O Cinema de Vanguarda: Filmes para Assistir

O que é a Vanguarda

A vanguarda é um movimento artístico extremo, não convencional em relação à arte, sociedade ou cultura dominante. A vanguarda ultrapassa os limites do que é aceito como padrão, principalmente no mundo cultural. É considerada uma marca do modernismo. Numerosos artistas se alinharam com movimentos de vanguarda e continuam a fazê-lo, traçando a história desde o Dadaísmo até os artistas situacionistas e pós-modernos. A vanguarda promove reformas sociais não aceitas na sociedade ou ainda percebidas como utópicas. Na realidade, a vanguarda, com o passar do tempo, parece apenas uma corrente artística que antecipa os tempos e luta na linha de frente para criar o novo. O poder das artes é, sem dúvida, o método mais rápido para a reforma social, política e financeira.

O termo “vanguarda” foi inicialmente usado pelo Exército Francês para descrever um pequeno grupo de reconhecimento que avançava à frente. Em um momento do século XIX, o termo foi associado à arte através da ideia de que a arte é uma ferramenta para a modificação social. No final do século, a vanguarda começou a se afastar de sua associação com causas sociais de esquerda para se alinhar mais com preocupações criativas e culturais. Essa tendência de maior foco nessas questões continua até hoje. Vanguarda hoje geralmente descreve grupos de autores, artistas e intelectuais que dão voz a ideias e experimentam métodos criativos que desafiam os valores culturais existentes. Os conceitos da vanguarda, particularmente se abordam problemas sociais, são geralmente absorvidos lentamente pelas sociedades. As vanguardas de ontem acabam se tornando mainstream nas décadas seguintes, criando o ambiente para o surgimento de uma nova geração de vanguardas.

Vanguarda e Tradição

Os vanguardistas podem possuir certas qualidades que se manifestam em um estilo de vida não conformista. A cultura de massa falsa é constantemente produzida replicando modelos de um mercado cultural recém-surgido e aproveitando o sucesso de algumas técnicas de vanguarda. Isso é frequentemente visto no cinema, onde filmes inovadores que a indústria mainstream jamais teria concebido tornam-se blockbusters e são então replicados em produtos comerciais. Todo o universo das séries de TV populares em streaming é fundado nesse princípio: analisar dados e reciclar obras artísticas que conquistaram aprovação pública, resultando na diluição da linguagem para um nível de massa e uma apresentação mais atraente.

Os números de vendas superaram a qualidade criativa como principal indicador de sucesso: um romance agora é avaliado por seu status de best-seller; a música domina as paradas com conquistas de disco de ouro, e o cinema ganha reconhecimento através dos Oscars e dos principais festivais de cinema dominados pela elite político-cultural. Essa mudança levou ao abandono da independência criativa outrora valorizada pela vanguarda, com os números de vendas tornando-se a prova definitiva de sucesso. A cultura do consumidor agora domina todas as formas de arte. A integração da vanguarda no capitalismo de mercado global, nas economias neoliberais e no que Guy Debord denominou A Sociedade do Espetáculo — um texto crítico do movimento situacionista que aborda o “reinado autocrático da economia de mercado” — levanta questões sobre a existência de uma verdadeira vanguarda hoje. A Teoria-Morte da Vanguarda de Paul Mann demonstra como a vanguarda está agora totalmente entrelaçada com os quadros institucionais.

Numerosos setores do mercado cultural mainstream têm aplicado incorretamente o termo “avant-garde”, dado que na década de 1960 ele era usado principalmente como uma ferramenta de marketing para promover a música industrial e o cinema. Tornou-se comum descrever artistas populares do rock e cineastas como “avant-garde”, e a palavra foi despojada de seu significado adequado. A partir de meados da década de 1960, a cultura avant-garde deixou de cumprir sua função antagonista anterior. Desde então, ela tem sido acompanhada por fantasmas da avant-garde por um lado e uma cultura de massa em transformação por outro, com a qual se conecta em graus variados.

Don Barry: A Quixotic Exploration

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Docuficção, Experimental, por Paul Smart, México, 2026.
Don Barry: Uma Exploração Quixotesca é um longa-metragem de estreia que coloca a biografia de um cineasta e artista experimental de oitenta anos, Barry Gerson, dentro da metanarrativa de Dom Quixote, de Miguel de Cervantes. Don Barry foi filmado na cidade de Guanajuato durante a 51ª edição do Festival Cervantino, assim como durante as vibrantes celebrações do Dia dos Mortos realizadas nos túneis da cidade, listados pela UNESCO. O filme homenageia a longa amizade do diretor com o artista Barry Gerson, inspirando-se em Dom Quixote de Cervantes. As escolhas de direção de Paul Smart criam algo novo que celebra a vida e vai além da narrativa convencional. Uma busca pela magia em nossas vidas reais. Um filme emocionante sobre o significado da vida, da arte e da morte. Imperdível.

Paul Smart é um cineasta outsider orgulhoso, com uma longa história de exibições de filmes. Na década de 1980, ele emergiu na vibrante cena artística jovem de Nova York, trabalhando em produção teatral e posteriormente em cinema, antes de se retirar para a zona rural do norte do estado de Nova York, nas Montanhas Catskill, onde sustentava-se escrevendo e exibindo filmes independentes em antigos salões paroquiais para públicos rurais, muitos dos quais nunca tinham visto um filme.

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As Avant-Gardes Cinematográficas Europeias da Década de 1920

A década de 1920 assistiu ao nascimento de um vasto campo de experimentação cinematográfica europeia por artistas de outras disciplinas artísticas como o Cubismo, o Dadaísmo e o Surrealismo, que deram contribuições importantes para o desenvolvimento da história do cinema durante o período e nas décadas seguintes, até os dias atuais: o cinema avant-garde. O cinema avant-garde nos legou alguns dos melhores filmes independentes de todos os tempos.

Cinema Avant-Garde: Futurismo

O Futurismo foi um movimento social e artístico italiano no início do século XX. Enfatizava dinamismo, velocidade, inovação, juventude, violência e aspectos como o automóvel, o avião e a cidade moderna. Figuras-chave incluíam os italianos Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Gino Severini, Giacomo Balla e Luigi Russolo. O Futurismo italiano celebrava a modernidade e visava libertar a Itália do peso de seu passado. Obras essenciais do Futurismo incluíam o Manifesto do Futurismo de Marinetti (1909), a escultura Formas Únicas de Continuidade no Espaço de Boccioni (1913), a pintura Velocidade + Som Abstratos de Balla (1913-1914) e A Arte dos Ruídos de Russolo (1913).

O Futurismo foi principalmente um fenômeno italiano, mas movimentos paralelos surgiram na Rússia, onde alguns futuristas russos formariam seus próprios grupos. Outras nações tiveram poucos futuristas ou movimentos inspirados pelo futurismo. Os futuristas trabalharam em todos os meios artísticos: pintura, escultura, cerâmica, gráficos, publicidade, decoração de interiores, teatro, cinema, têxteis, literatura, música, arquitetura e até culinária. Em certa medida, o Futurismo influenciou os movimentos artísticos Art Déco, Construtivismo, Surrealismo e Dada, e em maior grau, o Precisionismo, Rayonismo e Vorticismo.

Futurismo e Cinema

O futurismo italiano foi notavelmente entusiasta, chegando a declarar que a essência do próprio cinema era futurista: ritmo e formas abstratas deveriam conduzir as novas criações, com a narrativa ficando em segundo plano. Apesar disso, os futuristas produziram apenas alguns filmes, e a maioria deles se perdeu; Thaïs ou Intriga Pérfida (1917) de Anton Giulio Bragaglia são os únicos filmes futuristas sobreviventes. Seus conceitos ousados ajudaram a estabelecer as bases para movimentos artísticos posteriores.

