Depuis les origines de l’art cinématographique, les réalisateurs italiens ont influencé et inspiré les réalisateurs les plus célèbres du monde entier, créant certains des films absolument incontournables, des chefs-d’œuvre du cinéma de tous les temps. L’Italie est l’un des berceaux du cinéma d’art et d’essai et l’élément artistique a en réalité été l’élément le plus essentiel dans l’histoire du cinéma italien.
Les premiers cinéastes italiens ont commencé à s’intéresser aux films quelques mois après que les frères Lumière eurent débuté leurs projections. Le tout premier réalisateur italien est considéré comme étant Vittorio Calcina, un associé des frères Lumière, qui filma le pape Léon XIII en 1896. Les tout premiers films datent de 1896 et ont été tournés dans les principales villes italiennes. Ces courts essais ont immédiatement intéressé la classe ouvrière comme divertissement, incitant les réalisateurs italiens à produire des films inédits au point de poser les bases de la naissance d’un véritable marché cinématographique. Au début du XXe siècle, le cinéma muet s’est imposé, avec divers réalisateurs italiens avant-gardistes. Au début des années 1900, des films créatifs et légendaires tels que Othello (1906), Les Derniers Jours de Pompéi (1908), L’Enfer (1911), Quo Vadis (1913) et Cabiria (1914), furent réalisés comme adaptations de livres ou de pièces de théâtre. Les réalisateurs italiens utilisaient des décors élaborés, des costumes luxueux et des budgets records pour produire des films pionniers.
Le premier mouvement cinématographique européen, le futurisme italien, remonte à la fin des années 1910. Après une période de contraction dans les années 1920, le marché cinématographique italien se rajeunit dans les années 1930 avec l’arrivée du cinéma sonore. De nombreux réalisateurs italiens se consacrèrent alors au cinéma des Telefoni Bianchi, des comédies aux décors attrayants. Alors que le gouvernement fasciste italien apportait un soutien financier au marché cinématographique du pays, notamment à la construction des studios de Cinecittà, le plus grand studio de cinéma d’Europe, il participait également à la censure, et ainsi de nombreux films italiens produits à la fin des années 1930 étaient des films de propagande. Un renouveau pour les réalisateurs italiens eut lieu à la fin de la Seconde Guerre mondiale avec la naissance du mouvement néoréaliste italien, qui obtint un large consensus public et critique tout au long de la période d’après-guerre, et qui lança les carrières de Luchino Visconti, Roberto Rossellini, Vittorio De Sica. Le néoréalisme déclina à la fin des années 1950 au profit de films plus légers, tels que ceux de la comédie italienne et de grands réalisateurs comme Federico Fellini et Michelangelo Antonioni. Des actrices telles que Sophia Loren, Giulietta Masina et Gina Lollobrigida ont acquis une renommée mondiale durant cette période.
De la moitié des années 1950 à la fin des années 1970, la Commedia all’Italiana et de nombreuses autres catégories se sont développées grâce au cinéma d’auteur, et les réalisateurs italiens ont atteint une position d’excellence tant au niveau national qu’à l’étranger. [13] [14] Les westerns spaghetti ont connu un engouement au milieu des années 1960, atteignant leur apogée avec la Trilogie du Dollar de Sergio Leone. Les thrillers érotiques italiens, ou Giallo, produits par des réalisateurs italiens tels que Mario Bava et Dario Argento dans les années 1970, ont influencé la catégorie de l’horreur dans le monde entier. Dans les années 1980, pour diverses raisons, les réalisateurs italiens ont traversé une crise. Tout au long des années 1980 et 1990, des réalisateurs italiens tels que Ermanno Olmi, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Tornatore, Gabriele Salvatores et Roberto Benigni ont apporté des éloges cruciaux au cinéma italien, tandis que les réalisateurs les plus appréciés des années 2000 et 2010 étaient Matteo Garrone, Paolo Sorrentino, Marco Bellocchio, Nanni Moretti.
Voici une liste partielle des réalisateurs italiens à connaître (par ordre alphabétique)
Gianni Amelio
Gianni Amelio est né à San Pietro di Magisano, dans la province de Catanzaro, en Calabre. Son père est parti en Argentine peu après sa naissance. Il a passé sa jeunesse et son adolescence avec sa mère et sa grand-mère. L’absence d’une figure paternelle sera un fil conducteur dans les œuvres futures d’Amelio. Pendant ses études universitaires à Messine, Amelio a commencé à s’intéresser au cinéma, écrivant en tant que critique de cinéma pour un journal local. En 1965, il s’est installé à Rome, où il a travaillé comme opérateur et assistant réalisateur pour des personnes telles que Liliana Cavani et Vittorio De Seta.
Le premier travail d’Amelio est le téléfilm La città del sole, réalisé en 1973 pour la RAI et inspiré par l’œuvre de Tommaso Campanella. En 1982, il fait ses débuts au cinéma avec Colpire al cuore, sur le terrorisme italien, présenté au Festival de Venise. En 1987, Amelio crée Les Garçons de la rue Panisperna, sur la vie des physiciens italiens des années 1930 tels qu’Enrico Fermi et Edoardo Amaldi. Open Doors (Porte Aperte) en 1989, avec Gian Maria Volonté, a établi Amelio comme l’un des meilleurs réalisateurs italiens et a remporté le prix du meilleur film étranger aux Oscars de 1991.
Intéressant fut The Child Thief en 1992, qui a remporté le Prix spécial du jury au Festival de Cannes 1992 ainsi que 2 Rubans d’Argent et 5 David di Donatello. En 1994, Lamerica, sur la migration albanaise vers l’Italie, a doublé son succès, avec 2 Rubans d’Argent et 3 David. Quatre ans plus tard, Così ridevano (Ainsi riaient-ils) a remporté le Lion d’or au Festival de Venise. Amelio a remporté un autre Nastro d’Argento du meilleur réalisateur pour Les Clés de la maison en 2004.
The Lost Poet
Drame, par Fabio Del Greco, Italie, 2024.
Dante Mezzadri veut revoir un vieil ami, surnommé l'Iguane, qu'il a perdu de vue depuis de nombreuses années, et qui a réussi à transformer leur passion commune de jeunesse pour la poésie en métier, devenant un écrivain et poète célèbre. L'homme s'évade de sa vie bourgeoise et de sa femme pour vivre sans domicile sur la côte romaine, imprimant et essayant de vendre ses recueils de poésie. La nuit, il dort dans un parc de vieux chars de carnaval, à l'intérieur d'un char en papier mâché en forme de tank, et attend l'occasion de rencontrer son vieil ami, qui cependant ne se présente jamais aux rendez-vous dans les lieux qu'ils fréquentaient jeunes, désormais en ruines. Les livres de poésie de Dante n'intéressent personne et pour subvenir à ses besoins, il est contraint de "changer de produit" : il commence à vendre la fameuse "pilule cannibale" pour le compte de jeunes dealers, une nouvelle drogue qui se vend comme des petits pains et provoque une extase sensorielle et consumériste. Cependant, il se rend compte que cette drogue puissante est très dangereuse pour ceux qui la prennent, il entre en conflit avec sa conscience éthique et jette toutes les pilules à la mer. Pourtant, les dealers veulent récupérer leur argent.
Tourné sur une période de 2 ans, le film est une réflexion sur les ruines culturelles et artistiques de la société dans laquelle vit le protagoniste, dans un monde de plus en plus mécanisé, consumériste et aride. Dante Mezzadri est un être humain de plus qui a renoncé à son inspiration et à sa créativité, mais contrairement à beaucoup, il n'est pas prêt à donner sa vie à un système qui l'éloigne de sa véritable identité. Le monde physique qui l'entoure semble cependant construit de telle sorte qu'il paraît impossible de s'échapper de cette "cage invisible". L'enthousiasme des gens qu'il rencontre ne s'enflamme que par la gratification sensorielle, par des visions irréelles d'affirmation personnelle et de succès, par des "métavers" qui offrent une échappatoire dans une réalité illusoire et destructrice. La maison du poète sur la
Michelangelo Antonioni
Michelangelo Antonioni est né dans une famille aisée de propriétaires terriens à Ferrare, située dans la région d’Émilie-Romagne dans le nord de l’Italie. Malgré ses origines dans une famille fortunée, le parcours d’Antonioni vers le succès ne fut pas limité par ses circonstances initiales. Pendant une période significative, il fit partie du secteur ouvrier et travailla assidûment pour atteindre une stabilité financière en suivant des cours du soir et en exerçant divers emplois. Dès son plus jeune âge, il manifesta une affinité naturelle pour les arts, avec une passion particulière pour le dessin et la musique. Doté d’un talent remarquable, il apprit le violon et devint habile à en jouer, donnant une représentation publique à l’âge tendre de 9 ans. Cependant, durant son adolescence, il vécut un moment de transformation avec la découverte du cinéma, ce qui le conduisit à mettre de côté le violon, tout en conservant une dévotion à vie pour le dessin.
Antonioni a finalement tracé une voie distinctive dans le monde cinématographique, devenant célèbre surtout pour son approche innovante du cinéma qui explore les thèmes de la modernité et de l’aliénation. Sa trilogie célébrée comprend trois films majeurs : L’Avventura (1960), La Notte (1961) et L’Eclisse (1962), qui sont loués pour leur profonde exploration de la déconnexion sociale et de l’aliénation personnelle. Ces œuvres lui valurent une reconnaissance considérable et les distinguèrent comme des contributions majeures au cinéma mondial. De plus, son entrée dans le cinéma anglophone fut marquée par Blow-up (1966), qui continue d’être considéré comme un chef-d’œuvre, renforçant encore la réputation d’Antonioni en tant que réalisateur visionnaire sur la scène cinématographique internationale.
