Os Filmes que Revelam a Alma Oculta de Veneza

A imagem de Veneza é a de um cartão-postal: passeios de gôndola sob o sol e praças lotadas de turistas. Mas esta é apenas uma face da cidade. Esta é uma imersão em outra Veneza: uma cidade crepuscular, muitas vezes no inverno, envolta em névoa e silêncio, um labirinto de pedra e água que se torna um espelho da alma.

Diretores visionários não usam a cidade como um simples cenário, mas a elevam a protagonista, uma entidade complexa e contraditória. Sua beleza sublime e sua decadência inexorável tornam-se uma poderosa alegoria para explorar os temas universais do desejo, da mortalidade, da loucura e da perda. Seus canais tornam-se artérias de um corpo doente, seus becos os becos sem saída da psique, seus palácios suntuosos conchas vazias que escondem segredos indescritíveis.

Este guia é um caminho que une os grandes clássicos às produções independentes mais inquietantes. É um itinerário que usa a iconografia da cidade para contar verdades desconfortáveis sobre a existência humana. Prepare-se para descobrir uma Veneza que você nunca viu, um lugar da alma tão magnífico quanto aterrorizante.

Morte em Veneza (1971)

O compositor Gustav von Aschenbach, convalescendo em Veneza, desenvolve uma obsessão pela beleza andrógina de um jovem polonês chamado Tadzio. À medida que sua paixão cresce, uma silenciosa epidemia de cólera começa a se espalhar pela cidade, escondida pelas autoridades para evitar danos ao turismo.

Luchino Visconti não simplesmente filma Veneza; ele a usa como um palco barroco para a desintegração de um homem. O opulento Grand Hôtel des Bains no Lido é uma gaiola dourada onde a ordem intelectual de Aschenbach choca-se com o caos da paixão. A própria cidade, com sua magnificência afundando lentamente na lagoa e o cheiro adocicado da doença misturando-se com o ar salgado, torna-se a metáfora perfeita para sua decadência física e moral. A cinematografia de Pasqualino De Santis captura uma cidade doente, febril sob o vento siroco, cuja beleza mortal seduz e condena o protagonista.

Não Olhe Agora (1973)

Um casal inglês, John e Laura Baxter, muda-se para Veneza após o trágico afogamento de sua jovem filha. Enquanto John trabalha na restauração de uma igreja, eles conhecem duas irmãs idosas, uma das quais, cega, afirma ser capaz de “ver” a filha deles. John, cético, começa a ter premonições perturbadoras e vislumbra uma figura misteriosa de criança com um casaco vermelho nos becos da cidade.

Nicolas Roeg transforma Veneza em um labirinto psicológico que reflete o estado mental fragmentado de um homem devastado pelo luto. Longe de qualquer clichê turístico, sua é uma Veneza invernal e desolada, envolta em uma névoa úmida que desfoca as linhas entre o real e o sobrenatural. Os canais não são vias românticas, mas presságios de morte, espelhos d’água que constantemente recordam a tragédia. A cidade, com suas ruas estreitas idênticas e cantos cegos, torna-se a própria arquitetura da dor e da premonição, um lugar onde o passado nunca está morto e o futuro é uma armadilha inescapável.

Pão e Tulipas (Pane e tulipani) (2000)

Durante um passeio de ônibus, a dona de casa de Pescara, Rosalba, é deixada para trás em uma parada. Em vez de esperar que seu marido e filhos voltem para buscá-la, ela decide impulsivamente pegar carona e realizar um pequeno sonho: visitar Veneza. O que deveria ser uma breve fuga se transforma em uma nova vida, graças a encontros com personagens excêntricos e gentis que a ajudam a redescobrir a si mesma.

