 1933 nicht statt, was eine kurze Unterbrechung vor ihrer endgültigen Institutionalisierung markierte.

Die Wettbewerbswende (1934) und die Einführung der Mussolini-Trophäe

1934 war ein entscheidendes Jahr für das Festival: Es wurde zur jährlichen Veranstaltung erklärt, und die internationale Beteiligung stieg auf siebzehn Länder. Die bedeutendste Neuerung war jedoch die Einführung eines offiziellen Wettbewerbs und der ersten Preise. Hervorzuheben ist dabei die „Mussolini-Trophäe“, vorgesehen für den Besten Ausländischen Film und den Besten Italienischen Film, ein deutliches Zeichen für die wachsende Aufmerksamkeit und den Einfluss des faschistischen Regimes auf die Organisation. Insgesamt wurden in dieser Ausgabe siebzehn Preise vergeben (vierzehn an Filme und drei an einzelne Künstler), zusätzlich zu fünf lobenden Erwähnungen. Die Mussolini-Trophäe für den Besten Ausländischen Film ging an Man of Aran von Dokumentarpionier Robert J. Flaherty, während die für den Besten Italienischen Film an Teresa Confalonieri von Guido Brignone verliehen wurde.

Die Entwicklung von einer Veranstaltung, die auf einem öffentlichen Referendum basierte, hin zu einem Wettbewerb mit so politisch konnotierten Preisen vollzog sich äußerst schnell. Diese Transformation spiegelte den Wunsch des faschistischen Regimes wider, das Festival zu vereinnahmen, es zu einer Schaubühne italienischen Prestiges und einem Instrument kultureller Soft Power zu machen. Die Finanzierung durch das in jenen Jahren gegründete Ministerium für Volkskultur und die Namensgebung des Hauptpreises nach dem Duce waren keine bloßen Ehrungen, sondern deuteten auf direkte politische Kontrolle und die Instrumentalisierung des Festivals für Propagandazwecke und Konsolidierung von Zustimmung hin. Diese Politisierung hatte unmittelbare Auswirkungen auf die internationale Wahrnehmung des Festivals, was in den Folgejahren zu Kritik und als direkte Reaktion zur Entstehung alternativer Festivals führte, allen voran Cannes.

Konsolidierung und Wachstum (1935-1938)

Die nachfolgenden Ausgaben zeigten eine progressive Konsolidierung der Struktur und eine Steigerung des Prestiges des Festivals. 1935 wurde Ottavio Croze zum ersten künstlerischen Leiter ernannt, eine Position, die er bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs innehatte. Im selben Jahr wurde eine Jury zur Vergabe von Preisen eingeführt, die zunächst ausschließlich aus italienischen Mitgliedern bestand. Die finanzielle Unterstützung kam größtenteils vom Ministerium für Volkskultur, ergänzt durch Beiträge der Biennale und der Stadt Venedig.

Das Jahr 1937 war besonders bedeutend mit der Einweihung des neuen Palazzo del Cinema auf dem Lido, entworfen vom Architekten Luigi Quagliata. Dieser neue und imposante Veranstaltungsort war nicht nur eine logistische Verbesserung, sondern auch eine symbolische Investition, die darauf abzielte, Venedig als eine der Welt-Hauptstädte des Kinos zu etablieren, konkurrenzfähig mit Hollywood, und eine monumentale Kulisse für die kulturelle Vision des Regimes zu bieten. Der Bau eines eigenen und majestätischen Gebäudes ging über eine einfache funktionale Notwendigkeit hinaus und signalisierte den Ehrgeiz, Venedig zu einem führenden Filmzentrum zu machen, im Einklang mit den nationalistischen und imperialen Bestrebungen der Zeit. Die Anwesenheit international renommierter Stars wie Marlene Dietrich, Bette Davis und Jean Gabin auf dem Lido in jenen Jahren diente dazu, diesen Ehrgeiz weiter zu legitimieren.⁵

Parallel zum strukturellen und imagebezogenen Wachstum wurden jedoch die politischen Zwänge zunehmend spürbar. Die Ausgabe von 1938 war besonders emblematisch für diesen Trend: Wichtige Auszeichnungen gingen an ausdrücklich propagandistische Filme. Historische Quellen berichten, dass Benito Mussolini und Adolf Hitler direkt in die Entscheidungen der Jury eingriffen und die Vergabe von Leni Riefenstahls Olympia als Bester Ausländischer Film sowie Luciano Serra pilota, mit dem Idol des Regimes Amedeo Nazzari in der Hauptrolle und unter der Regie von Goffredo Alessandrini (mit nicht genanntem Mitwirken des Sohnes des Duce, Vittorio Mussolini), als Bester Italienischer Film durchsetzten. Diese offensichtlichen Eingriffe untergruben die künstlerische Glaubwürdigkeit des Preises und des Festivals selbst tiefgreifend.

Die Ausgabe 1939 und die Schatten des Krieges

Die Ausgabe von 1939 fand in einem äußerst angespannten internationalen Klima statt, am Vorabend des Ausbruchs des Zweiten Weltkriegs. Die Abwesenheit vieler Filmindustrien war zahlreich und bedeutend und spiegelte die Verschlechterung der diplomatischen Beziehungen wider. In diesem Kontext wurde nur der Mussolini-Pokal vergeben, der an den italienischen Film Abuna Messias – Vendetta africana von Goffredo Alessandrini ging. Einige Quellen führen ihn als „Bester Film“ allgemein auf, andere als Gewinner des Mussolini-Pokals für den Besten Italienischen Film (unter dem Titel Kardinal Messias). Angesichts des Kontexts und der drastischen Reduzierung der ausländischen Teilnahme ist es plausibel, dass der Preis Alessandrinis Film als Hauptwerk im Wettbewerb zugesprochen wurde, was die politischen Prioritäten des Moments widerspiegelt.

Die zunehmende und unverhohlene politische Einflussnahme auf die Auszeichnungen, die in den Episoden von 1938 und der reduzierten Ausgabe von 1939 gipfelte, markierte einen Punkt ohne Wiederkehr für die künstlerische Glaubwürdigkeit des Festivals auf internationaler Ebene. Wenn die Preise nicht mehr das künstlerische Verdienst, sondern die politische Agenda totalitärer Regime widerspiegelten, war die Teilnahme und das Interesse der blockfreien Filmgemeinschaft zum drastischen Rückgang verurteilt, wie es tatsächlich geschah. Dieses Glaubwürdigkeitsvakuum schuf Raum für die Entstehung und Etablierung anderer Festivals, wie Cannes, das 1939 gegründet wurde (obwohl seine erste tatsächliche Ausgabe erst 1946 stattfand), genau als Reaktion auf die politischen Manipulationen in Venedig.

Nachfolgend eine Zusammenfassungstabelle zur Entwicklung der ersten Preise, die beim Filmfestival von Venedig von 1932 bis 1939 vergeben wurden:

Hinweis: Im Jahr 1939 wurde aufgrund des drohenden Kriegskontexts und zahlreicher Abwesenheiten der Mussolini-Pokal hauptsächlich an den italienischen Film vergeben.

III. Die Kriegsjahre und die unmittelbare Nachkriegszeit (1940–1948): Aussetzung, Wiederaufnahme und neue Identität

Das Jahrzehnt, das 1940 begann, war tief geprägt vom Zweiten Weltkrieg, der direkte und dramatische Auswirkungen auf das Filmfestival von Venedig hatte. Die während der Kriegsjahre stattfindenden Ausgaben waren zwangsläufig vom politischen und militärischen Klima beeinflusst, was schließlich zu einer erzwungenen Aussetzung und einer anschließenden, komplexen Phase der Erholung und Neuorientierung in der Nachkriegszeit führte.

Die Kriegs-Ausgaben (1940–1942): Ein konditioniertes Festival

Die Ausgaben des Festivals zwischen 1940 und 1942 standen unter starkem Einfluss der Kontrolle der Achse Rom-Berlin. Die Programmgestaltung und die Preisvergabe spiegelten deutlich die propagandistischen Interessen der faschistischen und nationalsozialistischen Regime wider, wodurch das Festival effektiv zu einer Plattform für die Filmkunst der kriegführenden Länder und ihrer Verbündeten wurde und sich weiter vom blockfreien internationalen Filmkontext isolierte.

Im Jahr 1940 wurde der Mussolini-Pokal für den besten ausländischen Film an Der Postmeister des österreichischen Regisseurs Gustav Ucicky vergeben, eine deutsche Produktion. Für den besten italienischen Film berichten die Quellen von einer Diskrepanz: Einige geben L’assedio dell’Alcazar von Augusto Genina an, andere La corona di ferro von Alessandro Blasetti.⁸

Die Ausgabe von 1941 sah die Präsentation und Verleihung durch das Ministerium für Volkskultur von Heimkehr, einem expliziten nationalsozialistischen Propagandafilm. Der Mussolini-Pokal für den besten ausländischen Film ging an ein weiteres Propagandawerk des Dritten Reiches, Ohm Krüger von Hans Steinhoff. Auch für den besten italienischen Film 1941 divergieren die Quellen und nennen entweder Blasettis La corona di ferro oder Roberto Rossellinis La nave bianca⁸, letzterer ein bedeutendes Werk für die zukünftige Entwicklung des italienischen Kinos.

