En el vasto catálogo de películas imprescindibles a lo largo de la historia del cine, las películas iraníes ocupan una posición significativa e influyente. Durante un período en el que el cine occidental atraviesa un aparente y aparentemente inexorable declive artístico en relación con la vibrante creatividad y el tumulto dinámico que caracterizaron el panorama cinematográfico de las décadas de 1960 y 1970, varios países de Oriente y Medio Oriente están demostrando un cambio notable y deliberado hacia la producción de películas únicas de cine de autor y el emprendimiento de intrigantes experimentos artísticos. El cine iraní ejemplifica esta tendencia de manera notable. Los cineastas en Irán a menudo se sumergen profundamente en narrativas culturales ricas, temas existenciales profundos y relatos socialmente relevantes que resuenan tanto con audiencias locales como internacionales. A través de una mezcla única de narración y arte visual, las películas iraníes continúan cautivando a los cinéfilos, ofreciendo perspectivas frescas y enfoques innovadores que destacan en la escena cinematográfica global.
La razón subyacente probablemente pueda atribuirse a las difíciles condiciones de vida que enfrentan muchos, condiciones que están perpetuamente al borde de la mera supervivencia. En sociedades donde el vínculo con la prosperidad material y el confort está plagado de dificultades y complejidades, surge la necesidad de crear una forma profunda e intensa de cine. Tal cine sirve como una herramienta vital para la perseverancia espiritual y la supervivencia. Cuanto más duras y precarias se vuelven estas circunstancias, mayor es el impulso para que los cineastas exploren y retraten temas de resistencia y lucha existencial, creando narrativas que resuenan profundamente a nivel espiritual. Estas obras cinematográficas se convierten entonces en artefactos culturales necesarios, reflejando la resiliencia y fortaleza requeridas para navegar y prosperar en medio de la adversidad y la escasez.
El cine iraní es ampliamente considerado como una de las ramas más significativas e influyentes del cine de autor a nivel mundial. Alcanzó su apogeo en términos de reconocimiento y aclamación crítica durante la década de 1990, un período que marcó una etapa significativa para los cineastas en Irán. Esta era vio un auge en la creatividad y la aparición de numerosos cineastas que alcanzaron prominencia internacional. El panorama teatral doméstico está dominado principalmente por producciones comerciales iraníes, incluyendo géneros como los westerns, que atienden a audiencias más amplias en busca de entretenimiento. Sin embargo, la vibrante producción de películas de cine de autor persiste con notable vitalidad, especialmente dentro de la comunidad de cine independiente. Aquí, los cineastas crean películas provocativas y poco convencionales que a menudo se distribuyen a través de circuitos de video casero. Este sector independiente sirve como un terreno fértil para la expresión artística, permitiendo a los cineastas explorar temas y narrativas diversas que pueden no ser comercialmente viables para los cines convencionales, pero que contribuyen sustancialmente al rico tapiz de la cultura cinematográfica iraní.
Una separación (2011)
La película sigue la dolorosa disolución de un matrimonio en el Teherán contemporáneo. Mientras la esposa desea abandonar el país para brindar un futuro mejor a su hija, el esposo insiste en quedarse para cuidar a su padre, quien sufre de Alzheimer. Su conflicto doméstico escala hasta convertirse en una pesadilla legal y ética cuando contratan a un cuidador, desencadenando una red de mentiras y acusaciones que exponen las profundas divisiones de clase y religiosas dentro de la sociedad iraní.
Asghar Farhadi crea una obra maestra del realismo psicológico que utiliza la estructura de un drama legal para diseccionar las complejidades de la verdad y la justicia. Ganadora de un Premio de la Academia, la película es celebrada por su capacidad para mantener un equilibrio perfecto entre las perspectivas de sus personajes. Ofrece una narrativa tensa y universal que desafía a los espectadores a reflexionar sobre la responsabilidad moral y las consecuencias de las decisiones individuales dentro de las estructuras familiares y sociales.
The House is Black
Documental, de Forough Farrokhzad, Irán, 1963.
La casa es negra es una película lírica y trascendental que dirige una mirada llena de compasión y religiosidad hacia una humanidad sufriente. La única fuente de armonía se encuentra fuera de la colonia de leprosos, en la naturaleza: el sufrimiento reina en el interior. Ni siquiera la fe religiosa puede aliviarlo. Un documental sobre la vida y el sufrimiento en un hospital para leprosos en Esperan, en el distrito central del condado de Tabriz, donde el tiempo parece haberse detenido, donde la rutina diaria se repite sin fin, privada de toda esperanza. La película fusiona las imágenes con la poesía de la directora Forough Farrokhzad y con citas del Antiguo Testamento y el Corán. Durante el rodaje, la directora se encariñó con Hossein Mansouri, un niño cuyos padres padecían lepra, y decidió adoptarlo. Poco conocida en el momento de su estreno, La casa es negra se convirtió en el referente del cine iraní en los años siguientes. Puede considerarse la primera película que dio origen al movimiento de la Nueva Ola iraní. Forugh Farrokhzad, una famosa poeta feminista iraní con un estilo controvertido y modernista, fue una de las voces femeninas más importantes en la poesía y el cine iraní. Su personalidad autoritaria y carismática fue duramente puesta a prueba por el ostracismo y la desaprobación de los conservadores y el gobierno islámico, que prohibieron sus poemas más de una década después de su muerte en un trágico accidente automovilístico a los 32 años. La casa es negra es su única película. Farugh Farrokhzad utiliza su sensibilidad para acercar la cámara hacia lo que no debería ser mirado, hacia los leprosos y los marginados, con absoluto respeto. Película imperdible.
Duelo (2004)
Ambientada en el tranquilo entorno de un pueblo rural iraní, la narrativa sigue el intrincado triángulo amoroso y la rivalidad entre Abolfazl y Ali, ambos profundamente enamorados de la hermosa y culta Maryam. Cuando Maryam elige a Abolfazl, el dolor de Ali se transforma en un resentimiento ardiente, desatando una espiral de celos y venganza que convierte una amistad de toda la vida en una confrontación despiadada.
Ahmad Reza Darvish dirige una obra cargada de tensión emocional que explora temas universales de deseo y traición. La película es históricamente significativa por ser una de las primeras obras iraníes en abordar el tema del amor entre personas del mismo sexo, aunque de manera sutil, dentro de una cultura dominada por tabúes rígidos. La obra ha sido elogiada por su dirección sólida y su capacidad para retratar la fragilidad humana frente a una pasión abrumadora.