Cinema de vanguarda: Abstracionismo

A arte abstrata emprega a linguagem visual da forma, linha e cor para criar uma estrutura que existe independentemente de referências visuais globais. Desde o Renascimento, a arte ocidental tem se concentrado na perspectiva e na representação da verdade aparente. No final do século XIX, muitos artistas buscaram criar uma nova forma de arte que abraçasse as mudanças científicas e inovadoras contemporâneas. Termos como arte abstrata, não figurativa, não objetiva e não representacional são relacionados, embora não idênticos em significado. Abstração implica um afastamento do realismo na representação artística, que pode variar de leve a completa desvinculação.

Mesmo a arte que busca o verossímil ao mais alto grau pode ser considerada abstrata, ao menos em teoria, já que a representação ideal é difícil. Pode-se argumentar que uma obra de arte que toma liberdades, por exemplo, ao alterar a cor, é parcialmente abstrata. A abstração total não deixa vestígios de qualquer inspiração em algo identificável. Na abstração geométrica, por exemplo, é improvável encontrar referências a entidades naturalistas. A arte figurativa e metafórica frequentemente consiste em abstração parcial. Tanto a abstração geométrica quanto a abstração lírica são frequentemente absolutamente abstratas. Entre os muitos movimentos artísticos que incorporam abstração parcial estão, por exemplo, o Fauvismo, no qual a cor é modificada de forma notável e intencional em relação à verdade, e o Cubismo, que modifica entidades da vida real ilustradas.

Abstracionismo e Cinema

O abstracionismo abraçou o cinema de vanguarda ao extremo, favorecendo formas abstratas e movimento puro. Seu pioneiro foi o artista russo Vassilij Kandinsky. O cinema abstrato originou-se na Alemanha durante o mesmo período do expressionismo e do kammerspiel. Os cineastas criaram filmes sem semelhança com a realidade, apresentando formas geométricas e abstratas que se moviam ritmicamente pela tela. Hans Richter com Rhytmus 21 (1921) foi o filme inaugural desse estilo.

A exploração do movimento, tempo, ritmo e luz no filme reflete a investigação do diretor alemão sobre a essência fundamental do cinema, capturando sua forma mais pura e não industrial. Seguiram-se Rythmus 23 (1923) e Rythmus 25 (1925). Enquanto isso, o artista sueco Viking Eggeling competiu com seu homólogo alemão criando Diagonal Symphony, outra peça seminal do cinema abstrato.

Outro artista do cinema abstrato de vanguarda foi Walter Ruttmann, com obras como Lichtspiel Opus I, Lichtspiel Opus II, Ruttmann Opus III e Ruttmann Opus IV, filmes de luzes em movimento. Posteriormente, ele abandonaria o cinema abstrato para criar documentários, como Berlin – Symphony of a Great City (1926) e Melody of the World (1929), inspirados nos filmes de Dziga Vertov.

No meio-termo entre o cinema abstrato e o dadaísmo está a obra de Marcel Duchamp, Anémic Cinéma (1926): 19 discos ópticos rotativos, 10 compostos por figuras geométricas e nove decorados com frases sem sentido. Duchamp os chamou de rotorilievi. Auxiliando-o na realização deste filme estava o pintor e fotógrafo Man Ray, que havia criado Retour à la raison alguns anos antes usando a técnica da raiofotografia que ele mesmo inventou: expunha objetos em contato com papel fotográfico ou filme para criar imagens sem usar uma câmera.

Cubismo

O Cubismo é um movimento artístico de vanguarda do início do século XX que reinventou a pintura e a escultura europeias e influenciou movimentos relacionados na música, arquitetura e literatura. Nas obras cubistas, os objetos são analisados, fragmentados e reagrupados de maneira abstrata: em vez de representá-los a partir de um único ponto de vista, o artista retrata o sujeito a partir de múltiplas perspectivas para transmiti-lo em um contexto mais amplo. O Cubismo é considerado o movimento artístico mais importante do século XX. O termo é amplamente usado em referência a uma ampla gama de obras criadas em Paris durante as décadas de 1910 e 1920.

O movimento foi concebido por Pablo Picasso e Georges Braque e apoiado por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris e Fernand Léger. Um efeito causado pelo Cubismo foi a representação de um estilo tridimensional nas obras posteriores de Paul Cézanne. Uma retrospectiva das pinturas de Cézanne foi realizada no Salon d’Automne de 1904, e obras existentes foram exibidas nos Salons d’Automne de 1905 e 1906, seguidas por duas retrospectivas comemorativas após sua morte em 1907. Na França, movimentos semelhantes ao Cubismo foram estabelecidos, consistindo no Orfismo, Arte Abstrata e, posteriormente, no Purismo.

O impacto do Cubismo foi completo e significativo. Na França e em outras nações, Futurismo, Suprematismo, Dada, Construtivismo, Vorticismo, De Stijl e Art Déco se estabeleceram em reação ao Cubismo. As primeiras pinturas futuristas mantêm a fusão do passado e presente do Cubismo, a representação de várias visões do sujeito, enquanto o Construtivismo é influenciado por Picasso. Outros elementos típicos desses diferentes movimentos são a facetagem ou simplificação de figuras geométricas e a associação da mecanização com a vida moderna.

Cubismo e Cinema

O movimento cubista rapidamente se interessou pelo cinema de vanguarda. O pintor Fernand Léger filmou Ballet Mécanique em 1924. Sem enredo ou história, o filme focava exclusivamente nos ritmos dos corpos e objetos em movimento. O cinema se afastou da realidade e das narrativas concretas. O significado desses filmes reside na dança rítmica de imagens, sons e luz através da montagem.

Dadaísmo

O Dadaísmo foi um movimento artístico europeu de vanguarda no início do século XX, com centros iniciais em Zurique, Suíça, no Cabaret Voltaire em 1916. O Dadaísmo começou em Nova York em 1915 e, após 1920, desenvolveu-se em Paris. As atividades dadaístas duraram até meados da década de 1920. Estabelecido em resposta à Primeira Guerra Mundial, o movimento Dada incluía artistas que rejeitavam a razão e o esteticismo da sociedade capitalista moderna, refletindo uma visão antiburguesa em suas obras. Os artistas dadaístas expressavam seu descontentamento com a guerra, o nacionalismo e a violência, mantendo afinidades políticas com a esquerda radical.

As raízes do Dadaísmo estão no progressismo pré-guerra. O termo anti-arte, precursor do Dadaísmo, foi criado por Marcel Duchamp por volta de 1913 para definir obras que desafiam os significados aceitos da arte. O Cubismo e a arte abstrata testemunham o distanciamento do movimento das restrições da realidade e da convenção. O trabalho de poetas franceses, futuristas italianos e expressionistas alemães influenciou a rejeição dadaísta da estreita conexão entre palavras e significado.

Na França, houve o movimento dadaísta liderado por Tristan Tzara, com uma estética e ideias muito mais radicais e subversivas. O Dadaísmo abraçou a anarquia, o niilismo, a busca pela liberdade de expressão e a rejeição de qualquer significado ou propósito final. Deu-nos algumas obras-primas que capturaram a atenção do mundo artístico da época, incluindo o filme de René Clair “Entr’acte” (1924), um filme-intervalo entre dois atos de um espetáculo de dança ao vivo. Aqui também encontramos a rejeição de qualquer narrativa e a tentativa de mergulhar nas raízes da arte cinematográfica: o espectador é simplesmente conduzido à alegria da vida e ao ato de ver.

