No vasto catálogo de filmes imperdíveis ao longo da história do cinema, os filmes iranianos ocupam uma posição significativa e influente. Durante um período em que o cinema ocidental passa por um aparente e aparentemente inexorável declínio artístico em relação à criatividade vibrante e ao turbilhão dinâmico que caracterizaram o cenário cinematográfico das décadas de 1960 e 1970, vários países do Oriente e do Oriente Médio demonstram uma mudança notável e deliberada em direção à produção de filmes únicos de cinema de arte e ao embarque em experimentos artísticos intrigantes. O cinema iraniano exemplifica essa tendência de forma notável. Os cineastas no Irã frequentemente mergulham profundamente em narrativas culturais ricas, temas existenciais profundos e histórias socialmente relevantes que ressoam tanto com o público local quanto internacional. Por meio de uma combinação única de narrativa e arte visual, os filmes iranianos continuam a cativar cinéfilos, oferecendo perspectivas frescas e abordagens inovadoras que se destacam na cena cinematográfica global.
A razão subjacente pode provavelmente ser atribuída às condições de vida desafiadoras enfrentadas por muitos, condições que estão perpetuamente à beira da mera sobrevivência. Em sociedades onde o vínculo com a prosperidade material e o conforto é repleto de dificuldades e complexidades, surge a necessidade de criar uma forma profunda e intensa de cinema. Tal cinema serve como uma ferramenta vital para a perseverança espiritual e a sobrevivência. Quanto mais duras e precárias essas circunstâncias se tornam, maior é o impulso para os cineastas explorarem e retratarem temas de resistência e luta existencial, criando narrativas que ressoam profundamente em níveis espirituais. Essas obras cinematográficas tornam-se então artefatos culturais necessários, refletindo a resiliência e a fortaleza exigidas para navegar e prosperar em meio à adversidade e à escassez.
O cinema iraniano é amplamente considerado um dos ramos mais significativos e influentes do cinema de arte globalmente. Alcançou seu auge em termos de reconhecimento e aclamação crítica durante a década de 1990, um período que marcou uma fase significativa para os cineastas no Irã. Essa era viu um surto de criatividade e o surgimento de inúmeros cineastas que ganharam proeminência internacional. O cenário teatral doméstico é dominado principalmente por produções comerciais iranianas, incluindo gêneros como westerns, que atendem a públicos mais amplos em busca de entretenimento. No entanto, a vibrante produção de filmes de arte persiste com vitalidade notável, especialmente dentro da comunidade de cinema independente. Aqui, os cineastas criam filmes instigantes e não convencionais que frequentemente são distribuídos por circuitos de vídeo doméstico. Esse setor independente serve como um terreno fértil para a expressão artística, permitindo que os cineastas explorem temas e narrativas diversas que podem não ser comercialmente viáveis para os cinemas convencionais, mas que contribuem substancialmente para o rico tecido da cultura cinematográfica iraniana.
A Separation (2011)
O filme acompanha a dolorosa dissolução de um casamento na Teerã contemporânea. Enquanto a esposa deseja deixar o país para proporcionar um futuro melhor para a filha, o marido insiste em ficar para cuidar do pai, que sofre de Alzheimer. O conflito doméstico se transforma em um pesadelo legal e ético quando contratam uma cuidadora, desencadeando uma teia de mentiras e acusações que expõem as profundas divisões de classe e religiosas dentro da sociedade iraniana.
Asghar Farhadi cria uma obra-prima do realismo psicológico que utiliza a estrutura de um drama jurídico para dissecar as complexidades da verdade e da justiça. Vencedor do Oscar, o filme é celebrado por sua capacidade de manter um equilíbrio perfeito entre as perspectivas de seus personagens. Oferece uma narrativa tensa e universal que desafia os espectadores a refletirem sobre a responsabilidade moral e as consequências das escolhas individuais dentro das estruturas familiares e sociais.
The House is Black
Documentário, de Forough Farrokhzad, Irã, 1963.
A Casa é Preta é um filme lírico e transcendente que lança um olhar cheio de compaixão e religiosidade sobre uma humanidade sofredora. A única fonte de harmonia é encontrada fora da colônia de leprosos, na natureza: o sofrimento reina dentro. Nem mesmo a fé religiosa é capaz de trazer alívio. Um documentário sobre a vida e o sofrimento em um hospital para leprosos em Esperan, no distrito central do Condado de Tabriz, onde o tempo parece ter parado, onde a rotina diária se repete infinitamente, privada de toda esperança. O filme funde as imagens com a poesia da diretora Forough Farrokhzad e com citações do Antigo Testamento e do Alcorão. Durante as filmagens, a diretora se afeiçoou a Hossein Mansouri, uma criança cujos pais sofriam de lepra, e decidiu adotá-lo. Pouco conhecido na época de seu lançamento, A Casa é Preta tornou-se a referência do cinema iraniano nos anos seguintes. Pode ser considerado o primeiro filme que deu origem ao movimento da Nova Onda Iraniana. Forugh Farrokhzad, uma famosa poeta feminista iraniana com um estilo controverso e modernista, foi uma das vozes femininas mais importantes da poesia e do cinema iranianos. Sua personalidade autoritária e carismática foi severamente testada pelo ostracismo e desaprovação dos conservadores e do governo islâmico, que proibiu seus poemas mais de uma década após sua morte em um trágico acidente de carro aos 32 anos. A Casa é Preta é seu único filme. Farugh Farrokhzad usa sua sensibilidade para aproximar a câmera do que não deveria ser olhado, dos leprosos e marginalizados, com absoluto respeito. Filmes imperdíveis.
IDIOMA: Persa
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Duel (2004)
Ambientado no cenário de uma pacata vila rural iraniana, a narrativa acompanha o intricado triângulo amoroso e a rivalidade entre Abolfazl e Ali, ambos profundamente apaixonados pela bela e culta Maryam. Quando Maryam escolhe Abolfazl, a dor de Ali se transforma em um ressentimento ardente, incendiando uma espiral de ciúmes e vingança que transforma uma amizade de infância em um confronto implacável.
Ahmad Reza Darvish dirige uma obra carregada de tensão emocional que explora temas universais de desejo e traição. O filme é historicamente significativo por ser um dos primeiros trabalhos iranianos a abordar o tema do amor entre pessoas do mesmo sexo, ainda que de forma sutil, dentro de uma cultura dominada por tabus rígidos. A obra foi elogiada pela direção firme e pela capacidade de retratar a fragilidade humana diante da paixão avassaladora.
