Histoire des Films : Avant le Cinéma
L’histoire des films commence bien avant les frères Lumière, et se perd dans les brumes du temps. Le pouvoir des images mentales, qui se manifestera à son degré maximal avec le cinéma, a toujours fait partie de la nature humaine. Du mythe de la caverne de Platon aux intuitions d’autres philosophes grecs anciens. Des peintures rupestres des hommes des cavernes à la colonne Trajane de la Rome antique, l’homme a toujours cherché à donner du mouvement aux images peintes ou sculptées, telles qu’il les voyait bouger dans son esprit, dans ses rêveries, ses rêves d’activité ou ses intuitions quotidiennes.
Le pré-cinéma désigne tout ce qui s’est passé avant l’invention du cinéma. Ah, ce sont bien les frères Lumière qui l’ont inventé, mais des dizaines d’hommes à travers le monde avaient déjà breveté différentes inventions visant à obtenir le même résultat : la projection d’images sur grand écran.
La première étape de ce qui est peut-être la plus grande invention de l’histoire des films et de la technique photographique remonte à Léonard de Vinci, qui inventa la camera obscura et le code Atlantique pour ses projets. Mais la naissance de la véritable caméra était encore loin.
Les Inventions du Pré-Cinéma
Au XIXe siècle, les inventions et dispositifs qui se rapprochaient progressivement du cinéma se succédèrent à un rythme rapide.
La Lanterna Magica
La lanterne magique fut inventée, une boîte dans laquelle on insérait une source lumineuse qui, projetant son faisceau vers l’extérieur, projetait sur un mur les images dessinées sur une plaque de verre placée entre la source lumineuse et l’extérieur.
Un type particulier de lanterne magique, destiné à une vision individuelle plutôt que collective, un peu comme nos appareils connectés à internet aujourd’hui, était le New World. Une boîte dans laquelle il fallait regarder une personne à la fois à travers un trou pour voir la fantasmagorie d’images.
Le Crieur
Mais l’idée la plus enthousiasmante semblait être d’inventer quelque chose qui perfectionne l’axe du spectacle collectif. Le crieur était un croisement entre un présentateur télé et un acteur de théâtre qui commentait et divertissait le public pendant les projections des images de la lanterne magique. Sa fonction était de donner vie aux dialogues des personnages et d’apporter des nuances émotionnelles au spectacle. Cette figure professionnelle continua d’exister même durant les premières années de la vie du cinéma.
À la base de toutes ces inventions se trouvait la découverte du phénomène de persistance rétinienne selon lequel les images persistent dans l’œil humain pendant une fraction de seconde. C’est ce principe qui permet à l’œil humain de percevoir des images en mouvement, et qui fut ensuite perfectionné en choisissant la fréquence optimale d’une image toutes les 25e de seconde.
Autres Inventions
Dans la première moitié du XIXe siècle, les inventions permettant de voir des images en mouvement se multiplient. Thaumatrope, kinétoscope, zootrope, praxinoscope, théâtre optique. Paris semblait être le centre de toutes ces inventions qui ont précédé le Cinématographe des frères Lumière. Le théâtre optique de Reynaud, qui unissait les principes du praxinoscope et du théâtre optique en faisant glisser des plaques de verre à l’intérieur de l’appareil, fut un immense succès, mais l’invention de la photographie, arrivée peu après, détermina son échec. Reynaud, désespéré, détruisit toutes ses créations sur plaques de verre et seulement deux nous sont parvenues. Mais il fut une grande source d’inspiration pour l’invention du cinéma d’animation et pour les frères Lumière.
L’Invention de la Photographie
L’invention de la photographie, perfectionnée par Niépce et Daguerre, posa les bases du cinéma. La première photographie fut prise en 1826 par Niépce et représentait une fenêtre. Il fallait de nombreuses heures pour développer les plaques photographiques qui étaient en métal. Daguerre améliora grandement l’invention avec ses plaques de cuivre qui permettaient un développement beaucoup plus rapide.
Pour pouvoir voir des images en mouvement, il fallait cependant impressionner un grand nombre de photographies les unes après les autres rapidement. Une grande contribution vint de George Eastman avec l’invention du rouleau de papier photographique sensible qui permettait de prendre de nombreuses photographies sans changer de plaques.
Imprimer et faire défiler rapidement les photographies individuelles fut le défi le plus difficile pour parvenir aux premières projections cinématographiques. Muybridge, par exemple, eut l’idée de placer 12 caméras côte à côte pour filmer la course d’un cheval. Étienne-Jules Marey inventa le fusil photographique capable d’imprimer 12 photographies en une seconde. Il ressemblait beaucoup à un véritable fusil de chasse. Il apparut cependant clairement dans ses expériences que 12 images par seconde ne suffisaient pas et que le mouvement dans ses films était saccadé.