Cinema de Vanguarda: Surrealismo

A absoluta falta de regras e a rejeição das convenções, no entanto, levaram o Dadaísmo a uma crise, e o movimento se desfez em 1923. O Surrealismo nasceu de suas cinzas, encontrando no cinema um de seus meios de expressão mais poderosos. André Breton, o fundador do movimento, e todos os seus colegas estavam interessados no mundo dos sonhos, em tudo que se manifesta no inconsciente e fora dos significados ordinários do mundo, nas associações automáticas de ideias que ocorrem além da consciência, no que acontece após a perda de qualquer racionalidade ou controle do pensamento.

O Surrealismo é um movimento cultural que se estabeleceu na Europa após a Primeira Guerra Mundial, onde artistas representavam cenas ilógicas e perturbadoras, usando estratégias para permitir que a mente inconsciente se revelasse. Seu objetivo era, segundo o líder André Breton, “confrontar as condições anteriormente inconsistentes do sonho e da realidade em uma verdade absoluta, uma super-realidade”, ou surrealidade. Esse movimento produziu obras na pintura, literatura, teatro, cinema, fotografia e outros meios. Numerosos autores e artistas surrealistas consideram seu trabalho uma expressão do “automatismo psíquico puro” de que Breton fala no primeiro Manifesto Surrealista.

Breton foi específico em sua afirmação de que o Surrealismo era, acima de tudo, um movimento inovador. Na época, o movimento estava relacionado a causas políticas como o comunismo e o anarquismo. Ele foi influenciado pelo movimento Dada dos anos 1910. O termo “Surrealismo” vem de Guillaume Apollinaire em 1917. O movimento surrealista não foi formalmente desenvolvido até depois de outubro de 1924, quando o Manifesto Surrealista publicado pelo poeta e crítico francês André Breton conseguiu declarar o movimento como vanguarda. O centro crucial do movimento era Paris. A partir da década de 1920, o movimento se espalhou pelo mundo, influenciando as artes visuais, literatura, cinema e música de inúmeras nações e línguas, junto com ideias e práticas políticas, pontos de vista e teoria social.

Surrealismo e Cinema

O diretor espanhol Luis Buñuel e o pintor Salvador Dalí colaboraram em 1928 para criar “Un Chien Andalou”, um filme destinado a marcar um ponto de virada na história do cinema. É uma jornada onírica e psicanalítica pelos meandros mais incompreensíveis da psique humana, que pode ter múltiplas interpretações e significados. O surrealismo, ao contrário de outros movimentos artísticos anteriores, cria uma linguagem nova e pessoal em vez de destruir modelos anteriores. O niilismo e a anarquia dão lugar a códigos narrativos mais tradicionais, mas estes são usados para propósitos diferentes: não para tranquilizar e conduzir o espectador a um destino específico, mas para fazê-lo perder qualquer ponto de referência reconfortante.

Em 1930, Buñuel e Dalí deram vida a um novo filme, aproximando-se ainda mais da narração clássica de uma história: L’âge d’or. O diretor espanhol lançou as bases e iniciou os primeiros experimentos do que se tornaria sua obsessão ao longo da carreira: o ataque às instituições burguesas como a igreja, o exército e o estado.

Outros filmes surrealistas incluem La Coquille et le Clergyman (1928) e o primeiro filme de Jean Cocteau (1930). L’Atalante, de Jean Vigo, que morreu no mesmo ano com apenas 29 anos, marcou o fim do cinema surrealista. Sua morte marcou o fim do cinema surrealista. A mistura do estilo vanguardista com a aceitação das regras para subvertê-las ou usá-las em direções opostas fez do cinema surrealista o experimento mais bem-sucedido e interessante entre todas as vanguardas, com uma influência que perdura até hoje.

Filmes de Vanguardas para Assistir

Aqui está uma seleção dos melhores filmes de vanguarda que você absolutamente deve ver: um gênero altamente prolífico com uma vasta filmografia que abrange toda a história do cinema.

The Sands

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Ficção científica, de Noah Paganotto, Argentina, 2022.
Em um local indeterminado do planeta Terra, em um tempo desconhecido, Zoilo vive com sua família em um deserto cercado por ruínas. Eles vivem desarraigados, sem mães, sabendo que a gravidez para as mulheres é sinônimo de morte. Para eles, existe apenas uma rotina coletiva; manter o fogo aceso. Apenas Zoilo escapa dessa lógica, observando, intrigado, detalhes que outros não veem e, portanto, não apreciam. A busca pessoal de Zoilo por respostas aumentará as diferenças com seus parentes, revelando cada vez mais um mundo vazio de interioridade.

Filme de vanguarda que queima lentamente na primeira parte e depois revela na segunda os profundos conflitos de uma família presa a crenças arcaicas. É uma obra distópica e visionária, com fotografia maravilhosa e imagens de raro poder que nos permitem captar a profundidade da história e seu potencial poético. Os rostos dos atores, especialmente do garoto protagonista, são perfeitos. The Sands representa metaforicamente o mundo em que vivemos: uma sociedade alienada, onde o que nos mantém vivos é demonizado e culpado pela morte. Em oposição ao ritmo acelerado do filme típico mainstream, The Sands é uma jornada meditativa nas profundezas das imagens. O filme foi filmado em ambientes naturais na cidade de Necochea, província de Buenos Aires, Argentina.

IDIOMA: Espanhol
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Un Chien Andalou (1929)

Un Chien Andalou é um curta-metragem francês mudo de 1929 dirigido por Luis Buñuel e escrito por Buñuel e Salvador Dalí. Foi o primeiro filme de Buñuel e foi inicialmente exibido no Studio des Ursulines em Paris, eventualmente ganhando popularidade e ficando em cartaz por oito meses. Un Chien Andalou não possui enredo no sentido tradicional da palavra. Com sua cronologia desconexa e saltos temporais, é um filme onírico surrealista baseado na associação freudiana. Un Chien Andalou é uma obra seminal na categoria do cinema surrealista.

A Queda da Casa de Usher (1928)

“A Queda da Casa de Usher” (1928) é uma breve adaptação muda de horror baseada no conto de 1839 “The Fall of the House of Usher”, escrito pelo renomado autor Edgar Allan Poe. Esta obra cinematográfica foi um esforço colaborativo dos codiretores James Sibley Watson e Melville Webber, apresentando atuações de Herbert Stern, Hildegarde Watson e o próprio Melville Webber. A narrativa gira em torno de um irmão e uma irmã que residem em uma casa imersa em uma maldição malévola. Este filme de vanguarda tem apenas 13 minutos e enfatiza fortemente sua narrativa visual, caracterizada por uma série de cenas capturadas através de prismas, que criam distorções ópticas e intensificam a atmosfera surreal. Embora o filme não tenha diálogos falados, ele entrelaça de forma intrigante letras escritas no ar através da tela em pelo menos uma cena, adicionando um elemento único à sua técnica narrativa.

Meshes of the Afternoon

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Filme experimental de curta-metragem, de Maya Deren, Estados Unidos, 1943.
Meshes of the Afternoon é uma das obras-primas do cinema surrealista e da vanguarda americana, tornando-se uma obra icônica no mundo do cinema experimental. O filme é caracterizado por uma narrativa não linear e onírica que desafia as convenções cinematográficas tradicionais. A trama gira em torno de uma mulher, interpretada pela própria Maya Deren, que vivencia uma série de eventos estranhos e surreais em um ambiente doméstico. Os objetos e eventos no filme estão carregados de simbolismo, e o próprio filme pode ser interpretado de várias maneiras.

"Meshes of the Afternoon" é conhecido pelo uso inovador da cinematografia, com enquadramentos evocativos e edição ousada. Maya Deren utiliza o cinema como forma de arte para explorar a psicologia e as experiências internas de sua personagem, criando uma atmosfera misteriosa e inquietante. O filme tem sido influente para muitos cineastas e artistas cinematográficos subsequentes, contribuindo para a definição da linguagem do cinema experimental e de vanguarda. "Meshes of the Afternoon" é frequentemente estudado em cursos de cinema e continua sendo uma obra de referência no mundo do cinema de vanguarda e experimental.