1942 stellte die letzte Ausgabe des Festivals vor der kriegsbedingten Unterbrechung dar. Der Mussolini-Pokal für den besten ausländischen Film wurde an Der große König des deutschen Regisseurs Veit Harlan vergeben, während der für den besten italienischen Film an Bengasi von Augusto Genina ging.⁸

Diese Ausgaben, dominiert von Werken, die die Ideologie und Kriegsanstrengungen der Achsenmächte feierten, stellten den Höhepunkt der politischen Instrumentalisierung des Festivals dar. Die Teilnahme war effektiv auf Achsenmächte sowie neutrale oder sympathisierende Länder beschränkt, was die internationale Berufung des Festivals verzerrte. Diese dunkle Periode machte einen tiefgreifenden Erneuerungsprozess am Ende des Konflikts umso dringlicher, um Glaubwürdigkeit zurückzugewinnen.

Im September 1942 wurden mit der sich verschlechternden Kriegslage für Italien die Aktivitäten der Biennale von Venedig und folglich des Filmfestivals offiziell ausgesetzt.

Die Unterbrechung (1943–1945)

Zwischen 1943 und 1945 fand das Internationale Filmfestival von Venedig aufgrund der kriegsbedingten Verwüstungen in Italien und Europa nicht statt. Während dieser Unterbrechung wurden die Biennale-Pavillons in den Giardini di Castello für kurze Zeit als improvisierte Filmstudios genutzt, bekannt als „Cinevillaggio“, eine von Cinecittà inspirierte Initiative, die dort bis April 1945 bestand.

Die Wiederaufnahme (1946) und der Neorealismus

Das Filmfestival nahm seine Aktivitäten im September 1946 wieder auf, in einem Italien, das gerade aus dem Krieg hervorgegangen war und sich in voller materieller und moralischer Wiederaufbauphase befand. Bemerkenswerterweise erfolgte diese Wiederaufnahme fast zeitgleich mit der ersten tatsächlichen Ausgabe des Filmfestivals von Cannes, das ebenfalls mit der Absicht gegründet wurde, eine Plattform für internationales Kino frei von politischer Beeinflussung zu bieten. In dieser Ausgabe der Wiedergeburt ging der Hauptpreis, vergeben von einer Jury aus Journalisten, an The Southerner des großen französischen Regisseurs Jean Renoir, einer führenden Persönlichkeit des Weltkinos und bekannten Antifaschisten, der während der Besatzung aus Frankreich ins Exil gegangen war. Die Entscheidung, Renoir auszuzeichnen, war hochsymbolisch und markierte den klaren Wunsch, mit der faschistischen Vergangenheit des Festivals zu brechen und sich demokratischen Werten sowie der internationalen Filmgemeinschaft neu auszurichten. Dieser Preis wird oft als direkter Vorläufer des Goldenen Löwen betrachtet oder als „Großer Internationaler Preis von Venedig“ identifiziert.

1946 war auch das Jahr, in dem der italienische Neorealismus eine kraftvolle Bestätigung erfuhr, eine Bewegung, die die Geschichte des Weltkinos tiefgreifend prägen sollte. Werke wie Roberto Rossellinis Paisà, Aldo Verganos Il sole sorge ancora und im folgenden Jahr Giuseppe De Santis‚ Caccia tragica fanden beim Festival eine wichtige Bühne.

Der „Große Internationale Preis von Venedig“ (1947–1948)

In den beiden folgenden Ausgaben erhielt der Hauptpreis den Namen „Großer Internationaler Preis von Venedig“, ein weiterer Schritt im Prozess der Loslösung von den politischen Konnotationen der Vergangenheit und der Bestätigung einer neuen Identität, die mit dem Prestige der Stadt und ihrer internationalen Berufung verbunden war.

Die Ausgabe von 1947, die ausnahmsweise im malerischen Innenhof des Dogenpalastes stattfand, war ein großer Erfolg, verzeichnete mit neunzigtausend Teilnehmern einen Rekord und gilt als eine der erfolgreichsten in der Geschichte des Festivals. Der Große Internationale Preis von Venedig wurde an den tschechoslowakischen Film Siréna (Die Sirene) von Karel Steklý verliehen.

1948 ging die höchste Auszeichnung an ein Meisterwerk des britischen Kinos, Hamlet, inszeniert von und mit Laurence Olivier in der Hauptrolle.

Diese Namensänderungen der Preise, mit dem Verzicht auf den „Mussolini-Pokal“, waren wesentlich, um einen klaren Bruch mit der faschistischen Vergangenheit zu signalisieren und die internationale Glaubwürdigkeit des Festivals wiederherzustellen. Die Verankerung des Preises an die Stadt Venedig, zunächst mit einer generischen Bezugnahme auf ihr internationales Prestige und später, wie noch zu sehen sein wird, mit dem Symbol des Markuslöwen, zielte darauf ab, ihm eine universellere Aura zu verleihen, die weniger an politische Gegebenheiten gebunden war – eine Entscheidung, die sich langfristig als erfolgreich erweisen sollte.

IV. Die Ära des Goldenen Löwen (1949–1968): Internationale Weihe und neue Strömungen

Mit dem Ende der 1940er Jahre trat das Internationale Filmfestival von Venedig in eine neue Phase ein, die durch die Einführung seiner ikonischsten Auszeichnung, des Löwen, und durch eine progressive Etablierung als eine der prestigeträchtigsten Bühnen für das weltweite Autorenkino gekennzeichnet war. Diese Periode erlebte die Weihe großer Meister, die Entdeckung neuer Kinematographien und das Aufkommen stilistischer Strömungen, die die siebte Kunst tiefgreifend beeinflussen sollten.

Die Geburt des Markuslöwen (später Goldener Löwe)

1949 markierte einen grundlegenden symbolischen Wendepunkt: Der Hauptpreis des Festivals wurde in „Markuslöwe“ umbenannt, als direkte Hommage an das tausendjährige Symbol der Stadt Venedig. Diese Wahl stärkte die Verbindung des Festivals mit der Identität und dem historisch-kulturellen Prestige der Lagunenstadt weiter und distanzierte sich endgültig von früheren Bezeichnungen. Einige Jahre später, 1954, wurde der Name leicht modifiziert zum endgültigen „Goldenen Löwen“, der zu einem der begehrtesten Filmpreise der Welt werden sollte.

Der erste Löwe von San Marco wurde 1949 an den französischen Film Manon von Henri-Georges Clouzot verliehen. Im folgenden Jahr, 1950, ging der Preis an einen weiteren französischen Film, Justice est faite (Die Gerechtigkeit siegt) von André Cayatte.⁸

1951 war ein besonders bedeutendes Jahr: Das Festival erhielt die formelle Akkreditierung durch die FIAPF (Internationale Föderation der Filmproduzentenverbände), eine offizielle Anerkennung seiner Bedeutung in der internationalen Festivalszene. Vor allem aber wurde der Löwe von San Marco an Rashomon des japanischen Regisseurs Akira Kurosawa verliehen. Dieser Sieg hatte eine epochale Wirkung: Rashomon war nicht nur die Anerkennung eines absoluten Meisterwerks, sondern öffnete auch die Türen des westlichen Kinos für die japanische Filmkunst und damit für das asiatische Kino, das bis dahin in Europa und Amerika weitgehend unbekannt oder ignoriert war. Das Filmfestival von Venedig bestätigte sich somit als mächtiger globaler „Talentscout“, der in der Lage war, die Landkarte des Weltkinos neu zu definieren und als Brücke zwischen verschiedenen Filmkulturen zu fungieren, einen interkulturellen Dialog anzuregen, der die globale filmische Sprache bereichern sollte.

1952 wurde der Löwe von San Marco an Jeux interdits (Verbotene Spiele) des Franzosen René Clément verliehen. Die Ausgabe von 1953 endete jedoch ohne die Vergabe des Hauptpreises, da die Jury keine Entscheidung treffen konnte.

Die Fünfziger: Bestätigung großer Autoren und neuer Stars

Die 1950er Jahre waren eine Zeit großer Blüte für das Festival, das entscheidend zur internationalen Anerkennung einer neuen Generation italienischer Regisseure wie Federico Fellini, Francesco Rosi, Ermanno Olmi und Michelangelo Antonioni beitrug, neben europäischen Meistern von Rang wie Ingmar Bergman, Robert Bresson und Claude Chabrol sowie wichtigen amerikanischen Autoren wie Elia Kazan. Neben der bereits erwähnten „Entdeckung“ des japanischen Kinos mit Kurosawa verschaffte das Festival auch anderen japanischen Meistern wie Kenji Mizoguchi Sichtbarkeit.⁸

1954, als der Preis seinen endgültigen Namen „Goldener Löwe“ annahm, ging der Sieg an Romeo und Julia, eine italienisch-britische Koproduktion unter der Regie von Renato Castellani. Dies war der erste Film mit überwiegend italienischer Produktion, der die höchste Auszeichnung des Festivals in seiner neuen Form gewann.

Der Lido di Venezia wurde in diesen Jahren zu einem unverzichtbaren Laufsteg für neue Stars der filmischen Szene: 1954 war Marlon Brando an der Reihe, Star von Elia Kazans On the Waterfront, während 1958 die Aufmerksamkeit durch die Anwesenheit von Brigitte Bardot auf sich gezogen wurde, der Darstellerin von Claude Autant-Laras Love Is My Profession.