Ses films sont souvent décrits comme des explorations énigmatiques de la profondeur de l’âme humaine, marqués par des intrigues offrant une échappatoire à la réalité banale, proposant des compositions visuelles inattendues et innovantes. Ces œuvres plongent profondément dans les complexités des paysages modernes, imprimant une obsession unique dans leur représentation. Ses créations cinématographiques ont eu un impact profond sur le développement et le style du cinéma d’art ultérieur, laissant un héritage durable pour les générations futures de cinéastes. Les distinctions d’Antonioni sont nombreuses, soulignant sa contribution distinguée à l’industrie du film. Il demeure sans égal en tant que seul réalisateur à avoir remporté la Palme d’Or à Cannes, le Lion d’Or à Venise, l’Ours d’Or à Berlin et le Léopard d’Or à Locarno, assurant sa place comme un titan du cinéma international.
Dario Argento
Dario Argento est un réalisateur, scénariste et producteur italien, maître du cinéma d’horreur et du giallo. Né à Rome, il a révolutionné le genre avec des films tels que The Bird with the Crystal Plumage (1970), le premier de la Trilogie Animal, Deep Red (1975) et Suspiria (1977). Ses récits mêlent meurtres atroces, mystères psychologiques et décors oniriques, souvent accompagnés par la musique de Goblin.
Le style d’Argento se distingue par son utilisation magistrale de la caméra subjective du tueur, un cadrage baroque et une attention obsessionnelle aux détails visuels, tels que les couleurs saturées et l’éclairage expressionniste. Pionnier du « giallo métaphysique », il explore la frontière entre réalité et cauchemar, influençant des générations de réalisateurs d’horreur. Les critiques louent sa capacité à créer la tension par le son et l’image, faisant de lui une icône du cinéma de genre italien, malgré des accusations de stylisation excessive. Son œuvre a élevé l’horreur italienne à un niveau international.
Mystery of an Employee
Drame, thriller, de Fabio Del Greco, Italie, 2019.
Quelqu'un veut contrôler la vie de l'employé Giuseppe Russo : les produits qu'il achète, sa foi politique et religieuse, sa vie privée, même ses rêves. Mais il fera tout pour échapper à ce contrôle et retrouver son vrai moi. Giuseppe est un homme d'environ 45 ans, marié, avec un emploi stable et une maison à lui. Sa vie semble paisible lorsqu'il rencontre un vagabond mystérieux qui lui donne de vieilles cassettes vidéo VHS. Giuseppe commence à voir des vidéos dans lesquelles il est filmé à différents moments de sa vie, depuis son enfance, puis son adolescence et sa jeunesse. Qui a filmé ces vidéos dont il ne se souvient de rien ? Giuseppe a la sensation étrange d'être constamment observé et commence à enquêter sur ce qui se passe. À travers cette enquête sur lui-même, il commence à redécouvrir sa véritable identité et à prendre conscience de qui il est vraiment.
Employee's Mystery est un film qui met en lumière le danger du contrôle social et montre une société où chacun est constamment surveillé et conditionné dans son for intérieur. Le film est aussi une analyse de la nature humaine et de l'identité. Fabio Del Greco, qui incarne Giuseppe, offre une performance captivante. Chiara Pavoni, dans le rôle de Giada Rubin, et Roberto Pensa, dans le rôle du vagabond, sont tout aussi remarquables. Employee's Mystery aborde des thèmes importants de manière originale, un thriller psychologique qui tient le spectateur en haleine jusqu'à la fin : une métaphore de la société contemporaine, où les individus sont de plus en plus surveillés et conditionnés par les médias et les technologies. C’est une œuvre courageuse et provocante, qui traite des thèmes essentiels de façon originale.
LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais
Pupi Avati
Pupi Avati, né le 3 novembre 1938, est un scénariste, producteur et réalisateur italien. Il est connu des amateurs de films d’horreur pour ses deux œuvres policières, La Maison aux fenêtres qui rient (1976) et Zeder (1983). Après avoir fréquenté l’école et étudié les sciences politiques à l’Université de Florence, il a commencé à travailler dans une entreprise de produits surgelés. Parallèlement, il s’est passionné pour le jazz, devenant finalement clarinettiste professionnel.
Dans la seconde moitié des années 1950, il jouait et se formait dans le Doctor Dixie Jazz Band, qui comptait également Lucio Dalla. Au début, il se croyait musicien expert, puis il a réalisé qu’il lui manquait la compétence essentielle. Au milieu des années 1960, il choisit de se consacrer au cinéma après avoir vu 8 1/2 de Federico Fellini. L’enthousiasme d’Avati pour la musique, ainsi que son amour pour sa ville natale, qui servira de décor à la plupart de ses films, deviendront des thèmes récurrents dans ses productions.
Mario Bava
Mario Bava est né à Sanremo, en Ligurie, le 31 juillet 1914. Sa toute première aspiration était de devenir peintre. Incapable de terminer ses tableaux à un bon rythme, il entra au service de son père, travaillant comme assistant auprès d’autres directeurs de la photographie italiens tels que Massimo Terzano. Il assista également son père dans le département des effets spéciaux à l’Institut Luce. Il a travaillé comme réalisateur, directeur de la photographie, artiste des effets spéciaux et scénariste, étant régulièrement considéré comme le Maître de l’horreur italienne. Ses films de genre à petit budget, connus pour leur style visuel unique et leur ingéniosité technique, mêlent fiction et réalisme.
Il fut un leader du cinéma de genre italien et est considéré parmi les auteurs les plus importants du genre horreur. Après avoir apporté un travail marquant et d’autres contributions à des productions telles que Hercule (1958) et Caltiki, le monstre immortel (1959), Bava fit ses débuts de réalisateur avec le film d’horreur La Maschera del demonio, sorti en 1960. Il réalisa ensuite des films tels que La Fille qui en savait trop, Black Sabbath, Le Corps et le Fouet, Six Filles (1964), Planète des vampires (1965), Tue, bébé, tue (1966), Diabolik (1968), Réaction en chaîne (Une baie de sang, 1971), Les Horreurs du château de Nuremberg (Baron sanglant, 1972), Lisa et le Diable (1974) et Chiens enragés (Chiens enragés, 1974).
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Marco Bellocchio
Né à Bobbio, près de Piacenza, Marco Bellocchio a eu une enfance catholique stricte : son père était avocat, sa mère enseignante. Il a commencé ses études à Milan mais a ensuite choisi d’entrer à l’école de cinéma, d’abord au Centro Sperimentale di Cinematografia à Rome, puis à la Slade School of Fine Art à Londres. Son tout premier film, Fists in the Pocket, a été financé par un parent et tourné à la maison, en 1965. Parmi les films de Bellocchio figurent China is Near (1967), Slap the Monster on Page One (1972), In the Name of the Father (1972), Marcia triumphale (Victory March, 1976), Salto nel vento (A Leap in the Dark, 1980), Enrico IV (Henry IV, 1984), Devil in the Flesh (1986) et My Mother’s Smile (2002).
Bernardo Bertolucci
Bernardo Bertolucci était un réalisateur et scénariste italien dont la carrière s’est étendue sur 50 ans. Considéré parmi les meilleurs réalisateurs du cinéma italien, l’œuvre de Bertolucci a obtenu une reconnaissance mondiale. Il fut le premier réalisateur italien à remporter l’Oscar du meilleur réalisateur pour The Last Emperor (1987), avec de nombreux prix dont 2 Golden Globes, 2 David di Donatello, un British Academy Award et un César.
Élève de Pier Paolo Pasolini, Bertolucci a fait ses débuts de réalisateur à 22 ans. Son deuxième film, Before the Revolution (1964), a reçu d’excellentes critiques mondiales et est considéré comme une œuvre d’art du cinéma italien. Son film de 1970, The Conformist, adaptation de l’original d’Alberto Moravia, est considéré comme un classique du cinéma mondial et a été présélectionné pour l’Oscar du meilleur scénario adapté ainsi que pour l’Ours d’or de Berlin. Son drame sensuel de 1972, Last Tango in Paris, fut scandaleux et entravé par la censure en raison de ses scènes sexuelles, ainsi que d’une scène de viol non scénarisée, que l’actrice Maria Schneider n’a pas autorisée. Il fut suivi par des films tels que le film historique et impressionnant Novecento (1976), le drame familial La Luna (1979) et la comédie noire Tragedy of a Ridiculous Man (1981).
Son film épique de 1987, The Last Emperor, biographie de l’empereur chinois Puyi, fut un succès critique et commercial, récoltant des critiques élogieuses et des Oscars du meilleur film et du meilleur réalisateur. Il a poursuivi son succès avec deux autres films dans sa « Trilogie orientale » : The Sheltering Sky, adaptation du livre éponyme, et Little Buddha, un film épique spirituel sur le bouddhisme. Son film de 1996, Stealing Beauty, lui a valu sa deuxième nomination pour la Palme d’Or. Il a continué à réaliser jusqu’au XXIe siècle, lançant son dernier film, Io e te (Moi et Toi), en 2012. Les films de Bertolucci abordent des thèmes tels que la politique, la sexualité, l’histoire, la lutte des classes et les tabous sociaux, et son style a influencé de nombreux réalisateurs. Certains de ses films sont considérés parmi les meilleurs films de tous les temps.
Mauro Bolognini
Mauro Bolognini fut l’un des réalisateurs les plus élégants et sous-estimés du cinéma italien, connu pour ses adaptations littéraires d’une rare beauté visuelle. Collaborant avec des scénaristes tels que Pasolini et Moravia, Bolognini a porté à l’écran une Italie du XIXe et du début du XXe siècle d’un grand attrait visuel, avec des films comme Il bell’Antonio (1960) et La viaccia (1961), explorant la sexualité, les conventions sociales et l’hypocrisie bourgeoise.
La mise en scène de Bolognini se distingue par une attention presque maniaque à la photographie, aux costumes et aux décors, qui transforment chacun de ses films en une fresque visuelle authentique. Sa sensibilité aux dimensions érotiques et psychologiques des personnages, souvent réprimées par les conventions sociales, traverse constamment son œuvre. En collaborant avec les meilleurs directeurs de la photographie de l’époque, Bolognini a créé un cinéma d’un raffinement esthétique extraordinaire qui mérite une redécouverte critique approfondie, loin des catégorisations simplistes dont il a souvent été l’objet.