SEM DIÁLOGOS

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A Queda da Casa de Usher (1929)

“A Queda da Casa de Usher” é um filme de horror arrepiante dirigido por Jean Epstein. Destaca-se entre as muitas adaptações cinematográficas inspiradas na obra-prima literária gótica de Edgar Allan Poe de 1839, “The Fall of the House of Usher”. A trama gira em torno de Roderick Usher, que convida seu amigo próximo para visitar sua propriedade ancestral, uma mansão decadente e isolada situada no campo remoto. A atmosfera da casa é sombria e imersa em mistério, amplificando a tensão inquietante que permeia a história.Roderick está profundamente absorvido em capturar a semelhança de sua falecida esposa, Madeline, através de um retrato, consumido tanto pelo seu luto quanto pela sua arte. Sua obsessão pela memória de Madeline se manifesta na peça assombrosa que ele pinta, um testemunho de seu amor e tristeza duradouros. Tragicamente, acredita-se que Madeline tenha falecido, levando Usher a enterrá-la na cripta da família, um lugar escuro e ameaçador que esconde mais do que apenas os mortos.No entanto, a história toma um rumo arrepiante quando se descobre que Madeline não estava realmente morta, mas sofria de catalepsia, uma condição que imita a morte. Enterrada viva, ela surpreendentemente desperta em seu túmulo e consegue escapar dos confins sufocantes do caixão. Seu retorno milagroso ao mundo dos vivos é ao mesmo tempo aterrorizante e impressionante, enquanto ela confronta seu marido Roderick, que fica em completo choque ao ver sua esposa caminhando de volta para ele como se ressuscitada do túmulo. Essa revelação desfaz os últimos fios de sanidade dentro da casa Usher, culminando em um clímax profundo que reflete a exploração da história sobre loucura, mortalidade e o sobrenatural.

L’Age d’Or (1930)

L’Age d’Or é um filme satírico surrealista francês distinto de 1930 dirigido por Luis Buñuel, que mergulha nas absurdidades e na natureza caótica da vida moderna. O filme critica a rotina mundana da existência diária, ao mesmo tempo que desmascara a duplicidade inerente aos valores sexuais defendidos pela sociedade burguesa. Além disso, oferece um exame contundente do sistema de valores endossado pela Igreja Católica. Grande parte da narrativa se desenrola através do uso de cartões de título reminescentes da era do cinema mudo, adicionando uma textura única à sua abordagem narrativa. O roteiro, uma colaboração entre Buñuel e o visionário artista surrealista Salvador Dalí, entrelaça seu gênio criativo para desafiar e provocar a percepção do público sobre as normas sociais.

The House is Black

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Documentário, de Forough Farrokhzad, Irã, 1963.
A Casa é Preta é um filme lírico e transcendente que lança um olhar cheio de compaixão e religiosidade sobre uma humanidade sofredora. A única fonte de harmonia é encontrada fora da colônia de leprosos, na natureza: o sofrimento reina dentro. Nem mesmo a fé religiosa é capaz de trazer alívio. Um documentário sobre a vida e o sofrimento em um hospital para leprosos em Esperan, no distrito central do Condado de Tabriz, onde o tempo parece ter parado, onde a rotina diária se repete infinitamente, privada de toda esperança. O filme funde as imagens com a poesia da diretora Forough Farrokhzad e com citações do Antigo Testamento e do Alcorão. Durante as filmagens, a diretora se afeiçoou a Hossein Mansouri, uma criança cujos pais sofriam de lepra, e decidiu adotá-lo. Pouco conhecido na época de seu lançamento, A Casa é Preta tornou-se a referência do cinema iraniano nos anos seguintes. Pode ser considerado o primeiro filme que deu origem ao movimento da Nova Onda Iraniana. Forugh Farrokhzad, uma famosa poeta feminista iraniana com um estilo controverso e modernista, foi uma das vozes femininas mais importantes da poesia e do cinema iranianos. Sua personalidade autoritária e carismática foi severamente testada pelo ostracismo e desaprovação dos conservadores e do governo islâmico, que proibiu seus poemas mais de uma década após sua morte em um trágico acidente de carro aos 32 anos. A Casa é Preta é seu único filme. Farugh Farrokhzad usa sua sensibilidade para aproximar a câmera do que não deveria ser olhado, dos leprosos e marginalizados, com absoluto respeito. Filmes imperdíveis.

IDIOMA: Persa
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Entusiasmo: A Sinfonia do Donbas (1931)

Entusiasmo: A Sinfonia do Donbas é uma obra cinematográfica vanguardista pioneira de 1931 dirigida pelo cineasta soviético Dziga Vertov. Este filme influente marcou um marco significativo na carreira do diretor como sua primeira incursão no cinema sonoro. Na criação da experiência auditiva para o filme, Vertov elaborou uma trilha sonora inovadora predominantemente composta pelos sons rítmicos e mecânicos emanados das fábricas industriais, juntamente com uma variedade de outros ruídos ambientes. Notavelmente, a incorporação da fala humana foi mínima, permitindo intencionalmente que a sinfonia das máquinas e dos sons ambientais assumisse o protagonismo. Essa escolha criativa destaca a dedicação de Vertov em explorar o potencial do som para aprimorar a narrativa e a atmosfera de sua arte visual.

O Sangue de um Poeta (1931)

O Sangue de um Poeta é um filme inovador e revolucionário pertencente ao movimento vanguardista, magistralmente dirigido pelo renomado Jean Cocteau. Esta peça cinematográfica única foi viabilizada graças ao apoio financeiro de Charles de Noailles, um conhecido patrono das artes. O filme apresenta uma atuação marcante do ator Enrique Riveros no papel principal. Como o primeiro capítulo da cativante Trilogia Orfista, este filme estabelece o palco para uma exploração mais profunda de temas míticos e poéticos. A trilogia é caracterizada por sua narrativa artística e simbólica, continuando com Orphée em 1950, que aprofunda as linhas tênues entre realidade e arte, e alcançando sua conclusão profunda com Testamento de Orfeu em 1960, que reflete sobre a própria carreira de Cocteau e a natureza da criatividade.

Os Corações da Idade (1934)

Os Corações da Idade é um curta-metragem pioneiro criado durante o início da carreira do ilustre cineasta Orson Welles. Esta peça cinematográfica de oito minutos, realizada sob a direção colaborativa de Welles e seu estimado amigo William Vance, surgiu no ano de 1934. No centro da narrativa do filme estão as atuações de Welles e sua primeira esposa, a talentosa Virginia Nicolson. Welles empreendeu este projeto criativo enquanto residia como estudante na Todd School for Boys, localizada na pitoresca cidade de Woodstock, Illinois. Com apenas 19 anos, Welles iniciou esta empreitada artística, lançando as sementes para seu futuro no mundo do cinema.

About Nice

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Documentário, de Jean Vigo, França, 1930.
Com uma velha câmera de filme usada comprada com o dinheiro emprestado pelo pai de sua esposa, Jean Vigo filma um documentário sobre Nice. O encontro com Boris Kaufman muda o projeto inicial do diretor francês, que será influenciado pelo operador Dziga Vertov. A natureza e os locais turísticos de Nice: cassinos, carnavais, praias, bares com mesas ao sol. A alta burguesia de Nice é comparada com bairros pobres. Não há encenação. Às vezes, as pessoas filmadas são captadas secretamente: a ideia de Vigo e Kaufman é restaurar o máximo de realismo antecipando as regras do cinema-verdade. A montagem é inspirada nas teorias soviéticas e busca associações livres e significados simbólicos, com ritmo rápido e desacelerações súbitas. Sem diálogos, inspirado em O Homem com a Câmera, é um filme de vanguarda.

