La vanguardia rusa de los años 20 fue fundamental en la historia del cine. Nació tras la revolución, en el contexto del Octubre de las artes. Es una de las vanguardias más interesantes y radicales de la historia del cine. El Partido Comunista Bolchevique permite a los artistas una gran libertad para experimentar, sin salirse del ámbito de la Revolución de Octubre.
El Octubre de las Artes se convierte en una temporada muy rentable para decenas de artistas que se oponen al enfoque tradicional: contar la realidad de forma no trivial e ideológica.
En el Octubre de las Artes confluyen las experiencias del cubofuturismo, el teatro experimental y el balagan. Las experiencias biomecánicas del constructivismo que asocian al hombre con la máquina y la dinámica de los obreros de las fábricas. Las teorías del Proletkult, al que pertenece Eisenstein, que buscarán la espectacularidad de la cultura vinculada al proletariado.
Por último, también existe la corriente del formalismo que concibe la obra artística como una estructura en la que se puede encontrar el sentido de todo. En todo este fermento, las intenciones comunes eran acercar el arte al hombre de la calle y a las masas populares.
El cine entra así en contacto con los soldados de la revolución y con todo el proletariado. Dziga Vertov procede de la música y está influido por el futurismo y el constructivismo italianos. Kulesov quiere aplicar los principios del constructivismo al cine y crea un laboratorio cinematográfico.
Las vanguardias rusas y los experimentos de edición

El cine comienza a influir también en las demás artes. Los directores rusos que se establecen como punto de referencia de la vanguardia rusa de los años 20 son Dziga Vertov y Sergej Eisenstein. También son prolíficos teóricos del cine. Con la llegada de Stalin al poder entre 1929 y 1930, la experimentación y la libertad de la creatividad artística disminuyeron drásticamente y la producción se limitó a los confines del realismo socialista.
Las productoras estatales, como Goskino, crean un cine de educación propagandística. Pero también existe un cine de investigación, vinculado al programa de Octubre de las Artes. El pionero de esta revolución artística es Kulesov . Sus experimentos sobre el montaje han marcado la historia del cine y han descubierto nuevos horizontes.
Es famoso el experimento en el que montó el rostro de Mozzuchin, estrella del cine zarista, en una escena, con distintos objetos: un plato de sopa, un ataúd o un niño jugando. Demostró claramente que el poder del cine y los significados de las imágenes residían en el montaje. Combinó planos rodados en Moscú y Washington dentro de la misma escena, consiguiendo un efecto de continuidad. Su concepción del cine era ingenieril.

Uno de los directores más importantes de la vanguardia rusa fue alumno de Kulesov y se llamaba Pudovkin . Inicialmente actor y luego director del socialismo real fiel a la línea del partido. Pudovkin también se ocupa de la teoría cinematográfica. Especialmente el montaje y su capacidad para insertar elementos homogéneos en la narración fílmica como si fueran ladrillos. Películas como La madre , de 1926, desarrollan un mensaje ideológico y político recurriendo al montaje analógico y a la asociación conceptual de imágenes.
Las vanguardias rusas y Sergej Eisenstein

En cambio, la línea realista de Pudovkin funciona al revés Sergej Eisenstein . Representa la cumbre de la experiencia del cine soviético y la afirmación más profunda de la teoría del cine y del arte revolucionario. Eisenstein reúne la investigación sobre la biomecánica, el cubofuturismo de Mayakovskij , la escuela del formalismo, el compromiso revolucionario del Proletkult. Eisenstein también se ocupa de la literatura de los siglos XIX y XX, estudia a Joyce, el psicoanálisis y trabaja en el análisis del marxismo.
Para Eisenstein, el Octubre del cine implica una práctica formal inspirada en el punto de vista de la fábrica y el proletariado y es capaz de borrar el arte burgués. El arte es una práctica social capaz de transmitir estímulos, emociones, ideas y formas de pensar. E influir ideológicamente en el público.
En contraste con el cineocchio de Vertov, Eisenstein afirma el Cine-punch . Considera la obra de arte «un tractor que ara profundamente la psique del espectador». En su escrito sobre él El montaje de atracciones plantea la hipótesis de espectáculos teatrales y cinematográficos construidos sobre una combinación de atracciones concebidas como momentos agresivos del espectáculo. Estos elementos son capaces de provocar una reacción psicosensorial en el espectador con vistas a una conclusión ideológica final.