Tinto Brass
Tinto Brass, né Giovanni Brass, est un réalisateur italien spécialisé dans le cinéma érotique. Né à Venise, il a réalisé The Key (1983), Monamour (2005) et Caligula (1979, contributions). Ses films explorent audacieusement les désirs sexuels, adaptant souvent la littérature comme The Virgin Wife (1975).
Le style de Brass se caractérise par des plans en contre-plongée et un cadrage voyeuriste qui célèbre le corps féminin en mouvement, avec un éclairage chaud et des compositions sensuelles. Pionnier de l’érotisme italien post-Fellini, il défie les tabous bourgeois à travers des récits provocateurs et ironiques, mettant l’accent sur la libération sexuelle. Les critiques le surnomment le « roi du glamour érotique », appréciant sa sophistication esthétique malgré les controverses liées à la censure. Son œuvre perdure au XXIe siècle, influençant le cinéma indépendant européen avec un érotisme élégant et non vulgaire.
Claudio Caligari
Né à Arona, dans le Piémont, Claudio Caligari débuta sa carrière comme documentariste, collaborant souvent avec Franco Barbero ; son tout premier travail fut Why Drugs (1975). Il lança son premier long métrage en 1983, avec le drame centré sur la drogue Toxic Love, qui remporta le Prix De Sica au 40e Festival international du film de Venise. Quinze ans plus tard seulement, il réalisa une autre œuvre, le néo-noir The Scent of the Night. Il acheva le montage de son dernier et troisième film, Don’t Be Bad, quelques jours avant sa mort due à un cancer.
Liliana Cavani
Liliana Cavani est une réalisatrice et scénariste italienne. Elle appartient à une génération de cinéastes italiens d’Émilie-Romagne apparue dans les années 1970, composée de Bernardo Bertolucci, Pier Paolo Pasolini et Marco Bellocchio. Cavani est devenue célèbre dans le monde entier après le succès de son long métrage de 1974 The Night Porter. Ses films traitent de questions historiques. En plus de réaliser des documentaires et des films, elle a également dirigé des opéras.
Sergio Citti
Sergio Citti était un réalisateur et scénariste italien, né à Rome en 1933. Il a souvent travaillé avec Pier Paolo Pasolini, mais aussi pour d’autres réalisateurs tels que Ettore Scola. Parmi ses films figure We Free Kings, pour lequel il a remporté un Ruban d’Argent du meilleur scénario original. Son film de 1981 Il minestrone a participé à la 31e Mostra internationale du film de Berlin. Son film de 1977 Beach House faisait partie d’une rétrospective sur la comédie italienne lors de la 67e Mostra de Venise. Il était le frère de l’acteur Franco Citti. Parmi ses chefs-d’œuvre figurent Ostia (1970), Storie scellerate (1973), Mortacci (1989).
Luigi Comencini
Luigi Comencini était un réalisateur italien. Avec Dino Risi, Ettore Scola et Mario Monicelli, il est considéré comme l’un des maîtres de la comédie italienne. Son premier film à succès fut L’Empereur de Capri, avec Totò. Le film de Comencini de 1953 Pain, amour et fantaisie, avec Vittorio De Sica et Gina Lollobrigida, est considéré comme un exemple de néoréalisme rose. Il fut suivi par Pain, amour et jalousie. Après avoir dirigé Alberto Sordi pour la première fois dans La belle de Rome (1955), Comencini retrouva Sordi dans ce qui est considéré comme son chef-d’œuvre, Tutti a casa, une comédie amère sur l’Italie après l’armistice de 1943. Le film remporta le Prix spécial lors de la 2e Mostra internationale du film de Moscou. Situé pendant la Seconde Guerre mondiale, mais dédié aux partisans italiens, Bube’s Girl (1963) suivit. Puis Incompreso (1966, basé sur le livre anglais de Florence Montgomery). L’un de ses films incontournables est une série télévisée, Les Aventures de Pinocchio de 1972, une mini-série télévisée extraordinairement poétique en 6 épisodes.
Vittorio De Sica
Vittorio De Sica était un réalisateur et acteur italien influent, largement reconnu comme une figure clé du mouvement néoréaliste, qui cherchait à dépeindre la vie quotidienne des gens ordinaires après la Seconde Guerre mondiale. Son talent exceptionnel et sa contribution au cinéma furent soulignés par le succès remarquable de plusieurs films qu’il a réalisés, dont quatre ont remporté l’Oscar prestigieux. Notamment, « Sciuscià » et « Ladri di biciclette » furent honorés par l’Académie, ce dernier étant souvent salué comme le sommet de la réalisation cinématographique par des réalisateurs et critiques renommés. En plus de ceux-ci, « Hier, aujourd’hui et demain » et « Le Jardin des Finzi-Contini » ont également reçu des Oscars du meilleur film en langue étrangère, renforçant encore la réputation de De Sica.
De manière significative, « Sciuscià » détient la distinction d’être le premier film étranger reconnu par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, aux côtés de « Ladri di biciclette », tous deux demeurant des chefs-d’œuvre influents dans les annales de l’histoire du cinéma. Au-delà de la réalisation, De Sica a également démontré son talent polyvalent en tant qu’acteur. Il fut nommé pour l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle en 1957 grâce à son interprétation du Major Rinaldi dans l’adaptation du réalisateur américain Charles Vidor du roman Ernest Hemingway « A Farewell to Arms ». Malgré l’échec critique et commercial du film, qui peina à convaincre le public et les critiques au box-office, la performance de De Sica se démarqua, ajoutant une autre dimension à sa carrière estimée dans le cinéma.
Fernando Di Leo
Fernando Di Leo était un réalisateur et scénariste italien. Il a réalisé 17 films en tant que réalisateur et environ 50 scénarios de 1964 à 1985. Fernando Di Leo est né le 11 janvier 1932 à San Ferdinando di Puglia. Après avoir travaillé pendant une courte période au Centro Sperimentale di Cinematografia, une école de cinéma à Rome, il fit ses débuts en tant que réalisateur dans la comédie Les Héros d’hier, aujourd’hui, demain avec son épisode intitulé Un endroit au paradis. Di Leo écrivit par la suite de nombreux scénarios pour des westerns, souvent sans être crédité, tels que Pour une poignée de dollars et Et pour quelques dollars de plus. Certains de ses westerns avaient des sources littéraires non créditées, comme Jours de vengeance qui s’inspirait librement du Comte de Monte-Cristo d’Alexandre Dumas.
Di Leo était un fan du film noir et souhaitait réaliser une variation italienne de ces films. Parmi ses tout premiers travaux figurait le scénario de Rendez-vous pour un meurtre de Mino Guerrini, basé sur le roman Tempo di massacro de Franco Enna écrit en 1955. Di Leo commença à réaliser certains de ses propres films à cette époque, notamment le film de guerre Roses rouges pour le Führer et quelques films à caractère sexuel : Lady on Fire, La Mauvaise Façon d’aimer et Séduction. De 1969 à 1976, Di Leo put produire une grande partie de son travail avec sa société de production Duania cineproduzioni 70. Il retourna au genre noir avec Violence nue, un film adaptant une nouvelle de Giorgio Scerbanenco, un auteur que Di Leo adaptera pour de nombreuses productions cinématographiques futures.
Federico Fellini
Federico Fellini, une figure illustre dans le domaine du cinéma, venait d’Italie et a laissé une empreinte indélébile dans le monde en tant que réalisateur et scénariste. Réputé pour son style distinctif, Fellini a habilement créé des films mêlant des séquences oniriques à des images élaborées et ornées, formant une tapisserie unique de narration visuelle qui captivait autant le public que les critiques. Il est célébré comme l’un des réalisateurs les plus essentiels et influents de l’histoire du cinéma, laissant un héritage qui continue d’inspirer les cinéastes du monde entier. Son œuvre comprend de nombreux films universellement reconnus comme des chefs-d’œuvre du cinéma, mêlant habilement éléments de fantaisie, réalité et introspection. Parmi ses créations les plus notables figurent La Strada (1954), un récit poignant explorant la condition humaine et la profondeur émotionnelle à travers le regard d’un artiste de cirque itinérant ; Les Nuits de Cabiria (1957), une histoire évocatrice qui plonge dans la vie et la résilience d’une femme pleine d’esprit cherchant sa voie dans l’Italie d’après-guerre.
« La Dolce Vita » (1960) demeure une exploration emblématique de la haute société romaine, tandis que « 8 1/2 » (1963) reflète un voyage introspectif et métaphorique semblable à une quête de soi de l’artiste. Poursuivant son évolution artistique, Fellini présenta « Juliet des esprits » (1965), une exploration vibrante et surréaliste de l’inconscient. Son interprétation satirique de la littérature classique brille dans « Toby Dammit » (1968) et « Satyricon » (1969), où les deux films révèlent son talent pour mêler thèmes classiques et techniques cinématographiques contemporaines. Les œuvres ultérieures de Fellini, telles que « Roma » (1972), transmettent poétiquement sa nostalgie et son attachement profond à la ville éternelle, tandis que « Amarcord » (1973) évoque avec charme fantaisiste et imagination vive ses années formatrices. Enfin, « Casanova » (1976) retrace la vie du légendaire séducteur avec un mélange d’opulence et d’authenticité, consolidant son répertoire aussi diversifié qu’incontestablement personnel. Chaque film témoigne de la créativité visionnaire de Fellini et de son incomparable capacité à faire le pont entre le tangible et l’éthéré dans la trame du cinéma.
Marco Ferreri
Marco Ferreri, éminent réalisateur et scénariste italien, est né dans la vibrante ville de Milan. Il débuta sa carrière illustre dans les années 1950, entamant un parcours qui commença par la réalisation de trois films en Espagne. Au fil de son évolution, Ferreri réalisa un total impressionnant de 24 films italiens avant son décès en 1997. Réputé et admiré pour son approche provocatrice du cinéma, Ferreri s’est imposé comme l’un des plus grands provocateurs cinématographiques européens de son époque. Ses œuvres attirèrent constamment l’attention et les éloges sur le circuit international des festivals. Notamment, huit de ses films furent en compétition au prestigieux Festival de Cannes, témoignant de son récit percutant et stimulant. En 1991, son génie créatif fut encore confirmé lorsqu’il remporta le convoité Ours d’or au Festival de Berlin, consolidant ainsi son héritage dans les annales du cinéma mondial.