Sem diálogos

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Uma História de Água (1958)

Uma História de Água é um curta-metragem vanguardista criado com a colaboração artística de dois cineastas inovadores, Jean-Luc Godard e François Truffaut. Lançado em 1958, o filme oferece uma jornada visual e narrativa única, retratando a aventura de uma jovem enquanto ela se esforça para chegar a Paris, navegando por uma paisagem incomumente extensa e inundada. A urgência de sua busca é acompanhada pela beleza surreal dos arredores submersos, refletindo um mundo transformado e envolto pela água. A visão criativa de Godard e Truffaut se desenrola ao longo de apenas dois dias de filmagem, infundindo a obra com um senso de espontaneidade e criatividade bruta. Em uma homenagem aos dias pioneiros da comédia cinematográfica, Uma História de Água é carinhosamente dedicada a Mack Sennett, o lendário mestre do slapstick cuja influência ecoa pelo espírito lúdico e inovador do filme.

Shadows (1959)

“Shadows” é um filme independente fundamental dirigido por John Cassavetes, concluído em 1959, que explora as complexidades sutis das relações raciais durante a era da Geração Beat em Nova York. Com um elenco impressionante, o filme conta com Ben Carruthers, Lelia Goldoni e Hugh Hurd, interpretando três irmãos de ascendência afro-americana. Curiosamente, apenas um dos irmãos possui um tom de pele suficientemente escuro para corresponder às percepções sociais de ser afro-americano, tornando sua história única e profundamente envolvente. Inicialmente filmado em 1957 e exibido em 1958, a recepção inicial foi morna, o que levou Cassavetes a realizar refilmagens substanciais antes de lançá-lo em 1959. Renomados estudiosos do cinema consideram “Shadows” um marco monumental na história do cinema independente americano, marcando uma mudança no estilo narrativo e de produção. O filme ganhou reconhecimento impressionante além das fronteiras dos EUA, conquistando o prestigioso Prêmio da Crítica no Festival de Cinema de Veneza em 1960, afirmando seu prestígio internacional e impacto no panorama cinematográfico.

O Ano Passado em Marienbad (1961)

O filme de 1961 é uma notável colaboração franco-italiana que se destaca como uma representação quintessencial do movimento de cinema de arte da Rive Gauche, uma mudança cinematográfica influente que se enraizou na França durante os anos 1950. Esse movimento foi caracterizado por sua ambição intelectual e artística, buscando ultrapassar os limites do cinema tradicional. A narrativa gira em torno de um homem que encontra uma mulher que acredita ter conhecido no passado, apesar da completa falta de lembrança dela. À medida que a história se desenrola, o filme expande artisticamente essa premissa enigmática, explorando as dinâmicas da memória e da identidade. Ele eleva e desafia a linguagem cinematográfica a alturas inéditas, onde os sonhos esquecidos e as memórias indistintas dos protagonistas se entrelaçam, criando um conto profundamente pessoal e introspectivo. Essa representação única destaca a natureza elusiva e fascinante dos sonhos e a construção frequentemente fragmentada da memória, apresentando um rico tecido que convida o público a navegar entre a realidade e a imaginação.

Dog Star Man (1961-1964)

Dog Star Man é uma série cativante e inovadora de curtas-metragens de vanguarda, meticulosamente elaborada e dirigida pelo visionário cineasta Stan Brakhage. O projeto, lançado em uma série de partes entre 1961 e 1964, consiste em uma sequência inicial seguida por quatro partes distintas. No cerne de Dog Star Man está uma narrativa envolvente que se desenrola através de uma odisseia visual vivida por um lenhador barbado, interpretado pelo próprio Brakhage. Esse personagem embarca em uma jornada desafiadora por uma montanha coberta de neve, acompanhado por seu fiel companheiro canino, com o objetivo de derrubar uma árvore. Enquanto realiza essa árdua ascensão, o lenhador é hipnotizado por uma série de visões extraordinárias, quase místicas, que se desdobram diante dele. Essas visões são caracterizadas por um rico tecido de imagens recorrentes, incluindo vislumbres de uma mulher, uma criança e a impressionante beleza do mundo natural. Por meio de sua linguagem visual vívida e surreal, Dog Star Man convida os espectadores a uma exploração de temas metafísicos e da relação intrincada entre a humanidade e o cosmos, tornando-se uma obra significativa no âmbito do cinema experimental.

Zero for Conduct

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Comedy, by Jean Vigo, France, 1933.
The holidays are over and it's time for the kids to return to the terrible boarding school, run by obtuse and conformist tutors, unable to encourage the growth of any spirit of freedom and creativity. The only thing these austere professors are capable of is assigning a "zero" for conduct. But the boys decide to rebel with the complicity of the new supervisor, Huguet, different from all the others. Thus a real revolution is unleashed. Jean Vigo describes the children's yearning for freedom with audacity and a subversive spirit, with a ruthless critique of the scholastic institution, which closely resembles certain memorable sequences from Fellini's cinema. Perhaps the Italian filmmaker had seen the Vigo film? It seems very, very likely. The film was banned by French censorship and did not have a public screening until 1945.

Food for thought
The conditioning of the family, the school and the mass media are probably the main causes of the existential failure of millions of people. They are unidentified enemies, from which it is difficult to defend oneself, which cause the loss of self-esteem and the creativity necessary to achieve ambitious goals. Social, cultural and religious conditioning are a fundamental theme in the life of every human being, and one of the main topics of the filmographies of masters of cinema such as Fellini, Truffaut, and many others.

LANGUAGE: French
SUBTITLES: English, Spanish, German, Portuguese

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La Jetée (1962)

La Jetée é possivelmente o filme mais popular do movimento francês da Rive Gauche. Filmado inteiramente em preto e branco, La Jetée é composto por uma série de imagens fixas que contam uma história complexa de ficção científica. Um prisioneiro passa por um treinamento para viajar ao passado a fim de evitar um evento apocalíptico. Mais tarde, ele é enviado ao futuro, onde experimenta uma civilização hiper-avançada que lhe fornece métodos para salvar as pessoas de sua época. Enquanto isso, ele é atormentado por uma memória incomum de um menino sendo morto em um cais e, ao retornar ao passado, reconhece que essa memória era seu próprio assassinato.

Soy Cuba (1964)

Soy Cuba, conhecido em inglês como I Am Cuba, é uma produção cinematográfica de 1964 dirigida por Mikhail Kalatozov. Este filme surgiu de um esforço colaborativo entre cineastas cubanos e a União Soviética, simbolizando uma aliança cultural significativa naquela época. Composto por quatro vinhetas distintas, Soy Cuba serve como uma vívida representação da transição de Cuba para o comunismo após a revolução de 1959. O filme foi uma manifestação do aprofundamento das relações entre Cuba e a URSS, celebrando suas ideologias políticas compartilhadas. Apesar de seu reconhecimento posterior, Soy Cuba foi inicialmente recebido com pouco entusiasmo pelo público em seu lançamento, levando à sua obscuridade por muitos anos. Foi somente através de sua redescoberta que sua arte inovadora recebeu o devido reconhecimento. A cinematografia do filme, notável pelo uso extraordinário de longos planos-sequência, tanto aéreos quanto subaquáticos, foi notavelmente pioneira, estabelecendo um padrão elevado muito à frente de seu tempo.

