Os 40 Melhores Filmes Ambientados na Itália

A Itália é o cenário cinematográfico por excelência. Um cenário capaz de evocar história, beleza e drama. Claro, há a imagem icônica, o cartão-postal da “dolce vita” que o mundo adora — e você encontrará as obras-primas que construíram esse mito aqui. Mas este guia é também um contra-mapeamento. Uma jornada por uma Itália diferente, complexa e muitas vezes contraditória.

O verdadeiro cinema italiano, aquele que definiu o próprio conceito de “cinema de arte” e influenciou gerações de cineastas, nasceu nas ruas. O ato fundador do cinema moderno de autor, o Neorrealismo, não foi uma estética, mas uma necessidade produtiva. Diante dos estúdios destruídos, os diretores foram forçados a apontar suas câmeras para a realidade.

Esta não é uma lista simples, mas uma geografia alternativa do país. É um caminho que une os pilares fundamentais, dos filmes mais famosos às produções independentes mais corajosas. Um território feito de favelas romanas lívidas, paisagens industriais alienantes e campos mágicos. É uma Itália “bela e perdida”, capturada apenas pela visão obstinada desses autores.

Fundamentos. O Neorrealismo como Ato de Resistência Ambiental

O Neorrealismo não é “independente” no sentido moderno do termo, mas é em seu espírito fundacional. Foi uma ruptura total com o domínio dos produtores e a estética polida do cinema da era do regime. Foi um cinema nascido “da rua”, onde a locação não era uma escolha, mas a única verdade possível. Como observou o crítico André Bazin, foi um cinema “sem mais cenários”, e nessa ausência de artifício, a própria realidade tornou-se cinema puro. A escolha revolucionária de filmar em locações reais, muitas vezes devastadas pela guerra, usando atores não profissionais, criou um vínculo indissolúvel entre o cinema de arte italiano e seu cenário. A Itália do pós-guerra é o filme.

The Lost Poet

Agora disponível

Drama, de Fabio Del Greco, Itália, 2024.
Dante Mezzadri quer ver um velho amigo, apelidado de Iguana, que ele não vê há muitos anos, e que conseguiu transformar a paixão juvenil compartilhada pela poesia em um trabalho, tornando-se um escritor e poeta famoso. O homem foge de sua vida burguesa e de sua esposa para viver como sem-teto na costa romana, imprimindo e tentando vender suas coleções de poesia. À noite, ele dorme em um parque de antigos carros alegóricos de carnaval, dentro de um tanque de papel machê, e espera a oportunidade de encontrar seu velho amigo, que, no entanto, nunca aparece nos encontros nos lugares que frequentavam quando jovens, agora em ruínas. Os livros de poesia de Dante não interessam a ninguém e, para se sustentar, ele é obrigado a "mudar de produto": começa a vender a infame "pílula canibal" em nome de jovens traficantes de drogas, uma nova droga que vende como água e causa êxtase sensorial e consumista. No entanto, ele percebe que essa droga poderosa é muito perigosa para quem a consome, entra em conflito com sua consciência ética e joga todas as pílulas no mar. Contudo, os traficantes querem receber seu dinheiro.

Filmado ao longo de 2 anos, o filme é uma reflexão sobre os escombros culturais e artísticos da sociedade em que o protagonista vive, em um mundo cada vez mais mecanizado, consumista e árido. Dante Mezzadri é mais um ser humano que renunciou à sua inspiração e criatividade, mas, ao contrário de muitos, não está disposto a entregar sua vida a um sistema que o distancia de sua verdadeira identidade. O mundo físico ao seu redor, no entanto, parece construído de tal forma que parece impossível escapar dessa "gaiola invisível". O entusiasmo das pessoas que ele encontra é despertado apenas pela gratificação sensorial, por visões irreais de afirmação pessoal e sucesso, por "metaversos" que oferecem uma fuga para uma realidade ilusória e destrutiva. A casa do poeta na costa, onde ele se encontrava com seus amigos quando jovem, é apenas um monte de escombros abandonados. O que aconteceu com todos aqueles que queriam se tornar poetas e acabaram se tornando outra coisa? Existem forças internas com as quais essa casa pode ser "

ASSISTIR AGORA

Roma, cidade aberta (Rome, Open City) (1945)

Durante a ocupação nazista de Roma em 1944, um engenheiro da Resistência tenta escapar da Gestapo. Ele é ajudado por um padre católico, Don Pietro, e pela corajosa Pina, que está noiva de outro partigiano. Sua luta se entrelaça no tecido de uma cidade sitiada.

Nesta obra seminal, Roberto Rossellini não usa Roma como cenário: ele a transforma no personagem principal. Filmado entre os escombros ainda quentes de 1945, o filme transforma as ruas devastadas e os prédios bombardeados em um teatro de agonia e esperança. O cenário urbano é um labirinto moral onde se desenrolam resistência e traição. Rossellini rejeita a imagem monumental da Cidade Eterna para filmar sua alma popular e ferida, transformando locações reais em um palco ético.

Paisà (Paisan) (1946)

Estruturado em seis episódios independentes, o filme acompanha o avanço das tropas aliadas na Itália, da Sicília ao Delta do Pó. Cada episódio retrata o encontro muitas vezes trágico ou impossível entre a cultura italiana e os soldados americanos, mostrando a libertação do país.

