Die 52 besten Splatterfilme zum Anschauen

Splatterfilme sind ein Subgenre des Horrorfilms, das sich auf visuelle Darstellungen von Blutvergießen und extremer körperlicher Gewalt konzentriert. Diese unabhängigen Filme, meist unter Einsatz von Spezialeffekten, zeigen eine Faszination für Gewalt am Körper und dessen Verstümmelung. Der Begriff „Splatterkino“ wurde von George A. Romero geprägt, um seinen Film Dawn of the Dead zu definieren, obwohl Filmkritiker der Ansicht sind, dass Dawn of the Dead größere Ziele verfolgt, wie etwa sozialen Diskurs, anstatt einfach nur ein skrupelloser Splatterfilm zu sein.

Splatter ist eine Definition für breite Muster im Filmemachen. Splatter steht in Zusammenhang mit relativ ernsten Horrorfilmen und umfasst eine recht vielfältige Auswahl an Titeln, die hauptsächlich aus den 1960er bis späten 1970er Jahren stammen, z. B. John Waters‚ Female Trouble, Ted Post’s Magnum Force, Terry Gilliam’s Jabberwocky und den Westernfilm von Walter Hill The Long Riders. Diese Filmografie zeigt, dass der Einfluss von Filmemachern wie Sam Peckinpah oder Andy Warhol erheblich für das Wachstum des Genres wie Grand Guignol, Hammer Films oder Herschell Gordon Lewis ist.

Im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert wurde der Einsatz von visueller körperlicher Gewalt in Kinos als Torture Porn klassifiziert. Filme wie Braindead, Evil Dead II und Dawn of the Dead, die alle übermäßiges Blutvergießen zeigen, können hingegen als Horrorkomödien interpretiert werden und fallen auch unter das Genre des Splatstick.

Während gewöhnliche Horrorfilme sich mit Themen wie dem Unbekannten, dem Mythologischen und dem Dunklen beschäftigen, stammt die Inspiration für einen Splatterfilm aus dem physischen Schaden und dem Körper, der ihn erleidet. Es gibt auch einen Fokus auf Bild, Stil und Kameraführung. Wo die meisten Horrorfilme dazu neigen, ethische sowie soziale Ordnung mit einem glorreichen Triumph über das Böse wiederherzustellen, gedeihen Splatterfilme in der Abwesenheit von Ordnung. Das Phänomen der körperlichen Gewalt verändert jeglichen narrativen Rahmen, da Blut der einzige konstante Bestandteil des Films ist. Splatterfilme beinhalten fragmentierte Geschichten, eine Regie voller Kamerabewegungen und wechselnden Schnitt von Verfolgtem zu Verfolger.

Der Splatterfilm hat seine visuellen Ursprünge im französischen Theater Grand Guignol, das Blut und Gemetzel für sein Publikum inszenierte. 1908 feierte Grand Guignol seine erste Aufführung in England, wobei das Blutvergießen auf ein Minimum beschränkt wurde, um einen viel gothischeren Ton zu wahren, bedingt durch starke Zensur der Künste in Großbritannien. Die Einführung von Blut und Körperverstümmelung im Kino kann auf Intolerance (1916) von D. W. Griffith zurückgeführt werden, der verschiedene Guignol-artige Szenen enthält, darunter zwei Enthauptungen auf der Leinwand und eine Szene, in der ein Speer allmählich in den Bauch eines Soldaten gestoßen wird, während Blut aus der Wunde strömt. Zahlreiche nachfolgende Filme von Griffith sowie die seines Kollegen Cecil B. DeMille enthielten ähnliche Gore-Szenen.

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28 Years Later (2025)

Achtundzwanzig Jahre nach dem Ausbruch des „Rage“-Virus, der Großbritannien verwüstete, schien die Infektion wie eine ferne Erinnerung, begrenzt auf Geschichtsbücher. Doch in 28 Years Later bringt ein plötzlicher und mutierter Ausbruch die Hölle zurück auf die Erde. Cillian Murphy, der in die ikonische Rolle des Jim zurückkehrt, findet sich in einer Welt wieder, in der die wiederaufgebaute Gesellschaft zerbrechlich und paranoid ist und in der die Gewalt der Infizierten noch schneller und unmittelbarer geworden ist, was die Überlebenden zu unmöglichen moralischen Entscheidungen zwingt.

Danny Boyle kehrte zurück, um den Kreis zu schließen, und nutzte moderne Filmtechnologien (einschließlich modifizierter iPhones für Actionszenen), um ein Gefühl von Immersion und totaler Panik zu erzeugen. Der Film verzichtet auf die stillen Atmosphären des ersten Kapitels zugunsten eines kinetischen und brutalen Horrors. Die Massenszenen der Infizierten sind Choreografien reinen Splatters, doch der wahre Horror bleibt menschlich: die Leichtigkeit, mit der die Zivilisation angesichts der Angst erneut zusammenbricht.

Saw XI (2025)

Nach den Ereignissen in Mexiko kehrt John Kramer (Jigsaw) zurück, um im Schatten zu agieren und offene Rechnungen mit korrupten Figuren im Gesundheits- und Justizsystem zu begleichen. In Saw XI verlagert sich das Spiel in eine vergessene unterirdische Anlage, wo mechanische Fallen wieder rudimentär, rostig und unausweichlich sind. Die Erzählung konzentriert sich auf die verdrehte Beziehung zwischen Kramer und seiner Schülerin Amanda und zeigt, wie sich die Philosophie des „Lebensschätzens“ in reinen Sadismus verwandelt hat.

Dieses Kapitel wurde von Fans als Rückkehr zum „Torture Porn“ der Anfänge gefeiert, befreit vom polizeilichen Procedere der jüngeren Fortsetzungen. Die Regie fokussiert sich auf die Anatomie der Zerstörung: Knochen, Muskeln und Zahnräder sind die wahren Protagonisten. Es gibt keine Erlösung, nur die Mechanik des Todes. Ein Film für Gore-Puristen, der genau das bietet, was er verspricht: Literweise Blut, Schreie und höllische Maschinen, die Körper mit chirurgischer Präzision zerlegen.

The Substance (2024)

Elisabeth Sparkle (Demi Moore) ist eine verblassende Diva, die ein Serum vom Schwarzmarkt injiziert, um eine jüngere, perfekte Version von sich selbst zu erzeugen (Margaret Qualley). Doch die Gier der „neuen“ Elisabeth zerstört das symbiotische Gleichgewicht und löst eine monströse körperliche Degeneration aus. Das Finale des Films ist eine Orgie aus Blut und Körperflüssigkeiten, so übertrieben und grotesk, dass es an Peter Jacksons Splatter-Meisterwerke (Braindead) erinnert, jedoch mit einem Arthouse-Budget.

Gewinner des Preises für das beste Drehbuch in Cannes, ist dies das cineastische Ereignis des Jahres. Regisseurin Coralie Fargeat nutzt Gore als satirisches Mittel: Das Blut ist nicht nur ekelerregend, sondern eine explosive Metapher für Selbsthass und die Obsession mit Jugend. Visuell beeindruckend und magenaufwühlend.

Terrifier 3 (2024)

Art the Clown ist zurück, und dieses Mal will er Weihnachten ruinieren. Als Weihnachtsmann verkleidet, verbreitet der sadistische Dämonen-Pantomime am Heiligabend Terror im Miles County und nimmt es auf Sienna Shaw und ihre Familie ab. Die Gewalt wird auf ein fast unerträgliches Maß an Grausamkeit gesteigert, mit kreativen Verstümmelungen und langanhaltender Folter, die jede Grenze des modernen Slasher-Kinos sprengen.

Damien Leone hat die gewalttätigste Horror-Ikone des neuen Jahrtausends geschaffen. Dieses dritte Kapitel ist reiner, ungefilterter Splatter: ekelerregende praktische Effekte, rabenschwarzer Humor und eine Grausamkeit, die Zuschauer in US-Kinos ohnmächtig werden und sich übergeben ließ. Es ist der Triumph des „dreckigen“ Independent-Horrors, der Hollywood-Regeln ablehnt. Nur für starke Mägen.

In a Violent Nature (2024)

Eine Gruppe von Teenagern entweiht in einem Feuerwachturm ein Medaillon und erweckt Johnny, einen rachsüchtigen Geist, der beginnt, sie zu massakrieren. Die brillante Neuheit ist die Perspektive: Statt den schreienden Opfern zu folgen, begleitet die Kamera gelassen das Monster, während es durch den Wald schreitet. Wenn Johnny tötet, tut er das mit verheerender anatomischer Kreativität (die „Yoga-Faltung“-Szene ist bereits ein moderner Gore-Klassiker).

Dieser Film ist ein Experiment in „Ambient Splatter“. Der Kontrast zwischen der stillen Schönheit der Natur und der grafischen Brutalität der Morde erzeugt eine entfremdende und hypnotische Wirkung. Es ist ein dekonstruiertes Slasher, das den Blutdurst der Fans befriedigt und dabei eine völlig neue visuelle Sprache bietet.

Evil Dead Rise (2023)

Das Necronomicon (Buch der Toten) wird im Keller eines heruntergekommenen Wohnhauses in Los Angeles gefunden. Beim Öffnen entfesselt es Dämonen, die Ellie, eine Mutter von drei Kindern, besessen machen und sie in eine sadistische „Deadite“ verwandeln, die versucht, ihre eigene Familie zu massakrieren. Die Wohnung wird zu einer klaustrophobischen Falle, in der jeder Haushaltsgegenstand – von Käsereiben bis zu Scheren – zur Folterwaffe wird.

Lee Cronin verlegt die Evil Dead-Saga von der Hütte im Wald in die Stadt, bewahrt aber die Tradition von Eimern voller Blut (buchstäblich: der blutgefüllte Aufzug ist eine Hommage an The Shining). Es ist ein schneller, gemeiner Film voller praktischer Gore-Effekte, der keine Angst hat, sogar Kinder in Gefahr zu bringen. Hochoktaniger makabrer Spaß.

Project Wolf Hunting (2022)

Ein Frachtschiff transportiert die gefährlichsten Verbrecher Südkoreas von den Philippinen nach Busan. Während der Fahrt brechen die Gefangenen aus und beginnen, die Wachen zu massakrieren. Doch etwas Schlimmeres befindet sich im Laderaum: ein genetisch modifizierter Supersoldat („Alpha“), eine Tötungsmaschine, die erwacht und wahllos Polizisten und Verbrecher vernichtet, Gliedmaßen abreißt und Köpfe mit bloßen Händen zerquetscht.

Aus Korea kommt der übertriebenste Action-Splatter der letzten Jahre. Tonnen von falschem Blut werden buchstäblich wie Feuerwehrschläuche auf jede Oberfläche gesprüht. Es ist eine verrückte Mischung aus Con Air, Predator und Universal Soldier. Es gibt keine tiefgründige Handlung, nur ein Crescendo hyper-kinetischer Gewalt und physischer Zerstörung, das den Zuschauer erschöpft und unterhält.