Silvio Soldini nos oferece uma das representações mais autênticas e vitais da cidade, uma Veneza cotidiana, longe dos fluxos turísticos. A câmera mergulha nos sestieri da classe trabalhadora, entre varais, mercados locais e tabernas frequentadas por venezianos. Esta não é a cidade-museu, mas um lugar vivo, um organismo pulsante que acolhe Rosalba e lhe oferece uma segunda chance. A fotografia luminosa e os planos abertos marcam a transição de uma vida doméstica claustrofóbica para uma liberdade recém-descoberta, mostrando como a verdadeira magia de Veneza não está em seus monumentos, mas em sua capacidade de ser um lugar de renascimento.

Atlantide (2021)

Daniele é um jovem de Sant’Erasmo, uma ilha na borda da lagoa veneziana. Ele vive à margem de seu próprio grupo de pares, que é obcecado pelo culto do “barchino”, lanchas turbinadas que correm em velocidades insanas pelos canais. Seu sonho de possuir o barco mais rápido para ganhar respeito choca-se com uma realidade de alienação e a decadência social e ambiental que corrói sua geração.

Yuri Ancarani dirige uma obra hipnótica e radical, entre documentário e ficção, que revela uma Veneza marginal e desconhecida. Longe da Praça de São Marcos, o filme explora a subcultura juvenil da lagoa, um mundo de motores, trap music e niilismo desesperado. A lagoa não é uma paisagem para ser contemplada, mas uma arena psicodélica onde se consome um rito de iniciação masculina violento e fadado ao fracasso. Atlantide é um retrato poderoso da Veneza contemporânea, uma cidade fantasma que afunda não apenas na água, mas também no abandono e na perda de identidade.

Giallo em Veneza (Giallo a Venezia) (1979)

Um casal é encontrado brutalmente assassinado ao longo de um canal. O inspetor De Paul começa a investigar, descobrindo um mundo obscuro de depravação sexual, orgias e uso de drogas envolvendo as vítimas. Enquanto tenta reconstruir suas últimas horas, um assassino misterioso continua a atacar com ferocidade sem precedentes, deixando um rastro de corpos horrivelmente mutilados.

Este filme de Mario Landi é talvez o exemplo mais extremo de como o cinema de gênero usou Veneza, despojando-a de todo romantismo para transformá-la em um teatro de miséria e violência. A cinematografia desgasta a beleza da cidade, mostrando apenas seus cantos mais sórdidos, canais lamacentos e interiores claustrofóbicos. A decadência não é mais uma metáfora estética, mas uma condição física e moral. Neste filme cult, a cidade da lagoa torna-se um inferno úmido e chuvoso, um lugar perfeito para um giallo que leva a representação da perversão e do gore ao limite.

Senso (1954)

Em Veneza, em 1866, durante os últimos meses da ocupação austríaca, a Condessa Livia Serpieri, apoiadora da causa italiana, apaixona-se loucamente por Franz Mahler, um tenente encantador, porém cínico, do exército inimigo. Dominada por uma paixão autodestrutiva, Livia trairá seus ideais políticos e sua própria família em um turbilhão de ciúmes e degradação que paralela o colapso de toda uma era.

Luchino Visconti dirige um melodrama suntuoso, um fresco histórico em Technicolor onde a decadência de uma classe social se reflete na opulência dos palácios venezianos. A cena de abertura no Teatro La Fenice é emblemática: o drama no palco transborda para a vida real, desencadeando a tragédia. Veneza não é apenas o cenário do Risorgimento, mas o símbolo de um mundo aristocrático magnífico e corrupto destinado a cair. A paixão da protagonista a consome junto com seus princípios, assim como a guerra e o tempo consomem a beleza da cidade.

O Conforto dos Estranhos (1990)

Um casal inglês, Colin e Mary, está de férias em Veneza tentando reacender seu relacionamento em crise. Perdidos no labirinto de ruas estreitas, encontram um homem local enigmático e charmoso, Robert, que os convida para sua casa luxuosa. Lá, conhecem sua esposa, Caroline, e são lentamente atraídos para um jogo psicológico perverso e perigoso, onde a hospitalidade se transforma em uma armadilha mortal.