Paisà é um mapeamento literal da História. Rossellini leva sua estética neorrealista para fora da capital e a aplica a toda a bota. Das ruínas da Sicília ao desembarque em Nápoles, das lutas em um mosteiro dos Apeninos às zonas alagadiças do Pó, o cenário é o verdadeiro protagonista. O filme é um road movie histórico que documenta não apenas a libertação, mas o choque cultural entre dois mundos, usando a paisagem italiana como testemunha muda da tragédia e da complexidade humana.

Ladrões de Bicicleta (Ladri di biciclette) (1948)

Na Roma do pós-guerra, Antonio Ricci finalmente encontra um emprego como afixador de cartazes, mas precisa de uma bicicleta para isso. Quando ela é roubada, ele inicia uma busca desesperada pela cidade com seu filho Bruno, descendo em uma odisseia de humilhação e pobreza.

Vittorio De Sica usa o cenário romano não por seus monumentos, mas por sua geografia da desesperança. O filme é uma busca existencial que nos leva do mercado Porta Portese, onde bicicletas roubadas são desmontadas, aos blocos de apartamentos anônimos da periferia. A vastidão da cidade, filmada com um olhar documental porém lírico, apenas amplifica a solidão e a impotência do protagonista. Roma é uma adversária indiferente, um labirinto que engole os pobres.

Umberto D. (1952)

Umberto Domenico Ferrari é um idoso aposentado que já não pode mais pagar o aluguel de seu quarto em Roma. Com apenas seu pequeno cachorro Flike como companhia, ele tenta desesperadamente encontrar dinheiro e dignidade, chocando-se com a total indiferença da nova sociedade burguesa.

Considerado por muitos como o capítulo final do Neorrealismo clássico, o filme de De Sica pinta um quadro da “solidão senil moderna”. O cenário é uma Roma já correndo rumo ao boom econômico, uma cidade indiferente que não tem mais espaço para a pobreza ou a velhice. A análise do espaço é implacável: dos interiores decadentes da pensão, onde a dona aluga quartos por hora, às avenidas vazias que Umberto percorre em busca de caridade. É o retrato de um homem que se torna invisível em sua própria paisagem urbana.

A Província e a Alma. Os Mestres do Pós-Guerra

Uma vez passada a urgência imediata dos escombros, os grandes mestres do cinema italiano dos anos 1950 começaram a usar o cenário para explorar a psique. A Itália não era mais apenas um corpo ferido mostrando suas cicatrizes; tornou-se um estado da alma. O foco mudou da sobrevivência coletiva para a paralisia moral do indivíduo. O cenário torna-se o correlato objetivo da falta de rumo (a província de Fellini), da busca espiritual (as estradas de La Strada) ou da crise conjugal (a paisagem antiga de Rossellini).

I Vitelloni (1953)

Cinco jovens em uma pequena cidade provincial na costa do Adriático vagueiam por suas vidas entre cafés, bilhar e sonhos vãos de fuga. Fausto, o líder, é um sedutor forçado a um casamento arranjado. Moraldo, o mais jovem, é o único que observa e medita sobre a fuga.

Fellini define aqui o arquétipo da “província” italiana. O cenário, uma Rimini não nomeada, é um limbo existencial. Os personagens, como diz o narrador, “nunca cruzam as fronteiras” de sua cidade. A análise da paisagem é crucial: a praia de inverno, deserta e ventosa, os cafés vazios e o píer noturno tornam-se a metáfora perfeita para sua paralisia moral, sua juventude desperdiçada em um presente eterno sem futuro.

La Strada (1954)

A jovem e ingênua Gelsomina é vendida por sua mãe a Zampanò, um bruto artista de rua que quebra correntes com o peito. Os dois viajam em um triciclo precário pela Itália rural, encontrando outro artista, um equilibrista chamado “il Matto” (o Louco).

Fellini deixa a província para filmar uma Itália itinerante. O cenário não é uma cidade, mas a estrada em si. É uma Itália arcaica, pobre, rural, quase pré-industrial que parece existir fora do tempo. Nesta paisagem esparsa e quase mítica, Fellini encena um drama espiritual, uma parábola sobre solidão, graça e crueldade. A paisagem italiana, feita de praças vazias, conventos e campos desolados, torna-se o palco para uma fábula neorrealista.

Viaggio in Italia (Viagem à Itália) (1954)

Katherine e Alex Joyce, um casal inglês culto e rico, chegam a Nápoles para vender uma vila herdada. A viagem expõe a aridez de seu casamento. Separados e entediados, exploram os arredores: Pompeia, Vesúvio, Capri, confrontando uma cultura radicalmente diferente.

Um filme fundamental que antecipou e influenciou a Nouvelle Vague francesa. Rossellini usa a paisagem campana como um catalisador emocional. A Itália, com sua mistura ensurdecedora de vida (as multidões caóticas de Nápoles) e morte (as ruínas de Pompeia, os corpos petrificados dos amantes), força o casal nórdico a confrontar seu próprio vazio emocional. O cenário não é um pano de fundo, mas um espelho espiritual que reflete sua crise e, talvez, oferece uma chance de redenção.