La lágrima del frío (2004)
Ambientada durante la guerra Irán-Irak, la película sigue a Mohammad, un soldado iraní que encuentra refugio en un remoto pueblo kurdo tras ser herido. Es cuidado por Azadeh, una joven kurda local que, a pesar de las barreras culturales y religiosas, decide ayudarlo a recuperarse. Entre ellos florece un amor inesperado, pero debe enfrentarse a la brutalidad implacable del conflicto en curso y a la hostilidad del territorio circundante.
Azizollah Hamidnezhad crea un drama bélico que desplaza el foco de las operaciones militares al impacto humanitario del conflicto. El título sirve como una poderosa metáfora del dolor y la parálisis emocional causados por la violencia, sin embargo, la narrativa encuentra momentos de extrema ternura en medio de los escombros. Es una reflexión poética sobre la capacidad del amor para florecer incluso en los contextos más áridos y hostiles, superando las divisiones impuestas por el prejuicio.
The Cow
Drama, de Dariush Mehrjui, Irán, 1969.
Basado en la obra de Gholam-Hossein Saedi, probablemente inspirada en una leyenda iraní que cuenta que el príncipe Buyid Majd ad-Dawla se consideraba a sí mismo una vaca. Hassan ama a su única vaca más que a cualquier otra cosa, una fuente de sustento. Cuando se va del pueblo por un corto tiempo, su esposa encuentra la vaca muerta en el establo. Los aldeanos temen la reacción de Hassan y, para evitar el dolor por la pérdida de su amada vaca, esconden el cuerpo del animal en un pozo. Cuando Hassan regresa y no encuentra la vaca, poco a poco comienza a perder la razón, hasta el punto de volverse loco y creer que él mismo es la vaca. Se encierra para vivir en el establo comiendo heno. Su esposa y amigos del pueblo intentan ayudarlo a recuperar la cordura. Crítica aguda al sentido de posesión y propiedad que lleva al hombre a la alienación y a la pérdida de su identidad, La Vaca de Dariush Mehrjui es la primera película de la Nueva Ola Iraní. Filmada en un pueblo remoto y pobre del campo iraní donde domina la superstición y la percepción religiosa del mal, personificada a lo largo de la historia también por la presencia casi fantasmal de invasores enemigos, la película es una metáfora dramática de la dependencia del hombre de sus medios de sustento.
Para reflexionar
Cuando un hombre corta sus raíces con su verdadero yo, cuando depende de su sociedad, religión, estado, propiedad, se convierte en un individuo alienado. Se da cuenta de que ya no tiene raíces, pierde toda seguridad, todo apoyo y puede caer en un agujero negro. Todo su conocimiento, toda su respetabilidad no era suya, había sido prestada. En ese momento puede creer que no posee nada. Si un día alguien le dice que lo que más amaba en el mundo ya no está, podría volverse loco. La locura es el miedo a lo desconocido.
IDIOMA: Persa
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués
Soy Taraneh, 15 años (2002)
Taraneh es una chica de quince años que enfrenta un embarazo inesperado tras una breve relación, viéndose obligada a manejar la maternidad temprana en una sociedad profundamente tradicional. La película documenta su lucha diaria por cuidar a su recién nacido y resistir enormes presiones sociales y discriminación de género, mientras busca construir un futuro digno a pesar de la hostilidad de su entorno.
Rassul Sadr Ameli dirige una obra de fuerte crítica social que pone en evidencia las hipocresías y barreras que enfrentan las mujeres iraníes. El filme recibió numerosos premios internacionales por su narrativa honesta y su capacidad para dar voz a la resiliencia juvenil. A través de la historia de Taraneh, el director analiza el peso de las expectativas culturales y la fuerza requerida para reclamar la autonomía propia en un contexto represivo.
Varados en Irak (2002)
Mirza, un anciano músico kurdo, emprende un peligroso viaje a través de las zonas de guerra de Irak con sus dos hijos para encontrar a su exesposa desaparecida. Durante su odisea, el grupo se enfrenta a la devastación de la era posterior a la Guerra del Golfo y al exilio de la población kurda, encontrando en la música la única fuerza capaz de unir los fragmentos de un pueblo disperso y ofrecer esperanza en medio del caos.
Bahman Ghobadi crea una película visceral que mezcla la belleza de la cultura kurda con la cruda realidad de la guerra y el desplazamiento. La obra fue aclamada por su capacidad para capturar la dignidad de individuos que viven en territorios devastados, usando la búsqueda personal del protagonista como metáfora de toda una nación en busca de su identidad. Es un poderoso testimonio de la resiliencia del espíritu humano y el poder salvador del arte.
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Prisión de Mujeres (2002)
La película explora las vidas diarias y las historias personales de varias mujeres confinadas en una penitenciaría iraní, mostradas a lo largo de varios años. La narrativa destaca las duras condiciones de detención, las injusticias sistémicas y la manera en que el contexto sociopolítico externo influye en el destino de las presas, enfatizando su increíble fortaleza interior al intentar mantener su humanidad.
Manijeh Hekmat entrega una obra innovadora que sirve como un feroz comentario social sobre la represión y la falta de derechos para las mujeres. La película ha sido elogiada por su realismo crudo y su capacidad para denunciar las fallas en los sistemas judicial y penitenciario. A través del microcosmos de la prisión, la directora reflexiona sobre las dinámicas de poder y la resiliencia femenina, consolidando su posición como una de las voces más valientes del cine social iraní.
Bajo la piel de la ciudad (2001)
Tuba es una madre resiliente que lucha cada día por mantener unida a su familia a pesar de las dificultades económicas y las tensiones políticas del Irán contemporáneo. La narrativa sigue sus esfuerzos por proteger a sus hijos de la pobreza, las drogas y el desempleo, mientras el país atraviesa una fase de profundo cambio social que pone a prueba la estabilidad de los vínculos emocionales más cercanos.
Rakhshan Bani-Etemad dirige un poderoso retrato de la clase trabajadora iraní, situando la perspectiva femenina y la resiliencia necesaria para sobrevivir en un entorno hostil en el centro. La película es celebrada por su capacidad para vincular el drama privado con la crítica política, ofreciendo una visión lúcida de las heridas de la sociedad urbana. La obra ha tenido éxito internacional, confirmando a la directora como una maestra en narrar la cruda realidad de su pueblo.
La manzana (1998)
Basada en una historia real, la película narra la historia de dos hermanas gemelas discapacitadas que fueron mantenidas segregadas en casa por su padre y su madre ciega durante doce años, sin ningún contacto con el mundo exterior. Cuando las autoridades intervienen para liberarlas, las niñas deben aprender a interactuar con una realidad desconocida para ellas, mientras la comunidad cuestiona las razones de un cautiverio dictado por un sentido distorsionado de protección y pobreza.
