Novo Hollywood e o cinema americano

O New Hollywood americano, frequentemente chamado de Renascença de Hollywood, refere-se a um movimento cinematográfico do meio da década de 1960 até o início dos anos 1980 que marcou a história do cinema, quando uma nova geração de jovens diretores ganhou destaque nos Estados Unidos. Eles influenciaram os tipos de filmes produzidos, sua produção, publicidade e marketing, bem como os meios pelos quais abordavam a realização cinematográfica.

Nos filmes do New Hollywood, o diretor, em vez do estúdio, assumia um papel autoral essencial. A definição de “New Hollywood” varia conforme o autor, com alguns definindo-o como um movimento e outros como um período. A duração desse período também é objeto de controvérsia, já que alguns autores, como Thomas Schatz, afirmam que o New Hollywood contém vários elementos. Os filmes produzidos nessa fase são estilisticamente identificados, pois suas histórias frequentemente diferem fortemente dos padrões clássicos. Após a morte do sistema de estúdios e a ascensão da televisão, o sucesso comercial dos filmes foi reduzido.

Os blockbusters do New Hollywood da primeira era incluem Bonnie and Clyde, The Graduate, Night of the Living Dead, The Wild Bunch e Easy Rider, Heaven’s Gate e One from the Heart.

História do New Hollywood

Com o fim da propriedade das redes de cinemas pelos estúdios e com a chegada da televisão (onde John Frankenheimer, Paddy Chayefsky e também Sidney Lumet trabalharam em seus primeiros anos), o sistema típico de produção dos estúdios foi prejudicado. A Technicolor estabeleceu um uso ainda mais difundido, enquanto processos de tela larga e até melhorias tecnológicas, como CinemaScope, áudio estéreo e outros, como 3-D, foram criados para conter o mercado-alvo em declínio e enfrentar a televisão. No entanto, esses esforços geralmente não foram bem-sucedidos em aumentar os lucros. Em 1957, a publicação Life chamou a década de 1950 de “a década terrível” de Hollywood.

A década de 1950 e o início dos anos 1960 viram um Hollywood dominado por musicais, épicos históricos e outros filmes que se beneficiavam de telas maiores, enquadramentos mais amplos e áudio aprimorado. Já em 1957, a era foi apelidada de “New Hollywood” e tentativas fracassadas de replicar o sucesso de The Sound of Music pressionaram os estúdios.

À medida que a geração do baby boom atingia a maioridade na década de 1960, o “Old Hollywood” estava rapidamente perdendo dinheiro; os estúdios não sabiam como reagir às mudanças significativas na demografia do público. A mudança de mercado durante o período passou de um público de meia-idade e mais instruído no meio da década de 1960 para um público mais jovem, mais afluente e com ensino superior: em meados da década de 1970, 76% de todos os espectadores tinham menos de 30 anos, dos quais 64% haviam frequentado a universidade.

Filmes europeus, tanto de autor quanto comerciais (especialmente a Comédia Italiana, a Nouvelle Vague Francesa, Spaghetti Western), e o cinema japonês estavam causando sensação nos Estados Unidos: o enorme mercado de jovens desiludidos parecia encontrar relevância e significado artístico em filmes como Blow Up, de Michelangelo Antonioni, com sua estrutura narrativa oblíqua e nudez feminina completa.

A ansiedade que os estúdios sentiam durante esse período de declínio financeiro, assim como após perdas com fracassos caros, levou à tecnologia e à assunção de riscos, permitindo maior controle por diretores e produtores mais jovens. Portanto, na tentativa de encontrar aquele mercado-alvo que se identificava com os “filmes de arte”, as oficinas empregaram uma miríade de jovens diretores e lhes permitiram fazer seus próprios filmes com controle razoavelmente baixo dos estúdios.

Alguns deles, como o ator Jack Nicholson e o diretor Peter Bogdanovich, foram guiados pelo “Rei do filme B” Roger Corman, enquanto outros, como o famoso diretor de fotografia Vilmos Zsigmond, trabalharam para diretores de filmes B menos conhecidos, como Ray Dennis Steckler, que lançou em 1962 Wild Guitar e também o filme musical de horror de 1963 The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies.

Isso, junto com o mau funcionamento do Código de Produção Cinematográfica em 1966 e também o novo sistema de classificação em 1968 (espelhando a crescente divisão do mercado), criou a situação ideal para a Nova Hollywood.

Bonnie and Clyde

Um filme fundamental da geração da Nova Hollywood foi Bonnie and Clyde (1967). Também criado e estrelado por Warren Beatty e dirigido por Arthur Penn, sua mistura de violência física e humor, assim como seu estilo extravagante de juventude desencantada, foi um sucesso nos mercados-alvo. O filme ganhou Oscars de Melhor Atriz Coadjuvante (Estelle Parsons) e Melhor Fotografia.