A Lágrima do Frio (2004)
Ambientado durante a Guerra Irã-Iraque, o filme acompanha Mohammad, um soldado iraniano que encontra refúgio em uma remota vila curda após ser ferido. Ele é cuidado por Azadeh, uma jovem curda local que, apesar das barreiras culturais e religiosas, decide ajudá-lo a se recuperar. Um amor inesperado floresce entre eles, mas deve enfrentar a brutalidade implacável do conflito em curso e a hostilidade do território ao redor.
Azizollah Hamidnezhad cria um drama de guerra que desloca o foco das operações militares para o impacto humanitário do conflito. O título serve como uma poderosa metáfora para a dor e a paralisia emocional causadas pela violência, ainda que a narrativa encontre momentos de extrema ternura em meio aos escombros. É uma reflexão poética sobre a capacidade do amor de florescer mesmo nos contextos mais áridos e hostis, superando divisões impostas pelo preconceito.
The Cow
Drama, de Dariush Mehrjui, Irã, 1969.
Baseado na peça de Gholam-Hossein Saedi, provavelmente inspirada em uma lenda iraniana em que o príncipe Buyid Majd ad-Dawla se considerava uma vaca. Hassan ama sua única vaca mais do que qualquer outra coisa, uma fonte de sustento. Quando ele sai da vila por um curto período, sua esposa encontra a vaca morta no estábulo. Os moradores temem a reação de Hassan e, para evitar o arrependimento pela perda de sua amada vaca, escondem o corpo do animal em um poço. Quando Hassan retorna e não encontra a vaca, ele lentamente começa a perder a sanidade, a ponto de enlouquecer e acreditar que ele próprio é a vaca. Ele se fecha para viver no estábulo, alimentando-se de feno. Sua esposa e amigos da vila tentam ajudá-lo a recuperar a sanidade. Crítica aguda ao senso de posse e propriedade que leva o homem à alienação e à perda de sua identidade, O Vaca, de Dariush Mehrjui, é o primeiro filme da Nova Onda Iraniana. Filmado em uma vila remota e pobre no interior do Irã, onde a superstição e a percepção religiosa do mal dominam, personificadas ao longo da história também pela presença quase fantasmagórica de invasores inimigos, o filme é uma metáfora dramática da dependência do homem em relação aos seus meios de sustento.
Alimento para reflexão
Quando um homem corta suas raízes com seu verdadeiro eu, quando ele depende de sua sociedade, religião, estado, propriedade, ele se torna um indivíduo alienado. Ele percebe que não tem mais raízes, perde toda segurança, todo apoio e pode cair em um buraco negro. Todo seu conhecimento, toda sua respeitabilidade não eram dele, foram emprestados. Nesse ponto, ele pode acreditar que não possui nada. Se um dia alguém lhe disser que a coisa que ele amava mais do que tudo no mundo não está mais lá, ele pode enlouquecer. A loucura é o medo do desconhecido.
IDIOMA: Persa
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Eu Sou Taraneh, 15 Anos (2002)
Taraneh é uma garota de quinze anos que enfrenta uma gravidez inesperada após um breve relacionamento, encontrando-se obrigada a lidar com a maternidade precoce em uma sociedade profundamente tradicional. O filme documenta sua luta diária para cuidar do recém-nascido e resistir às enormes pressões sociais e à discriminação de gênero, enquanto busca construir um futuro digno apesar da hostilidade do seu ambiente.
Rassul Sadr Ameli dirige uma obra de forte crítica social que destaca as hipocrisias e barreiras enfrentadas pelas mulheres iranianas. O filme recebeu inúmeros prêmios internacionais por sua narrativa honesta e sua capacidade de dar voz à resiliência juvenil. Através da história de Taraneh, o diretor analisa o peso das expectativas culturais e a força necessária para reivindicar a própria autonomia em um contexto repressivo.
Presos no Iraque (2002)
Mirza, um músico curdo idoso, embarca em uma jornada perigosa pelas zonas de guerra do Iraque com seus dois filhos para encontrar sua ex-esposa desaparecida. Durante sua odisseia, o grupo encontra a devastação da era pós-Guerra do Golfo e o exílio da população curda, encontrando na música a única força capaz de unir os fragmentos de um povo disperso e oferecer esperança em meio ao caos.
Bahman Ghobadi cria um filme visceral que mistura a beleza da cultura curda com a realidade crua da guerra e do deslocamento. A obra foi aclamada por sua capacidade de capturar a dignidade dos indivíduos vivendo em territórios devastados, usando a busca pessoal do protagonista como metáfora para toda uma nação em busca de sua identidade. É um poderoso testemunho da resiliência do espírito humano e do poder salvador da arte.
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Prisão Feminina (2002)
O filme explora as vidas diárias e histórias pessoais de várias mulheres confinadas em uma penitenciária iraniana, mostradas ao longo de vários anos. A narrativa destaca as duras condições de detenção, as injustiças sistêmicas e a forma como o contexto sociopolítico externo influencia o destino das presas, enfatizando sua incrível força interior na tentativa de manter sua humanidade.
Manijeh Hekmat entrega uma obra inovadora que serve como um feroz comentário social sobre a repressão e a falta de direitos das mulheres. O filme foi elogiado por seu realismo cru e sua capacidade de denunciar as falhas nos sistemas judiciário e prisional. Através do microcosmo da prisão, a diretora reflete sobre as dinâmicas de poder e a resiliência feminina, solidificando sua posição como uma das vozes mais corajosas do cinema social iraniano.
Sob a Pele da Cidade (2001)
Tuba é uma mãe resiliente que luta todos os dias para manter sua família unida apesar das dificuldades econômicas e das tensões políticas do Irã contemporâneo. A narrativa acompanha seus esforços para proteger seus filhos da pobreza, das drogas e do desemprego, enquanto o país atravessa uma fase de profunda mudança social que põe à prova a estabilidade dos laços emocionais mais próximos.
Rakhshan Bani-Etemad dirige um retrato poderoso da classe trabalhadora iraniana, colocando a perspectiva feminina e a resiliência necessária para sobreviver em um ambiente hostil no centro da obra. O filme é celebrado por sua capacidade de ligar o drama privado à crítica política, oferecendo uma visão lúcida das feridas da sociedade urbana. A obra alcançou sucesso internacional, confirmando a diretora como uma mestre em narrar a realidade crua de seu povo.
A Maçã (1998)
Baseado em uma história real, o filme conta a história de irmãs gêmeas deficientes que foram mantidas segregadas em casa pelo pai e pela mãe cega por doze anos, sem qualquer contato com o mundo exterior. Quando as autoridades intervêm para libertá-las, as meninas precisam aprender a interagir com uma realidade desconhecida para elas, enquanto a comunidade questiona as razões de uma cativeiro ditado por um senso distorcido de proteção e pobreza.
