Expressionismo foi um dos movimentos fundamentais na história do cinema. Como em outras artes, o expressionismo buscava trazer à tona as emoções dos personagens. A visão de mundo do expressionismo é extremamente subjetiva, emocional e não racional. O inconsciente e seus medos mais ancestrais ganham vida na obra.
O expressionismo nasceu na Europa, no início dos anos 1900, e durou até o final da década de 1920. Encontrou o terreno mais fértil para se enraizar na Alemanha, um país onde reinava uma atmosfera doentia naquela época, enquanto o nazismo se afirmava. Uma atmosfera magistralmente retratada por um filme parcialmente expressionista como M, uma Cidade Procura um Assassino, dirigido por Fritz Lang. Nas cidades alemãs, tem-se a impressão de poder encontrar o “mal” a qualquer esquina: um sentimento de angústia onipresente.
O que significa expressionismo? Expressionismo, como a palavra indica, é o oposto do impressionismo. Uma forma de expressão que traz para fora a alma e o sentimento subjetivo do artista. Os cenários, as luzes e os personagens assumem formas extremamente irreais, distorcidas, alucinatórias e grotescas. As luzes são fortes e contrastantes.
O Mundo Subjetivo e Interior
O mundo objetivo do impressionismo e do racionalismo não existe. A realidade é o espelho do inconsciente do autor da obra de arte, frequentemente de seus medos profundos. O inconsciente cria a realidade.
Nos tempos contemporâneos, podemos ver que o sucesso do expressionismo ultrapassou os movimentos que acreditavam na objetividade da realidade. Todos os movimentos da nova era, crescimento pessoal, coaching de vida estão de alguma forma relacionados às teorias do expressionismo. Ou seja, afirmam que a realidade objetiva não existe. Que nós mesmos criamos o mundo ao nosso redor e todos os eventos e condições em que nossa vida flui.
O expressionismo alemão, entretanto, nasceu em um período sombrio. Guerras, fomes, racionalidade e positivismo que esmagavam as personalidades do indivíduo, a ascensão ao poder de regimes totalitários. O expressionismo das décadas de vinte e trinta está associado a imagens escuras, sombrias e lúgubres. Sombras perturbadoras rastejando pelas paredes, como em Nosferatu, de William Murnau, um dos grandes diretores influenciados pelo cinema expressionista.
Os pais teóricos do expressionismo são psicólogos profundos como Freud e Jung, ou filósofos do tempo interior e da consciência como Henri Bergson. Os expoentes do expressionismo inspiraram-se abertamente nos temas do Romantismo. Mas mesmo que rejeitassem o simbolismo, é fácil perceber as influências que os símbolos tiveram sobre o movimento.
Expressionismo e Pintura
Pintores simbolistas, com o uso de cores fortes, formas e figuras desenhadas de maneira aguda e às vezes violenta, queriam expressar sua subjetividade como os expressionistas. Mas suas referências culturais não eram facilmente compreendidas. Uma forma de trabalhar que não agradava aos expressionistas, que a consideravam difícil demais para alcançar um público não elitista.
Entre os precursores do movimento expressionista estavam os pintores Munch, Matisse, Van Gogh. Sua expressividade radical do mundo interior os caracterizava por cores violentas, a incisividade do traço e o uso da xilogravura em desuso.
Entre os pintores da escola do Expressionismo Alemão destacamos o uso da deformação de corpos e paisagens, o uso de linhas agudas e a recusa em usar a perspectiva para tornar a imagem realista. As imagens são planas e fragmentadas pelas linhas. O que mais lhes interessa é expressar o desespero e os sentimentos violentos dos sujeitos que representam. Uma visão frequentemente sombria e pessimista.
Após a pintura, o Expressionismo envolve todas as artes: da literatura ao teatro, da música ao cinema.
Expressionismo e Cinema
Os filmes expressionistas mais importantes foram principalmente produzidos pela produtora alemã Ufa. Os limites históricos do expressionismo não são precisos porque outras correntes relacionadas seguem o expressionismo puro, como kammerspiel e A nova objetividade. O movimento alcança o cinema especialmente entre os anos 10 e 20 do século XX.
