Películas de Artes Marciales para Ver

Las películas de artes marciales son un subgénero de las películas de acción que incluyen varios estilos de artes marciales en las peleas entre los personajes. Estas peleas suelen ser el principal atractivo de las películas de artes marciales y también una técnica de narración, expresión y desarrollo de personajes. Las artes marciales se incluyen regularmente en escenas de entrenamiento y también en diversas otras escenas junto con las peleas. Las películas de artes marciales consisten en combates cuerpo a cuerpo junto con otros tipos de actividades, como acrobacias, persecuciones y tiroteos. Los subgéneros de las películas de artes marciales incluyen películas wuxia, películas de karate y también películas de comedia, mientras que las categorías relacionadas son jidaigeki con armas, kung fu y películas de samuráis.

Las películas orientales son conocidas por tener una técnica más minimalista en el cine. Algunas películas de artes marciales tienen solo una historia marginal y un énfasis específico en la acción, mientras que otras tienen historias y personajes mucho más complejos y originales, además de escenas de acción. Las películas de artes marciales de este último tipo generalmente se consideran más creativamente interesantes, aunque muchas películas del primer tipo son efectivas y populares entre los aficionados del género.

🥋 El nuevo puño del autor: películas de artes marciales

Olvídate de los cables invisibles que hacen volar a los actores y del CGI que convierte las peleas en videojuegos. La nueva ola del cine de artes marciales vuelve a las raíces: esfuerzo físico, sudor real y coreografía como forma de narración pura. Desde los callejones de Tianjin hasta los ferrocarriles indios, pasando por las viviendas ocupadas de Hong Kong, estas películas recuperan la gloriosa tradición del género (desde Wuxia hasta Silat), despojándola del mito para restaurar una brutalidad táctil y política. Aquí están 5 obras recientes donde cada golpe cuenta una historia.

100 Yards (2024)

Tianjin, años 20. Tras la muerte de un gran maestro de artes marciales, dos hombres compiten por el control de la escuela: el hijo legítimo del maestro y su mejor aprendiz. En lugar de resolver el asunto mediante la política, deciden zanjar la disputa a través de una serie de duelos que van desde los salones de entrenamiento hasta los callejones de la ciudad. En 100 Yards, el director Xu Haofeng (guionista de The Grandmaster) rechaza los efectos especiales para escenificar un combate «a nivel callejero» que es realista, táctico y basado en las antiguas reglas de las escuelas del Norte.

Esta es la película de artes marciales autoral por excelencia de los últimos años. No es solo una película de acción, sino un elegante tablero de ajedrez en movimiento donde cada golpe tiene un significado filosófico y jerárquico. La dirección es limpia y geométrica, dejando que los cuerpos de los actores (incluido el verdadero artista marcial Jacky Heung) cuenten la historia. Una obra que mira hacia el glorioso pasado del género Kung Fu, despojándolo del folclore para restaurar la dignidad de la práctica real.

Monkey Man (2024)

En una India distópica y corrupta, un joven anónimo (Dev Patel) sobrevive recibiendo palizas en clubes de lucha clandestinos mientras lleva una máscara de mono. Atormentado por el recuerdo de su madre, asesinada por un jefe de policía corrupto, decide infiltrarse en la élite criminal de la ciudad para vengarse. Monkey Man transforma el mito de Hanuman en una furia contemporánea de sangre, donde las artes marciales se convierten en la herramienta de la revuelta de los oprimidos contra un sistema de castas opresivo.

El debut como director de Dev Patel es un golpe visceral que mezcla la estética de The Raid con el cine social. A pesar de las influencias occidentales, la película late con una identidad india feroz y política. La coreografía es sucia, desesperada, hecha de mordiscos, vidrios rotos y armas improvisadas, lejos de la elegante danza del cine clásico y más cerca de la pura supervivencia. Un clásico instantáneo de culto que demuestra que la acción aún puede ser un género profundamente autoral.

Crepúsculo de los Guerreros: Ciudad Amurallada (2024)

Hong Kong en los años 80. Chan Lok-kwun es un refugiado que intenta comprar una identidad falsa pero termina estafado por la Triada. Mientras huye, se refugia en la infame Ciudad Amurallada de Kowloon, un laberinto de concreto sin ley gobernado por el carismático Ciclón. En Crepúsculo de los Guerreros: Ciudad Amurallada, el protagonista descubre que este lugar infernal es en realidad una comunidad protegida por maestros retirados de artes marciales, quienes deben volver a pelear para defender su hogar de una invasión externa.

Dirigida por Soi Cheang, esta película marca el gran resurgimiento del cine de acción cantonés «a la vieja escuela». Los escenarios de la Ciudad Amurallada son opresivos y magníficos, un teatro perfecto para peleas que mezclan el realismo de los impactos con un toque de misticismo manhua. Es una épica nostálgica y viril, que celebra el espíritu de hermandad y el arte del combate como el último bastión del honor en un mundo a punto de ser demolido por la modernidad.

Kill (2024)

Amrit, un comando de fuerzas especiales, aborda un tren hacia Nueva Delhi para impedir el matrimonio arreglado de la mujer que ama. Cuando una banda de cuarenta delincuentes armados con cuchillos toma el tren como rehén, lo que debía ser una misión de amor se convierte en una masacre en espacios reducidos. En Kill, la estructura narrativa se reduce a lo esencial para dar espacio a 105 minutos de violencia cinética imparable, donde cada vagón del tren se convierte en un nivel de dificultad creciente.