Der Goldene Löwe von 1955 wurde dem Meisterwerk des dänischen Regisseurs Carl Theodor Dreyer, Ordet (Das Wort), verliehen. Die Ausgabe von 1956 endete ebenfalls ohne Gewinner des Goldenen Löwen.

1957 ging der Preis an Indien mit Satyajit Ray’s Aparajito (Der Unbesiegte), dem zweiten Kapitel seiner gefeierten Apu-Trilogie. Im folgenden Jahr, 1958, kehrte der Goldene Löwe mit Hiroshi Inagakis Muhomatsu no issho (Der Rikscha-Mann) nach Japan zurück.⁸

Die Ausgabe von 1959 sah ein rein italienisches ex aequo, bei dem der Goldene Löwe zwischen zwei grundlegenden Werken der nationalen Filmkunst geteilt wurde: Mario Monicellis La grande guerra (Der große Krieg), eine bittere und kraftvolle Reflexion über den Ersten Weltkrieg, und Roberto Rossellinis Il generale Della Rovere (General Della Rovere), ein intensives Drama während der Nazi-Besatzung.⁸

Die Sechziger: Free Cinema, Nouvelle Vague und gesellschaftliches Engagement

Die 1960er Jahre begannen unter dem Zeichen eines erneuerten kulturellen und filmischen Aufbruchs. Das Filmfestival von Venedig wurde zu einer privilegierten Plattform für die Präsentation und Weihe neuer Bewegungen und ästhetischer Strömungen. Das Festival zeigte wichtige Filme des britischen Free Cinema, bis dahin dem breiten Publikum weitgehend unbekannt, wie Karel Reisz’s Saturday Night and Sunday Morning, Tony Richardsons A Taste of Honey und John Schlesingers Billy Liar. Parallel dazu fand die französische Nouvelle Vague ihre volle Weihe und war mit Werken vertreten, die die filmische Sprache neu definieren sollten.⁸

Der Goldene Löwe 1960 wurde an André Cayattes Le passage du Rhin (Morgen ist es meine Zeit), eine französisch-italienisch-deutsche Koproduktion, verliehen. 1961 ging der Preis an ein wegweisendes Werk filmischer Moderne, Alain Resnais‚ L’année dernière à Marienbad (Letztes Jahr in Marienbad).⁸

Die Ausgabe von 1962 sah erneut ein ex aequo, diesmal zwischen Italien und der Sowjetunion: Der Goldene Löwe wurde geteilt von Valerio Zurlinis Cronaca familiare (Familientagebuch) und Ivanovo detstvo (Iwan’s Kindheit), dem Debütwerk von Andrei Tarkovsky, der zu einem der größten Meister des Weltkinos werden sollte.⁸

Das italienische Kino setzte seinen Erfolg fort: 1963 gewann Francesco Rosis Le mani sulla città (Die Hände über der Stadt), ein kraftvoller Film, der Baulandspekulation und politische Korruption anprangert. 1964 ging der Goldene Löwe an Michelangelo Antonioni’s Il deserto rosso (Rotes Wüstensand), seinen ersten Farbfilm, ein Werk von außergewöhnlicher visueller und thematischer Kraft. Im folgenden Jahr, 1965, erhielt Luchino Visconti den Preis für Vaghe stelle dell’Orsa… (Sandra – Ein Mädchen aus tausend Freuden).

Die wachsende Aufmerksamkeit des Festivals für Filme mit starkem zivilgesellschaftlichem und politischem Engagement, die den Wandel des kulturellen und sozialen Klimas der Zeit widerspiegelten, bestätigte sich 1966 mit dem Sieg von Gillo Pontecorvos La battaglia di Algeri (Die Schlacht von Algier), einem epochalen Werk über den algerischen Unabhängigkeitskampf. Mit der Auszeichnung dieser Filme erkannte das Festival nicht nur deren künstlerischen Wert an, sondern wurde auch zu einem Resonanzboden für entscheidende Debatten und bewies seine Fähigkeit, ein Kino aufzufangen und zu fördern, das die Gegenwart kritisch hinterfragt.

Im Jahr 1967 wurde der Goldene Löwe an den surrealistischen Meister Luis Buñuel für Belle de jour (Schönheit des Tages) verliehen. Schließlich erlebte die Ausgabe von 1968, die in einem Klima starker Studenten- und Sozialproteste stattfand, welche das folgende Jahrzehnt tiefgreifend prägen sollten, den Sieg des westdeutschen Films Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos (Artists Under the Big Top: Perplexed) von Alexander Kluge.

Dieser zwanzigjährige Zeitraum von 1949 bis 1968 war entscheidend für das Filmfestival von Venedig. Das Festival gelang es, die Feier etablierter Meister mit der Entdeckung neuer Kinematographien und Bewegungen in Einklang zu bringen und festigte seine Rolle als wesentliche Plattform für die Entwicklung des Autorenkinos und die Durchsetzung neuer Ästhetiken. Seine Fähigkeit, die Forderungen des sozial engagierten Kinos aufzugreifen und zu verstärken, kündigte gewissermaßen die tiefgreifenden Umwälzungen und Proteste an, die das folgende Jahrzehnt prägen sollten.

V. Krise und Protest (1969-1979): Jahre der Wettbewerbsfreiheit und Unterbrechungen

Die Periode zwischen 1969 und 1979 stellt eine komplexe und schwierige Phase in der Geschichte des Internationalen Filmfestivals von Venedig dar. Im langen Nachhall der sozialpolitischen Proteste von 1968, die traditionelle kulturelle Institutionen und deren hierarchische Strukturen infrage stellten, geriet das Festival in eine tiefgreifende Identitätskrise, die zur Abschaffung der Preise und zu mehreren Unterbrechungen führte.

Abschaffung der Preise (1969-1979)

Der Druck der Proteste war so groß, dass sich italienische Regisseure, die bei der ANAC (Nationaler Verband der Filmautoren) registriert waren, weigerten, an der Veranstaltung in ihren traditionellen Formaten teilzunehmen. Als Reaktion auf diesen Druck und in dem Versuch, das Festival zu reformieren und als „demokratischer“ oder weniger an wettbewerbsorientierte Logiken gebunden erscheinen zu lassen, die als Ausdruck der bürgerlichen Kultur angesehen wurden, schaffte das Festival ab der Ausgabe von 1969 die Preise ab. So begann eine lange Phase ohne Wettbewerb, die das gesamte Jahrzehnt prägte, wobei das Festival in gewissem Sinne zum Geist seiner ersten Ausgabe von 1932 zurückkehrte und den Fokus auf die Präsentation von Werken statt auf deren hierarchische Bewertung legte.

Diese Entscheidung offenbarte einerseits eine gewisse „kulturelle Noblesse“ und den Versuch, sich von Marktdruck und Spektakularisierung zu lösen, machte das Festival andererseits aber „praktisch fremd gegenüber dem Konzept eines echten Festivals“, verstanden als international anziehende Wettbewerbsveranstaltung. Das Fehlen des Goldenen Löwen und anderer Hauptpreise schwächte das internationale Profil des Festivals und reduzierte seine Attraktivität für einen Teil der Filmindustrie und des Publikums.

Festivalunterbrechungen

Die Krise des Festivals in den 1970er Jahren wurde durch mehrere Unterbrechungen weiter verschärft. Das Festival fand in den Jahren 1973, 1977 und 1978 nicht statt. Im Jahr 1977 wurde anstelle der üblichen Veranstaltung lediglich eine Retrospektive speziell dem osteuropäischen Kino gewidmet. Diese Unterbrechungen waren ein deutliches Symptom der tiefgreifenden Krise, die das Festival durchlief.

Die Schwierigkeiten des Filmfestivals von Venedig in diesem Jahrzehnt waren kein isoliertes Phänomen, sondern Teil eines breiteren Bildes von Identitäts- und Finanzkrisen, denen viele italienische Kulturinstitutionen in jener Zeit gegenüberstanden, geprägt von starker politischer Instabilität, wachsenden sozialen Spannungen (den sogenannten „Jahren des Bleis“) und wirtschaftlichen Schwierigkeiten. Die Phrase „nach der Reform der Biennale“, die in einigen Quellen als Ursache der Unterbrechungen genannt wird, deutet ebenfalls darauf hin, dass interne Umstrukturierungen innerhalb der Hauptorganisation zu dieser Phase der Unsicherheit und reduzierten Aktivität beigetragen haben könnten.

Der „Ausgesetzte“ Goldene Löwe

Folglich wurde der Goldene Löwe, ein Symbol für das Prestige des Festivals, über ein Jahrzehnt lang nicht verliehen. Seine Rückkehr auf die Bühne erfolgte erst 1980 und markierte den Beginn einer neuen Phase des Neustarts und der Wiedererlangung des verlorenen Prestiges. Diese lange nicht-wettbewerbliche Zwischenzeit und die häufigen Unterbrechungen schufen ein Vakuum, das andere aufstrebende oder stabilere Filmfestivals nutzen konnten, um ihren Einfluss zu vergrößern, wodurch die spätere „Wiedergeburt“ Venedigs in den 1980er Jahren umso mühsamer und bedeutender wurde.