O debut de Samira Makhmalbaf é uma obra de extraordinária força documental e poética que explora os temas do isolamento social e da descoberta da liberdade. O filme utiliza uma linguagem cinematográfica sensível para mostrar o contraste entre a inocência das crianças e a rigidez das convenções do pai. É uma investigação compassiva sobre a natureza humana e as barreiras físicas e mentais que impedem o pleno desenvolvimento do indivíduo.
A Agência de Vidro (1998)
Nos anos seguintes à Guerra Irã-Iraque, um veterano faz uma agência de viagens refém para obter os fundos necessários para o tratamento médico no exterior de seu camarada ferido. O evento se transforma em um confronto tenso com a polícia e as autoridades burocráticas, destacando o sentimento de abandono e a crise de identidade dos veteranos em um país que parece querer esquecer os sacrifícios do passado.
Ebrahim Hatamikia cria um thriller dramático com forte impacto humanitário que analisa as feridas psicológicas deixadas pelo conflito. O filme é famoso por sua crítica às estruturas institucionais e pela forma como representa o desconforto dos veteranos que não conseguem se reintegrar à vida civil. A obra é considerada uma das peças mais significativas sobre a memória da guerra, capaz de transformar um ato desesperado em uma reflexão profunda sobre lealdade e o valor da vida humana.
Filhos do Paraíso (1997)
Ali é um menino de uma família pobre que perde acidentalmente os sapatos de sua irmãzinha Zahra e, para não sobrecarregar seus pais, decide compartilhar com ela seu único par de sapatos. Os dois irmãos organizam um complicado revezamento diário para ir à escola, tentando manter o segredo até que Ali decide participar de uma corrida a pé na esperança de ganhar o terceiro prêmio: um par de sapatos novo.
Majid Majidi cria um conto neorrealista de pureza extraordinária que celebra a inocência e o sacrifício infantil. O filme utiliza uma narrativa simples para explorar temas universais como a honestidade e o vínculo fraternal, oferecendo um olhar lírico sobre a vida urbana iraniana. Indicado ao Oscar, tornou-se um clássico global por sua capacidade de transmitir emoções profundas através de pequenos atos de heroísmo cotidiano.
O Sabor da Cereja (1997)
O Sr. Badii é um homem de meia-idade que vagueia em seu carro pelas periferias desertas de Teerã em busca de alguém disposto a enterrá-lo após seu suicídio planejado. Pelo caminho, encontra diferentes pessoas — um soldado, um seminarista e um taxidermista — com quem mantém conversas filosóficas sobre a vida, o sofrimento e a beleza do mundo, numa tentativa de dar sentido ao seu desespero antes do ato final.
Vencedor da Palma de Ouro, a obra-prima de Abbas Kiarostami é uma meditação minimalista sobre a existência e a liberdade de escolha. Por meio de longos planos e diálogos naturalistas, o filme desafia o espectador a confrontar o valor de viver mesmo em momentos de escuridão absoluta. A obra elevou o cinema iraniano globalmente, demonstrando como uma trama essencial pode alcançar picos de profundidade filosófica incomparável.
Um Momento de Inocência (1996)
O diretor Mohsen Makhmalbaf tenta reconstruir um episódio traumático de sua juventude revolucionária: o dia em que esfaqueou um policial durante uma manifestação. Colaborando com o mesmo ex-policial que foi vítima do ataque, o cineasta organiza uma audição para selecionar os jovens atores que interpretarão suas versões do passado, transformando o set em um lugar de reflexão sobre violência e perdão.
O filme é uma docuficção inovadora que desconstrói a memória histórica e pessoal por meio de um jogo meta-narrativo. Makhmalbaf questiona a natureza da verdade cinematográfica, convidando os protagonistas a improvisar sua própria história em busca de uma reconciliação impossível. É uma obra audaciosa que reflete sobre as cicatrizes da revolução e a complexidade do processo de redenção através da arte do cinema.
De Karkheh ao Reno (1993)
O filme acompanha a história de um grupo de soldados iranianos enviados para a Alemanha para tratamento médico especializado após serem expostos a armas químicas durante a guerra com o Iraque. A narrativa foca no protagonista que, enquanto tenta recuperar sua visão e saúde, deve confrontar o trauma psicológico do conflito e o choque cultural entre sua identidade como soldado dedicado e a realidade ocidental que o cerca.
Ebrahim Hatamikia cria uma obra comovente que analisa as consequências físicas e mentais da guerra moderna. O filme é celebrado por sua capacidade de mostrar o lado mais íntimo e vulnerável dos combatentes, rejeitando a retórica heroica em favor de uma investigação profunda sobre a essência da humanidade sob cerco. É um testemunho doloroso e necessário do preço pago pelos indivíduos pelas ambições geopolíticas das nações.
Mohajer (1991)
A obra documenta a difícil jornada e o sofrimento enfrentados pelos refugiados iranianos durante o conflito entre Irã e Iraque. O termo “Mohajer” refere-se precisamente àqueles que são forçados a abandonar suas terras devastadas para buscar segurança em outro lugar, navegando entre a fome, os perigos militares e a constante incerteza do futuro, enquanto tentam manter viva a esperança de uma nova vida longe das bombas.
Ebrahim Hatamikia oferece uma visão realista e empática da condição dos refugiados, destacando sua resiliência e a força do espírito humano. O filme ganhou amplo reconhecimento por sua capacidade de trazer à atenção do público internacional os problemas sociais e humanitários decorrentes da guerra. Graças a uma narrativa visceral, a obra transforma o drama do deslocamento em uma poderosa declaração sobre a necessidade de solidariedade e paz.
Nos Beco do Amor (1990)
Ambientado nas ruas sugestivas de uma cidade iraniana, o filme conta a história de amor entre uma jovem e um homem, cujas aspirações sentimentais colidem com tradições culturais rígidas e expectativas comunitárias. Seu vínculo torna-se o campo de batalha entre o desejo individual de felicidade e o peso das convenções ancestrais, destacando as tensões de uma sociedade entre o passado e a modernidade.
Khosrow Sinai dirige uma obra famosa por sua sensibilidade poética e pela atenção aos detalhes do ambiente ao redor. O filme é considerado uma contribuição fundamental para a compreensão das dinâmicas relacionais no Irã, oferecendo uma narrativa repleta de estética e introspecção. Por meio do uso de uma cinematografia evocativa, a obra celebra a força dos sentimentos que buscam transcender os limites impostos pelas normas sociais tradicionais.
Kani Manga (1988)
Durante a guerra Irã-Iraque, um piloto iraquiano é abatido e cai nas montanhas acidentadas do Curdistão, em Kani Manga. Uma caçada implacável se inicia, colocando um grupo de guardas iranianos determinados a capturá-lo contra uma banda de curdos empenhados em protegê-lo, transformando o território impenetrável em um palco de tensão política, alianças frágeis e batalhas até a morte.