Paul Schrader, a partir de um roteiro de Harold Pinter, transforma o sonho romântico veneziano em um pesadelo acordado. A cidade, banhada por uma luz âmbar e sedutora, torna-se um espaço de ameaça psicológica. Suas vielas não levam a lugar algum, simbolizando o impasse emocional do casal. A beleza dos palácios e a elegância de seus anfitriões escondem uma violência latente e uma perversão mortal. Schrader segue a tradição literária que vê Veneza não como o berço do amor, mas como a “cidade da morte”, um lugar onde o desejo conduz à destruição.

Vampiro em Veneza (Nosferatu a Venezia) (1988)

O professor Catalano viaja para Veneza para investigar a possível presença do vampiro Nosferatu, cuja última aparição remonta ao carnaval de 1786. Durante uma sessão espírita, o vampiro é despertado de seu sono secular e retorna para vagar pela cidade, trazendo consigo um rastro de morte e sedução. Sua existência atormentada busca um fim, que ele acredita poder encontrar no amor de uma mulher virgem.

Apesar de sua produção conturbada, esta sequência apócrifa do mestre Herzog é um filme cult que reinventa o mito do vampiro em uma chave gótica e decadente. A performance febril de Klaus Kinski, recusando-se a usar maquiagem protética, nos oferece um novo Nosferatu, mais humano e atormentado. A suntuosa cinematografia de Antonio Nardi captura uma Veneza espectral e onírica, um túmulo aquático perfeito para uma criatura imortal cansada de viver. A cidade torna-se uma extensão da alma do vampiro: antiga, bela e em ruínas.

Quem a Viu Morrer? (Chi l’ha vista morire?) (1972)

O escultor Franco Serpieri está em Veneza com sua jovem filha Roberta. Um dia, a menina desaparece misteriosamente e é encontrada depois afogada em um canal, vítima de um assassino em série de crianças. Enquanto a polícia tateia no escuro, Franco inicia sua própria investigação desesperada, mergulhando em um mundo de segredos e perversões escondidos atrás da respeitável fachada da cidade.

Aldo Lado dirige um dos melhores gialli italianos dos anos 70, transformando Veneza em um labirinto mortal. A cidade da lagoa, com seus canais enevoados e becos escuros, torna-se um personagem ameaçador, um lugar onde o horror pode se esconder em qualquer esquina. A trilha sonora inquietante de Ennio Morricone, com seu coro de vozes infantis, cria um contraste arrepiante entre a inocência da infância e a brutalidade dos assassinatos. Lado usa magistralmente a arquitetura da cidade para gerar um suspense quase insuportável.

O Veneziano Anônimo (Anonimo Veneziano) (1970)

Um músico do Teatro La Fenice, ao descobrir que está com uma doença terminal, convida sua esposa, de quem está separado há anos, para Veneza. Durante um dia inteiro, os dois percorrem a cidade, revisitanto os lugares de seu amor e confrontando memórias, arrependimentos e palavras não ditas. É seu último encontro comovente, uma despedida da vida e de um amor que nunca terminou completamente.

Enrico Maria Salerno, em sua estreia na direção, pinta um retrato melancólico e crepuscular de Veneza. Longe das multidões, a cidade outonal, com suas cores suaves e atmosfera silenciosa, torna-se o cenário perfeito para o drama dos protagonistas. Cada praça, cada ponte, cada vislumbre da Giudecca ou de áreas menos conhecidas está impregnado de memória e nostalgia. A cidade, como o protagonista, está em agonia, e sua beleza decadente acompanha a contagem regressiva para o fim com uma poesia comovente. A famosa trilha sonora de Stelvio Cipriani sela a atmosfera inesquecível do filme.

Shun Li e o Poeta (Io sono Li) (2011)

Shun Li, uma imigrante chinesa, é enviada para trabalhar como bartender em uma taverna em Chioggia, a “pequena Veneza”. Lá, em um mundo fechado e masculino de pescadores, ela forma uma amizade inesperada e poética com Bepi, um velho pescador de origem eslava apelidado de “o Poeta”. O vínculo deles, feito de silêncios e poemas, choca-se com os preconceitos de ambas as comunidades.