Body Horror

Der nächste Schritt über den Splatter hinaus ist Body Horror. Hier kommt die Gewalt nicht von einer äußeren Waffe, sondern vom Körper selbst, der rebelliert, mutiert, verfault oder mit Technologie verschmilzt. Von Cronenberg bis The Substance ist dies die Auswahl für diejenigen, die viszeralen Horror suchen, der Ekel mit der Philosophie des Fleisches verbindet.

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Kannibalenfilme

Ein extremes und kontroverses Subgenre, das genau hier in Italien entstand (der Kannibalen-Boom der 70er). Hier wird Splatter wild, realistisch und oft politisch. Wenn Sie den Magen für Verstümmelungen und rohe Gewalt in den entlegensten Dschungeln haben, ist dies Ihr Abstieg in die Hölle.

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Zombie-Filme

Ohne Zombies gibt es keinen Splatter. Dieses Genre brachte Gore dank George Romero ins Mainstream-Kino. Ausweidungen, explodierende Köpfe und Feste aus Menschenfleisch: Hier finden Sie die Geschichte der lebenden Toten, von den langsamen, verwesenden Klassikern bis zu den modernen, hyper-schnellen Infizierten.

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B-Movies

Splatter geht oft Hand in Hand mit kleinem Budget und Ironie. Wenn das Geld knapp ist, übertreiben Filmemacher mit falschem Blut und handwerklichen Effekten. In dieser Liste feiern wir das „so schlecht, dass es gut ist“-Kino, wo übermäßige Gewalt zu anarchischem Spaß und purer Kreativität wird.

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Horror der 80er

Vor CGI war Splatter eine Kunstform aus Latex, Maissirup und Animatronik. Die 80er sind das Jahrzehnt, in dem Prothesen-Make-up ungeahnte Höhen erreichte. Wenn Sie diese taktile, „gummiartige“ Gewalt suchen, die heute nicht mehr gemacht wird, müssen Sie hier schauen.

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Intolerance (1916)

„Intolerance“ ist ein Historienfilm von 1916 unter der Regie von D. W. Griffith. Darin finden sich die ersten Elemente und Szenen dessen, was viele Jahre später als Splatter-Kino bezeichnet werden sollte. Er gilt als eines der Meisterwerke des Stummfilms und als Beispiel innovativer filmischer Technik. Es ist ein epischer Film, der vier Geschichten erzählt, die in verschiedenen Zeiten der Geschichte spielen und alle durch das Thema Intoleranz verbunden sind. Der Film war für seine Zeit sehr ambitioniert und anspruchsvoll, mit Massenszenen und ausgefeilten Spezialeffekten, aber auch umstritten wegen seiner rassistischen Botschaft und der Art, wie er Geschichte darstellte. Heute ist „Intolerance“ weiterhin Gegenstand von Studium und Diskussion wegen seiner Bedeutung in der Filmgeschichte und seiner Relevanz für die amerikanische Gesellschaft des zwanzigsten Jahrhunderts.

Die Splatterfilme der 50er und 60er Jahre

In den frühen 1960er und späten 1950er Jahren begegnete das breite Publikum erneut dem Splatter in bahnbrechenden Filmen wie Psycho von Alfred Hitchcock (1960) und Hammer Film-Produktionen wie The Curse of Frankenstein (1957) und Horror of Dracula (1958). Wahrscheinlich einer der blutigsten Filme dieser Zeit war Nobuo Nakagawas Jigoku (1960), der unzählige Szenen der Zerstückelung in seiner Darstellung des buddhistischen Abgrunds Naraka enthielt.

Der Splatter wurde in den frühen 60ern mit den Filmen von Herschell Gordon Lewis in den Vereinigten Staaten zu einem vollwertigen Horror-Subgenre. Bestrebt, eine lukrative spezifische Nische zu bewahren, griff Lewis auf etwas zurück, das das Mainstream-Kino damals noch selten zeigte: spezifische, natürliche Gore-Szenen. 1963 inszenierte er Blood Feast, der vollständig als Splatterfilm konzipiert war. In den 15 Jahren seit seiner Veröffentlichung hat Blood Feast geschätzte 7 Millionen Dollar eingespielt. Produziert wurde er für nur 24.500 Dollar. Auf Blood Feast folgten zwei noch blutigere Filme von Herschell Gordon Lewis, Two Thousand Maniacs! (1964) und Color Me Blood Red (1965).

Der Splatterfilm der 70er Jahre hatte in den USA und Großbritannien mit Zensurproblemen zu kämpfen. Roger Ebert in den USA und der Parlamentsabgeordnete Graham Bright in Großbritannien ergriffen rechtliche Maßnahmen, um Splatterfilme auf Heimvideo zu zensieren. Während der Filmkritiker I Spit on Your Grave anklagte, finanzierte der Politiker das Video Recordings Act, ein Zensurgesetz für Heimvideofilme im Vereinigten Königreich. Der Splatter wurde auch von der britischen Presse verurteilt.

Einige Splatter-Regisseure haben Mainstream-Hits geschaffen. Peter Jackson begann seine Karriere in Neuseeland mit den Splatterfilmen Bad Taste (1987) und Braindead (1992). Diese Filme enthielten so übermäßige Gore-Szenen, dass sie schließlich komisch wirkten. Diese komödiantischen und blutigen Horrorfilme werden effektiv als „Splatstick“ bezeichnet, definiert als humorvolle Filme mit physischen Gags, die Gore und Zerstückelung beinhalten. Splatstick ist ein in Japan verbreiteteres Genre, mit Beispielen wie Robogeisha, Tokyo Gore Police und Machine Girl. Die Mockumentary Cannibal Holocaust von 1980 ist ein bedeutendes Beispiel für den modernen Trend des Splatterkinos. Die Splatterfilme haben tatsächlich Strategien aus verschiedenen anderen Genres übernommen. Die Ereignisse in Cannibal Holocaust werden durch Videoaufnahmen eines Teams erzählt, das eine Dokumentation über einen Teil des Amazonas dreht, der von Kannibalen bewohnt wird.

Psycho (1960)

„Psycho“ ist ein Film aus dem Jahr 1960 unter der Regie von Alfred Hitchcock. Er enthält die ersten expliziten Szenen des Splatterkinos. Er gilt als eines der Meisterwerke des Thriller-Genres und hat viele andere Filme in der Filmgeschichte beeinflusst. Die Handlung folgt Marion Crane, die Geld stiehlt und in ein Motel flieht, das von Norman Bates geführt wird. Doch bald entdeckt sie, dass Bates multiple Persönlichkeiten hat und das Motel ein dunkles Geheimnis verbirgt. Der Film ist berühmt für seinen verstörenden Soundtrack, intensive Schauspielkunst und ständige Spannung.

„Psycho“ wurde von Kritikern und Publikum sehr positiv aufgenommen und wurde zu einem kommerziellen und kulturellen Erfolg. Es wurde mit 4 Oscars ausgezeichnet und setzte neue Maßstäbe für die Darstellung von Gewalt und Nacktszenen im Film. Der Film ist auch bekannt für seinen innovativen Einsatz von Schnitt und Bildgestaltung, die halfen, eine beispiellose Spannung zu erzeugen. Neben dem cineastischen Erfolg hat „Psycho“ auch die Popkultur beeinflusst und viele Parodien, Nachahmungen und Neuverfilmungen inspiriert. Die Figur des Norman Bates ist zu einer Ikone des Kinos und einem der berühmtesten Serienmörder in der Geschichte des Kinos geworden.

Jigoku (1960)

Der junge Theologiestudent Shiro wird von Schuldgefühlen geplagt, nachdem sein Freund Tamura, ein Nihilist, der das pure Böse verkörpert, einen Betrunkenen bei Fahrerflucht überfährt und tötet. Von diesem Moment an wird Shiros Leben zu einem wachen Alptraum: Seine Mutter stirbt, seine Freundin kommt bei einem Autounfall zusammen mit ihm ums Leben, und alle Figuren finden sich in der Hölle wieder. Im zweiten Teil des Films verlässt die Erzählung die irdische Logik, um eine ununterbrochene Abfolge buddhistischer Folterungen zu zeigen: Sünder werden bei lebendigem Leib gehäutet, gezwungen, Eiter zu trinken, oder von Dämonen in einer surrealen und malerischen Landschaft zerstückelt.

Regie führte der japanische Horror-Meister Nobuo Nakagawa. Jigoku ist ein visuelles Meisterwerk, das dem modernen Splatterkino um Jahrzehnte voraus ist. Es ist ein moralischer und theologischer Film, der extreme Gewalt (für die damalige Zeit) nicht zur bloßen Schockierung einsetzt, sondern um das Konzept von Karma und ewiger Verdammnis zu visualisieren. Die höllischen Kulissen, obwohl mit geringem Budget, sind mit expressionistischen Farben beleuchtet und schaffen eine traumhafte und beklemmende Atmosphäre, die ihn zu einem der verstörendsten und faszinierendsten Filme der japanischen Kinogeschichte macht.

The Curse of Frankenstein (1957)

In einer Zelle, wartend auf die Guillotine, erzählt Baron Victor Frankenstein einem Priester die Geschichte seines Lebens und seiner Experimente. Besessen vom Geheimnis des Lebens seit seiner Jugend, gelingt es Frankenstein mit Hilfe seines Mentors und späteren Komplizen Paul Krempe, einen Hund wiederzubeleben und beschließt dann, einen perfekten Menschen zu erschaffen, indem er Körperteile von Leichen zusammensetzt. Doch seine Obsession treibt ihn zur Kriminalität: Um ein brillantes Gehirn zu erhalten, ermordet er einen alten Professor, doch Schäden während der Operation verwandeln sein Geschöpf in ein gewalttätiges und hirngeschädigtes Wesen, das Victor zerstören muss, um seine Spuren zu verwischen.

Diese Produktion von Hammer Films veränderte die Geschichte des Horrors, indem sie Farbe und Blut (das leuchtend rote Labor) in ein Genre einführte, das zuvor von Universal’s gotischem Schwarzweiß dominiert wurde. Peter Cushing erfindet die Rolle des Frankenstein neu und verwandelt ihn in einen eleganten, grausamen und moralisch bankrotten Antihelden, während Christopher Lee ein erbärmliches und furchterregendes Geschöpf bietet. Es ist der Beginn des modernen Horrors: körperlicher, zynischer und mehr auf wissenschaftliche „Metzgerei“ als auf gotischen Romantizismus fokussiert.

Blood Feast (1963)

Fuad Ramses ist ein scheinbar harmloser ägyptischer Caterer in Miami, der in Wirklichkeit ein verrückter Priester eines alten Kultes ist, der der Göttin Ishtar geweiht ist. Um ein „Blutmahl“ vorzubereiten, das die Göttin wieder zum Leben erwecken soll, ermordet und zerstückelt Ramses junge Frauen und bewahrt ihre Körperteile auf, um sie im abschließenden Ritual zu kochen. Während die Polizei im Dunkeln tappt, organisiert Ramses in Blood Feast eine Party für die Tochter einer wohlhabenden Frau, mit der Absicht, den ahnungslosen Gästen einen Eintopf aus seinen Opfern zu servieren und das Mädchen als Hauptgericht zu opfern.