El debut de Samira Makhmalbaf es una obra de extraordinaria fuerza documental y poética que explora los temas del aislamiento social y el descubrimiento de la libertad. La película utiliza un lenguaje cinematográfico sensible para mostrar el contraste entre la inocencia de las niñas y la rigidez de las convenciones de su padre. Es una investigación compasiva sobre la naturaleza humana y las barreras físicas y mentales que impiden el pleno desarrollo del individuo.
La agencia de cristal (1998)
En los años posteriores a la Guerra Irán-Irak, un veterano toma una agencia de viajes como rehén para obtener los fondos necesarios para el tratamiento médico en el extranjero de su camarada herido. El evento se convierte en un tenso enfrentamiento con la policía y las autoridades burocráticas, destacando el sentimiento de abandono y la crisis de identidad de los veteranos en un país que parece querer olvidar los sacrificios del pasado.
Ebrahim Hatamikia crea un thriller dramático con un fuerte impacto humanitario que analiza las heridas psicológicas dejadas por el conflicto. La película es famosa por su crítica a las estructuras institucionales y por la forma en que representa el malestar de los veteranos que no logran reintegrarse a la vida civil. La obra es considerada una de las piezas más significativas sobre la memoria de la guerra, capaz de transformar un acto desesperado en una profunda reflexión sobre la lealtad y el valor de la vida humana.
Los niños del paraíso (1997)
Ali es un niño de una familia pobre que pierde accidentalmente los zapatos de su hermanita Zahra y, para no cargar a sus padres, decide compartir con ella su único par de zapatos. Los dos hermanos organizan un complicado relevo diario para ir a la escuela, tratando de mantener el secreto hasta que Ali decide participar en una carrera a pie con la esperanza de ganar el tercer premio: un par de zapatos nuevos.
Majid Majidi crea un relato neorrealista de extraordinaria pureza que celebra la inocencia y el sacrificio infantil. La película utiliza una narrativa sencilla para explorar temas universales como la honestidad y el vínculo fraternal, ofreciendo una mirada lírica a la vida urbana iraní. Nominada al Oscar, se convirtió en un clásico global por su capacidad de transmitir emociones profundas a través de pequeños actos de heroísmo cotidiano.
El sabor de la cereza (1997)
El señor Badii es un hombre de mediana edad que vaga en su coche por las desoladas afueras de Teherán en busca de alguien dispuesto a enterrarlo tras su suicidio planeado. En el camino, conoce a diferentes personas —un soldado, un seminarista y un taxidermista— con quienes entabla conversaciones filosóficas sobre la vida, el sufrimiento y la belleza del mundo, en un intento por darle sentido a su desesperación antes del acto final.
Ganadora de la Palma de Oro, la obra maestra de Abbas Kiarostami es una meditación minimalista sobre la existencia y la libertad de elección. A través de planos largos y diálogos naturalistas, la película desafía al espectador a confrontar el valor de vivir incluso en momentos de absoluta oscuridad. La obra elevó el cine iraní a nivel global, demostrando cómo una trama esencial puede alcanzar cimas de incomparable profundidad filosófica.
Un momento de inocencia (1996)
El director Mohsen Makhmalbaf intenta reconstruir un episodio traumático de su juventud revolucionaria: el día en que apuñaló a un policía durante una manifestación. Colaborando con el mismo ex policía que fue víctima del ataque, el cineasta organiza una audición para seleccionar a los jóvenes actores que interpretarán sus versiones del pasado, transformando el set en un lugar de reflexión sobre la violencia y el perdón.
La película es una docu-ficción innovadora que deconstruye la memoria histórica y personal a través de un juego meta-narrativo. Makhmalbaf cuestiona la naturaleza de la verdad cinematográfica, invitando a los protagonistas a improvisar su propia historia para buscar una reconciliación imposible. Es una obra audaz que reflexiona sobre las cicatrices de la revolución y la complejidad del proceso de redención mediante el arte del cine.
De Karkheh al Rin (1993)
La película sigue la historia de un grupo de soldados iraníes enviados a Alemania para recibir tratamiento médico especializado tras haber sido expuestos a armas químicas durante la guerra con Irak. La narrativa se centra en el protagonista que, mientras intenta recuperar su vista y salud, debe enfrentar el trauma psicológico del conflicto y el choque cultural entre su identidad como soldado devoto y la realidad occidental que lo rodea.
Ebrahim Hatamikia crea una obra conmovedora que analiza las consecuencias físicas y mentales de la guerra moderna. La película es celebrada por su capacidad para mostrar el lado más íntimo y vulnerable de los combatientes, rechazando la retórica heroica en favor de una profunda investigación sobre la esencia de la humanidad bajo asedio. Es un testimonio doloroso y necesario del precio que pagan los individuos por las ambiciones geopolíticas de las naciones.
Mohajer (1991)
La obra documenta el difícil viaje y sufrimiento que enfrentan los refugiados iraníes durante el conflicto entre Irán e Irak. El término «Mohajer» se refiere precisamente a aquellos que se ven obligados a abandonar sus tierras devastadas para buscar seguridad en otro lugar, navegando entre el hambre, los peligros militares y la constante incertidumbre del futuro, mientras intentan mantener viva la esperanza de una nueva vida lejos de las bombas.
Ebrahim Hatamikia ofrece una visión realista y empática de la condición de los refugiados, destacando su resiliencia y la fortaleza del espíritu humano. La película obtuvo un amplio reconocimiento por su capacidad para poner en primer plano los problemas sociales y humanitarios derivados de la guerra ante audiencias internacionales. Gracias a una narrativa visceral, la obra transforma el drama del desplazamiento en un poderoso llamado a la solidaridad y la paz.
En los callejones del amor (1990)
Ambientada en las sugerentes calles de una ciudad iraní, la película narra la historia de amor entre una joven y un hombre, cuyas aspiraciones sentimentales chocan con rígidas tradiciones culturales y expectativas comunitarias. Su vínculo se convierte en el campo de batalla entre el deseo individual de felicidad y el peso de las convenciones ancestrales, destacando las tensiones de una sociedad en equilibrio entre el pasado y la modernidad.
Khosrow Sinai dirige una obra famosa por su sensibilidad poética y por la atención a los detalles del entorno. La película es considerada una contribución fundamental para la comprensión de las dinámicas relacionales en Irán, ofreciendo una narrativa llena de estética e introspección. A través del uso de una cinematografía evocadora, la obra celebra la fuerza de los sentimientos que buscan trascender los límites impuestos por las normas sociales tradicionales.
Kani Manga (1988)
Durante la guerra Irán-Irak, un piloto iraquí es derribado y se estrella en las escarpadas montañas kurdas de Kani Manga. Se desata una implacable cacería, enfrentando a un grupo de guardabosques iraníes decididos a capturarlo contra una banda de kurdos empeñados en protegerlo, transformando el territorio inexpugnable en un teatro de tensión política, alianzas frágiles y batallas a muerte.