Seifollah Dad dirige um filme de guerra de alta tensão que explora a complexidade do conflito através de uma perspectiva geográfica e cultural específica. Premiado no Festival de Cinema Fajr por edição e efeitos especiais, a obra é reconhecida por sua capacidade de mesclar ação e contexto histórico com grande maestria. É uma obra influente que oferece uma visão detalhada das dinâmicas humanas e militares que marcaram aquele período conturbado.
Boicote (1985)
O filme conta a história de um grupo de estudantes universitários iranianos que decidem boicotar os exames como ato de protesto contra as políticas autoritárias e repressivas do governo. A narrativa acompanha suas vidas marcadas pelo medo da polícia secreta, compromisso político clandestino e o ardente desejo de liberdade de expressão, mostrando a coragem necessária para enfrentar um sistema injusto.
Mohsen Makhmalbaf usa este filme para explorar as dinâmicas de resistência e dissidência política no contexto pós-revolucionário. A obra é apreciada por sua narrativa provocativa e por sua capacidade de refletir a tensão social da época. O filme marca uma fase crucial na evolução do cinema iraniano moderno, enfatizando a luta do indivíduo por direitos civis e contra a opressão estatal.
Eagles (1984)
Inspirado em eventos reais, o filme conta a história de um corajoso piloto iraniano cujo avião é abatido sobre território iraquiano hostil durante o conflito militar. O protagonista deve confiar em seu próprio treinamento e instinto de sobrevivência para atravessar paisagens perigosas e escapar de patrulhas inimigas em uma tentativa desesperada de retornar em segurança à sua terra natal para continuar defendendo a nação.
Samuel Khachikian dirige um blockbuster de guerra que celebra o heroísmo nacional com realismo sem precedentes para a época. O filme foi um dos primeiros sucessos internacionais do cinema de gênero iraniano, ostentando um orçamento impressionante de 10 milhões de dólares que permitiu efeitos especiais espetaculares e cenas de ação. A obra tornou-se um pilar do cinema patriótico, solidificando a reputação do diretor como mestre em narrar a força de espírito iraniana.
Bita (1972)
Bita é uma jovem inteligente e independente de origens humildes que vive em Teerã e sonha em se emancipar através da educação. Ela se apaixona por Korush, um rapaz de uma família rica e influente, mas seu vínculo é dificultado por rígidas barreiras sociais e pelas expectativas de suas respectivas famílias. Bita se vê forçada a escolher entre a conformidade exigida pela tradição e a coragem de seguir seus próprios desejos pessoais.
Estrelado pela famosa Googoosh, o filme é um drama psicológico fundamental que denuncia o estado de submissão das mulheres na sociedade conservadora da época. Filmado inteiramente em preto e branco para enfatizar o contraste emocional, a obra é considerada um marco do novo cinema iraniano. O filme influenciou gerações de diretores por sua capacidade de abordar temas como liberdade individual e direitos das mulheres com grande sensibilidade e visão artística.
Tranquilidade na Presença dos Outros (1972)
Ambientado nas terras desoladas do deserto iraniano, o filme acompanha a jornada solitária de um jovem pastor encarregado de conduzir seu rebanho por territórios inóspitos. A narrativa se desenvolve em um ritmo lento e meditativo, focando na simbiose entre o homem e a natureza intocada e no rico patrimônio das tradições rurais que definem a existência das comunidades nômades longe da modernidade urbana.
Nasser Taqvai cria um poema visual poético de sensibilidade extraordinária que ilumina a beleza austera da vida rural. A obra é celebrada internacionalmente por sua capacidade de transformar a vida cotidiana em uma experiência lírica e espiritual. Através do uso habilidoso da luz e do silêncio, o filme oferece uma janela privilegiada para um mundo arcaico e sereno, ressaltando o vínculo profundo e indissolúvel entre o ser humano e a paisagem que habita.
Qeysar (1969)
Qeysar é um jovem que, ao retornar a Teerã, descobre que sua irmã morreu tragicamente devido a uma infâmia sofrida e que seu irmão foi morto numa tentativa de vingar ela. Cego pela raiva e fiel a um código arcaico de honra, o protagonista embarca numa caçada implacável aos responsáveis, transformando-se num vigilante solitário que desafia a lei e as instituições numa cidade que está perdendo seus valores tradicionais.
A obra-prima de Masoud Kimiai é considerada o nascimento do cinema autoral moderno iraniano e do gênero de ação “filme-farsi”. A monumental atuação de Behrouz Vossoughi criou um ícone cultural imortal. A obra é famosa por seu estilo visual ousado e por sua reflexão implacável sobre vingança e moralidade individual, marcando um ponto de virada fundamental na evolução estética e temática da cinematografia nacional.
A Vaca (1969)
Hassan é um camponês de uma aldeia pobre cuja única posse preciosa é sua amada vaca. Enquanto o homem está ausente, o animal morre subitamente; ao retornar, os aldeões tentam esconder a verdade temendo sua reação. Hassan, no entanto, mergulha em uma loucura delirante, chegando a acreditar que ele próprio se tornou a vaca, incorporando fisicamente o animal perdido em um processo de alienação mental total e trágica.
Daryush Mehrjui assina a obra inaugural da Nova Onda Iraniana, utilizando uma linguagem neorrealista misturada com sugestões surrealistas. O filme é uma crítica metafórica ao conflito entre a modernidade e o atraso camponês, celebrado pela extraordinária intensidade psicológica da narrativa. Graças às suas imagens austeras e ao poder do conto popular, o filme alcançou reconhecimento mundial, tornando-se um símbolo universal da dor causada pela perda.
O Marido da Sra. Ahu (1968)
A trama foca nos complicados assuntos conjugais de Ahu Khanoom e seu marido, um padeiro que se apaixona loucamente por uma mulher mais jovem e moderna. O filme retrata o conflito entre a esposa tradicional, devota à família e aos costumes religiosos, e a rival que representa a mudança e a tentação, oferecendo uma reflexão amarga e por vezes irônica sobre a poligamia e a condição feminina no Irã rural.
Davoud Mollapour dirige uma adaptação de um famoso romance nacional, misturando elementos de comédia e drama romântico. A obra é apreciada por sua capacidade de retratar com realismo as dinâmicas domésticas e as nuances da vida a dois em um contexto de transição social. Embora menos conhecido no exterior, o filme ocupa um lugar de honra na cultura popular iraniana por sua representação honesta e divertida das tensões entre amor e dever conjugal.