Unter der Regie von Herschell Gordon Lewis gilt dieser Film offiziell als der erste Splatter– (oder Gore-) Film der Kinogeschichte. Mit einem nicht vorhandenen Budget und Laiendarstellern gedreht, brach er jedes Tabu, indem er zum ersten Mal Eingeweide, Gehirne und herausgerissene Zungen in leuchtendem Technicolor zeigte (unter Verwendung von echtem Tierinnereien). Obwohl technisch mangelhaft, ist seine historische Bedeutung enorm: Er erfand ein ganzes Subgenre, das auf grafischem Übermaß und Ekel als Unterhaltungsform basiert.

2000 Maniacs! (1964)

Sechs „Yankee“-Touristen aus dem Norden, die durch den tiefen Süden fahren, werden durch irreführende Straßenschilder in die abgelegene Stadt Pleasant Valley umgeleitet. Dort werden sie als Ehrengäste vom Bürgermeister und den Einwohnern empfangen, die das hundertjährige Bestehen der Stadt feiern. Doch die Feier in 2000 Maniacs! ist eine Todesfalle: Die Bürger sind in Wirklichkeit die rachsüchtigen Geister einer konföderierten Stadt, die während des Bürgerkriegs zerstört wurde und alle 100 Jahre zurückkehrt, um Nordstaatler in einer Reihe sadistischer Spiele brutal zu massakrieren, wie zum Beispiel das Rollen einen Hügel hinunter in Fässern voller Nägel oder das Zerquetschen unter Felsbrocken.

Das zweite Kapitel von Herschell Gordon Lewis’ „Blut-Trilogie“ ist ein Exploitation-Kultklassiker, der Horror mit schwarzem Humor und südlicher Folklore mischt (es ist die Splatter-Version von Brigadoon). Der Film ist berühmt für seine sonnige und fröhliche Atmosphäre, die im Kontrast zur grafischen Gewalt der Hinrichtungen steht, sowie für das eingängige Banjo-Lied, das die Eröffnungscredits begleitet. Ein Klassiker des Hicksploitation (ländlicher Horror), der Filme wie The Texas Chain Saw Massacre beeinflusste.

Color Me Blood Red (1965)

Adam Sorg ist ein frustrierter und instabiler Maler, der nicht den perfekten Rotton für seine Gemälde finden kann. Nachdem seine Freundin sich versehentlich in den Finger schneidet, verwendet Adam ihr Blut auf der Leinwand und entdeckt, dass es die Farbe ist, nach der er gesucht hat. Als Kritiker sein neues Werk in Color Me Blood Red loben, wächst die Obsession: Adam beginnt, sein eigenes Blut abzuzapfen, erkennt aber bald, dass er für ein Meisterwerk viel mehr „Pigment“ braucht. So beginnt er, seine Modelle zu entführen und in einem mörderischen künstlerischen Delirium auszubluten.

Der dritte Film in Lewis‘ Splatter-Trilogie ist eine groteske Satire auf die Kunstwelt und das Konzept des „gequälten Künstlers“. Weniger hektisch als seine Vorgänger, aber ebenso grafisch, verwendet der Film die Farbe Rot obsessiv und symbolisch. Er wird für die letzte Szene in Erinnerung behalten, in der der Künstler, umgeben von Leichen und seinen blutigen Leinwänden, sein Werk mit einem letzten Akt der Selbstzerstörung vollendet und Themen vorwegnimmt, die in Filmen wie Driller Killer wieder aufgegriffen werden.

1970er: Realistisches Gore & Grindhouse

Das Jahrzehnt der schmutzigen, politischen Gewalt. Beeinflusst vom Vietnamkrieg wurde Splatter realistisch und verstörend. Es war kein Spiel mehr: Es war der pure Horror von The Texas Chain Saw Massacre (das mehr andeutete als zeigte) und vor allem Romeros Dawn of the Dead, in dem Tom Savini die Prothesen-Make-up-Kunst auf ein neues Niveau hob und Köpfe auf der Leinwand explodieren ließ. Das Subgenre Vergewaltigung & Rache wurde geboren (I Spit on Your Grave), in dem grafische Gewalt zum Werkzeug für Rache und Katharsis wurde.

The Wizard of Gore (1970)

Montag der Prächtige ist ein Bühnenillusionist, der extreme Zaubershows aufführt, bei denen er seine weiblichen Freiwilligen auf der Bühne schrecklich verstümmelt (sie wird halbiert, mit Schwertern durchbohrt, gepresst). Am Ende des Acts erscheinen die Frauen dank Massenhypnose unversehrt. Doch die Magie hat einen echten Preis: Die Frauen sterben kurz nach der Show tatsächlich auf genau die gleiche Weise, wie sie auf der Bühne „falsch“ getötet wurden. Ein paar Journalisten beginnen, das Geheimnis zu untersuchen und entdecken, dass Montag versucht, die Struktur der Realität selbst zu verändern.

Dies ist vielleicht Herschell Gordon Lewis‘ intelligentester und philosophischster Film. Unter der Oberfläche des Low-Budget-Gore (Schafsdärme en masse) stellt The Wizard of Gore eine beunruhigende Frage nach der Natur der Wahrnehmung: Was ist real? Was wir sehen oder was wir glauben zu sehen? Montags letzter Monolog ist zu einem Kultklassiker des Kinos geworden, und der Film wurde 2007 geehrt und neu verfilmt, was seinen Status als fundamentales Werk über Voyeurismus und Gewalt als Spektakel bestätigt.

Magnum Force (1973)

Inspektor Harry Callahan (Clint Eastwood), bekannt für seine brutalen Methoden, ermittelt in einer Reihe von Morden an berühmten Kriminellen (Mafiosi, Zuhälter, Drogenhändler), die das Gesetz nicht verurteilen konnte. Die Tötungen werden mit militärischer Präzision von einer mysteriösen Todesschwadron ausgeführt. Harry entdeckt bald, dass die Täter keine Kriminellen sind, sondern eine Gruppe junger, fanatischer und faschistischer Motorradpolizisten, die beschlossen haben, die Gerechtigkeit selbst in die Hand zu nehmen. Harry, obwohl ein harter Kerl, weigert sich, sich ihnen anzuschließen, verteidigt das Prinzip, dass das Gesetz für alle gelten muss, und löst damit einen internen Krieg innerhalb der Polizei aus.

Das zweite Kapitel der Dirty Harry-Saga, geschrieben von John Milius und Michael Cimino, ist dieser Film eine Antwort auf die „Faschismus“-Kritiken, die der erste Film erhalten hatte. Hier kämpft Callahan gegen die echten Faschisten (die Selbstjustiz-Polizisten) und beweist seine moralische Integrität. Obwohl es sich um ein Action-Polizeidrama und keinen Horrorfilm handelt, enthält er Szenen grafischer Gewalt (wie der Zuhälter, der mit Abflussreiniger getötet wird, der ihm die Kehle hinuntergegossen wird), die ihn der Exploitation-Ästhetik der 70er Jahre nahebringen. Spannend, gewalttätig und politisch mehrdeutig.

Jabberwocky (1977)

Im schmutzigen und abergläubischen Mittelalter wird das Königreich von Bruno dem Fragwürdigen von einem schrecklichen Monster, dem Jabberwocky, terrorisiert, das Dörfer zerstört und Bauern frisst. Dennis Cooper (Michael Palin), ein naiver und enterbter junger Küfer, kommt in die Stadt, um sein Glück zu suchen und seine Geliebte Griselda zu erobern (die seine Zuneigung überhaupt nicht erwidert). Durch eine Reihe bürokratischer Missverständnisse und glücklicher Zufälle wird Dennis für den Helden gehalten, der das Biest töten muss, und findet sich bewaffnet im Wald wieder, um sich dem Schrecken zu stellen.

Terry Gilliams erster Solo-Film außerhalb von Monty Python, Jabberwocky ist ein dunkles, satirisches und visuell „schmutziges“ Märchen (überall Schlamm, Blut und verfaulte Zähne). Inspiriert von Lewis Carrolls Unsinn-Gedicht mischt der Film surreale Komödie mit groteskem mittelalterlichem Realismus und Momenten unerwarteten Splatter (das Monster zerstückelt seine Opfer). Es ist eine brillante Parodie des klassischen Heldentums und eine Kritik an Macht, mit einem Kreaturendesign, das ein Meisterwerk praktischer handwerklicher Effekte bleibt.

Female Trouble (1974)

Dawn Davenport (Divine) ist eine problematische Schülerin, die am Weihnachtsmorgen von zu Hause wegläuft, weil ihre Eltern ihr nicht die „Cha-Cha-Heels“ gekauft haben, die sie wollte. Sie beginnt einen Abstieg in Kriminalität und Verderbtheit: Sie wird von einem schmutzigen Anhalter (gespielt von Divine selbst in einer männlichen Rolle) vergewaltigt, wird alleinerziehende Mutter, arbeitet als Prostituierte und Diebin und entstellt sich schließlich mit Säure, um ein „monströses“ Model für ein Paar Friseure zu werden, die predigen, dass „Verbrechen Schönheit ist.“ Ihre Karriere gipfelt in einem Massenmord während einer Show, der sie direkt zum elektrischen Stuhl führt.

John Waters unterzeichnet sein Punk-Manifest über Identität und Ruhm. Female Trouble ist eine ekelhafte und urkomische schwarze Komödie, die schlechten Geschmack als Kunstform feiert. Divine liefert eine titanische Leistung, verwandelt sich von einem verwöhnten Teenager in ein entstelltes Monster und verkörpert die These des Films: Schönheit ist eine Konvention und Berühmtheit ist mehr wert als das Leben selbst. Ein Kultklassiker des Camp und queeren Kinos, der der bürgerlichen Moral ins Gesicht spuckt.

Dawn of the Dead (1978)

Während die Zombie-Apokalypse die amerikanische Gesellschaft zum Zusammenbruch bringt, stehlen vier Überlebende (zwei SWAT-Beamte und ein TV-Journalistenpaar) einen Hubschrauber und suchen Zuflucht auf dem Dach eines riesigen Einkaufszentrums in Pennsylvania. Nachdem das Innere von den lebenden Toten geräumt ist, verbarrikadieren sich die vier im Inneren und leben monatelang im ungezügelten Luxus der Geschäfte, umgeben von allem, was sie sich wünschen könnten. Doch ihre konsumistische Utopie in Dawn of the Dead wird durch Langeweile, innere Spannungen und schließlich die Ankunft einer Bande menschlicher Plünderer bedroht, die die Verteidigungen zerstören und die Zombiehorde zum letzten Fest hereinlassen.

George A. Romeros Meisterwerk ist nicht nur der beste Zombie-Film aller Zeiten, sondern auch eine scharfe Gesellschaftssatire auf den Konsumismus. Die Zombies, die aus einem „Gedächtnisinstinkt“ durch das Einkaufszentrum wandern, sind ein Spiegelbild der amerikanischen Käufer. Mit Tom Savinis revolutionären Splattereffekten (explodierende Köpfe, realistische Ausweidungen) ist der Film ein Orgasmus aus farbenfroher und cartoonhafter Gewalt, der unterhält und zum Nachdenken anregt. Es ist das Werk, das die modernen Regeln des Survival-Horror-Genres definierte.