VI. Die Wiedergeburt und die Achtziger: Die Rückkehr des Goldenen Löwen und Neue Entdeckungen

Nach dem turbulenten Jahrzehnt des Protests und der Nicht-Wettbewerbsfähigkeit markierten die 1980er Jahre eine Phase bedeutender Wiedergeburt und wiederentdeckten internationalen Prestiges für das Internationale Filmfestival von Venedig. Unter der Leitung neuer künstlerischer Direktionen gelang es dem Festival, sich zu erneuern, zur Wettbewerbsformel zurückzukehren und sich als eines der wichtigsten Filmereignisse der Welt neu zu behaupten.

Die Rückkehr zur Wettbewerbsfähigkeit (1980)

Der Wendepunkt war die Wiedereinführung des Goldenen Löwen im Jahr 1980. Diese Entscheidung, getroffen unter der neuen Leitung von Carlo Lizzani (im Amt von 1979 bis 1982), war Teil einer umfassenderen Strategie zur Wiederherstellung des Images und Einflusses des Festivals auf der internationalen Bühne, nach dem Verlust an Zentralität in den 1970er Jahren. Die Wahl, ex aequo zwei Regisseure von großem Kaliber und unterschiedlicher Herkunft auszuzeichnen, wie den Franzosen Louis Malle für Atlantic City, U.S.A. und den Amerikaner John Cassavetes für Gloria, war ein klares Zeichen für diesen erneuerten Ehrgeiz und die globale Offenheit.

Ein goldenes Jahrzehnt für das Festival

Die 1980er Jahre gelten oft als wahres „goldenes Zeitalter“ des Filmfestivals von Venedig¹, geprägt von einem reichen und mutigen Programm, das große Autoren anzog und neue Talente entdeckte.

1981 erhielt der Goldene Löwe den westdeutschen Film Die bleiernen Jahre (Marianne und Juliane) von Margarethe von Trotta, ein intensives Werk, das die politischen und sozialen Spannungen der Zeit widerspiegelte.

Die Ausgabe von 1982 erlebte den Triumph eines weiteren Meisters des Neuen Deutschen Films, Wim Wenders, mit Der Stand der Dinge. In jenem Jahr zeigte das Festival, oft außer Konkurrenz oder in Parallelsektionen, Filme, die ikonisch werden sollten, wie Steven Spielbergs E.T. – Der Außerirdische, Ridley Scotts Blade Runner und Sergio Leones Es war einmal in Amerika, was die Fähigkeit demonstrierte, großes Kino in all seinen Formen zu erfassen.

Der Goldene Löwe von 1983 wurde an Prénom Carmen (Vorname: Carmen) des legendären Jean-Luc Godard⁸ vergeben, während 1984 der polnische Regisseur Krzysztof Zanussi mit Rok spokojnego słońca (Ein Jahr der stillen Sonne)⁸ gewann.

Frankreich triumphierte erneut 1985 mit Sans toit ni loi (Vagabond) von Agnès Varda, einer der wichtigsten weiblichen Figuren der Nouvelle Vague, und 1986 mit Le Rayon vert (Der Grüne Strahl) von Éric Rohmer.⁸

1987 war ein Jahr besonderer Erneuerung für das Festival, das eine starke öffentliche Unterstützung genoss und seine Suche nach neuen Autoren und Werken aus damals als aufstrebend oder weniger bekannt im Westen geltenden Kinematographien intensivierte, wie denen Indiens, Libanons, der Schweiz, Norwegens, Koreas und der Türkei. Der Goldene Löwe jenes Jahres ging zum zweiten Mal in der Karriere an Louis Malle für das bewegende Au revoir les enfants (Auf Wiedersehen, Kinder).

Die Ausgabe von 1988 ist in Erinnerung geblieben für die Präsentation von Martin Scorseses kontroversem Film Die letzte Versuchung Christi, der breite Debatten auslöste, und für die internationale Entdeckung des spanischen Regisseurs Pedro Almodóvar. In diesen Jahren erweiterte das Festival sein Angebot auch um neue Sektionen wie „Orizzonti“, „Special Events“ und „Notte“, die darauf abzielten, verschiedene Facetten der zeitgenössischen Filmproduktion zu erkunden. Der Goldene Löwe von 1988 wurde einem Meister des italienischen Kinos, Ermanno Olmi, für La leggenda del santo bevitore (Die Legende vom heiligen Trinker) verliehen.

Das Jahrzehnt endete 1989 mit dem Sieg des taiwanesischen Films Beiqing chengshi (Eine Stadt der Traurigkeit) von Hou Hsiao-hsien, was die Aufmerksamkeit des Festivals für qualitativ hochwertige asiatische Kinematographien bestätigte.

Dieser „neue Kurs“ der 1980er Jahre ermöglichte es dem Filmfestival von Venedig, seinen Status im Kreis der großen internationalen Festivals vollständig zurückzugewinnen. Die Fähigkeit, wieder große Autoren und hochkarätige Filme anzuziehen, verbunden mit einer aktiven Rolle bei der Entdeckung neuer Kinematographien und aufstrebender Talente, festigte seinen Einfluss. Das Festival zeigte eine ausgewogene redaktionelle Strategie, indem es kontroverse Filme präsentierte, die kulturelle Debatten anregten, und gleichzeitig populäre Blockbuster zeigte, wodurch es hohe mediale Aufmerksamkeit bewahrte, ohne die künstlerische Forschung zu opfern. Diese Vielseitigkeit – eine Bühne für die High Society, eine Plattform für Autorenkino und ein Ort der Diskussion – stärkte sein Image als zentrales und unverzichtbares kulturelles Ereignis in der Welt des Kinos.

VII. Von den Neunzigern bis zum neuen Jahrtausend: Konsolidierung und neue Sektionen

Auf der Welle der Wiedergeburt der Achtziger fortfahrend, trat das Internationale Filmfestival von Venedig den Neunzigern und dem Eintritt ins neue Jahrtausend entgegen, indem es sein Prestige festigte, weiterhin große internationale Autoren auszeichnete und den Entwicklungen der filmischen Sprache sowie der Produktionstechnologien Aufmerksamkeit schenkte.

Die Neunziger: Große Autoren und internationale Koproduktionen

Das Jahrzehnt begann mit dem Goldenen Löwen 1990, der an Rosencrantz & Guildenstern Are Dead verliehen wurde, dem Regiedebüt des berühmten Dramatikers Tom Stoppard. 1991 ging der Preis an Urga des russischen Regisseurs Nikita Mikhalkov, eine sowjetisch-französische Koproduktion, die ferne Landschaften und Kulturen erforschte.

Das asiatische Kino blieb in Venedig ein Protagonist: 1992 gewann der chinesische Regisseur Zhang Yimou mit Qiu Ju da guan si (Die Geschichte von Qiu Ju).

Die Ausgaben 1993 und 1994 zeichneten sich durch ex aequo verliehene Goldene Löwen aus, eine Entscheidung, die entweder eine außergewöhnlich hohe Durchschnittsqualität der Wettbewerbsfilme widerspiegeln konnte, eine Schwierigkeit der Jury, einen einstimmigen Konsens zu finden, oder sogar den Wunsch, gleichzeitig mehrere bedeutende Strömungen oder Kinematographien in einem sich rasch wandelnden Weltpanorama nach dem Ende des Kalten Krieges anzuerkennen. 1993 wurde der Preis geteilt zwischen dem Amerikaner Robert Altman mit Short Cuts und dem Polen Krzysztof Kieślowski mit Trois couleurs: Bleu (Drei Farben: Blau). Im folgenden Jahr, 1994, ging das ex aequo an den Mazedonier Milčo Mančevski mit Pred doždot (Vor dem Regen) und den Taiwanesen Tsai Ming-liang mit Aiqing wansui (Vive L’Amour). Während die Teilung des Preises die Einzigartigkeit der Auszeichnung verwässern kann, zeugt sie auch von der Vielfalt und Komplexität des Kinos jener Zeit, wobei das Festival als Interpret dieser Vielfalt fungierte.

1995 gewann der Goldene Löwe Xích lô (Cyclo) des franco-vietnamesischen Regisseurs Trần Anh Hùng. Im folgenden Jahr, 1996, ging der Preis an Michael Collins des Iren Neil Jordan, eine imposante historische Rekonstruktion.

Japan triumphierte 1997 erneut mit Hana-bi (Feuerwerk) von Takeshi Kitano, einem Werk, das den Regisseur international endgültig etablierte. 1998 zeichnete der Goldene Löwe das italienische Kino mit Gianni Amelios Così ridevano (So lachten sie)⁸ aus.

Das Jahrzehnt schloss mit einem zweiten Goldenen Löwen für Zhang Yimou, der 1999 mit Yi ge dou bu neng shao (Keiner darf fehlen) den Preis gewann.

Frühe 2000er: Innovation und neue Technologien

Der Eintritt ins neue Jahrtausend sah das Filmfestival von Venedig auf dem Pfad des Prestiges fortschreiten, sich aber auch entschlossen für Innovationen und die neuen Herausforderungen öffnen, die die Entwicklung der Filmindustrie mit sich brachte.

Im Jahr 2000 wurde der Goldene Löwe an Dayereh (Der Kreis) von dem Iraner Jafar Panahi verliehen, ein kraftvoller und mutiger Film über die Lage der Frauen in seinem Land. Im folgenden Jahr, 2001, gewann Mira Nair mit Monsoon Wedding, einer lebendigen internationalen Koproduktion, die die indische Kultur feiert.