Insight
Os Filmes Comerciais Iranianos
Um personagem meticulosamente criado para personificar o sucesso cativou o público do cinema iraniano, atraindo-os para o fascínio de um estilo de vida hedonista e moralmente questionável ocidental. Apesar do encantamento cultural e da fascinação que ele provocava, o governo islâmico adotou uma postura firme contra tais influências, proibindo seus filmes e impedindo-o de continuar sua arte. No entanto, a fama do ator e o impacto profundo de suas performances persistiram inabaláveis, ecoando nos corações do povo até seu falecimento.
Uma reunião verdadeiramente significativa e popular compareceu ao seu funeral. Mohammad Ali Fardin simbolizava para os frequentadores do cinema iraniano aquele estilo de vida aspiracional que permanece inalcançável dentro do Irã, um estilo de vida pelo qual o povo continuamente anseia. Em tempos de dificuldades econômicas e conflitos, torna-se natural desejar uma prosperidade material maior, mesmo que o paradigma ocidental se apresente como um de potencial autodestruição. No entanto, atualmente, não há ideais alternativos para se olhar.
O governo iraniano expressa oficialmente desaprovação em relação ao cinema americano, criticando-o por faltar padrões éticos fundamentais e descartando-o como mero produto comercial desprovido de valores morais mais profundos. Apesar dessas visões críticas, as autoridades iranianas não impedem a distribuição de filmes americanos dentro do país. Essa aparente contradição decorre do fato de que um número significativo de filmes exibidos nos cinemas iranianos e disponíveis nas lojas de vídeo doméstico são, de fato, produções americanas. Esses filmes alcançaram considerável popularidade e sucesso entre o público iraniano, indicando uma forte demanda apesar da postura desaprovadora do governo. O interesse contínuo do público iraniano pelo cinema americano sugere uma relação complexa entre a crítica oficial e as preferências reais dos consumidores, destacando como as dinâmicas de mercado podem, às vezes, superar as opiniões governamentais e a crítica cultural.
Filmes americanos, particularmente as obras de cineastas como Steven Spielberg, Brian De Palma, Mel Gibson e a icônica saga 007, dominam uma parte significativa da fatia do mercado cinematográfico no Irã. Esses filmes alcançaram enorme popularidade, ressoando profundamente com o público, especialmente entre o público mais jovem. A narrativa impactante, os altos valores de produção e o fascínio dos elencos estrelados de Hollywood contribuem para seu amplo apelo. Além do sucesso nos cinemas, esses filmes recebem ampla exposição na televisão iraniana, onde são frequentemente transmitidos. Ao exibir esses filmes regularmente, as redes de televisão buscam capitalizar seu amplo apelo e cativar seu vasto público. Essa transmissão regular não apenas aumenta os números de audiência, mas também fortalece a influência do cinema americano na região, atraindo continuamente espectadores entusiasmados ansiosos para experimentar o entretenimento e a emoção que esses filmes prometem.
Nova Onda do cinema iraniano
A Nova Onda Iraniana destaca-se como o movimento artístico mais significativo no âmbito do cinema iraniano, marcando uma evolução crucial desde o início dos anos 1960. Essa era transformadora é frequentemente creditada às suas raízes no cinema documental, com “The House is Black” de Forough Farrokhzad frequentemente reconhecido como um precursor influente do movimento. Oficialmente, a Nova Onda Iraniana tomou forma em 1964, estabelecendo suas bases com o filme de Hajir Darioush inspirado no romance “The Lover of Lady Chatterley”. Essa revolução cinematográfica não apenas redefiniu a expressão artística dos cineastas iranianos, mas também traçou um caminho novo e progressista para a narrativa, ressoando tanto nacional quanto internacionalmente. Por meio de seus temas inovadores e estilos narrativos ousados, o movimento capturou as complexidades e nuances da sociedade iraniana, convidando o público a explorar diálogos culturais e filosóficos mais profundos.
Em 1968, o cenário cinematográfico testemunhou o lançamento de “Shohare Ahoo Khanoom”, um filme magistralmente dirigido por Davoud Mollapour, que cativou o público com sua narrativa. Logo em 1969, Dario Mehrjui apresentou “The Cow”, uma obra inovadora que deixou uma marca indelével na indústria cinematográfica. Nesse mesmo ano, Masoud Kimiai introduziu seu filme envolvente “Qeysar”, enriquecendo ainda mais a experiência cinematográfica com sua narrativa única. O ímpeto continuou com o ilustre filme de Nasser Taqvai, “Tranquility in the Presence of Others”, que acrescentou mais uma dimensão a essa vibrante era do cinema. Essas produções foram um testemunho da emergente Nova Onda Iraniana, um movimento cultural e artístico que capturou a fascinação e o interesse de renomados intelectuais, enfatizando a criatividade e a inovação na narrativa e na expressão cinematográfica. Esse período marcou uma mudança significativa nas artes, rompendo barreiras e abraçando novas perspectivas no cinema iraniano.
O movimento cinematográfico conhecido como Nova Onda, que ganhou grande impulso durante os anos 1960, não se restringiu à França, mas estendeu sua influência e energia inovadora a diversos países ao redor do mundo, incluindo o Irã. Esse período vibrante de criação artística e cinematográfica viu o Irã ser tomado pela onda de mudança, com uma nova geração de diretores começando a emergir e moldar o futuro do cinema iraniano. Entre os pioneiros que lideraram a Nova Onda Iraniana estavam Forough Farrokhzad, uma poeta e cineasta celebrada que trouxe uma sensibilidade poética e uma visão revolucionária para seu trabalho; Sohrab Shahid Saless, conhecido por sua abordagem minimalista e realista que frequentemente retratava as lutas da vida cotidiana; Bahram Beizai, cuja expertise em teatro e cinema trouxe uma perspectiva profundamente cultural e histórica; e Parviz Kimiai, reconhecido por sua capacidade de infundir seus filmes com comentários sociais através de um estilo distintivo. Cada um desses diretores desempenhou um papel crucial na renovação e transformação do panorama cinematográfico do Irã, contribuindo significativamente para o legado global do movimento da Nova Onda.
Os anos Sessenta representam uma década marcada por mudanças significativas, durante a qual o público e os diretores de cinema de todas as partes do mundo começaram a avaliar criticamente e desafiar o material produzido e apresentado pela indústria do entretenimento. Essa era foi caracterizada por um senso palpável de inovação e transformação, que se espalhou pela indústria como uma lufada de ar fresco, capturando a essência do que viria a ser conhecido distintamente como uma “nova onda”. Esse movimento não se restringiu apenas ao cinema; refletiu uma mudança cultural mais ampla, significando uma busca por autenticidade, criatividade e comentário social, à medida que cineastas e espectadores se tornaram cada vez mais insatisfeitos com as narrativas tradicionais e buscaram explorar temas mais profundos e relevantes. O período foi, portanto, impregnado de um espírito de descoberta e experimentação, enquanto os artistas se esforçavam para ultrapassar os limites da narrativa e das técnicas cinematográficas, dando origem a uma era cinematográfica vibrante e influente que ressoou em escala global.