I Spit on Your Grave (1978)

Jennifer Hills, eine junge Schriftstellerin aus der Stadt, mietet ein abgelegenes Haus im Wald, um in Ruhe an ihrem Roman zu arbeiten. Ihre Anwesenheit zieht die Aufmerksamkeit von vier Einheimischen auf sich, die sie zu belästigen beginnen, bis sie in ihr Haus eindringen. Jennifer wird brutal geschlagen, wiederholt vergewaltigt und im Wald zum Sterben zurückgelassen. Doch sie überlebt. Wieder bei klarem Verstand, verwandelt sie sich in einen kalten und methodischen Racheengel, der ihre Angreifer einzeln ködert, um sie auf grausame Weise zu töten, die der Gewalt entspricht, die sie erlitten hat (Kastration, Erhängen, Axt).

Dieser Film ist der Urvater des Rape & Revenge-Subgenres und einer der umstrittensten Filme der Geschichte, der jahrzehntelang in vielen Ländern verboten war. In einem rohen und unangenehmen Stil gedreht, ohne Musik und mit langen Sequenzen von Echtzeit-Gewalt, bietet er dem Zuschauer keine einfache Katharsis. Während der erste Teil eine Erfahrung reinen Leidens ist, ist der zweite ein Abstieg in biblische und blutige Gerechtigkeit. Kritisiert wegen Frauenfeindlichkeit, aber als radikales feministisches Kino verteidigt, bleibt I Spit on Your Grave ein unvergesslicher Schlag in die Magengrube.

1980er: Das goldene Zeitalter der praktischen Effekte

Der Boom von Latex, Maissirup und Mechanik. Die 80er waren die Renaissance des Splatterfilms dank der Spezialeffekt-Genies (Rob Bottin, Rick Baker). Körper schmolzen, mutierten und deformierten sich auf kreative und spektakuläre Weise (The Thing, The Fly). „Splatstick“ wurde ebenfalls geboren (Evil Dead II), bei dem übermäßiges Blut so übertrieben wurde, dass es zur Slapstick-Komödie wurde. Es war die Ära, in der Gore zum Pop wurde.

Maniac (1980)

Frank Zito ist ein mittelalter, schizophrenischer und einsamer Mann, der in einer schäbigen New Yorker Wohnung voller Schaufensterpuppen lebt. Traumatisiert durch Missbrauch seiner Mutter (die Prostituierte war), geht Frank nachts hinaus, um junge Frauen brutal zu ermorden, indem er ihnen die Köpfe abschlägt, um seine Schaufensterpuppen „anzukleiden“ und mit ihnen zu sprechen, als wären sie seine Geliebten. Als er Anna trifft, eine Fotografin, die ihn zu verstehen scheint, versucht Frank, seine Impulse zu unterdrücken, doch seine zerrissene Psyche lässt ihm keine Flucht vor seinem mörderischen Schicksal.

Regie führte William Lustig, Maniac ist ein dreckiger, urbaner und psychologischer Slasher, der sich dadurch auszeichnet, dass er vollständig in den Kopf des Killers eintaucht (wir hören sein schweres Atmen und seine wahnhaften Gedanken). Joe Spinell, der auch das Drehbuch schrieb, liefert eine verschwitzte und erbärmliche Darstellung, die das Monster erschreckend menschlich macht. Die Spezialeffekte von Tom Savini (einschließlich der berühmten Schrotflinten-Szene, in der ein Kopf in Zeitlupe explodiert) sind der Höhepunkt des handwerklichen Gore der 80er Jahre. Ein unverfälschtes Porträt des Wahnsinns.

Cannibal Holocaust (1980)

Ein Anthropologie-Professor reist in den Amazonas-Regenwald, um eine Gruppe junger Dokumentarfilmer zu suchen, die verschwunden sind, während sie versuchten, lokale Stämme zu filmen. Er findet nur die Filmrollen, die, einmal zurück in New York, einen unaussprechlichen Horror in Cannibal Holocaust offenbaren: Die Filmemacher waren keine Opfer, sondern sadistische Peiniger, die indigene Dörfer vergewaltigten, töteten und verbrannten, um sensationelle Szenen zu schaffen, was die legitime und grausame kannibalistische Rache des Stammes auslöste.

Regie führte Ruggero Deodato, dies ist der kontroverseste Film der Filmgeschichte, der Vater des Found Footage-Genres (dreißig Jahre vor The Blair Witch Project). Sein Realismus war so groß, dass der Regisseur wegen des tatsächlichen Mordes an den Schauspielern verhaftet wurde und sie vor Gericht bringen musste, um zu beweisen, dass sie am Leben sind. Ein nihilistisches Werk, das die Heuchelei der westlichen Medien kritisiert, berühmt für die echten Tiermorde am Set und für eine grafische Gewalt, die bis heute fast unerträglich bleibt.

The Long Riders (1980)

Nach dem Bürgerkrieg wird die James-Younger-Gang, bestehend aus Blutsbrüdern, legendär für ihre Bank- und Zugüberfälle im Mittleren Westen, geschützt von der lokalen Bevölkerung, die sie als rebellische Helden gegen die nördlichen Banken sieht. Doch die Pinkerton-Detektei ist entschlossen, sie auszurotten. In The Long Riders baut sich die Spannung bis zum katastrophalen versuchten Überfall auf die Bank in Northfield, Minnesota, auf, wo die Gang in eine tödliche Falle gerät und in einem brutalen und blutigen Schusswechsel dezimiert wird.

Walter Hill inszeniert einen einzigartigen Twilight-Western, berühmt dafür, echte Schauspielerbrüder (die Carradines, die Keaches, die Quaids) als Gesetzlose zu besetzen. Obwohl ein eleganter historischer Film, wird er für seine Explosionen von Sam Peckinpah-artiger Splatter-Gewalt gefeiert: Kugeln zerreißen Körper mit grafischen Zeitlupeneffekten (Squibs) und zeigen die physische Verwüstung durch Schusswaffen auf rohe und realistische Weise, fernab vom sauberen Heroismus des klassischen Westerns.

City of the Living Dead (1980)

In der Stadt Dunwich, errichtet auf den Ruinen von Salem, öffnet der Selbstmord eines Priesters auf einem Friedhof buchstäblich die Tore zur Hölle. Während ein Medium in Trance fällt und Gefahr läuft, lebendig begraben zu werden, beginnen die Toten nicht als klassische Zombies zu steigen, sondern als spektrale Wesen, die teleportieren können und mit einem Blick töten, wodurch die Opfer ihre eigenen Eingeweide erbrechen oder ihre Schädel mit bloßen Händen zerquetschen. In City of the Living Dead müssen ein Journalist und das Medium das Portal vor dem Allerheiligen-Tag schließen, sonst wird die Apokalypse unumkehrbar sein.

Lucio Fulci eröffnet seine „Gates of Hell-Trilogie“ mit einem lovecraftschen Albtraum (Dunwich ist eine Hommage an den Schriftsteller), in dem die narrative Logik der reinen Atmosphäre weicht. Der Film ist eine Abfolge unvergesslicher und extremer Splatter-Set-Pieces – einschließlich der berühmten Bohrkopf-durch-den-Kopf-Szene – unterstützt von Nebel, blauen Lichtern und einem Gefühl kosmischen Verfalls. Es ist viszeraler und traumhafter Horror, der mehr den Magen als den Verstand treffen soll.

The Evil Dead (1981)

Fünf College-Freunde mieten für ein Wochenende eine abgelegene Hütte im Wald von Tennessee. Im Keller finden sie einen alten Kassettenrekorder und ein Buch, gebunden in Menschenhaut, das Necronomicon Ex-Mortis. Beim Anhören des Bandes in The Evil Dead erwecken sie unbeabsichtigt eine uralte dämonische Kraft, die im Wald lebt. Einer nach dem anderen werden die Jugendlichen besessen und in groteske, kichernde „Deadites“ verwandelt, was den einzigen Überlebenden, Ash, zwingt, die Körper seiner Freunde mit Axt und Kettensäge zu zerstückeln, um die Nacht zu überleben.

Sam Raimis Low-Budget-Debüt ist eine Lektion im Filmemachen: Mit wenig Geld und viel Einfallsreichtum (die „shaky cam“ auf Holzplanken montiert) schuf er einen hektischen, gewalttätigen und klaustrophobischen Horror. Es ist reiner handwerklicher Splatter: Liter von gefärbten Flüssigkeiten, schweres Make-up und eine Atmosphäre unerbittlichen Terrors, die keine Atempause lässt. Es ist der Film, der die Ikone Bruce Campbell ins Leben rief und die Ästhetik des „Hütten-Horrors“ für Jahrzehnte prägte.

Tenebrae (1982)

Der amerikanische Schriftsteller Peter Neal kommt nach Rom, um seinen neuesten Bestseller Tenebrae zu promoten. Kaum angekommen, entdeckt er, dass ein Serienmörder Frauen nach den in seinem Buch beschriebenen Methoden ermordet und den Opfern Seiten des Romans in den Mund stopft. Während die Polizei ratlos ist, gerät Neal in eine Untersuchung, die ein vergangenes Trauma und eine ansteckende Wahnsinnigkeit offenbart, die in einem Grand Guignol-Finale gipfelt, bei dem das Blut buchstäblich die Wände einer modernistischen Villa weiß färbt.

Nach der übernatürlichen Zwischenspiel von Suspiria und Inferno kehrt Dario Argento mit einem kalten, hyperbeleuchteten und äußerst gewalttätigen Film zum Thriller zurück. Tenebrae ist berühmt für die Axt-Arm-Amputationsszene (ein zu der Zeit schockierender praktischer Spezialeffekt) und den virtuosen Einsatz der Kamera (die berühmte Aufnahme mit dem „Louma“-Kran, der über das Haus klettert). Es ist ein Giallo, das über Frauenfeindlichkeit und Wahnsinn reflektiert und Mord in eine blutige ästhetische Performance verwandelt.

Demons (1985)

Eine vielfältige Gruppe von Menschen wird zu einer Vorpremiere eines Horrorfilms im geheimnisvollen Metropol-Kino in West-Berlin eingeladen. In dem gezeigten Film erwecken einige Jugendliche einen Fluch von Nostradamus; im Kino ritzt sich ein Zuschauer an einer im Foyer ausgestellten Maske und verwandelt sich in einen blutrünstigen Dämon. In Demons breitet sich die Infektion schnell unter dem Publikum aus: Jeder Verletzte wird zum Monster. Gefangen im ausgangslosen Kino müssen die Überlebenden gegen eine wachsende Horde von Kreaturen in einem Kampf auf Leben und Tod zwischen den roten Sitzen kämpfen.

Produziert von Dario Argento und inszeniert von Lamberto Bava, ist dies der Inbegriff des italienischen „Popcorn-Horrors“. Mit einem Heavy-Metal-Soundtrack (Billy Idol, Mötley Crüe), gummiartigen Splatter-Spezialeffekten und einem halsbrecherischen Tempo ist Demons purer 80er-Spaß. Er setzt auf visuelle Wirkung statt Logik: grüner Eiter, Krallen, Motorräder, die im Kino fahren, und abgetrennte Köpfe. Ein exzessiver Kultklassiker, der das Kino als Ort körperlicher Gefahr feiert.