Seifollah Dad dirige un filme bélico de alta tensión que explora la complejidad del conflicto desde una perspectiva geográfica y cultural específica. Premiado en el Festival de Cine Fajr por montaje y efectos especiales, la obra es reconocida por su capacidad para mezclar acción y contexto histórico con gran maestría. Es una obra influyente que ofrece una visión detallada de las dinámicas humanas y militares que marcaron ese período convulso.
Boicot (1985)
La película narra la historia de un grupo de estudiantes universitarios iraníes que deciden boicotear los exámenes como acto de protesta contra las políticas autoritarias y represivas del gobierno. La narrativa sigue sus vidas marcadas por el miedo a la policía secreta, el compromiso político clandestino y el ardiente deseo de libertad de expresión, mostrando el coraje necesario para oponerse a un sistema injusto.
Mohsen Makhmalbaf utiliza este filme para explorar las dinámicas de resistencia y disidencia política en el contexto posrevolucionario. La obra es valorada por su narrativa provocadora y por su capacidad para reflejar la tensión social de la época. La película marca una fase crucial en la evolución del cine iraní moderno, poniendo énfasis en la lucha del individuo por los derechos civiles y contra la opresión estatal.
Águilas (1984)
Inspirada en hechos reales, la película cuenta la historia de un valiente piloto iraní cuyo avión es derribado sobre territorio iraquí hostil durante el conflicto militar. El protagonista debe confiar en su propio entrenamiento e instinto de supervivencia para cruzar paisajes peligrosos y escapar de patrullas enemigas en un intento desesperado por regresar sano y salvo a su tierra natal para continuar defendiendo la nación.
Samuel Khachikian dirige un éxito bélico que celebra el heroísmo nacional con un realismo sin precedentes para la época. La película fue uno de los primeros éxitos internacionales del cine de género iraní, con un impresionante presupuesto de 10 millones de dólares que permitió efectos especiales y escenas de acción espectaculares. La obra se convirtió en un pilar del cine patriótico, consolidando la reputación del director como un maestro en narrar la fortaleza espiritual iraní.
Bita (1972)
Bita es una joven inteligente e independiente de orígenes humildes que vive en Teherán y sueña con emanciparse a través de la educación. Se enamora de Korush, un chico de una familia rica e influyente, pero su vínculo se ve obstaculizado por rígidas barreras sociales y las expectativas de sus respectivas familias. Bita se ve obligada a elegir entre la conformidad exigida por la tradición y el valor para seguir sus propios deseos personales.
Protagonizada por la famosa Googoosh, la película es un drama psicológico fundamental que denuncia el estado de sumisión de las mujeres en la sociedad conservadora de la época. Filmada íntegramente en blanco y negro para enfatizar el contraste emocional, la obra es considerada un referente del nuevo cine iraní. El filme influyó en generaciones de directores por su capacidad para abordar temas como la libertad individual y los derechos de las mujeres con gran sensibilidad y visión artística.
Tranquilidad en la Presencia de Otros (1972)
Ambientada en las tierras desoladas del desierto iraní, la película sigue el solitario viaje de un joven pastor encargado de guiar a su rebaño a través de territorios impenetrables. La narrativa se desarrolla con un ritmo lento y meditativo, enfocándose en la simbiosis entre el hombre y la naturaleza intacta y en el rico legado de tradiciones rurales que definen la existencia de las comunidades nómadas alejadas de la modernidad urbana.
Nasser Taqvai crea un poema visual poético de extraordinaria sensibilidad que ilumina la dura belleza de la vida rural. La obra es celebrada internacionalmente por su capacidad para transformar la vida cotidiana en una experiencia lírica y espiritual. A través del uso hábil de la luz y el silencio, la película ofrece una ventana privilegiada a un mundo arcaico y sereno, subrayando el vínculo profundo e indisoluble entre el ser humano y el paisaje que habita.
Qeysar (1969)
Qeysar es un joven que, al regresar a Teherán, descubre que su hermana ha muerto trágicamente debido a una infamia sufrida y que su hermano ha sido asesinado en un intento de vengarla. Cegado por la ira y fiel a un código de honor arcaico, el protagonista se embarca en una implacable cacería de los responsables, transformándose en un vigilante solitario que desafía la ley y las instituciones en una ciudad que está perdiendo sus valores tradicionales.
La obra maestra de Masoud Kimiai es considerada el nacimiento del cine de autor moderno iraní y del género de acción «film-farsi». La monumental actuación de Behrouz Vossoughi creó un icono cultural inmortal. La obra es famosa por su audaz estilo visual y por su implacable reflexión sobre la venganza y la moralidad individual, marcando un punto de inflexión fundamental en la evolución estética y temática de la cinematografía nacional.
La Vaca (1969)
Hassan es un campesino de un pueblo pobre cuya única posesión valiosa es su amada vaca. Mientras el hombre está ausente, el animal muere repentinamente; a su regreso, los aldeanos intentan ocultar la verdad por temor a su reacción. Hassan, sin embargo, cae en una locura delirante, llegando a creer que él mismo se ha convertido en la vaca, encarnando físicamente al animal perdido en un proceso de alienación mental total y trágica.
Daryush Mehrjui firma la obra inaugural de la Nueva Ola Iraní, utilizando un lenguaje neorrealista mezclado con sugerencias surrealistas. La película es una crítica metafórica al conflicto entre la modernidad y el atraso campesino, celebrada por la extraordinaria intensidad psicológica de la narrativa. Gracias a sus imágenes austeras y al poder del cuento popular, el filme ha alcanzado reconocimiento mundial, convirtiéndose en un símbolo universal del dolor causado por la pérdida.
El Esposo de la Señora Ahu (1968)
La trama se centra en los complicados asuntos matrimoniales de Ahu Khanoom y su esposo, un panadero que se enamora locamente de una mujer más joven y moderna. La película retrata el conflicto entre la esposa tradicional, dedicada a su familia y a las costumbres religiosas, y la rival que representa el cambio y la tentación, ofreciendo una reflexión amarga y a veces irónica sobre la poligamia y la condición femenina en el Irán rural.
Davoud Mollapour dirige una adaptación de una famosa novela nacional, mezclando elementos de comedia y drama romántico. La obra es apreciada por su capacidad para retratar con realismo las dinámicas domésticas y las sutilezas de la vida en pareja en un contexto de transición social. Aunque menos conocida en el extranjero, la película ocupa un lugar de honor en la cultura popular iraní por su representación honesta y divertida de las tensiones entre el amor y el deber matrimonial.