Quando Jack L. Warner, então CEO da Warner Bros., viu Bonnie and Clyde no verão de 1967, ele o odiou. Os executivos de distribuição da Warner Brothers concordaram, proporcionando ao filme uma estreia discreta e lançamento limitado. A abordagem deles pareceu justificada quando Bosley Crowther, crítico de cinema de nível médio do New York Times, fez uma crítica feroz ao filme. 

Após uma das críticas negativas, a revista Time recebeu cartas de fãs do filme e, segundo o repórter Peter Biskind, o impacto da crítica Pauline Kael em sua resenha positiva do filme (outubro de 1967, New Yorker) levou outros críticos a seguirem seu próprio caminho e reavaliarem o filme (em particular Newsweek e Time).

Kael chamou a atenção para a inocência dos personagens no filme e o mérito artístico de contrastar isso com a violência presente: “Em certo sentido, é a ‘ausência de sadismo – é violência sem sadismo – que choca o público em Bonnie and Clyde. Kael também observou a reação da audiência ao clímax violento do filme e o potencial de empatizar com a gangue de criminosos em termos de ingenuidade e inocência, refletindo uma mudança nas expectativas do cinema americano.

A matéria de capa da revista Time em dezembro de 1967 celebrou o cinema e a tecnologia no cinema da Nova Onda Americana. Este importante artigo de Stefan Kanfer afirmava que Bonnie and Clyde representava um “Novo Cinema” por meio de suas linhas de categoria obscuras, e até mesmo pelo descaso com aspectos do enredo e inspiração, que “tanto na fertilização quanto na implementação, Bonnie assim como Clyde é um divisor de águas visual, do tipo que sinaliza um estilo totalmente novo, uma nova moda.”

Biskind especifica que essa crítica e a mudança de opinião de alguns críticos de cinema permitiram o relançamento do filme, verificando assim seu sucesso industrial e também refletindo a abordagem do Novo Hollywood. O efeito deste filme é essencial para compreender o restante da Nova Onda Americana, bem como as condições necessárias para ela.

Esses primeiros sucessos abriram caminho para que o estúdio cedesse praticamente controle total a esses jovens diretores engenhosos. Em meados da década de 1970, filmes distintos e chocantes como Paper Moon, Dog Day Afternoon, Chinatown, assim como Taxi Driver, entre outros, desfrutaram de um notável sucesso comercial. Esses êxitos dos membros do Novo Hollywood levaram cada um deles, sucessivamente, a fazer pedidos cada vez mais extravagantes, tanto no estúdio quanto, em algum momento, até mesmo no mercado de referência.

O Estilo do Novo Hollywood

Essa nova geração de diretores de Hollywood era, do ponto de vista dos estúdios, muito jovem, consequentemente capaz de alcançar o público-alvo dos jovens que estavam perdendo. Esse grupo de jovens diretores – atores, diretores e roteiristas – chamado de “Novo Hollywood” pela imprensa, transformou brevemente o negócio do sistema hollywoodiano centrado no produtor do passado.

Todd Berliner na verdade escreveu sobre algumas técnicas narrativas incomuns. A década de 1970, diz Berliner, marca a melhoria formal mais significativa de Hollywood. Os filmes do Novo Hollywood desviam dos padrões narrativos atemporais mais do que os filmes de Hollywood de qualquer outra era ou movimento. Berliner argumenta que cinco princípios controlam as estratégias narrativas características dos filmes de Hollywood dos anos 1970: os filmes dos anos 1970 revelam uma propensão a integrar, por meios narrativos incidentais, detalhes de contos e ferramentas estilísticas que são prejudiciais aos objetivos narrativos necessários do filme.

Os diretores de Hollywood dos anos 1970 frequentemente situam suas práticas cinematográficas entre as do Hollywood clássico e as do cinema de arte europeu e asiático. Os filmes dos anos setenta provocam reações nos espectadores que são mais desanimadoras e incertas do que as dos filmes hollywoodianos mais convencionais. As narrativas dos anos 1970 colocam um foco incomum na insolvência, particularmente no clímax ou epílogos, quando os filmes hollywoodianos mais padrão resolviam as questões pendentes.

O cinema dos anos setenta dificulta a linearidade narrativa, assim como a energia, e afunda suas possibilidades de criar suspense e até diversão. Thomas Schatz aponta outra diferença com a Era de Ouro de Hollywood, que trata da relação entre os personagens e a trama. Ele argumenta que a trama nos filmes clássicos de Hollywood (e em alguns filmes iniciais do Novo Hollywood, como O Poderoso Chefão) “tendia a emergir de forma mais orgânica como uma função dos impulsos, desejos, motivações e objetivos dos personagens centrais.

