Pero esto es solo una parte de la historia. Más allá de los estudios de Cinecittà, existe una Italia más compleja y contradictoria. Es un cine nacido de una urgencia expresiva, una necesidad de contar historias que el mercado considera demasiado arriesgadas o de nicho. Es el verdadero laboratorio creativo del séptimo arte en Italia, donde nacen nuevos lenguajes y se prueban formas narrativas audaces.
Las Ocho Montañas (2022)
Pietro es un chico de ciudad, Bruno es el último hijo de un olvidado pueblo de montaña. Sus veranos pasados al pie del Monte Rosa dan lugar a una amistad profunda e indisoluble. Pero mientras Pietro viajará por el mundo, Bruno permanecerá fiel a su montaña. Sus vidas tomarán caminos diferentes, pero un vínculo invisible siempre los llevará de regreso allí, a ese lugar que fue la cuna de su amistad y el reflejo de sus almas.
Basada en la novela de Paolo Cognetti, la película de los directores belgas Felix Van Groeningen y Charlotte Vandermeersch es una meditación conmovedora y majestuosa sobre la amistad, la relación entre padre e hijo y nuestro lugar en el mundo. Galardonada con el Premio del Jurado en Cannes, Las Ocho Montañas es una obra de alcance universal, que utiliza la montaña como metáfora de la vida: están quienes, como Pietro, necesitan explorar las ocho montañas del mundo, y quienes, como Bruno, se contentan con alcanzar la cima de la más alta, su Sumeru.
La dirección captura la imponente belleza y dureza de la naturaleza con un formato casi cuadrado (4:3) que realza la verticalidad de las montañas. Alessandro Borghi y Luca Marinelli, en perfecta armonía, dan vida a una amistad masculina contada con rara delicadeza y profundidad. Es una película que conmueve y hace pensar, una épica íntima que nos recuerda la importancia de las raíces y los lazos que nos definen.
Katabasis
Drama, Misterio, por Samantha Casella, Italia, 2025.
“Katabasis” es un viaje al inframundo. Nora experimentó ese reino oscuro cuando era niña, cuando sufrió abuso. Esto la marcó, moldeándola en una mujer ambigua y manipuladora, peligrosa en su inescrutabilidad, buscando constantemente situaciones perturbadoras para revivir la única condición que ha interiorizado profundamente: el dolor. Y la historia de amor entre Nora y Aron es tormentosa, estrictamente secreta. Aron es un joven huérfano oprimido por el sistema de estrellas que, orquestado por Jacob, un mánager cínico, lo convirtió en una estrella e impone otra fachada de vida sobre él. De hecho, solo las personas que giran alrededor de la casa-prisión donde vive la pareja conocen la existencia de Nora. Esa majestuosa villa es el escenario de secretos, mentiras, engaños, así como episodios inquietantes, ya que Nora es capaz de comunicarse con las almas del más allá.
Biografía de la directora – Samantha Casella
Samantha Casella estudió varios aspectos del cine, incluyendo guionismo, dirección, cinematografía y actuación, en Turín, Florencia, Roma y Los Ángeles. Su tesis de dirección, el cortometraje "Juliette," ganó 19 premios, incluido el "Premio Europeo Massimo Troisi." Continuó su camino dirigiendo cortometrajes surrealistas como "Silenzio Interrotto," "Memoria all'Isola dei Morti," y "Agape." En 2019, dirigió "I Am Banksy." En el carismático TCL Chinese Theater de Los Ángeles, en el Golden State Film Festival, ganó el premio al Mejor Cortometraje Internacional. En 2020, dirigió el cortometraje "A un Dio Sconosciuto." "Santa Guerra" es su debut en largometraje.
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Pirañas (2019)
Nápoles, Rione Sanità. Nicola y sus amigos son un grupo de adolescentes de quince años que pasan sus días en scooters, jugando videojuegos y experimentando primeros amores. Cansados de sufrir los abusos de los clanes locales y de ver a sus familias pagar dinero por protección, deciden tomar el asunto en sus propias manos. Consiguen armas y forman su propia «paranza», un grupo criminal de adolescentes, para conquistar el control del barrio. Pero el juego pronto se convertirá en una espiral de violencia sin retorno.
Basada en la novela homónima de Roberto Saviano, la película de Claudio Giovannesi es un retrato lúcido y escalofriante de la «generación Gomorra». A diferencia de los jefes experimentados, los protagonistas de Pirañas son adolescentes que persiguen los mitos del consumismo – ropa de diseñador, mesas en clubes de moda, dinero fácil – a través del lenguaje del crimen. Su rebeldía se transforma en una trágica imitación del poder que desean combatir.
Giovannesi adopta un estilo realista e inmersivo, siguiendo a los chicos con una cámara al hombro que captura su energía, ingenuidad y temeridad aterradora. La película no juzga, sino que observa con empatía el proceso de corrupción de la inocencia, mostrando cómo el deseo universal de pertenencia y redención puede desviarse hacia un camino de autodestrucción. Galardonada con el Mejor Guion en Berlín, es una obra necesaria para entender el presente.
Dogman (2018)
En un suburbio desolado en la costa del Lacio, Marcello dirige una peluquería canina, «Dogman». Es un hombre apocado, querido por todos en el barrio, que intenta llegar a fin de mes por el amor a su hija. Sin embargo, su vida tranquila está plagada por su relación con Simoncino, un exboxeador violento y adicto a la cocaína que aterroriza a la comunidad. Subyugado y humillado, Marcello sufrirá una injusticia que lo empujará a planear una venganza terrible e inesperada.
Inspirándose libremente en uno de los crímenes más atroces de la historia italiana, el crimen del Canaro della Magliana, Matteo Garrone crea una obra universal sobre la opresión y la lucha por la dignidad. Dogman es un western urbano, una parábola moral ambientada en un mundo abandonado por Dios y la ley, donde solo prevalece la ley del más fuerte. El paisaje espectral de Villaggio Coppola, el mismo que en The Embalmer, se convierte en el escenario de un enfrentamiento arquetípico entre David y Goliat.
Marcello Fonte, galardonado con el Premio al Mejor Actor en Cannes, ofrece una actuación inolvidable, encarnando la fragilidad y bondad de un hombre común llevado al límite. Su humanidad, expresada en su amor por los perros y su hija, choca con la violencia bestial de Simoncino. La dirección de Garrone es esencial y poderosa, capaz de crear una tensión casi insoportable y de explorar, sin ningún juicio moral, la delgada línea que separa a la víctima del verdugo.
The Lost Poet
Drama, de Fabio Del Greco, Italia, 2024.
Dante Mezzadri quiere ver a un viejo amigo, apodado la Iguana, a quien ha perdido de vista durante muchos años, y que ha logrado convertir su pasión juvenil compartida por la poesía en un trabajo, convirtiéndose en un escritor y poeta famoso. El hombre escapa de su vida burguesa y de su esposa para vivir sin hogar en la costa romana, imprimiendo y tratando de vender sus colecciones de poesía. Por la noche duerme en un parque de viejas carrozas de carnaval, dentro de un tanque de papel maché, y espera la oportunidad de encontrarse con su viejo amigo, que sin embargo nunca aparece en las citas en los lugares que frecuentaban cuando eran jóvenes, ahora en ruinas. Los libros de poesía de Dante no interesan a nadie y para mantenerse se ve obligado a "cambiar de producto": comienza a vender la infame "píldora caníbal" en nombre de jóvenes traficantes de drogas, una nueva droga que se vende como pan caliente y provoca éxtasis sensorial y consumista. Sin embargo, se da cuenta de que esta droga poderosa es muy peligrosa para quienes la toman, entra en conflicto con su conciencia ética y arroja todas las píldoras al mar. Sin embargo, los traficantes quieren cobrar su dinero.