Nekromantik (1987)

Rob Schmadtke arbeitet für eine Agentur, die Straßen nach tödlichen Verkehrsunfällen säubert. Sein Privatleben mit seiner Freundin Betty dreht sich um eine gemeinsame Perversion: Nekrophilie. Eines Tages gelingt es Rob, eine vollständig verwesende Leiche zu stehlen und sie als „Geschenk“ mit nach Hause zu bringen, um ihr Sexualleben aufzupeppen. In Nekromantik, als er seinen Job verliert und Betty mit der Leiche durchbrennt (die sie ihm vorzieht), stürzt Rob in eine Spirale der Verzweiflung, die ihn zu einem finalen Akt ekstatischer Selbstzerstörung vor dem Fernseher führt.

Gedreht auf Super-8 in Westdeutschland, ist dieser Film von Jörg Buttgereit ein Underground-Kultwerk, das wegen seines tabuisierten Inhalts überall verboten und beschlagnahmt wurde. Trotz der schockierenden Prämisse ist es ein melancholischer Film über Einsamkeit und die Unfähigkeit, sich auf Lebende einzulassen. Die selbstgemachten, aber realistischen Spezialeffekte (hergestellt aus Tierinnereien) und der romantische Klavier-Soundtrack schaffen einen verstörenden Kontrast, der Nekromantik zu einem einzigartigen Erlebnis macht, das zwischen Ekel und einer seltsamen makabren Poesie schwebt.

Bad Taste (1987)

Die fiktive Stadt Kaihoro in Neuseeland wurde von Außerirdischen überfallen, die die gesamte Bevölkerung massakriert und in Kisten verpackt haben, um sie als Fleisch für eine intergalaktische Fast-Food-Kette zu verkaufen. Die Regierung schickt eine zusammengewürfelte Spezialeinheit, „The Boys“, um sie aufzuhalten. Bewaffnet mit Maschinengewehren, Kettensägen und einem alten Käfer, führen die vier Agenten (darunter einer, der Teile seines Gehirns verliert und seinen Kopf mit einem Gürtel zusammenhalten muss) in Bad Taste einen Splatter-Krieg gegen die Invasoren, die wie tollpatschige Menschen in blauen Hemden aussehen, sich aber in deformierte Monster verwandeln.

Das Debüt von Peter Jackson (zukünftiger Regisseur von Der Herr der Ringe) ist ein Triumph des „Do It Yourself“. An Wochenenden mit Freunden über vier Jahre gedreht, ist es eine verrückte und kreative Splatter-Komödie. Jackson erfindet unglaubliche visuelle Lösungen bei null Budget, darunter Außerirdische, die in Schüsseln erbrechen, um zu essen, und urkomische Enthauptungsszenen. Es ist der Film, der „Splatstick“ (Splatter + Slapstick) definierte und bewies, dass Genie sogar in einer Garage voller Kunstblut geboren werden kann.

1990er: Extremismus & Peter Jackson

Während Hollywood mit CGI aufräumte, gab das Underground-Kino Vollgas. Dies ist das Jahrzehnt, in dem Peter Jackson mit Braindead (dem blutigsten Film der Geschichte) die unübertroffene Grenze definierte. Parallel dazu begann in Asien und Europa das extreme Kino aufzutauchen, das Manga-Gewalt mit realistischem Horror mischte und den Weg für die Brutalität des neuen Jahrtausends ebnete.

Riki-Oh: Die Geschichte von Ricky (1991)

In einer dystopischen Zukunft (2001) sind Gefängnisse privatisiert und werden wie brutale Gulags geführt. Ricky Ho, ein junger Kampfkünstler mit übermenschlicher Stärke und der Fähigkeit, Wunden mit Qigong zu heilen, wird wegen Tötung eines Drogenbosses inhaftiert. Im Gefängnis in Riki-Oh: Die Geschichte von Ricky weigert er sich, sich dem korrupten System zu unterwerfen, das vom sadistischen Gefängnisdirektor und der „Gang der Vier“ geführt wird. Sein Aufstand verwandelt sich in ein Blutbad: Ricky sprengt Feinde buchstäblich mit Schlägen, häutet Gliedmaßen und benutzt die Därme seiner Gegner, um sie zu erwürgen.

Adaptiert von einem japanischen Manga, ist dieser Hongkong-Film berühmt dafür, einer der grafischsten und absurdesten Martial-Arts-Filme aller Zeiten zu sein. Physik existiert nicht: Köpfe werden wie Wassermelonen zerquetscht, Fäuste durchschlagen Bäuche, und Blut spritzt wie Geysire. Trotz der extremen Gewalt ist der Ton so übertrieben und cartoonhaft („Camp“), dass es urkomisch wird. Ein absoluter Kultklassiker des asiatischen Trash-Kinos, geliebt für seinen völligen Mangel an Realismus und Hemmungen.

Braindead (1992)

Lionel ist ein schüchterner Junge, der mit seiner despotischen Mutter in einer großen Villa lebt. Als seine Mutter im Zoo von einer „Sumatra-Rattenaffe“ gebissen wird, erkrankt sie, stirbt und erhebt sich als hungriger Zombie. Lionel versucht, das Problem zu verbergen, hält seine Mutter und ihre ersten Opfer (eine Krankenschwester, einen Ninja-Priester) im Keller sediert, doch die Infektion gerät während einer Hausparty außer Kontrolle. Das Ergebnis in Braindead (auch bekannt als Dead Alive) ist eine Orgie der Untoten, der sich Lionel mit einem an seine Brust geschnallten Rasenmäher stellen muss.

Dies ist Peter Jacksons definitives Splatter-Meisterwerk und vielleicht der blutigste Film der Geschichte (für die letzte Szene wurden allein 300 Liter Kunstblut verwendet). Es ist eine rasante Horror-Komödie, die Ekel bis zur befreienden Komik treibt. Jede Szene versucht, die vorherige in kreativer Gore-Darstellung zu übertreffen: wandelnde Därme, Zombies beim Sex und bei der Geburt sowie das legendäre Rasenmäher-Massaker. Ein Monument des handwerklichen Kinos, das das Genre an seine extreme und unerreichbare Grenze führt.

2000er: Torture Porn & Neue Französische Extreme

Nach dem 11. September änderte sich das Gesicht des Horrors. „Torture Porn“ entstand (Saw, Hostel): Filme, die sich auf die Mechanik des Leidens und die anatomische Zerstörung des menschlichen Körpers konzentrieren und die Ängste des Kriegs gegen den Terror widerspiegeln. In Europa reagierte Frankreich mit der Neuen Französischen Extreme (Martyrs, Inside), einer Welle ultra-gewalttätiger Autorenfilme, die Blut nutzen, um philosophische und politische Grenzen zu erforschen.

Versus (2000)

Im mysteriösen „Wald der Auferstehung“, einem Ort mit 444 Portalen, die unsere Welt mit dem Jenseits verbinden, geraten ein entflohener Gefangener (bekannt nur als KSC2-303) und eine Gruppe Yakuza in einen Konflikt um den Besitz eines Mädchens, das den Schlüssel zur ewigen Macht hält. Doch es gibt ein Problem: Jeder, der in diesem Wald stirbt, erhebt sich sofort als mit Waffen bewaffneter Zombie. In Versus beginnt eine unendliche Schleife von Kämpfen, Todesfällen, Auferstehungen und weiteren Kämpfen, eingebettet in Samurai-Schwerter, John Woo

Ryuhei Kitamura inszeniert einen Film, der reines Low-Budget-Adrenalin ist. Versus ist eine verrückte Mischung aus Highlander, Matrix und The Evil Dead, der fast vollständig in einem einzigen Wald gedreht wurde. Die Handlung dient als Vorwand für stilisierte Kampfchoreografien und übertriebene Splatter-Gewalt. Es ist ein Film, der das Konzept von „Cool“ über alles stellt: plastische Posen, Sonnenbrillen, Lederjacken und digitales Blut. Ein Action-Horror-Kultklassiker, der das japanische Genrekino des neuen Jahrtausends neu definierte.

Baise-moi (2000)

Manu und Nadine sind zwei Frauen am Rande der französischen Gesellschaft, die nach einer brutalen Gruppenvergewaltigung bzw. dem Zeugen eines Mordes an einer Mitbewohnerin zufällig aufeinandertreffen und beschließen, mit nihilistischer Gewalt zu reagieren. Bewaffnet mit einer Waffe und ohne etwas zu verlieren, begeben sie sich in Baise-moi auf eine On-the-Road-Reise quer durch Frankreich und verwandeln sich in Serienmörderinnen, die Männer ermorden, Sex haben und Drogen konsumieren in einer Spirale der Selbstzerstörung ohne Rückkehr.

Regie führten die Autorin Virginie Despentes (die auch den Roman schrieb) und die ehemalige Pornodarstellerin Coralie Trinh Thi. Dieser skandalöse Film mischt echte Pornografie mit Splatter und Sozialdrama. Es ist eine punkige, dreckige und feministische Version von Thelma & Louise, in der Gewalt nicht ästhetisiert, sondern roh und verstörend dargestellt wird. In vielen Ländern wegen seiner unsimulierten Sexszenen und grafischen Brutalität zensiert, bleibt er ein Manifest des „Neuen französischen Extremismus“, das Schock nutzt, um systemische Frauenfeindlichkeit anzuprangern.

Ichi the Killer (2001)

Als der Yakuza-Boss Anjo zusammen mit einer großen Summe Geld verschwindet, beginnt sein sadistischer rechter Hand Kakihara eine gnadenlose Hetzjagd, um ihn zu finden. Seine Ermittlungen, die durch kreative Folter und extremen Masochismus geführt werden, führen ihn auf die Spur von Ichi, einem schüchternen und instabilen jungen Mann, der, psychologisch von einem mysteriösen alten Mann manipuliert, sich in eine weinende Tötungsmaschine verwandelt, die Menschen mit der in seinem Stiefelabsatz versteckten Klinge halbieren kann. In Ichi the Killer sieht Kakihara, der außer durch Schmerz kein Vergnügen empfinden kann, in Ichi keinen Feind, sondern den perfekten Gegner, der ihn töten kann.

Takashi Miike liefert den gewalttätigsten, exzessivsten und verrücktesten Film seiner Karriere ab. Basierend auf dem Manga von Hideo Yamamoto ist es ein Splatter-Kunstwerk, das die Grenzen der grafischen Darstellung (Eingeweide, die an Wänden herunterrutschen, abgeschnittene Zungen, Verstümmelungen) bis ins Groteske und Surreale ausreizt. Trotz der Blutströme ist es ein komplexer Film über die perverse Natur des Verlangens, die Beziehung zwischen Opfer und Henker und Gewalt als einzige mögliche Sprache in einer entfremdeten Welt.

Cabin Fever (2002)

Fünf frischgebackene Hochschulabsolventen mieten eine abgelegene Hütte im Wald, um zu feiern. Ihr Urlaub verwandelt sich in einen Albtraum, als ein örtlicher Einsiedler, bedeckt mit Wunden und Blut, sie um Hilfe bittet. Verängstigt setzen sie ihn versehentlich in Brand, doch nicht bevor sie mit seinem Blut in Kontakt gekommen sind. Bald entdecken sie, dass der Mann Träger eines blitzschnellen fleischfressenden Virus war, das beginnt, ihre Körper von innen heraus zu verzehren. Gefangen im Wald in Cabin Fever, ohne Kontakt zur Außenwelt und von feindseligen Einheimischen gejagt, müssen die Freunde sich nicht nur der Krankheit stellen, die sie lebendig auflöst, sondern auch der Paranoia und gegenseitigen Abscheu.