El conflicto Eisenstein

Eisenstein quiere sacar al espectador de su estado pasivo, sacudirle con un choque emocional y sacarle de sí mismo para que tome conciencia. Pretende una comunicación visual altamente innovadora, llena de agresividad y componentes intelectuales. Es capaz de comunicar ideas y provocar emociones fuertes al mismo tiempo. También para él, el montaje es el aspecto fundamental de la creación cinematográfica. El montaje es el momento en el que materiales heterogéneos toman su forma final. Los ensayos de Eisenstein de 1929 sobre el montaje cinematográfico son los más importantes de toda la experiencia de la vanguardia rusa de los años veinte.
Eisenstein teoriza que la yuxtaposición de dos imágenes diferentes no da lugar a su suma, sino a una tercera entidad de significado. La yuxtaposición de dos planos no debe tener lugar por acumulación y homogeneidad, como piensa Pudovkin. Debe tener lugar por contraste, confrontación e inhomogeneidad. El montaje es conflicto. El montaje es un pensamiento que se origina en la colisión de dos piezas independientes entre sí, y es la clave del principio dramático.
La dialéctica de las imágenes construye contrapuntos, articulaciones complejas, conflictos gráficos, espaciales y de volumen. Esta multiplicidad de conflictos se desarrolla entre los planos individuales, entre los niveles individuales, concebidos como estructuras dinámicas que chocan. El plano es la célula fundamental del montaje. Pero es un elemento que se supera en el proceso. El proceso intelectual, según Einstein, es el potencial más elevado del cine. El montaje intelectual , en su teorización de 1929, es una vasta tipología de montaje que puede ser métrico-rítmico, tonal, armónico o intelectual.
El cine como sinfonía visual

Parece claro que para Eisenstein el arte que más se acerca al cine es la música. Sus películas La huelga, El acorazado Potemkin y Octubre marcan el comienzo de una nueva forma de hacer cine. La Huelga es la película más compleja, en la que confluyen todas las ideas e innovaciones del director. Eisenstein no cuenta historias individuales, sino historias en las que la comunidad es la protagonista. Historias de grandes enfrentamientos sociales con los dueños del poder.
Un cine excéntrico, teatral y circense, de gran impacto en el espectador, influido por un estilo burlesco. El montaje analógico de Sciopero asocia, por ejemplo, las imágenes de la masacre zarista con las de bueyes en el matadero. Ne El acorazado Potemkin Eisenstein también utiliza medios tradicionales. Sentimientos, lírica, psicología. La secuencia de la escalera de Odessa es famosa por su dramatismo, la organización del espacio y la tensión emocional creada con un extraordinario montaje cinematográfico.
Pathos y clímax
Einstein muestra múltiples acciones con un único punto de vista ideológico. Al mismo tiempo, muestra una gran cantidad de imágenes de los represores y las víctimas. Sus puntos de vista se multiplican, los detalles y los gestos dramáticos se suceden a una velocidad cada vez mayor. Los diferentes planos de las imágenes construyen una explosión de patetismo que no puede dejar indiferente. La represión de los cosacos está orquestada como una serie de conflictos crecientes. Imágenes violentas, de sangre, dolor y asesinato, con un clímax emocional épico, que tiene pocos ejemplos similares en la historia del cine.
En Octubre, en cambio, Eisenstein se adentra en territorios aún más experimentales que en las películas anteriores. Es la película en la que lleva al extremo su teoría del montaje intelectual. Personajes y objetos asumen correlaciones simbólicas y fuertemente ideológicas, para sugerir significados. En 1929, con su película La línea general, Eisenstein se encontró con la censura de Stalin, que impuso recortes a la película y cambió su título por El viejo y el nuevo . La libertad de la temporada de investigación del cine intelectual soviético está llegando a su fin.
La vanguardia rusa en FEEKS
Posteriormente, el grupo FEEKS , formado por directores como Kozincev, Trauberg, Jutkevic y Krizitskij , experimentó con lo grotesco, lo burlesco y lo absurdo tanto en el teatro como en el cine. Sus espectáculos son una percusión rítmica sobre los nervios, una acumulación de trucos. Son una forma de conocer a la gente. Espectáculos que asumen matices de entretenimiento sin obligación, con el objetivo de crear una relación con el público masivo. Películas excéntricas, alocadas, con gestos agresivos, que recurren a decorados anómalos y a una iluminación estrafalaria. Técnicas expresivas radicales con efectos especialmente fuertes que rechazan el realismo.