Ao longo dos anos, vários diretores influentes deixaram uma marca significativa no movimento do Novo Cinema Iraniano, uma tendência caracterizada por suas narrativas inovadoras e técnicas únicas de contar histórias. Essas figuras pioneiras incluem Abbas Kiarostami, conhecido por seus filmes contemplativos e frequentemente filosóficos que exploram a condição humana de maneiras profundas. Jafar Panahi, apesar de enfrentar censura e restrições, tem desafiado consistentemente as normas sociais por meio de suas obras profundamente pessoais e instigantes. Os filmes de Majid Majidi são celebrados por seu humanismo e pela exploração de questões sociais, capturando as complexidades da vida cotidiana com empatia e sensibilidade.Bahram Beizai destaca-se pelo uso eloquente do simbolismo e da mitologia, que emprega para questionar o status quo social e as tradições culturais. Dario Mehrjui, frequentemente considerado um precursor desse movimento, revitalizou o cinema iraniano com sua influente mistura de sátira e realismo. O estilo eclético de Mohsen Makhmalbaf abrange vários gêneros e temas, frequentemente mergulhando nas complexidades da fé, identidade e liberdade. As contribuições de Khosrow Sinai incluem documentários e dramas que oferecem um profundo insight sobre a história iraniana e as experiências da diáspora.Sohrab Shahid-Saless é conhecido por sua abordagem minimalista, focando em pessoas comuns e capturando as sutilezas da vida cotidiana com um impacto silencioso, porém profundo. Parviz Kimiavi incorpora surrealismo e alegoria em seus filmes para comentar questões políticas e sociais, frequentemente mesclando realidade com narrativas imaginativas. Samira Makhmalbaf, uma das diretoras mais jovens do grupo, aborda temas como educação, direitos das mulheres e a situação das crianças, usando um estilo narrativo cru e comovente. Amir Naderi destaca-se ao dar voz às comunidades marginalizadas por meio de seus filmes evocativos e visualmente impactantes. Por fim, as obras de Abolfazl Jalili frequentemente exploram temas da infância e inocência, ambientadas no contexto de uma sociedade em transformação, oferecendo uma perspectiva crítica, porém esperançosa, sobre o futuro.Juntos, esses diretores revolucionaram o cinema iraniano ao mergulharem profundamente em temas da política, filosofia e cultura iranianas com criatividade, coragem e insight sem precedentes, alterando a percepção global dos filmes iranianos e conquistando aclamação internacional por suas contribuições inovadoras. Seu corpo coletivo de trabalho continua a influenciar cineastas ao redor do mundo, mantendo o rico legado do Novo Cinema Iraniano.
O ambiente artístico no Irã passou por uma transformação significativa após o golpe de Estado em 19 de agosto de 1953. Esse período marcou o início de uma revolução cultural dinâmica e vibrante, impulsionada principalmente pela era florescente conhecida como a idade de ouro da literatura persa. O fermento intelectual e criativo que se seguiu tornou-se particularmente pronunciado durante a década de 1960. Foi uma época em que inúmeros movimentos artísticos emergiram, cada um ultrapassando os limites da expressão de maneiras novas e inovadoras. Essa expansão criativa atingiu seu auge com o advento do Novo Cinema Iraniano, um fenômeno cinematográfico revolucionário. Os filmes produzidos durante esse movimento podem ser melhor descritos como pós-modernos, caracterizados por sua abordagem experimental, estilos narrativos distintos e uma profunda exploração de temas sociais que ressoaram intensamente com públicos diversos. Esse clima cultural único não apenas moldou o panorama artístico no Irã, mas também contribuiu para um legado duradouro que continua a inspirar artistas globalmente.
Os filmes iranianos do movimento da Nova Onda possuem um estilo distintivo fortemente influenciado pelo Neorealismo italiano, mas exibem características únicas que os diferenciam. Enquanto os filmes neorealistas buscam retratar a realidade, geralmente empregam atores e narrativas ficcionais para alcançar essa representação. Por outro lado, o cinema iraniano alinha-se de perto com as metodologias empregadas nas melhores produções do cinema independente. Nessas obras, as fronteiras entre documentário e ficção se confundem, criando uma tapeçaria intricada onde a realidade se entrelaça perfeitamente com cenários encenados. Essa abordagem desafia os limites convencionais do cinema, resultando em uma representação rica e sutil da vida cotidiana que ressoa profundamente com o público. Essa síntese de experiências genuínas e cenas elaboradas permite aos cineastas iranianos explorar temas complexos com autenticidade e sutileza, oferecendo aos espectadores uma jornada cinematográfica imersiva e profunda.
O cinema da Nova Onda iraniana influenciou e enriqueceu significativamente o cinema europeu, deixando sua marca em produções de cineastas como Michael Winterbottom. Essa abordagem cinematográfica, caracterizada pelo realismo e narrativa singular, agora encontra ecos na crescente cena do cinema independente na Itália. Notavelmente, filmes como “The Smartphone Woman”, de Fabio del Greco, e “Appennino”, de Emiliano Dante, são exemplos primordiais que ilustram essa tendência. Essas produções independentes italianas se destacam por fazer da realidade e da autenticidade seus pilares, resultando em narrativas que conectam-se profundamente com o público. Junto a essas obras notáveis, muitos outros filmes italianos independentes seguiram essa linha, abraçando um estilo enraizado na representação de experiências e situações da vida real, demonstrando ainda mais a influência duradoura do cinema da Nova Onda iraniana no cenário global.
Críticos de cinema iranianos começam a vislumbrar um futuro onde poderão se libertar da representação singular do homem islâmico que há muito domina as narrativas do cinema iraniano moderno. Essa mudança de perspectiva é significativa porque abre oportunidades para explorar as complexidades e diversidades dos indivíduos além dos limites dos estereótipos religiosos. O foco está gradualmente se deslocando para a representação de personagens como seres multifacetados que existem e evoluem dentro do vasto e dinâmico âmbito da progressão histórica, em vez de estarem estritamente vinculados à sua identidade religiosa. Ao abraçar uma narrativa tão sutil, os cineastas iranianos têm a chance de apresentar histórias que refletem a verdadeira essência das experiências individuais, marcadas por influências e circunstâncias diversas, pintando, em última análise, um quadro mais rico e abrangente das narrativas pessoais e sociais dentro de suas expressões cinematográficas.
