Geschichte der Filme: Die Ursprünge und Pioniere

Geschichte der Filme: Vor dem Kino

Die Geschichte der Filme beginnt lange vor den Brüdern Lumière und verliert sich im Nebel der Zeit. Die Kraft mentaler Bilder, die sich mit dem Kino in ihrem höchsten Maße manifestieren wird, war schon immer Teil der menschlichen Natur. Vom Mythos der Höhle Platons bis zu den Einsichten anderer antiker griechischer Philosophen. Von den Höhlenmalereien der Höhlenmenschen bis zur Trajanssäule im antiken Rom hat der Mensch stets versucht, gemalten oder skulptierten Bildern Bewegung zu verleihen, so wie er sie in seinem Geist, in Tagträumen, im Aktivtraum oder in alltäglichen Intuitionen bewegend sah.

Das Vor-Kino umfasst alles, was vor der Erfindung des Kinos geschah. Ach, es waren nur die Brüder Lumière, die es erfanden, aber es gab Dutzende von Männern auf der ganzen Welt, die bereits verschiedene Erfindungen patentiert hatten, um dasselbe Ergebnis zu erzielen: die Projektion von Bildern auf die große Leinwand.

Die erste Etappe dessen, was vielleicht die größte Erfindung in der Geschichte der Filme und der fotografischen Technik ist, erreichte Leonardo da Vinci, der die Camera Obscura und den Atlantischen Kodex für seine Projekte erfand. Doch die Geburt der echten Kamera lag noch in weiter Ferne.

Die Erfindungen des Vor-Kinos

Im 19. Jahrhundert folgten Erfindungen und Apparate, die sich dem Kino schrittweise näherten, in rascher Folge.

Die Laterna Magica

Die Laterna Magica wurde erfunden, eine Kiste, in die ein Licht eingesetzt wurde, das seinen Strahl nach außen projizierte und an einer Wand die auf einer Glasplatte zwischen Lichtquelle und Außenseite gezeichneten Bilder zeigte.

Eine besondere Art der Laterna Magica, die für individuelle statt kollektive Betrachtungen gedacht war, ähnlich unseren heute internetverbundenen Geräten, war die New World. Eine Kiste, in die jeweils nur eine Person durch ein Loch hineinschauen musste, um die Phantasmagorie der Bilder zu sehen.

Der Anpreiser

Doch die aufregendste Idee schien es zu sein, etwas zu erfinden, das die kollektive Spektakelachse perfektioniert. Der Anpreiser war eine Mischung aus einem Fernsehmoderator und einem Theaterschauspieler, der während der Projektionen der Bilder der Laterna Magica das Publikum kommentierte und unterhielt. Seine Funktion war es, den Dialogen der Figuren Leben einzuhauchen und der Vorstellung emotionale Nuancen zu verleihen. Diese Berufsfigur sollte auch in den ersten Jahren des Kinos weiterexistieren.

Die Grundlage all dieser Erfindungen war die Entdeckung des Phänomens der Netzhautpersistenz, wonach Bilder für einen Bruchteil einer Sekunde im menschlichen Auge nachwirken. Dies ist das Prinzip, das dem menschlichen Auge ermöglicht, bewegte Bilder wahrzunehmen, und wurde später durch die Wahl der optimalen Frequenz von einem Bild alle 25 Hundertstel Sekunden perfektioniert.

Andere Erfindungen

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts vervielfachten sich die Erfindungen, bewegte Bilder sichtbar zu machen. Thaumatrope, Kinethoskop, Zoetrop, Praxinoskop, optisches Theater. Paris schien das Zentrum all dieser Erfindungen zu sein, die dem Kinematographen der Brüder Lumière vorausgingen. Reynauds optisches Theater, das die Prinzipien des Praxinoskops und des optischen Theaters durch das Einschieben von Glasscheiben im Gerät vereinte, war ein großer Erfolg, doch die kurz darauf aufkommende Erfindung der Fotografie führte zu seinem Scheitern. Reynaud, verzweifelt, zerstörte alle seine Schöpfungen auf Glasscheiben, und nur zwei sind bis heute erhalten geblieben. Dennoch war er eine große Inspiration für die Erfindung des animierten Kinos und für die Brüder Lumière.

Die Erfindung der Fotografie

Die von Niépce und Daguerre perfektionierte Erfindung der Fotografie legte die Grundlagen für das Kino. Das erste Foto wurde 1826 von Niépce aufgenommen und zeigte ein Fenster. Die Entwicklung der fotografischen Platten, die aus Metall bestanden, dauerte viele Stunden. Daguerre verbesserte die Erfindung erheblich mit seinen Kupferplatten, die eine viel schnellere Entwicklung ermöglichten.

Um bewegte Bilder sehen zu können, war es jedoch notwendig, eine große Anzahl von Fotografien schnell nacheinander zu belichten. Einen großen Beitrag leistete George Eastman mit der Erfindung der lichtempfindlichen Papier-Filmrolle, die es ermöglichte, viele Fotos aufzunehmen, ohne die Platten wechseln zu müssen.

Das schnelle Belichten und Durchlaufen der einzelnen Fotografien war die größte Herausforderung, um zu den ersten filmischen Projektionen zu gelangen. Muybridge hatte beispielsweise die Idee, 12 Kameras nebeneinander zu platzieren, um das Rennen eines Pferdes zu filmen. Étienne-Jules Marey erfand das fotografische Gewehr, das in der Lage war, 12 Fotos pro Sekunde zu belichten. Es sah einem echten Schrotgewehr sehr ähnlich. In seinen Experimenten wurde jedoch klar, dass 12 Bilder pro Sekunde nicht ausreichten und die Bewegung in seinem Filmmaterial ruckartig wirkte.