La vanguardia rusa de Dziga Vertov

Dziga Vertov desde el lado opuesto elabora el proyecto de octubre más radical del cine integrando teoría y práctica. Escribe varios manifiestos vanguardistas inspirados en el futurismo y el constructivismo italianos. Su compromiso es documentar con la cámara la construcción del socialismo. Su cine potencia la cámara y la mirada mecánica. La cámara es un cine-ojo más perfecto que el ojo humano para explorar el caos de los fenómenos visuales que existen en el espacio.
Dice Vertov «Soy el cineocchio, creo un hombre más perfecto que el creado por Adán». Dziga Vertov se inspira en el programa antiartístico y antitradicional del constructivismo y arremete contra el cine narrativo y espectacular. El cine-drama es el opio del pueblo. El cine de ficción es un instrumento de poder y esclavitud que sirve para producir la alienación del pueblo.
Vertov, en cambio, quiere hacer un cine no actuado, construido a partir de hechos reales, empeñado en pillar desprevenida a la vida. Los acontecimientos y la realidad tienen prioridad sobre la construcción del espectáculo. Un cine que refleje el punto de vista del proletariado. El punto de vista del cine es el análisis racional y el estudio científico de los fenómenos vivos.
El montaje de Vertov
Es fácil comprender que, desde esta perspectiva, el montaje se convierte en el centro de toda la realización de una película. El montaje de una película no es un simple ensamblaje de material filmado sobre la base de un guión. Se convierte en la organización y el vehículo de significado del mundo visible.
El cineocchio empieza a montar la película en cuanto elige, durante la fase de rodaje, el tema que va a filmar. Pero Vertov tiene en cuenta exactamente igual que Eisenstein el aspecto musical de sus películas: las correlaciones de planos, vislumbres, movimientos, luces y velocidades de rodaje dentro de las secuencias.
En este concepto radicalmente innovador del cine, Vertov comienza con noticiarios y termina con un documental sobre la realidad soviética y la dinámica de construcción del socialismo. Películas como La sexta parte del mundo , de 1926, La undécima , de 1928, Sinfonía del Donbass – entusiasmo , de 1930, son sinfonías visuales que documentan el desarrollo, la industrialización y la organización del trabajo.
El Metacine de Vertov

Pero las películas en las que Vertov lleva su experimentación al extremo son Kinoglaz , de 1924, y Hombre con una cámara de cine de 1929. En estas películas la complejidad de la visión se multiplica en muchos aspectos de la realidad con experimentos valientes e inéditos. Proyección hacia atrás, cámara lenta, uso de ángulos de cámara anómalos, correlaciones y tensiones visuales muy especiales.
El hombre de la cámara, además de ser la cumbre de la obra de Vertov, es una de las obras más significativas del cine. Es la jornada de un cámara temerario en Moscú, desde el amanecer hasta el anochecer, que intenta superar los límites del rodaje cinematográfico. Pero es en el montaje cinematográfico donde esta obra es verdaderamente asombrosa. La película es una compleja reflexión entre el objeto y el sujeto, las cosas filmadas y el ojo de la cámara.
En los años 30, Vertov se vio obligado a abandonar su cine experimental y a hacer propaganda política para Lenin y Stalin. Antes de empezar a hacer sólo noticiarios, producirá la última gran película Tres canciones sobre Lenin.
Películas rusas de vanguardia que hay que ver
Padre Sergio (1918)
«El padre Sergio» es una película rusa de vanguardia de 1917, dirigida por Yakov Protazanov y basada en la historia homónima escrita por Lev Tolstói. La película se estrenó en 1917 y es una de las primeras adaptaciones cinematográficas de la obra de Tolstói.
La trama de la película gira en torno al personaje principal, el padre Sergio, interpretado por Ivan Mozzhukhin, un hombre que comienza su carrera como oficial del ejército ruso, pero que más tarde decide convertirse en monje y sacerdote ortodoxo. Sin embargo, su fe y determinación se ponen a prueba cuando se ve envuelto en una serie de acontecimientos y tentaciones que desafían su vocación religiosa y su espiritualidad.
La película explora temas de fe, redención y búsqueda espiritual, así como la lucha interior del protagonista por encontrar un sentido más profundo a su vida. La interpretación de Ivan Mozzhukhin en el papel del padre Sergio es especialmente aclamada, y la película es conocida por su representación de paisajes rurales y escenarios religiosos.
«El padre Sergio» es uno de los primeros ejemplos del cine ruso y muestra influencias del movimiento vanguardista ruso, con especial atención a la interpretación de los personajes y a la profundidad psicológica. Es una película que refleja los cambios sociales y culturales del periodo prerrevolucionario en Rusia y ofrece una mirada fascinante a la lucha de un hombre por encontrar su verdadera identidad espiritual.