2002 war ein bedeutendes Jahr für die Einführung der Sektion „Controcorrente“ (ursprünglich „Upstream“), die „Filmen von besonderer Vitalität und Originalität“ gewidmet ist, oft Erst- oder Zweitwerke oder Werke von Autoren, die mit neuen Sprachen experimentieren. Diese neue Sektion zeigte den Wunsch des Festivals, eine Plattform für Entdeckung und Innovation zu bleiben und sich nicht nur auf die Würdigung traditioneller Werke zu beschränken. Der Goldene Löwe 2002 ging an The Magdalene Sisters von Peter Mullan, ein dramatischer irisch-britischer Film.

2003 erhielt der russische Film Vozvraščenie (Die Rückkehr) von Andrey Zvyagintsev die höchste Auszeichnung, ein Debütwerk von großer visueller und erzählerischer Wirkung.

Das Interesse an neuen Technologien zeigte sich 2004 mit der Einführung der Sektion „Digital Cinema“ (zuvor „New Digital Territories“ oder „Net Image“), die das kreative Potenzial neuer Produktions- und Verbreitungsmittel erforschte. Im selben Jahr wurden Goldene Löwen für das Lebenswerk an zwei Kinogiganten verliehen, Manoel de Oliveira und Stanley Donen. Der Goldene Löwe für den besten Film 2004 ging an Vera Drake des britischen Regisseurs Mike Leigh.

Die Fähigkeit, technologische und künstlerische Neuerungen zu integrieren und sich weiterzuentwickeln, erwies sich für ein historisches Festival wie Venedig als entscheidend, um seine Relevanz im Laufe der Zeit zu bewahren und weiterhin ein Ort der Entdeckung und der Vorwegnahme zukünftiger Entwicklungen des Kinos zu sein.

VIII. Das Festival im 21. Jahrhundert (2005–heute): Globale Herausforderungen, neue Autoren und Vielfalt

Im gesamten 21. Jahrhundert hat das Internationale Filmfestival von Venedig weiterhin einen unverzichtbaren Bezugspunkt in der globalen Filmlandschaft dargestellt. Es hat es geschafft, zeitgenössische Herausforderungen zu meistern, neue Autoren aus allen Teilen der Welt zu fördern und seine thematischen und formalen Horizonte zu erweitern, wodurch es seinen Status als avantgardistisches Festival bestätigte.

Anhaltender Prestige und Anerkennung für vielfältige Kinematographien

Die Ehrenliste der Goldenen Löwen im neuen Jahrtausend zeugt von einer außergewöhnlichen geografischen Offenheit und der Fähigkeit, Werke von großem künstlerischem Wert aus heterogenen kulturellen Kontexten zu erfassen.

2005 wurde der Goldene Löwe an Ang Lee für Brokeback Mountain verliehen, einen Film, der sensibel das Thema homosexueller Liebe im Kontext des amerikanischen Westens behandelte. Im folgenden Jahr, 2006, ging der Preis an den chinesischen Regisseur Jia Zhangke für Sanxia haoren (Still Life), ein poetisches und kritisches Werk über die Transformation des zeitgenössischen China. Ang Lee gewann 2007 seinen zweiten Goldenen Löwen mit Se, jie (Lust, Caution) und wurde damit einer der wenigen Regisseure, die diese doppelte Auszeichnung erhielten.

Das amerikanische Kino kehrte 2008 mit Darren Aronofskys The Wrestler zum Sieg zurück, was auch ein großes Comeback für den Schauspieler Mickey Rourke bedeutete. 2009 wurde das Goldene Löwen an das israelische Kino mit Samuel Maoz‘ Levanon (Lebanon), ein klaustrophobisches Kriegsdrama, verliehen.

Sofia Coppola gewann 2010 mit Somewhere, gefolgt 2011 vom Russen Aleksandr Sokurov mit seiner imposanten Adaption von Faust. 2012 ging der Goldene Löwe an den kontroversen südkoreanischen Regisseur Kim Ki-duk für Pietà.

Ein bedeutender Wendepunkt ereignete sich 2013, als zum ersten Mal in der Geschichte des Festivals der Goldene Löwe an einen Dokumentarfilm verliehen wurde: Sacro GRA von dem Italiener Gianfranco Rosi, ein beispielloses Porträt des Lebens rund um die Große Ringstraße Roms. Diese Wahl signalisierte eine bemerkenswerte Offenheit des Festivals gegenüber filmischen Formen, die zuvor als weniger „auteurhaft“ oder für den Hauptwettbewerb ungeeignet galten, und spiegelte eine Entwicklung im Begriff des Arthouse-Kinos wider.

2014 ging der Preis an den schwedischen Regisseur Roy Andersson für den höchst originellen En duva satt på en gren och funderade på tillvaron (Eine Taube saß auf einem Zweig und dachte über das Dasein nach). 2015 siegte der Venezolaner Lorenzo Vigas mit Desde allá (Von fern), dem ersten venezolanischen Film, der eine solche Anerkennung erhielt. 2016 gewann der Filipino Lav Diaz mit seinem langen und intensiven Werk Ang Babaeng Humayo (Die Frau, die ging).

Der Mexikaner Guillermo del Toro gewann 2017 mit der düsteren Fabel The Shape of Water, die später auch bei den Oscars triumphieren sollte. Im folgenden Jahr, 2018, war der mexikanische Regisseur Alfonso Cuarón mit Roma an der Reihe, einem autobiografischen Werk von großer visueller und emotionaler Wirkung, das zudem den ersten Sieg eines Films markierte, der von einer Streaming-Plattform (Netflix) produziert wurde, was eine weitere Öffnung des Festivals gegenüber neuen Produktions- und Vertriebsmodellen anzeigte.

2019 ereignete sich ein weiteres historisches Ereignis: Der Goldene Löwe wurde an Todd Phillips‘ Joker verliehen, den ersten Film, der auf einer Comicfigur basiert und im Wettbewerb in Venedig den Hauptpreis gewann, was die Fähigkeit des Festivals demonstrierte, Werke aus populären Genres künstlerisch zu legitimieren.

Regisseurin Chloé Zhao triumphierte 2020 mit Nomadland, einem berührenden Porträt des zeitgenössischen Amerika. 2021 ging der Goldene Löwe an den französischen Film L’Événement (Happening) von Audrey Diwan, ein intensives Drama zum Thema Abtreibung.

2022 gewann der zweite Dokumentarfilm in der Geschichte des Festivals den Goldenen Löwen: All the Beauty and the Bloodshed von der Amerikanerin Laura Poitras, ein Werk, das Kunst, Aktivismus und soziale Anklage miteinander verwebt. 2023 wurde der Preis an Poor Things des griechischen Regisseurs Yorgos Lanthimos verliehen, ein visionäres und provokantes Werk. Schließlich gewann 2024 der spanische Regisseur Pedro Almodóvar mit The Room Next Door den Goldenen Löwen, was den ersten Sieg eines spanischen Films in der Geschichte des Festivals markiert.

Diese bemerkenswerte geografische und genreübergreifende Vielfalt der Gewinner zeugt von der gefestigten Rolle des Festivals als wahrhaft globale Plattform, die in der Lage ist, filmische Exzellenz von jedem Kontinent zu würdigen und eine sich ständig wandelnde Filmlandschaft widerzuspiegeln.

Neue Sektionen und Aufmerksamkeit für Nachhaltigkeit

Neben den Hauptpreisen hat sich das Festival auch strukturell weiterentwickelt. Im Jahr 2017 wurde eine Wettbewerbssparte für Virtual-Reality-(VR)-Filme eingeführt, genannt „Venice Immersive“ (früher Venice VR), was das Interesse des Festivals an neuen Grenzen des audiovisuellen Erzählens belegt.

Parallel dazu hat sich der Fokus auf die Themen Umweltauswirkungen und Nachhaltigkeit von Großveranstaltungen im Kulturbereich deutlich verstärkt. Das Festival hat begonnen, Praktiken umzusetzen, die darauf abzielen, seinen ökologischen Fußabdruck zu reduzieren und ein größeres Bewusstsein für diese Themen innerhalb der Filmbranche zu fördern, indem es mit Nachhaltigkeitsexperten zusammenarbeitet und Emissionsausgleiche evaluiert.

Diese zukunftsorientierte Ausrichtung, die technologische Innovation mit ökologischer Verantwortung verbindet, zeigt ein Festival, das sich der zeitgenössischen Herausforderungen bewusst ist und seine Rolle bei der Förderung einer verantwortungsvolleren Filmindustrie im Einklang mit der Zeit wahrnimmt.

IX. Ehrenliste: Die Gewinnerfilme des Hauptpreises des Internationalen Filmfestivals von Venedig

Die Geschichte des Hauptpreises des Internationalen Filmfestivals von Venedig ist komplex und spiegelt die Entwicklung des Festivals selbst wider. Bevor die Gewinnerfilme aufgelistet werden, ist es nützlich, kurz die Veränderungen des Namens der höchsten Auszeichnung und die Zeiträume, in denen sie nicht vergeben wurde, zu betrachten.

Übersichtstabelle zur Entwicklung des Hauptpreises

Im Folgenden die chronologische Liste der Filme, die den Hauptpreis des Internationalen Filmfestivals von Venedig gewonnen haben, mit Filmtitel, Jahr, Regisseur, Produktionsland, einem Link zu einem Trailer oder bedeutenden Clip auf YouTube sowie einer kurzen Beschreibung.