Le Notti di Cabiria (Noites de Cabíria) (1957)

Cabíria é uma prostituta romana ingênua e sonhadora, constantemente traída e roubada, mas incapaz de perder a fé no amor. Ela vive em uma barraca na periferia e vagueia por Roma em busca de um milagre ou de um homem que a salve.

Fellini retorna a Roma, mas evita cuidadosamente o centro e a imagem de cartão-postal. O cenário de Cabíria é o das periferias desoladas, os “passeios arqueológicos” e os campos áridos. É uma paisagem marginal, suspensa entre o antigo (as ruínas) e o moderno degradado (as barracas). Essa paisagem austera, que Cabíria atravessa com sua inocência indestrutível, torna-se um lugar metafísico, um palco suspenso entre o sagrado (a peregrinação ao Divino Amore) e o profano (a rua).

Geografias da Alienação. A Paisagem Modernista

Com a chegada tumultuada do boom econômico nos anos 1960, o cenário italiano no cinema de arte passa por uma transformação radical. A urgência da reconstrução dá lugar à análise da incomunicabilidade em meio à opulência. Michelangelo Antonioni, em particular, torna-se o sismógrafo dessa mutação. Ele utiliza a nova arquitetura moderna, paisagens industriais e ilhas áridas não para refletir uma emoção, mas para filmar a ausência dela. Para Antonioni, o cenário é o vazio emocional tornado visível: a Itália do “milagre” é um deserto.

L’Avventura (1960)

Durante uma viagem de iate às Ilhas Eólias, um grupo de burgueses ricos desembarca em uma ilha deserta. Anna, uma das mulheres, desaparece misteriosamente. Seu amante, Sandro, e sua melhor amiga, Claudia, começam a procurá-la, mas logo esquecem Anna e iniciam um relacionamento.

O cenário é o verdadeiro motor do filme. A ilha árida e primordial de Lisca Bianca literalmente “engole” a personagem Anna. Seu desaparecimento não é um mistério a ser resolvido, mas um fato existencial. A paisagem siciliana, vazia, ensolarada e petrificada, reflete perfeitamente a aridez emocional dos personagens, sua incapacidade de sentir emoções genuínas. A “aventura” do título não é a busca, mas o vazio que a substitui.

L’Eclisse (O Eclipse) (1962)

Vittoria, uma jovem tradutora, termina um relacionamento sufocante. Ela começa a frequentar a Bolsa de Valores de Roma por causa de sua mãe e lá conhece Piero, um jovem corretor de ações cínico. Os dois iniciam um relacionamento hesitante, destinado ao fracasso.

Aqui Antonioni escolhe uma Roma irreconhecível: o distrito EUR. A arquitetura metafísica, fria e monumental (projetada durante a era fascista) torna-se o símbolo da nova Itália das finanças e da alienação. O filme contrapõe o caos desumanizador da Bolsa de Valores (um templo do materialismo) aos silêncios geométricos do EUR. O famoso final, uma sequência de sete minutos em que os protagonistas não aparecem para o encontro e a câmera filma apenas objetos e espaços vazios, marca a vitória do cenário sobre a humanidade.

Deserto Rosso (Red Desert) (1964)

Giuliana, a esposa neurótica de um gerente industrial, vive na paisagem industrial desolada de Ravena. Sofrendo de trauma psicológico, ela vagueia entre as fábricas, os vapores químicos e as névoas tóxicas, procurando uma conexão emocional que não encontra nem em seu marido nem em seu amante.

O primeiro filme em cores de Antonioni é uma obra-prima do uso psicológico do cenário. O diretor manipula as cores da paisagem: pinta a grama, colore a fumaça, acentua os cinzas. A poluição industrial de Ravena não é apenas uma crítica social; é a paisagem psicológica da neurose de Giuliana. A Itália do boom econômico é mostrada como um ambiente tóxico, tanto física quanto mentalmente, um “deserto vermelho” de alienação e angústia.

Pasolini. A Topografia Sagrada das Borgate e dos Suls do Mundo

Pier Paolo Pasolini oferece uma visão da Itália radicalmente oposta à de Antonioni. Se Antonioni filma o vazio da modernidade burguesa, Pasolini rejeita essa modernidade por completo. Ele busca uma autenticidade arcaica, pré-industrial e “sagrada” nas áreas mais rejeitadas e esquecidas da nação: as borgate subproletárias de Roma e o Sul camponês, visto como um relicário de um mundo pré-consumista. Seus cenários são “uma força do Passado.” Pasolini cria um curto-circuito visual único, usando música sacra sobre imagens de decadência, elevando o subproletariado a um sujeito mítico e trágico.

Accattone (1961)

Vittorio, conhecido como “Accattone,” é um cafetão que vive de sua esperteza na degradação da borgata romana. Quando sua prostituta acaba na prisão, ele se vê sem dinheiro. Tenta mudar de vida por amor a uma garota inocente, Stella, mas seu destino está selado.

O debut de Pasolini é um tapa visual na cara. O cenário é a borgata Pigneto em Roma. Pasolini filma essa “terra de ninguém” — uma paisagem suspensa entre as ruínas antigas do aqueduto e os novos prédios anônimos — como um inferno dantesco. Ao usar a música de Bach sobre imagens de miséria e brutalidade, Pasolini santifica a paisagem da decadência e transforma seus personagens em figuras crísticas invertidas.