Aelita: Reina de Marte (1924)
«Aelita: Reina de Marte» es una película muda de ciencia ficción estrenada en 1924 y dirigida por Yakov Protazanov. La película está basada en la novela «Aelita» de Alexei Tolstoi y destaca por ser uno de los primeros ejemplos del cine soviético de ciencia ficción.
La historia se desarrolla tanto en Moscú como en Marte y sigue las aventuras de un ingeniero llamado Los que se obsesiona con la idea de viajar a Marte. En sus sueños, se enamora de Aelita, la reina de Marte. Al final, Los construye una nave espacial y viaja a Marte con la esperanza de conocer a Aelita.
En Marte, Los encuentra una sociedad que es en muchos aspectos un reflejo de la Unión Soviética, con temas de lucha de clases y revolución. La película combina elementos de ciencia ficción con comentarios sociales, explorando ideas sobre el utopismo y el potencial del cambio social.
«Aelita: Reina de Marte» es conocida por su imaginativa escenografía, incluidos el paisaje y la arquitectura marcianos, que fueron innovadores para la época. El estilo visual y los efectos especiales de la película influyeron en la configuración del género de ciencia ficción en el cine.
En conjunto, «Aelita: Reina de Marte» es una obra pionera en la historia del cine de ciencia ficción y constituye un importante ejemplo de los primeros años del cine soviético. Sigue siendo un clásico del cine mudo y se recuerda por su narración creativa y sus innovaciones visuales.
Las extraordinarias aventuras del Sr. West en el país de los bolcheviques (1924)
«Las extraordinarias aventuras del Sr. West en el país de los bolcheviques» es una película muda soviética dirigida por Lev Kuleshov en 1924. Esta película es una comedia satírica que refleja los estereotipos y percepciones occidentales de los bolcheviques y la Rusia soviética tras la Revolución Rusa de 1917.
La trama gira en torno al personaje del Sr. John West (interpretado por Porfiri Podobed), un representante estadounidense que visita la Unión Soviética con ideas preconcebidas negativas basadas en estereotipos occidentales. Sin embargo, durante su estancia, el Sr. West se da cuenta de que sus ideas preconcebidas eran erróneas y de que la realidad de la vida en la Unión Soviética es muy diferente de lo que había imaginado.
La película es conocida por su sátira y humor, que ponen de relieve el contraste entre las expectativas del Sr. West y la realidad de la sociedad soviética. Lev Kuleshov utiliza técnicas de montaje para subrayar el cambio de perspectiva del Sr. West y transmitir el mensaje satírico de la película.
«Las extraordinarias aventuras del Sr. West en el país de los bolcheviques» se considera un ejemplo notable del cine soviético de la década de 1920 y es una de las primeras obras cinematográficas en abordar las percepciones occidentales de la Rusia soviética. La película sigue siendo un importante registro histórico del periodo posrevolucionario en Rusia.
Kino-eye (1924)
«Kino-eye» es una película documental soviética de 1924 dirigida por Dziga Vertov. El título «Kino-ojo» hace referencia a la teoría cinematográfica de Vertov, que hacía hincapié en la capacidad de la cámara para captar y presentar la realidad objetiva sin interpretaciones ni manipulaciones artísticas.
La película es un manifiesto de las teorías de Vertov sobre el cine documental y su rechazo de la narración narrativa tradicional en favor de captar la «vida sorprendida». En «Kino-eye», Vertov explora el papel de la cámara como herramienta para captar la vida cotidiana, los acontecimientos sociales y la transformación de la sociedad.
La película presenta varias viñetas, en las que se muestran escenas de la vida cotidiana, de la industria y de reuniones públicas. Presenta un collage de imágenes, haciendo hincapié en la idea de que la cámara puede registrar la realidad en su forma más pura. La película se caracteriza por su uso del montaje, la edición rápida y las técnicas cinematográficas innovadoras, todas ellas características del estilo cinematográfico de Vertov.
«Kino-eye» es una obra fundacional en el desarrollo del cine documental y la exploración del lenguaje cinematográfico. Refleja la creencia de Vertov en el potencial del cine para revelar la verdad sobre el mundo y la vida de la gente corriente. El innovador enfoque cinematográfico de Vertov en «Kino-eye» tuvo un impacto profundo y duradero en el género documental y en la teoría cinematográfica.
Huelga (1925)
«La Huelga» es una película muda soviética de 1925, dirigida por Sergei Eisenstein. Esta película también se conoce por los títulos «La Huelga» o «El acorazado Potemkin» y está considerada una de las obras maestras del cine de vanguardia y una de las películas más influyentes de la historia del cine.