Presentada en el Festival de Cine de Toronto, ha sido aclamada como la película de acción más violenta jamás producida en India. Olvídate de los números de baile de Bollywood: aquí, el Silat y el combate cuerpo a cuerpo militar reinan supremos. La singularidad radica en la gestión del espacio: la acción se fuerza en pasillos estrechos y literas, obligando a que la coreografía sea brutal, directa e inventiva. Un ejercicio claustrofóbico de estilo que redefine los límites de la violencia gráfica.

Baby Assassins 2 (2023)

Chisato y Mahiro son dos adolescentes que comparten un apartamento y problemas típicos de la Generación Z: pagar facturas, encontrar trabajos a tiempo parcial y manejar la ansiedad social. El detalle es que también son dos letales asesinas profesionales. En Baby Assassins 2, su rutina se interrumpe cuando son suspendidas por la organización de asesinos por no pagar las cuotas sindicales, convirtiéndose en objetivo de dos hermanos rivales que quieren ocupar su lugar.

Esta pequeña joya indie japonesa es el antídoto perfecto contra las películas de acción demasiado serias. Escrita y dirigida por Yugo Sakamoto, mezcla momentos de comedia slice-of-life (chicas comiendo dulces y aburridas) con explosiones de violencia técnica impresionante. Es una película fresca, irónica y técnicamente impecable, donde la letalidad de las artes marciales se oculta tras sudaderas con capucha extragrandes y apatía juvenil.

🥋 Más allá del Dojo: Elige tu Combate

El cine de artes marciales es disciplina y filosofía, pero también es solo una de las muchas caras del cine cinético. Si buscas emociones fuertes expresadas de otras maneras, desde clásicos que hicieron historia hasta tiroteos modernos, aquí están las guías esenciales para navegar el cine de acción.

Películas de Acción

Las artes marciales son combate cuerpo a cuerpo, pero si buscas adrenalina a mayor escala—persecuciones, tiroteos y un ritmo frenético que no deja espacio para respirar—este es tu próximo destino. Aquí la acción se convierte en puro espectáculo.

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Películas de Culto

No puedes entender el cine de combate moderno (desde John Wick hasta Kill Bill) sin conocer a los maestros que lo inventaron. Aquí encontrarás las obras inmortales, desde los samuráis de Kurosawa hasta los puños de Bruce Lee, que definieron la estética de la violencia en el cine.

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A menudo la mejor coreografía no se encuentra en los blockbusters millonarios, sino en películas independientes asiáticas o europeas que deben apostar todo a la habilidad de los atletas y la dirección creativa. Explora nuestro catálogo de streaming para descubrir las joyas ocultas del cine «físico».

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👊 Los Maestros del Cine de Artes Marciales: Los Clásicos

Antes de los efectos digitales, solo existían los músculos, el sudor y la precisión milimétrica. Esta es la era en la que leyendas como Bruce Lee, Jackie Chan y los maestros de los Hermanos Shaw inventaron la gramática del cine de acción. Películas donde la trama era a menudo solo una excusa para montar ballets de violencia sin precedentes, realizados sin dobles de riesgo y sin redes de seguridad. Aquí están los hitos que convirtieron el combate en una forma de arte puro.

Sanshiro Sugata (Sugata Sanshirō) (1943)

Japón, 1883. Sanshiro es un joven dispuesto pero ingenuo que llega a la ciudad para aprender Jujutsu. Sin embargo, su vida cambia cuando presencia la elegancia y el poder de Shogoro Yano, un maestro de una nueva disciplina llamada Judo. En Sanshiro Sugata, el joven decide convertirse en discípulo de Yano, embarcándose en un camino que lo llevará a desafiar a maestros de escuelas rivales, pero sobre todo, a luchar contra su propia arrogancia e inmadurez.

Akira Kurosawa debuta como director con una obra maestra de forma y contenido. Aunque fue un film de propaganda bélica (destinado a exaltar el espíritu japonés), Kurosawa lo transforma en una novela de formación espiritual. Las escenas de lucha, filmadas con una edición revolucionaria y el uso poético del viento y las nubes (la famosa escena final en el pantano), establecieron el estándar visual para todo el cine de artes marciales posterior. Imprescindible para entender dónde comenzó todo.

Rashomon (1950)

En el Kyoto del siglo XII, un leñador, un monje y un transeúnte se refugian de la lluvia bajo las ruinas de la puerta Rashomon. Allí, discuten un horrible crimen ocurrido en el bosque: el asesinato de un samurái y la violación de su esposa a manos del bandido Tajomaru. En Rashomon, la misma historia se cuenta cuatro veces desde cuatro perspectivas diferentes (el bandido, la esposa, el espíritu del samurái muerto y el leñador), y cada versión contradice a las otras, haciendo imposible establecer una verdad objetiva.

Este no es un clásico film de artes marciales, sino un thriller psicológico que cambió la historia del cine, introduciendo el concepto del «narrador poco fiable». Las peleas con espada (katana) son deliberadamente torpes, caóticas y aterrorizadas, mostrando el verdadero miedo a la muerte, en marcado contraste con la elegancia estilizada de los posteriores filmes de samuráis. Es una obra fundamental sobre la naturaleza humana, el egoísmo y las mentiras, dirigida por un Kurosawa en estado de gracia.