Mamma Roma (1962)

Mamma Roma é uma ex-prostituta que tenta construir uma nova vida e alcançar um status petit-burguês pelo bem de seu filho adolescente, Ettore. Ela se muda das favelas para um apartamento em um novo bairro operário, sonhando com um futuro melhor para ele.

O filme mapeia a migração fracassada do subproletariado para a pequena burguesia. O cenário é crucial: o filme se move das barracas para os novos conjuntos habitacionais INA-Casa, um símbolo da modernidade sonhada. Mas a arquitetura desses novos edifícios prova ser igualmente alienante. Pasolini usa a paisagem urbana de forma trágica: o sonho de redenção de Mamma Roma se estilhaça contra o anonimato dos blocos de apartamentos, e o desfecho, com Ettore “crucificado” em uma cama de contenção, é uma poderosa acusação à nova Itália.

Il Vangelo secondo Matteo (O Evangelho Segundo São Mateus) (1964)

O filme é uma transposição fiel e austera do Evangelho de Mateus, desde o nascimento de Jesus até sua crucificação e ressurreição. Pasolini utiliza atores não profissionais, frequentemente camponeses locais, para interpretar os papéis de Cristo e dos apóstolos.

Este é um golpe de gênio geográfico. Para sua Palestina, Pasolini rejeita Roma e escolhe o Sul da Itália, especificamente Matera. Na época, os Sassi di Matera eram considerados a “vergonha da Itália”, um lugar de extrema pobreza. Pasolini viu naquela paisagem bíblica, arcaica e intocada, e nos rostos marcados pelo sol dos camponeses lucanos, a autenticidade que buscava. O cenário de Matera confere ao filme um realismo sagrado e documental, transformando um lugar de miséria em um cenário universal.

Salò o le 120 giornate di Sodoma (Salò, ou os 120 Dias de Sodoma) (1975)

Durante os últimos dias da República de Salò, quatro libertinos fascistas sequestram um grupo de jovens rapazes e moças. Eles os trancam em uma vila isolada no Lago de Garda e os submetem a um conjunto de regras envolvendo tortura psicológica, sexual e física.

O filme final, testamentário e mais extremo de Pasolini. O cenário é a República de Salò, mas é um ambiente fechado, claustrofóbico. A vila isolada torna-se uma alegoria arrepiante do Poder. Para Pasolini, o fascismo histórico é apenas uma metáfora para o novo poder, o do consumismo, que transforma corpos em objetos e o sexo em mercadoria. A Itália externa não existe mais; tudo o que resta é este inferno ordenado, um teatro onde a violência é a norma e a arquitetura se torna cúmplice do sadismo.

Itália Subterrânea. Política, Gênero e a Vanguarda (1960-1980)

Além dos grandes e reconhecidos mestres, as décadas de 1960 e 1970 viram o florescimento de um cinema italiano independente, político e “selvagem”. Foi um período de extrema politização e experimentação formal. A Itália monolítica do Neorrealismo já não existia. Existiam múltiplas “Itálias subterrâneas”: a Itália paranoica e grotesca do poder (Petri), a psicológica e formal (Bertolucci), e a totalmente desconstruída da pura vanguarda, que usava a Itália como um arquivo de imagens a serem desmontadas.

O Conformista (Il Conformista) (1970)

Marcello Clerici é um homem obcecado pelo desejo de se conformar, de ser “normal”, de apagar um trauma de infância. Durante o regime fascista, ele se casa com uma mulher medíocre e aceita uma missão da polícia secreta: ir a Paris e assassinar seu antigo professor antifascista.

Bernardo Bertolucci usa os cenários de Roma e Paris de forma expressionista. A arquitetura fascista de Roma, particularmente o EUR, não é filmada com o olhar alienado de Antonioni, mas como um pesadelo metafísico. A cinematografia de Vittorio Storaro esculpe os espaços, tanto os interiores burgueses quanto os exteriores monumentais, como uma prisão psicológica. O cenário não é real; é o estado mental distorcido do protagonista, um labirinto de sombras e luz que visualiza seu desejo de conformidade.

Investigação de um Cidadão Acima de Qualquer Suspeita (Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto) (1970)

No dia de sua promoção a chefe da divisão política, um comissário de polícia (conhecido como “il Dottore”) assassina sua amante. Convencido de sua própria impunidade, ele planta deliberadamente pistas na cena do crime para testar até onde o poder que ele encarna o protegerá.

A obra-prima de Elio Petri é uma “farsa trágica” sobre impunidade. O cenário romano é fundamental. Petri usa os espaços de forma grotesca: Roma não é a cidade da história, mas um labirinto de escritórios policiais sufocantes, salas de interrogatório labirínticas e apartamentos kitsch. A arquitetura do poder (a sede da polícia, o Ministério) é mostrada como uma máquina autorreferencial e paranoica que se protege. A cidade é o teatro do absurdo kafkiano.