Man of Aran 1934 (Robert J. Flaherty, Vereinigtes Königreich/Irland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester Ausländischer Film)

Die Insel Aran, ein unwirtlicher Felsen vor der Westküste Irlands, bildet die Kulisse für das harte Leben einer kleinen Gemeinschaft von Fischern und Hirten. Der Film, der zwischen Dokumentation und Fiktion angesiedelt ist, erzählt von ihrem ewigen Kampf gegen den Ozean und die Naturgewalten, geprägt von natürlichen Zyklen und dem täglichen Überlebenskampf.

Teresa Confalonieri 1934 (Guido Brignone, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Der Film erzählt die Geschichte von Teresa Confalonieri, einer berühmten Persönlichkeit des italienischen Risorgimento. Im Jahr 1821 wird ihr Ehemann, Graf Federico Confalonieri, ein Carbonaro, von den Österreichern verhaftet und zum Tode verurteilt. Teresa unternimmt einen mühsamen Kampf und fleht die Mächtigen in Wien an, eine Begnadigung für ihren Mann zu erwirken, dessen Todesstrafe schließlich in lebenslange Haft umgewandelt wird.

Anna Karenina 1935 (Clarence Brown, USA)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester ausländischer Film)

Basierend auf dem berühmten Roman von Leo Tolstoi erzählt der Film die überwältigende und tragische Liebesgeschichte zwischen Anna Karenina, der Ehefrau eines hochrangigen russischen Beamten, und dem Armeoffizier Graf Vronsky. Für ihn verlässt Anna ihre Ehe, ihren Sohn und ihre gesellschaftliche Stellung und steuert auf ein dramatisches Schicksal zu. 28

Casta Diva 1935 (Carmine Gallone, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Der Film romantisiert die Jugend des Komponisten Vincenzo Bellini. Verliebt in Maddalena Fumaroli komponiert er für sie die berühmte Arie „Casta Diva“. Nach seinem Erfolg wird Bellini diese Arie in die Oper Norma einfügen, wodurch er sie vor einem möglichen Fiasko rettet und seinen Ruhm begründet.

Der Kaiser von Kalifornien (L’imperatore della California) 1936 (Luis Trenker, NS-Deutschland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester ausländischer Film)

Anfang des neunzehnten Jahrhunderts emigriert Johann August Sutter, ein deutscher Staatsbürger schweizerischer Herkunft, aus politischen Gründen nach Nordamerika. Er lässt sich in den Tälern um Sacramento nieder und gründet eine wohlhabende Ranch. Doch die Entdeckung von Gold auf seinem Land löst einen Ansturm auf die Aneignung aus, der zu seinem Ruin führen wird.

Die weiße Eskadron (Lo squadrone bianco) 1936 (Augusto Genina, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Ein Kavallerieoffizier, enttäuscht in der Liebe, meldet sich freiwillig bei den italienischen Kameltruppen in Libyen. Das Leben in der Wüste ist äußerst hart, doch der junge Offizier stellt sich jeder Prüfung mit Mut, beweist seinen Wert und wird Zeuge des heldenhaften Todes seines Hauptmanns, wobei er sich letztlich entscheidet, seiner Pflicht treu zu bleiben.

Un Carnet de Bal (Carnet di ballo) 1937 (Julien Duvivier, Frankreich)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester ausländischer Film)

Eine junge Witwe, Christine, entdeckt nach sechzehn Jahren eine alte Tanzkarte wieder. Diese Entdeckung veranlasst sie, ihre damaligen Tanzpartner aufzusuchen, um herauszufinden, was aus ihnen geworden ist. Die Reise in die Erinnerung führt sie dazu, sich der Vergangenheit zu stellen und zu erkennen, dass die schönen Momente nicht zurückkehren können, was sie dazu bewegt, sich dem verwaisten Sohn des Mannes zu widmen, den sie am meisten geliebt hatte.

Scipio Africanus: Die Niederlage Hannibals (Scipione l’africano) 1937 (Carmine Gallone, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Dieses historische Epos erzählt die Taten von Publius Cornelius Scipio während des Zweiten Punischen Krieges. Nach der katastrophalen Niederlage der Römer bei Cannae durch Hannibal schildert der Film Scipios militärischen Feldzug in Afrika, der in der entscheidenden römischen Schlacht von Zama gipfelt und das Ende der karthagischen Macht markiert.

Olympia 1938 (Leni Riefenstahl, NS-Deutschland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester ausländischer Film)

Ein monumentaler Dokumentarfilm über die Olympischen Spiele 1936 in Berlin, unterteilt in zwei Teile: „Festival der Nationen“ und „Festival der Schönheit“. Der vom NS-Regime in Auftrag gegebene Film feiert das Sportereignis mit einer imposanten und für die damalige Zeit innovativen Ästhetik, ist jedoch auch von propagandistischen Elementen durchdrungen, die das arische Ideal und die Macht des nationalsozialistischen Deutschlands verherrlichen. Er zeigt Massenaufnahmen des Publikums, der anwesenden Persönlichkeiten, darunter Adolf Hitler, sowie der sportlichen Wettkämpfe.

Luciano Serra, Pilot (Luciano Serra pilota) 1938 (Goffredo Alessandrini, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Luciano Serra, ein heldenhafter Pilot des Ersten Weltkriegs, hat Schwierigkeiten, sich nach dem Krieg an das zivile Leben anzupassen, und riskiert aus Liebe zum Fliegen den Verlust der Zuneigung seiner Familie. Von seiner Frau verlassen und nach einem Unfall für tot gehalten, meldet er sich unter falschem Namen freiwillig für den Äthiopienkrieg. Dort trifft er auf seinen Sohn, ebenfalls Pilot, und rettet dessen Leben, indem er sein eigenes opfert.

Kardinal Messias (Abuna Messias) 1939 (Goffredo Alessandrini, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester italienischer Film)

Der Film erzählt das Leben von Kardinal Guglielmo Massaia, einem Missionar und Evangelisierer von Abessinien (Äthiopien) im 19. Jahrhundert. Massaia, der allein und ohne staatliche Unterstützung nach Afrika kommt, bildet eine Allianz mit König Menelik, muss sich jedoch der Feindseligkeit von Abuna Atanasio und dem Kaiser stellen, die ihn schließlich zwingen, seine Mission aufzugeben.

Der Postmeister (The Postmaster) 1940 (Gustav Ucicky, NS-Deutschland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester ausländischer Film)

Basierend auf einer Novelle von Alexander Puschkin, erzählt der Film die Geschichte von Dunja, der schönen Tochter eines naiven und liebenswerten Postmeisters. Das Mädchen verliebt sich unsterblich in den Kavalleriekapitän Minskij, der sie mit dem Versprechen der Heirat überredet, ihm nach Sankt Petersburg zu folgen. Dort entehrt der Offizier sie und macht sie zur Mätresse der feinen Gesellschaft. Ihr verzweifelter Vater macht sich auf die Suche nach ihr.

Die Belagerung des Alcázar (L’assedio dell’Alcazar) 1940 (Augusto Genina, Italien)

Kriegpropagandafilm, der den Widerstand der spanischen Nationalisten, die während des Spanischen Bürgerkriegs im Alcázar von Toledo belagert wurden, feiert. Das Werk preist den Heldentum und das Opfer der Verteidiger gegen die republikanischen Truppen.

Ohm Krüger (Onkel Krüger) 1941 (Hans Steinhoff, NS-Deutschland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester Ausländischer Film)

Anti-britischer propagandistischer Biografiefilm, der das Leben von Paul Kruger, dem Burenführer und Präsident der Südafrikanischen Republik, sowie seinen Kampf gegen das Britische Empire während des Zweiten Burenkriegs erzählt. Der Film stellt die Briten als skrupellos und hinterhältig dar, während die Buren als heroische Opfer erscheinen.

Das weiße Schiff (La nave bianca) 1941 (Roberto Rossellini, Italien)

Ein Propagandawerk unter Aufsicht der italienischen Königlichen Marine, der Film erzählt die Geschichte des Lebens an Bord eines italienischen Kriegsschiffs während eines Seegefechts. Nach einem Treffer wird die Besatzung von einem Hospitalschiff (dem „weißen Schiff“) gerettet, wo die Verwundeten von hingebungsvollen Rotkreuzschwestern versorgt werden und etwas Ruhe finden. Der Film gilt als einer der Vorläufer des Neorealismus.

Der große König (Der große König) 1942 (Veit Harlan, NS-Deutschland)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester Ausländischer Film)

Monumentaler Historienfilm, der die Figur Friedrich II. von Preußen, bekannt als Friedrich der Große, glorifiziert. Der Film spielt während des Siebenjährigen Kriegs und zeigt den preußischen König als charismatischen Führer und militärisches Genie, der sein Land zum Sieg gegen überlegene Gegner führen kann, und preist den Geist des Opfers und die preußische Disziplin. Er war eine bedeutende Propagandaproduktion des Dritten Reichs.