Rodada durante un período de 2 años, la película es una reflexión sobre los escombros culturales y artísticos de la sociedad en la que vive el protagonista, en un mundo cada vez más mecanizado, consumista y árido. Dante Mezzadri es otro ser humano más que ha renunciado a su inspiración y creatividad, pero a diferencia de muchos, no está dispuesto a entregar su vida a un sistema que lo aleja de su verdadera identidad. El mundo físico que lo rodea, sin embargo, parece construido de tal manera que parece imposible escapar de esta "jaula invisible". El entusiasmo de las personas que conoce se enciende solo por la gratificación sensorial, por visiones irreales de afirmación personal y éxito, por "metaversos" que ofrecen una escapatoria a una realidad ilusoria y destructiva. La casa del poeta en la costa, donde se reunía con sus amigos cuando era joven, es solo un montón de escombros abandonados. ¿Qué pasó con todos aquellos que querían convertirse en poetas
Suspiria (2018)
Más de cuatro décadas después de su estreno inicial, el icónico clásico de terror de Dario Argento ha sido reinventado en un remake apasionante dirigido por el renombrado Luca Guadagnino. Esta versión moderna, al igual que su predecesora, se desarrolla dentro de los inquietantes confines de una misteriosa academia de danza. Aquí, la narrativa perturbadora se despliega a través de una serie de brutales asesinatos dirigidos a mujeres. El personaje central de la película es interpretado con notable intensidad por Dakota Johnson, quien cuenta con el apoyo de un elenco excepcional que incluye a Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Tilda Swinton y Sylvie Testud. Estos talentosos actores dan vida a las figuras siniestras y autoritarias que dirigen la academia con mano de hierro, ocultando peligros latentes bajo sus severas fachadas.
Suspiria es una de las películas de terror más esperadas de 2018, cautivando al público con una narrativa fresca que la distingue claramente de la creación original de Argento. Bajo la hábil dirección de Guadagnino, esta película trasciende los límites típicos del horror sobrenatural, creando en cambio una obra maestra cinematográfica que profundiza en las profundidades del psiquismo humano. El lenguaje cinematográfico expansivo del director transforma la escalofriante historia en un homenaje artístico al género de terror, tomando y expandiendo simultáneamente sus elementos tradicionales. El resultado no es simplemente una película, sino una pieza extraordinaria de cine de autor que ha surgido de las recientes propuestas dentro del panorama del género de terror—una obra que, sin duda, se encuentra entre las mejores películas producidas en las últimas dos décadas.
A Ciambra (2017)
En Gioia Tauro, Calabria, vive la Ciambra, una comunidad romaní asentada. Pio Amato es un joven de catorce años que quiere crecer rápido. Fuma, bebe y sigue a su hermano mayor Cosimo como una sombra, aprendiendo los trucos del oficio: pequeños robos y estafas. Su mundo es un equilibrio complejo entre su familia, los italianos locales y los migrantes africanos. Cuando Cosimo es arrestado, es hora de que Pio demuestre que es un hombre.
Jonas Carpignano, un director ítalo-estadounidense, se sumerge completamente en la realidad que retrata, creando una obra de autenticidad impactante. El segundo capítulo de su trilogía sobre Gioia Tauro, A Ciambra es un filme que difumina las líneas entre ficción y documental. El director trabaja con la familia Amato real, que se interpreta a sí misma, construyendo una narrativa que surge directamente de sus vidas. La cámara, en mano y nerviosa, sigue a Pio, atrayéndonos a su mundo con una rareza física e inmediatez.
La película es una poderosa historia de madurez ambientada en un contexto de marginación social, pero evita todos los estereotipos. Carpignano no juzga a sus personajes, sino que los observa con empatía, mostrando la complejidad de sus lazos, sus códigos de honor y su lucha por la supervivencia. Es un cine inmersivo que nos lleva a un lugar específico para contar una historia universal sobre la familia, la amistad y las difíciles decisiones que marcan la transición a la adultez.
Apennines
Documental, de Emiliano Dante, Italia, 2017.
Appennino es un diario cinematográfico que comienza con la lenta reconstrucción de L'Aquila, la ciudad del director, en Italia, y continúa con los terremotos en los Apeninos centrales de 2016-17, hasta el muy largo y agotador asilo de las nuevas víctimas del terremoto en S. Benedetto del Tronto. Una historia íntima e irónica, lírica y geométrica, donde la cuestión de vivir en una zona sísmica se convierte en la herramienta para reflexionar sobre el verdadero significado de hacer cine de realidad.
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A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
El Intruso (2017)
Giovanna dirige «La Masseria», un centro recreativo para niños en un barrio difícil de Nápoles, un oasis de legalidad y esperanza arrebatado a la decadencia. El precario equilibrio de su comunidad se ve amenazado cuando María, la joven esposa de un jefe de la Camorra recientemente arrestado, busca refugio en el centro con sus dos hijos. Su presencia desata miedo y enojo entre los otros padres, obligando a Giovanna a tomar una decisión imposible entre la bienvenida y la seguridad.
Leonardo Di Costanzo, con formación documentalista, crea una obra de extraordinaria fineza psicológica y rigor moral. El Intruso no es una película sobre la Camorra, sino sobre quienes se ven obligados a vivir bajo su sombra, sobre las dinámicas complejas de una comunidad que intenta construir una alternativa. La película transcurre casi en su totalidad dentro de las paredes del centro, un espacio cerrado que se convierte en el escenario de un dilema ético universal.
La dirección es minimalista y observacional, atenta a los gestos, miradas y tensiones no expresadas. Di Costanzo no ofrece soluciones fáciles, sino que explora las zonas grises de la solidaridad, el miedo y la responsabilidad. Es un cine civil en el sentido más noble del término, que cuestiona los fundamentos de la convivencia y la dificultad de trazar una línea clara entre el bien y el mal en un contexto donde cada elección tiene consecuencias impredecibles.
Abacuc (2015)
Una película experimental que desafía al público con innovaciones que realmente logran encontrar nuevos elementos en el lenguaje cinematográfico, algo que hoy en día es muy raro. La película narra la vida cotidiana de un personaje surrealista que no se olvida fácilmente, Abacuc, un hombre condenado a vagar por un pueblo provincial helado en el norte de Italia que parece un infierno congelado y sin vida. Abacuc es un hombre que pesa casi 200 kilos, que invierte su tiempo en el limbo, alejado de cualquier tipo de sensación; principalmente va al cementerio, a los parques temáticos de la Riviera Romagnola. Abacuc representa la necesidad del arte cinematográfico de autoextinguirse e implosionar en sí mismo. La obra del director Luca Ferri es muy importante, porque crea nuevos caminos para el cine de vanguardia, caminos olvidados e ignorados por críticos y público pero que son los cimientos del cine del futuro.
Corona days
Drama, de Fabio Del Greco, Italia, 2020.
Un hombre permanece solo en casa debido a las medidas de emergencia por el coronavirus. La soledad, el tiempo y el espacio se convierten en sus adversarios, mientras que la imaginación, los recuerdos y el anhelo de libertad se vuelven sus aliados. El director Fabio Del Greco documenta de manera íntima y personal los días de aislamiento por el coronavirus, filmando escenas al aire libre exclusivamente con un teléfono inteligente. La crónica de estos días peculiares sirve como catalizador para la reflexión sobre la relatividad del tiempo y el espacio, y cómo la libertad es algo que puede trascender la realidad para encontrar su lugar dentro de nuestras almas.
En tiempos del coronavirus, un cineasta genuino e instintivo como Del Greco ha cosechado los frutos de su excéntrico "cinediario" elaborado durante las semanas de cuarentena. Capturó su propia soledad de cerca, y desde una distancia segura, la de sus amigos y familiares. Sobre todo, aprovechó las limitadas "horas de aire" otorgadas por las autoridades para filmar en un mundo vacío de humanidad y sometido a rigurosos controles policiales. Todo visto a través del lente de un autor que, como de costumbre, es juguetón, desencantado y sutilmente irónico, incluso cuando interviene como actor. Mientras continúa explorando la realidad, entre reflexiones melancólicas y destellos de ironía, Fabio Del Greco trasciende esta intención inicial y transforma su largometraje en un conjunto de muñecas rusas, donde convergen diversas aportaciones audiovisuales. Estas contribuciones pueden ser cronológicamente dispares, pero todas son profundamente estimulantes y cargadas de significado. La interacción entre presente y pasado, hábilmente orquestada incluso en la edición, crea un cortocircuito donde el pasado no es simplemente un almanaque de recuerdos, sino otra escapatoria al reino de la imaginación. A medida que emerge una crítica sociopolítica, aunque legítima, la narrativa se desplaza gradualmente hacia un marco existencial más amplio.