El argumento de «Huelga» se basa en hechos reales de la Rebelión de Kronstadt de 1921, durante la Guerra Civil Rusa. La película sigue la historia de una huelga protagonizada por los trabajadores de una fábrica de San Petersburgo y la brutal opresión a la que se enfrentan por parte de los propietarios de la fábrica y las fuerzas del orden. Las tensiones se intensifican hasta llegar a un dramático enfrentamiento en el hielo cuando las fuerzas armadas intentan sofocar el movimiento obrero.
Sergei Eisenstein emplea ampliamente técnicas de montaje innovadoras en esta película para crear un impacto emocional y político. Las imágenes son nítidas y dinámicas, con un ritmo que amplifica la intensidad de las escenas. La «Huelga» es conocida por sus secuencias icónicas, incluida la masacre de los Escalones de Odessa.
La película también destaca por su compromiso político y su crítica de la opresión capitalista, lo que la convierte en un hito del cine político. «Huelga» ha influido notablemente en generaciones de cineastas y sigue siendo estudiada y apreciada por su innovación técnica e impacto histórico.
El acorazado Potemkin (1925)
«El acorazado Potemkin» es una película muda soviética dirigida por Sergei Eisenstein en 1925. Es una de las películas más icónicas e influyentes de la historia del cine. A menudo se hace referencia a la película simplemente como «Potemkin».
El argumento de «El acorazado Potemkin» se basa en los acontecimientos históricos de la Revolución Rusa de 1905. Narra la historia de la tripulación del acorazado ruso Potemkin, que se rebela contra sus oficiales opresores después de que les sirvan carne en mal estado y se enfrenten a una dura disciplina. La película retrata su lucha por la justicia y su posterior motín, que desemboca en un dramático enfrentamiento con las autoridades zaristas en la ciudad portuaria de Odessa.
«El Acorazado Potemkin» es célebre por sus innovadoras técnicas cinematográficas, sobre todo por el innovador uso del montaje de Eisenstein. La famosa secuencia de la «Escalinata de Odessa», que representa una masacre en una gran escalera, se considera una de las escenas más influyentes de la historia del cine.
Los temas políticos y sociales de la película, así como su dramática narración y sus poderosas imágenes, le han valido un lugar duradero en el canon del cine mundial. «El Acorazado Potemkin» es célebre por su papel en el avance del lenguaje cinematográfico y sigue siendo una obra clásica e imprescindible tanto para los cinéfilos como para los estudiosos.
La madre (1926)
«La madre» es una película muda soviética dirigida por Vsevolod Pudovkin en 1926. Esta película es una adaptación de la novela homónima de Máximo Gorki y es una de las obras maestras del cine de vanguardia soviético.
El argumento de «La Madre» sigue la historia de Pelageya Vlasova, interpretada por Vera Baranovskaya, una madre de clase obrera cuyo hijo se ve involucrado en actividades revolucionarias durante la Revolución Rusa. La película describe su transformación de madre preocupada en figura simbólica de la lucha revolucionaria, destacando su evolución ideológica y su compromiso político.
Vsevolod Pudovkin utiliza el montaje y el uso de símbolos visuales para transmitir el progresivo despertar político de la protagonista. «La Madre» es conocida por su poderoso retrato del individuo en el contexto de un momento histórico de profundo cambio político y social.
La película ha sido ampliamente elogiada por su innovadora dirección y su compromiso político, y se considera una obra maestra del cine soviético de vanguardia. «La Madre» representa uno de los momentos culminantes del cine de propaganda soviético y sigue siendo estudiada y apreciada por su relevancia histórica y artística.
La sexta parte del mundo (1926)
«La sexta parte del mundo» es una película documental dirigida por Dziga Vertov en 1926. Esta película es una de las obras más significativas de Vertov y representa una de las primeras exploraciones cinematográficas de la industrialización y la vida de la clase obrera en la Unión Soviética.
El argumento de «La sexta parte del mundo» se centra en la vida de los mineros del carbón del Donbass, una región industrial del sur de Ucrania. La película ofrece una visión detallada de la vida cotidiana de los mineros, su trabajo y la importancia de la industria minera en la economía soviética.
El título de la película, «La Sexta Parte», hace referencia a una cita de Lenin, que sugería que el Donbass constituía una «sexta parte del mundo». La película es conocida por su retrato realista de la vida de la clase obrera y su uso innovador de técnicas de montaje y realización cinematográfica.