Filmgeschichte und Thomas Edison

Das Gerät, das die Bewegung von Bildern am besten darstellte, wurde von Thomas Edison in den Vereinigten Staaten erfunden und Kinethoskop genannt. Eine große Kiste, in die man eine Münze einwarf und eine Kurbel drehte, um die auf einer Walze aufgedruckten Bilder durchzuschieben. Edison konzentrierte sich auf die kommerzielle Verwertung seiner Erfindung, die sofort ein großer Erfolg war. Doch die Einschränkung bestand darin, dass es nicht für kollektive Projektionen konzipiert war. Währenddessen versuchten in verschiedenen Ländern der Welt andere Erfinder, ihre Erfindungen zur Projektion bewegter Bilder zu perfektionieren, und sie sollten die Geschichte des Kinos fortführen.

Die Brüder Lumière

Die Familie Lumière besaß eine florierende Fotografiewerkstatt in Lyon. Eines Abends, auf dem Heimweg, erzählte der Vater der Brüder Lumière, Antoine, ihnen von Edisons Erfindung. Er war davon fasziniert, hielt sie aber für unvollkommen; es galt, die Grenze der individuellen Nutzung zu überwinden und kollektive Vorführungen zu ermöglichen.

Das Kino war geboren. Die Brüder Lumière begannen Anfang 1895 mit den Dreharbeiten ihrer ersten Filme und organisierten im Dezember desselben Jahres die berühmte Vorführung, die die Arbeiter beim Verlassen ihrer Fabrik im Capuchin-Café in Paris zeigte, am 28. Dezember. Die Veröffentlichung aus den Werkstätten Lumière war der erste Dokumentarfilm der Geschichte, dem viele weitere folgten.

Das Erstaunen des Publikums im Saal und der sofortige Erfolg der Erfindung machten das Kino innerhalb weniger Monate weltweit berühmt. Dieses außergewöhnliche Gerät reproduzierte das Leben. Die Geschichte der Filme hatte begonnen. Unter den Zuschauern dieser ersten Vorführung befand sich ein Herr namens Georges Méliès, der von dem Gesehenen begeistert war und die Brüder Lumière fragte, ob es möglich sei, eines ihrer Geräte zu kaufen. Er erhielt eine Absage, doch nach kurzer Zeit ließ er sich hartnäckig ein eigenes bauen.

Die Brüder Lumière engagierten viele Kameraleute und schickten sie um die Welt, um dokumentarische Kurzfilme für ihre Vorführungen zu drehen. Doch sie waren nicht überzeugt, dass der Kinematograph eine Erfindung mit großer Zukunft war, und verließen das Geschäft bereits 1901, um wieder in der Fotografie und der Entwicklung von Farbfilmen zu arbeiten.

Geschichte der Filme: George Méliès

George Méliès war ein rebellisches Kind gewesen. Er war von zu Hause weggelaufen wegen eines autoritären Vaters, um Kaufmann zu werden, und hatte seiner Leidenschaft für Magie und Theater gefolgt, indem er nach England und andere europäische Länder reiste. Zurück in Paris begann er im Houdini-Theater zu arbeiten, dessen Besitzer er später wurde, und inszenierte dort seine Zaubershows.

Vom Kino fasziniert, ließ er sich von seinem Ingenieur ein ähnliches Gerät bauen und begann, seine Shows zu filmen. Viele Erfindungen gehen auf ihn zurück, die dazu beitrugen, das Kino zu einem magischen Spektakel zu machen: Verschwindenlassen, Überlagerungen, Animationen und Kolorierung der Filme. Méliès glaubte wirklich an den Kinematographen, so sehr, dass er in seinem Garten außerhalb von Paris eine große Glasbühne ausschließlich aus Glas errichten ließ. Die Sonnenstrahlen drangen zu jeder Tageszeit ein, und er konnte dort alle seine Filme drehen, in denen er selbst spielte und sich um alle Details kümmerte.

Jemand sagte, dass, wenn die Lumière-Brüder das Kino erfanden, Méliès das Kino erfand. Mit ihm entstehen Spielfilme und die fantastischen, historischen und Abenteuer-Genres. Seine Filme, die aus Standbildern bestehen, die nacheinander wie Etappen einer Reise folgen, inszenieren außergewöhnliche und poetische Fantasiewelten mit unglaublichen erzählerischen und visuellen Erfindungen.

Méliès ist ein Handwerker, der sich um alle Aspekte der Entstehung seiner Filme kümmert. Er lässt sie sogar Bild für Bild von Hand kolorieren. Er ist der erste Filmkünstler, der echte Meisterwerke schafft, wie „Die Reise ins Unmögliche“ und „Die Eroberung des Pols“ und andere.

MÉLIÈS-FILME ANSEHEN

Er dreht über 500 Kurzfilme, von denen viele verloren gegangen sind. Leider wird er, wie andere Pionier-Handwerker der Filmgeschichte, dem Wettbewerb mit der industriellen Entwicklung des Kinos, die sich Anfang des 20. Jahrhunderts sehr schnell entwickelte, weder in Frankreich mit Pathè und Gaumont noch in anderen Ländern der Welt standhalten können. Am Ende wird er seine Schauspielerin wieder treffen, mit der er viele Jahre zuvor zusammengearbeitet hatte, als er einen Getränkekiosk in einem Pariser Bahnhof eröffnete, und ihr bei der Führung des Kiosks helfen.