Perspectiva
El Cine Comercial Iraní
Un personaje meticulosamente creado para encarnar el éxito cautivó a las audiencias del cine iraní, atrayéndolas hacia el encanto de un estilo de vida occidental hedonista y moralmente cuestionable. A pesar del encantamiento cultural y la fascinación que provocaba, el gobierno islámico adoptó una postura firme contra tales influencias prohibiendo sus películas y vetándolo para que no continuara con su oficio. No obstante, la fama del actor y el profundo impacto de sus interpretaciones persistieron sin disminuir, resonando en los corazones del pueblo hasta su fallecimiento.
Una reunión verdaderamente significativa y popular asistió a su servicio funerario. Mohammad Ali Fardin simbolizaba para los cinéfilos iraníes ese estilo de vida aspiracional que permanece inalcanzable dentro de Irán, un estilo de vida por el que la gente anhela continuamente. En tiempos de dificultades económicas y conflictos, se vuelve natural anhelar una mayor prosperidad material, incluso si el paradigma occidental se presenta como uno de potencial autodestrucción. No obstante, actualmente no existen ideales alternativos hacia los cuales mirar.
El gobierno iraní expresa oficialmente su desaprobación hacia el cine estadounidense, criticándolo por carecer de estándares éticos fundamentales y desestimándolo como un mero producto comercial carente de valores morales profundos. A pesar de estas opiniones críticas, las autoridades iraníes no obstaculizan la distribución de películas estadounidenses dentro del país. Esta aparente contradicción surge del hecho de que un número significativo de películas presentadas en los cines iraníes y disponibles en tiendas de video casero son, de hecho, producciones estadounidenses. Estas películas han alcanzado considerable popularidad y éxito entre el público iraní, indicando una fuerte demanda a pesar de la postura desaprobatoria del gobierno. El interés continuo del público iraní en el cine estadounidense sugiere una relación compleja entre la crítica oficial y las preferencias reales de los consumidores, destacando cómo las dinámicas del mercado a veces pueden superar las opiniones gubernamentales y la crítica cultural.
Las películas estadounidenses, particularmente las obras de cineastas como Steven Spielberg, Brian De Palma, Mel Gibson, y la icónica saga 007, dominan una parte significativa de la cuota de mercado cinematográfica en Irán. Estas películas han alcanzado una tremenda popularidad, resonando profundamente con las audiencias, especialmente entre el público joven. La narrativa impactante, los altos valores de producción y el atractivo de los elencos estelares de Hollywood contribuyen a su amplia aceptación. Además de su éxito en los cines, estas películas reciben una exposición extensa en la televisión iraní, donde se transmiten con frecuencia. Al emitir estas películas regularmente, las cadenas televisivas buscan capitalizar su amplio atractivo y cautivar a su vasta audiencia. Esta transmisión regular no solo aumenta los números de audiencia sino que también fortalece la influencia del cine estadounidense en la región, atrayendo continuamente a espectadores entusiastas deseosos de experimentar el entretenimiento y la emoción que estas películas prometen.
Nueva Ola del cine iraní
La Nueva Ola Iraní destaca como el movimiento artístico más significativo en el ámbito del cine iraní, marcando una evolución pivotal desde principios de la década de 1960. Esta era transformadora se atribuye a menudo a sus raíces en el cine documental, con «The House is Black» de Forough Farrokhzad frecuentemente reconocido como un precursor influyente del movimiento. Oficialmente, la Nueva Ola Iraní tomó forma en 1964, estableciendo sus fundamentos con la película de Hajir Darioush inspirada en la novela «The Lover of Lady Chatterley». Esta revolución cinematográfica no solo redefinió la expresión artística de los cineastas iraníes sino que también trazó un nuevo camino progresista para la narración, resonando tanto a nivel nacional como internacional. A través de sus temas innovadores y estilos narrativos audaces, el movimiento capturó las complejidades y matices de la sociedad iraní, invitando a las audiencias a explorar diálogos culturales y filosóficos más profundos.
En 1968, el panorama cinematográfico fue testigo del estreno de «Shohare Ahoo Khanoom», una película magistralmente dirigida por Davoud Mollapour, que cautivó al público con su narrativa. Poco después, en 1969, Dario Mehrjui presentó «The Cow», una obra innovadora que dejó una marca indeleble en la industria del cine. Ese mismo año, Masoud Kimiai introdujo su impactante filme «Qeysar», enriqueciendo aún más la experiencia cinematográfica con su narrativa única. El impulso continuó con la ilustre película de Nasser Taqvai, «Tranquility in the Presence of Others», que añadió otra dimensión a esta vibrante era del cine. Estas producciones fueron un testimonio de la creciente Nueva Ola Iraní, un movimiento cultural y artístico que capturó la fascinación e interés de renombrados intelectuales, enfatizando la creatividad y la innovación en la narración y expresión cinematográfica. Este período marcó un cambio significativo en las artes, rompiendo límites y abrazando nuevas perspectivas en el cine iraní.
El movimiento cinematográfico conocido como la Nueva Ola, que ganó un impulso significativo durante los años 60, no se limitó a Francia, sino que extendió su influencia y energía innovadora a varios países alrededor del mundo, incluido Irán. Este vibrante período de cine artístico y creativo vio a Irán ser arrastrado por la ola de cambio, cuando una nueva generación de directores comenzó a emerger, moldeando el futuro del cine iraní. Entre los pioneros que lideraron la Nueva Ola Iraní estuvieron Forough Farrokhzad, una poeta y cineasta celebrada que aportó una sensibilidad poética y una visión revolucionaria a su obra; Sohrab Shahid Saless, conocido por su enfoque minimalista y realista que a menudo retrataba las luchas de la vida cotidiana; Bahram Beizai, cuya experiencia en teatro y cine aportó una perspectiva profundamente cultural e histórica; y Parviz Kimiai, reconocido por su capacidad para infundir a sus películas un comentario social a través de un estilo distintivo. Cada uno de estos directores desempeñó un papel crucial en la renovación y transformación del panorama cinematográfico iraní, contribuyendo significativamente al legado global del movimiento de la Nueva Ola.
Los años sesenta representan una década marcada por un cambio significativo, durante la cual el público y los directores de cine de todos los rincones del mundo comenzaron a evaluar críticamente y desafiar el material producido y presentado por la industria del entretenimiento. Esta era se caracterizó por un palpable sentido de innovación y transformación, que se extendió por la industria como un soplo de aire fresco, capturando la esencia de lo que llegaría a conocerse distintamente como una «nueva ola». Este movimiento no se limitó solo al cine; reflejaba un cambio cultural más amplio, significando una búsqueda de autenticidad, creatividad y comentario social, a medida que cineastas y espectadores crecían en insatisfacción con las narrativas tradicionales y buscaban explorar temas más profundos y relevantes. Por tanto, el período estuvo impregnado de un espíritu de descubrimiento y experimentación, mientras los artistas se esforzaban por empujar los límites de la narración y las técnicas cinematográficas, dando lugar finalmente a una era cinematográfica vibrante e influyente que resonó a escala global.