A Verificação Incerta (La verifica incerta) (1965)

Este filme experimental é uma obra-prima de found footage. Gianfranco Baruchello e Alberto Grifi compraram uma grande quantidade de fragmentos de filmes “peplum” (espada e sandália) por peso de uma empresa de dublagem, principalmente filmes americanos filmados na Cinecittà nos anos 50 e 60.

O cenário deste filme não é um lugar físico, mas o arquivo cinematográfico. Grifi e Baruchello usam a imagem mainstream da Itália (a de “Hollywood no Tibre”) para desconstruí-la, reeditá-la e destruí-la. É um ato de sabotagem artística que desmonta a narrativa americana sobre a Itália, revelando o inconsciente do cinema. É um dos filmes underground mais importantes já produzidos no país.

O Monstro Verde (Il mostro verde) (1967)

Um curta-metragem experimental, emblemático do underground italiano e do cinema de vanguarda daquele período, particularmente da cena de Turim. O filme de Tonino De Bernardi e Paolo Menzio é uma obra não narrativa, um fluxo de imagens abstratas e psicodélicas.

Este filme representa o extremo oposto do uso do cenário. Aqui, a paisagem italiana (se reconhecível) é completamente transfigurada, reduzida à pura forma, cor e material pictórico. É um exemplo de como o cinema independente italiano explorou não apenas a realidade social, mas também os próprios limites da linguagem cinematográfica, usando o território como uma tela abstrata.

Olhares Estrangeiros. A Itália Sonhada e Desconstruída pelo Cinema Global de Arte

A Itália sempre foi um ímã para diretores independentes estrangeiros. Mas, ao contrário dos grandes estúdios que buscam o cartão-postal fácil, os grandes autores do cinema global de arte não vêm à Itália para filmar sua beleza, mas para usá-la. Eles vêm para dialogar com o peso da história, da arte e da arquitetura. Para esses diretores, a Itália é um texto antigo sobre o qual escrever uma nova história moderna: um texto sobre obsessão (Greenaway), a desconstrução de estereótipos (Jarmusch) ou o próprio conceito de arte (Kiarostami).

Il ventre dell’architetto (O Ventre do Arquiteto) (1987)

O arquiteto americano Stourley Kracklite chega a Roma com sua jovem esposa para organizar uma exposição sobre o visionário arquiteto francês Étienne-Louis Boullée. À medida que sua vida privada e profissional desmorona, Kracklite desenvolve uma obsessão pelo seu próprio estômago doente, que compara aos das estátuas romanas.

Peter Greenaway usa obsessiva e literalmente a arquitetura de Roma. O Panteão, o Vittoriano, a Piazza Navona e as inúmeras estátuas não são um pano de fundo, mas os verdadeiros protagonistas que esmagam o arquiteto física e mentalmente. Roma é um corpo de pedra, um organismo antigo que digere e destrói o homem moderno. O filme é um tratado visual sobre a relação entre o corpo humano (mortal) e o corpo da arquitetura (eterno).

Night on Earth (Roma) (1991)

Um filme antológico de Jim Jarmusch que conta cinco histórias simultâneas em cinco táxis em cinco cidades diferentes. No episódio de Roma, um taxista caótico e logorréico (Roberto Benigni) pega um padre. Durante a corrida, ele começa a confessar seus pecados sexuais com tal fervor que provoca um ataque cardíaco no padre.

Este é um movimento radical. Jarmusch, o rei do cinema independente americano, ignora completamente a Itália clássica e monumental. Em vez disso, escolhe filmar um clichê cultural hiperbólico: a “caciara” romana (caos). O cenário é uma Roma noturna, operária, quase surreal, povoada por prostitutas e conduzida por um personagem exagerado. É uma rejeição consciente da Itália como peça de museu, um mergulho “fronteiriço” em seu estereótipo mais grotesco.

Copie Conforme (Certified Copy) (2010)

Um escritor inglês, James Miller, está numa pequena vila da Toscana para apresentar seu livro sobre a validade das cópias na arte. Ele conhece “Elle”, uma antiquária francesa. Os dois passam uma tarde juntos, e seu relacionamento começa a se transformar ambiguamente no de um casal casado há anos.

O mestre italiano Abbas Kiarostami cria uma obra-prima genial. O diretor iraniano situa um filme filosófico sobre a natureza do original e da cópia na Toscana, o coração do Renascimento, terra de mestres e copiadores. A paisagem toscana, com seus ciprestes que parecem “individuais” mas são reproduzidos infinitamente, torna-se um labirinto filosófico. A Itália é o lugar perfeito para questionar a autenticidade, tanto na arte quanto nas relações humanas.

Me Chame Pelo Seu Nome (2017)

No verão de 1983, no norte da Itália, Elio, de dezessete anos, passa as férias na vila da família. A chegada de Oliver, um encantador estudante americano de pós-graduação que auxilia o pai professor de Elio, perturba sua vida, desencadeando um verão inesquecível de primeiro amor.

Dirigido por Luca Guadagnino e produzido por companhias independentes internacionais, o filme redefine o idílio italiano. O cenário (Crema e o campo lombardo) parece um sonho de cartão-postal, mas Guadagnino o utiliza de forma tátil e sensorial. É uma Itália culta, helenística (as estátuas gregas pescadas do lago), preguiçosa e banhada pelo sol. O cenário é um Éden de verão que oferece o pano de fundo perfeito para o despertar homoerótico, desconstruindo o clichê italiano “macho” e substituindo-o por uma sensualidade culta e vulnerável.