Intolerance

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Historisch, Drama, von David Wark Griffith, Vereinigte Staaten, 1916.
Das Kolossale, das die Geschichte des Kinos veränderte, indem es geniale und zahlreiche Innovationen auch in die filmische Sprache einbrachte. Von Griffith als Antwort auf Vorwürfe des Rassismus für seinen vorherigen Film „Birth of a Nation“ gemacht. Vier verschiedene Geschichten über einen Zeitraum von 2.500 Jahren parallel erzählt über die Intoleranz der Menschheit im Laufe der Jahrhunderte: Konflikte im alten Babylon, Ehebruch und Kreuzigung in der biblischen Geschichte Judas, die französische Renaissance, soziale Unruhen und die Verbrechen der amerikanischen Geschichte Anfang des 20. Jahrhunderts.

Denkanstoß
Der Mensch ist ständig im Konflikt und die Ursache aller Konflikte liegt in seinem Inneren. Menschen häufen so viel Wut, Wahnsinn, Verrücktheit in sich an, dass sie nicht anders können, als in einen neuen Krieg auszubrechen. Der Mensch ist innerlich zerrissen, er spricht von Frieden und schafft am Ende einen neuen Krieg. Um die äußeren Manifestationen des Konflikts zu lösen, muss der innere Konflikt gelöst werden.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Die Brighton-Schule

Unterdessen hatten in Brighton, England, George Albert Smith und James Williamson einen Regisseurclub gegründet, der großen Einfluss auf die Filmgeschichte hatte. Die Regisseure der Brighton-Schule schufen grundlegende Innovationen in der Filmsprache: die Aufnahme in Bewegung, oder Trolley, von der wir ein erstes Beispiel im Kurzfilm Ein Kuss im Tunnel haben, sowie den Einsatz von Schnitt innerhalb derselben Szene mit Nahaufnahmen der Schauspieler und Details der Hauptaufnahme. Auch die subjektive Aufnahme, die den Blickwinkel einer Figur im Film darstellt, sowie das Feld-und-Gegenfeld, fundamentale Codes des modernen Kinos, sind Neuerungen, die sie erfanden. Die filmische Erzählung und die einzelnen Szenen werden mit den Mitteln der Brighton-Schule komplexer und strukturierter.

Die Filmgeschichte wird zur Industrie

In Frankreich herrscht unterdessen große Aufregung. Das Land ist das kulturelle Epizentrum der Welt. Zwei große Filmproduktionen entstehen mit der Absicht, das Kino zu industrialisieren und es zu einem kommerziellen Produkt für das Massenpublikum zu machen: Pathè und Gaumont. Eine dritte, Les films D’art, spezialisierte sich hingegen auf Arthouse-Filme. Sie wurde von den Theaterschauspielern gegründet und entwickelt, die an der Comédie Française arbeiteten, um Filme für ein elitäreres, kultivierteres und anspruchsvolleres Publikum zu machen.

Um Pathè und Gaumont in der Filmgeschichte berühmt zu machen, waren vor allem die Filme von Ferdinand Zecca, Segundo De Chomon, Alice Guy und die Animationsfilme von Emil Cohl verantwortlich. Andere Regisseure und Autoren erfanden filmische Figuren, die sehr populär wurden, wie Fantomas und die Vampire. Les Films D’art hingegen setzte stark auf seine bereits in ganz Frankreich bekannten Schauspieler, die sie sorgfältig auf den Plakaten und Werbematerialien ihrer Filme bewarben. Les Films D’art schuf das erste Star-System, das die Entstehung des Hollywood-Kinos in den Vereinigten Staaten beeinflusste und bis heute die Filmproduktion weltweit prägt.

Das Kino verlor seine handwerkliche und künstlerische Berufung der Pioniere, um sich in ein Phänomen der massenhaften kommerziellen Unterhaltung zu verwandeln. Eine Maschine zum Träumen und Geldverdienen.

Avantgarde-Filme

In den 1920er Jahren entstand ein weites Panorama der Experimentierfreude des europäischen Kinos durch Künstler aus anderen künstlerischen Disziplinen wie Kubismus, Dadaismus und Surrealismus, die wichtige Beiträge zur Entwicklung der Filmgeschichte jener Zeit und der folgenden Jahrzehnte bis in die Gegenwart leisteten: das Avantgarde-Kino.

Impressionismus und neue Formen filmischer Forschung ersetzten in den 1920er Jahren den Industrie-Film in Frankreich. Die Produktion französischer Filme ging in den 1920er Jahren dramatisch zurück. Filme wurden viel mehr in den Vereinigten Staaten und Deutschland produziert.

Industriefilme hatten oft sehr hohe Kosten, und finanzielle Misserfolge waren häufig. Die Führungskräfte bei Pathé und Gaumont erkannten, dass das Risiko beim Vertrieb viel geringer war als bei der Herstellung neuer Filme.

Obwohl Mitte der 1920er Jahre Frankreich nur etwa fünfzig Spielfilme produzierte und die Vereinigten Staaten 729, herrschte auf den Straßen von Paris und anderen Städten ein großer kultureller Aufbruch. Es entstanden mehr Filmclubs als irgendwo sonst auf der Welt. Es gab die Möglichkeit, an Debatten teilzunehmen, Filmrezensionen zu lesen, und Avantgarde-Magazine wurden gegründet.

Die russische Avantgarde entstand nach der Revolution im Kontext des Oktobers der Künste. Sie ist eine der radikalsten Avantgarden. Der Oktober der Künste ist eine reiche Saison für viele unkonventionelle Regisseure: Kubofuturismus, experimentelles Theater, Kino. Die Proletkult-Bewegung, der auch Eisenstein angehört, suchte die Spektakularität der Kultur, die mit dem Proletariat verbunden ist.