A lo largo de los años, varios directores influyentes han dejado una marca significativa en el movimiento del Nuevo Cine Iraní, una tendencia caracterizada por sus narrativas innovadoras y técnicas únicas de narración. Estas figuras pioneras incluyen a Abbas Kiarostami, conocido por sus películas contemplativas y a menudo filosóficas que exploran la condición humana de manera profunda. Jafar Panahi, a pesar de enfrentar censura y restricciones, ha desafiado constantemente las normas sociales a través de sus obras profundamente personales y provocadoras. Las películas de Majid Majidi son celebradas por su humanismo y la exploración de problemas sociales, capturando las complejidades de la vida cotidiana con empatía y sensibilidad.Bahram Beizai destaca por su uso elocuente del simbolismo y la mitología, que emplea para cuestionar el statu quo social y las tradiciones culturales. Dario Mehrjui, considerado a menudo un precursor de este movimiento, revitalizó el cine iraní con su influyente mezcla de sátira y realismo. El estilo ecléctico de Mohsen Makhmalbaf abarca varios géneros y temas, adentrándose frecuentemente en las complejidades de la fe, la identidad y la libertad. Las contribuciones de Khosrow Sinai incluyen documentales y dramas que ofrecen una profunda visión de la historia iraní y las experiencias de la diáspora.Sohrab Shahid-Saless es conocido por su enfoque minimalista, centrado en personas comunes y capturando las sutilezas de la vida cotidiana con un impacto silencioso pero profundo. Parviz Kimiavi incorpora el surrealismo y la alegoría en sus películas para comentar sobre cuestiones políticas y sociales, mezclando a menudo la realidad con una narración imaginativa. Samira Makhmalbaf, una de las directoras más jóvenes del grupo, aborda temas como la educación, los derechos de las mujeres y la situación de los niños, utilizando un estilo narrativo crudo y conmovedor. Amir Naderi pone el foco en comunidades marginadas, ofreciendo una voz a los sin voz a través de sus películas evocadoras y visualmente impactantes. Por último, las obras de Abolfazl Jalili exploran a menudo temas de la infancia e inocencia, ambientados en el contexto de una sociedad en transformación, proporcionando una perspectiva crítica pero esperanzadora sobre el futuro.Juntos, estos directores han revolucionado el cine iraní al profundizar en temas de política, filosofía y cultura iraní con una creatividad, valentía y perspicacia sin precedentes, alterando la percepción global del cine iraní y ganando reconocimiento internacional por sus contribuciones innovadoras. Su cuerpo colectivo de trabajo continúa influyendo en cineastas de todo el mundo, manteniendo el rico legado del Nuevo Cine Iraní.
El entorno artístico en Irán experimentó una transformación significativa tras el golpe de Estado del 19 de agosto de 1953. Este período marcó el inicio de una revolución cultural dinámica y vibrante, impulsada principalmente por la floreciente era conocida como la edad de oro de la literatura persa. El fermento intelectual y creativo que siguió se hizo particularmente pronunciado durante la década de 1960. Fue una época en la que surgieron numerosos movimientos artísticos, cada uno empujando los límites de la expresión de maneras nuevas e innovadoras. Esta expansión creativa alcanzó su cenit con la llegada del Nuevo Cine Iraní, un fenómeno cinematográfico revolucionario. Las películas producidas durante este movimiento pueden describirse mejor como posmodernas, caracterizadas por su enfoque experimental, estilos narrativos distintivos y una profunda exploración de temas sociales que resonaron profundamente con audiencias diversas. Este clima cultural único no solo moldeó el panorama artístico en Irán, sino que también contribuyó a un legado perdurable que continúa inspirando a artistas a nivel global.
Las películas iraníes del movimiento de la Nueva Ola poseen un estilo distintivo fuertemente influenciado por el Neorealismo italiano, aunque exhiben características únicas que las diferencian. Mientras que las películas neorrealistas buscan retratar la realidad, suelen emplear actores y narrativas ficticias para lograr esta representación. Por el contrario, el cine iraní se alinea estrechamente con las metodologías utilizadas en las mejores producciones de cine independiente. En estas obras, las líneas entre documental y ficción se difuminan, creando un intrincado tapiz donde la realidad se entrelaza sin esfuerzo con escenarios escenificados. Este enfoque desafía los límites convencionales del cine, resultando en una representación rica y matizada de la vida cotidiana que resuena profundamente con el público. Tal síntesis de experiencias genuinas y escenas elaboradas permite a los cineastas iraníes explorar temas complejos con autenticidad y sutileza, ofreciendo a los espectadores un viaje cinematográfico inmersivo y profundo.
El cine iraní de la Nueva Ola ha moldeado y enriquecido significativamente el cine europeo, dejando su huella en producciones de cineastas como Michael Winterbottom. Este enfoque cinematográfico, caracterizado por su realismo y narrativa única, ahora encuentra ecos en la floreciente escena del cine independiente en Italia. Destacan películas como «The Smartphone Woman» de Fabio del Greco y «Appennino» de Emiliano Dante, que son ejemplos primordiales que ejemplifican esta tendencia. Estas producciones italianas independientes se distinguen por hacer de la realidad y la autenticidad sus pilares, resultando en narrativas que conectan con el público a un nivel profundo. Junto a estas obras notables, muchas otras películas italianas independientes han seguido esta línea, abrazando un estilo arraigado en la representación de experiencias y situaciones de la vida real, demostrando aún más la influencia perdurable del cine iraní de la Nueva Ola en el escenario global.
Los críticos de cine iraníes comienzan a vislumbrar un futuro donde puedan liberarse de la representación singular del hombre islámico que ha dominado durante mucho tiempo las narrativas del cine moderno iraní. Este cambio de perspectiva es significativo porque abre oportunidades para explorar las complejidades y diversidades de los individuos fuera de los confines de los estereotipos religiosos. El enfoque se está desplazando gradualmente hacia la representación de personajes como seres multifacéticos que existen y evolucionan dentro del vasto y dinámico ámbito del progreso histórico, en lugar de estar estrictamente atados a su identidad religiosa. Al adoptar una narrativa tan matizada, los cineastas iraníes tienen la oportunidad de presentar historias que reflejan la verdadera esencia de las experiencias individuales, marcadas por influencias y circunstancias diversas, pintando en última instancia un cuadro más rico y completo de las narrativas personales y sociales dentro de sus expresiones cinematográficas.