Yojimbo (1961)

Un rōnin sin nombre (Toshiro Mifune) llega a un pueblo desolado, dividido por una guerra entre dos jefes criminales rivales que luchan por el control del juego y la seda. En lugar de huir o tomar partido, el samurái decide vender sus servicios a ambos bandos, manipulándolos para que se destruyan entre sí. En Yojimbo, el héroe cínico y desaliñado orquesta una danza de muerte, usando más la astucia que su espada para liberar al pueblo de la escoria que lo infestaba.

Este es posiblemente el filme de samuráis más influyente de todos los tiempos (Sergio Leone lo rehizo casi plano por plano en Por un puñado de dólares). Mifune crea el arquetipo del antihéroe moderno: rápido, letal, pero con un código moral oculto. La dirección de Kurosawa es dinámica, con planos que enfatizan la profundidad de campo y una coreografía de espada vertiginosa que definió la estética del chanbara. Una mezcla perfecta de western, cine negro y acción oriental.

Sanjuro (Tsubaki Sanjūrō) (1962)

Nueve jóvenes samuráis idealistas quieren exponer la corrupción en su clan pero están a punto de caer en una trampa mortal. Son salvados por un rōnin perezoso y sarcástico (Toshiro Mifune), quien decide ayudarlos a rescatar al chambelán secuestrado. En Sanjuro, una secuela espiritual de Yojimbo, el maestro no solo debe luchar contra enemigos sino también controlar la impulsividad de sus jóvenes protegidos, enseñándoles que «la mejor espada es la que permanece en la vaina.»

Menos cínico y más irónico que su predecesor, esta película es famosa por su impactante final: el duelo entre Mifune y Tatsuya Nakadai dura una fracción de segundo y termina con una explosión de sangre (un efecto especial logrado presurizando líquido) que sorprendió a la audiencia en su momento. Kurosawa deconstruye el mito de la violencia justo mientras la escenifica, dándonos uno de los momentos más icónicos en la historia del cine de acción.

La leyenda de Zatoichi (1962)

Ichi es un humilde masajista ciego que vaga por Japón, despreciado tanto por samuráis como por criminales debido a su discapacidad. En realidad, es un espadachín fenomenal que utiliza una técnica de desenvaine rápido (iaijutsu) oculta en su bastón. En La leyenda de Zatoichi, se ve envuelto en una guerra entre bandas yakuza y forma una improbable amistad con Miki Hirate, un samurái que sufre de tuberculosis contratado por la facción rival. Las dos almas afines saben que el destino los obligará a cruzar sus espadas.

Esta película dio inicio a una de las sagas más longevas del cine japonés (26 películas y una serie de televisión). Shintaro Katsu es monumental en el papel de Zatoichi: un héroe trágico y marginado que derriba las jerarquías sociales, humillando a los poderosos con su espada. El contraste entre su aparente debilidad y su letalidad repentina crea una tensión única. Es un drama humano profundo disfrazado de película de acción, donde la verdadera lucha es entre el honor personal y la crueldad del mundo yakuza.

Ven a Beber Conmigo (Da zui xia) (1966)

Golden Swallow (Cheng Pei-pei) es una guerrera enviada por el gobernador para salvar a su hermano, secuestrado por una banda de bandidos que exigen la liberación de su líder. Disfrazada de hombre, enfrenta a los criminales en una posada en una escena memorable, pero pronto descubre que necesita la ayuda de un misterioso mendigo borracho, Drunken Cat, que oculta extraordinarios secretos de kung fu. En Ven a Beber Conmigo, la elegancia de la danza se fusiona con la brutalidad de la espada.

Dirigida por el maestro King Hu, esta es la película que inventó el Wuxia moderno. La coreografía es fluida, casi operática, y Cheng Pei-pei se convierte en el primer gran ícono femenino del cine de acción asiático. Hu utiliza el ritmo musical y la edición para crear peleas que parecen ballets mortales. Es una obra de arte visual que influyó en todo, desde Tigre y Dragón hasta las películas de Tarantino.

El Espadachín de un Brazo (Dubei dao) (1967)

Fang Kang (Jimmy Wang Yu) es un estudiante prometedor en una escuela de esgrima que, tras una discusión con la hija mimada del maestro y otros discípulos celosos, pierde su brazo derecho. Salvado por una campesina que le entrega un manual de kung fu parcialmente quemado para zurdos, Fang Kang debe reinventar su estilo de lucha. En El Espadachín de un Brazo, el protagonista regresa del retiro para salvar a su viejo maestro de una nueva amenaza, usando su discapacidad como un arma letal e impredecible.

Este clásico de culto de Shaw Brothers, dirigido por Chang Cheh, revolucionó el género al introducir el arquetipo del héroe mutilado y sufriente (body horror se encuentra con la acción). Es una película cruda y violenta llena de angustia masculina, que exalta la resiliencia y el sacrificio. La coreografía, que adapta los movimientos para un solo brazo, es brillante y convirtió a Jimmy Wang Yu en una superestrella internacional.

King Boxer (Cinco Dedos de la Muerte) (1972)

Chao Chih-Hao (Lo Lieh) es un joven estudiante enviado a aprender artes marciales bajo la tutela de un maestro famoso para ganar un torneo local y detener a una banda criminal rival. Sin embargo, los enemigos le rompen las manos para impedir que luche. Con una voluntad de hierro, Chih-Hao se somete a un entrenamiento brutal para aprender la legendaria técnica de la «Palma de Hierro». En King Boxer, el protagonista regresa para el enfrentamiento final, con sus puños literalmente brillando en rojo cuando carga su poder destructivo.