In all diesem Aufbruch war die gemeinsame Absicht, die Kunst dem einfachen Mann auf der Straße und den Volksmassen näherzubringen. Das Kino kam so mit den Soldaten der Revolution und dem gesamten Proletariat in Kontakt. Dziga Vertov stammt aus einem musikalischen Umfeld und ist vom italienischen Futurismus und Konstruktivismus beeinflusst.

Andrè Breton war der Gründer des Surrealismus. Alle seine Kollegen interessierten sich für die Traumwelt, für alles, was sich im Unbewussten manifestiert und außerhalb der gewöhnlichen Bedeutungen der Welt liegt, für die automatischen Assoziationen von Ideen, die jenseits des Bewusstseins auftreten, für das, was nach dem Verlust jeglicher Rationalität oder Kontrolle des Denkens geschieht.

Der spanische Regisseur Luis Buñuel und der Maler Salvador Dalì drehten 1928 gemeinsam Un Chien andalou, einen Film, der das surrealistische Kino prägen sollte. Weitere surrealistische Filme sind Jean Cocteaus Le Sang d’un poète (1930) und teilweise auch L’Atalante von Jean Vigo.

Außerhalb der Hauptavantgarde gibt es mehrere Regisseure, die anderswo arbeiten, wie Carl Theodor Dreyer. In Italien herrscht eine tiefe Produktions- und Vertriebskrise. Auch das englische Kino hat keine interessanten filmischen Bewegungen, obwohl in der Zwischenzeit Alfred Hitchcock seine Karriere in sehr jungem Alter begann. Vor allem in Nordeuropa finden wir die wichtigsten Filmemacher wie Dreyer, Sjostrom, Christensen.

Geschichte des Films in Japan

Die Geschichte des japanischen Kinos beginnt ebenfalls mit Thomas Edisons Kinetoskop, das 1896 nach Japan exportiert wurde. Auch die Kameraleute der Lumière-Brüder drehten Filme in Japan. Der erste japanische Film stammt aus dem Jahr 1897. Geister waren das beliebteste Thema.

Der Benshi stand neben der Leinwand und erzählte die stummen bewegten Bilder. Der Benshi konnte von Musik begleitet werden, wie die mythischen Filme in westlichen Kinos. 1908 begann Shōzō Makino, der Pionier des japanischen Kinos, sein Schaffen.

Onoe wurde der erste japanische Filmstar und spielte zwischen 1909 und 1926 in über 1.000 Filmen mit, hauptsächlich Kurzfilmen. Das erste japanische Filmproduktionsstudio wurde 1909 in Tokio gegründet.

Japanische Filme waren Mitte der 1920er Jahre erfolgreich, dank des Charmes einiger Stars. Regisseure wie Daisuke Itō und Masahiro Makino drehten Samurai-Filme wie A Diary of Chuji’s Travels und Roningai mit erfolgreichen Kampfszenen. Einige Stars wie Tsumasaburo Bando, Kanjūrō ​​Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie und Utaemon Ichikawa wurden von Makino Film Productions engagiert und gründeten ihre eigene unabhängige Produktion mit Regisseuren wie Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami und Sadao Yamanaka.

A Page of Madness ist einer der bedeutendsten avantgardistischen japanischen Filme. Es ist ein Stummfilm des Horror-Genres von 1926 von Teinosuke Kinugasa. Über 45 Jahre lang galt der Film als verschollen, bevor er 1971 zufällig vom Regisseur selbst wiedergefunden wurde. Es ist ein Film, der von der japanischen Künstlerbewegung Shinkankakuha, was „Schule der neuen Wahrnehmungen“ bedeutet, entworfen wurde. 

Hollywood: Stars und Filmgenres

In den 1920er Jahren dominierte die Industrie Hollywood, das sich als Traumfabrik präsentiert, die die Verwirklichung des amerikanischen Traums anbietet. Eine Reihe von Figuren, Helden und Heldinnen, fast immer attraktiv, mit denen sich das Publikum identifiziert und die oft Modelle verkörpern, die erreicht werden sollen. Hollywood, Fabrik der Vorstellungskraft, in der Filme hergestellt werden, die in leicht kodifizierbare Genres eingeteilt sind. Die künstlerische Forschung findet in Hollywood dank des Verdienstes mutigerer Regisseure statt, oft Ausländer. 

Hollywood ist ein Unterhaltungsunternehmen in einem Universum von optimistischen, oft unrealistischen Träumen. Filme nehmen selten eine negative Sichtweise ein, sondern eher eine versüßte Weltanschauung. Der Aufstieg des Hollywood-Kinos wird durch die Krise des großen Krieges begünstigt. Die Weltwirtschaft liegt am Boden, und die Vereinigten Staaten positionieren sich als Weltführer in mehreren Sektoren. Es wird eine Politik des Liberalismus etabliert, die es amerikanischen Industrieprodukten ermöglicht, sich auf ausländischen Märkten durchzusetzen. 

Filmgenres wurden in den 1930er und 1940er Jahren in Hollywood aus Marketinggründen und für Zielgruppen erfunden. Die Filmgenres ermöglichten es den Studios, ein sehr spezifisches Publikum zu erreichen, das an dieser Art von Film interessiert ist. Für jedes Genre versuchen Produzenten stets, Stars zu verbinden, die das Publikum instinktiv mit diesem Genre assoziiert. Die Verbindung zwischen einem bestimmten Genre und einem bestimmten Gesicht wird zu einem unbewussten Mechanismus. Die Produktion ist in einige wesentliche Genres und Subgenres organisiert: Jedes Genre umfasst eine Verzweigung vieler Subgenres, Schauspieler, Regisseure und Lebensstile des Publikums. 