La tercera generación de directores-autores iraníes está compuesta por un grupo distinguido de cineastas que han contribuido significativamente al panorama del cine iraní. Estos individuos destacados incluyen a Rafi Pitts, conocido por su habilidad para explorar temas sociales a través de su lente cinematográfica única. Bahman Ghobadi ha ganado reconocimiento por su narrativa conmovedora que a menudo destaca cuestiones culturales y sociales dentro de Irán. Maziar Miri tiene reputación por sus técnicas narrativas hábiles, que combinan temas tradicionales y modernos sin fisuras. La obra de Asghar Farhadi es celebrada globalmente debido a su narrativa intrincada y exploración de las relaciones humanas, lo que le ha valido numerosos reconocimientos internacionales. Mani Haghighi destaca por sus enfoques innovadores que desafían las normas cinematográficas convencionales, mientras que Babak Payami se centra en explorar narrativas políticas y sociales. Además, Saman Salur y Abdolreza Kahani son conocidos por sus métodos creativos de contar historias que a menudo profundizan en las complejidades de la sociedad iraní. Juntos, estos directores forman un rico tapiz de talento que ha moldeado significativamente la evolución del cine en Irán.
Cine femenino iraní
Tras el creciente reconocimiento y aprecio del cine de autor iraní en el escenario mundial, un número significativo de mujeres completa cada año sus estudios en prestigiosas escuelas de cine de todo el país. El ámbito del cine femenino iraní disfruta actualmente de una edad de oro, caracterizada por los notables logros y la producción creativa de sus talentosas directorAs. Entre estas cineastas pioneras se encuentra Samira Makhmalbaf, quien dirigió de manera notable su primer largometraje, «The Apple», a la temprana edad de 17 años. Su talento y narrativa innovadora se mostraron aún más cuando obtuvo el prestigioso Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes en 2000 con su siguiente aclamada película, «The Blackboard». Este período marca una era crucial y vibrante para las mujeres iraníes en el cine, quienes continúan dejando huellas imborrables en la escena cinematográfica internacional con narrativas únicas y expresiones cinematográficas convincentes.
Las directoras destacadas de Irán, conocidas ampliamente tanto dentro como fuera de Irak, son Rakhshan Bani-Etemad, Samira Makhmalbaf, Tahmineh Milani y Niki Karimi. Rakhshan Bani-Etemad, frecuentemente considerada una de las directoras más influyentes de Irán, es famosa por su manera profunda y sensible de narrar temas sociales y críticas políticas a través de sus películas. Samira Makhmalbaf, hija del renombrado director Mohsen Makhmalbaf, aporta un enfoque único y una perspectiva fresca mediante sus obras cinematográficas que a menudo exploran la complejidad de la vida humana. Luego está Tahmineh Milani, reconocida por su capacidad para presentar historias valientes que desafían las normas sociales y abordan temas feministas de manera provocativa y estimulante. Por su parte, Niki Karimi, quien comenzó su carrera como actriz reconocida, ha logrado construir una sólida reputación como directora con obras que exploran temas centrales como la identidad y la lucha interna, fortaleciendo su posición en el mundo del cine internacional. Estas cuatro mujeres no solo han roto barreras en la industria cinematográfica iraní, sino que también han dejado un impacto profundo a nivel global.
Marjane Satrapi es una destacada directora de animación e ilustradora cuyos talentos artísticos le han valido prestigiosos reconocimientos tanto en el Festival de Cine de Cannes como en el Festival de Cine de Rotterdam. Su obra es celebrada por su creatividad y profundidad, cautivando a audiencias en todo el mundo. De manera similar, Tahmineh Milani es una cineasta reconocida por sus significativas contribuciones al cine, habiendo recibido importantes honores en festivales árabes y orientales. Su aclamada obra, «The Unwanted Woman», un filme estrenado en 2005, también le valió el prestigioso premio del Festival de Cine de Los Ángeles, consolidando aún más su reputación en la industria cinematográfica.
Rakhshan Bani-Etemad inició su trayectoria cinematográfica en 1995 cuando su película The Blue-Veiled se estrenó en el prestigioso Festival de Cine de Locarno. Esto marcó el comienzo de una carrera notable, durante la cual sus obras posteriores han sido consistentemente exhibidas en algunos de los festivales internacionales de cine más renombrados del mundo. Entre ellos se encuentran el altamente estimado Festival de Moscú y el prominente Festival de Cine de Turín, ambos reconocidos por su exigente selección de películas que desafían los límites creativos y narrativos. En 2014, su aclamada película Tales fue seleccionada para formar parte de la programación del Festival de Cine de Venecia, consolidando aún más su estatus en la industria. Este festival es uno de los más antiguos y respetados en el mundo del cine, frecuentemente destacando a directores con una visión única. A través de su continua participación en estos eventos celebrados, Bani-Etemad ha realizado contribuciones significativas al panorama cinematográfico global, mostrando su destreza narrativa y profundidad artística.
Otras directoras de cine iraníes destacadas incluyen a Manijeh Hekmat, conocida por su película «Zendane Zanan». También está Pouran Derakhshandeh, quien se ha involucrado profundamente en la dirección cinematográfica. Asimismo, no se puede olvidar a Niki Karimi, quien tiene una fuerte influencia en el cine iraní. Marzieh Meshkini también se ha hecho un nombre por su creatividad en este campo, mientras que Hana Makhmalbaf se ha destacado por abordar temas importantes a través de sus películas. Directoras como estas reafirman la importancia de la mujer en la industria cinematográfica iraní, aportando creatividad y perspectivas diversas.
Películas de guerra iraníes
El origen del cine bélico iraní se remonta al turbulento período del conflicto Irán-Irak, una época de gran conflicto y movilización nacional. Durante esta era, varios cineastas capturaron la esencia y las tribulaciones de la guerra, creando obras cinematográficas que eran tanto conmovedoras como líricamente evocadoras. Un ejemplo notable de tal arte es la película «In the Alleys of Love» (1990), dirigida por el estimado Khosrow Sinai. Esta película no solo destaca por su mérito artístico, sino también por las circunstancias que rodearon su producción. Aunque el proyecto contó con el respaldo del gobierno iraní, enfrentó numerosos obstáculos y desafíos durante su realización. A pesar de estas dificultades, la película emergió como un testimonio de la creatividad y resiliencia de los cineastas iraníes en un momento definitorio de su historia, entrelazando elementos de poesía y narrativa para explorar las dimensiones humanas de la guerra.