Andrea Segre conta uma história de imigração e encontro com rara sensibilidade, usando a lagoa de Chioggia como um espaço metafórico. A água e a névoa, que envolvem tudo em tons de cinza, refletem o isolamento e a melancolia dos protagonistas. A lagoa é descrita como “feminina, calma e misteriosa”, um lugar de suspensão onde duas solidões podem se encontrar. O filme mostra uma Veneza de trabalho e vida real, uma fronteira onde diferentes culturas se tocam, colidem e, às vezes, se reconhecem.

O Canal dos Anjos (Il canale degli angeli) (1934)

Em uma Veneza em transformação industrial, um operário é vítima de um acidente de trabalho. Durante sua convalescença, sua esposa Anna se apaixona por um capitão de navio. O filho pequeno deles testemunha esse amor nascente e, angustiado, adoece. O caso lança o frágil equilíbrio familiar em crise, em meio a uma cidade que está mudando sua face.

O único longa-metragem de ficção do pioneiro do cinema italiano Francesco Pasinetti, este filme é um documento precioso. Antecipando o Neorealismo em quase uma década, Pasinetti mostra uma Veneza inédita, não retórica, vivida por seus habitantes e trabalhadores. As imagens em estilo documental dos estaleiros e navios cavando novos canais oferecem um vislumbre de uma modernização que desafia não apenas a paisagem, mas também a estrutura social e familiar tradicional. Uma obra fundamental para entender outra história do cinema veneziano.

Ninho de Víboras (Ritratto di borghesia in nero) (1978)

Em Veneza, em 1938, na véspera da guerra, o jovem estudante de música Mattia é introduzido nos salões da alta burguesia. Lá, ele se apaixona por sua professora de piano, Carla, iniciando um caso sórdido que desencadeia uma espiral de chantagem, traição e crime. Por trás da fachada de respeitabilidade, esconde-se um mundo de corrupção moral, ambição e poder.

Tonino Cervi adapta uma novela de Peyrefitte, transferindo a ação de Paris para Veneza, e a escolha não é acidental. A tortuosidade dos becos venezianos torna-se o contraponto físico à tortuosidade dos sentimentos dos personagens. O filme é filmado quase inteiramente em interiores luxuosos e sufocantes, representando a prisão dourada de uma classe social em plena decadência moral. A cidade externa aparece apenas em vislumbres, muitas vezes à noite ou envolta no negro dos funerais, simbolizando como a podridão interna está prestes a se espalhar para fora também, com o advento do fascismo e da guerra.

As Asas do Pomba (1997)

Londres, início do século XX. Kate Croy, para não perder sua posição social, convence seu amante sem dinheiro, o jornalista Merton Densher, a seduzir uma rica herdeira americana, Milly Theale, que está terminalmente doente e viajando pela Europa. O plano é que Merton se case com ela, herde sua fortuna e finalmente possa viver com Kate. O trio se encontra em Veneza, onde o plano diabólico colide com sentimentos inesperados.

Nesta adaptação do romance de Henry James, Veneza torna-se o palco final onde manipulação e desejo colidem com a morte. A cidade, com sua beleza pungente, amplifica a dimensão trágica da história. Não é um lugar de libertação, mas o cenário luxuoso onde a corrupção moral dos protagonistas vem à tona. A atmosfera romântica da Sereníssima é envenenada por cálculo e engano, fazendo da decadência física de Milly um reflexo da falência ética de Kate e Merton.

Verão em Veneza (1955)

Jane Hudson, uma secretária americana de meia-idade, chega a Veneza para as férias que sempre sonhou. Sozinha e cheia de inseguranças, ela vagueia pela cidade sentindo-se uma observadora externa da vida e do amor. Seu encontro com Renato, um encantador antiquário veneziano, abre a porta para um caso de amor tão intenso quanto efêmero, forçando-a a confrontar sua solidão.