Trois de ses films acclamés ont été inclus dans la prestigieuse liste des 100 films sélectionnés pour une conservation à long terme en raison de leur impact significatif et de leur contribution au cinéma italien. Parmi ceux-ci, son œuvre la plus célèbre est « La Grande Bouffe », sortie en 1973, qui réunissait un casting exceptionnel comprenant Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Philippe Noiret et Ugo Tognazzi. Socialiste engagé et athée déclaré, ses philosophies imprégnaient souvent son œuvre, offrant un mélange distinct de commentaire social et d’expression artistique. Sa mort fut une perte majeure pour le monde du cinéma, comme l’a souligné Gilles Jacob, directeur artistique du Festival international du film de Cannes, qui déclara : « Le cinéma italien a perdu l’un de ses artistes les plus essentiels, l’une de ses voix les plus originales. Personne d’autre n’était aussi intransigeant ni aussi symbolique dans la représentation de la crise de l’humanité moderne. »
Damiano Damiani
Damiano Damiani fut l’un des cinéastes politiques les plus engagés du cinéma italien, un réalisateur dont l’œuvre interrogeait constamment le pouvoir corrupteur de la Mafia, de l’État et de la violence institutionnelle. Des films comme Confessione di un Commissario di Polizia al Procuratore della Repubblica et Il Giorno della Civetta l’ont établi comme un maître du thriller politique, combinant des récits d’enquête rigoureux avec une urgence dramatique vive et une profonde gravité morale.
Le cinéma de Damiani occupe une place essentielle dans la tradition du cinéma d’engagement civil italien, aux côtés de contemporains tels que Rosi et Petri, mais il apporta au genre une franchise particulière et une accessibilité populaire qui élargirent considérablement son public. Ses films fonctionnent à la fois comme un divertissement captivant et une accusation politique rigoureuse, exposant avec une clarté implacable les racines systémiques du crime organisé et la complicité gouvernementale. Son travail ultérieur à la télévision, notamment la série La Piovra, étendit sa vision politique à un large public et cimenta son héritage en tant que cinéaste d’une véritable importance civique.
Riccardo Freda
Riccardo Freda, né en 1909 à Alexandrie, en Égypte, était un réalisateur italien ayant travaillé dans plusieurs genres cinématographiques, notamment le film d’espionnage, le polar, l’horreur et le film de cape et d’épée. Freda commença à réaliser The Vampires en 1956. Après ses études, il travailla comme sculpteur et critique d’art. Freda débuta dans le marché du cinéma en 1937 et réalisa son premier film Don Cesare di Bazan en 1942. The Vampires fut le premier film d’horreur italien de l’ère sonore, après le seul film muet d’épouvante Frankenstein’s Monster (1920). La vague de productions d’horreur italiennes ne prit réellement son essor qu’avec la sortie mondiale de Black Sunday de Mario Bava.
Lucio Fulci
Lucio Fulci était un écrivain, acteur et réalisateur italien. Il a travaillé dans un large éventail de catégories telles que le film Giallo et les westerns spaghetti, et a acquis un culte mondial. Ses films les plus significatifs appartiennent à la trilogie « Portes de l’Enfer » – City of the Living Dead (1980), The Beyond (1981) et The House by the Cemetery (1981) – ainsi que Massacre Time (1966), One Above the Other (1969), Beatrice Cenci (1969), A Lizard with the Skin of a Woman (1971), Don’t Torture a Duckling (1972), White Fang (1973), The Four of the Apocalypse (1975), Seven Notes in Black (1977), Zombies 2 (1979), Contraband (1980), The New York Ripper (1982), Murder Rock (1984) et A Cat in the Brain (1990). Pour son imagerie évocatrice et sa narration non conventionnelle, Lucio Fulci a été surnommé « Le Poète du Macabre » par les critiques et les universitaires, en référence à Edgar Allan Poe, qu’il adapta dans The Black Cat (1981). Le niveau élevé de violence graphique présent dans nombre de ses films, en particulier Zombies 2, The Beyond, Contraband et The New York Ripper, lui a valu le surnom de « Parrain du Sang ».
Matteo Garrone
Matteo Garrone, reconnu pour son style narratif cinématographique unique et son esthétique visuelle évocatrice, est un réalisateur italien de renom né à Rome, en Italie. Commencant sa carrière illustre en 1996, Garrone a attiré une attention considérable en remportant le prestigieux prix Sacher d’Oro, une distinction créée par le célèbre cinéaste Nanni Moretti. Ce prix lui a été décerné pour son court métrage captivant Silhouette, qui a ensuite constitué une partie intégrante de son premier long métrage, Terra di mezzo, sorti en 1997. Garrone a acquis une reconnaissance grand public avec son film noir saisissant L’Embaumeur en 2002.
Sa puissante représentation du crime et de la société dans Gomorra (2008) lui a valu le prix du meilleur réalisateur aux European Film Awards ainsi que le prestigieux David di Donatello, en plus de nombreux autres prix qui l’ont établi comme une figure majeure du cinéma contemporain. En 2012, le film Reality de Garrone a captivé le public et les critiques, obtenant une place en compétition au Festival de Cannes, où il a remporté le Grand Prix. Renforçant encore sa réputation de cinéaste polyvalent, ses films suivants Il Racconto dei Racconti (2015) et Dogman (2018) ont tous deux été sélectionnés en compétition pour la prestigieuse Palme d’Or au Festival de Cannes, respectivement en 2015 et 2018. Chacune de ces œuvres illustre l’approche distinctive de Garrone en matière de narration et reflète son impact profond sur le cinéma international.
Pietro Germi
Pietro Germi était un réalisateur d’une extraordinaire polyvalence, capable de passer du néoréalisme dur de In nome della legge (1949) à la comédie incisive de Divorce à l’italienne (1961) et Séduite et abandonnée (1964). Originaire de Gênes, Germi dépeignait l’Italie avec un regard à la fois affectueux et impitoyable, dévoilant les contradictions d’une société en rapide mutation, notamment dans le Sud.
La grandeur de Germi réside dans sa capacité à utiliser le genre comique comme un outil de critique sociale aiguë. Divorce à l’italienne, avec l’extraordinaire performance de Marcello Mastroianni, est un chef-d’œuvre d’humour noir qui cible les codes d’honneur et les lois désuètes du sud de l’Italie. Son style visuel, sobre mais efficace, sert toujours l’histoire et les personnages. Germi est l’un des rares réalisateurs italiens à avoir remporté l’Oscar du meilleur scénario original, signe de la reconnaissance internationale de son art.
Emidio Greco
Emidio Greco était un réalisateur et scénariste italien, surtout connu pour le film L’Invention de Morel de 1974. Né à Leporano, dans la province de Tarente, Greco a déménagé à Turin étant enfant. En 1964, il a terminé ses études au Centro Sperimentale di Cinematografia, puis, deux ans plus tard, il a commencé à travailler comme réalisateur de documentaires pour la RAI. En 1971, il a collaboré avec Roberto Rossellini, l’accompagnant au Chili pour une interview avec Salvador Allende. En 1974, Greco a fait ses débuts en tant que réalisateur de long métrage avec L’Invention de Morel qui, apprécié par la critique, l’a marqué comme une véritable promesse du cinéma d’art italien. Son deuxième film, Ehrengard, tourné en 1982, ne serait pas sorti avant 2002 en raison de la faillite des producteurs. Depuis, il a réalisé six autres films, généralement des adaptations d’œuvres littéraires. En 1991, il a reçu un Nastro d’Argento du meilleur scénario pour le film Une histoire simple. En 2004, Greco, avec Francesco Maselli, a conçu et mis en place l’espace « Giornate degli Autori » au Festival de Venise.
Ugo Gregoretti
Ugo Gregoretti était un réalisateur italien de cinéma, télévision et théâtre, acteur, scénariste, auteur et animateur de télévision. Il a réalisé 20 films au cours de sa carrière. Né à Rome, Gregoretti a rejoint la RAI en 1953, travaillant comme réalisateur et documentariste. En 1960, il a remporté le Prix Italie pour le documentaire télévisé La Sicilia del Gattopardo. En 1962, il a fait ses débuts au cinéma avec la comédie dramatique The New Angels. En 1978, il a commencé son activité au théâtre et à l’opéra. Son travail de réalisateur s’est principalement caractérisé par une sensibilité aux problèmes sociaux et politiques intégrée à un usage étrange du paradoxe et de la satire. En 2010, il a reçu un Ruban d’Argent pour l’ensemble de sa carrière.
Luca Guadagnino
Luca Guadagnino est né le 10 août 1971 à Palerme et a passé sa jeunesse en Éthiopie, où son père enseignait l’histoire et la littérature italiennes dans une école technique à Addis-Abeba. La famille a quitté l’Éthiopie pour l’Italie en 1977 afin d’échapper à la guerre civile éthiopienne, s’installant à Palerme. Guadagnino est écrivain, réalisateur et producteur de films. Il a collaboré à plusieurs reprises avec l’actrice Tilda Swinton dans les films The Protagonists (1999), I Am Love (2009), A Bigger Splash (2015) et Suspiria (2018).
Pour la production et la réalisation de Call Me by Your Name (2017), Guadagnino a reçu une reconnaissance cruciale et de nombreux prix, notamment des nominations aux Oscars du meilleur film, au Nastro d’Argento du meilleur réalisateur, aux BAFTA du meilleur réalisateur et du meilleur film, ainsi qu’au Golden Globe du meilleur film dramatique.