IDIOMA: italiano
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No seas malo (2015)
Ostia, 1995. Vittorio y Cesare han sido amigos para siempre, «hermanos de por vida.» Sus días transcurren entre el tráfico de drogas sintéticas, peleas y salidas a discotecas. Viven en un mundo marginal y violento donde el futuro parece no existir. Cuando Vittorio, tras una experiencia cercana a la muerte, decide cambiar su vida y encontrar un trabajo honesto, intenta arrastrar a Cesare con él, pero salvarlo de su demonio autodestructivo será una tarea casi imposible.
El testamento espiritual de Claudio Caligari, un director de culto que falleció poco después de terminar el rodaje, No seas malo es una obra poderosa y desesperada, un golpe al estómago que cierra idealmente la trilogía sobre la marginalidad romana que comenzó con Amore tossico. La película es un cuento pasoliniano, crudo y lírico a la vez, que mira a sus personajes sin juicio, pero con una humanidad profunda y dolorosa.
La producción misma de la película es un acto de cine independiente, completado gracias a la tenacidad del actor Valerio Mastandrea y toda una comunidad cinematográfica. Alessandro Borghi y Luca Marinelli, en dos interpretaciones extraordinarias, dan cuerpo y alma a una generación perdida, atrapada en un presente sin salidas. Es un cine visceral que no se guarda nada y que nos devuelve un pedazo de la realidad italiana con una sinceridad brutal y conmovedora.
Virgen jurada (2015)
Para escapar de un destino de sumisión en una sociedad arcaica y patriarcal en las montañas de Albania, la joven Hana apela a una ley antigua, el Kanun. Jura permanecer virgen para siempre y se convierte en un hombre, Mark, obteniendo los mismos derechos y libertades que los demás hombres. Años después, Mark se traslada a Italia para vivir con su hermana y allí, en un mundo completamente diferente, comienza un viaje difícil y doloroso para redescubrir su cuerpo y su feminidad reprimida.
El debut cinematográfico de Laura Bispuri es una película intensa y delicada que explora con gran sensibilidad los temas de la identidad de género, la memoria y la libertad. La historia de las «vírgenes juradas» albanesas se convierte en una metáfora universal para la construcción de la identidad y la posibilidad de reinventarse. La película se mueve constantemente entre dos líneas temporales y dos lugares: el pasado en las escarpadas montañas albanesas y el presente en una ciudad italiana moderna, reflejando el conflicto interno de la protagonista.
Alba Rohrwacher ofrece una actuación extraordinaria, toda basada en la sustracción y la fisicalidad. Su cuerpo rígido y torpe, sus gestos masculinos y su mirada perdida cuentan, mejor que cualquier diálogo, la prisión en la que se ha encerrado. La dirección de Bispuri es íntima y sensorial, atenta a los detalles y pequeñas epifanías que marcan el viaje de Hana/Mark hacia la recuperación de sí misma.
Almas negras (2014)
Tres hermanos de Africo, en Aspromonte, encarnan tres destinos diferentes vinculados a la ‘Ndrangheta. Luigi es un narcotraficante internacional que vive entre Milán y Ámsterdam. Rocco es un empresario que blanquea dinero sucio, buscando una respetabilidad burguesa imposible. Luciano, el mayor, se ha quedado en Calabria, aferrado a una ilusión de pureza pastoral. Un acto temerario del joven hijo de Luciano reavivará una vieja enemistad, arrastrando a todos a una espiral ineludible de violencia.
Francesco Munzi crea una obra poderosa y austera que eleva el cine mafioso a la categoría de tragedia griega. Lejos de la espectacularización de Gomorra, Almas negras es una película que profundiza en las raíces antropológicas y psicológicas del crimen, explorando el peso de la sangre, la tierra y un pasado que no puede ser borrado. El paisaje duro y arcaico de Aspromonte no es solo un telón de fondo, sino un personaje que se cierne sobre los destinos de los hombres.
La dirección es rigurosa, casi ritualista, atenta a los silencios y gestos de un mundo gobernado por códigos ancestrales. Munzi evita los clichés del género para centrarse en el drama interior de sus personajes, en su lucha imposible por escapar a un destino ya escrito. Es una película que no ofrece esperanza, sino una comprensión lúcida y terrible de la lógica de la venganza, una obra maestra de tensión y profundidad que ha dejado una huella indeleble en el cine italiano.
The Kempinsky Method
Drama, de Federico Salsano, Italia 2020.
La película imaginaria introspectiva de un hombre en el laberinto de su propia mente, sus recuerdos de juventud, sus pasiones nunca dormidas y verdades contradictorias. El camino está hecho de agua, el destino es falsamente desconocido. Sus compañeros de viaje son tres hombres misteriosos, proyecciones de su imaginación y de diferentes aspectos de su personalidad: la melancolía perenne, el creativo loco, el niño introvertido. También lo sigue una presencia femenina que cuenta la enésima historia humana. En un cierto punto del cruce decide abandonar el barco y sus fantasmas, sumergiéndose en el mar y llega nadando a una playa desierta, desnudo, con una pequeña marioneta de Pinocho cerrada con un candado.
En esta espléndida película, la vida es como un largo viaje por mar y el ser humano es una pequeña criatura que enfrenta la inmensidad. A veces el océano está en calma, otras veces hay tormentas terribles. A veces somos capitanes de un barco con una ruta bien definida, otras veces estamos naufragados en busca de una tierra en la que salvarnos. Pero a pesar del largo viaje y el movimiento en el espacio físico, hay otras preguntas que resuenan en la mente: ¿quiénes son estos hombres con los que viajo? ¿Cuál es el misterio de esta inmensa masa de agua que parece estar hecha de mis recuerdos? Puedes circunnavegar todo el mundo, pero la pregunta principal siempre sigue siendo la misma: ¿quién soy realmente?
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La gran belleza (2013)
Jep Gambardella es un periodista de 65 años, encantador y desencantado, el rey de las noches sociales de una Roma decadente y magnífica. Tras una única novela exitosa escrita en su juventud, ha desperdiciado su talento en una vida de fiestas, charlas y cinismo. La noticia de la muerte de su primer amor le obliga a enfrentarse con el pasado, empujándolo a un viaje onírico por la ciudad, en busca de un sentido perdido y de una «gran belleza» que parece haberse desvanecido.
Ganadora del Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera, La gran belleza es la obra que consagró a Paolo Sorrentino en todo el mundo. A menudo comparada con La Dolce Vita de Fellini, la película es en realidad una obra profundamente personal y contemporánea, un réquiem para un mundo en decadencia y una meditación conmovedora sobre el tiempo, la memoria y la creación artística. La Roma de Sorrentino es un escenario irreal, un laberinto de terrazas lujosas, palacios antiguos y ruinas silenciosas, donde lo sagrado y lo profano se mezclan en un carnaval melancólico.
La dirección es un triunfo de virtuosismo visual, una sinfonía de imágenes opulentas que capturan la belleza efímera y el vacío profundo de la vida de Jep. Toni Servillo, una vez más, es sublime al dar cuerpo y voz a un personaje complejo, un esteta cínico que oculta una nostalgia incurable por la inocencia. Es una película que cuestiona el sentido del arte y la vida en una época que parece haber perdido todos los valores, una obra maestra que ha devuelto al cine italiano al centro del escenario internacional.
Sacro GRA (2013)
Lejos del monumental centro de Roma, otra ciudad late a lo largo de los bordes del Grande Raccordo Anulare, la autopista que rodea la capital. Aquí, en este territorio invisible para la mayoría, viven y trabajan personajes extraordinarios: un botánico que estudia palmas infestadas por un parásito, un pescador de anguilas que vive en una barcaza en el Tíber, un noble decadente, un paramédico que asiste a víctimas de accidentes de tráfico. Un mosaico de vidas en los límites de la metrópolis.