O Grotesco Siciliano. O Apocalipse de Ciprì e Maresco

Se você procura o cinema italiano mais extremo, independente e underground, deve ir à Sicília. Longe dos centros cinematográficos de Roma e Milão, Daniele Ciprì e Franco Maresco criaram um universo único e inimitável. A Sicília deles não é a de Tornatore; é uma paisagem apocalíptica, grotesca e pós-humana, filmada em um preto e branco lívido. É o ponto zero do cenário italiano, seu anti-cartão-postal definitivo. Se Pasolini via a sacralidade na decadência, Ciprì e Maresco veem apenas o grotesco, o corporal e o blasfemo. Seu Palermo é outra dimensão.

Lo zio di Brooklyn (O Tio do Brooklyn) (1995)

Num Palermo apocalíptico e irreconhecível, uma família disfuncional e semi-analfabeta é forçada por um chefe da máfia local a hospedar em sua casa um velho misterioso e decadente, “o tio do Brooklyn”. Sua presença desequilibra ainda mais o já precário equilíbrio da família e do bairro.

A estética em preto e branco de Ciprì e Maresco transforma a periferia palermitana em uma paisagem lunar, um lixão povoado por “aberrações” e mafiosos deformados. É o fim do humanismo. O cenário não é apenas degradado; é irremediável. É uma Itália pós-atômica da alma, onde a única lei é a da fome e do abuso, tudo filtrado por um humor surreal e negro como breu.

Totò che visse due volte (Totò Que Viveu Duas Vezes) (1998)

Um filme antológico em três episódios ambientado em uma Sicília infernal. As histórias, incluindo a de um homem bestial chamado Paletta e um “Totò” que acredita ser a reencarnação do Messias, são uma paródia blasfema e grotesca da Paixão de Cristo.

Este filme foi censurado e bloqueado antes de seu lançamento por “vilipêndio à religião”. O cenário siciliano, mais uma vez uma periferia palermitana transfigurada, torna-se um palco para o “fim da história”. É um Evangelho grotesco onde a sacralidade pasoliniana foi completamente substituída por instintos primordiais, fome, sexo e blasfêmia. É a visão mais extrema e independente que o cinema italiano já produziu sobre seu próprio território.

O Novo Realismo Mágico. O Renascimento do Cinema de Arte e Ensaios (1990-Presente)

O cinema italiano independente contemporâneo encontrou uma nova e poderosa voz. Diretores como Matteo Garrone, Alice Rohrwacher e Pietro Marcello absorveram a lição fundamental do Neorrealismo (o foco nas margens, o uso da paisagem real), mas a fundiram com o gênero (noir, crime) e um “realismo mágico” único. Esses autores retornaram a mapear a Itália fora dos centros turísticos, explorando o sistema da Camorra em Scampia, a construção ilegal de Villaggio Coppola, a ‘Ndrangheta na Calábria e a resistência camponesa na Úmbria. Para eles, o cenário não é apenas um lugar, mas um sistema social, econômico e criminoso.

Nápoles e Campânia. Noir e História

L’amore molesto (Amor Nocivo) (1995)

Delia, uma ilustradora que vive em Bolonha, retorna à sua cidade natal, Nápoles, após o misterioso afogamento de sua mãe, Amalia. Tentando entender o que aconteceu, Delia é forçada a cavar em seu passado e em uma relação maternal construída sobre memórias reprimidas e violência oculta.

Baseado no romance de estreia de Elena Ferrante, o filme de Mario Martone usa Nápoles não como a cidade ensolarada do clichê, mas como um labirinto escuro e sufocante. O cenário urbano é um thriller psicológico. Delia se move por uma cidade que é o mapa de sua memória reprimida. Os becos, os prédios, o metrô tornam-se lugares do inconsciente, em uma jornada regressiva rumo a um trauma oculto.

L’imbalsamatore (O Embalsamador) (2002)

Peppino, um taxidermista com nanismo envolvido em negócios ambíguos com a Camorra, contrata Valerio, um jovem alto e bonito, como seu assistente. Desenvolve-se entre os dois uma relação mórbida, que se transforma em um triângulo amoroso mortal quando Valerio se apaixona por Deborah.

O cenário é a chave deste noir grotesco. Matteo Garrone escolhe Villaggio Coppola, um “eco-monstro” abusivo na costa Domitiana, perto de Castel Volturno. Este “não-lugar” espectral, um complexo turístico planejado que nunca foi concluído e agora jaz em ruínas, torna-se um cenário perfeito. A arquitetura degradada e surreal é a paisagem-alma dos personagens, um lugar de morte e desejo que reflete a natureza sinistra da história.

Gomorra (Gomorra) (2008)

Cinco histórias de vida se entrelaçam no território dominado pela Camorra, entre Scampia e Casal di Principe. Um garoto que faz as compras, dois jovens criminosos viciados em Scarface, um alfaiate de alta-costura, um corretor de resíduos tóxicos e um “pagador” que paga as famílias dos presos.