Zusammen mit den Genres das Star-System. Der Ruhm der Stars ist eines der Hauptphänomene des Kinos der 1930er und 1940er Jahre. Das Industriekino ist das Gegenteil von independent cinema und sichert sich die attraktivsten und sinnlichsten Stars. Während in unabhängigen Produktionen der Regisseur die Hauptfigur ist, ist im Mainstream-Kino der Regisseur fast ein einfacher Angestellter und bleibt im Schatten hinter den Stars. 

Das klassische amerikanische Kino ist ein System, das Filme von ihrer Konzeption bis zur Kinodistribution kontrolliert. Große Filmstudios besitzen zahlreiche Kinos in den Vereinigten Staaten und haben die totale Kontrolle über den Filmmarkt. 

Zwischen 1930 und 1945 beginnt die Hollywood-Industrie, klassische Filme zu produzieren. 1929 stürzt der Aktienmarkt an der Wall Street zusammen und erschüttert die Vereinigten Staaten, woraufhin die Zeit der großen Depression beginnt. Die Krise dauert bis Ende der 1930er Jahre an, mit einer Wiederbelebung Anfang der 40er Jahre durch den Zweiten Weltkrieg. 

Die kulturelle Dominanz auf dem US-Filmmarkt resultiert aus der Macht, die er nach dem Zweiten Weltkrieg erlangte. Der Sieg ermöglichte es, klassische amerikanische Filme weltweit zu exportieren und das zahlende Publikum dramatisch zu vergrößern. Präsident Roosevelt schuf Anreize, um die Kontrolle verschiedener Sektoren durch vertikale Monopole und Oligopole zu fördern. 

Italienischer Neorealismus

Der Neorealismus war eine filmische Bewegung, die in Italien Ende der 1940er Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs entstand. Diese Bewegung stellt einen wichtigen Wendepunkt in der Geschichte des italienischen und internationalen Kinos dar, da sie versuchte, die Realität des italienischen Alltagslebens nach dem Krieg darzustellen, mit einem aufmerksamen Blick auf das Leben der ärmsten Gesellschaftsschichten.

Neorealistische Filme zeichneten sich durch einen realistischen Ansatz bei der Darstellung des Alltagslebens aus, mit großer Aufmerksamkeit für Details und Glaubwürdigkeit. Die Filme wurden oft an realen Schauplätzen gedreht, mit Laiendarstellern, und die Handlung versuchte, Künstlichkeit und Melodramatik zu vermeiden.

Zu den wichtigsten Regisseuren der italienischen neorealistischen Bewegung zählen Vittorio De Sica, Roberto Rossellini und Luchino Visconti. Zu ihren bekanntesten Filmen gehören De Sicas „Bicycle Thieves“, Rossellinis „Rom, offene Stadt“ und Viscontis „Die Erde bebt“.

Der Neorealismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Weltkinematographie, indem er nachfolgende Filmemacher und Bewegungen beeinflusste. Er trug dazu bei, das italienische Kino international bekannt zu machen und stellte einen wichtigen Fortschritt in der Geschichte des Kinos dar, vor allem durch seine Aufmerksamkeit für das Alltagsleben und die soziale Realität.

Kino in den 50er Jahren

In den 1950er Jahren durchlief das Kino eine Reihe bedeutender Veränderungen, die es zu einem der wichtigsten Kommunikationsmittel der Welt machten. In dieser Zeit begann das Kino, eine globale Industrie zu werden, wobei Filme aus verschiedenen Ländern weltweit exportiert wurden.

In Amerika waren Filme zu einer massenkommerziellen Aktivität geworden und wurden in großen Mengen produziert, um der wachsenden Nachfrage eines immer größer werdenden Publikums gerecht zu werden. Zu den bekanntesten Filmen dieses Jahrzehnts zählen Stanley Donen und Gene Kellys Singing in the Rain (1952), John Hustons Treasure of Africa (1951), Gentlemen Prefer Blondes (1953) von Howard Hawks und Billy Wilders „Sabrina“ (1954).

In Europa war das Kino noch vom Zweiten Weltkrieg und dem Wiederaufbau nach dem Krieg geprägt. In Frankreich entstand die Nouvelle Vague als filmische Bewegung, bei der Regisseure wie Jean-Luc Godard und François Truffaut die Art des Filmemachens mit einem experimentelleren und innovativeren Ansatz radikal veränderten.

In Italien hatte der neorealistische Film weiterhin großen Einfluss, wobei Regisseure wie Vittorio De Sica Filme wie „Umberto D.“ (1952) produzierten, die die Schwierigkeiten des Alltagslebens im Nachkriegsitalien schilderten.

Sogar in Asien wurde das Kino immer bedeutender, mit dem Aufkommen von Regisseuren wie Akira Kurosawa in Japan, der einige seiner berühmtesten Filme wie „Die sieben Samurai“ (1954) und „Thron des Blutes“ (1957) schuf.

Im Allgemeinen war die 1950er Jahre eine Zeit großer Innovation und Veränderung für das Kino, in der Filmemacher neue Techniken und Geschichten erforschten, die die Vorstellungskraft des Publikums weltweit fesselten.

Die Nouvelle Vague

Die Nouvelle Vague, was auf Deutsch „Neue Welle“ bedeutet, war eine französische Filmbewegung, die Ende der 1950er Jahre entstand und sich in den 1960er Jahren entwickelte. Die Bewegung bestand hauptsächlich aus jungen Filmemachern, darunter François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer und Jacques Rivette.