Umberto Lenzi
Umberto Lenzi était un écrivain, scénariste et réalisateur italien. Passionné dès son plus jeune âge, Lenzi a étudié au Centro Sperimentale di Cinematografia et a réalisé son premier film en 1958, qui est resté inédit, tandis que son véritable lancement a eu lieu en 1961 avec The Adventures of Mary Read (Queen of the Seas). Les films de Lenzi des années 1960 suivaient les modèles populaires de l’époque, ce qui l’a conduit à réaliser de nombreux films d’espionnage et thrillers sensuels. Dans les années 1970, il a réalisé des films policiers, des films de crime et le premier film sur un cannibale italien avec Man from the Deep River. Il a continué à faire des films jusqu’aux années 1990 et a ensuite travaillé comme écrivain en créant une série de thrillers.
Sergio Leone
Né le 3 janvier 1929 dans la ville enchanteresse de Rome, Leone était le fils chéri du réalisateur de renom Vincenzo Leone et de la célèbre actrice du cinéma muet Edvige Valcarenghi. Grandissant au sein du monde vibrant du cinéma, le parcours de Leone a sans aucun doute été influencé par les carrières de ses parents. Pendant ses années scolaires, il a partagé des classes avec Ennio Morricone, qui deviendra plus tard son collaborateur musical estimé et une partie intégrante de son succès cinématographique. Inspiré par le dévouement de son père et son travail créatif sur divers plateaux de tournage, Leone a décidé de s’immerger pleinement dans le monde du cinéma. À l’âge de 18 ans, il a courageusement choisi d’abandonner ses études de droit à l’université pour se lancer dans une carrière prometteuse dans le cinéma, animé par une passion héritée de son illustre héritage familial.
Sergio Leone est largement reconnu comme un pionnier et une figure de proue du genre Western Spaghetti, un sous-genre distinctif des films western qui a émergé au milieu du XXe siècle. Sa réputation en tant que l’un des réalisateurs les plus remarquables de l’histoire du cinéma est solidement établie grâce à son approche innovante de la réalisation. Leone est célébré pour son style unique, qui combine habilement des plans rapprochés intenses et dramatiques avec de longues scènes délibérées et prolongées qui construisent la tension et la profondeur narrative. Ses œuvres les plus célèbres incluent la trilogie emblématique Dollars, mettant en vedette le légendaire acteur Clint Eastwood.
Cette trilogie se compose de trois films révolutionnaires : « Pour une poignée de dollars » sorti en 1964, « Et pour quelques dollars de plus » sorti en 1965, et l’épopée « Le Bon, la Brute et le Truand » sortie en 1966. Chaque volet de la trilogie a offert au public une expérience narrative et visuelle distincte qui a eu un impact durable sur le genre. En plus de ceux-ci, Leone a réalisé d’autres films notables sous la bannière « Il était une fois », comprenant « Il était une fois dans l’Ouest » de 1968 et « Il était une fois en Amérique » de 1984, tous deux célébrés pour leur narration et leurs réalisations stylistiques, renforçant encore davantage l’héritage de Leone dans l’histoire du cinéma.
Carlo Lizzani
Carlo Lizzani était un réalisateur distingué, scénariste talentueux et historien du cinéma renommé, une figure d’importance fondamentale dans la culture cinématographique italienne d’après-guerre. Né à Rome en 1922, Lizzani développa très tôt un intérêt pour la politique et le cinéma, influencé par la difficile situation socio-économique et politique de l’Italie durant sa jeunesse. Dès le départ, il s’engagea activement en politique, ce qui caractérisa une grande partie de son œuvre cinématographique. Il explora et expérimenta avec succès divers genres cinématographiques, allant du néoréalisme, marqué par une représentation brute et authentique de la réalité, au genre policier, connu pour ses intrigues complexes et dynamiques.
Malgré la diversité des genres, Lizzani conserva toujours une forte conscience critique, mettant un grand accent sur la réflexion éthique et sociale. Des films importants comme « Attention ! Bandits ! » en 1951 et « Bandits à Milan » en 1968, entre autres, démontrent largement sa capacité à allier une tension narrative profonde et captivante à une analyse historique et sociale claire. Ces œuvres reflètent non seulement sa maîtrise de la narration cinématographique mais aussi son engagement à soulever des questions et à stimuler le débat sur des thèmes culturellement et politiquement pertinents, confirmant son rôle éminent dans le paysage du cinéma italien.
Antonio Margheriti
Antonio Margheriti est né à Rome le 19 septembre 1930. Fils d’un ingénieur des chemins de fer, il débuta sa carrière cinématographique en 1950 avec Mario Serandrei. Il commença ensuite à réaliser des courts documentaires, à commencer par Vecchia Roma en 1953. En 1955, il fut crédité au scénario de films tels que The Iron Class. Il travailla également sous les pseudonymes Anthony M. Dawson et Antony Daisies. Margheriti a œuvré dans divers genres sur le marché cinématographique italien : science-fiction, cape et épée, horreur, policier, espionnage, Western Spaghetti, films de guerre et films d’action qui ont été distribués à un large public dans le monde entier.
Mario Martone
Mario Martone est un réalisateur et scénariste italien. Il a réalisé plus de 30 films depuis 1985. Son film L’amore molesto a participé au Festival de Cannes en 1995. Son film de 2010, We believed, a concouru pour le Lion d’or lors de la 67e Mostra de Venise. Il a également été le metteur en scène de l’opéra Charlotte Corday de Lorenzo Ferrero, créé au Teatro dell’Opera di Roma le 21 février 1989. Son film de 2014 consacré à Leopardi a été en compétition pour le Lion d’or à la 71e Mostra de Venise.
Francesco Maselli
Francesco Maselli, une figure éminente du cinéma italien, a terminé sa formation à la prestigieuse École Nationale de Cinéma en 1949. Peu après, il a entamé sa carrière professionnelle dans l’industrie cinématographique en devenant assistant réalisateur auprès de certains des cinéastes italiens les plus respectés — Luigi Chiarini, Michelangelo Antonioni et Luchino Visconti. C’est sous la direction de Visconti que Maselli a eu l’opportunité de réaliser son premier long métrage, Abandoned. Ce remarquable premier film a été présenté en compétition lors de la 16e Mostra de Venise, marquant le début de sa carrière remarquable en tant que réalisateur.Durant les années 1980, Maselli a orienté sa créativité vers des films plus introspectifs, mettant particulièrement l’accent sur les récits et thèmes féminins. Cette période de sa carrière est marquée par des films tels que A Tale of Love, qui lui a valu une reconnaissance importante, notamment le Grand Prix du Jury à la 43e Mostra de Venise, où la performance de Valeria Golino a également été récompensée par le prix de la meilleure actrice. Poursuivant son succès, l’œuvre cinématographique de Maselli de 1990, The Secret, a été sélectionnée pour être projetée au 40e Festival international du film de Berlin, consolidant davantage sa réputation sur la scène internationale. Au cours de sa carrière illustre, commencée en 1949, Francesco Maselli a réalisé un total de 38 films, forgeant un héritage célébré tant par la critique que par le public.
Aristide Massaccesi
Aristide Massaccesi, connu sous le nom de Joe D’Amato, était un réalisateur, producteur, scénariste et directeur de la photographie italien qui a travaillé dans de nombreux genres cinématographiques (western, érotique, péplum, film de guerre, film d’épée, comédie, rêve, film post-apocalyptique et thrillers). Cependant, il est surtout connu pour ses films d’horreur et érotiques pour adultes. D’Amato a travaillé dans les années 1950 comme photographe, dans les années 1960 comme opérateur de caméra et, à partir de 1969, comme directeur de la photographie. Depuis 1972, il a réalisé et coréalisé environ 200 films sous de nombreux pseudonymes en tant que directeur de la photographie. Depuis le début des années 1980, D’Amato a produit de nombreux films de genre pour d’autres réalisateurs via sa société de production. De 1979 à 1982 et de 1993 à 1999, D’Amato a également produit et réalisé environ 120 films pour adultes.
Mario Monicelli
Mario Monicelli était un réalisateur et scénariste italien distingué, reconnu comme l’une des figures pionnières du genre de la comédie italienne. Sa carrière illustre lui a valu six nominations aux prestigieux Academy Awards, soulignant sa contribution significative à l’industrie cinématographique. De plus, le travail exceptionnel et le dévouement de Monicelli ont été honorés par le Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière, un témoignage de son impact durable sur le cinéma.Né dans la ville culturellement riche de Rome, Monicelli venait d’une famille aisée originaire d’Ostiglia, une charmante commune située dans la province de Mantoue, en Lombardie. Il était le deuxième de cinq enfants nés de Tomaso Monicelli, un journaliste notable, et de Maria Carreri, qui gérait le foyer en tant que femme au foyer. En grandissant, Monicelli a été élevé dans des villes diverses et vibrantes — Rome, Viareggio et Milan — qui lui ont toutes offert un mélange unique d’expositions culturelles et sociales.Son enfance fut marquée par un sentiment de liberté et d’aventure à travers ces différents lieux. Cette jeunesse insouciante a joué un rôle crucial dans la formation de sa vision créative. Beaucoup des éléments comiques emblématiques qui ont plus tard défini son film célébré Amici Miei furent directement inspirés par ses propres escapades et expériences juvéniles dans la pittoresque région de la Toscane. Ainsi, la vie personnelle et le parcours artistique de Monicelli étaient étroitement liés, sa jeunesse fournissant une riche tapisserie d’anecdotes et de souvenirs qui ont ensuite trouvé une expression dans ses œuvres cinématographiques.
Nanni Moretti
Nanni Moretti est un réalisateur, producteur, acteur et scénariste italien. Ses films ont remporté des prix, notamment une Palme d’Or au Festival de Cannes 2001 pour La Chambre du fils, un Ours d’argent au Festival de Berlin 1986 pour La Messe est finie et un Lion d’argent au Festival du cinéma de Venise en 1981 pour Sogni d’oro, ainsi que le David di Donatello du meilleur film pour Caro Diario en 1994, La Chambre du fils en 2001 et Le Caïman en 2006.