Sleep (1964)

Sleep é um filme vanguardista de 1964 criado pelo artista americano Andy Warhol. Este filme experimental tem duração de 5 horas e 20 minutos, apresentando uma sequência contínua e em loop de John Giorno, um poeta e admirador notável de Warhol naquela época, envolvido no ato tranquilo de dormir. Entre as primeiras incursões de Warhol no mundo do cinema, o filme foi concebido como um “anti-filme”, desafiando deliberadamente as normas e expectativas cinematográficas convencionais. Essa abordagem refletia o espírito inovador de Warhol e seu desejo de ultrapassar limites, um tema presente em grande parte de sua obra artística. Várias técnicas utilizadas em Sleep seriam posteriormente ampliadas nos projetos seguintes de Warhol, especialmente em seu famoso filme minimalista de oito horas, Empire, que manteve o mesmo estilo exploratório e contemplativo pioneiro em Sleep. Esses filmes faziam parte da busca artística mais ampla de Warhol para explorar os limites do tempo, da percepção e do mundano, provocando o público a reconsiderar sua compreensão do cinema tanto como forma de arte quanto como experiência.

Faces (1968)

Faces é um filme dramático americano de 1968, escrito e dirigido pelo talentoso cineasta John Cassavetes. O filme conta com um elenco talentoso, incluindo John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel, Fred Draper e Val Avery, cada um entregando performances convincentes que enriquecem a profundidade emocional do filme. Demonstrando seu reconhecimento crítico, Faces foi agraciado com dois prêmios prestigiosos no 29º Festival Internacional de Cinema de Veneza e recebeu três indicações no estimado 41º Oscar, destacando sua presença impactante no panorama cinematográfico da época.

Filmado no estilo cinéma vérité, o filme captura uma ilustração crua e autêntica do relacionamento de um casal casado que chega a um ponto de crise. John Marley e Lynn Carlin interpretam o casal central cujo casamento é lançado em turbulência após uma decisão inesperada — o anúncio abrupto de um dos cônjuges de querer o divórcio. Este momento crucial impulsiona a narrativa e, através de uma lente implacável, os espectadores são apresentados a uma variedade de grupos sociais e indivíduos que o casal encontra após esse anúncio. Essas interações servem para sublinhar as complexidades e o turbilhão emocional das suas lutas conjugais, pintando um retrato vívido das relações humanas sob tensão.

The Color Of Pomegranates (1969)

The Color of Pomegranates, lançado em 1969, é uma peça emblemática do cinema de vanguarda, artisticamente concebida para retratar a vida e as realizações do estimado poeta armênio Sayat-nova. Desde seu início, o filme convida os espectadores a abandonarem a busca por uma narrativa tradicional em suas sequências. Em vez disso, incentiva uma apreciação pela essência psicológica intrínseca e pelas inspirações poéticas que sutilmente moldam sua criação. Por meio de uma extensa série de imagens intensamente abstratas e simbólicas, o filme apresenta um desafio significativo para os espectadores, especialmente aqueles de origens culturais ocidentais, talvez não familiarizados com um estilo tão não linear e interpretativo. Esta obra cinematográfica não apenas serve como uma reflexão profunda do patrimônio cultural armênio, mas também representa uma manifestação significativa, embora tardia, do movimento artístico de vanguarda soviético, entrelaçando elementos de contexto histórico com uma abordagem estética ousada e inovadora.

Simon of The Desert

Agora disponível

Comédia, de Luis Buñuel, México, 1963
Simón, um santo de longa barba, vive em uma coluna no meio do deserto, quase em jejum total. As pessoas o adoram como um Messias. Ele realiza milagres, enfrenta tentações de Satanás, que o atormenta sob a forma de uma mulher bonita. Uma série de cenas grotescas, surreais, mágicas e picarescas. O melhor de Buñuel em apenas 45 minutos.

Para refletir
Aqueles que se retiram do mundo para encontrar uma vida espiritual estão condenados ao fracasso. As tentações o seguirão, a necessidade de se relacionar com os outros não o abandonará. Apenas seu ego será satisfeito por uma falsa espiritualidade. A verdadeira espiritualidade é encontrada na vida cotidiana, na sociedade em que vivemos, no dia a dia, entre as pessoas que encontramos todos os dias.

IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês, Francês, Alemão, Italiano, Português

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O Charme Discreto da Burguesia (1972)

Um casal burguês, François e Simone Thévenot, encontra-se em uma situação divertida e um tanto constrangedora. Eles acompanham o colega de François, Don Rafael Acosta, que é o distinto embaixador da nação sul-americana de Miranda, bem como a irmã de Simone, Florence. O grupo chega à residência dos Sénéchal, onde foram convidados para o que deveria ser um elegante jantar. Ao chegarem, Alice Sénéchal fica surpresa e visivelmente chocada com a presença deles. Ela havia presumido erroneamente que a visita estava marcada para a noite seguinte e, como resultado, não fez preparativos para o jantar daquela noite, deixando-a mortificada e os convidados em uma situação bastante inesperada.

O filme, dirigido por Luis Buñuel em 1972, é uma obra-prima surrealista que oferece uma crítica surpreendente à sociedade burguesa. A narrativa gira em torno de um grupo de indivíduos da classe média que tentam incessantemente sentar-se para uma refeição, apenas para serem continuamente impedidos por uma série de interrupções bizarras e extraordinárias. Ao longo dessa experiência cinematográfica, Buñuel expõe habilmente as pretensões e absurdos da burguesia, revelando sua suscetibilidade à hipocrisia e aos valores superficiais. O filme critica com destreza a inclinação das classes altas para o belicismo e o consequente sofrimento e angústia infligidos às classes baixas. Por meio de uma tapeçaria de sequências surreais e simbólicas, destaca a futilidade e a natureza repetitiva das dinâmicas de poder sociais que perpetuam a desigualdade e a exploração. Cada cena é elaborada com meticulosa atenção ao absurdo, convidando o público a questionar os motivos subjacentes dos personagens e, em última análise, da própria sociedade. Este filme não apenas entretém; ele desafia os espectadores a refletirem sobre as normas sociais arraigadas e os padrões cíclicos de comportamento que mantêm as hierarquias sociais.

O Fantasma da Liberdade (1974)

O Fantasma da Liberdade é um filme surrealista de vanguarda criado pelo cineasta visionário Luis Buñuel em 1974, com produção de Serge Silberman. O filme conta com um elenco talentoso, incluindo Adriana Asti, Julien Bertheau e Jean-Claude Brialy. Destaca-se por uma estrutura narrativa não linear única, composta por uma série de episódios que se conectam apenas pela transição dos personagens de uma situação para outra. A obra de Buñuel exibe magistralmente seu estilo satírico e subversivo característico, entrelaçando uma variedade de eventos surreais e caprichosos. Essas sequências desafiam eficazmente as crenças estabelecidas do público sobre normas sociais e moralidade, compelindo os espectadores a reconsiderarem suas próprias percepções. Por meio de sua narrativa não convencional e temas instigantes, o filme convida o público a uma jornada intelectual que explora os limites da razão e do pensamento convencional.

Espelho (1975)

Espelho mergulha profundamente nos pensamentos, emoções e recordações que definem as experiências de vida de Aleksei desde a infância até a adolescência, e depois em sua vida como homem na casa dos quarenta anos. Embora a presença do Aleksei adulto seja sutil e apenas vagamente perceptível, ele existe como um comentário reflexivo que permeia certas cenas. Sua narrativa se desenrola em uma estrutura inovadora, evitando a ordem cronológica e as convenções tradicionais de enredo para mesclar artisticamente eventos cruciais, sonhos vívidos, memórias queridas e noticiários significativos. O filme faz transições entre três períodos históricos distintos: a era pré-guerra, especificamente 1935, os anos turbulentos da década de 1940 durante a guerra, e os anos transformadores do pós-guerra que abrangem as décadas de 1960 e 1970.

Espelho, de Andrei Tarkovsky, embora não tenha sido explicitamente concebido como uma autobiografia, reflete profundamente elementos autobiográficos, capturando as intensas lutas, desafios e sofrimentos profundos vividos por aqueles que cresceram na União Soviética durante as turbulentas décadas de 1930 e 1940. O filme é uma tapeçaria intrincada de narrativas pessoais e históricas, transmitindo de forma artística as experiências coletivas e individuais daquela época. Ele convida os espectadores a uma jornada profundamente imersiva que revela a descoberta da alma contra o pano de fundo da agitação social e das relações familiares.