Histoire du Cinéma et Thomas Edison
L’appareil qui réussit le mieux à imprimer les images en mouvement fut inventé par Thomas Edison aux États-Unis et s’appelait le kinétoscope. Une grande boîte où, en insérant une pièce de monnaie et en tournant une manivelle, on pouvait faire défiler les images imprimées sur un rouleau. Edison se concentra sur l’exploitation commerciale de son invention qui fut immédiatement un grand succès. Mais sa limitation était qu’il n’était pas conçu pour des projections collectives. Pendant ce temps, dans divers pays du monde, d’autres inventeurs essayaient de perfectionner leurs inventions pour projeter des images en mouvement et allaient poursuivre l’histoire du cinéma.
Les frères Lumière
La famille Lumière possédait une industrie photographique florissante à Lyon. Un soir, en rentrant chez lui, le père des frères Lumière, Antoine, leur parla de l’invention d’Edison. Il en était fasciné, mais il pensait qu’elle était imparfaite, qu’il fallait dépasser la limite de l’usage individuel pour pouvoir obtenir des projections collectives.
Le cinéma était né. Les frères Lumière commencèrent à tourner leurs premiers films au début de 1895 et en décembre de la même année, ils organisèrent la célèbre projection montrant les ouvriers quittant leur usine au café des Capucins à Paris, le 28 décembre. La sortie des ateliers Lumière fut le premier documentaire de l’histoire, suivi de nombreux autres.
L’émerveillement du public dans la salle et le succès immédiat de l’invention firent la renommée du cinéma dans le monde entier en quelques mois seulement. Cet appareil extraordinaire reproduisait la vie. L’histoire du cinéma avait commencé. Parmi le public de cette première projection se trouvait un monsieur nommé Georges Méliès, qui, enthousiasmé par ce qu’il avait vu, décida de demander aux frères Lumière s’il était possible d’acheter un de leurs appareils. Il essuya un refus, mais après un court laps de temps, avec obstination, il fit construire le sien.
Les frères Lumière engagèrent de nombreux cameramen et les envoyèrent autour du monde pour réaliser des courts documentaires pour leurs spectacles. Mais ils n’étaient pas convaincus que le Cinématographe était une invention avec un grand avenir et quittèrent le métier dès 1901, retournant à la photographie et au développement des films en couleur.
Histoire du cinéma : George Méliès
George Méliès avait été un enfant rebelle. Il s’était enfui de chez lui à cause d’un père autoritaire pour devenir marchand et avait suivi sa passion pour la magie et le théâtre en voyageant en Angleterre et dans d’autres pays européens. De retour à Paris, il avait commencé à travailler au théâtre Houdini, dont il devint plus tard le propriétaire, où il montait ses spectacles de magie.
Fasciné par le cinéma, il fit construire un appareil similaire par son ingénieur et commença à l’utiliser pour filmer ses spectacles. De nombreuses inventions lui sont dues, qui contribuèrent à faire du cinéma un spectacle magique : disparitions, superpositions, animations et colorisation des films. Méliès croyait vraiment au Cinématographe au point de faire construire un grand plateau exclusivement en verre dans le jardin de sa villa en dehors de Paris. Les rayons du soleil pénétraient à toute heure du jour et il pouvait y tourner tous ses films, dans lesquels il jouait et soignait tous les détails.
Quelqu’un a dit que si les Lumière ont inventé le cinéma, Méliès a inventé le cinéma fantastique. Avec lui naissent les films de fiction et les genres fantastique, historique et d’aventure. Ses films, composés de plans fixes qui se succèdent comme des étapes d’un voyage, mettent en scène des mondes de fantaisie extraordinaires et poétiques, avec des inventions narratives et visuelles incroyables.
Méliès est un artisan qui prend soin de tous les aspects de la création de ses films. Il les fait même colorier à la main image par image. Il est le premier artiste du cinéma à créer de véritables chefs-d’œuvre, tels que Le Voyage dans l’impossible et La Conquête du Pôle et d’autres.
Il réalise plus de 500 courts métrages, dont beaucoup ont été perdus. Malheureusement, comme d’autres pionniers-artisans de l’histoire du cinéma, il ne pourra pas résister à la concurrence liée au développement industriel du cinéma qui s’est développé très rapidement au début des années 1900, tant en France avec Pathé et Gaumont, que dans d’autres pays du monde. Il finira par retrouver son actrice avec laquelle il avait collaboré de nombreuses années auparavant, lorsqu’il avait ouvert un kiosque à boissons dans une gare parisienne, et l’aidera à gérer ce kiosque.
Intolerance
Historique, drame, par David Wark Griffith, États-Unis, 1916.
Le Kolossal qui a changé l'histoire du cinéma en apportant des innovations ingénieuses et nombreuses également au langage cinématographique. Réalisé par Griffith en réponse aux accusations de racisme pour son film précédent, Naissance d'une nation. Quatre histoires distinctes sur une période de 2 500 ans racontées en parallèle sur l'intolérance de l'humanité à travers les siècles : conflits dans la Babylone antique, adultère et crucifixion dans l'histoire biblique de la Judée, la Renaissance française, troubles sociaux et crimes de l'histoire américaine du début des années 1900.