Ermanno Olmi
Ermanno Olmi, un réalisateur et scénariste italien estimé, est né dans une famille catholique dévouée dans la ville de Bergame, nichée dans la pittoresque région de Lombardie dans le nord de l’Italie. À l’âge tendre de 3 ans, la famille d’Olmi a déménagé dans la métropole animée de Milan. C’est dans cette ville vibrante qu’il a terminé ses études secondaires et nourri sa passion pour les arts du spectacle en s’inscrivant à des cours d’art dramatique à l’Académie des Arts Dramatiques. Pendant son emploi chez Edison Volta, la compagnie d’électricité milanaise, l’intérêt d’Olmi pour le cinéma a commencé à se développer. Tout en y travaillant, il a canalisé sa créativité naissante dans la production de documentaires en 16 mm, se concentrant sur les subtilités et le fonctionnement des centrales électriques. Ces expériences ont éveillé sa fascination durable pour le monde du cinéma.
En 1963, il s’est marié avec Loredana Detto, une actrice connue pour son rôle d’Antonietta Masetti dans son œuvre cinématographique antérieure intitulée « Il Posto », sortie en 1961. À cette époque, un autre film notable qu’il a réalisé est « The Engaged », également sorti en 1963. Parmi ses créations cinématographiques, la plus célèbre est « The Tree of Clogs ». Ce film a reçu un accueil critique élogieux et a été honoré de la prestigieuse Palme d’Or au Festival de Cannes en 1978. Son récit s’inspirait profondément de la riche tapisserie d’histoires que sa grand-mère partageait sur l’existence rurale des paysans vivant dans les régions agricoles d’Italie. Plus tard dans sa carrière, en 1988, il a réalisé « The Legend of the Holy Drinker ». Ce film, une adaptation du roman de Joseph Roth et mettant en vedette Rutger Hauer, a remporté le prestigieux Lion d’Or au Festival de Venise. De plus, il a été célébré avec le David de Donatello, soulignant son importance artistique et culturelle.
Pier Paolo Pasolini
Pier Paolo Pasolini fut une figure multifacette et influente de l’Italie du XXe siècle, reconnu pour son travail de poète, auteur, intellectuel et réalisateur, ainsi que pour ses rôles de journaliste, écrivain, traducteur et dramaturge. Ses contributions ont laissé une empreinte profonde sur la culture italienne, faisant de lui un point de référence majeur tant sur le plan artistique que politique. Ouvertement homosexuel et marxiste engagé, Pasolini fut un critique virulent de la bourgeoisie et de la vague montante de consumérisme dans l’Italie d’après-guerre.
Son œuvre abordait souvent des controverses socio-politiques et remettait en question les tabous sexuels dominants. En tant que figure centrale du paysage culturel romain vibrant après la Seconde Guerre mondiale, Pasolini obtint une reconnaissance et un respect larges dans la littérature et le cinéma européens. Son meurtre tragique et non élucidé à Ostie en novembre 1975 choqua le public italien, provoquant un scandale généralisé, et son héritage demeure un sujet de débats passionnés. Parmi ses œuvres notables figurent les films « Accattone », « L’Évangile selon Matthieu », « La ricotta » et « Teorema », chacun soulignant son approche distincte et provocante de la narration.
Giovanni Pastrone
Giovanni Pastrone, également connu sous son nom de scène Piero Fosco, était un acteur, réalisateur, scénariste et comédien italien. Pastrone est né à Montechiaro d’Asti. Il a travaillé tout au long de l’ère du cinéma muet et a influencé de nombreux réalisateurs cruciaux du cinéma mondial avec Cabiria, tels que David Wark Griffith, pour ses films The Birth of a Nation (1915) et Intolerance (1916). Martin Scorsese estime que le travail de Pastrone dans Cabiria peut être considéré comme la naissance du film épique et mérite le crédit pour un certain nombre de développements généralement attribués à D. W. Griffith et à Cecil B. DeMille. Parmi ceux-ci figurait l’utilisation complète d’une caméra mobile, qui libéra le récit cinématographique du cadre fixe.
Elio Petri
Elio Petri, une figure influente du cinéma italien, est né dans la vibrante ville de Rome le 29 janvier 1929. Durant ses premières années, il a rencontré d’importantes difficultés lorsqu’il a été expulsé pour raisons politiques de l’école San Giuseppe di Merode, un établissement dirigé par un prêtre situé sur la célèbre Piazza di Spagna. Par la suite, il a trouvé sa voix politique en s’inscrivant à l’organisation de jeunesse du Parti communiste italien (PCI), qui est devenue une pierre angulaire dans la formation de son parcours idéologique.
Le parcours de Petri dans le journalisme a débuté alors qu’il contribuait à des publications clés telles que L’Unità, Gioventù nuova et Città Aperta, où il exprimait ses opinions et élargissait son influence. Sa carrière multifacette a couvert la réalisation cinématographique, l’écriture de scénarios, la mise en scène théâtrale et la critique de cinéma, l’établissant fermement comme une figure centrale du cinéma politique durant les décennies transformatrices des années 1960 et 1970.
Le point culminant des réalisations cinématographiques de Petri est survenu avec son film acclamé « Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon », qui a été honoré par l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1971. Après ce triomphe, son film « La Classe ouvrière va au paradis » a remporté la prestigieuse Palme d’Or au Festival de Cannes en 1972, consolidant sa réputation dans le cinéma international.
Franco Piavoli
Diplômé en droit, Franco Piavoli a exercé comme avocat pendant plusieurs années. Il a réalisé le court-métrage Stagioni en 1961 ; il a ensuite abandonné la profession juridique pour enseigner dans un institut technique et se consacrer au cinéma. Après avoir réalisé quelques courts-métrages (Domenica sera, Emigranti, Evasi), il s’est fait connaître en 1982 avec Il Pianeta blu (The Blue Planet), son premier long métrage, en compétition au Festival de Venise, où il a reçu le prix de l’UNESCO. La connaissance de cette œuvre a été rendue possible grâce à l’intérêt de son ami Silvano Agosti qui, un jour de 1979, est arrivé chez Piavoli à Pozzolengo avec une caméra vidéo Arriflex et une série de bobines, lui annonçant qu’il était temps de réaliser son premier long métrage.
Pendant une année entière, Piavoli a été responsable du tournage de ce film que Andrej Tarkovsky qualifierait d’œuvre d’art totale. Dans les années suivantes, il a réalisé 3 autres longs métrages (Nostos – Le Retour, 1989 ; Voci nel tempo, 1996 ; Al primo soffio di vento, 2002). Dans son cinéma, Piavoli ne donne pas beaucoup d’importance aux mots, se concentrant avant tout sur les images et les sons qui deviennent à leur tour les protagonistes et représentent la vie. Un cinéma défini comme une « vidéo symphonique ».
Antonio Pietrangeli
Antonio Pietrangeli était un réalisateur et scénariste italien distingué, célébré pour ses contributions majeures aux comédies italiennes. Né dans le milieu artistique de Rome, Pietrangeli s’est d’abord aventuré dans le domaine cinématographique en tant que critique de cinéma, rédigeant des critiques pour des publications italiennes renommées telles que Bianco e Nero et Cinema. Son entrée dans l’écriture de scénarios l’a vu collaborer sur des œuvres remarquables comme « Ossessione » et « La terra trema », toutes deux réalisées par l’iconique Luchino Visconti, ainsi que « Fabiola » d’Alessandro Blasetti et le film influent « Europa ’51 » de Roberto Rossellini.
La transition de Pietrangeli de scénariste à réalisateur fut marquée par son premier film, « Il sole nelle occhi », sorti en 1953, qui mettait en vedette le talentueux Gabriele Ferzetti. Il a ensuite consolidé sa réputation à travers une série de comédies captivantes avec le charismatique Alberto Sordi, dont les films notables incluent « Lo scapolo » en 1956 et « Souvenir d’Italie » en 1957. Cependant, c’est son film de 1965, « I Knew Her Well », qui a véritablement démontré sa maîtrise de l’art cinématographique. Ce film est renommé pour son portrait vif d’une jeune actrice naïve et ambitieuse, brillamment incarnée par Stefania Sandrelli. À travers ces projets variés mais marquants, Pietrangeli a affirmé son statut de figure clé du cinéma italien.
Gillo Pontecorvo
Gillo Pontecorvo fut l’un des réalisateurs italiens les plus influents à l’échelle internationale, auteur d’un nombre restreint mais extraordinaire de films qui ont marqué l’histoire du cinéma politique mondial. La Bataille d’Alger (1966), tourné avec une technique pseudo-documentaire et un style d’une modernité absolue, est considéré comme l’un des plus grands films politiques jamais réalisés, encore étudié aujourd’hui dans les académies militaires du monde entier.
La force du cinéma de Pontecorvo réside dans sa capacité à aborder de grands conflits historiques — la résistance algérienne, la traite des esclaves dans Queimada (1969) — sans jamais tomber dans une propagande simpliste, mais en transmettant plutôt la complexité morale et politique des situations dépeintes. Sa réalisation essentielle, intense et visuellement percutante, combinée à sa collaboration avec Ennio Morricone pour les bandes originales, crée un cinéma d’une rare puissance émotionnelle et intellectuelle. Pontecorvo demeure une référence essentielle pour quiconque souhaite comprendre la relation entre cinéma et histoire.
Dino Risi
Dino Risi, réalisateur italien estimé, a joué un rôle central dans le canon du cinéma italien. Aux côtés de cinéastes renommés tels que Mario Monicelli, Luigi Comencini, Nanni Loy et Ettore Scola, Risi fut célébré comme l’un des maîtres de la comédie italienne. Né à Milan, Risi faisait partie d’une famille talentueuse ; il était l’enfant du milieu avec un frère aîné, Fernando, qui travaillait comme directeur de la photographie, et un frère cadet, Nelo, qui a poursuivi une carrière de réalisateur et scénariste. Orphelin à l’âge tendre de douze ans, Risi trouva refuge sous la protection de sa famille élargie et de ses amis, qui le soutinrent durant ces temps difficiles.