El primer y único documental en ganar el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, Sacro GRA es una obra que redefine los límites del cine de realidad. Gianfranco Rosi, con su mirada paciente y curiosa, se sumerge durante años en este mundo sumergido, encontrando lo épico en lo cotidiano y la poesía en lo ordinario. La película no tiene una tesis que demostrar ni una historia que contar en el sentido tradicional; es más bien un fresco humano, un «misterio secular» que revela la humanidad oculta en lugares aparentemente anónimos.
La dirección de Rosi es precisa y pictórica. Cada plano está cuidadosamente compuesto, transformando los paisajes marginales del Raccordo en escenas llenas de significado. El director no entrevista a sus personajes, sino que los observa vivir, capturando momentos de intimidad, ironía y melancolía. Es un cine que exige al espectador abandonar las expectativas narrativas para dejarse llevar por un flujo de imágenes y encuentros, en el descubrimiento de la belleza inesperada que yace en los márgenes de lo visible.
Reality (2012)
Luciano, un encantador y exuberante pescadero napolitano, se las arregla con pequeñas estafas y sueña con una vida diferente. Impulsado por su familia, audiciona para «Gran Hermano». Esa experiencia aparentemente inofensiva desencadena en él una obsesión totalizadora. Convencido de que la producción del reality show lo está vigilando constantemente, Luciano cae en una paranoia que lo aleja progresivamente de la realidad, convirtiendo su sueño de fama en una pesadilla.
Tras la cruda realidad de Gomorra, Matteo Garrone sorprende a todos con una fábula oscura, grotesca y dolorosa sobre la Italia contemporánea y su obsesión con la fama. Reality es una crítica despiadada a la «espectacularización de la nada», a una sociedad donde el parecer ha reemplazado al ser. Garrone abandona el estilo documental para abrazar un registro más felliniano, usando la hipérbole y lo surreal para describir el absurdo de un mundo moldeado por la televisión.
La película es una amarga parábola sobre la pérdida de la inocencia y la fragilidad humana ante el espejismo del éxito fácil. La actuación de Aniello Arena, un actor con un pasado como preso de por vida, es extraordinaria por su capacidad de encarnar la ingenuidad bonachona de Luciano y su posterior descenso a la locura. Galardonada con el Gran Premio en Cannes, Reality confirma la versatilidad de un autor capaz de leer las patologías del presente con una mirada aguda y profundamente humana.
Caesar Must Die (2012)
En el ala de máxima seguridad de la prisión de Rebibbia en Roma, un grupo de internos, muchos de ellos condenados por crímenes mafiosos, representan Julius Caesar de William Shakespeare. Durante los ensayos, las palabras del dramaturgo inglés se funden con sus vidas, sus recuerdos y sus códigos de honor. La línea entre ficción y realidad se difumina, y el teatro se convierte en un espejo para reflexionar sobre temas como la traición, el poder y la libertad.
Ganadora del Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín, Caesar Must Die es una obra extraordinaria que hibrida documental, ficción y teatro. Los hermanos Taviani, maestros del cine italiano, crean una película poderosa y conmovedora en la que la fuerza del texto de Shakespeare se amplifica con la verdad de los rostros y experiencias de los actores internos. La elección de filmar casi en su totalidad en blanco y negro dentro de las paredes de la prisión crea una atmósfera claustrofóbica y atemporal.
La película explora la función catártica del arte. Para estos hombres, actuar no es solo una escapatoria, sino una forma de confrontar su pasado y su condición. La famosa frase final de uno de los protagonistas – «Desde que conocí el arte, esta celda se ha convertido en una prisión» – encierra la paradoja del film: el arte libera la mente, pero agudiza aún más la conciencia del encierro físico. Una obra de rara inteligencia y humanidad.
Mystery of an Employee
Drama, thriller, de Fabio Del Greco, Italia, 2019.
Alguien quiere controlar la vida del empleado Giuseppe Russo: los productos que compra, su fe política y religiosa, su vida privada, incluso sus sueños. Pero él hará cualquier cosa para escapar del control y encontrar su verdadero yo. Giuseppe es un hombre de unos 45 años, casado, con un trabajo estable y una casa propia. Su vida transcurre aparentemente en paz cuando conoce a un vagabundo misterioso que le entrega unas viejas cintas de video VHS. Giuseppe comienza a ver videos en los que está filmado en algunos momentos de su vida desde que era niño, luego adolescente y joven. ¿Quién grabó esos videos que él no recuerda? Giuseppe tiene la extraña sensación de estar siendo observado constantemente y comienza a investigar lo que está sucediendo. A través de su investigación, empieza a redescubrir su verdadera identidad y a tomar conciencia de quién es realmente.
Employee's Mystery es una película que destaca el peligro del control social y muestra una sociedad donde todos son monitoreados y condicionados en lo más profundo de su ser. La película también es un análisis de la naturaleza humana y la identidad. Fabio Del Greco, quien interpreta a Giuseppe, ofrece una actuación cautivadora. Igualmente destacables son Chiara Pavoni, en el papel de Giada Rubin, y Roberto Pensa en el papel del vagabundo. Employee's Mystery es un filme que aborda temas importantes de manera original, un thriller psicológico que mantiene al espectador pegado a la pantalla hasta el final: una metáfora de la sociedad contemporánea, en la que las personas son cada vez más vigiladas y condicionadas por los medios y las tecnologías. Es una obra valiente y provocadora, que trata temas importantes de forma original.
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Las Cuatro Veces (2010)
![Le Quattro Volte (2011) Official Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FNZDO4GJehQs%2F0.jpg)
En un pequeño y antiguo pueblo de Calabria, la vida fluye según ritmos inmutables. Un viejo pastor enfermo pasa sus últimos días cuidando de sus cabras. Su alma, según la doctrina pitagórica, se reencarnará en un cabrito recién nacido, luego en un majestuoso abeto y finalmente en el carbón producido a partir de ese árbol. Un ciclo eterno de transformación que une los reinos humano, animal, vegetal y mineral en una única y silenciosa sinfonía.
Michelangelo Frammartino crea una obra radical y poética, un film casi sin diálogos que se apoya únicamente en la fuerza de las imágenes y los sonidos de la naturaleza. Las cuatro veces es un ejemplo puro de «slow cinema», un cine contemplativo que invita al espectador a ralentizar, a observar, a percibir las conexiones invisibles que unen toda forma de vida. No es un documental, sino un poema visual que explora conceptos filosóficos complejos con una simplicidad desarmante.
La dirección de Frammartino es rigurosa y paciente. La cámara, a menudo fija, captura la austera belleza del paisaje calabrés y la ritualidad de los gestos cotidianos, encontrando lo universal en lo particular. Es un cine que rechaza las convenciones narrativas para convertirse en una experiencia sensorial y espiritual, una obra valiente que demuestra la capacidad del cine independiente para explorar nuevos territorios lingüísticos y alcanzar una profundidad rara.
Gomorra (2008)
Basada en la novela de investigación de Roberto Saviano, la película entrelaza cinco historias que revelan el poder omnipresente de la Camorra en el hinterland napolitano. Desde la eliminación de residuos tóxicos hasta la alta moda, desde el tráfico de drogas hasta las aspiraciones criminales de dos jóvenes exaltados, los acontecimientos muestran un sistema donde la violencia es la única ley y la vida humana tiene un precio insignificante. Un fresco coral y despiadado que documenta la normalidad del mal.
Gomorra es un punto de no retorno para el cine italiano y para la representación del crimen organizado. Matteo Garrone realiza una operación radical: abandona todo romanticismo mafioso para adoptar un estilo casi documental, crudo y observacional. No hay héroes ni antihéroes, solo individuos atrapados en un mecanismo más grande que ellos mismos. La cámara sigue a los personajes, registrando sus acciones con una frialdad que amplifica el horror.