Die Nouvelle Vague zeichnete sich durch einen innovativen Ansatz im Filmemachen aus, bei dem die Regisseure versuchten, die traditionellen Konventionen des französischen Kinos jener Zeit herauszufordern. Zu den markanten Merkmalen der Bewegung gehörten Techniken wie Improvisation, diskontinuierlicher Schnitt, der Einsatz von Laiendarstellern, Freiheit bei der Wahl der Drehorte und die Ablehnung vorgefertigter Drehbücher.

Darüber hinaus wurde die Nouvelle Vague von den Filmtheorien des französischen Kritikers André Bazin beeinflusst, der die Idee eines realistischen Ansatzes und der Natürlichkeit in der Darstellung der Schauspieler vorschlug. Die Regisseure der Nouvelle Vague versuchten, die Realität und das Alltagsleben in ihren Filmen einzufangen.

Zu den bekanntesten Filmen der Nouvelle Vague zählen „Die 400 Blows“ von François Truffaut, „Außer Atem“ von Jean-Luc Godard und „Hiroshima mon amour“ von Alain Resnais.

Die Nouvelle Vague hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Filmgeschichte und prägte zahlreiche nachfolgende Filmemacher und Bewegungen. Ihr Erbe ist in der zeitgenössischen Kinematografie weiterhin präsent und hat die französische sowie internationale Kultur mitgestaltet.

Das Kino der 60er Jahre

Die 1960er Jahre waren eine Zeit großer Innovation und Veränderung in der Welt des Kinos. Dieses Jahrzehnt brachte neue Filmstile, neue Technologien und neue Filmemacher hervor, die die Konventionen des klassischen Kinos herausforderten.

In den 1960er Jahren erreichte das europäische Kino mit der Nouvelle Vague-Bewegung in Frankreich seinen Höhepunkt. In den Vereinigten Staaten entstand in den 1960er Jahren eine neue Generation von Filmemachern, die sogenannten „Movie Brats“, darunter Martin Scorsese, Francis Ford Coppola und Steven Spielberg. Diese Regisseure führten eine neue Art von kommerziellem Kino ein, das persönlicher war und große emotionale Wirkung erzielte. Ihre Filme behandelten Themen wie Gewalt, Korruption und Jugendrebellion.

In Japan erlebte das Kino mit dem Aufkommen der japanischen Neuen Welle eine radikale Veränderung, mit Regisseuren wie Akira Kurosawa, Yasujirō Ozu und Nagisa Oshima. Diese Filmemacher stellten die traditionelle japanische Form des filmischen Erzählens in Frage und schufen hochstilistische und experimentelle Werke.

Das italienische Kino erlebte die Entstehung des Spaghetti-Western-Genres, mit Regisseuren wie Sergio Leone und Clint Eastwood, die eine neue Art von gewalttätigem und visuell ansprechendem Westernkino schufen.

Darüber hinaus waren die 1960er Jahre eine Zeit großer technologischer Veränderungen in der Filmwelt, mit der Einführung von Farbe, Breitbild und stereophonem Ton. Diese Innovationen ermöglichten es Filmemachern, neue Wege des Erzählens und der Einbindung des Publikums zu erforschen.

Die 1960er Jahre waren eine Zeit großer Innovation und Veränderung in der Kinowelt, mit dem Aufkommen neuer Filmstile, neuer Technologien und neuer Regisseure, die die Konventionen des klassischen Kinos herausforderten.

Neues amerikanisches Kino

Das Neue amerikanische Kino, oder Neues amerikanisches Kino, war eine Filmbewegung, die in den 1960er und 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten aufkam. Diese Bewegung zeichnete sich durch den Einsatz innovativer Techniken, größere kreative Freiheit und eine kritische Haltung gegenüber der amerikanischen Gesellschaft jener Zeit aus.

Zu den repräsentativsten Regisseuren des Neuen amerikanischen Kinos zählen Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Arthur Penn und Brian De Palma. Diese Regisseure schufen Filme, die die Konventionen des traditionellen Kinos herausforderten, indem sie Techniken wie den Einsatz von Weitwinkelobjektiven, selektiven Fokus und realistischere Fotografie verwendeten.

Das Neue amerikanische Kino konzentrierte sich auch auf die sozialen und politischen Themen der Zeit, wie den Vietnamkrieg, den Kampf für Bürgerrechte und rassistische Spannungen. Die Filme des Neuen amerikanischen Kinos waren oft gewalttätig, rau und realistisch und stellten eine Herausforderung für die Moralisierung und Zensur dar, die das amerikanische Kino jener Zeit prägten.

Einige Beispiele für Filme des Neuen amerikanischen Kinos sind Dennis Hoppers ‚Easy Rider‘, Martin Scorseses ‚Taxi Driver‘, Francis Ford Coppolas ‚Der Pate‘, Robert Altmans ‚MASH‘ und Arthur Penns ‚Bonnie und Clyde‘.

Insgesamt hat das Neue amerikanische Kino einen bedeutenden Einfluss auf das Weltkino ausgeübt, Generationen von Filmemachern beeinflusst und neue Wege für Innovation und kreative Ausdrucksformen im Kino eröffnet.

Englisches Free Cinema

Das englische Free Cinema war eine Filmbewegung, die Ende der 1950er Jahre in Großbritannien entstand. Sie bestand aus einer Gruppe von Regisseuren, darunter Lindsay Anderson, Karel Reisz und Tony Richardson, die die Konventionen des britischen Kinos jener Zeit herauszufordern suchten.