Dziga Vertov utiliza la película para promover un mensaje de solidaridad entre los trabajadores y la importancia de sus contribuciones a la construcción del socialismo. La película fue considerada un éxito tanto por su presentación visual como por su mensaje político.
«La Sexta Parte del Mundo» es uno de los documentales más conocidos de Vertov y ha contribuido a establecer su estatus como pionero del documental y de la vanguardia cinematográfica. La película sigue siendo un valioso estudio de la vida de la clase obrera en la Unión Soviética durante la década de 1920.
El fin de San Petersburgo (1927)
«El fin de San Petersburgo» es una película muda soviética dirigida por Vsevolod Pudovkin en 1927. Esta película está considerada una de las obras maestras del cine de vanguardia soviético y una importante contribución al género del cine histórico.
El argumento de «El fin de San Petersburgo» se sitúa durante la Revolución Rusa de 1917 y sigue la historia de un joven campesino que se traslada a San Petersburgo en busca de trabajo. La película describe sus experiencias en la ciudad durante un periodo de agitación política y social, que incluye acontecimientos históricos como la Revolución de Febrero y la Revolución de Octubre.
La película se centra en el retrato de la clase obrera y los campesinos como fuerzas motrices de la Revolución Rusa. Vsevolod Pudovkin utiliza innovadoras técnicas de montaje para crear una fuerte sensación de dramatismo y tensión, con escenas memorables que muestran los enfrentamientos entre los revolucionarios y las fuerzas armadas.
«El fin de San Petersburgo» es apreciada por su atractiva narración y su compromiso político, así como por su importancia histórica en el cine soviético. La película ayudó a definir el cine de propaganda soviético y sigue considerándose un clásico del cine de vanguardia e histórico.
Octubre (1927)
«Octubre», también conocida como «Diez días que conmovieron al mundo», es una película muda soviética dirigida por Sergei Eisenstein en 1927. Es un drama histórico que describe los acontecimientos de la Revolución de Octubre de 1917 en Rusia, que condujeron a la toma del poder por los bolcheviques.
La película «Octubre» es una recreación dramática de los momentos clave de la revolución, como el asalto al Palacio de Invierno, el derrocamiento del Gobierno Provisional y el ascenso de los bolcheviques al poder. Combina imágenes de estilo documental con recreaciones escenificadas para crear un retrato impactante y envolvente de los acontecimientos revolucionarios.
Sergei Eisenstein utilizó técnicas de montaje innovadoras, como el montaje y los cortes rápidos, para transmitir las intensas emociones y el significado político de la Revolución de Octubre. La narración visual y el simbolismo de la película contribuyen a su impacto artístico.
«Octubre» es conocida por su fervor revolucionario y su celebración del triunfo de los bolcheviques. Se considera una de las obras maestras del cine soviético y a menudo se estudia por sus técnicas cinematográficas y sus mensajes políticos. La película sigue siendo un importante documento histórico y un clásico del primer cine soviético.
Tormenta sobre Asia (1928)
«Tormenta sobre Asia», también conocida como «El heredero de Gengis Kan», es una película muda soviética dirigida por Vladimir Petrov en 1928. Esta película es un drama histórico que explora los acontecimientos ocurridos en Mongolia durante la Guerra Civil Rusa.
El argumento de «Tormenta sobre Asia» sigue la historia de Bair, interpretado por Valery Inkijinoff, un joven pastor mongol que se ve envuelto en conflictos entre fuerzas extranjeras y revolucionarios bolcheviques durante el caótico periodo de la Guerra Civil Rusa. La película describe sus experiencias, luchas e implicación política durante una época de cambios drásticos y agitación social.
La película es conocida por su descripción realista de la vida y la cultura mongolas, así como por su exploración de la dinámica de la lucha por la independencia y la identidad nacional. «Tormenta sobre Asia» fue elogiada por su impresionante fotografía de las vastas estepas mongolas y su descripción de las tensiones políticas de la época.
La película es un ejemplo del interés soviético por las culturas de las repúblicas asiáticas y la evolución de la dinámica geopolítica en el periodo de entreguerras. «Tormenta sobre Asia» se considera un clásico del cine soviético y todavía se estudia por su importancia histórica y artística.
La casa de la plaza Trubnaya (1928)
«La casa de la plaza Trubnaya» es una película muda soviética dirigida por Boris Barnet en 1928. Esta película es una comedia satírica que ofrece una visión crítica de la sociedad urbana soviética de la época.