O filme de Matteo Garrone é um divisor de águas que redefiniu o cinema italiano. O cenário é Scampia. Com um estilo quase documental, Garrone nos mergulha neste território. A arquitetura brutalista das “Vele” não é apenas um pano de fundo: é a própria estrutura do poder da Camorra, uma fortaleza de concreto, uma prisão a céu aberto que condiciona a vida, a morte e a moralidade de seus habitantes.

Bella e perduta (Perdida e Bela) (2015)

Tommaso, um pastor que cuida voluntariamente do Palácio de Carditello, uma joia Bourbon abandonada na Campânia, morre. Do Vesúvio emerge Pulcinella (Punch), enviado para cumprir seu último desejo: salvar um jovem búfalo, Sarchiapone. Começa uma jornada picaresca por uma Itália “perdida e bela”.

Pietro Marcello mistura magistralmente documentário, fábula e mito. O cenário é o Palácio de Carditello, um lugar real, símbolo da beleza italiana abandonada ao saque e à decadência (localizado na “Terra dos Fogos”). O uso de Pulcinella, uma máscara da tradição napolitana, e de um búfalo falante transfigura o cenário. A Itália não é apenas um lugar, mas um lamento, uma beleza que pede para ser salva.

Martin Eden (2019)

Martin Eden é um jovem marinheiro proletário em Nápoles. Após salvar um herdeiro da alta burguesia, é introduzido em seu mundo e se apaixona pela irmã, Elena. Decide elevar-se social e culturalmente tornando-se escritor, mas sua ambição o levará à autodestruição.

A escolha do cenário de Pietro Marcello é brilhante. Ao transpor o romance de Jack London (ambientado em Oakland) para uma Nápoles do século XX, mas ahistórica, o diretor torna a história universal. A Itália (Nápoles) torna-se um “em qualquer lugar” histórico, um palco onde se desenrola o drama da luta de classes, do individualismo e do fracasso político. O uso de imagens de arquivo fundidas com a ficção cria um cenário que é ao mesmo tempo real e sonhado.

Nostalgia (2022)

Após quarenta anos vivendo entre o Egito e o Líbano, Felice Lasco retorna à sua Nápoles natal para cuidar de sua mãe doente. Ele se instala no Rione Sanità, o bairro onde cresceu, mas seu retorno o obriga a confrontar um passado criminoso e uma amizade traída com um chefe local.

Mario Martone retorna a Nápoles e se imerge no Rione Sanità. O cenário é o coração pulsante do filme. O bairro é um labirinto de vielas, palácios nobres decadentes, igrejas e catacumbas. Para Felice, essa paisagem urbana é o mapa de seu passado, um lugar que o acolhe de volta e, ao mesmo tempo, o aprisiona. O cenário é destino: um passado do qual é impossível escapar.

Calábria e o Sul Rural. O Real e o Invisível

Le Quattro Volte (The Four Times) (2010)

Em uma aldeia isolada nas montanhas da Calábria, um pastor idoso conduz suas cabras. O filme observa o ciclo da vida e a transmigração da alma: do pastor para um cabrito recém-nascido, do cabrito para um abeto cortado para uma festa da aldeia e, finalmente, para o carvão produzido a partir da madeira.

O filme de Michelangelo Frammartino é uma obra quase mística, na fronteira entre documentário e ficção. O cenário é uma Itália remota, um lugar pré-verbal onde a vida humana é apenas uma parte de um ciclo cósmico maior. Frammartino filma a paisagem calabresa com um rigor e paciência que transformam a vida camponesa cotidiana em um ritual filosófico sobre reencarnação e a conexão entre todos os seres vivos.

Corpo Celeste (Heavenly Body) (2011)

Marta, uma garota de treze anos, retorna para viver em Reggio Calabria após passar sua infância na Suíça. Ela se prepara para receber sua crisma, mas entra em conflito com um ambiente que já não reconhece: um catecismo desprovido de sentido, decadência urbana e uma espiritualidade reduzida à superstição.

No filme de estreia de Alice Rohrwacher, o cenário calabrês é o lugar do deslumbramento espiritual. Reggio Calabria é mostrada em seu contraste marcante entre uma natureza ainda poderosa (o mar, a fiumara) e a decadência urbana e religiosa. A busca de Marta por um sentido autêntico do sagrado choca-se com uma Itália que parece tê-lo esquecido, simbolizada pelo padre mais interessado em política do que em almas.

A Chiara (2021)

Chiara tem quinze anos e vive em Gioia Tauro, Calábria, cercada por sua família amorosa. No dia do aniversário de 18 anos de sua irmã mais velha, seu pai desaparece repentinamente. Chiara começa a investigar e descobre que o homem que ela ama é um fugitivo ligado à ‘Ndrangheta.

Jonas Carpignano, italiano por adoção, encerra sua trilogia ambientada em Gioia Tauro. Seu estilo imersivo nos leva para dentro da realidade social e econômica de um território controlado pelo crime organizado. O cenário não é apenas um pano de fundo para uma história de crime; é o próprio sistema. Gioia Tauro, com seu porto e seus laços familiares inextricáveis, é a Itália vista como um sistema de poder onde a linha entre o amor familiar e a cumplicidade mafiosa é tragicamente borrada.