David Lean dirige uma comovente carta de amor a Veneza, capturando sua magia em Technicolor radiante. Mas além da beleza visual, o filme é uma reflexão profunda sobre solidão e desejo. Veneza não é apenas o cenário para uma história romântica, mas o catalisador da experiência emocional de Jane. Sua beleza quase dolorosa acentua o sentimento de melancolia da protagonista, tornando seu breve romance uma experiência agridoce que a transformará para sempre. Um clássico que combina sensibilidade de cinema de arte com apelo popular.

Eva (1962)

Tyvian, um escritor galês que alcançou fama ao apresentar o manuscrito de seu irmão falecido como seu, chega a Veneza para a estreia do filme baseado em seu livro. Lá ele conhece e se torna obcecado por Eva, uma prostituta de alta classe cínica e cruel. Assim começa uma relação masoquista de submissão e humilhação, que levará Tyvian à completa ruína econômica e psicológica.

O diretor americano Joseph Losey, exilado na Europa, dirige uma obra implacável e glacial. Sua Veneza é fria, quase hostil, desprovida de qualquer calor. Os canais e palácios tornam-se o cenário indiferente para uma descida ao inferno. O filme, filmado em preto e branco expressionista por Gianni Di Venanzo, nega qualquer romantismo à cidade, usando-a como um deserto emocional onde se consome a destruição de um homem. Uma obra radical que antecipa os temas que Losey desenvolveria em suas posteriores obras-primas.

A Sombra Ensanguentada (Solamente nero) (1978)

Stefano, um professor universitário, retorna para um período de descanso à ilha na lagoa veneziana onde nasceu e onde seu irmão, um padre, vive. Sua chegada coincide com uma série de crimes brutais que abalam a tranquilidade da pequena comunidade. Investigando, Stefano descobre uma teia de segredos, hipocrisia e loucura escondida atrás da respeitável fachada da ilha.

Antonio Bido, após The Cat with the Jade Eyes, dirige outro giallo tenso e atmosférico. Embora o cenário seja uma ilha na lagoa (reconhecível como Murano), o filme captura perfeitamente a inquietação da paisagem veneziana. As atmosferas sombrias e enevoadas, os canais silenciosos e os segredos que a comunidade tenta enterrar criam um forte senso de angústia. Muitos críticos o consideram devedor de Pupi Avati em A Casa das Janelas que Riem, transferindo o horror da província do Vale do Pó para o ambiente igualmente isolado e misterioso da lagoa.

Amaldiçoados em Veneza (Nero veneziano) (1978)

Os jovens irmãos órfãos Mark e Christine mudam-se para Veneza para a pensão de seus tios na ilha de Giudecca. Mark, que é cego, é atormentado por visões assustadoras nas quais um homem misterioso comete atos diabólicos. Quando uma série de mortes inexplicáveis começa a atingir sua família, seus pesadelos parecem tornar-se realidade, sugerindo uma conspiração satânica.

Ugo Liberatore dirige um filme de horror gótico e surreal, impregnado de uma atmosfera morbidamente decadente. O cenário em Giudecca, separado do coração turístico de Veneza, cria um mundo à parte, um microcosmo isolado onde o mal pode enraizar-se. A cinematografia de Alfio Contini envolve a cidade em um “véu mortuário”, realçando sua beleza espectral. A lagoa torna-se uma barreira que separa não apenas o continente, mas também o bem do mal, a luz da escuridão, em um filme que faz da ambiguidade e da inquietação sua assinatura estilística.

O Quarto Proibido (Anima persa) (1977)

O jovem Tino muda-se para Veneza para estudar, hospedando-se em um antigo e decadente palácio pertencente a seus tios. Logo percebe ruídos estranhos e perturbadores vindos do sótão. Descobre que outro tio, irmão de seu anfitrião, vive ali em reclusão há anos, considerado louco. Tino começa a investigar os segredos da família, trazendo à luz uma verdade chocante e monstruosa.