La película es una experiencia inmersiva y asfixiante. El uso de actores no profesionales, el dialecto espeso y las locaciones reales contribuyen a crear una sensación opresiva de autenticidad. Garrone no explica, muestra. Rechaza el didactismo del cine de investigación tradicional para devolver la realidad en su brutalidad fragmentada. Su éxito internacional demostró la existencia de una audiencia global ávida de historias italianas contadas sin filtros, redefiniendo el género e influyendo en toda una generación de directores.
Las Consecuencias del Amor (2004)
Durante ocho años, Titta Di Girolamo ha vivido una existencia estéril y metódica en un hotel anónimo en la Suiza de habla italiana. Cada uno de sus días está marcado por una rutina inmutable, por una aparente apatía que oculta un secreto inconfesable: cumple una condena en nombre de la Cosa Nostra. El encuentro con Sofía, la joven y curiosa camarera del hotel, quiebra su armadura de soledad, desencadenando una cadena de eventos que lo llevará a realizar un gesto tan romántico como fatal.
Si L’uomo in più fue una explosión de talento, Las consecuencias del amor es su consagración estilística. Paolo Sorrentino dirige una obra de una perfección formal casi geométrica, donde cada encuadre, cada movimiento de cámara, cada silencio está calibrado para construir una prisión existencial alrededor de su protagonista. La película es un thriller del alma, un noir metafísico que transforma una historia de mafia en una reflexión profunda sobre la libertad, el destino y el precio de las emociones.
Toni Servillo ofrece una de sus actuaciones más icónicas, encarnando la soledad y dignidad de un hombre que lo ha entregado todo. La dirección de Sorrentino es glacial pero vibrante, capaz de crear una tensión insoportable mediante la repetición de gestos y el uso magistral de la banda sonora. Es un cine que abandona la acción para centrarse en los estados internos, una obra modernista que muestra cómo la elegancia formal puede convertirse en la herramienta más eficaz para narrar la historia del caos del alma humana.
El Embalsamador (2002)
Peppino, un taxidermista enano tan hábil como ambiguo, vive y trabaja en el desolado Villaggio Coppola, un no-lugar en la costa de Caserta. Su vida solitaria se trastorna con el encuentro con Valerio, un joven de belleza extraordinaria a quien contrata como asistente. Se desarrolla entre ellos una relación mórbida de dependencia y control, un triángulo mortal que se completa con la llegada de Deborah, la novia de Valerio, destinada a un final trágico.
Antes del éxito internacional de Gomorra, Matteo Garrone ya había demostrado una rara capacidad para escrutar los abismos del alma humana con un estilo crudo y casi táctil. El embalsamador es una obra fundamental que marca un giro en el nuevo cine italiano, un noir atípico que se transforma en un melodrama muy oscuro. Inspirada en un hecho real, la película usa el oficio de la taxidermia como una poderosa metáfora: Peppino no se limita a embalsamar animales, sino que busca poseer y petrificar la belleza de Valerio, para hacerla eterna e inocua.
El paisaje espectral de Villaggio Coppola, con su arquitectura ilegal y decadente, no es solo un telón de fondo, sino un espejo de la desolación interior de los personajes. Garrone filma los cuerpos y los lugares con un realismo sin filtros, haciendo que lo grotesco sea perturbador y plausible. Es un cine físico, que sumerge al espectador en una atmósfera de putrefacción moral y afectiva, marcando el nacimiento de un nuevo noir italiano, alejado de los modelos americanos y profundamente arraigado en las ansiedades sociales del país.
Un hombre de más (2001)
Nápoles, años 80. Las vidas paralelas de dos hombres con el mismo nombre, Antonio Pisapia, se cruzan y divergen. Uno es un cantante exitoso, Tony, adicto a la cocaína y descarado; el otro es un futbolista tímido y riguroso, Antonio. Ambos están en la cima de sus carreras, pero un destino cruel los empujará hacia un declive inexorable y tragicómico, obligándolos a enfrentar el fracaso, la soledad y la búsqueda de una libertad imposible.
Con su deslumbrante debut, Paolo Sorrentino sienta las bases de todo su cine futuro. Un hombre de más no es solo una película; es un manifiesto poético. Aquí nacen los temas que se convertirán en su obsesión: la soledad de los personajes públicos, la dialéctica entre éxito y fracaso, la máscara grotesca que oculta una melancolía profunda. Inspirándose en las figuras reales de Franco Califano y Agostino Di Bartolomei, la película trasciende la biografía para convertirse en una metáfora universal de la existencia.
También es el comienzo de la asociación artística casi simbiótica con Toni Servillo, cuyo Tony Pisapia ya es un arquetipo sorrentiniano perfecto: un hombre que oculta su fragilidad tras una armadura impenetrable de cinismo e ironía. El estilo ya es inconfundible: dirección suntuosa que encuentra lo sublime en lo sórdido, diálogos brillantes y una habilidad única para transformar noticias en una parábola existencial.
Feast
Documental, de Franco Piavoli, 2018, Italia.
Franco Piavoli, autor de la obra maestra "El Planeta Azul", regresa como director para capturar la "tarde del día de celebración", entre Leopardi y Pascoli. Un viaje entre lo poético y lo antropológico. ¿Qué es una "fiesta"? ¿Qué representa, desde un punto de vista simbólico y material? ¿Qué cargas, o qué alivios, trae a la mente de las personas? ¿Y qué valor adquiere cuando se convierte en un acto colectivo? Festa no necesita ningún adorno, y llega directamente al corazón del espectador sin estratificación, sin desviación alguna del camino, sin añadidos.
El árbol de los zuecos (1978)
Es una película italiana de 1978 escrita y dirigida por Ermanno Olmi. La película narra la vida campesina lombarda en una granja a finales del siglo XIX. Tiene ciertas similitudes con el movimiento neorrealista italiano anterior, y los papeles fueron interpretados por campesinos y residentes reales, en lugar de actores profesionales. La película ganó catorce premios, incluyendo la Palma de Oro en Cannes y el César a la mejor película extranjera. La versión inicial de la película está hablada en lombardo de Bérgamo.
Cuatro familias campesinas que trabajaban en granjas para el mismo patrón reúnen un escaso beneficio en 1898 en el campo de Bérgamo. A lo largo de un año, nacen niños, se plantan cultivos, se sacrifican animales y se casan parejas; se intercambian oraciones e historias en la granja compartida por las familias. Los campesinos perciben corrientes transformadoras, pero en su mayoría las ignoran; un rebelde comunista da un discurso en una feria regional, y cuando una pareja recién casada visita la gran ciudad de Milán y presencia la detención de presos políticos. Llega la primavera, el padre corta un árbol para hacer zuecos de madera que su hijo pueda llevar en los pies para ir a la escuela, sin embargo, el terrateniente se da cuenta y la familia se ve obligada a abandonar la tierra.
Suspiria (1977)
Una estudiante estadounidense que asiste a una academia de ballet en Alemania descubre que la escuela es solo una fachada para algo siniestro, en un contexto de una serie de asesinatos espeluznantes. Esta narrativa escalofriante está magistralmente dirigida por Dario Argento. La película cuenta con las actuaciones de Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci y Miguel Bosé, quienes dan vida a la historia con sus interpretaciones convincentes. Argento, maestro del thriller, crea una experiencia cinematográfica que atrapa al público, manteniéndolo al borde de sus asientos, infundiendo una sensación de duda e inquietud a lo largo de toda la película.
Esta película destaca como una obra fascinante, sofisticada y excepcionalmente vibrante, caracterizada por su estilo visual extraño y cautivador, realzado por la sobresaliente cinematografía de Vittorio Storaro. Aunque el diálogo puede fallar ocasionalmente, Suspiria encanta y aterroriza con su enfoque en la sangre y el miedo. El director mantiene conscientemente una trama minimalista, optando por resaltar las impresionantes imágenes de la película, en contraste con sus trabajos anteriores, empujando los límites del horror y manteniendo una atmósfera intensa y escalofriante.