A terceira geração de diretores-autores iranianos é composta por um grupo distinto de cineastas que contribuíram significativamente para o panorama do cinema iraniano. Esses indivíduos talentosos incluem Rafi Pitts, conhecido por sua habilidade em explorar temas sociais através de sua lente cinematográfica única. Bahman Ghobadi ganhou reconhecimento por sua narrativa comovente que frequentemente destaca questões culturais e sociais dentro do Irã. Maziar Miri é reputado por suas técnicas narrativas habilidosas, que mesclam temas tradicionais e modernos de forma fluida. O trabalho de Asghar Farhadi é celebrado globalmente devido à sua narrativa intricada e exploração das relações humanas, o que lhe rendeu inúmeros prêmios internacionais. Mani Haghighi destaca-se por suas abordagens inovadoras que desafiam as normas convencionais do cinema, enquanto Babak Payami foca na exploração de narrativas políticas e sociais. Além disso, Saman Salur e Abdolreza Kahani são conhecidos por seus métodos criativos de contar histórias que frequentemente mergulham nas complexidades da sociedade iraniana. Juntos, esses diretores formam uma rica tapeçaria de talento, moldando significativamente a evolução do cinema no Irã.
Filmes femininos iranianos
Com o crescente reconhecimento e apreço pelo cinema de arte iraniano no cenário global, um número significativo de mulheres vem concluindo seus estudos anualmente em prestigiadas escolas de cinema em todo o país. O universo do cinema feminino iraniano atualmente desfruta de uma era dourada, caracterizada pelas notáveis conquistas e produções criativas de suas talentosas diretoras. Entre essas cineastas pioneiras está Samira Makhmalbaf, que dirigiu seu filme de estreia, “The Apple”, aos impressionantes 17 anos de idade. Seu talento e narrativa inovadora foram ainda mais evidenciados quando ela conquistou o prestigioso Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Cannes em 2000 com seu aclamado filme seguinte, “The Blackboard”. Este período marca uma era crucial e vibrante para as mulheres iranianas no cinema, que continuam a deixar marcas indeléveis na cena cinematográfica internacional com narrativas únicas e expressões cinematográficas envolventes.
As principais diretoras iranianas amplamente reconhecidas tanto dentro quanto fora do Irã são Rakhshan Bani-Etemad, Samira Makhmalbaf, Tahmineh Milani e Niki Karimi. Rakhshan Bani-Etemad, frequentemente citada como uma das diretoras mais influentes do Irã, é conhecida por sua abordagem profunda e sensível a questões sociais e críticas políticas através de seus filmes. Samira Makhmalbaf, filha do renomado diretor Mohsen Makhmalbaf, traz uma abordagem única e uma perspectiva fresca por meio de suas obras cinematográficas que frequentemente exploram a complexidade da vida humana. Em seguida, há Tahmineh Milani, conhecida por sua capacidade de apresentar histórias ousadas que desafiam normas sociais e exploram questões feministas de maneira provocativa e instigante. Já Niki Karimi, que iniciou sua carreira como atriz renomada, construiu uma reputação sólida como diretora com obras que exploram temas centrais como identidade e luta interior, fortalecendo sua posição no mundo do cinema internacional. Essas quatro mulheres não apenas romperam barreiras na indústria cinematográfica iraniana, mas também deixaram um impacto profundo globalmente.
Marjane Satrapi é uma diretora de animação e ilustradora distinta, cujos talentos artísticos lhe renderam prestigiados prêmios tanto no Festival de Cinema de Cannes quanto no Festival de Cinema de Roterdã. Seu trabalho é celebrado por sua criatividade e profundidade, cativando audiências ao redor do mundo. De forma semelhante, Tahmineh Milani é uma cineasta renomada reconhecida por suas contribuições significativas ao cinema, tendo recebido honrarias notáveis em festivais árabes e orientais. Sua obra aclamada, “The Unwanted Woman”, um filme lançado em 2005, também lhe rendeu o prestigiado prêmio do Festival de Cinema de Los Angeles, consolidando ainda mais sua reputação na indústria cinematográfica.
Rakhshan Bani-Etemad iniciou sua trajetória cinematográfica em 1995, quando seu filme The Blue-Veiled estreou no prestigiado Festival de Cinema de Locarno. Isso marcou o início de uma carreira notável, durante a qual suas obras subsequentes foram consistentemente exibidas em alguns dos festivais internacionais de cinema mais renomados do mundo. Entre eles estão o altamente estimado Festival de Moscou e o proeminente Festival de Cinema de Turim, ambos conhecidos por sua seleção criteriosa de filmes que ultrapassam limites criativos e narrativos. Em 2014, seu aclamado filme Tales foi notavelmente escolhido para fazer parte da programação do Festival de Cinema de Veneza, consolidando ainda mais seu status na indústria. Este festival é um dos mais antigos e respeitados no mundo do cinema, frequentemente destacando diretores com uma visão única. Por meio de sua participação contínua nesses eventos celebrados, Bani-Etemad tem feito contribuições significativas para o panorama cinematográfico global, exibindo sua habilidade narrativa e profundidade artística.
Outras cineastas iranianas de destaque incluem Manijeh Hekmat, conhecida pelo filme “Zendane Zanan”. Também está Pouran Derakhshandeh, que se aprofundou na direção cinematográfica. Além disso, não se pode esquecer de Niki Karimi, que exerce grande influência no cinema iraniano. Marzieh Meshkini também ganhou reconhecimento por sua criatividade nessa área, enquanto Hana Makhmalbaf se destacou por abordar temas importantes através de seus filmes. Cineastas iranianas como essas reforçam a importância da presença feminina no campo do cinema, contribuindo com criatividade e perspectivas diversas.
Filmes de Guerra Iranianos
A gênese do cinema de guerra iraniano pode ser rastreada até o turbulento período do conflito Irã-Iraque, uma época de grande conflito e mobilização nacional. Durante essa era, vários cineastas capturaram a essência e as tribulações da guerra, criando obras cinematográficas que eram tanto pungentes quanto liricamente evocativas. Um exemplo notável dessa arte é o filme “In the Alleys of Love” (1990), dirigido pelo estimado Khosrow Sinai. Este filme em particular destaca-se não apenas pelo seu mérito artístico, mas também pelas circunstâncias que envolveram sua produção. Embora o projeto tenha recebido apoio do governo iraniano, enfrentou inúmeros obstáculos e desafios durante sua criação. Apesar dessas dificuldades, o filme emergiu como um testemunho da criatividade e resiliência dos cineastas iranianos durante um momento definidor em sua história, entrelaçando elementos de poesia e narrativa para explorar as dimensões humanas da guerra.