Esta es la película que irrumpió en América antes que Bruce Lee, desatando la «Fiebre del Kung Fu» a nivel mundial (e inspirando la banda sonora de Kill Bill). Es una concentración de todos los tópicos del género: el torneo, la traición, la mutilación y la venganza. A pesar de los efectos especiales anticuados (la «mano luminosa»), su energía cruda y violencia gráfica la convierten en una piedra angular esencial del cine grindhouse.

El puño de la furia (Jing wu men) (1972)

Shanghái, principios del siglo XX. Chen Zhen (Bruce Lee) regresa a su escuela de artes marciales para descubrir que su amado maestro Huo Yuanjia ha muerto en circunstancias sospechosas. Cuando una escuela rival japonesa humilla a los chinos con un cartel que dice «No se permiten perros ni chinos», Chen Zhen desata su furia. En El puño de la furia, lucha no solo por venganza personal, sino por la dignidad de todo un pueblo oprimido por el colonialismo japonés.

Es la película más importante y política de Bruce Lee. Aquí la acción se convierte en nacionalismo visceral: Chen Zhen es un símbolo de resistencia inquebrantable. La escena del dojo, donde derrota solo a decenas de karatekas usando nunchaku por primera vez en pantalla, es pura leyenda. Lee actúa con una intensidad casi maníaca, convirtiendo cada grito y cada mirada en un arma. Es el manifiesto definitivo del Kung Fu como herramienta de liberación.

Operación Dragón (1973)

Lee, un monje Shaolin y experto en artes marciales, es reclutado por la inteligencia británica para infiltrarse en un torneo secreto organizado por Han, un señor del crimen que vive en una isla privada. Allí, Lee debe reunir pruebas de las actividades ilegales de Han y vengar el honor del templo Shaolin. En Operación Dragón, el protagonista se une a Roper y Williams, dos luchadores estadounidenses, en un torneo mortal que culmina en el famoso duelo en la sala de espejos.

Esta es la película que consagró a Bruce Lee como un ícono global póstumo. Es una mezcla perfecta de estética oriental y ritmos hollywoodenses (al estilo James Bond). Aunque menos «pura» que sus filmes de Hong Kong, ofrece una exhibición espectacular de la filosofía de lucha de Lee (Jeet Kune Do). Su presencia escénica es magnética, y la pelea final es una lección de cine y metafísica («romper la ilusión del oponente»).

Un toque de zen (Xia nü) (1971)

Ku, un pintor y erudito tímido que vive con su madre cerca de un fuerte en ruinas, conoce a Yang (Hsu Feng), una fugitiva misteriosa perseguida por los guardias imperiales de la dinastía Ming. Ku se ve involucrado en el conflicto y usa su inteligencia estratégica para ayudar a Yang y a los monjes guerreros a derrotar al ejército enemigo. En Un toque de zen, la historia evoluciona de un drama de fantasmas a una épica de combate espiritual, culminando en un enfrentamiento trascendental en un bosque de bambú.

Ganadora del Gran Premio Técnico en Cannes, esta obra maestra de King Hu es mucho más que una película de artes marciales: es cine de autor puro. La fotografía es pictórica, la narración es lenta y meditativa, y la acción desafía la gravedad (literalmente). La secuencia en el bosque de bambú es una de las escenas más bellas e imitadas en la historia del cine (ver La casa de los dagas voladoras). Una experiencia mística que eleva el Wuxia a la poesía visual.

La 36ª Cámara de Shaolin (1978)

China imperial, dinastía Qing. Liu Yude es un joven estudiante que ve cómo su familia y compañeros son masacrados por el brutal general Tien Ta debido a su activismo político. Herido y huyendo, llega al Templo Shaolin bajo un nombre falso, donde comienza un duro camino de entrenamiento para aprender Kung Fu. En La 36ª Cámara de Shaolin, Yude (renombrado San Te) debe pasar por 35 cámaras, cada una dedicada a fortalecer una parte específica del cuerpo (ojos, muñecas, cabeza, piernas), para luego crear la «36ª cámara»: una dedicada a enseñar artes marciales a la gente común para que puedan defenderse de los opresores.

Esta es la película que codificó el tropo del «entrenamiento» en el cine de artes marciales (inspirando desde Wu-Tang Clan hasta Kill Bill). Dirigida por Lau Kar-leung, un verdadero maestro de Hung Gar, muestra el Kung Fu no como magia, sino como el resultado del sudor, el dolor y la repetición infinita. Gordon Liu es icónico en el papel del monje guerrero. No es solo una película de acción; es un himno a la disciplina y a la democratización del conocimiento como arma revolucionaria.

Cinco Venenos Mortales (1978)

El maestro moribundo del poderoso «Clan Veneno» envía a su último alumno, Yang Tieh, en una peligrosa misión: rastrear a cinco antiguos discípulos, cada uno maestro de un estilo inspirado en un animal venenoso (Ciempiés, Serpiente, Escorpión, Lagarto, Sapo), para descubrir cuál de ellos está usando las artes marciales con fines malvados y recuperar el tesoro del clan. En Cinco Venenos Mortales, Yang debe infiltrarse en una ciudad corrupta donde los «Venenos» se esconden bajo identidades falsas, convirtiendo la historia en un misterio de asesinato con artes marciales donde nadie es quien dice ser.