Dino Risi muda o cenário do romance original de Giovanni Arpino de Turim para Veneza, e a escolha é perfeita. A cidade torna-se espectral, “inquietantemente sombria,” e o nobre palácio um organismo doente que esconde a loucura. Mais que um thriller, é uma história de fantasmas, onde o passado assombra o presente. A cinematografia lívida de Tonino Delli Colli transforma Veneza em um lugar fúnebre, convertendo o drama psicológico em um verdadeiro conto de horror gótico.

O Terrorista (Il terrorista) (1963)

Veneza, inverno de 1943. Um grupo de partisans, liderado por um engenheiro idealista e intransigente, tenta organizar a resistência armada contra os nazi-fascistas. No entanto, suas ações colidem com divisões internas dentro do Comitê Nacional de Libertação, os medos da população e dúvidas morais sobre a violência. O protagonista se verá cada vez mais isolado em sua luta.

Gianfranco De Bosio cria um filme anômalo e corajoso sobre a Resistência, desprovido de qualquer retórica celebratória. Sua Veneza invernal, cinzenta, enevoada e repulsiva é o exato oposto da iconografia da cidade e reflete perfeitamente a atmosfera de clandestinidade, suspeita e drama moral dos protagonistas. Os becos desertos e praças vazias tornam-se o cenário de perseguições e encontros secretos, em um universo claustrofóbico que expressa a dureza e a solidão da luta partidária. Uma obra fundamental, com um grande Gian Maria Volonté.

Yuppi du (1975)

Felice é um homem pobre que vive em Veneza com sua filha, em memória de sua esposa Silvia, que ele acredita ter cometido suicídio. Sua vida vira de cabeça para baixo quando Silvia, que na verdade fugira para Milão para se casar com um homem rico, retorna. Felice se vê obrigado a escolher entre seu amor passado e sua felicidade presente, em um mundo que contrasta a simplicidade da vida popular com o vazio da sociedade burguesa.

Uma obra anômala e inclassificável, Yuppi du é um musical ambientalista e anticapitalista dirigido e estrelado por um Adriano Celentano em estado de graça. Sua Veneza não tem nada de realista: é um palco surreal e de conto de fadas, um lugar da alma onde os personagens se comunicam cantando e dançando. O filme é um experimento criativo livre e vital, que usa a cidade de maneira totalmente pessoal e não convencional, transformando-a em um teatro para sua alegoria social muito pessoal. Um clássico cult absoluto.

Beleza Perigosa (Dangerous Beauty) (1998)

Na Veneza do século XVI, a jovem Veronica Franco, incapaz de se casar com o homem que ama devido ao seu baixo status social, é incentivada por sua mãe a tornar-se cortesã. Graças à sua inteligência, cultura e beleza, ela se torna uma das mulheres mais poderosas e influentes da cidade, uma poetisa aclamada e conselheira de estadistas, até que a peste e a Inquisição ameaçam sua posição.

Embora seja uma produção americana, o filme conta uma história profundamente veneziana, a da cortesã e poetisa Veronica Franco. A Veneza renascentista é representada como um palco magnífico e contraditório: um centro de cultura, arte e liberdade de pensamento, mas também uma sociedade patriarcal onde o único caminho para a afirmação intelectual de uma mulher estava ligado à venda de seu corpo. O filme explora esse paradoxo, mostrando uma cidade tão esplêndida quanto implacável.

A Mulher Veneziana (La venexiana) (1986)

Veneza, século XVI. Duas nobres, a viúva Angela e a jovem noiva Valeria, são consumidas por um desejo não realizado. Ambas fixam seus olhares em Jules, um jovem e belo estrangeiro que acaba de chegar à cidade. Usando suas criadas como intermediárias, as duas mulheres envolvem-se em uma competição sutil, porém implacável, para atrair o jovem para suas camas em uma noite de paixão.

Baseado em uma peça anônima do século XVI, o filme de Mauro Bolognini é uma obra refinada e carregada de erotismo. A Veneza do filme é um lugar quase inteiramente feminino, um labirinto de interiores luxuosos, alcovas e jardins secretos onde os desejos das protagonistas são consumidos. A cinematografia de Giuseppe Lanci e a música de Ennio Morricone criam uma atmosfera suspensa e sensual, na qual a cidade torna-se um teatro de sedução, um lugar onde a frustração sentimental alimenta um desejo quase predatório.