El cine bélico iraní se ha centrado consistentemente en la difusión de mensajes de propaganda, presentando la guerra bajo una luz positiva como parte de una misión noble destinada al avance y mejoramiento de la sociedad. Tradicionalmente, estas películas se elaboran para reflejar los aspectos heroicos de la guerra o para exaltar la noción de sacrificio por una causa mayor. Sin embargo, existen excepciones notables a esta narrativa sancionada y promovida por el gobierno, como las películas Lágrimas de frío y Duelo. Estas películas han roto con la visión prescrita, ofreciendo perspectivas más profundas y matizadas sobre las complejidades de la guerra, explorando temas más allá del mero patriotismo y deber social. Al hacerlo, han proporcionado al público una comprensión más completa que desafía la representación unidimensional a menudo impuesta por las doctrinas políticas predominantes. Mientras tanto, los directores italianos de cine bélico también han disfrutado de considerable éxito, creando obras maestras que profundizan en la naturaleza intrincada y multifacética de la guerra, yendo más allá de sus contrapartes iraníes y ofreciendo una exploración variada de temas y narrativas.
Cine de Animación Iraní
Los artistas iraníes presumen de una rica y antigua tradición en el campo de la animación, que ha evolucionado y florecido a lo largo de los años. Este prolongado esfuerzo artístico se celebra a través de diversas plataformas, siendo la más destacada el importante festival de cine de animación que tiene lugar en Teherán. Este festival sirve como un evento cultural vital, mostrando obras innovadoras y fomentando el crecimiento de la industria de la animación dentro del país.Entre las figuras prominentes que moldean el cine de animación iraní se encuentran Noureddin Zarrin-Kelk, Bahram Azimi y Ali Akbar Sadeghi, cuyas contribuciones han impactado significativamente el panorama artístico. Zarrin-Kelk es reconocido por sus técnicas pioneras y narrativas en el ámbito de la animación, estableciendo una base para futuros cineastas. Bahram Azimi, conocido por sus narrativas creativas y estilo visual vívido, también ha contribuido de manera rica al medio. Mientras tanto, Ali Akbar Sadeghi, con su enfoque único y vanguardista, ha dejado una impresión duradera en la industria, influyendo en generaciones de animadores con sus interpretaciones artísticas innovadoras. En conjunto, estos directores han desempeñado un papel crucial en definir la identidad de la animación iraní y en avanzar su reconocimiento internacional.
Influencia Francesa en la Nueva Ola Iraní
El cine de la Nueva Ola iraní siempre ha mantenido una conexión impactante y profunda con la Nueva Ola francesa, creando un rico tapiz de intercambio cultural e influencia artística. Durante las décadas de 1950 y 1960, un considerable número de estudiantes iraníes eligieron migrar a Francia, motivados por su deseo de estudiar e integrarse en el vibrante entorno cultural francés. Entre ellos, Fereydoun Hoveyda, quien se desempeñó como embajador iraní ante la ONU, emergió como una figura significativa dentro del ámbito cultural francés. Su influencia se extendió profundamente en el mundo del cine, donde cultivó una estrecha amistad con el icónico cineasta francés Francois Truffaut.Las contribuciones de Hoveyda al mundo del cine fueron notables, particularmente su papel en la creación de la distinguida revista Le Cahier du Cinéma, que se convirtió en una publicación central en el discurso cinematográfico. Además, su colaboración con el celebrado director italiano Roberto Rossellini ejemplificó aún más su dedicación a tender puentes entre distintas culturas cinematográficas. Esta colaboración e intercambio de ideas entre Hoveyda y Rossellini reforzó la conexión artística entre el cine iraní y francés, estableciendo un robusto diálogo intercultural que buscó mezclar, apreciar e influenciar los esfuerzos creativos mutuos en el ámbito del cine. A través de estas interacciones, el puente entre las culturas cinematográficas francesa e iraní se fortaleció, fomentando una relación única y duradera que ha enriquecido ambos cines nacionales.
La compañera de Jacques Prévert, Shusha Guppy, fue una destacada cantante y cineasta iraní. Mientras tanto, el compositor que aportó ricos paisajes musicales a las primeras películas tanto de François Truffaut como de Jean-Luc Godard fue Serge Rezvani, un poeta iraní originario de Teherán. Farah Diba, otra figura influyente, cursó sus estudios en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Francia, llegando a obtener la distinción de miembro permanente. Francia también sirvió como terreno fértil para los recorridos artísticos de numerosos otros creativos iraníes, incluyendo a Robert Hossein, quienes emprendieron sus caminos en este ambiente inspirador.
Censura en el cine iraní
El cine iraní siempre se ha beneficiado del trabajo de innumerables artistas altamente talentosos, sin embargo, han enfrentado constantemente estrictas normas de censura, tanto antes como después de la revolución. Algunos directores iraníes han tenido dificultades para distribuir sus películas internacionalmente. La pionera película de la Nueva Ola iraní «La vaca» de Dariush Mehrjui en 1969 fue producida por el estado, pero el mismo estado la censuró durante su distribución porque el Sha no quería que esa representación de la vida rural se difundiera en un momento en que promover una imagen progresista de Irán era una prioridad. La película y sus premios en festivales han sido durante mucho tiempo una fuente de incomodidad para el régimen.
Después de la revolución iraní, muchos cineastas han sido víctimas de la censura, que ha disminuido desde 1987. La aplicación de las normas suele ser arbitraria: algunas películas son bloqueadas, otras se permiten exportar al extranjero. Los criterios de evaluación son bastante inconsistentes. Todas las películas de Jafar Panahi han sido bloqueadas por la censura. Muchas de las películas de Mohsen Makhmalbaf están prohibidas en Irán, como «Time of Love», debido a escenas eróticas y visiones críticas sobre la revolución. La directora feminista Tahmineh Milani fue encarcelada por hacer la película «La mitad oculta» porque su contenido fue considerado anti-revolucionario. Muchos artistas y directores iraníes solicitaron su liberación, que tuvo lugar después de 8 días de prisión.
En «Nargess», Rakhshan Bani-Etemad, otra directora iraní, cuestiona la moralidad de la sociedad, llevándose al límite los códigos de censura. Abbas Kiarostami es un director famoso en Europa, pero el gobierno islámico siempre ha bloqueado la exhibición de sus películas. En Irán, sus obras solo pueden encontrarse en DVDs ilegales y proyecciones clandestinas.
Kiarostami no tiene una idea clara de qué es lo que al gobierno no le gusta de sus películas y dice: «Creo que no entienden mis películas, y por eso me impiden distribuirlas por si hay un mensaje que no quieren que se difunda.» Aunque Kiarostami siempre quiso quedarse en Irán para crear sus nuevas películas, dice: «Lo más importante hoy es que, a pesar de la censura, los cineastas iraníes pueden hacer su trabajo y superar las dificultades. Las dificultades siempre han existido en nuestro país, y nuestro papel es superarlas.
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