Dirigida por Chang Cheh, esta película de culto creó un subgénero propio. La idea de darle a cada villano un estilo de lucha único y extraño (el Sapo es invulnerable, el Escorpión usa patadas gancho, el Ciempiés es rapidísimo) es brillante e inolvidable visualmente. Es una mezcla perfecta de misterio wuxia y violencia estilizada, famosa por sus máscaras y su atmósfera oscura y paranoica.

Juego con la Muerte (1978)

Billy Lo es una famosa estrella de películas de artes marciales que se niega a trabajar para un sindicato internacional del crimen. Tras sobrevivir a un intento de asesinato en el set, finge su propia muerte para vengarse sin ser molestado. En Juego con la Muerte, Billy se infiltra en la base de los criminales, una pagoda de varios pisos donde cada nivel está custodiado por un maestro de un estilo diferente, conduciendo al enfrentamiento final con un gigante (Kareem Abdul-Jabbar).

Esta película es una obra «Frankenstein», completada años después de la muerte de Bruce Lee usando dobles de riesgo y una edición cuestionable. Sin embargo, la parte final (los aproximadamente 15 minutos de metraje original filmado por Lee en 1972) es pura historia. Ver a Lee con el mono amarillo (más tarde homenajeado por Tarantino) luchando usando su filosofía Jeet Kune Do (adaptándose a cada estilo sin tener uno fijo) contra el gigante del baloncesto Abdul-Jabbar es una experiencia surrealista y mítica que trasciende los defectos del resto de la película.

El Maestro Borracho (Jui Kuen) (1978)

Wong Fei-hung (Jackie Chan) es un joven imprudente que deshonra su escuela de Kung Fu con peleas y acrobacias. Para enderezarlo, su padre lo encomienda a Beggar So, un viejo maestro errante y experto en el estilo de los «Ocho Inmortales Borrachos». En El Maestro Borracho, Wong sufre torturas físicas disfrazadas de entrenamiento, hasta que aprende que la intoxicación (simulada o real) puede hacer que los movimientos sean impredecibles y letales, el único arma efectiva contra el asesino profesional Yim Tiem-sam.

Si Bruce Lee era furia, aquí Jackie Chan se convierte en el payaso acróbata. Esta película inventó la Comedia Kung Fu, demostrando que se puede reír y quedarse boquiabierto con la coreografía al mismo tiempo. El estilo Borracho es una maravilla de coordinación física: Chan cae, tropieza y golpea desde ángulos imposibles. Es la película que liberó al género de la gravedad sombría de la venganza, trayendo un soplo de alegría y creatividad física.

El Magnífico Carnicero (Lin Shi Rong) (1979)

Lam Sai-wing, conocido como «Carnicero Wing» (Sammo Hung), es un alumno del legendario Wong Fei-hung, pero su naturaleza impulsiva siempre le mete en problemas. Cuando el hijo de un maestro rival secuestra a una chica y culpa a Lam por el crimen, estalla una guerra entre escuelas. En El Magnífico Carnicero, Lam se ve obligado a huir y perfeccionar su Kung Fu bajo la guía de un maestro excéntrico, para regresar a limpiar su nombre y enfrentar al verdadero culpable en una pelea a muerte.

Sammo Hung, «el dragón gordo,» demuestra aquí ser uno de los atletas más ágiles y poderosos en la historia del cine. La película es un ejemplo perfecto de la acción de Hong Kong a finales de los 70: trama simple, humor slapstick y peleas increíblemente largas, complejas y dolorosamente reales. La coreografía es una obra maestra de ritmo y precisión, y la actuación de Hung combina la fuerza bruta con la gracia de un bailarín.

La Gran Pelea (The Big Brawl) (1980)

Chicago, años 30. Jerry Kwan (Jackie Chan) es un joven inmigrante que intenta vivir honestamente, pero su talento en artes marciales atrae la atención de la mafia local. Los jefes secuestran a la prometida de su hermano para obligar a Jerry a participar en una competencia de peleas callejeras en Texas. En La Gran Pelea, Chan debe abrirse paso entre luchadores enormes y sucios, buscando una manera de salvar a su familia y ganar el torneo.

Este fue el primer intento de Jackie Chan por entrar en Hollywood. Aunque el director Robert Clouse (el mismo de Operación Dragón) intenta limitar la exuberancia acrobática de Chan para hacerlo más parecido a un peleador estadounidense, la película aún ofrece momentos de genialidad. Es interesante ver el choque del estilo de Hong Kong con el ambiente de gánster americano, creando un híbrido curioso que anticipa futuros éxitos como Hora Punta.

El Octágono (1980)

Scott James (Chuck Norris) es un campeón de artes marciales retirado de la competición, atormentado por recuerdos del brutal entrenamiento ninja que sufrió en su juventud junto a su medio hermano Seikura. Cuando una organización terrorista comienza a atacar globalmente usando técnicas ninja, Scott se da cuenta de que su antiguo compañero está detrás de ello. En El Octágono, debe infiltrarse en la fortaleza secreta de los terroristas (el Octágono) para confrontar su pasado y detener una amenaza letal.

Esta película marca la transición de Chuck Norris de papeles de «villano» o deportista a un héroe de acción completo. Es uno de los primeros filmes occidentales en tratar seriamente la figura del Ninja, ayudando a lanzar la fiebre de los 80. El uso del voice-over («pensamientos susurrados») se convirtió en una marca registrada (y objeto de parodias), pero las escenas de lucha coreografiadas por su hermano Aaron Norris son sólidas y realistas.