Muitos críticos e historiadores concordam que O Gabinete do Dr. Caligari, de Robert Wiene, é o único verdadeiro filme expressionista. Mas os filmes de Murnau, Lang e Pabst também são considerados parcialmente expressionistas. O cinema expressionista tem como principal característica a distorção da realidade em um universo visionário e alucinado com a ajuda de efeitos especiais, e sobretudo com luz e sombras.
As histórias giram em torno do mundo sobrenatural, do mistério. São cheias de atmosferas sombrias e malignas com um estilo exasperado e emocionalmente forte. Cidades fantasmas ou arquiteturas vertiginosas como Metropolis, de Fritz Lang, são exemplos disso. Cenografias geométricas com cantos angulares. Rostos fortemente maquiados de personagens demoníacos ou perseguidos. Cenografia pintada ou real na qual os personagens se movem como se presos em um labirinto.
Cinema Expressionista: Filmes para Assistir
Aqui está uma seleção essencial de filmes do cinema expressionista alemão, e além, que você absolutamente deve assistir.
Nosferatu
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Quando um jovem corretor de imóveis, Thomas Hutter, vai ao castelo para fechar um negócio, Orlok é atraído pelo seu sangue e decide segui-lo até sua cidade natal. A chegada do conde provoca uma série de mortes misteriosas e espalha pânico entre os habitantes.
Murnau, por meio de imagens evocativas e atmosferas perturbadoras, cria uma obra que vai muito além da simples adaptação do romance de Stoker. O filme explora temas universais como o medo da morte, o isolamento e a perda da humanidade. A produção de Nosferatu foi marcada por algumas dificuldades legais devido aos direitos autorais do romance de Bram Stoker. Apesar disso, Murnau e sua equipe conseguiram fazer um filme de grande impacto visual. A escolha de Max Schreck para interpretar o Conde Orlok foi genial. Sua aparência cadavérica e seus movimentos não naturais fizeram do personagem Orlok um dos monstros icônicos na história do cinema. Ao longo dos anos, Nosferatu tornou-se um filme cult, influenciando gerações de cineastas e tornando-se um ponto de referência para o gênero de horror. A imagem do Conde Orlok, com suas unhas alongadas e olhos fundos, tornou-se um ícone do cinema de terror.
O Estudante de Praga é um filme mudo dirigido por Stellan Rye em 1913. Este filme é considerado um dos primeiros exemplos do cinema de horror e representa um marco na história da cinematografia.
A trama do filme é uma adaptação da famosa lenda de Fausto e conta a história de um jovem estudante, interpretado por Paul Wegener, que faz um pacto com o diabo para obter uma versão mais perfeita e encantadora de si mesmo. Este filme é conhecido por suas técnicas inovadoras de câmera e por ser um dos primeiros exemplos do uso de efeitos especiais para criar a ilusão de dupla exposição e a duplicação do personagem principal.
“O Estudante de Praga” foi uma contribuição significativa para o cinema expressionista alemão e é conhecido por sua atmosfera gótica e estilo visualmente impressionante. Este filme influenciou muitos diretores e é considerado um clássico do cinema de horror e da filmagem autoral.
The Cabinet Of Dr. Caligari (1920) Official Trailer #1 - German Horror Movie
Em uma cidade distorcida e sombria, o Dr. Caligari apresenta seu sonâmbulo Cesare em uma feira, que comete assassinatos sob o comando hipnótico do médico. Narrada por um louco, a história confunde realidade e alucinação, expondo o controle malévolo do doutor sobre seu servo sonâmbulo.
Este filme expressionista seminal emprega cenários irregulares, ângulos exagerados e iluminação forte em chiaroscuro para externalizar o tumulto psicológico interno, rejeitando o realismo em favor de uma subjetividade onírica. Os visuais estilizados simbolizam a loucura e o autoritarismo do pós-Primeira Guerra Mundial, influenciando o horror e o film noir. Sua narrativa inovadora questiona a sanidade, consolidando seu status como uma pedra angular do cinema de arte que prioriza a distorção emocional sobre a trama.
Faust
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Terror, de F. W. Murnau, alemão, 1926.
Fausto é um estudioso idoso que perdeu a fé na vida. Ele está derrotado pela sua incapacidade de ajudar os outros e pela consciência da sua própria mortalidade. Um dia, ele encontra Mefistófeles, que lhe oferece um pacto: em troca de sua alma, Mefistófeles lhe dará juventude e poder eternos. Fausto aceita o pacto e Mefistófeles o leva a um mundo de luxo e prazer. Fausto se apaixona por Gretchen, uma jovem inocente, mas seu amor é frustrado por Mefistófeles.