Eli Roths Regiedebüt ist eine kluge und viszerale Hommage an den Horror der 70er und 80er Jahre (The Evil Dead, The Texas Chain Saw Massacre). Roth nutzt Gore nicht nur, um Angst zu erzeugen, sondern um eine schwarze Komödie über die Eitelkeit und Selbstsucht der amerikanischen Jugend zu schaffen. Der wahre Horror ist nicht das Virus, sondern die Geschwindigkeit, mit der Freundschaft angesichts der Ansteckung zerfällt. Berühmt für seine ekelerregenden Szenen (wie die Beinhaar-Rasur), belebte es das Genre des Body Horror im neuen Jahrtausend wieder.

Saw (2004)

Zwei Männer, der Fotograf Adam und Dr. Lawrence Gordon, wachen angekettet an gegenüberliegenden Seiten eines heruntergekommenen Industrie-Badezimmers auf, mit einer Leiche in einer Blutlache zwischen ihnen. Durch Tonbandgeräte, die sie in ihren Taschen finden, erfahren sie, dass sie Spielfiguren in dem sadistischen Spiel eines Serienmörders namens Jigsaw sind. Der Killer tötet seine Opfer nicht direkt, sondern platziert sie in tödlichen Fallen, aus denen sie nur entkommen können, indem sie extreme körperliche Opfer bringen, um zu beweisen, wie sehr sie ihr Leben schätzen. In Saw hat Gordon nur wenige Stunden, um Adam zu töten, sonst sterben seine Frau und Tochter.

James Wan revolutionierte den modernen Horror mit einem Low-Budget-Psychothriller, der eine Milliarden-Dollar-Franchise hervorbrachte. Es ist kein einfacher Splatter: Es ist ein klaustrophobisches und moralisches Rätsel, das den Zuschauer zwingt, unbequeme ethische Fragen zu stellen („Was wärst du bereit abzuschneiden, um zu überleben?“). Mit einem Wendungsende, das in die Filmgeschichte einging, definierte der Film die Ästhetik des „Torture Porn“ (obwohl das erste Kapitel im Vergleich zu den Fortsetzungen viel psychologischer als grafisch ist).

The Devil’s Rejects (2005)

Einige Monate nach den Ereignissen von House of 1000 Corpses wird das Farmhaus der Firefly-Familie von der Polizei unter der Leitung von Sheriff Wydell belagert, der entschlossen ist, den Tod seines Bruders zu rächen. Während Mutter Firefly gefangen genommen wird, gelingt es den beiden Kindern Otis und Baby zu entkommen und sich mit ihrem Vater, Captain Spaulding, zu vereinen. Ein blutiger und wahnsinniger Roadmovie beginnt quer durch Texas in The Devil’s Rejects, wo die drei Serienmörder in einem Motel Panik verbreiten, jeden foltern und töten, den sie treffen, während Sheriff Wydell allmählich dem Wahnsinn verfällt und sadistischer wird als die Monster, die er jagt.

Rob Zombie verlässt die cartoonhafte Horrorästhetik des ersten Films, um ein rohes, schmutziges und realistisches Meisterwerk zu drehen, das dem Exploitation-Kino der 70er Jahre huldigt. Es ist ein verstörender Film, weil er das unmögliche Kunststück vollbringt, uns mit psychopathischen Monstern mitfühlen zu lassen, indem er sie als eine vereinte Familie gegen eine heuchlerische Welt zeigt. Gewaltvoll, vulgär und nihilistisch endet er mit einem der epischsten und bewegendsten Schlusssequenzen des Genres, untermalt von „Free Bird“.

Wolf Creek (2005)

Drei junge Wanderer (zwei britische Mädchen und ein australischer Junge) reisen in das australische Outback, um den Meteoritenkrater Wolf Creek zu besuchen. Als ihr Auto nicht anspringt, nehmen sie die Hilfe von Mick Taylor an, einem exzentrischen örtlichen Jäger, der anbietet, sie zu seinem Lager zu ziehen und das Problem zu beheben. Was wie eine glückliche Begegnung erscheint, entpuppt sich in Wolf Creek als Falle: Taylor ist ein fremdenfeindlicher Psychopath, der es genießt, Touristen („ausländisches Ungeziefer“) in seinem privaten Schlachthaus in der Wüste zu foltern und zu zerstückeln.

Locker basierend auf realen australischen Kriminalfällen (den „Backpacker-Morden“) ist Greg McLeans Film eine Übung in purem und realistischem Terror. Die erste Hälfte ist langsam und naturalistisch, darauf ausgelegt, dass wir die Figuren ins Herz schließen; die zweite ist eine Explosion des Sadismus, die keinen Ausweg bietet. Mick Taylor (gespielt von John Jarratt) hat Einzug in das Pantheon der Horror-Schurken gehalten: ein Mann, der lacht und Witze macht, während er Schmerz zufügt, die Verkörperung der Brutalität, die in Australiens wilder Landschaft verborgen liegt.

Hostel (2005)

Paxton und Josh, zwei amerikanische College-Studenten, die mit ihrem isländischen Freund Oli durch Europa reisen, werden von einem Mann, den sie in Amsterdam treffen, zu einem Hostel in der Slowakei geführt, das als Paradies voller schöner und leicht zu habender Frauen beschrieben wird. Dort scheint alles perfekt, doch bald beginnen die Jungen zu verschwinden. Sie entdecken, dass das Hostel eine Tarnung für den Elite Hunting Club ist, eine kriminelle Organisation, die Touristen entführt, um sie an reiche Geschäftsleute aus aller Welt zu verkaufen, die exorbitante Summen dafür zahlen, das Recht zu haben, sie in geheimen Räumen zu foltern und zu töten.

Produziert von Quentin Tarantino und inszeniert von Eli Roth, ist Hostel der Film, der „Torture Porn“ als Massenphänomen etablierte. Über die extreme grafische Gewalt hinaus (Bohrer, durchtrennte Sehnen, verbrannte Augen) ist der Film eine zynische Satire auf Kapitalismus und westlichen Sextourismus: Die Protagonisten behandeln osteuropäische Frauen wie konsumierbares Fleisch, nur um selbst zur Ware auf einem globalen Todesmarkt zu werden. Ein unangenehmer und kraftvoller Film, der die Ängste der Post-9/11-Ära widerspiegelt.

Turistas (2006)

Eine Gruppe junger internationaler Touristen (Amerikaner, Briten, Australier) verpasst in einer abgelegenen Gegend Brasiliens ihren Bus und beschließt, den Tag an einem paradiesischen Strand mit einer Bar im Sand zu verbringen. Nach einer Nacht voller Partys und mit Drogen versetzten Cocktails wachen sie ausgeraubt und im Dschungel verloren auf. Auf der Suche nach Hilfe gelangen sie in die Villa eines örtlichen Chirurgen, der eine Organhandelsorganisation betreibt. In Turistas rechtfertigt der Arzt seine Verbrechen als eine Form sozialer Wiedergutmachung: Er entnimmt Organe von reichen „Gringos“, um sie armen brasilianischen Kindern zu spenden.

Oft als Hostel-Klon abgetan, ist dies tatsächlich ein spannender und gut gefilmter Survival-Thriller (alles an Originalschauplätzen und in Unterwasserhöhlen, keine Kulissen). Die Szene der lebenden Organentnahme wurde berüchtigt für ihren chirurgischen Realismus. Der Film berührt die Urangst, in einem fremden Land verletzlich zu sein, und kehrt die Rhetorik des „Abenteuerreisens“ um, indem er das tropische Paradies in einen ethischen Schlachthof verwandelt.

Hostel: Part II (2007)

Drei amerikanische Kunststudenten in Rom beschließen, ein Wochenende in einem Spa in der Slowakei zu verbringen, überzeugt von einem Model, das sie zufällig getroffen haben. Sie geraten in dieselbe Falle wie im ersten Film, doch diesmal teilt sich die Erzählung in Hostel: Part II: Wir folgen den Opfern, aber auch den Tätern. Wir sehen zwei normale amerikanische Geschäftsleute, die an der Online-Auktion teilnehmen, die Mädchen kaufen und in die Slowakei reisen, um ihren ersten Mord zu begehen, was die Banalität und Bürokratie hinter dem Horror zeigt.

Eli Roth schafft eine Fortsetzung, die den Vorgänger an Intelligenz und Stil übertrifft. Mehr als Folter (die vorhanden und extrem ist, siehe die „Blutbad“-Szene, inspiriert von Elizabeth Báthory) konzentriert sich der Film auf die Psychologie derjenigen, die für das Töten bezahlen. Es ist ein pervers feministischer Film: Er kehrt die Erwartungen des klassischen Slasher-Films um und führt das „Final Girl“ zu einer wirtschaftlichen und kastrierenden (im wahrsten Sinne des Wortes) Rache, die reine Splatter-Befriedigung ist.

Borderland (2007)

Drei texanische Freunde überqueren die Grenze nach Mexiko für ein Wochenende voller Alkohol und Spaß vor ihrem Abschluss. Während einer wilden Nacht wird einer von ihnen von einem Drogenhandelskult entführt. Die beiden verbleibenden Freunde entdecken mit Hilfe eines ehemaligen mexikanischen Polizisten, dass das örtliche Kartell Menschenopfer praktiziert, inspiriert von präkolumbianischen Kulten (Palo Mayombe), um magischen Schutz für ihre Drogenlieferungen zu gewährleisten. Borderland beginnt einen Abstieg in realistischen Horror, basierend auf der wahren Geschichte des Serienmörders Adolfo Constanzo.

Dieser Film ist ein Schlag in die Magengrube, der Krimi mit übernatürlichem Horror mischt. Es gibt keine Monster, nur Menschen, die glauben, dass der Schmerz anderer ihnen Macht verleiht. Die Gewalt ist trocken, schmutzig und frei von Ironie. Es ist ein spannender und beklemmender Thriller, der Aberglauben und Kartellbrutalität erforscht und sich durch einen ernsten und tragischen Ansatz hervorhebt, der ihn über den Durchschnitts-„Touristen in Gefahr“-Horror erhebt.

Gefangenschaft (2007)

Jennifer Tree ist ein weltberühmtes Topmodel, gewohnt, beobachtet zu werden. Nachdem sie bei einer Wohltätigkeitsveranstaltung betäubt wurde, wacht sie in einer Betonzelle auf. Ein sadistischer Entführer unterzieht sie psychischer und physischer Folter, zwingt sie, menschliches Fleisch in Smoothies zu essen und Videos ihres Privatlebens anzusehen. In der Nachbarzelle befindet sich Gary, ein weiterer Gefangener. Die beiden versuchen gemeinsam zu fliehen, doch in Gefangenschaft entdeckt Jennifer zu spät, dass Gary kein Opfer, sondern der Architekt ihres Alptraums ist, ein Mann, der besessen davon ist, sie zu „zerstören“, um sie dann „wieder aufzubauen“.