El Hijo Pródigo (Bai ga jai) (1981)

Leung Chang (Yuen Biao) es un joven rico convencido de que es un campeón de Kung Fu, sin saber que su padre paga en secreto a todos sus oponentes para que pierdan y protegerlo. Cuando la verdad sale brutalmente a la luz tras un enfrentamiento con un verdadero artista marcial, un humillado Leung Chang decide aprender Wing Chun real. En El Hijo Pródigo, sigue a un maestro excéntrico y afeminado (Lam Ching-ying) que le enseña que el verdadero poder proviene de la humildad y la precisión, no del ego.

Dirigida por Sammo Hung, esta es considerada por muchos puristas como la mejor película de Wing Chun jamás realizada. Las escenas de entrenamiento son increíblemente detalladas, mostrando la verdadera mecánica del estilo (combate a corta distancia, línea central). Yuen Biao ofrece la actuación de su vida, combinando drama y acción acrobática. Es una película que deconstruye el mito del héroe invencible para reconstruirlo sobre bases reales.

Enter the Ninja (1981)

Cole (Franco Nero), un veterano del ejército convertido en maestro de Ninjutsu en Japón, viaja a Filipinas para visitar a un viejo amigo de guerra. Descubre que el amigo y su esposa están amenazados por un rico magnate que quiere robar sus tierras ricas en petróleo. Cole usa sus habilidades para defenderlos, pero el magnate responde contratando a Hasegawa (Sho Kosugi), un ninja rival y antiguo enemigo de Cole. En Enter the Ninja, el enfrentamiento final no es solo entre hombres, sino entre dos filosofías marciales opuestas.

Producida por Cannon Films, esta es la precursora de la locura ninja de los 80. Franco Nero (doblado y con doble de riesgo para las acrobacias) es poco probable pero carismático, mientras que la verdadera estrella es Sho Kosugi, quien se roba el espectáculo con su autenticidad técnica y armas exóticas (shuriken, bombas de humo, sai). Es una película B gloriosa, excesiva y entretenida que definió la estética pop del ninja occidental.

Legendary Weapons of China (Shi ba ban wu yi) (1982)

China, finales del siglo XIX. La emperatriz Cixi busca maestros de artes marciales capaces de resistir balas occidentales mediante magia negra para formar el Ejército de los Puños. Un grupo de asesinos es enviado para rastrear a un viejo maestro que disolvió su escuela, negándose a engañar a los estudiantes con falsos mitos de invulnerabilidad. En Legendary Weapons of China, el maestro (Lau Kar-leung) debe salir del escondite y usar las 18 armas legendarias del Kung Fu para derrotar a sus antiguos camaradas y demostrar la superioridad de la técnica real sobre la superstición.

Lau Kar-leung dirige y protagoniza una película que es una declaración de amor y crítica a las artes marciales. Desmantela el misticismo («el vudú no detiene balas») para exaltar la habilidad humana. El duelo final es una enciclopedia visual: vemos lanza, alabarda, espadas gemelas, bastón de tres secciones y mucho más en acción, en una secuencia de virtuosismo técnico sin igual.

Shaolin Temple (Shao Lin Si) (1982)

China medieval. El padre de Jue Yuan es asesinado por un déspota cruel. El joven herido es salvado por los monjes del Templo Shaolin. Allí, aprende Kung Fu no para vengarse, sino como disciplina, aunque su corazón aún arde de ira. En Shaolin Temple, la historia se entrelaza con la política cuando los monjes deciden intervenir para salvar al verdadero emperador, lo que conduce a una batalla encarnizada entre la espiritualidad del templo y la brutalidad del ejército.

Esta es la película que reveló a Jet Li al mundo. Filmada en el verdadero Monasterio Shaolin (la primera desde la Revolución Cultural), posee un realismo crudo y espectacular. Los actores son verdaderos atletas de Wushu, no dobles, y se nota: las acrobacias son rápidas, fluidas y sin trucos cinematográficos. Tuvo un enorme impacto cultural, revitalizando el turismo a Shaolin y el interés por las artes marciales tradicionales chinas.

Mr. Vampire (Geung si sin sang) (1985)

El maestro Kau es un sacerdote taoísta especializado en manejar Jiangshi (vampiros chinos saltarines). Cuando se le encarga reenterrar un cadáver para mejorar el feng shui de una familia adinerada, descubre que el cuerpo se ha convertido en un poderoso vampiro que amenaza con infectar a todo el pueblo. En Mr. Vampire, Kau y sus dos torpes asistentes deben usar arroz glutinoso, tinta de gallina, espadas de madera y conjuros en papel para contener la amenaza en una mezcla de horror y comedia slapstick.

Esta película es un clásico imprescindible que combina artes marciales, folclore sobrenatural y comedia. La coreografía de Lam Ching-ying es elegante y precisa, transformando rituales taoístas en movimientos de combate. Creó un subgénero entero (ficción Jiangshi), influyendo en décadas de cine asiático y videojuegos. Es divertida, aterradora y culturalmente fascinante.

Una historia china de fantasmas (Sien nui yau wan) (1987)

Ning Tsai-shen (Leslie Cheung) es un recaudador de impuestos tímido y desafortunado que, sin dinero para una posada, pasa la noche en un templo encantado. Allí conoce a Nie Xiaoqian (Joey Wong), una hermosa joven que resulta ser un fantasma obligado a servir a un demonio arbóreo milenario. En Una historia china de fantasmas, Ning se enamora del espectro y, con la ayuda de un poderoso espadachín taoísta (Wu Ma), desafía a las fuerzas del infierno para salvar el alma de su amada.