Bengasi 1942 (Augusto Genina, Italien)

(Gewinner Mussolini-Pokal Bester Italienischer Film)

Kriegpropagandafilm, der während der Nordafrika-Kampagne im Zweiten Weltkrieg spielt. Er erzählt die Ereignisse einiger italienischer Zivilisten und Soldaten während der britischen Besetzung von Bengasi und der anschließenden Rückeroberung durch Italo-deutsche Truppen. Der Film preist den italienischen Heldentum und die Treue zum Vaterland.

Großer Internationaler Preis von Venedig

Der Südstaatler (The Southerner) 1946 (Jean Renoir, USA)

(Gewinner Preis der Jury der Journalisten)

Sam Tucker, ein armer texanischer Pächter, beschließt, ein vernachlässigtes Stück Land eigenständig zu bewirtschaften, um seiner Familie eine bessere Zukunft zu bieten. Er steht vor einem Jahr harter Kämpfe gegen Krankheit, schlechtes Wetter (eine Überschwemmung) und die Feindseligkeit eines eifersüchtigen Nachbarn, kämpft ums Überleben und den Traum eines unabhängigen Lebens.

Der Streik (Siréna) 1947 (Karel Steklý, Tschechoslowakei)

(Gewinner des Großen Internationalen Preises von Venedig)

Der Film spielt in einer böhmischen Bergbaustadt am Ende des 19. Jahrhunderts und erzählt, stilistisch dem italienischen Neorealismus nahestehend, die Geschichte eines Bergarbeiterstreiks. Der Protest, ausgelöst durch niedrige Löhne und miserable Lebensbedingungen, wird von der Polizei brutal niedergeschlagen, und ein wütender Mob greift das Haus des verantwortlichen Industriellen an.

Hamlet 1948 (Laurence Olivier, Vereinigtes Königreich)

(Gewinner des Großen Internationalen Preises von Venedig)

Eine filmische Adaption von William Shakespeares

Goldener Löwe von San Marco

Manon 1949 (Henri-Georges Clouzot, Frankreich)

(Gewinner des Goldenen Löwen von San Marco)

Eine freie Adaption von Abbé Prévosts Roman Manon Lescaut, angesiedelt im Zweiten Weltkrieg. Robert Des Grieux, ein Kämpfer der französischen Résistance, rettet Manon, eine junge Frau, die der Kollaboration mit den Nazis beschuldigt wird. Zwischen den beiden entwickelt sich eine überwältigende Leidenschaft, die sie auf eine verzweifelte Flucht und eine Reihe von Kompromissen führt, die in einem tragischen Epilog in der Wüste gipfelt, während sie versuchen, Palästina zu erreichen.

Die Gerechtigkeit siegt (Justice est faite) 1950 (André Cayatte, Frankreich)

(Gewinner des Goldenen Löwen von San Marco)

Der Film untersucht die Funktionsweise der Justiz anhand des Prozesses gegen Elsa Lundenstein, die beschuldigt wird, ihren unheilbar kranken Ehemann euthanasiert zu haben. Die Erzählung konzentriert sich auf die Beratungen der Laienjury, deren Mitglieder von ihren eigenen Lebenserfahrungen und persönlichen Vorurteilen beeinflusst sind, was zu unterschiedlichen Interpretationen der vorgelegten Fakten führt und komplexe moralische Fragen aufwirft.

Rashomon 1951 (Akira Kurosawa, Japan)

(Gewinner des Goldenen Löwen von San Marco)

Im mittelalterlichen Japan suchen ein Holzfäller, ein Mönch und ein Bürger Schutz vor einem Sturm unter dem verfallenen Rashomon-Tor. Sie diskutieren ein kürzliches und verwirrendes Verbrechen: den Mord an einem Samurai und die Vergewaltigung seiner Frau in einem Wald durch einen berüchtigten Banditen, Tajomaru. Das Ereignis wird durch vier widersprüchliche Zeugenaussagen erzählt: die des Banditen, der Frau, des Geistes des Samurai (heraufbeschworen von einem Medium) und des Holzfällers, der behauptet, heimlich Zeuge gewesen zu sein. Der Film erforscht die Relativität der Wahrheit und die Natur des menschlichen Gedächtnisses.

Verbotene Spiele (Jeux interdits) 1952 (René Clément, Frankreich)

(Gewinner Löwe von San Marco)

Während des französischen Exodus im Juni 1940 verliert die kleine Paulette, fünf oder sechs Jahre alt, ihre Eltern und ihren Welpen bei einem deutschen Luftangriff. Traumatisiert wird sie von einer Bauernfamilie aufgenommen und entwickelt eine tiefe Freundschaft zu deren zehnjährigem Sohn Michel. Gemeinsam versuchen die beiden Kinder, Trauer und die Brutalität des Krieges zu verarbeiten, indem sie einen geheimen Tierfriedhof anlegen – ein unschuldiges und makabres Spiel, das die Erwachsenenwelt widerspiegelt.

(1953: Kein Löwe von San Marco vergeben)

Romeo und Julia (Giulietta e Romeo) 1954 (Renato Castellani, Italien/Vereinigtes Königreich)

(Gewinner Goldener Löwe)

Eine filmische Adaption von William Shakespeares berühmter Tragödie. Im Renaissance-Verona sind die Familien Montague und Capulet durch einen uralten Hass getrennt. Romeo Montague und Julia Capulet verlieben sich unsterblich, doch ihre Leidenschaft wird durch die Fehde der Familien vereitelt, was sie in ein tragisches Schicksal führt. Der Film ist bekannt für seinen realistischen Ansatz und die eindrucksvolle Dreharbeiten an Originalschauplätzen.

Ordet (Das Wort) 1955 (Carl Theodor Dreyer, Dänemark)

(Gewinner Goldener Löwe)

Der Film spielt auf dem dänischen Land Anfang des 20. Jahrhunderts und behandelt Themen wie Glaube, Zweifel und Wunder anhand der Ereignisse der Familie Borgen. Der Patriarch Morten, seine drei Söhne – Mikkel, verheiratet und Atheist; Johannes, ein Theologiestudent, der verrückt geworden ist und glaubt, Jesus Christus zu sein; und der junge Anders, der in die Tochter eines Schneiders einer anderen Konfession verliebt ist – stehen vor einer spirituellen und familiären Krise, die im Tod und der möglichen Auferstehung von Inger, Mikkels Ehefrau, gipfelt.

(1956: Kein Goldener Löwe vergeben)

Aparajito (Der Unbesiegte) 1957 (Satyajit Ray, Indien)

(Gewinner Goldener Löwe)

Das zweite Kapitel der „Apu-Trilogie“ folgt dem Heranwachsen des jungen Apu. Nach dem Tod seines Vaters in Benares ziehen Apu und seine Mutter Sarbajaya in ein Dorf in Bengalen. Apu glänzt in der Schule und erhält ein Stipendium für das College in Kalkutta. Sein Weggang und seine wachsende Unabhängigkeit verursachen tiefe Trauer bei seiner Mutter, die sich zunehmend einsam fühlt. Der Film erforscht den Konflikt zwischen individuellen Bestrebungen und familiären Bindungen.

Muhomatsu, der Rikscha-Fahrer (Muhomatsu no issho) 1958 (Hiroshi Inagaki, Japan)

(Gewinner Goldener Löwe)

Der Film spielt im Japan des frühen 20. Jahrhunderts und erzählt die Geschichte von Matsugoro, einem armen, aber lebhaften und großzügigen Rikscha-Fahrer. Nachdem er einem verletzten Kind, Toshio, geholfen hat, wird Matsu mit dessen Familie befreundet. Als Toshios Vater plötzlich stirbt, übernimmt Matsu eine väterliche Rolle für den Jungen und verliebt sich heimlich in die verwitwete Mutter Yoshiko, obwohl ihm die große soziale Klassenunterschied bewusst ist, die sie trennt.

Der große Krieg (La grande guerra) 1959 (Mario Monicelli, Italien/Frankreich)

(Gewinner des Goldenen Löwen ex aequo)

Während des Ersten Weltkriegs, 1916, versuchen Roman Oreste Jacovacci und der Mailänder Giovanni Busacca, zwei ausweichende, listige und im Grunde feige Soldaten, auf jede erdenkliche Weise, den Gefahren an der Front zu entgehen. Trotz anfänglicher Differenzen und Streitigkeiten entwickelt sich zwischen den beiden eine unwahrscheinliche Freundschaft. Während des Rückzugs von Caporetto von den Österreichern gefangen genommen, stehen sie vor einer extremen Wahl, die sie zu einer unerwarteten Heldentat führen wird.

General Della Rovere (Il generale Della Rovere) 1959 (Roberto Rossellini, Italien/Frankreich)

(Gewinner des Goldenen Löwen ex aequo)

Genua, 1944, während der Nazi-faschistischen Besatzung. Emanuele Bardone, ein Betrüger, der sich als Oberst Grimaldi ausgibt, erpresst Geld von den Familien politischer Gefangener, indem er Vermittlungen verspricht. Von der Gestapo entdeckt und verhaftet, stimmt er einer Zusammenarbeit mit den Nazis zu: Er muss sich als General Della Rovere, ein gerade hingerichteter Widerstandskämpfer, in das Gefängnis San Vittore einschleusen, um Informationen von politischen Häftlingen zu gewinnen. Diese Erfahrung wird ihn tiefgreifend verändern.