Fausto é considerado um dos maiores filmes mudos já feitos. É um filme visualmente deslumbrante, com o uso de Murnau de imagens expressionistas e simbolismo para criar um mundo sombrio e atmosférico. O filme também apresenta algumas das cenas mais icônicas da história do cinema, como a sequência em que Fausto e Mefistófeles voam em um tapete mágico. Além de seus méritos artísticos, Fausto foi um dos últimos grandes filmes alemães produzidos antes da ascensão dos nazistas. O estilo sombrio e expressionista do filme influenciou posteriormente diretores como Orson Welles e Fritz Lang. É um filme visualmente impressionante e instigante que explora os temas da tentação, redenção e a condição humana.
DER GOLEM (Masters of Cinema) New & Exclusive HD Home Video Trailer
“O Golem” (“Der Golem” em alemão) é um filme mudo dirigido por Paul Wegener e Carl Boese em 1920. É um clássico do cinema expressionista alemão e é conhecido por sua contribuição ao gênero de horror.
A trama do filme é inspirada no folclore judaico e gira em torno da criação de um monstro de barro, o Golem, por um rabino na Praga medieval. Inicialmente criado para proteger a comunidade judaica, o Golem acaba se tornando uma força destrutiva quando sai do controle. O filme explora temas como poder, responsabilidade e as consequências de brincar com forças além do controle humano.
“O Golem” é famoso por seu design de cenário marcante e efeitos visuais, que foram inovadores para a época. Paul Wegener, que também interpretou o papel principal, é reconhecido por sua atuação como o Golem. Este filme é considerado uma obra significativa na história do cinema de horror e deixou um impacto duradouro no gênero.
Genuine (1920)
"Genuine" (German 1920 silent horror film)
“Genuine” é um filme mudo dirigido por Robert Wiene em 1920. Robert Wiene é o mesmo diretor conhecido pelo famoso filme “O Gabinete do Dr. Caligari”, e “Genuine” é outro exemplo de sua contribuição ao cinema expressionista alemão.
A trama de “Genuine” gira em torno de uma mulher misteriosa cujo charme tem o poder de seduzir e corromper os homens. O filme explora temas de obsessão e manipulação por meio do uso de símbolos extravagantes e imagens típicas do Expressionismo.
Como muitos filmes expressionistas, “Genuine” é conhecido por seu estilo visual único e extravagante. Wiene utiliza cenários elaborados e designs intrincados para criar um mundo cinematográfico surreal e inquietante. O filme representa uma das muitas obras de arte visual da era expressionista e contribui para seu legado distintivo no cinema.
Vampyr
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Horror, by Carl Theodor Dreyer, Germany, 1932.
Late in the evening, Allan Gray arrives at an inn near the town of Courtempierre and rents a room to sleep. Gray is suddenly disturbed by an old man, who enters the room and leaves a square package on the table: "To be opened on my death" is written on the wrapping paper. Gray takes the package and heads to an old castle where he sees an old woman and meets another old man. Looking through one of the windows, Gray sees the owner of the castle, the same man who gave him the package. The man is suddenly killed by a gunshot.
Carl Theodor Dreyer's Vampyr is made in the transition years between sound and silent cinema, using the visual language of the former to bring the horror genre into the new era. In Vampyr reigns a constant feeling of anguish, a nightmarish state of mind and invisible presences that lurk in every corner. Rudolph Maté's photography records every subtlety of light and shadow in a captivating dance. By now iconic shots, such as that of a man with a scythe ringing a bell and the sign of an inn silhouetted against a dark sky. Anthology scenes like the one in which Allan dreams of being buried alive by the vampire's henchmen, in which Dreyer uses a claustrophobic subjective view that makes the viewer "enter" the coffin. Just as in his previous film, The Passion of Joan of Arc from 1928, Dreyer uses intense close-ups to underscore the fears his characters encounter. Darkness plays an important role: the shadows move independently of their bodies and the forces of evil violate the rules of physics. Vampyr is a remarkable exploration of the boundaries between light and dark, fate and shadows, night and day. One of the masterpieces in the history of cinema that cannot be missed.