Malgré des études de médecine dans ses premières années, Risi décida de ne pas se conformer aux souhaits de ses parents de devenir psychiatre. Il forgea plutôt son propre chemin dans le cinéma, débutant comme assistant réalisateur auprès de figures notables telles que Mario Soldati et Alberto Lattuada. Cette expérience fondamentale ouvrit la voie à Risi pour réaliser ses propres films, à travers lesquels il affina non seulement son art mais joua aussi un rôle important en donnant une plateforme à des talents émergents qui deviendraient plus tard des légendes du cinéma, tels que Sophia Loren et Vittorio Gassman.
Le talent de réalisateur de Risi fut reconnu internationalement. Son film de 1966, « Le Trésor de San Gennaro », fut présenté au 5e Festival international du film de Moscou, où il remporta un prix, soulignant son impact sur la scène mondiale. Parmi sa filmographie étendue, plusieurs œuvres se distinguent comme des pièces maîtresses de la comédie italienne. « Una vita difficile » (1961), « Il sorpasso » (1962), « I mostri » (1963), contribuent chacune au style distinctif et à la signification culturelle du cinéma comique italien. Ces films reflètent non seulement sa vision artistique mais aussi sa capacité à capturer et caricaturer l’essence de la société italienne, assurant son héritage durable dans le monde du cinéma.
Francesco Rosi
Francesco Rosi était un réalisateur italien distingué, renommé pour ses œuvres magistrales qui ont laissé une empreinte significative dans l’industrie cinématographique. Son film acclamé, L’Affaire Mattei, a remporté l’une des plus hautes distinctions en obtenant la Palme d’Or au prestigieux Festival de Cannes de 1972, témoignant de ses compétences exceptionnelles en narration et en réalisation. Les films de Rosi des années 1960 et 1970 étaient particulièrement remarqués pour leurs messages politiques percutants, reflétant le climat socio-politique de l’époque à travers son regard cinématographique.Au fur et à mesure de sa carrière, Rosi s’est orienté vers la création de films avec un accent plus marqué sur les thèmes littéraires, bien que les sous-courants politiques n’aient jamais été totalement absents. Même dans les dernières années de sa carrière, Rosi a continué à poursuivre sa passion pour la réalisation, culminant avec son dernier film, l’adaptation du poignant livre de Primo Levi, La Trêve, qu’il a réalisé en 1997.Tout au long de sa carrière illustre, Rosi a été récompensé par de nombreux prix, dont l’estimé Ours d’or pour l’ensemble de sa carrière, une reconnaissance de ses contributions au monde du cinéma. Honorant davantage son héritage et son influence dans le cinéma, la Biennale de Venise lui a décerné le Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière en 2012. Parmi son remarquable portfolio, le film de 1963 Main basse sur la ville se distingue et est largement considéré comme son chef-d’œuvre, encapsulant sa capacité unique à mêler des récits captivants à des thèmes socialement pertinents.
Roberto Rossellini
Roberto Rossellini, figure majeure du monde du cinéma, était un réalisateur, scénariste et producteur italien estimé dont l’influence est particulièrement notable dans le domaine du cinéma néoréaliste italien. Sa vision pionnière a donné vie à des films emblématiques tels que Rome, ville ouverte, sorti en 1945, Paisà en 1946, et Allemagne année zéro en 1948. Ces œuvres sont célébrées pour leur représentation brute de la réalité d’après-guerre et ont laissé une empreinte durable dans l’industrie cinématographique. Né dans la vibrante ville de Rome, Rossellini a été façonné par son contexte familial unique. Sa mère, Elettra, originaire de Rovigo, a consacré sa vie aux tâches ménagères, tandis que son père, Angiolo Rossellini, s’est établi comme propriétaire d’une entreprise de construction prospère. De manière significative, Elettra était d’ascendance partiellement française, descendant d’immigrants qui s’étaient installés en Italie durant l’époque tumultueuse des guerres napoléoniennes, ajoutant ainsi une riche couche culturelle à l’héritage et aux inspirations créatives de Rossellini.
Les films de Rossellini qui ont suivi ses premières incursions dans le néoréalisme, notamment ceux mettant en vedette Ingrid Bergman, n’ont pas rencontré de succès commercial. Malgré cela, il a gagné un grand respect et une réputation de maître cinéaste parmi les critiques influents des Cahiers du Cinéma, prestigieuse revue française de cinéma. François Truffaut, critique de cinéma et réalisateur renommé, a souligné l’approche unique de Rossellini dans son essai de 1963, où il notait que Roberto Rossellini avait une affinité pour la vie réelle plutôt que pour les représentations cinématographiques. Son influence fut particulièrement notable en France où son impact fut si profond qu’il devint connu comme « le père de la Nouvelle Vague française », un mouvement révolutionnaire du cinéma.
Ce mouvement se caractérisait par sa rupture avec les techniques traditionnelles de réalisation cinématographique, et les contributions de Rossellini furent déterminantes. Contrairement à de nombreux réalisateurs qui tendent à devenir plus réservés et stylistiquement conservateurs au fil de leur carrière, le parcours de Rossellini fut marqué par un désir constant d’innovation. Il repoussa perpétuellement les limites du cinéma, expérimentant de nouvelles méthodes et techniques, laissant ainsi une empreinte indélébile dans le monde du cinéma.
Corso Salani
Corso Salani était un réalisateur, scénariste et acteur italien. Diplômé de l’Institut des Sciences Cinématographiques de Florence en 1984, il fit ses débuts en tant que réalisateur la même année avec le court-métrage Zelda, situé sur l’île de Capraia. En 1985, il écrivit l’histoire et réalisa la vidéo pour la chanson Guerra dei Litfiba. Installé à Rome, il fut assistant réalisateur de Carlo Mazzacurati sur le tournage de Notte italiana (1987), et en 1989 il réalisa son premier long métrage, Voci d’Europa, qui remporta un prix au RiminiCinema. Il commença également sa carrière d’acteur, bien que celle-ci resta en retrait par rapport à sa carrière de réalisateur. Le rôle du journaliste Rocco Ferrante dans Muro di rubber (1991) de Marco Risi, sur le massacre d’Ustica, devint populaire.
Gabriele Salvatores
Gabriele Salvatores est un réalisateur et scénariste italien lauréat d’un Oscar. Napolitain de naissance, Salvatores fit ses débuts en tant que metteur en scène de théâtre en 1972, fondant le Teatro dell’Elfo à Milan, pour lequel il dirigea de nombreux spectacles jusqu’en 1989. Cette année-là, il réalisa son troisième long métrage, Marrakech Express, auquel fit suite Turné en 1990. Ces deux films mettent en scène un groupe d’amis acteurs, composé de Diego Abatantuono et Fabrizio Bentivoglio, qui apparaîtront dans beaucoup de ses films suivants. Turné fut sélectionné dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 1990. En 1991, Salvatores reçut une reconnaissance mondiale pour Mediterraneo, qui remporta l’Oscar du meilleur film étranger. Il remporta également 3 David di Donatello et un Nastro d’Argento.
Romano Scavolini
Romano Scavolini, réalisateur italien accompli, est notamment le frère cadet du scénariste Sauro Scavolini. Il entama sa carrière de réalisateur dans les années 1960, se taillant une place dans le monde cinématographique. Au fil des années, il s’est principalement concentré sur des films indépendants, chacun réalisé dans un style unique et original, souvent avec des budgets limités — mais cela n’enlève rien à leur intégrité artistique ni à leur impact. Scavolini est peut-être surtout célébré pour ses films d’horreur glaçants, avec Nightmare (1981) qui se distingue comme une œuvre particulièrement célèbre ; ce film macabre et terrifiant fut si intense qu’il fut interdit au Royaume-Uni, soulignant sa nature provocante et dérangeante. Une autre œuvre importante de sa filmographie est A White Dress for Marialé de 1972, qui consolide encore sa réputation dans le genre de l’horreur et démontre sa capacité à susciter la peur et l’intrigue à travers un récit captivant.
Ettore Scola
Ettore Scola était une figure renommée dans le monde du cinéma, particulièrement reconnu pour ses compétences exceptionnelles en tant que scénariste et réalisateur italien. Sa contribution à l’industrie cinématographique a été célébrée mondialement, comme en témoigne son obtention du prestigieux Golden Globe du meilleur film en langue étrangère en 1978. Cette distinction lui a été décernée pour son remarquable film « Un jour très particulier ». Tout au long de sa carrière illustre, le travail de Scola a été salué par la critique, ce qui lui a valu d’être présélectionné cinq fois aux Oscars dans la catégorie du meilleur film en langue étrangère — un témoignage de son influence et de son talent. Scola est né dans la pittoresque ville de Trevico, située dans la province d’Avellino, dans la région de Campanie, en Italie. Il a commencé à écrire dès l’âge de 15 ans en tant que nègre littéraire. Cette première expérience avec la narration a posé les bases de ses futures réussites dans le cinéma. Son entrée officielle dans l’industrie cinématographique a eu lieu en 1953 lorsqu’il a commencé comme scénariste.
Durant cette période, il s’est associé au célèbre réalisateur Dino Risi et au scénariste Ruggero Maccari pour écrire le scénario du film très acclamé de Risi, « Il Sorpasso », sorti en 1962. Scola a fait ses débuts en tant que réalisateur en 1964 avec le film « Parliamo delle donne », marquant le début d’une carrière de réalisateur célébrée. Un jalon important est survenu en 1974 avec le succès international de « C’eravamo tanto amati ». Ce film offrait un portrait saisissant de la vie et de la politique italiennes dans l’après-Seconde Guerre mondiale et était une dédicace émouvante à son cher ami et réalisateur Vittorio De Sica. Son impact fut profond, valant à Scola le Prix d’Or au 9e Festival international du film de Moscou, consolidant ainsi sa place dans le monde cinématographique. En 1976, Scola a continué à recevoir des distinctions, obtenant une reconnaissance au Festival de Cannes. Pour son film « Brutti, sporchi e cattivi », il a été honoré du Prix de la mise en scène, une récompense célébrant sa direction exceptionnelle. Cette période a marqué un autre point culminant dans une carrière remplie de triomphes artistiques, car le travail de Scola résonnait constamment avec le public et les critiques, faisant de lui une figure majeure du cinéma international.