La trama de la película gira en torno a Parasha Pitunova, una joven del campo que se traslada a Moscú y se convierte en mujer de la limpieza en un edificio de lujo de la Plaza Trubnaya. La historia sigue sus aventuras mientras se adapta a la vida de la ciudad y se ve envuelta en una serie de situaciones cómicas y socialmente relevantes.
«La casa de la plaza Trubnaya» es conocida por su sátira social y política, que critica la injusticia y la desigualdad en la sociedad urbana de la época. La película ofrece una mirada irónica y a veces cáustica sobre la vida urbana, la lucha de clases y la corrupción.
El director Boris Barnet utiliza una combinación de humor y crítica social para crear una narración atractiva y relevante. «La casa de la plaza Trubnaya» es un ejemplo del cine soviético de vanguardia que pretendía explorar los retos y la dinámica de la creciente sociedad urbana durante el periodo posrevolucionario.
La película sigue considerándose un clásico de la cinematografía soviética y es apreciada por su mezcla de humor y comentario social.
La nueva Babilonia (1929)
«La nueva Babilonia» es una película muda soviética dirigida por Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg en 1928. Esta película es un drama histórico y político que explora los acontecimientos de la Comuna de París de 1871.
La trama de «La Nueva Babilonia» se desarrolla durante la Comuna de París, un periodo de agitación política y social en el que el proletariado parisino intentó hacerse con el control de la ciudad. La película sigue las historias de varios personajes, entre ellos una vendedora de una lujosa perfumería, un soldado y el propietario de una tienda, mientras navegan por los acontecimientos y las tensiones de la Comuna.
La película es conocida por su retrato de París, con el uso de elaborados decorados que recrean meticulosamente el aspecto de la ciudad durante ese periodo histórico. «La Nueva Babilonia» también destaca por su crítica social y política, que describe la lucha de clases y las desigualdades de la sociedad de la época.
La película fue apreciada por su innovadora cinematografía y su atractiva narración. «La Nueva Babilonia» representa un ejemplo de cine soviético políticamente comprometido que explora importantes acontecimientos históricos y temas sociales.
El undécimo año (1928)
«El undécimo año» es una película documental dirigida por Dziga Vertov en 1928, aunque se terminó en 1931. Esta película rinde homenaje a la Revolución de Octubre de 1917 y celebra el 10º aniversario de ese acontecimiento histórico.
El título «El undécimo año» hace referencia a la fecha en que las fuerzas bolcheviques tomaron el control de la ciudad de Petrogrado durante la Revolución de Octubre, marcando el comienzo de la era soviética. La película presenta imágenes de archivo, documentales y fotografías fijas de acontecimientos históricos, entrelazadas con secuencias que muestran la vida cotidiana en la Unión Soviética.
Vertov emplea innovadoras técnicas de montaje para crear un atractivo ritmo visual y conectar los acontecimientos históricos con los aspectos de la vida cotidiana bajo el socialismo. La película se realizó con sonido sincronizado, una innovación técnica de la época, que incluye una mezcla de música y sonidos ambientales.
«El Undécimo Año» sirve de homenaje a la Revolución de Octubre y a la historia revolucionaria de la Unión Soviética. Es conocida por su capacidad de mezclar el documental y la poesía visual para exaltar los principios del comunismo. La película ofrece una perspectiva única y artística de un capítulo importante de la historia rusa y soviética.
El hombre de la cámara (1929)
«El hombre de la cámara de cine» es una película muda soviética dirigida por Dziga Vertov en 1929. Esta película se considera una de las obras maestras del cine de vanguardia y del cine documental experimental, y es conocida por su innovación cinematográfica.
La película es un ejemplo de «cinéma vérité» o «cine-ojo», un movimiento cinematográfico promovido por Vertov que pretendía captar la realidad sin ninguna forma de ficción o narración tradicional. La película es una celebración de la vida urbana y de la tecnología moderna, en particular de la cámara como herramienta para explorar la realidad.
«El hombre de la cámara de cine» es conocida por su montaje dinámico y su ritmo frenético. La película presenta una serie de viñetas urbanas e imágenes de la vida cotidiana, a menudo desde la perspectiva de un cámara que explora la ciudad con su cámara. La música, añadida en una versión posterior de la película, contribuye a crear una atractiva experiencia cinematográfica.
La película es una declaración experimental y radical sobre el poder del cine como medio para representar la realidad. «El hombre de la cámara de cine» sigue siendo ampliamente estudiada y apreciada por sus aportaciones al arte cinematográfico y a la teoría del cine. Se considera un icono del cine de vanguardia.