Die Bewegung erhielt ihren Namen von einer Reihe kostenloser Filmvorführungen, die von den Regisseuren selbst im National Film Theater in London organisiert wurden, beginnend im Februar 1956. Diese Filme, oft mit geringem Budget produziert, zeichneten sich durch einen starken Fokus auf sozialen Realismus und Dokumentarfilm aus und versuchten, das gewöhnliche englische Leben mit einer authentischen, nicht stereotypischen Sensibilität darzustellen.

Free Cinema-Filme konzentrierten sich häufig auf die Arbeiterklasse und behandelten Themen wie Armut, Einsamkeit, die Monotonie des Alltags und soziale Ausgrenzung. Sie stellten einen Gegenpol zu den leichten Komödien und Melodramen dar, die damals das britische Kino dominierten.

Die Free Cinema-Bewegung hatte einen großen Einfluss auf das britische Kino und inspirierte viele nachfolgende Filmemacher wie Ken Loach und Mike Leigh. Ihr Erbe zeigt sich in Filmen wie Ken Loachs „Kes“ (1969), der das Leben eines Jungen aus einer Arbeiterfamilie behandelt, oder Mike Leighs „Naked“ (1993), der Einsamkeit und Verzweiflung des modernen urbanen Lebens erforscht.

Zusammenfassend war das englische Free Cinema eine bedeutende Bewegung, die die Konventionen des britischen Kinos jener Zeit herausforderte und eine authentische sowie nicht stereotypische Darstellung des Lebens gewöhnlicher Engländer bot. Ihr Einfluss ist im zeitgenössischen britischen Kino weiterhin sichtbar.

Iranische Neue Welle

Die Iranische Neue Welle ist eine Filmbewegung, die Ende der 1980er Jahre im Iran entstand und in den 1990er Jahren ihren Höhepunkt der Popularität erreichte. Diese Bewegung hat eine breite Palette von Filmen hervorgebracht, die oft soziale und politische Themen behandeln und internationale Anerkennung für ihre formale Innovation und kraftvolle Botschaft erlangt haben.

Die Iranische Neue Welle wurde durch mehrere Faktoren beflügelt, darunter der Niedergang der traditionellen iranischen Filmindustrie, die wachsende künstlerische Freiheit nach der Revolution von 1979 und die Verfügbarkeit neuer Produktionstechnologien, die das Filmemachen erleichterten und erschwinglicher machten. Zudem hatten viele Regisseure der Iranischen Neuen Welle im Ausland Film studiert und brachten innovative Ideen und Techniken in den Iran mit.

Zu den bekanntesten Regisseuren der Iranischen Neuen Welle zählen Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf, Jafar Panahi, Majid Majidi und Asghar Farhadi. Diese Filmemacher erzählen oft einfache Geschichten, die komplexe Themen wie Armut, Unterdrückung der Frauen, Islamismus sowie den Kampf um Freiheit und Gerechtigkeit erforschen. Ihre Filme legen Wert auf Realismus und Aufrichtigkeit, häufig unter Einsatz von Laiendarstellern und natürlichen Schauplätzen.

Die Iranische Neue Welle hat weltweit breite Anerkennung gefunden und zahlreiche Auszeichnungen auf Filmfestivals erhalten. Dennoch hatten die Filmemacher der Iranischen Neuen Welle oft mit der Zensur durch die iranische Regierung zu kämpfen, die ihre Meinungsfreiheit einschränken wollte. Trotz dieser Herausforderungen hat die Iranische Neue Welle einen unauslöschlichen Eindruck auf die iranische und internationale Filmkunst hinterlassen und Generationen von Filmemachern weltweit inspiriert.

Kino in den 70er Jahren

Die 1970er Jahre waren ein wichtiges Jahrzehnt für das Kino, geprägt von einem Paradigmenwechsel, der zur Entstehung neuer filmischer Stile und Genres führte. In diesen Jahren begann das Kino mutiger und experimenteller zu werden, indem es die Konventionen der Vergangenheit aufgab, um neue Ausdrucksformen zu umarmen.

Zu den repräsentativsten Filmen der 70er Jahre zählen „Easy Rider“ (1969), Regie führte Dennis Hopper, „Die Reifeprüfung“ (1967), Regie Mike Nichols, und „Taxi Driver“ (1976), Regie Martin Scorsese. Diese Filme brachten neues Licht auf talentierte Schauspieler wie Robert De Niro und Jack Nicholson, die zu Ikonen des Kinos der 1970er Jahre wurden.

Die 1970er Jahre waren auch die Zeit, in der das Genrekino seinen Höhepunkt der Popularität erreichte. Horrorfilme wie William Friedkins „Der Exorzist“ (1973) und John Carpenters „Halloween“ (1978) fesselten das Publikum mit Spannung und Gore, während Science-Fiction-Filme wie „Star Wars“ (1977) von George Lucas und Ridley Scotts „Alien“ (1979) das Kino in die Zukunft führten, mit futuristischen Szenarien und Technologien, die zuvor nie gesehen wurden.

Darüber hinaus erlebten die 1970er Jahre die Geburt einer neuen Autorenkino-Bewegung, mit Regisseuren wie Francis Ford Coppola, Woody Allen und Federico Fellini, die eine neue künstlerische Sensibilität ins Kino brachten. Filme wie Coppolas „Der Pate“ (1972), Allens „Annie Hall“ (1977) und Fellinis „Amarcord“ (1973) hatten einen bedeutenden Einfluss auf die Populärkultur und inspirierten viele andere Filmemacher.