Devido à sua narrativa complexa e em camadas, Espelho exige múltiplas visualizações para captar toda a sua profundidade e apreciar as sutilezas embutidas em sua narrativa. A cada exibição, o público descobre novos insights e texturas emocionais que antes passavam despercebidos, revelando a maestria de Tarkovsky em entrelaçar cinema e memória.

A cinematografia apresentada na tela é nada menos que extraordinária, com cada quadro meticulosamente composto para evocar uma conexão visceral com o público. Cada cena é elaborada com precisão excepcional, contribuindo para uma poesia visual que transcende as técnicas tradicionais de filmagem.

Em seu lançamento inicial, os críticos ficaram divididos em suas opiniões, alguns perplexos com sua estrutura não convencional e narrativa abstrata. Apesar dessa recepção mista inicial, o filme cultivou ao longo dos anos um culto substancial e devoto. Muitos cinéfilos e estudiosos agora o consideram uma das maiores realizações cinematográficas da história do cinema. Para aqueles que abraçam suas camadas intrincadas e ressonância emocional profunda, Espelho permanece como uma obra-prima incomparável que continua a inspirar e provocar reflexões profundas.

Eraserhead (1977)

Spencer chega à sua casa com uma coleção de mantimentos, apenas para encontrar o lugar em desordem, cheio de montes de terra e os restos de plantas que há muito murcharam e morreram. À medida que a noite cai, Spencer se encontra na casa de X, tentando engajar uma conversa constrangedora com a mãe de X. Sentado à mesa de jantar, ele recebe a tarefa de cortar um frango que o pai de X havia preparado. Para sua total surpresa, a ave se contorce e espasmos no prato, liberando uma torrente de sangue assim que a faca perfura sua carne. A refeição termina, e Spencer é subitamente envolvido em um abraço confrontacional pela mãe de X, que faz uma investida inesperada e tenta beijá-lo. Durante seu encontro, ela revela que X deu à luz um filho. No entanto, X sente incerteza e apreensão, pois questiona se a entidade que trouxe ao mundo é realmente uma criança humana.

David Lynch é, indiscutivelmente, o cineasta contemporâneo de vanguarda mais renomado, e seu filme de 1977 Eraserhead é um exemplo emblemático do cinema de vanguarda. Esta obra pretende ilustrar a maneira como o estresse, as ansiedades e as preocupações se manifestam no reino dos sonhos. Eraserhead serve como uma exploração das emoções turbulentas e inquietantes que têm a capacidade de infiltrar e contaminar a mente subconsciente. Através de seu estilo visual e narrativo único, o filme oferece ao público uma jornada instigante que mergulha profundamente na natureza caótica dos pensamentos e emoções perturbadores à medida que emergem nas paisagens surreais da mente.

Esse Obscuro Objeto do Desejo (1977)

Esse Obscuro Objeto do Desejo é um filme surrealista de comédia-drama de 1977 dirigido pelo renomado Luis Buñuel. Esta obra cinematográfica é uma adaptação do romance de 1898 de Pierre Louÿs, “A Mulher e o Fantoche”. Notavelmente, este filme marcou o último projeto de Buñuel como diretor, pois ele faleceu em julho de 1983. A ambientação alterna entre Espanha e França, desenrolando-se contra a atmosfera tensa e caótica de uma revolta terrorista. A narrativa é contada através de uma série de flashbacks pertencentes a Mathieu, um idoso francês interpretado por Fernando Rey. Mathieu se encanta por Conchita, uma jovem e enigmática espanhola. Curiosamente, a personagem Conchita é interpretada alternadamente por duas atrizes, Carole Bouquet e Ángela Molina, adicionando camadas à sua misteriosa atração. Ao longo do filme, Conchita persistentemente frustra as aspirações românticas e sexuais de Mathieu, criando uma exploração complexa e frequentemente desconcertante do desejo e da obsessão. A justaposição da agitação política com uma intricada saga pessoal confere ao filme uma profundidade única, tornando-o uma peça seminal na ilustre carreira de Buñuel.

Dementia

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Terror, noir, por John Parker, Estados Unidos, 1955.
É noite. Uma mulher acorda subitamente de um pesadelo em um hotel decadente nos subúrbios de Los Angeles. Ela sai do quarto e vagueia pelo bairro. Encontra um anão que vende jornais com o título "Esfaqueamento Misterioso". Em um beco escuro, um bêbado a assedia e um policial a salva. Então, ela conhece um homem elegantemente vestido com um bigode fino. O homem lhe dá uma flor e a convence a entrar na limusine com um homem rico e gordo. Enquanto dirigem pela cidade, o homem relembra seu trauma de infância e o pai violento que o esfaqueou com uma faca depois que ele atirou em sua mãe infiel. O homem rico a leva para se divertir em vários clubes noturnos e depois para seu apartamento. Primeiro, ele ignora a mulher enquanto ela se empanturra com uma grande refeição. Ela o seduz, e ele se aproxima dela excitado.

Um pesadelo visionário e alucinatório, sem diálogos, durante a noite de uma mulher solitária em Los Angeles. Entre horror, filme noir e cinema expressionista, inicialmente concebido como um curta-metragem por Parker baseado em um sonho contado a ele por sua secretária, Barrett, que também se tornou a intérprete do filme. O filme foi bloqueado pelo Conselho de Cinema do Estado de Nova York antes de ser lançado nos cinemas em 1955. Posteriormente, Jack H. Harris o comprou e criou uma nova versão, com uma edição diferente, adicionando também uma narração e mudando o título. Esta é a versão original.

Sem diálogos

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Wax, Ou A Descoberta da Televisão Entre as Abelhas (1991)

Wax ou A Descoberta da Televisão Entre as Abelhas é um intrigante longa-metragem independente que marca a estreia do diretor e artista americano David Blair. Esta obra cinematográfica é notável não apenas por sua narrativa inventiva, mas também por apresentar Blair no papel principal e uma participação especial do lendário escritor William Burroughs. O filme combina habilmente uma variedade de técnicas visuais, incluindo animação digital pioneira, filmagens em vídeo sem adornos e sequências de ação ao vivo, criando uma narrativa visual única e envolvente. Wax é emblemático das inovações criativas e das críticas políticas contundentes de sua época, oferecendo insights e reflexões que continuam a ecoar nas discussões contemporâneas. O filme não apenas ultrapassa os limites da arte visual ao experimentar estilos variados, mas também critica astutamente o clima político de sua era, tornando-se uma peça duradoura da história cinematográfica.

Interpretado por muitos como uma resposta cinematográfica para contrabalançar o início da Guerra do Golfo, este filme destaca-se como um exemplo excepcional de arte de vanguarda. Ele se desenrola de forma única em torno da vida de um apicultor, que está profundamente convencido de que sua colmeia de abelhas incrustou um cristal místico em sua testa. Este fenômeno extraordinário lhe concede a habilidade incomum de conversar com os espíritos dos falecidos, permitindo um vislumbre do reino etéreo. O filme utiliza magistralmente efeitos gerados por computador impressionantes e inovadores, que manipulam artisticamente as imagens na tela, criando distorções visuais que divergem das normas encontradas no cinema tradicional. Por meio dessa abordagem visionária, o filme oferece uma experiência inspiradora e instigante, ultrapassando os limites da narrativa visual para um nível raramente explorado em filmes convencionais.