A Mão do Estranho (1954)

O pequeno Roger chega a Veneza para encontrar seu pai, um major do serviço secreto britânico, mas o homem desaparece misteriosamente. Convencido de que foi sequestrado, o garoto começa a procurá-lo sozinho, aventurando-se numa cidade que não conhece. Com a ajuda de uma governanta e de um recepcionista de hotel, ele se vê envolvido numa intriga internacional de espionagem no contexto da Guerra Fria.

Baseado em uma história de Graham Greene e dirigido por Mario Soldati, este thriller ítalo-britânico remete à atmosfera de O Terceiro Homem, mas a transfere para o contexto único de Veneza. A cidade, com seus canais enevoados e cantos escuros, torna-se um lugar de mistério e perigo, visto pelos olhos assustados, mas determinados, de uma criança. É uma Veneza incomum, um cruzamento de espiões e agentes secretos onde a beleza dos locais contrasta com uma trama cheia de tensão.

O Carrasco de Veneza (Il boia di Venezia) (1963)

Na Veneza do século XVII, o cruel inquisidor Guarnieri domina a cidade. Seu maior inimigo é Sandrigo, filho do Doge, que se opõe à sua tirania. Para se livrar dele, Guarnieri o acusa injustamente de um crime e o condena à morte. A execução é confiada ao carrasco, um homem mascarado que na verdade é o verdadeiro pai de Sandrigo, sem saber da identidade do condenado.

Este filme de aventura de época, ou swashbuckler, é um exemplo clássico do cinema de gênero italiano que se apoia fortemente na iconografia histórica da Sereníssima. Embora sem grandes pretensões autorais, O Carrasco de Veneza utiliza eficazmente a iconografia do poder veneziano – o Conselho dos Dez, a Inquisição, os palácios do poder – para construir uma narrativa popular de intrigas, duelos e reviravoltas. Um mergulho na Veneza mais romântica e aventureira.

Paganini Horror (1989)

Uma banda de rock composta apenas por mulheres, para relançar sua carreira, compra uma partitura inédita do violinista Niccolò Paganini de um indivíduo misterioso. Elas decidem gravá-la e filmar um videoclipe na antiga vila do compositor, uma casa antiga em Veneza. Mas a música desperta o espírito demoníaco de Paganini, que começa a exterminar os membros da banda e sua equipe um por um.

Luigi Cozzi dirige um filme de horror bizarro e fascinante, um clássico cult do cinema de gênero italiano do final dos anos 80. Embora grande parte da ação ocorra dentro da vila amaldiçoada, sacrificando a paisagem veneziana, a cidade serve como o cenário gótico perfeito para esta história faustiana. A mistura da iconografia do músico diabólico, atmosferas de horror e estética do rock dos anos 80 faz do filme uma obra única em seu gênero, uma pequena joia da criatividade underground.

O Mensageiro (1971)

No verão de 1900, o jovem Leo é convidado a passar as férias na propriedade rural de um colega de escola rico. Lá, ele se vê atuando como um mensageiro involuntário para a irmã mais velha de seu amigo, Marian, e um agricultor local, Ted, que mantêm um caso clandestino e proibido. A experiência marcará para sempre sua percepção do amor e do mundo adulto.

Esta obra-prima de Joseph Losey, com roteiro de Harold Pinter, embora não se passe em Veneza, é uma peça fundamental para compreender o trabalho de dois autores que exploraram profundamente psicologias tortuosas e atmosferas opressivas também na cidade da lagoa (Eva para Losey, The Comfort of Strangers para Pinter). O filme analisa os temas da divisão de classes, desejo proibido e perda da inocência com uma maestria que ilumina sua abordagem narrativa, tornando-o um contraponto temático perfeito para suas obras venezianas.