La casa dalle finestre che ridono (1976)
La casa dalle finestre che ridono es una historia inquietante que se adentra profundamente en el escalofriante mundo del horror italiano. Stefano, un joven restaurador de arte entusiasta y talentoso, tiene la oportunidad única de trabajar en un misterioso fresco ubicado en las paredes de la iglesia de un pueblo aislado y tenebroso, alejado del bullicio de la vida moderna. Bajo la hábil dirección de Pupi Avati, y con las convincentes actuaciones de Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina y Giulio Pizzirani, esta película ofrece una narrativa atrapante que cautiva al público de principio a fin.
Aunque los aficionados al horror italiano pueden encontrar ciertas películas del género predecibles o formulistas, esta obra maestra gótica se distingue por crear una abrumadora sensación de inquietud y suspense persistente, tejiendo hábilmente un tapiz de horror que supera a sus contemporáneos. A medida que la trama se desarrolla, el temor omnipresente se intensifica, atrapando a los espectadores en un abrazo implacable que se niega a soltarlos, expandiéndose finalmente a un crescendo intolerable cuando la historia alcanza su escalofriante clímax.
L’uccello dalle piume di cristallo (1970)
Es una película italiana de 1970 dirigida por el maestro del Giallo italiano Dario Argento en su debut como director. La película es la primera en la categoría de Giallo italiano, que dio inicio a un largo período de éxito para este tipo de cine. Tras su estreno, la película fue un gran éxito en taquilla. También tuvo éxito fuera de Italia.
Sam Dalmas es un escritor estadounidense que está de vacaciones en Roma con su novia inglesa, Julia, quien atraviesa un bloqueo del escritor y está a punto de regresar a América; sin embargo, él presencia cómo una mujer es atacada en una galería de arte por un extraño con guantes negros y gabardina. Al intentar alcanzarlo, Sam queda atrapado entre dos puertas de vidrio operadas mecánicamente y solo puede ver cómo el hombre escapa. La chica, Monica Ranieri, fue atacada y las autoridades le confiscaron el pasaporte a Sam para impedir que abandone el país. Se cree que el atacante es un asesino en serie que ha estado eliminando mujeres por toda la ciudad, y Sam es un testigo clave.
El conformista (1970)
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Bernardo Bertolucci presenta un thriller psicológico que examina a un asesino fascista que intenta establecer la normalidad a través del matrimonio mientras recibe la orden de asesinar a su antiguo profesor, explorando temas de complicidad política, identidad y compromiso moral durante el régimen de Mussolini.
Rodada con una extraordinaria sofisticación visual, Bertolucci utiliza la cinematografía y la mise-en-scène para indagar en la psicología del fascismo y la conformidad. La brillantez formal y la profundidad temática de la película crean una meditación inquietante sobre cómo los individuos racionalizan su participación en sistemas opresivos.
Dillinger está muerto (1969)
Es un drama italiano de 1969 dirigido por Marco Ferreri. En el reparto están Michel Piccoli, Anita Pallenberg y Annie Girardot. La historia es una mezcla satírica y oscura de sueño y realidad. La película sigue a un hombre aburrido y alienado durante la noche en su casa. El título proviene de un artículo de periódico incluido en la película que declara la muerte del gánster estadounidense John Dillinger. La película fue considerada objetable en su estreno preliminar por su temática y violencia, pero ahora se la considera generalmente la obra más importante en la filmografía de Ferreri. Él era bien conocido por la principal publicación cinematográfica francesa Cahiers du cinéma y Ferreri vivió y trabajó en París durante varios años.
Glauco, un diseñador comercial de máscaras antigás de mediana edad, está cansado de su profesión. Después de discutir la alienación con un socio en la fábrica, regresa a casa. Su esposa yace en la cama con dolor de cabeza pero ha dejado su cena sobre la mesa, que ya se ha enfriado. Él está decepcionado con la comida y comienza a prepararse una mejor comida.
Pájaros feos y pajaritos (1966)
Es una película italiana de 1966 dirigida por Pier Paolo Pasolini. El film participó en el Festival de Cine de Cannes de 1966, donde recibió una «Mención Especial» por Totò. La película puede describirse como parcialmente neorrealista y aborda cuestiones marxistas de dificultad y conflicto de clases. Incluye al popular actor cómico italiano Totò acompañado en un viaje por su hijo, interpretado por Ninetto Davoli. Esta es la última película protagonizada por Totò antes de su muerte en 1967.
Totò y su hijo Ninetto deambulan por el campo romano. Durante su paseo, observan cómo sacan un cuerpo de una casa tras un asesinato. Luego se encuentran con un cuervo parlante, que se explica en los subtítulos: «Para beneficio de quienes no estaban prestando atención o permanecen en duda, les informamos que el cuervo es —como ustedes afirman— un intelectual de izquierda del tipo que existía antes de la muerte de Palmiro Togliatti. Tras muchos fracasos, los 2 personajes encuentran el lenguaje de los pájaros y logran predicar el amor a las familias, pero los halcones continúan matando y comiendo a los gorriones, pues así es su naturaleza.
La mujer simio (1964)
La película italiana de 1964, magistralmente dirigida por Marco Ferreri, profundiza en temas intrigantes y provocativos mientras explora las complejidades de la naturaleza humana. Esta obra cinematográfica dejó su huella al ser presentada en el prestigioso Festival de Cine de Cannes de 1964, captando la atención tanto del público como de la crítica. El film se inspira en la conmovedora historia real de Julia Pastrana, quien vivió en el siglo XIX y enfrentó numerosas adversidades debido a su condición única.La historia gira en torno a Marie, conocida como la «Mujer Mono», un personaje que enfrenta escrutinio y explotación debido a que su cuerpo está completamente cubierto de pelo. Descubierta por el empresario Focaccia en un convento de Nápoles, su vida da un giro drástico. Las monjas, protectoras pero pragmáticas, insisten en que Focaccia se case con ella como requisito para su liberación. Una vez casados, Focaccia emprende un viaje para exhibir a Marie al público, impulsado por el deseo de lucrar con su singularidad.En un reflejo de las actitudes sociales, Focaccia intenta ofrecerla a un joven como símbolo de pureza intacta, pero Marie se muestra reacia a aceptar tales arreglos. Cuando alcanza cierto reconocimiento en París, su vida toma un giro trágico. Marie fallece trágicamente durante el parto, un final conmovedor para una vida tumultuosa. Sin dejarse vencer por su muerte, Focaccia recupera su cuerpo del museo naturalista, eligiendo exhibirlo en Nápoles, asegurando que su historia continúe evocando fascinación y reflexión mucho después de su fallecimiento.
8½ (1963)
La obra maestra cinematográfica de Federico Fellini se adentra profundamente en la vida de un célebre director de cine que lucha contra una profunda parálisis creativa. Sumergido en los avatares de su tormento personal y el desconcierto existencial que lo rodea, se encuentra en una encrucijada. El director está atrapado en una red de bloqueo artístico justo cuando intenta llevar a cabo su última visión cinematográfica. A lo largo de la narrativa, debe enfrentarse al caos tumultuoso que invade tanto sus obligaciones profesionales como las complejas dinámicas de sus relaciones íntimas. Esta evocadora exploración presenta un retrato intrincado de un hombre que está a la deriva tanto artística como personalmente, esforzándose por recomponer su mundo fracturado en medio de los remolinos de confusión e incertidumbre que amenazan con abrumarlo en cada paso.
Esta obra maestra revolucionaria transformó el mundo del cine al introducir una estructura narrativa única e innovadora que entrelazaba sin esfuerzo la realidad con secuencias imaginativas de fantasía. La exploración perspicaz y reflexiva de Fellini sobre el viaje artístico, junto con su profunda examinación de las relaciones humanas, empujó los límites de lo que se consideraba posible en el cine. Esta obra abrió nuevas posibilidades formales y estableció un precedente que inspiró a innumerables directores a lo largo de generaciones. Su impacto sustancial en el arte cinematográfico ha consolidado su posición como uno de los logros más monumentales en la historia del cine, celebrando tanto la expresión creativa como las complejidades de la experiencia humana.