Producida por Tsui Hark, esta película es una obra maestra visual que combina romance gótico, efectos especiales artesanales y combates aéreos wuxia. No es una película de artes marciales pura, pero las secuencias de acción son visionarias: espadas voladoras, lenguas gigantes y batallas en la copa de los árboles. Es un cuento de hadas oscuro, poético y conmovedor, con una banda sonora inolvidable, que redefinió la fantasía oriental.

Dragon: La historia de Bruce Lee (1993)

Desde salir de Hong Kong con unos pocos dólares en el bolsillo hasta llegar a América, donde desafía el racismo y las tradiciones rígidas para enseñar Kung Fu a occidentales. Dragon: La historia de Bruce Lee repasa el ascenso, el amor con Linda, la creación del Jeet Kune Do y la trágica y prematura muerte de la leyenda. La película mezcla biografía y mito, visualizando los demonios internos de Lee como una armadura samurái fantasma que acecha sus pesadillas.

Aunque toma muchas libertades históricas, este biopic dirigido por Rob Cohen es emocionalmente poderoso. Jason Scott Lee (sin relación) ofrece una actuación física extraordinaria: no imita a Bruce Lee, sino que captura su energía, carisma y enojo. Las escenas de lucha son espectaculares y celebran no solo al atleta, sino al filósofo que cambió para siempre la percepción de las artes marciales en el mundo.

Mortal Kombat (1995)

El destino de la Tierra pende de un hilo: si las fuerzas de Outworld ganan el décimo torneo consecutivo de Mortal Kombat, podrán invadir nuestro reino. El dios del trueno Raiden (Christopher Lambert) recluta a tres guerreros humanos: el monje Liu Kang, la estrella de cine Johnny Cage y la agente Sonya Blade. En Mortal Kombat, deben viajar a una dimensión hostil y enfrentarse a monstruos y hechiceros en combates a muerte para salvar a la humanidad.

Dirigida por Paul W.S. Anderson, esta película es un milagro de los 90: una de las pocas adaptaciones de videojuegos que realmente funciona. A pesar de ser campy y presentar efectos CGI envejecidos, captura perfectamente el espíritu del juego. La coreografía (supervisada por Robin Shou/Liu Kang) es sólida, la banda sonora techno es icónica y la atmósfera es pura diversión escapista. Un clásico de culto generacional que llevó las artes marciales fantásticas al público general.

Tigre y Dragón (Wo hu cang long) (2000)

China, Dinastía Qing. El legendario espadachín Li Mu Bai (Chow Yun-fat) decide retirarse y confiar su espada, «Destino Verde», a su amada Yu Shu Lien (Michelle Yeoh). Pero la espada es robada por un misterioso ladrón enmascarado, Jen (Zhang Ziyi), una noble que sueña con la libertad del mundo wuxia. En Tigre y Dragón, comienza una persecución que también es un enfrentamiento entre el deber y el deseo, entre maestros y discípulos, culminando en duelos que desafían la gravedad.

Ang Lee logró lo imposible: una película de artes marciales que también es un drama ganador del Oscar. Es una obra de belleza visual impactante, donde las peleas no son violencia, sino extensiones de las emociones de los personajes. La escena del duelo en el bosque de bambú es poesía en movimiento. Introdujo el género Wuxia en Occidente, demostrando que una patada voladora puede ser tan artística como un monólogo shakespeariano.

El Rebelde (Dòng Máu Anh Hùng) (2007)

Vietnam, 1922. Bajo la ocupación colonial francesa, Le Van Cuong es un agente vietnamita de élite que trabaja para la policía secreta, cazando rebeldes. Pero la brutalidad de sus superiores y el encuentro con la feroz revolucionaria Vo Thanh Thuy (Veronica Ngo) quiebran su lealtad. En El Rebelde, Cuong deserta y ayuda a Thuy a escapar, desatando una cacería humana por todo el país donde debe usar su Vovinam para proteger a la mujer que ama y la libertad de su pueblo.

Esta película puso a Vietnam en el mapa del cine de acción. Johnny Tri Nguyen y Veronica Ngo son atléticamente impresionantes. La película mezcla drama histórico anticolonial con acción moderna, rápida y dura. La coreografía es cruda pero elegante, mostrando un estilo de lucha (Vovinam, con sus famosas tijeras voladoras al cuello) raramente visto en el cine.

Choque (Bay Rong) (2009)

Trinh (Veronica Ngo), con el nombre en clave «Phoenix,» es una mercenaria obligada a trabajar para un jefe del crimen que secuestró a su hija. Para liberarla, debe completar una última misión imposible: robar una laptop que contiene códigos secretos. Reúne a un equipo de personas desesperadas, incluyendo al misterioso Quan (Johnny Tri Nguyen). En Choque, la misión se convierte en un juego de traiciones y engaños, donde los puños y patadas son el único lenguaje confiable.

De los mismos creadores de The Rebel, esta película traslada la acción a un entorno urbano contemporáneo. Es una frenética película de atracos que recuerda al estilo de Hong Kong pero con un sabor vietnamita único. La química entre los dos protagonistas es palpable y las escenas de lucha son intensas, filmadas con claridad e impacto. Un gran ejemplo de cine de acción independiente de calidad.