O cinema de guerra iraniano tem se concentrado consistentemente na disseminação de mensagens de propaganda, apresentando a guerra sob uma luz positiva como parte de uma missão nobre destinada ao avanço e aprimoramento da sociedade. Tradicionalmente, esses filmes são elaborados para refletir os aspectos heroicos da guerra ou para exaltar a noção de sacrifício por uma causa maior. No entanto, existem exceções notáveis a essa narrativa sancionada e imposta pelo governo, como os filmes Tears of Cold e Duel. Essas obras romperam com a visão prescrita, oferecendo insights mais profundos e nuançados sobre as complexidades da guerra, explorando temas além do mero patriotismo e dever social. Ao fazê-lo, proporcionaram ao público uma compreensão mais abrangente que desafia a representação unidimensional frequentemente mandatada pelas doutrinas políticas vigentes. Enquanto isso, diretores italianos de filmes de guerra também alcançaram considerável sucesso, criando obras-primas que mergulham na natureza intrincada e multifacetada da guerra, indo além de seus equivalentes iranianos e oferecendo uma exploração variada de temas e narrativas.
Cinema de Animação Iraniano
Os artistas iranianos orgulham-se de uma tradição rica e antiga no campo da animação, que evoluiu e floresceu ao longo dos anos. Este empreendimento artístico de longa data é celebrado através de várias plataformas, destacando-se especialmente o importante festival de cinema de animação que ocorre em Teerã. Este festival serve como um evento cultural vital, exibindo obras inovadoras e fomentando o crescimento da indústria de animação dentro do país.Entre as figuras proeminentes que moldam o cinema de animação iraniano estão Noureddin Zarrin-Kelk, Bahram Azimi e Ali Akbar Sadeghi, cujas contribuições impactaram significativamente o panorama artístico. Zarrin-Kelk é renomado por suas técnicas pioneiras e narrativa no domínio da animação, estabelecendo uma base para futuros cineastas. Bahram Azimi, conhecido por suas narrativas criativas e estilo visual vívido, também contribuiu ricamente para o meio. Enquanto isso, Ali Akbar Sadeghi, com sua abordagem única e vanguardista, deixou uma impressão duradoura na indústria, influenciando gerações de animadores com suas interpretações artísticas inovadoras. Coletivamente, esses diretores desempenharam um papel crucial na definição da identidade da animação iraniana e no avanço de seu reconhecimento internacional.
Influência Francesa na Nova Onda Iraniana
O cinema da Nova Onda iraniana sempre manteve uma conexão impactante e profunda com a Nouvelle Vague francesa, criando um rico tecido de intercâmbio cultural e influência artística. Durante as décadas de 1950 e 1960, um número considerável de estudantes iranianos optou por migrar para a França, motivados pelo desejo de estudar e se imergir no vibrante meio cultural francês. Entre eles, Fereydoun Hoveyda, que serviu como Embaixador do Irã na ONU, emergiu como uma figura significativa na arena cultural francesa. Sua influência estendeu-se profundamente ao campo do cinema, onde cultivou uma amizade próxima com o icônico cineasta francês Francois Truffaut.As contribuições de Hoveyda para o mundo do cinema foram notáveis, particularmente seu papel na criação da distinta revista Le Cahier du Cinéma, que se tornou uma publicação central no discurso cinematográfico. Além disso, sua colaboração com o celebrado diretor italiano Roberto Rossellini exemplificou ainda mais sua dedicação em construir pontes entre distintas culturas cinematográficas. Essa colaboração e troca de ideias entre Hoveyda e Rossellini reforçaram a conexão artística entre o cinema iraniano e francês, estabelecendo um robusto diálogo intercultural que buscou mesclar, apreciar e influenciar os esforços criativos uns dos outros no campo do cinema. Através dessas interações, a ponte entre as culturas cinematográficas francesa e iraniana foi fortalecida, fomentando uma relação única e duradoura que enriqueceu ambos os cinemas nacionais.
A companheira de Jacques Prévert, Shusha Guppy, foi uma notável cantora e cineasta iraniana. Enquanto isso, o compositor que contribuiu com paisagens musicais ricas para os primeiros filmes tanto de François Truffaut quanto de Jean-Luc Godard foi Serge Rezvani, um poeta iraniano originário de Teerã. Farah Diba, outra figura influente, cursou seus estudos na prestigiada Academia de Belas Artes da França, eventualmente conquistando a distinção de se tornar membro permanente. A França também serviu como terreno fértil para as jornadas artísticas de inúmeros outros criativos iranianos, incluindo Robert Hossein, que trilharam seus caminhos nesse ambiente inspirador.
Censura no cinema iraniano
O cinema iraniano sempre se beneficiou do trabalho de inúmeros artistas altamente talentosos, contudo, eles enfrentaram regras rigorosas de censura, tanto antes quanto depois da revolução. Alguns diretores iranianos tiveram dificuldades para distribuir seus filmes internacionalmente. O filme pioneiro da Nova Onda Iraniana “The Cow” de Dariush Mehrjui em 1969 foi produzido pelo Estado, mas o mesmo Estado o censurou durante sua distribuição porque o Xá não queria que aquela representação da vida rural se espalhasse em um momento em que promover uma imagem progressista do Irã era prioridade. O filme e seus prêmios em festivais há muito tempo são fonte de desconforto para o regime.
Após a revolução iraniana, muitos cineastas foram vítimas da censura, que diminuiu desde 1987. A aplicação das regras é frequentemente arbitrária: alguns filmes são bloqueados, outros têm permissão para serem exportados ao exterior. Os critérios de avaliação são bastante inconsistentes. Todos os filmes de Jafar Panahi foram bloqueados pela censura. Muitos dos filmes de Mohsen Makhmalbaf são proibidos no Irã, como “Time of Love”, devido a cenas eróticas e visões críticas sobre a revolução. A diretora feminista Tahmineh Milani foi presa por fazer o filme “The Hidden Half” porque seu conteúdo foi considerado anti-revolucionário. Muitos artistas e diretores iranianos pediram sua libertação, que ocorreu após 8 dias de prisão.
Em “Nargess”, Rakhshan Bani-Etemad, outra diretora iraniana, questiona a moralidade da sociedade, levando-se aos limites dos códigos de censura. Abbas Kiarostami é um diretor famoso na Europa, mas o governo islâmico sempre bloqueou a exibição de seus filmes. No Irã, suas obras só podem ser encontradas em DVDs ilegais e exibições clandestinas.
Kiarostami não tem uma ideia clara do que o governo não gosta em seus filmes e diz: “Acho que eles não entendem meus filmes, e por isso me impedem de distribuí-los caso haja uma mensagem que não queiram liberar.” Embora Kiarostami sempre tenha desejado permanecer no Irã para criar seus novos filmes, ele afirma: “O mais importante hoje é que, apesar da censura, os cineastas iranianos podem fazer seu trabalho e superar as dificuldades. As dificuldades sempre existiram em nosso país, e nosso papel é superá-las.
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