LANGUAGE: German
SUBTITLES: English, Spanish, French, Portuguese
Von Morgens bis Mitternachts (From Morn to Midnight) 1920
Um caixa de banco rouba uma fortuna após vislumbrar uma enigmática dama italiana, fugindo de Berlim em uma busca maníaca por êxtase. Sua odisseia pelos submundos termina em desilusão inútil e suicídio à meia-noite.
A adaptação de Karl Heinz Martin da peça de Georg Kaiser exemplifica a pura abstração expressionista com cenários esqueléticos, designs angulares frenéticos e frenesi simbólico, capturando a agitação existencial do pós-guerra. O arco do protagonista incorpora as obsessões intelectuais do Expressionismo — loucura, traição — distorcendo a realidade urbana em uma crítica alucinatória ao materialismo. Este ousado experimento de cinema de arte prioriza a metáfora visual sobre a narrativa, influenciando híbridos vanguardistas de teatro e cinema.
“Dr. Mabuse, o Jogador” (“Dr. Mabuse, der Spieler” em alemão) é um filme mudo dirigido por Fritz Lang em 1922. Este é um dos primeiros filmes significativos na carreira de Lang e é considerado um clássico do cinema alemão.
A trama do filme gira em torno do Dr. Mabuse, um criminoso brilhante e jogador que usa truques e enganos para manipular e explorar as pessoas. O filme acompanha suas atividades criminosas e o detetive que tenta detê-lo. “Dr. Mabuse, o Jogador” é conhecido por seu enredo intricado e pela caracterização de seu enigmático protagonista.
Este filme foi um grande sucesso na Alemanha na época e estabeleceu Fritz Lang como um dos principais diretores de sua geração. É conhecido por seus temas psicológicos e sociais profundos e por seu estilo visual distinto, que influenciou muitos diretores posteriores. “Dr. Mabuse, o Jogador” é uma contribuição significativa para o cinema expressionista alemão e para o gênero de filmes policiais.
The Last Laugh
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Drama, de F.W. Murnau, Alemanha, 1924.
Jannings é o porteiro do hotel Atlantic em Berlim, feliz com seu papel e seu uniforme. Mas seu chefe acha que ele é velho demais para receber os clientes na entrada e o coloca para limpar os banheiros. Jannings, profundamente perturbado com o que aconteceu, fica bêbado à noite para esquecer o ocorrido e tenta esconder seu novo trabalho degradante da família e dos amigos. Mas no dia seguinte ele é descoberto. Obra-prima absoluta de Murnau, em equilíbrio entre expressionismo e kammespiel. A câmera ganha vida em um estilo incrivelmente vanguardista de experimentação visual.
Para refletir
Para o ego, trabalho uniforme e respeitável pode ser um valor absoluto. Para o ego, ser colocado para limpar banheiros pode ser a pior das humilhações. Porque o ego raciocina de acordo com as opiniões dos outros e quer que nos conformemos à sua escala de valores. Para nosso eu mais profundo, no entanto, pode ser mais divertido limpar banheiros do que ser porteiro na entrada do hotel.
O Conde Orlok, um vampiro, chega a Wisborg, espalhando peste após ser convidado pela esposa do agente imobiliário Thomas Hutter, Ellen, cujo sangue ele deseja. Locais reais se misturam com sombras sinistras enquanto a cidade sucumbe ao medo e à morte.
A adaptação não autorizada de Murnau do Drácula funde magistralmente técnicas expressionistas com naturalismo romântico, usando cenários autênticos transformados em reinos estranhos por meio de panorâmicas lentas e sombras antinaturais. O terror do filme cresce por meio da decadência simbólica e do desejo vampírico, refletindo as ansiedades da República de Weimar. Seu horror lírico e visuais inovadores estabeleceram a linguagem visual do cinema de vampiros, priorizando o terror atmosférico sobre o diálogo na maestria do cinema mudo de arte.
A Rua (1923)
Die Straße/The Street/La Rue (Karl Grune, 1923): Opening Scene
“A Rua” (Die Straße) é um filme mudo alemão de 1923 dirigido por Karl Grune. Este filme é reconhecido como um exemplo do cinema expressionista alemão e é baseado em uma história de Heinrich Zille.