Schließlich waren die 1970er Jahre geprägt von der Entstehung des Exploitation-Kinos, mit Filmen, die sich auf Gewalt, Sex und Grausamkeit konzentrierten. Diese Filme wurden oft als geschmacklos angesehen und zogen viel Kritik auf sich, hatten aber auch einen großen Einfluss auf die Populärkultur und Mode jener Zeit.

Die 1970er Jahre waren ein entscheidendes Jahrzehnt in der Geschichte des Kinos, das die Geburt neuer filmischer Genres und Bewegungen erlebte. Dank dieser Filme wurde das Kino zu einem mutigeren und experimentelleren Medium, das den Weg für neue Ausdrucksformen ebnete und Generationen von Filmemachern und Zuschauern inspirierte.

Kino in den 80er Jahren

Die 80er Jahre waren ein sehr wichtiges Jahrzehnt für das Kino, sowohl hinsichtlich der Anzahl der produzierten Filme als auch der Trends, die die Filmindustrie in dieser Zeit prägten. Insbesondere erlebten die 80er Jahre Filme mit großem kommerziellem Erfolg, wie Blockbuster von Steven Spielberg und George Lucas, aber auch Independent-Filme, die einen wichtigen Wendepunkt in der Geschichte des Kinos markierten.

Zu den beliebtesten Genres der 80er Jahre gehören das Actionkino und Abenteuerfilme, wie die „Indiana Jones“-Reihe, „Predator“ oder „Terminator“, aber auch Komödien wie „Ghostbusters“ und „Beverly Hills Cop“. Außerdem erlebten die 80er Jahre einen Aufstieg des Horror-Genres mit Filmen wie „Halloween“, „Freitag der 13.“ und „Nightmare – Mörderische Träume“, aber auch Science-Fiction-Filme wie „Blade Runner“ und „Aliens“.

Das Kino der 1980er Jahre erlebte auch den Aufstieg großer Regisseure wie Martin Scorsese, Steven Spielberg, John Hughes und James Cameron, die das Kino dieser Zeit prägten. Auch viele Schauspieler feierten in den 80ern ihren Durchbruch, darunter Tom Cruise, Eddie Murphy und Michael J. Fox.

Zu den Meisterwerken der 80er Jahre zählt der Film von 1984 „Once Upon a Time in America“ ​​unter der Regie von Sergio Leone mit Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld und Joe Pesci in den Hauptrollen. Der Film basiert auf dem Roman „The Hoods“ von Harry Gray, der die Geschichte einer Gruppe amerikanischer Juden erzählt, die in den 1920er und 1930er Jahren im jüdischen Viertel von New York City in die organisierte Kriminalität verwickelt sind.

Das Kino der 90er Jahre

Die 1990er Jahre brachten viele technologische Veränderungen mit sich, wie die Einführung der ersten Computer für Videoschnitt und die Geburt des digitalen Kinos.

Das Kino der 90er Jahre sah die Entstehung vieler neuer Trends und Genres, wie Independent-Film, großbudgetierte Actionfilme und animierte Filme in Computergrafik. Außerdem traten viele aufstrebende Regisseure auf den Plan, darunter Quentin Tarantino, Kevin Smith und Spike Lee.

Die 1990er Jahre waren auch eine Zeit großer Innovationen in der Filmtechnik, mit dem Aufkommen neuer Spezialeffekte und der Einführung neuer Formate wie DTS und Dolby Digital.

Darüber hinaus waren die 1990er Jahre durch ein starkes Interesse an Popkultur geprägt, und viele Filme spiegelten dieses Interesse wider, wie Wayne’s World, Clueless und 56th Street.

Das Kino der 2000er Jahre

Das Kino der 2000er Jahre zeichnete sich durch eine große Vielfalt an Filmen, Genres und Stilen aus. Viele aufstrebende Regisseure begannen in dieser Zeit, sich einen Namen zu machen. Das kommerzielle Kino dominierte die Kinokassen.

Einer der größten Erfolge des Jahrzehnts war das Superhelden-Genre, mit Filmen wie ‚Spider-Man‘ (2002), ‚Batman Begins‘ (2005) und ‚Iron Man‘ (2008), die alle an den Kinokassen durchstarteten. Auch das Animationskino feierte große Erfolge, mit Filmen wie „Shrek“ (2001) und „Ratatouille“ (2007), die beim Publikum großen Anklang fanden.

Das Independent-Kino erlebte in den 2000er Jahren ebenfalls ein erneutes Interesse, dank der Verbreitung digitaler Filmtechnologien und der wachsenden Beliebtheit von Filmfestivals. Regisseure wie Wes Anderson, Sofia Coppola, Richard Linklater und Noah Baumbach erhielten besondere Aufmerksamkeit für ihre unabhängigen Werke.

Außerdem erlebten in den 2000er Jahren einige klassische Genres wie Horror und der Kriegsfilm eine Wiederbelebung, mit Filmen wie „The Ring“ (2002), „The Others“ (2001), „Black Hawk Down“ (2001) und „Letters from Iwo Jima“ (2006).

Das Kino der 2000er Jahre erlebte auch die Fortsetzung einiger kommerzieller Filmreihen wie ‚Star Wars‘ und ‚Der Herr der Ringe‘. Doch das Jahrzehnt brachte auch die Geburt neuer Reihen wie ‚Harry Potter‚ und ‚Twilight‘ hervor, die weltweit ein jugendliches Publikum anzogen.

Insgesamt waren die 2000er Jahre ein Jahrzehnt großer Kreativität und Innovation im Independent-Kino, festigten aber auch den Erfolg einiger großer kommerzieller Franchises, die voller Stereotypen und Klischees stecken.