Tierra (1930)
«Tierra» es una película muda soviética dirigida por Aleksandr Dovzhenko en 1930. Esta película es una obra maestra del cine de vanguardia soviético y es conocida por su poético retrato de la vida campesina y la dinámica agrícola en Ucrania.
La trama de «Tierra» se sitúa en un pueblo agrícola ucraniano y sigue la historia de un campesino llamado Vasili, interpretado por Stepan Shkurat. La película explora las luchas de los campesinos contra los terratenientes y el cambio social que se produce durante la colectivización agrícola en la Unión Soviética.
La película es conocida por su profunda conexión con la tierra y la naturaleza, así como por su poética representación de la vida rural. Aleksandr Dovzhenko utiliza un lenguaje visual innovador y simbólico para transmitir la importancia de la tierra en la vida de los campesinos.
«Tierra» ha sido elogiada por su impresionante cinematografía y su narrativa poética. La película se considera una contribución significativa al cine de vanguardia y al arte cinematográfico soviético. También es una de las obras cinematográficas más significativas que abordan cuestiones agrícolas y sociales en la Unión Soviética durante la época de la colectivización agrícola.
La risa de Moscú (1934)
«Moscú se ríe» es una película soviética de comedia musical dirigida por Grigori Aleksandrov e Isaak Dunayevsky en 1934. Es una de las comedias musicales más notables del primer cine soviético.
La película es una comedia musical desenfadada que gira en torno a las aventuras de un músico jovial y despreocupado llamado Leonid, interpretado por Leonid Utyosov. Leonid es un popular músico de jazz que se ve envuelto en diversas situaciones cómicas y escapadas románticas. La película cuenta con animadas actuaciones musicales y secuencias de baile.
«Moscú se ríe» es conocido por su ambiente alegre y divertido, y refleja las influencias culturales y musicales de la época. También sirve de escaparate para el talento del popular músico de jazz y actor soviético Leonid Utyosov.
La película fue bien recibida por el público y sigue siendo un clásico muy querido del cine soviético. Es célebre por su humor, sus números musicales y el encanto de sus personajes, lo que la convierte en una parte importante de la historia del cine soviético.
Tres canciones sobre Lenin (1934)
«Tres canciones sobre Lenin» es una película soviética dirigida por Dziga Vertov en 1934. También se conoce como «Tri pesni o Lenine» y es una producción documental que celebra la figura de Vladimir Lenin, líder de la Revolución de Octubre y fundador de la Unión Soviética.
La película consta de tres segmentos distintos, cada uno de los cuales es una canción u homenaje a Lenin. Estos segmentos exploran diferentes aspectos de la vida y la obra de Lenin, incluidos sus discursos, su compromiso político y su influencia en la sociedad soviética.
«Tres canciones sobre Lenin» es conocida por su uso de innovadoras técnicas de montaje y su estructura no lineal. El director Dziga Vertov era conocido por su enfoque experimental del cine documental, y esta película es un ejemplo significativo de su obra.
La película sirve de homenaje a Lenin y a la Revolución de Octubre, retratando a Lenin como icono de la revolución comunista y la lucha de clases. «Tres canciones sobre Lenin» es un documento histórico y cinematográfico que refleja la importancia de Lenin en la historia soviética y su condición de figura destacada en la política mundial del siglo XX.
Lo viejo y lo nuevo (1929)
«Lo viejo y lo nuevo» es una película soviética dirigida por Sergei Eisenstein y Grigori Aleksandrov en 1929. Esta película constituye un capítulo significativo del cine soviético de vanguardia y es conocida por su énfasis en la propaganda política y la representación de la colectivización agrícola en la Unión Soviética.
La trama de «Lo viejo y lo nuevo» sigue la vida de una pareja de campesinos, interpretada por Marfa Lapkina, y su marido, durante el periodo de colectivización agrícola. La pareja debe enfrentarse a los retos de la agricultura y adaptarse a los cambios políticos y sociales de la época.
La película es conocida por su retrato de los campesinos como héroes socialistas, empeñados en transformar sus vidas y la sociedad. Sergei Eisenstein utiliza el montaje para crear una poderosa narrativa y para subrayar los ideales comunistas de solidaridad y progreso.
«Lo viejo y lo nuevo» es una película importante por su contribución a la propaganda política soviética y su representación cinematográfica del trabajo agrícola y la colectivización. Sin embargo, también ha sido objeto de críticas y controversias, ya que muchas de las escenas representadas se consideraron escenificadas o poco realistas. No obstante, la película representa un momento importante en la carrera de Sergei Eisenstein y en la historia del cine soviético.