El Leopardo (1963)
El drama épico de Luchino Visconti narra el declive de la aristocracia siciliana durante la unificación de Italia, siguiendo a una familia noble que navega por la agitación política, el conflicto generacional y la inevitable transformación de su mundo durante el Risorgimento.
El logro monumental de Visconti combina un estudio íntimo de personajes con un amplio alcance histórico a través de una cinematografía impresionante y un diseño de producción meticuloso. La actuación de Burt Lancaster como el príncipe envejecido captura tanto la dignidad como la resignación, mientras que la película explora temas de cambio histórico inevitable y obsolescencia personal.
Sábado Negro (1963)
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Boris Karloff protagoniza un trío de historias aterradoras que incluyen a una call girl maltratada, un vampiro que aprovecha al máximo su hogar y una enfermera que es perseguida por el legítimo dueño de su anillo. Director de la película: Mario Bava. Protagonizan: Michèle Mercier, Lidia Alfonsi, Boris Karloff, Mark Damon. El elemento más aterrador de la película es su estilo, especialmente los interiores sucios y pesados de La Gota de Agua, mientras que la actuación es menos convincente. Incluso el sonido y las forzaduras ópticas a veces parecen demasiado extremas: un mayor rigor habría beneficiado a la película.
El Eclipse (1962)
Es una película italiana de arte y ensayo de 1962 escrita y dirigida por Michelangelo Antonioni y protagonizada por Alain Delon y Monica Vitti. Filmada entre Roma y Verona, la historia sigue a una chica (Vitti) que tiene una relación con un joven corredor de bolsa en el mercado financiero (Delon). Cuando ocurre un eclipse solar en Florencia, Antonioni asoció algunas de sus inspiraciones con la película. La película es el final de una trilogía y está precedida por L’Avventura (1960) y La Notte (1961). L’Eclisse ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1962 y fue seleccionada para la Palma de Oro. Definida por Martin Scorsese como la película más audaz de la trilogía, está entre las obras más conocidas del director.
Un lunes de julio de 1961, al amanecer, Vittoria, una joven traductora literaria, termina su relación con Riccardo en su apartamento en el distrito inmobiliario EUR de Roma, tras una larga noche de discusiones. Riccardo intenta persuadirla para que se quede, pero ella le informa que ya no lo ama y se va. Mientras pasea por las calles desiertas de la madrugada junto a la torre de agua del EUR, Riccardo se une a ella y la acompaña a través de un lugar boscoso hasta su apartamento, donde se despiden por última vez.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), apodado «Accattone», lleva una vida de holgazán hasta que su mujer de la calle, Maddalena, es explotada por sus competidores y condenada. Sin ingresos fijos, inicialmente intenta reconciliarse con la madre de su hijo, pero es rechazado por sus padres; entonces conoce a una chica del barrio, Stella, y trata de convertirla en prostituta para él, pero cuando su primer cliente la golpea, ella huye. Accattone intenta consolarla, pero la abandona, después de que ella tiene una visión inusual de su propia muerte, para irse con sus amigos.
Aunque fue filmada con un guion, Accattone es una versión cinematográfica de las primeras historias de Pasolini, especialmente Ragazzi di vita y Una vita violenta. Fue la primera película de Pierpaolo Pasolini como director, y utiliza estilos de dirección que seguramente habrían sido vistos como características distintivas de Pasolini: actores no profesionales del lugar donde se ambienta la película, y es una de las excelentes obras cinematográficas para ver, sin duda, sobre personas afectadas por la adversidad.
Il posto (1961)
Es una película italiana de 1961 dirigida por Ermanno Olmi. Típicamente citada como la primera obra importante de Olmi, es un ejemplo del neorrealismo italiano. Olmi ganó el David di Donatello al mejor director por su trabajo en la película. La película cuenta la historia de Domenico, un joven que abandona la escuela porque su familia necesita dinero y tiene que trabajar. Consigue un empleo en una gran empresa de la ciudad y pasa por una extraña serie de exámenes, pruebas y entrevistas. Durante un breve descanso de los ensayos, conoce a Antonietta, una chica que, al igual que él, ha abandonado sus estudios porque necesita dinero para mantenerse a sí misma y a su madre. Durante este encuentro, toman un café en una cafetería y hablan sobre sus vidas y aspiraciones. Domenico se siente atraído por ella, pero se separan cuando consiguen trabajos en distintos departamentos.
La Notte (1961)
La obra maestra de Michelangelo Antonioni retrata a una pareja casada—un novelista exitoso y su esposa—pasando una noche en Milán reexaminando sus lazos emocionales, vagando por la vida nocturna y los círculos intelectuales de la ciudad mientras enfrentan el distanciamiento y la incertidumbre existencial.
La precisa puesta en escena y el trabajo de cámara móvil de Antonioni transforman los paisajes urbanos en topografías emocionales. La exploración sostenida del film sobre la alienación matrimonial y la desconexión moderna, anclada por las actuaciones luminosas de Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau, estableció el estilo definitivo de Antonioni en la representación del hastío contemporáneo.
La aventura (1960)
![L'Avventura (1960) ORIGINAL TRAILER [FHD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FOeTTaScAHLU%2F0.jpg)
Esta película italiana está basada en una historia de Michelangelo Antonioni escrita junto con los co-guionistas Elio Bartolini y Tonino Guerra, una película de autor sobre la desaparición de una dama (Lea Massari) durante un viaje en barco por el Mediterráneo, y también sobre la posterior traición de su admirador (Gabriele Ferzetti) con su pareja (Monica Vitti). Fue filmada en Roma, las Islas Eolias y Sicilia en 1959 bajo condiciones económicas y logísticas difíciles. Una obra de arte para ver y entender la esencia del cine de Antonioni y su efecto en todos los demás cineastas.
Mientras Claudia espera abajo, Anna y Sandro tienen relaciones en su casa. A la mañana siguiente, el yate de lujo personal llega a las Islas Eolias en el norte de Sicilia. Habiendo pasado Basiluzzo, Anna se lanza impulsivamente al agua para nadar y Sandro salta tras ella. Sandro intenta salvarla cuando Anna solloza que en realidad vio un tiburón. Anna confiesa a Claudia que el tiburón fue una mentira para despertar el interés de Sandro. Después de ver que a Claudia le gusta su blusa, él le dice que se la ponga, que le queda mucho mejor que a ella, y que puede quedársela. Anna está insatisfecha con los largos viajes de negocios de Sandro, quien ignora sus problemas y duerme sobre las rocas.
Domingo negro (1960)
Una bruja y su malvado sirviente regresan de la tumba y emprenden una sangrienta estrategia para recuperar el cuerpo del descendiente de la bruja. Director de la película: Mario Bava. Protagonistas: Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani. Los críticos del cine italiano moderno criticaron negativamente la película, aunque algunos disfrutaron la cinematografía. La película tiene bonitos movimientos de cámara y el estilo visual de Bava produce poesía y sentimiento así como miedo. Bava es un autor de películas pictóricas y esta está entre sus mejores obras.
Los ojos sin rostro (1960)
El instructor Génessier, un reconocido cirujano plástico que se ocupa de trasplantes, es responsable de un accidente automovilístico del que su hija Christiane salió con vida pero con un rostro terriblemente mutilado. Con la ayuda de un asistente, atrae mujeres a su taller para arrancarles la piel de la cara y usarla en las heridas de su hija. Una operación tan difícil que es necesario repetirla sistemáticamente, tras cada fracaso de los injertos. Christiane, con una máscara en el rostro, aún no entiende absolutamente nada…
Los críticos franceses afirmaron que era una imitación del expresionismo alemán o simplemente un error por parte del director al dar el salto de los documentales a las películas de género. La prensa británica sostenía que cuando un director como Georges Franju hace una película de terror, no se puede intentar buscar alegorías o niveles de lectura. Ojos sin rostro fue reestrenada en cines en septiembre de 1986 para acompañar retrospectivas en el National Movie Theater de Londres y la Cinémathèque Française, y la película comenzó a ser reevaluada. Las críticas francesas de la película han sido particularmente más alentadoras que en su estreno preliminar. El público descubrió la naturaleza poética de la película al compararla con la obra del poeta y director francés Jean Cocteau. Franju utiliza un extraño poema en el que aparece la inspiración de Cocteau.