Itália Central/Setentrional. A Resistência Mágica

Le Meraviglie (As Maravilhas) (2014)

Gelsomina vive com sua família em uma fazenda decadente no campo da Úmbria. Seu pai, um apicultor alemão rude e idealista, tenta proteger a família do mundo moderno. O equilíbrio é quebrado quando uma equipe de televisão chega à região para um programa de jogos chamado “A Terra das Maravilhas.”

Alice Rohrwacher filma o cenário rural (entre Úmbria e Lácio) como um “reino em ruínas.” É uma Itália camponesa que tenta desesperadamente resistir à homogeneização da modernidade, simbolizada pelo kitsch televisivo da apresentadora (Monica Bellucci). O cenário é o local da resistência cultural, um mundo mágico e frágil (apicultura, a relação com a natureza) destinado a ser corrompido pelo exterior.

Lazzaro felice (Feliz como Lazzaro) (2018)

Lazzaro é um jovem camponês de uma bondade tão pura que parece ingenuidade. Ele vive em uma propriedade isolada, L’Inviolata, onde uma marquesa explora os camponeses em um sistema de parceria agrícola que eles acreditam ainda existir. Quando Lazzaro, após um acidente, viaja no tempo, ele se vê catapultado para a periferia urbana moderna.

Esta é a obra-prima do realismo mágico de Alice Rohrwacher. O cenário é dividido em dois: L’Inviolata, uma Itália feudal, fora do tempo, e a periferia urbana, a Itália pós-industrial e cínica. A jornada de Lazzaro é uma alegoria da perda da inocência da Itália. O filme usa o cenário para mostrar como a “bondade” pura de Lazzaro, produto de um mundo arcaico, já não tem lugar na sociedade contemporânea.

La Chimera (2023)

Arthur, um arqueólogo inglês de coração partido, retorna a uma pequena cidade na Tuscia nos anos 1980. Ele se junta a um grupo heterogêneo de “tombaroli”, ladrões de tumbas etruscas, usando seu dom de radiestesia para encontrar artefatos enterrados e buscar uma passagem para o além.

Mais uma vez, Alice Rohrwacher explora o centro da Itália. O cenário da Tuscia é um lugar onde o presente (degradado e picaresco) literalmente vive por cima de um mundo subterrâneo sagrado e rico (os etruscos). O filme explora a relação entre o sagrado e o profano: a Itália é um cemitério a céu aberto que seus habitantes contemporâneos saqueiam para sobreviver. O cenário é um palimpsesto de história profanada.

Documentando o Oculto. O Real Além da Ficção

Finalmente, o cenário italiano no cinema independente encontra sua expressão mais pura no documentário de arte. Esses filmes retornam à missão original do Neorrealismo — observar o real — mas o fazem buscando mundos ocultos, secretos, pessoais ou esquecidos. Do real “gritado” dos escombros em Roma, Cidade Aberta, chegamos ao real “sussurrado” das florestas piemontesas ou das cavernas calabresas. O cinema independente continua a mapear a Itália que a ficção mainstream ignora, fechando o círculo.

Os Caçadores de Trufas (2020)

Um documentário independente americano que acompanha um grupo de homens idosos, na casa dos setenta e oitenta anos, e seus fiéis cães, na caça à rara e valiosa trufa branca de Alba nas florestas de Langhe, Piemonte.

Os diretores Michael Dweck e Gregory Kershaw retratam um mundo secreto e arcaico. O cenário não é apenas a floresta piemontesa, filmada como um lugar mágico e de conto de fadas, mas um sistema inteiro de tradições, segredos e rituais que está desaparecendo. O filme usa o cenário italiano para contar uma história de paixão, velhice e o conflito entre o conhecimento antigo e as exigências de um mercado global voraz.

Marx Pode Esperar (2021)

O mestre Marco Bellocchio dirige um documentário profundamente pessoal. Reunindo seus irmãos e família, ele investiga um trauma reprimido: o suicídio de seu irmão gêmeo, Camillo, em 1968, no auge dos protestos políticos.

O cenário aqui é a Itália da memória. Bellocchio retorna aos lugares de sua infância em Piacenza e reflete sobre sua carreira em Roma. O filme é uma investigação dolorosa que entrelaça a História da Itália (o fermento político de 68, que para o diretor e seus amigos foi mais importante do que tudo) e a tragédia privada. O cenário italiano torna-se o teatro para uma autoanálise familiar e histórica.

Il Buco (O Buraco) (2021)

Em 1961, enquanto o norte da Itália constrói o arranha-céu Pirelli e celebra o boom econômico, um grupo de jovens espeleólogos do Piemonte desce às profundezas do maciço do Pollino, na Calábria. Eles descobrem o Abismo Bifurto, uma das cavernas mais profundas do mundo.

O filme de Michelangelo Frammartino é uma obra de pura observação. Contrasta nitidamente duas Itálias: a de cima, moderna e projetada para o futuro (o Norte industrial), e a de baixo, um mundo subterrâneo, escuro e inexplorado (o Sul rural). A exploração geográfica torna-se uma poderosa metáfora filosófica. É um filme sobre o desconhecido, sobre o ato de olhar onde ninguém jamais olhou, que é a própria essência do cinema independente.