Regie führte Roland Joffé (Regisseur von The Mission und The Killing Fields). Der Film wurde von Kritikern wegen seiner aggressiven Werbekampagne („Torture Porn“) zerrissen, ist aber ein eleganter und glänzender psychologischer Thriller. Inspiriert von italienischen Giallo-Filmen (schwarze Handschuhe, Neonlichter), erforscht er Voyeurismus und Prominenz. Obwohl die Handlung Lücken aufweist, ist er visuell ein sorgfältiger Film, der Gefangenschaft in ein perverses Spiel aus Blicken und Täuschung verwandelt.

Ich weiß, wer mich getötet hat (2007)

Aubrey Fleming, eine Musterschülerin und talentierte Pianistin, verschwindet in einer Kleinstadt. Zwei Wochen später wird sie im Wald gefunden, verstümmelt (eine Hand und ein Bein fehlen), aber am Leben. Beim Aufwachen im Krankenhaus behauptet das Mädchen jedoch, nicht Aubrey, sondern Dakota Moss zu sein, eine Stripperin aus einer anderen Stadt, die Aubrey nie getroffen hat. Niemand glaubt ihr und hält es für PTBS, doch Dakota behauptet, dass in Ich weiß, wer mich getötet hat Aubrey noch Gefangene des „Blue Ribbon“-Serienmörders ist und die Wunden, die an ihrem Körper erscheinen, jene sind, die der Mörder der echten Aubrey in Echtzeit zufügt.

Dieses Lindsay Lohan-Vehikel wurde wegen seiner absurden Handlung zu einem Trash-Kultklassiker, besitzt aber einen unbestreitbaren Charme. Es ist ein halluzinatorischer Neo-Giallo, der Dario Argentos Tenebrae mit Lynchs Mulholland Drive mischt und hypersättigte Farben (Blau und Rot) verwendet, um die beiden Persönlichkeiten zu unterscheiden. Trotz fragwürdiger Schauspielkunst und Razzie-Auszeichnungen ist es ein visuell kühner und blutiger Film (Folter-/Amputationsszenen sind explizit), der das Thema des Doppelgängers auf kitschige, aber faszinierende Weise erkundet.

WΔZ (2007)

Detective Eddie Argo, ein desillusionierter Veteran, der Ganggewalt toleriert, um einen Anschein von Ordnung aufrechtzuerhalten, findet sich in der Untersuchung einer Reihe von verstümmelten Leichen in den Slums Londons wieder. In jeden Körper ist die Gleichung „WΔZ“ (die Preis-Gleichung zum genetischen Altruismus) eingeritzt. Argo und sein neuer Partner entdecken, dass der Täter nicht einfach mordet, sondern die Opfer vor eine unmögliche Wahl stellt: töte die Person, die du am meisten liebst, oder opfere dich selbst durch langsame, grausame Folter.

Regie führte Tom Shankland, und es handelt sich um einen düsteren und nihilistischen Thriller, der die Ästhetik von Se7en mit philosophischem Torture Porn verbindet. Es ist kein einfacher Splatterfilm, sondern eine brutale Untersuchung menschlichen Egoismus. Stellan Skarsgård liefert eine schmerzhafte Darstellung in einem Film, der Gore nutzt, um eine erschreckende wissenschaftliche These zu verdeutlichen: selbstlose Liebe existiert nicht, und angesichts extremer Schmerzen sind wir alle bereit, diejenigen zu verraten, die wir lieben, um zu überleben.

Rendition (2007)

Anwar El-Ibrahimi, ein ägyptisch-amerikanischer Chemieingenieur, der mit seiner schwangeren Frau in Chicago lebt, verschwindet spurlos während eines Rückflugs aus Südafrika. Er wurde von der CIA aufgrund unbegründeter Terrorismusvorwürfe entführt und einer „außerordentlichen Auslieferung“ unterzogen: geheimer Transfer in ein nordafrikanisches Gefängnis zur Vernehmung mit brutalen Methoden (Waterboarding, Elektroschocks), die in den USA illegal wären. Während seine Frau verzweifelt in Washington nach Antworten sucht, wird ein junger CIA-Analyst (Jake Gyllenhaal) gezwungen, die Folter zu beobachten und beginnt, die Moral und Wirksamkeit eines Systems zu hinterfragen, das durch Schmerz falsche Geständnisse erzeugt.

Obwohl es sich um einen Politthriller und keinen Horrorfilm handelt, enthält Gavin Hoods Film Szenen institutionalisierter Gewalt, die so roh sind, dass sie in den Bereich des „politischen Körperhorrors“ fallen. Es ist eine kraftvolle Anklage gegen die dunklen Praktiken des post-9/11-Kriegs gegen den Terror. Die Spannung entsteht nicht durch Monster, sondern durch die Bürokratie, die die physische Zerstörung eines Menschen auf Verdacht hin autorisiert. Ein notwendiger Film, der den wahren Horror hinter staatlichen Euphemismen zeigt.

Inside (2007)

Sarah, eine schwangere Fotografin, die kürzlich verwitwet ist (sie verlor ihren Mann bei einem Autounfall, bei dem sie fuhr), verbringt den Heiligabend allein zu Hause und erwartet die für den nächsten Tag geplante Entbindung. Ihre Nacht verwandelt sich in die Hölle, als eine unbekannte Frau in Schwarz an die Tür klopft, alles über sie weiß und Einlass verlangt. Die Eindringling will keine Gegenstände stehlen: Sie will das Baby mit einer Schere aus ihrem Leib reißen. Es beginnt eine Hausinvasion von ungeahnter Heftigkeit, bei der jeder Haushaltsgegenstand zur Waffe wird.

Als Speerspitze der „New French Extremity“ gilt dieser Film von Bustillo und Maury als einer der gewalttätigsten und blutigsten Horrorfilme aller Zeiten. Er ist kein einfacher Slasher, sondern ein Albtraum über monströse Mutterschaft und Schuld. Die Menge des vergossenen Blutes ist surreal, und die Spannung lässt nie nach. Inside ist ein schmerzliches körperliches Erlebnis, ein Film, der dich angreift und atemlos zurücklässt, gipfelnd in einem Finale voller poetischer und verheerender Grausamkeit.

Tokyo Gore Police (2008)

In naher Zukunft wurde die Polizei von Tokio privatisiert und in eine faschistische Militäreinheit verwandelt, die „Engineers“ jagt, genetisch veränderte Verbrecher, die ihre Wunden in monströse biomechanische Waffen verwandeln können (wenn man einen Arm abschneidet, wächst er als Kettensäge oder Kanone nach). Ruka, eine Engineer-Jägerin, die sich aus Vergnügen selbst verstümmelt, entdeckt, dass der Mann, der ihren Vater getötet hat, der Polizeichef selbst ist. So beginnt ein persönlicher Krieg gegen das System, während sie sich in eine hybride Tötungsmaschine verwandelt.

Yoshihiro Nishimura, der Zauberer der japanischen Spezialeffekte, inszeniert ein Cyberpunk-Delirium, das reiner Splatter-Surrealismus ist. Die Handlung dient nur als Vorwand, um die absurdesten und kreativsten Mutationen aller Zeiten zu zeigen: Stuhl-Frauen, Krokodil-Beine, Säureblut-Regen. Es ist eine groteske Satire auf die japanische Gesellschaft und Privatisierung, geschaffen mit einem visuellen Stil, der Videospiele, Anime und die verstörendste zeitgenössische Kunst mischt.

The Machine Girl (2008)

Ami ist eine gewöhnliche Oberschülerin, deren Leben zerstört wird, als eine Bande von Mobbern, Söhne von Yakuza-Mitgliedern, ihren jüngeren Bruder tötet. Auf der Suche nach Rache wird Ami gefangen genommen und gefoltert, verliert ihren linken Arm. Sie schafft es zu entkommen und findet Zuflucht bei einem Paar Mechaniker, die ihr eine spezielle Prothese bauen: eine Gatling-Kanone, die direkt an ihrem Stumpf montiert ist. Nun bewaffnet und tödlich kehrt Ami zur Schule zurück, um ein Massaker („Sushi Typhoon“) an den Mobbern und ihren Ninja-Müttern zu verüben.

Regie führte Noboru Iguchi, dieser Film löste die internationale Welle des „Japanese Gore“ aus. Es ist ein bewusst trashiger, übertriebener und urkomischer Film, der sich nie ernst nimmt. Die Spezialeffekte sind handwerklich und „gummiartig“ (unter Druck stehende Blutfontänen), und die Action ist eine Mischung aus Martial Arts und ballistischer Verrücktheit. The Machine Girl ist eine Ode an B-Movies, die weibliche Rache mit einer poppigen und ultra-gewalttätigen Ästhetik feiert.

Martyrs (2008)

Frankreich, 1970er Jahre. Ein junges Mädchen namens Lucie wird verwirrt und voller Wunden auf den Straßen gefunden, nachdem sie aus einem unbekannten Folterort entkommen ist. Jahre später stürmt Lucie, inzwischen erwachsen, aber von monströsen Visionen verfolgt, in ein bürgerliches Haus und metzelt eine Familie nieder, die sie für ihre Peiniger hält. Ihre Freundin Anna eilt ihr zu Hilfe, entdeckt jedoch einen Geheimgang, der zu einem unterirdischen Labor führt, in dem eine philosophische Sekte versucht, durch systematische Folter junger Frauen die Geheimnisse des Jenseits zu ergründen, mit dem Ziel, eine „Märtyrerin“ zu schaffen, die sehen kann, was jenseits des Todes liegt.

Pascal Laugier schreibt und inszeniert den philosophischsten und unerträglichsten Film des französischen Extremhorrors. Der erste Teil ist hektischer Action-Horror; der zweite ist ein klinischer und langsamer Abstieg in reines Leiden. Es ist keine Gewalt zur Unterhaltung, sondern Gewalt als Werkzeug der Transzendenz. Der Film spaltete die Welt in jene, die ihn als metaphysisches Meisterwerk betrachten, und jene, die ihn als sadistischen Müll sehen. Das rätselhafte Ende ist eines der kraftvollsten und meistdiskutierten im Genre.

Antichrist (2009)

Ein namenloses Paar verliert seinen kleinen Sohn, der aus einem Fenster fällt, während sie Liebe machen. Die Frau versinkt in psychotischer Trauer und wird hospitalisiert. Der Ehemann, ein arroganter Therapeut, beschließt, sie persönlich zu behandeln, indem er sie in ihre abgelegene Hütte im Wald bringt, genannt „Eden“. Doch die Natur um sie herum ist nicht friedlich: Sie ist das Reich des Chaos und Satans. Die Therapie verwandelt sich in einen urzeitlichen Krieg der Geschlechter, bei dem die Frau überzeugt wird, dass die weibliche Natur von Grund auf böse ist, und entfesselt beispiellose genitale und körperliche Gewalt gegen ihren Ehemann und sich selbst.