La Dolce Vita (1960)
El estudio de personaje de casi tres horas de Federico Fellini sigue a un periodista de tabloide a través de encuentros episódicos en la alta sociedad romana, revelando el encanto decadente y la decadencia moral de la dolce vita —la dulce vida— mediante encuentros con aristócratas, celebridades y figuras sociales.
Esta película profundamente estilizada trasciende su duración gracias a una narración magnética y a la cautivadora actuación de Marcello Mastroianni. Captura la esencia de la sociedad italiana mientras explora temas de deseo, espiritualidad y desilusión, convirtiéndola en la película favorita de Roger Ebert y en un referente en la historia del cine.
El Grito (1957)
Es una película italiana de 1957 dirigida por Michelangelo Antonioni y protagonizada por Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair y Dorian Gray. Basada en un cuento corto de Antonioni, la película narra la historia de un hombre que vaga sin rumbo, lejos de su ciudad, lejos de la mujer que amaba, y termina siendo mental y socialmente inestable. Il Grido ganó el Leopardo de Oro en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 1957 y la Cinta de Plata a la Mejor Cinematografía (Gianni di Venanzo) en 1958.
Aldo trabajó en la fábrica de azúcar de Goriano durante 7 años. Su prometida, Irma, descubre que su pareja, que había partido a Australia años antes en busca de trabajo, ha fallecido recientemente allí. Irma va a la fábrica de azúcar y lleva el almuerzo a Aldo. Aldo regresa a su casa donde discuten la muerte de su pareja. Aldo dice que después de 7 años finalmente pueden casarse y legitimar a su pequeña hija, Rosina. Al día siguiente, Irma le revela que le gusta otra persona. Aldo no puede creer sus palabras. En los días siguientes intenta frenéticamente hacerla cambiar de opinión, pero en vano, y la relación termina con él abofeteándola en público.
Abandonados (1955)
Es una película italiana de 1955 ambientada durante las secuelas de la invasión aliada de Italia en 1943 durante la Segunda Guerra Mundial. La película fue presentada en el Festival de Cine de Venecia de 1955. Es el debut como director de Francis Maselli. La música fue compuesta por Giovanni Fusco y arreglada por Ennio Morricone.
En el verano de 1943, la condesa Luisa y su hijo Andrea abandonan Milán debido a las batallas aliadas en la ciudad y se retiran a su propiedad fuera de la ciudad, donde alojan a dos compañeros de Andrea, su primo Carlo, hijo de un fascista exiliado en Suiza, y su amigo Ferruccio, hijo de un oficial del ejército que participó en la guerra. Los tres jóvenes matan el tiempo en dulce ocio, tomando el sol junto al río, apenas conscientes de la disputa en curso, gracias a las transmisiones de Radio Londres. Comienzan a tomar conciencia de la gravedad del escenario cuando llegan los desplazados de la ciudad y Andrea se ve obligado a aceptar alojar a algunos de ellos en la propiedad, para incomodidad de su madre.
Ladrón de bicicletas (1948)
En el distrito romano de Val Melaina después de la Segunda Guerra Mundial, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) no tiene esperanza de trabajo para mantener a su esposa María (Lianella Carell) y a su hijo Bruno (Enzo Staiola). Dado que la actividad requiere una bicicleta, le dice a María que no puede comprar una. María lleva las sábanas de su dote a la casa de empeño, donde las pagan en efectivo adecuado para la compra de la bicicleta de Antonio.
La obra neorrealista de Vittorio de Sica está arraigada en un mundo donde poseer una bicicleta es esencial para trabajar, pero también podría situarse en un mundo donde la falta de un automóvil, o de una guardería asequible, o de una vivienda, o de seguridad social son barreras abrumadoras para poner comida en la mesa. Esto es lo que la convierte en una película tanto para la Italia de posguerra como para cualquier época.
La tierra tiembla (1948)
Es una película italiana neorrealista de 1948 dirigida, coescrita y producida por Luchino Visconti. Una adaptación libre de la novela de 1881 I Malavoglia de Giovanni Verga, la película narra los sufrimientos individuales de pescadores sicilianos. La película tiene estilo documental, incluye un elenco de actores no profesionales y una mezcla de escenas guionizadas y no guionizadas. Se considera una de las películas importantes del movimiento neorrealista y está entre las mejores películas de todos los tiempos.
Los Valastro son una familia de pescadores de clase trabajadora en Aci Trezza, un pequeño pueblo pesquero en la costa este de Sicilia. La primera parte narra el esfuerzo de los pescadores por mejorar sus vidas. Los pescadores piden un precio más alto por su pescado, impulsados por el hijo mayor ‘Ntoni, para rebelarse contra los mayoristas. Los pescadores terminan en prisión. Los mayoristas se dan cuenta de que es más rentable tener a ‘Ntoni y sus amigos pescando, por lo que liberan a los pescadores. Ntoni, que ha vivido fuera de Sicilia por un tiempo, había traído algunos conceptos nuevos a su pueblo, e intenta formar una cooperativa, pero nadie se une a él. Decidiendo ir solo, convence a su familia para hipotecar la casa y comprar un barco y comienza su nueva vida.
Germany, Year Zero (1948)
Es una película italiana de 1948 dirigida por Roberto Rossellini, y también es la última película de la trilogía de guerra de Rossellini, que sigue a Roma, ciudad abierta y Paisà. Germany Year Zero está ambientada en la Alemania ocupada por los Aliados, a diferencia de las otras que tienen lugar en la Roma ocupada por los alemanes y durante la invasión aliada de Italia.
Como en muchas películas neorrealistas, Rossellini utilizó principalmente actores no profesionales. Filmada en Berlín el año siguiente a su casi total destrucción en la Segunda Guerra Mundial, incluye imágenes significativas de la Berlín arruinada y la lucha humana por la supervivencia en medio de la destrucción de la Alemania nazi. Muchos críticos de cine que anteriormente habían aplaudido a Rossellini condenaron la película como teatral e imprudente. Una película innovadora, definida por Charlie Chaplin como la película italiana más hermosa que había visto, es una producción cinematográfica muy alejada de los cánones visuales de Hollywood.
Paisà (1946)
Es una película dramática de guerra neorrealista italiana de 1946 dirigida por Roberto Rossellini. En 6 episodios independientes, narra la liberación de Italia de la presión aliada durante la última fase de la Segunda Guerra Mundial. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia y ganó numerosos premios nacionales e internacionales.
En todo el mundo la película ha adquirido importantes reconocimientos. El crítico francés André Bazin la eligió como la película esencial para revelar el valor del neorrealismo italiano, destacando su comprensión de la verdad con una amalgama de documental y ficción. Ha logrado reconocimiento en Estados Unidos, Bélgica, Japón y Suiza.
Rome, Open City (1945)
Soldados alemanes de las SS intentan encarcelar a Giorgio Manfredi, ingeniero comunista y líder de la Resistencia contra los nazis y fascistas italianos. Piensan que Giorgio es un policía, sin embargo, cuando él insinúa que es un confidente, Giorgio le pide que envíe dinero a un grupo de combatientes de la Resistencia fuera de la ciudad, ya que ahora es reconocido por la Gestapo y no puede actuar solo.
Pocos movimientos cinematográficos pueden jactarse del éxito del neorrealismo italiano, una ola posterior a la Segunda Guerra Mundial que participó en la lucha de la clase trabajadora que produjo muchas películas de arte. Roberto Rossellini estuvo entre los directores principales del neorrealismo. Este drama de represión y resistencia cuenta con algunas de las escenas más increíbles de todo el cine.
Obsesión (1943)
Es una película italiana de 1943 basada en la novela de 1934 El cartero siempre llama dos veces de James M. Cain. El primer largometraje de Luchino Visconti es considerado por muchos como la primera película neorrealista italiana, aunque se debate si esa clasificación es precisa. Tiene algunas similitudes con el estilo caligráfico.
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