A trama do filme acompanha uma jovem mãe, Maria, e seu filho pequeno enquanto lutam para sobreviver nas ruas escuras e sujas de uma cidade sem nome. Enquanto tentam escapar da pobreza, encontram uma variedade de personagens, alguns compassivos e outros implacáveis, na busca por uma vida melhor.
“A Rua” é notável por sua representação da alienação e do desespero na sociedade urbana da época. Utiliza uma estética expressionista para enfatizar a atmosfera sombria e opressiva das ruas da cidade. O filme é considerado um clássico do cinema mudo alemão e é apreciado por sua contribuição ao gênero expressionista.
DER MÜDE TOD (AKA Destiny) Masters of Cinema Trailer
“Destino” (Schicksal) é um filme mudo de 1921-1922 dirigido por Fritz Lang. Este filme é uma adaptação do romance “Destino” (Der Regisseur) escrito por Hans Müller-Einigen.
A trama do filme acompanha a história de um diretor de teatro que enfrenta vários desafios pessoais e profissionais enquanto tenta administrar sua companhia teatral. O filme explora temas como destino, paixão e conflitos humanos.
“Destino” é uma das primeiras obras de Fritz Lang antes de sua fama com filmes como “Metrópolis” (1927) e “M – O Monstro de Düsseldorf” (1931). Não é tão conhecido quanto alguns de seus filmes posteriores, mas ainda assim demonstra as habilidades iniciais de direção de Lang e oferece um olhar interessante sobre sua carreira em evolução.
The Cabinet of Dr. Caligari
Agora disponível
Terror, fantasia, por Robert Wiene, Alemanha, 1920.
O filme simbólico do expressionismo cinematográfico. Francis conta uma história a um homem: em 1830, em uma pequena cidade, um sujeito chamado Caligari atua como apresentador na feira para mostrar a atração dele, um sonâmbulo que ele mantém sob hipnose em um caixão. O médico argumenta que o sonâmbulo é capaz de conhecer o passado e prever o futuro. Atmosferas irreais e cenários deformados, atuação estilizada, personalidade dividida, confusão entre sonho e realidade.
Para refletir
Personalidade, do grego person, significa máscara. Pessoa vem da palavra personalidade. Individualidade é um dom da existência, personalidade é imposta pela sociedade. Personalidade segue o rebanho de ovelhas, individualidade é um leão que se move sozinho. Até que você se liberte da sua personalidade, não será capaz de encontrar sua individualidade.
WAXWORKS (Masters of Cinema) New & Exclusive Trailer
“O Gabinete de Cera” (“Das Wachsfigurenkabinett” em alemão) é um filme mudo dirigido por Paul Leni em 1924. Este é um exemplo inicial do cinema alemão de horror e fantasia.
A trama do filme consiste em várias histórias separadas, cada uma baseada em um personagem de uma figura de cera em um museu de cera. As histórias são conectadas por um fio narrativo comum envolvendo o dono do museu e seu assistente. O filme apresenta atmosferas góticas e uma série de cenas de horror e bizarras.
“O Gabinete de Cera” é conhecido por seu estilo visual impressionante e suas representações assustadoras. O diretor Paul Leni foi um pioneiro no gênero de filmes de horror e contribuiu para definir algumas de suas convenções. Este filme é considerado uma contribuição importante para a história do cinema de fantasia e horror.
Um orgulhoso porteiro de hotel é rebaixado a atendente de lavabo devido à idade, sofrendo humilhação pública e desprezo familiar. Através de visuais sem intertítulos e atuação exagerada, sua descida ao desespero culmina em uma reversão improvavelmente triunfante.
O Kammerspiel de Murnau avança a forma expressionista com cameraturgia móvel — entrando em espaços e pontos de vista subjetivos — enquanto os cenários evocam estados emocionais em vez do literalismo. A performance magistral de Emil Jannings distorce a realidade para transmitir a subjetividade da vergonha, evitando títulos para uma narrativa cinematográfica pura. Este marco do cinema de arte critica a hierarquia social, influenciando diretores globais com sua inovadora e empática representação da tragédia proletária.
Em uma vila devastada pela peste, um velho estudioso invoca Mefisto, rejuvenesce por meio de um pacto demoníaco, seduz Gretchen e desencadeia a tragédia. Grandes visões do céu e do inferno enquadram esta releitura expressionista da lenda de Goethe.