Morgen gehört mir (Le Passage du Rhin) 1960 (André Cayatte, Frankreich/Italien/Westdeutschland)

(Gewinner des Goldenen Löwen)

Während des Zweiten Weltkriegs, nach der Niederlage Frankreichs 1940, werden zwei französische Soldaten, der Konditor Roger Perrin und der Journalist Jean Durrieu, gefangen genommen und als Zwangsarbeiter auf einen deutschen Bauernhof geschickt. Roger integriert sich in das Landleben und teilt die Freuden und Sorgen der Bauern, während Jean Helga, die Tochter des Bürgermeisters, verführt, in der Hoffnung, einen Weg zur Flucht zu finden und zurückzukehren, um zu kämpfen. Der Film erforscht unterschiedliche menschliche Reaktionen auf Gefangenschaft und Krieg.

Letztes Jahr in Marienbad (L’année dernière à Marienbad) 1961 (Alain Resnais, Frankreich/Italien)

(Gewinner des Goldenen Löwen)

In einem prächtigen und labyrinthartigen barocken Hotel versucht ein Mann (X), eine Frau (A) davon zu überzeugen, dass sie sich im Vorjahr, vielleicht in Marienbad, getroffen und eine Affäre gehabt hätten, und verspricht, gemeinsam zu fliehen. Sie erinnert sich nicht oder leugnet es. Durch Fragmente von Gesprächen, unsichere Erinnerungen und rätselhafte Situationen erforscht der Film die Natur von Zeit, Erinnerung und Realität in einer traumhaften und nicht-linearen Erzählstruktur.

Familientagebuch (Cronaca familiare) 1962 (Valerio Zurlini, Italien)

(Gewinner des Goldenen Löwen ex aequo)

Basierend auf Vasco Pratolinis autobiografischem Roman gleichen Namens erzählt der Film die Geschichte von zwei Brüdern, Enrico und Lorenzo (Dino im Film). Als er vom vorzeitigen Tod seines jüngeren Bruders Lorenzo erfährt, erinnert sich Enrico, ein römischer Journalist, an ihre Vergangenheit: ihre Trennung in der Kindheit, Lorenzo wurde von seiner armen Großmutter aufgezogen und später einem wohlhabenden Butler anvertraut, während Enrico bei der Großmutter blieb. Der Film erforscht die komplexe und manchmal schmerzhafte brüderliche Bindung, geprägt von Distanz und einer tiefen, aber unausgesprochenen Zuneigung.

Ivans Kindheit (Ivanovo detstvo) 1962 (Andrei Tarkovsky, Sowjetunion)

(Gewinner Goldener Löwe ex aequo)

Während des Zweiten Weltkriegs an der Ostfront arbeitet der zwölfjährige Ivan Bondarev, dessen Eltern von deutschen Soldaten getötet wurden, als mutiger Späher für die Rote Armee und überquert feindliche Linien durch Sümpfe und Flüsse. Trotz der Versuche einiger Offiziere, ihn durch eine Versetzung in den Rücken zu schützen, wird Ivan von einem Rachedurst getrieben und weigert sich, den Kampf aufzugeben. Der Film ist eine kraftvolle Anklage gegen den Krieg und den Verlust der Unschuld.

Hände über der Stadt (Le mani sulla città) 1963 (Francesco Rosi, Italien)

(Gewinner Goldener Löwe)

Neapel, Anfang der sechziger Jahre. Der Einsturz eines Gebäudes in einem Arbeiterviertel, verursacht durch spekulative Bauarbeiten, löst eine Untersuchung und eine hitzige politische Debatte aus. Im Mittelpunkt der Geschichte steht Edoardo Nottola, ein mächtiger Bauunternehmer und rechtsgerichteter Stadtrat, der seine Interessen zu schützen und sein Geschäft fortzuführen versucht, indem er sich zwischen Korruption, politischer Intrige und Zynismus bewegt. Der Film ist eine gnadenlose Anklage gegen die Bauspekulation und die Verflechtungen zwischen wirtschaftlicher und politischer Macht.

Rotes Wüstenmeer (Il deserto rosso) 1964 (Michelangelo Antonioni, Italien/Frankreich)

(Gewinner Goldener Löwe)

Giuliana, die junge Ehefrau eines Industrieingenieurs in Ravenna, erlebt eine tiefe existentielle Krise und ein Gefühl der Entfremdung. Nach einem Autounfall, der sie traumatisierte, kämpft sie darum, einen Sinn in ihrem Leben zu finden, umgeben von einer kalten und verschmutzten Industrielandschaft, die ihre innere Malaise zu spiegeln scheint. Sie trifft Corrado, einen Kollegen ihres Mannes, mit dem sie eine kurze Affäre hat, doch auch diese vermag ihre Leere nicht zu füllen. Antonionis erster Farbfilm, der Farbe expressiv einsetzt.

Sandra der tausend Freuden (Vaghe stelle dell’Orsa…) 1965 (Luchino Visconti, Italien)

(Gewinner Goldener Löwe)

Sandra (Claudia Cardinale) kehrt mit ihrem amerikanischen Ehemann Andrew in ihre Heimatstadt Volterra zurück, um an einer Zeremonie zu Ehren ihres jüdischen Vaters teilzunehmen, eines Wissenschaftlers, der von den Nazis deportiert und getötet wurde. Die Rückkehr in das dekadente Familienhaus weckt Gespenster der Vergangenheit: die ambivalente und fast inzestuöse Beziehung zu ihrem Bruder Gianni, einem gescheiterten Schriftsteller, die schwierigen Bindungen zu ihrer kranken Mutter und deren aktuellem Partner, dem Verrat an ihrem Vater vorgeworfen wird. Unausgesprochene Geheimnisse und Spannungen treten zutage und führen zu einem tragischen Epilog.

Die Schlacht von Algier (La battaglia di Algeri) 1966 (Gillo Pontecorvo, Algerien/Italien)

(Gewinner des Goldenen Löwen)

Der Film rekonstruiert mit dokumentarischem Stil und großem Realismus die entscheidenden Ereignisse der Schlacht von Algier (1954–1957) während des algerischen Unabhängigkeitskrieges gegen die französische Herrschaft. Die Erzählung folgt dem Aufstieg von Ali La Pointe, einem Kleinkriminellen, der einer der Anführer der Nationalen Befreiungsfront (FLN) in der Kasbah wird, und der gnadenlosen Repression durch französische Fallschirmjäger unter der Führung von Oberst Mathieu. Der Film untersucht die Gewalt und Taktiken beider Seiten.

Belle de Jour (Schönheit des Tages) 1967 (Luis Buñuel, Frankreich/Italien)

(Gewinner des Goldenen Löwen)

Séverine Serizy, die junge und schöne Ehefrau eines erfolgreichen Pariser Chirurgen namens Pierre, scheint glücklich, ist jedoch innerlich kalt und von sadomasochistischen erotischen Fantasien gequält. Unzufrieden mit ihrem Eheleben, beschließt sie heimlich, tagsüber in einem luxuriösen Bordell unter dem Pseudonym „Belle de Jour“ zu arbeiten. Dieses Doppelleben führt sie in riskante Begegnungen und Situationen, in denen sich Realität und Fantasie zunehmend vermischen.

Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos 1968 (Alexander Kluge, Westdeutschland)

(Gewinner des Goldenen Löwen)

Leni Peickert, Tochter eines Zirkuskünstlers, der tragisch verstarb, erbt seinen Traum, einen reformierten und modernen Zirkus zu schaffen, der mit neuen Unterhaltungsformen wie dem Fernsehen konkurrieren kann. Sie steht vor finanziellen und konzeptuellen Schwierigkeiten bei der Verwirklichung dieses utopischen Projekts, das die Widersprüche und Sehnsüchte einer Ära großer sozialer und kultureller Veränderungen widerspiegelt. Der Film mischt Fiktion, Dokumentation und Filmessay.

(1969–1979: Kein Goldener Löwe vergeben aufgrund der nicht-wettbewerblichen Phase des Festivals. Das Festival fand 1973, 1977, 1978 nicht statt.)

Atlantic City, U.S.A. 1980 (Louis Malle, Kanada/Frankreich)

(Gewinner des Goldenen Löwen ex aequo)

Lou Pascal, ein älterer Kleinganove, der sich in der verfallenden Stadt Atlantic City mit List durchs Leben schlägt, träumt noch immer von vergangenen Glanzzeiten. Sein Leben verknüpft sich mit dem der jungen Casino-Kellnerin Sally Matthews, die davon träumt, eine erfolgreiche Croupière in Europa zu werden. Die Ankunft von Sallys Ex-Mann, der in mafiöse Drogenhandel verwickelt ist, zieht beide in eine Spirale aus Gefahr und Gewalt und bietet Lou eine letzte, trügerische Chance auf Größe.

Gloria 1980 (John Cassavetes, USA)

(Gewinner des Goldenen Löwen ex aequo)

Gloria Swenson, die ehemalige Freundin eines Mafiabosses, sieht sich gezwungen, Phil, einen sechsjährigen puerto-ricanischen Jungen, zu beschützen, nachdem seine Familie von der Mafia ausgelöscht wurde. Der Vater des Jungen, Buchhalter der Organisation, hatte ihm vor seinem Tod ein belastendes Buch anvertraut. Anfangs zögerlich, unternimmt Gloria mit Phil eine verzweifelte Flucht durch New York, verfolgt von Mafia-Killern, und verwandelt sich dabei in eine harte und beschützende mütterliche Figur.