Merantau (2009)

Yuda (Iko Uwais) es un joven de un pueblo de Sumatra que debe realizar el «Merantau,» el rito de paso que implica dejar el hogar para buscar fortuna en la ciudad y convertirse en hombre. Al llegar a Yakarta con el sueño de enseñar Silat, choca con la dura realidad de la metrópolis y termina salvando a una chica de una red de trata de personas. En Merantau, el chico del campo debe transformar su elegante arte marcial en una herramienta para la brutal supervivencia contra los criminales europeos que manejan la red.

Esta es la película que presentó al mundo a Iko Uwais y al director Gareth Evans, el dúo que luego crearía The Raid. Es fascinante ver la transición: comienza lenta y tradicional, casi un documental sobre Silat, para luego explotar en una acción urbana desesperada. La pelea final en el ascensor y en el contenedor de carga es el aperitivo para la violencia revolucionaria que llegaría dos años después.

The Raid (Serbuan maut) (2011)

Un equipo SWAT indonesio queda atrapado en un edificio de apartamentos de 15 pisos en ruinas, sede de un narcotraficante y santuario para los peores criminales de Yakarta. Sin refuerzos y con munición agotándose, la única salida es subir hasta la cima, piso por piso, luchando cuerpo a cuerpo. En The Raid, el policía Rama (Iko Uwais) debe enfrentarse a un ejército de asesinos armados con machetes y al letal hombre de confianza del jefe, Mad Dog.

Esta película reescribió las reglas del cine de acción moderno. La trama está reducida a lo esencial, la tensión es insoportable y la coreografía presenta una violencia cinética nunca antes vista. Es horror de supervivencia disfrazado de película de artes marciales. La pelea final «dos contra uno» con Mad Dog ya ha entrado en la leyenda como uno de los mejores enfrentamientos en la historia del cine. Esencial, brutal, perfecta.

Perspectiva

Los Orígenes de las películas de Artes Marciales

Akira Kurosawa lanzó el género de películas de artes marciales con su propuesta como director en 1943, Sugata Sanshiro. La película trata sobre un chico que descubre el judo y lucha contra numerosos especialistas en jujitsu. Kurosawa también dirigió una secuela en 1945 titulada Sugata Sanshiro, Parte Dos. Incluye peleas con luchadores de karate y profesionales, quizás la primera representación de artes marciales en el cine.

Las películas de artes marciales consisten en numerosos personajes que son luchadores marciales y estos roles suelen ser interpretados por estrellas que son verdaderos expertos en artes marciales. De lo contrario, los actores aprenden con algo de preparación para las escenas o el director puede apoyarse más en la acción en cámara lenta, ángulos de cámara, montaje e imágenes generadas por computadora y efectos especiales. El diseño minimalista utiliza escenas cortas y peleas improvisadas pero explosivas, como se ve en las películas de Jackie Chan. Estos métodos también son ocasionalmente usados por verdaderos expertos marciales. 

Una Breve Historia de las Películas de Artes Marciales

A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, una de las películas de artes marciales y ninjas más notables dobladas al inglés fue producida por los Hermanos Shaw, Godfrey Ho y varios otros productores de Hong Kong. Incluidas en esta lista de películas están títulos populares como The Big Boss, Drunken Master y One Armed Boxer.

Las películas de artes marciales se produjeron en todo el mundo, pero la categoría estuvo dominada por el cine de acción de Hong Kong, alcanzando su apogeo desde 1971 con el auge de Bruce Lee hasta mediados de los años 90 con un declive sustancial del género de artes marciales, hasta que fue revivido alrededor de los 2000. Otras figuras notables en la categoría incluyen a Jackie Chan, Jet Li, Sammo Hung, Yuen Biao y Donnie Yen.

Sonny Chiba, Etsuko Shihomi y también Hiroyuki Sanada protagonizaron innumerables películas de artes marciales y jidaigeki en Japón durante los años 70 y principios de los 80. Hollywood también participó en esta moda con actores como Chuck Norris, Sho Kosugi, Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal, Brandon Lee, hijo de Bruce Lee, Wesley Snipes, Gary Daniels, Mark Dacascos y Jason Statham. En los 2000, el mercado cinematográfico tailandés se convirtió en una fuerza global de películas de artes marciales con las películas de Tony Jaa y el cine de Vietnam también hizo lo mismo con The Rebel y Clash. En años aún más recientes, la industria cinematográfica indonesia ha producido interesantes películas de artes marciales.

Las mujeres también han desempeñado roles cruciales en el género de artes marciales, incluyendo actrices como Michelle Yeoh, Angela Mao y Cynthia Rothrock. En el mundo de habla china, las películas de artes marciales a menudo se dividen en dos subcategorías: películas wuxia, películas de artes marciales más modernas, como las películas de Bruce Lee, el género Chanbara Samurai y películas de espadachines ambientadas en el Japón feudal.

Las películas de artes marciales son una categoría sustancial de películas. Al igual que los westerns para los estadounidenses, en realidad se han convertido en una identificación del cine chino. Como una de las películas más importantes en el contexto del cine chino, las películas de artes marciales fueron de las primeras películas chinas producidas, y las películas wuxia son el primer tipo de películas chinas de artes marciales, con el atractivo histórico de las historias wuxia. Las historias wuxia de Jin Yong y Gu Long determinaron la frecuencia de las películas wuxia. Los westerns de artes marciales son generalmente películas estadounidenses filmadas con bajo presupuesto en locaciones del suroeste de Estados Unidos, desplazando las artes marciales a un escenario del «viejo oeste»; por ejemplo, Red Sun con Charles Bronson y Toshiro Mifune.