Film Socialisme (2010)

Film Socialisme é um filme francês de vanguarda de 2010 dirigido pelo renomado Jean-Luc Godard. Este filme inovador e instigante estreou na prestigiada seção Un Certain Regard do Festival de Cinema de Cannes de 2010, antes de ser lançado na França apenas dois dias depois. O filme é artisticamente dividido em três atos distintos, cada um oferecendo uma perspectiva única e uma exploração temática.

O primeiro ato, Des choses comme ça (“Coisas assim”), transporta os espectadores para o convés de um navio de cruzeiro, onde a narrativa se desenrola. Este ato é notável pelo uso de diálogos em múltiplos idiomas, refletindo a diversidade e complexidade da comunicação global. O cenário oferece um rico pano de fundo para um exame das interações culturais e sociais entre passageiros de todo o mundo, convidando o público a refletir sobre as complexidades da conexão humana em um espaço confinado.

Em seguida, o filme muda para o segundo ato, Notre Europe (“Nossa Europa”), que se passa em um cenário inesperado — um posto de gasolina. Aqui, o foco se estreita para um grupo de crianças, acompanhadas por uma mulher e seu irmão mais novo, que se posicionam contra seus pais. Eles convocam o que é comparado a um “tribunal de sua juventude”, exigindo de seus anciãos explicações críticas sobre os princípios de igualdade, fraternidade e liberdade. Este ato mergulha profundamente na divisão geracional e na busca por responsabilidade em um mundo em rápida mudança.

O ato final, Nos humanités (“Nossas Artes Liberais”), amplia novamente o escopo ao visitar seis locais historicamente e culturalmente significativos: Egito, Palestina, Odessa, Grécia, Nápoles e Barcelona. Cada destino serve como uma tela para explorar o rico tecido da história e cultura humanas, bem como as correntes políticas e filosóficas que moldam nosso passado e presente coletivos. Por meio desses cenários diversos, Godard continua sua exploração da humanidade, convidando os espectadores a refletirem sobre sua própria compreensão da civilização e o legado duradouro das conquistas culturais e intelectuais.

Adeus à Linguagem (2014)

A obra tardia de Jean-Luc Godard emprega a tecnologia 3D para desconstruir a própria linguagem cinematográfica. O filme fragmenta narrativa, som e imagem em elementos deliberadamente desconectados que desafiam a forma como os espectadores processam o significado através da gramática convencional do cinema.

A experimentação formal de Godard recusa a coerência enquanto mantém rigor filosófico sobre a relação do cinema com a comunicação. A obra exemplifica como o cinema de vanguarda pode interrogar os meios tecnológicos ao mesmo tempo em que questiona pressupostos fundamentais sobre as estruturas linguísticas do cinema.

O Amor é a Mensagem, a Mensagem é a Morte (2016)

Arthur Jafa realiza uma obra emblemática que entrelaça imagens de arquivo, imagens contemporâneas e elementos sonoros para explorar a experiência negra e o trauma histórico. O filme opera simultaneamente como crítica cultural, poema visual e invocação espiritual através de uma montagem fragmentada, porém intencional.

A síntese inovadora de Jafa entre teoria materialista e expressão poética cria novos quadros para compreender representação e agência. O filme expande fundamentalmente a capacidade do cinema experimental de abordar questões sociais e históricas urgentes, mantendo a complexidade formal.

O Grande Bizarro (2018)

Jodie Mack cria uma obra exuberante baseada em colagem que sobrepõe cores vívidas, imagens encontradas e edição rítmica em uma experiência visual hipnótica. O filme combina animação, fotografia e padrões têxteis em configurações constantemente mutáveis que desafiam a percepção convencional.

A estética digi-maximalista de Mack cria uma experiência sensorial imersiva que rejeita a narrativa linear em favor da pura orquestração visual. A obra demonstra como o cinema experimental pode alcançar uma ressonância emocional profunda através da manipulação formal abstrata e composições de campo de cor.

The Holy Mountain

Agora disponível

Ficção científica, drama, de Alejandro Jodorowsky, 1973, México.
Um homem, apelidado de O ladrão, que representa a carta do Louco no Tarô, está inconsciente no deserto, entre enxames de moscas. Quando acorda, encontra um anão sem pés e mãos que representa o Cinco de Espadas. Os dois se tornam amigos e vão para a cidade mais próxima, onde ganham dinheiro entretendo turistas. O ladrão se assemelha a Jesus Cristo e, após uma briga com um padre, come o rosto de uma estátua de cera de Cristo, simbolicamente comendo seu corpo e oferecendo "a si mesmo" ao Céu. Após muitas desventuras, ele chega ao topo de uma torre que é o laboratório de um misterioso alquimista. Participando de vários ritos de iniciação, o alquimista o apresenta às sete pessoas mais poderosas da Terra, que trabalham nas indústrias do bem-estar, armas, arte, entretenimento, aplicação da lei, construção e economia. Juntos, eles terão que alcançar a Montanha Sagrada, uma montanha lendária em uma ilha inexistente, onde há nove sábios que conhecem o segredo da imortalidade. O objetivo deles é eliminá-los e tomar o lugar deles.

Para refletir
Na Índia, eles chamam a realidade do mundo ao nosso redor de Maya, que significa ilusão. A verdade está escondida: é como uma tela de cinema na qual você projeta seus sonhos e desejos. Físicos investigaram o que é a matéria e chegaram à conclusão de que ela não existe. Então, do que é feita a matéria das coisas? É apenas energia condensada, que vibra em alta velocidade, aparência. Em um nível profundo, a matéria não existe.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Man with a Movie Camera

Agora disponível

Documentário, de Dziga Vertov, Rússia, 1929.
Após alguns anos dedicados à realização de documentários de propaganda, Dziga Vertov realiza sua obra-prima, inspirada nas teorias sobre o cinema da realidade e Kinoglaz. Uma sinfonia visual experimental com raízes futuristas. Um dia comum de um cinegrafista vagando pela cidade sem propósito aparente em busca da vida a ser filmada. A câmera desencadeia uma explosão de criatividade que é uma nova visão da realidade: cinema puro aprimorado com invenções de montagem engenhosas. Um filme tão inspirado e moderno que ainda é um tema infinito de discussão e novas ideias hoje.

Para refletir
Certas obras de arte, certos filmes possuem uma qualidade artística objetiva. Na arte subjetiva, o artista não considera quem está olhando a obra de arte, ele apenas expressa seu próprio mundo interior. A obra de arte objetiva, por outro lado, possui uma qualidade inerente que pode ser transmitida por milhares de anos. A obra de arte objetiva não está vinculada a nenhuma ideologia, cultura social ou época: pode emocionar qualquer pessoa, em qualquer latitude e em qualquer época.

Sem diálogos

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The Exterminating Angel

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Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
A trama gira em torno de um grupo de pessoas que se reúnem em uma villa suntuosa para um jantar de gala. No entanto, após o jantar, eles descobrem que não conseguem deixar a villa, apesar de as portas e janelas estarem trancadas e as saídas aparentemente bloqueadas. O que se segue é uma espécie de pesadelo surreal onde o grupo de convidados fica preso na villa e seus comportamentos e relações sociais começam a se degradar de maneira bizarra.

O filme aborda temas como conformidade social, alienação e a queda das convenções sociais. É conhecido por suas sequências surreais e pela forma como desafia a realidade e a lógica tradicional. "O Anjo Exterminador" é frequentemente interpretado como uma crítica satírica à classe alta e às normas sociais autojustificadoras. Este filme tornou-se um ícone do cinema surrealista e representa uma das obras mais distintivas e provocativas de Luis Buñuel. É valorizado tanto por sua complexidade conceitual quanto por sua extravagância visual, e tem sido influente no mundo do cinema por sua capacidade de ultrapassar os limites da arte cinematográfica. Na época, muitos pensaram que seria o último filme da carreira de Buñuel. No entanto, foi o primeiro de uma série de obras-primas.

IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês

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