Paolo Sorrentino
Paolo Sorrentino est un écrivain et réalisateur italien. Son film de 2013, La Grande Bellezza, a remporté l’Oscar, le Golden Globe et le Bafta du meilleur film en langue étrangère. En Italie, il a reçu 8 David di Donatello et 6 Nastri d’Argento. La réalisation et les scénarios de Sorrentino, tels que Il divo, Les Conséquences de l’amour, L’Amie de la famille, This Must Be the Place et la série télévisée de 2016 Le Jeune Pape, ont reçu 3 Lions de Cannes, 4 prix du Festival de Venise et 4 prix du cinéma européen. Il collabore souvent avec l’acteur Toni Servillo et avec le directeur de la photographie Luca Bigazzi. Il a également écrit trois romans. Peut-être que ses meilleurs films sont les deux premiers : The Extra Man et Les Conséquences de l’amour.
Giuseppe Tornatore
Né à Bagheria, dans la province de Palerme, Tornatore s’intéresse au jeu d’acteur et au théâtre depuis l’âge de 16 ans et se consacre aux œuvres de Luigi Pirandello et Eduardo De Filippo. Il a d’abord travaillé comme photographe indépendant. Passant au cinéma, il fait ses débuts avec Ethnic Minorities in Sicily, un documentaire collectif primé au Festival de Salerne. Il travaille ensuite pour la RAI avant de lancer son premier long métrage, Il camorrista, en 1985. Ce film suscite une réaction favorable de la part des critiques et du public, et Tornatore reçoit le Nastro d’argento du meilleur réalisateur débutant.
Il est considéré parmi les réalisateurs qui ont apporté une reconnaissance importante au cinéma italien. Dans une carrière qui s’étend sur plus de 30 ans, il est connu pour avoir écrit et réalisé des films dramatiques tels que Everybody’s Fine, The Legend of the Pianist on the Ocean, Malèna, Baarìa et The Best Offer. Son film le plus mémorable est Nuovo Cinema Paradiso, pour lequel Tornatore a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Il a également réalisé plusieurs publicités pour Dolce & Gabbana. Son film le plus personnel, du point de vue linguistique, est A Pure Formality. Par la suite, son style est devenu de plus en plus grand public et « hollywoodien ».
Roberta Torre
Roberta Torre est une réalisatrice et scénariste italienne renommée, reconnue pour ses contributions significatives au monde du cinéma. Sa carrière remarquable a décollé en 1997 lorsqu’elle a remporté le prestigieux Nastro d’Argento du meilleur réalisateur débutant avec son premier film révolutionnaire, Tano to Die. Ce film est célébré comme un « mafia » musical véritablement original et kaléidoscopique qui a laissé une marque indélébile dans le genre. Tano to Die a été présenté en bonne place au prestigieux 54e Festival international du film de Venise, où il a rencontré un large succès et une reconnaissance unanime. Il a remporté plusieurs prix prestigieux, dont le prix FEDIC, le prix Kodak et le prix Luigi De Laurentiis du meilleur réalisateur débutant, soulignant son impact et le talent créatif de sa réalisatrice. Confirmant davantage son succès, le film a également obtenu deux David di Donatello et deux Nastri d’Argento, consolidant la réputation de Roberta Torre comme une force visionnaire et innovante dans l’industrie cinématographique.
Florestano Vancini
Florestano Vancini était un réalisateur et scénariste italien renommé, dont la carrière illustre dans l’industrie cinématographique s’est étendue sur plusieurs décennies. Avec un portfolio remarquable, Vancini a réalisé plus de 20 films à partir de 1960, démontrant son impact significatif sur le cinéma italien. Son film de 1966, The Seasons of Our Love, qui mettait en vedette le talentueux Enrico Maria Salerno, a été une entrée notable au distingué 16e Festival international du film de Berlin, soulignant la reconnaissance et l’acclamation internationales de Vancini. De plus, son film de 1973, The Assassination of Matteotti, fut une œuvre importante présentée au prestigieux 8e Festival international du film de Moscou, où il a remporté un Prix spécial, attestant de sa valeur artistique et du talent créatif de Vancini. Ajoutant à ses impressionnantes références, en 1999, il a siégé au jury du 21e Festival international du film de Moscou, soulignant davantage son statut respecté dans la communauté cinématographique.
Luchino Visconti
Luchino Visconti était un réalisateur, metteur en scène et scénariste italien. Figure majeure de l’art et de la culture italienne au milieu du XXe siècle, Visconti fut l’un des pères du néoréalisme cinématographique, mais s’orienta par la suite vers le mélodrame et des thèmes tels que la décadence, la mort et l’histoire européenne, en particulier la déliquescence de la bourgeoisie et de la noblesse. Il reçut de nombreux prix, dont la Palme d’Or et le Lion d’Or, et beaucoup de ses œuvres sont considérées comme influentes pour les générations de réalisateurs qui ont suivi.
Né dans une famille noble milanaise, Visconti travailla comme assistant réalisateur auprès de Jean Renoir. Son premier film en tant que réalisateur, Ossessione (1943), fut condamné par le parti fasciste pour ses représentations de personnages issus de la classe ouvrière devenant criminels, mais il est aujourd’hui reconnu comme une œuvre pionnière du cinéma italien. Ses films les plus connus sont Senso (1954) et Le Guépard (1963), deux mélodrames historiques basés sur des classiques de la littérature italienne, le drame âpre Rocco et ses frères (1960), ainsi que sa « Trilogie allemande » – La Chute des dieux (1969), Mort à Venise (1971) et Ludwig (1973). Il fut également un metteur en scène de théâtre accompli, dirigeant des œuvres théâtrales et lyriques, tant en Italie qu’à l’étranger.
Lina Wertmüller
Lina Wertmüller est née à Rome en 1928. Durant sa jeunesse, elle fut expulsée de 15 lycées catholiques différents. Pendant cette période, elle resta fascinée par les bandes dessinées qu’elle considérait comme particulièrement importantes pour elle dans sa jeunesse, notamment Flash Gordon d’Alex Raymond. Wertmüller caractérisait la mise en scène de Raymond dans ses bandes dessinées comme « assez cinématographique, plus cinématographique que la plupart des films », un signe précoce de sa prédisposition au cinéma.
Le désir de Wertmüller de travailler dans le cinéma et le théâtre s’est manifesté dès son plus jeune âge, et elle fut fascinée très tôt par les œuvres des dramaturges russes Pietro Sharoff, Vladimir Nemirovich-Danchenko et Konstantin Stanislavsky. Elle est connue pour ses films des années 1970 Pasqualino Settebellezze, pour lequel elle fut la première réalisatrice à être choisie pour l’Oscar de la meilleure réalisatrice en 1977, Mimì metallurgico, Film d’amour et d’anarchie et Submergée par un destin inhabituel dans la mer bleue d’août. En 2019, Lina Wertmüller fut l’une des 4 récipiendaires du Prix d’honneur de l’Académie pour l’ensemble de sa carrière, la deuxième réalisatrice à recevoir cette distinction.
Cesare Zavattini
Cesare Zavattini, figure notable du monde du cinéma, était un scénariste italien largement reconnu comme l’un des pionniers et fervents défenseurs du mouvement néoréaliste dans le cinéma. Il est né le 20 septembre 1902 dans la charmante ville de Luzzara, située près de la ville historique de Reggio Emilia. Zavattini entama son parcours académique en étudiant le droit à la prestigieuse Université de Parme. Cependant, sa véritable passion résidait dans l’écriture, ce qui le poussa à poursuivre une carrière correspondant à ses aspirations créatives.
Sa carrière professionnelle d’écrivain débuta au sein de la « Gazzetta di Parma », où il s’adonna au journalisme. En 1930, dans le but de faire progresser sa carrière, Zavattini s’installa dans la ville animée de Milan. Là, il s’associa avec l’illustre éditeur Angelo Rizzoli, un mouvement qui allait bientôt lier son destin au monde du cinéma. Lorsque Rizzoli se lança dans la production cinématographique en 1934, Zavattini saisit l’opportunité de s’immerger dans les arts cinématographiques. Sa persévérance porta ses fruits en 1936 lorsqu’il écrivit avec succès son tout premier film, posant ainsi les bases d’une carrière prolifique dans l’industrie cinématographique.
Franco Zeffirelli
Franco Zeffirelli est un metteur en scène italien de théâtre, d’opéra et de cinéma, connu pour ses adaptations somptueuses de Shakespeare. Né à Florence, il a réalisé Roméo et Juliette (1968), avec Olivia Hussey et Leonard Whiting, la mini-série télévisée Jésus de Nazareth (1977), et Othello (1986), avec Placido Domingo.
Zeffirelli privilégie un style visuel baroque et romantique, avec des décors somptueux, des costumes historiques détaillés et une cinématographie picturale qui magnifient la beauté physique et émotionnelle de ses protagonistes. Ses films shakespeariens mettent l’accent sur la passion et le drame humain, critiqués pour leur spectacle excessif mais loués pour leur accessibilité à un large public. Réalisateur polyvalent, il a révolutionné l’opéra filmé, mêlant tradition italienne et attrait hollywoodien, confirmant son statut de maître de la mise en scène épique.
Valerio Zurlini
Alors qu’il étudiait le droit à Rome, il a commencé à travailler au théâtre. En 1943, il a rejoint la Résistance italienne. Zurlini était membre du Parti communiste italien. Il a réalisé des courts documentaires dans l’immédiat après-guerre et en 1954 il a dirigé son premier long métrage, Les Filles de San Frediano, sa seule comédie. En 1958, avec Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi et Alberto Lattuada, Zurlini a remporté le Nastro d’argento du meilleur scénario pour Guendalina de Lattuada. Zurlini s’est fait un nom en tant que réalisateur avec son deuxième long métrage, Été violent (1959), avec Eleonora Rossi Drago et Jean Louis Trintignant. En 1976, il a réalisé la plus grande adaptation du célèbre roman Le Désert des Tartares de Dino Buzzati.
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