O último filme alemão de Murnau eleva o expressionismo através do claro-escuro épico e efeitos especiais, transformando a narrativa mítica em poesia visual. O diabo travesso de Jannings e as composições dinâmicas externalizam os conflitos internos de Fausto, mesclando realismo com estilização. Redefine a cinematografia em preto e branco, explorando tentação e redenção em meio às crises espirituais da República de Weimar, consolidando o legado de autor de Murnau na fantasia de cinema de arte.
“Metrópolis” é um filme mudo inovador dirigido por Fritz Lang em 1927. É uma obra-prima da ficção científica e um dos filmes mais icônicos da história do cinema.
A trama de “Metrópolis” se passa em um futuro distópico onde a sociedade está dividida em duas classes: a elite rica que vive em luxo acima do solo e os trabalhadores oprimidos que labutam em condições severas abaixo da terra. A história acompanha o filho do governante da cidade que descobre a situação dos trabalhadores e busca aproximar as classes.
“Metrópolis”, de Fritz Lang, é renomado por seus efeitos especiais inovadores, design de cenários impressionante e narrativa visionária. Teve profunda influência no gênero de ficção científica e permanece um clássico na história do cinema. Os temas do filme sobre desigualdade social e resiliência humana continuam relevantes até hoje.
M - Eine Stadt sucht einen Mörder - Trailer (deutsch/german)
“M” (M – Eine Stadt sucht einen Mörder) é um filme dirigido por Fritz Lang em 1931. Este é um importante filme alemão e é conhecido como um dos primeiros filmes sonoros.
A trama do filme acompanha a caça a um assassino em série que aterroriza a cidade de Düsseldorf, Alemanha. O criminoso, interpretado por Peter Lorre, é um molestador e assassino de crianças. A comunidade decide capturar o criminoso por conta própria, levando a uma caçada envolvendo tanto a polícia quanto os criminosos da cidade.
“M” é um filme influente que ajudou a estabelecer Fritz Lang como um dos grandes diretores do cinema. É conhecido por sua atmosfera sombria e pela exploração dos temas de alienação social e justiça. A atuação de Peter Lorre no papel do criminoso é particularmente aclamada. O filme é um clássico do cinema mundial e é considerado um dos maiores filmes já feitos.
The Testament of Dr. Mabuse (1933) (Original Trailer)
“O Testamento do Dr. Mabuse” (Das Testament des Dr. Mabuse) é um filme dirigido por Fritz Lang em 1933. Este filme é a sequência do famoso filme mudo de Lang de 1922, “Dr. Mabuse, o Jogador”.
A trama do filme acompanha a investigação policial para deter uma organização criminosa liderada por um enigmático mestre do crime, Dr. Mabuse. Este personagem é um gênio do crime que planeja e orquestra uma série de atos criminosos complexos. A história explora temas como loucura, controle mental e o conflito entre o bem e o mal.
“O Testamento do Dr. Mabuse” é notável por ter sido feito durante a emergente era do cinema sonoro e pelo seu uso criativo de efeitos sonoros e visuais. É considerado um clássico do cinema alemão e um exemplo importante do gênero thriller psicológico. Fritz Lang criou um filme que continua a influenciar o film noir e o cinema de suspense até hoje.
THE BLUE ANGEL (1930) New & Exclusive 2019 Re-release Trailer
“O Anjo Azul” (Der blaue Engel) é um filme dirigido por Josef von Sternberg em 1930. Este filme é renomado por ser o primeiro filme sonoro alemão e é uma das obras-primas do cinema alemão e do diretor Josef von Sternberg.
A trama do filme gira em torno de um respeitado professor de ensino médio, interpretado por Emil Jannings, que se apaixona por uma dançarina de burlesco chamada Lola, interpretada por Marlene Dietrich, que se apresenta no Anjo Azul, um clube decadente. O professor fica enredado em sua paixão por Lola e gradualmente perde seu status e dignidade, terminando por se apresentar ao lado dela no clube.
“O Anjo Azul” é conhecido por lançar a carreira de Marlene Dietrich e por sua atmosfera decadente e sombria. É um filme que explora temas como perda de dignidade, obsessão e decadência moral. A atuação de Dietrich foi aclamada e ajudou a torná-la uma estrela internacionalmente renomada. O filme é um clássico do cinema expressionista alemão.