Lars von Trier widmet diesen Film Andrei Tarkovsky, schafft aber das skandalöseste Werk seiner Karriere. Es ist ein gotischer und psychoanalytischer Horror, der Depression, Frauenfeindlichkeit und Schuld mit malerischen Bildern (gedreht in Superzeitlupe) erforscht, die sich mit Momenten expliziter Gore (genitale Verstümmelung) abwechseln, die das Publikum in Cannes ohnmächtig werden ließen. Charlotte Gainsbourg liefert eine mutige und totale Leistung in einem Film, der ein Schrei des Schmerzes ist, der ins Kino transformiert wurde.

RoboGeisha (2009)

Yoshie ist die schüchterne und tollpatschige Schwester einer erfolgreichen Geisha. Beide werden von einem reichen Stahlindustriellen rekrutiert, der verspricht, sie in perfekte Künstlerinnen zu verwandeln. In Wirklichkeit baut der Mann eine Armee von Attentäter-Cyborgs auf, um Japan zu erobern. Yoshie unterzieht sich wahnsinnigen Operationen und wird in eine „RoboGeisha“ verwandelt, ausgestattet mit Waffen, die in jedem Teil ihres Körpers versteckt sind (von Achselklingen bis zu Hintern-Kanonen). Als sie entdeckt, dass ihre Schwester in ein willenloses Monster verwandelt wurde, rebelliert Yoshie und entfesselt einen Krieg zwischen Roboterfrauen und riesigen Roboterburgen.

Noboru Iguchi drückt das Gaspedal der Absurdität bis zum Anschlag durch. Dies ist nicht nur Splatter; es ist japanische Screwball-Komödie auf ihrem Höhepunkt. Die Spezialeffekte sind absichtlich lächerlich, die Handlung eine Ausrede für unmögliche visuelle Gags (Geishas, die sich in Panzer verwandeln). Es ist ein Film, der über Stereotype der japanischen Kultur lacht, indem er sie mit Raketen und Laserschwertern zerstört. Reiner Spaß für alle, die Unsinn lieben.

The Collector (2009)

Arkin, ein ehemaliger Dieb, der als Handwerker arbeitet, um die Schulden seiner Frau abzuzahlen, beschließt, das Landhaus seines wohlhabenden Arbeitgebers auszurauben, während die Familie abwesend ist. Doch als er nachts einbricht, stellt er fest, dass ihm jemand zuvorgekommen ist: Ein maskierter Serienmörder, „The Collector“, hat die Familie als Geiseln genommen und das gesamte Anwesen in ein Labyrinth aus komplexen und sadistischen tödlichen Fallen verwandelt. Arkin verwandelt sich vom Dieb zum widerwilligen Helden, der Stacheldraht, Säure und Klingen ausweichen muss, um das kleine Mädchen der Familie und sich selbst zu retten.

Ursprünglich als Drehbuch für ein Saw-Prequel geboren, besticht Marcus Dunstans Film durch seine klaustrophobische Spannung. Es ist eine intelligente Mischung aus Kevin – Allein zu Haus (Splatter-Version) und einem Home Invasion. Die raue Kameraführung und die grausame Kreativität der Fallen machen daraus einen spannenden und lohnenden Action-Horror-Thriller, in dem der Protagonist seinen kriminellen Verstand einsetzen muss, um ein Monster zu besiegen, das schlimmer ist als er selbst.

The Human Centipede (First Sequence) (2009)

Zwei amerikanische Touristen in Deutschland bekommen im Wald eine Reifenpanne und suchen Hilfe in einer abgelegenen Villa. Der Besitzer ist Dr. Heiter, ein pensionierter Chirurg, der sich auf die Trennung siamesischer Zwillinge spezialisiert hat. Betäubt und gefesselt in einem chirurgischen Keller zusammen mit einem japanischen Touristen, entdecken die drei Opfer das wahnsinnige Projekt des Arztes: Er will nicht trennen, sondern verbinden. Sein Ziel ist es, einen „menschlichen Tausendfüßler“ zu erschaffen, indem er den Mund und den After der drei Subjekte zusammennäht, um einen einzigen gemeinsamen Verdauungstrakt zu schaffen.

Tom Six schuf den berüchtigtsten Film des Internetzeitalters. Die Prämisse ist so widerlich, dass sie zu einem globalen Meme wurde, doch der Film zeigt überraschend zurückhaltend Blut: Der Horror ist vollständig psychologisch und liegt im Konzept der Degradierung selbst. Dieter Laser bietet als Arzt eine karikaturhafte, aber furchteinflößende Nazi-Bösewicht-Darstellung. Es ist ein Film über medizinische Größenwahnvorstellungen und den totalen Verlust menschlicher Würde, ein Ausdauertest für den Zuschauer.

Grotesque (2009)

Ein junges Paar wird beim Spaziergang in Tokio von einem mysteriösen sadistischen Arzt entführt. Sie erwachen in einem sterilen Raum, gefesselt und geknebelt. Der Arzt erklärt die Regeln: Er wird sie abwechselnd foltern, und wenn es ihnen gelingt, ihn mit ihrer Liebe und Schmerzresistenz zu bewegen, könnte er sie gehen lassen. Eine Eskalation sexueller und körperlicher Verstümmelungen (Hämmer, Sägen, Nadeln) beginnt, die nicht nur ihre Körper, sondern auch ihre Psyche und ihre Bindung zerstören soll.

Im Vereinigten Königreich wegen seiner „sexuellen Grausamkeit ohne narrativen Kontext“ verboten, ist dieser japanische Film reiner nihilistischer Torture Porn. Im Gegensatz zu Saw gibt es hier keine moralische Lektion oder Fluchtmöglichkeit: Es gibt nur Schmerz. Es ist ein extremer, fast unerträglicher Film, der die Grenzen der menschlichen Ausdauer und den Sadismus des Zuschauers, der sich entscheidet zuzusehen, erforscht. Nur für extreme Horror-Komplettisten.

2010er-2020er: Die Art-Gore-Renaissance

Heute erlebt Splatter eine zweite Blütezeit. Auf der einen Seite gibt es eine Rückkehr zu extremen, kompromisslosen praktischen Effekten (Terrifier, The Sadness), die CGI zugunsten der Haptik von Fleisch ablehnen. Auf der anderen Seite steht der „Auteur Body Horror“ (The Substance, Titane), bei dem visionäre Regisseure grafische Gewalt für soziale Satire oder Identitätserkundung nutzen und Gore auf die weltweit renommiertesten Festivals bringen.

The Bunny Game (2010)

Bunny ist eine drogenabhängige Prostituierte, die an abgelegenen Raststätten arbeitet. Eines Tages nimmt sie eine Mitfahrgelegenheit von einem Trucker an, der sie entführt, in seinem Anhänger anketten lässt und sie tagelang einer Reihe extremer physischer und psychischer Folter-„Spiele“ unterzieht. Die Frau wird rasiert, gebrandmarkt und in einem Crescendo realistischer Gewalt gedemütigt.

Dieser Schwarz-Weiß-Film ist fast eine experimentelle Dokumentation über Leiden. Die Hauptdarstellerin Rodleen Getsic (die am Drehbuch mitgeschrieben hat) stimmte zu, viele der gezeigten Folterungen tatsächlich zu erleiden, wodurch der Film zu extremer Performance-Kunst wird. Es ist keine Unterhaltung; es ist ein Schrei visuellen Schmerzes. Ein verstörendes und „verfluchtes“ Werk, das versucht, die Realität von Gewalt gegen Frauen ohne filmische Filter zu zeigen.

A Serbian Film (2010)

Miloš, ein pensionierter Pornostar und Familienvater, nimmt einen gut bezahlten letzten Auftrag von einem mysteriösen Artdirektor namens Vukmir an, um die Zukunft seiner Frau und seines Sohnes zu sichern. Er kennt das Drehbuch nicht. Bald entdeckt er, dass er in ein „Neues Serbisches Kino“-Projekt verwickelt wurde, das extreme sexuelle Gewalt, Pädophilie und Nekrophilie beinhaltet. Drogen- und Manipulationsopfer verliert Miloš die Kontrolle über sein Handeln und wird sowohl Protagonist als auch Opfer eines Albtraums, der alles zerstören wird, was er liebt.

Als der schockierendste und kontroverseste Film aller Zeiten angesehen, verteidigte Regisseur Srđan Spasojević ihn als politische Metapher für die serbische Gesellschaft („vergewaltigt“ von Regierung und Krieg), doch die Bilder sind so extrem (einschließlich der berüchtigten „Neugeborenen-Pornografie“-Szene), dass der Film nahezu unzumutbar ist. Es ist ein technisch gut gemachter Film mit eisiger Kameraführung, der Schock nutzt, um gegen die Heuchelei der zivilisierten Welt anzuschreien. Ein traumatisches Erlebnis, das nicht vergessen werden kann.

Unthinkable (2010)

Ein amerikanischer Terrorist, der zum Islam konvertiert ist, Steven Arthur Younger, lässt sich gefangen nehmen, nachdem er drei Atombomben in drei amerikanischen Städten platziert hat, die in wenigen Tagen explodieren sollen. Das FBI kann ihn nicht zum Reden bringen. Das Militär ruft daraufhin „H“ (Samuel L. Jackson) herbei, einen „Black Ops“-Vernehmer ohne moralische Grenzen. H beginnt, den Gefangenen auf immer grausamere Weise zu foltern (Finger abschneiden, Elektroschocks), unter den entsetzten Augen von Agent Brody (Carrie-Anne Moss). Die Frage lautet: Wie weit darf man gehen, um Millionen von Leben zu retten? Ist es richtig, einen Menschen zu foltern? Und seine Kinder?

Ein spannender Psychothriller, der eine erweiterte und brutale Version des Trolley-Problems darstellt. Es ist kein Horrorfilm, aber die Folterszenen sind grafisch und realistisch. Der Film versetzt den Zuschauer in eine unangenehme Lage: Er bringt einen dazu, dem Folterer die Daumen zu drücken, um die Unschuldigen zu retten, nur um einem dann den Schrecken der Konsequenzen zu zeigen. Samuel L. Jackson ist in der Rolle des „notwendigen Übels“ furchteinflößend.

Terrifier (2016)

In der Halloween-Nacht treffen zwei betrunkene Freunde in einer Pizzeria auf einen verstörenden Clown in Schwarz-Weiß, Art. Was wie ein Streich beginnt, verwandelt sich in ein Massaker, als Art beginnt, sie in einem alten verfallenen Gebäude zu verfolgen. Der Clown spricht nie, lächelt immer und benutzt Bügelsägen, Hämmer und Waffen, um jeden zu zerstückeln, der ihm in den Weg kommt, mit einer Vorliebe dafür, Gesichter zu zerstören.

Damien Leone erschafft ein neues heiliges Monster des Horrors. Art the Clown ist der Erbe von Freddy und Jason, aber sadistischer und theatralischer. Der Film, der mit einem winzigen Budget entstand, wurde dank der „in der Mitte durchgesägt“-Szene (eine der brutalsten, die je gedreht wurden) und David Howard Thorntons außergewöhnlicher Pantomimen-Leistung zu einem Kultklassiker. Es ist ein reiner Slasher, im Geist der 80er, der keine Handlung oder Psychologie sucht, sondern nur den Zuschauer mit erstklassigen praktischen Effekten erschrecken und anwidern will.