Durante o auge do sistema de estúdios, os filmes eram praticamente feitos propositalmente em sets isolados nos estúdios. O conteúdo dos filmes era limitado pelo Código de Produção Cinematográfica, e embora os diretores da Era de Ouro encontrassem brechas em suas diretrizes, as cenas mais proibidas nos filmes eram limitadas. A transição para o “realismo totalmente novo” foi possibilitada quando o sistema de som da Motion Picture Association of America foi introduzido e a aquisição se tornou muito mais viável. Nova York era um lugar favorito para essa nova geração de cineastas devido à sua atmosfera vibrante.

Devido às inovações na tecnologia cinematográfica (por exemplo, a câmera Panavision Panaflex, introduzida em 1972), os cineastas do Novo Hollywood puderam filmar em película 35mm ao ar livre com relativa facilidade. Filmes documentários de DA Pennebaker, os Irmãos Maysles e Frederick Wiseman, entre outros, também influenciaram os diretores dessa época.

Na edição, os diretores do Novo Hollywood aderiram ao realismo de forma mais liberal do que a maioria de seus predecessores do Hollywood clássico, frequentemente usando a edição para fins artísticos e não apenas para continuidade, uma prática inspirada pelos filmes de arte europeus e diretores clássicos de Hollywood como DW Griffith e Alfred Hitchcock.

O fim do código de produção permitiu que os filmes do Novo Hollywood apresentassem temas políticos anti-establishment, fazendo uso do rock and roll, bem como da liberdade sexual considerada “contracultural” pelos estúdios. O movimento jovem dos anos 1960 transformou anti-heróis como Bonnie e Clyde, assim como Cool Hand Luke, em ídolos da cultura pop, e a revista Life chamou Easy Rider de “parte do mito fundamental principal da contracultura do final dos anos 1960”. 

Easy Rider também influenciou o método que os estúdios queriam usar para alcançar o mercado jovem. O sucesso de Midnight Cowboy, apesar de sua classificação “X”, foi prova do interesse, além de revelar a fraqueza do sistema de classificação e até a divisão do mercado-alvo.

O que é a Nova Hollywood?

Para Peter Biskind, a nova onda foi prenunciada por Bonnie and Clyde e começou de fato com Easy Rider também. A publicação Easy Riders and Raging Bulls afirma que o movimento da Nova Hollywood marcou uma mudança notável em direção a produções separadas e avant-garde de uma nova era do cinema, mas que essa mudança começou a reverter à medida que o sucesso industrial de Jaws e Star Wars levou os estúdios a perceberem a importância dos filmes independentes, do marketing e do controle da produção.

Escrevendo em 1968, a crítica de cinema Pauline Kael argumentou que a importância de The Graduate estava em sua relevância social para um novo público jovem, e também no dever da mídia, ao contrário de qualquer elemento fantasioso. Kael disse que até a compreensão de The Graduate pelos estudantes universitários não era diferente do público que incluía os personagens dos filmes dramáticos dos anos anteriores.

John Belton indica o grupo em transformação para públicos ainda mais jovens e conservadores em meados da década de 1970 (50% com idades entre 12 e 20 anos) e a transferência para motivos menos politicamente subversivos no cinema mainstream, que viu o meio e o final dos anos 1970 com o declínio da atividade do cinema de arte como pressão substancial da indústria, com seu pico em 1974-75 com Nashville e Chinatown.

Segundo o autor e crítico de cinema Charles Taylor, ele afirmou que “a década de 1970 permanece o terceiro e último período formidável nos filmes americanos“. O autor AD Jameson declarou que Star Wars foi a melhor realização da Nova Hollywood que, de fato, simbolizou as características dos “filmes adultos maiores e inovadores”.

Críticas à Nova Hollywood

Esta era do cinema americano também foi criticada por sua decadência extrema e também pelas desventuras no set. Até Steven Spielberg, que co-dirigiu / co-produziu Twilight Zone: The Movie em 1983 com John Landis, ficou tão envergonhado pelo manejo deste último no acidente perigoso de helicóptero que levou à morte do ator Vic Morrow e dos jovens Myca Dinh Le e Renee Shin-Yi Chen, que rompeu todas as relações. Quando contatado pela imprensa sobre o incidente, ele disse: “Ninguém merece morrer em um filme. Acho que as pessoas estão muito mais contra agora do que nunca os diretores e produtores que pedem demais. Se algo não é livre de riscos, é direito e também obrigação de toda estrela ou participante da equipe gritar: ‘Corta!’

Herança do Novo Hollywood

Os filmes de Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese e Francis Ford Coppola influenciaram tanto o gênero Poliziotteschi na Itália quanto, um ano depois, também a atividade do Cinéma du look na França. O Cinema americano foi influenciado por esta era. Ambas as tradições compartilham temas e narrativas semelhantes de existencialismo e a necessidade da interação humana. Em comparação, o cinema excêntrico americano não possui um contexto distinto; seus filmes mostram personagens muito individualistas e suas preocupações giram em torno de sua própria personalidade.