Sujet de réflexion
L'homme est perpétuellement en conflit et la cause de tout conflit existe à l'intérieur. Les êtres humains accumulent tant de colère, de folie, de démence en eux-mêmes qu'ils ne peuvent s'empêcher d'exploser dans une nouvelle guerre. L'homme est divisé intérieurement, il parle de paix et finit par créer une nouvelle guerre. Pour résoudre les manifestations externes du conflit, le conflit interne doit être résolu.
LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais
L’École de Brighton
Pendant ce temps, à Brighton, en Angleterre, George Albert Smith et James Williamson avaient créé un club de réalisateurs qui eut un grand impact sur l’histoire du cinéma. Les réalisateurs de l’école de Brighton ont introduit des innovations fondamentales dans le langage cinématographique : le tournage en mouvement, ou travelling, dont nous avons un premier exemple dans le court métrage A Kiss in the Tunnel, et l’utilisation du montage au sein d’une même scène, avec des gros plans des acteurs et des détails du plan principal. Même le subjectif, le plan qui représente le point de vue d’un personnage dans un film, ainsi que le champ et le contre-champ, codes fondamentaux du cinéma moderne, sont des nouveautés qu’ils ont inventées. L’histoire cinématographique et les scènes individuelles, avec les registres de l’école de Brighton, deviennent plus articulées et structurées.
L’Histoire du Cinéma Devient Industrie
En France, pendant ce temps, c’est une grande effervescence. Le pays est l’épicentre culturel du monde. Deux grandes productions cinématographiques naissent avec l’intention d’industrialiser le cinéma et d’en faire un produit commercial pour le grand public : Pathé et Gaumont. Une troisième, Les Films d’Art, s’est spécialisée dans les films d’art et essai. Elle a été créée et développée par des comédiens du théâtre de la Comédie-Française pour réaliser des films destinés à un public élitiste, plus cultivé et exigeant.
Ce qui a rendu Pathè et Gaumont célèbres dans l’histoire du cinéma, ce sont avant tout les films de Ferdinand Zecca, Segundo De Chomon, Alice Guy et les films d’animation d’Emil Cohl. D’autres réalisateurs et scénaristes ont inventé des personnages cinématographiques devenus très populaires, tels que Fantômas et les Vampires. Les Films d’art, quant à eux, misaient beaucoup sur leurs acteurs, déjà connus dans toute la France, qu’ils mettaient soigneusement en avant sur les affiches et le matériel publicitaire de leurs films. Les Films d’art ont créé le premier Star System, qui allait conditionner la naissance du cinéma hollywoodien aux États-Unis et qui influence encore aujourd’hui la production cinématographique partout dans le monde.
Le cinéma perdait sa vocation artisanale et artistique des pionniers pour se transformer en un phénomène de divertissement commercial de masse. Une machine à fabriquer des rêves et de l’argent.
Films d’Avant-Garde
Dans les années 1920, un vaste panorama d’expérimentations du cinéma européen naît grâce à des artistes issus d’autres disciplines artistiques telles que le cubisme, le dadaïsme et le surréalisme, qui apportent des contributions importantes au développement de l’histoire du cinéma de l’époque et des décennies suivantes, jusqu’à aujourd’hui : le cinéma d’avant-garde.
L’impressionnisme et de nouvelles formes de recherche cinématographique remplacent le film industriel en France dans les années 1920. La production de films français chute dramatiquement dans les années 1920. Le cinéma est beaucoup plus produit aux États-Unis et en Allemagne.
Les films industriels avaient souvent des coûts très élevés et les échecs financiers étaient fréquents. Les dirigeants de Pathé et Gaumont comprirent qu’il y avait beaucoup moins de risques à distribuer qu’à produire de nouveaux films.
Bien qu’au milieu des années 1920 la France ne produisît qu’une cinquantaine de longs métrages contre 729 aux États-Unis, il y avait un grand ferment culturel dans les rues de Paris et d’autres villes. Plus de ciné-clubs naissaient qu’ailleurs dans le monde. Il y avait la possibilité d’assister à des débats, des revues de films, des magazines d’avant-garde voyaient le jour.
L’avant-garde russe naît après la révolution, dans le contexte de l’Octobre des arts. C’est l’une des avant-gardes les plus radicales. L’Octobre des arts est une saison riche pour de nombreux réalisateurs non conventionnels : cubofuturisme, théâtre expérimental, cinéma. Le mouvement Proletkult, dont fait partie Eisenstein, cherchera la spectaculaire culture liée au prolétariat.
Dans tout ce ferment, les intentions communes étaient de rapprocher l’art de l’homme de la rue et des masses populaires. Le cinéma entre ainsi en contact avec les soldats de la révolution et avec tout le prolétariat. Dziga Vertov vient d’un milieu musical et est influencé par le futurisme italien et le constructivisme.
Andrè Breton était le fondateur du surréalisme. Tous ses collègues s’intéressaient au monde des rêves, à tout ce qui se manifeste dans l’inconscient et en dehors des significations ordinaires du monde, aux associations automatiques d’idées qui se produisent au-delà de la conscience, à ce qui arrive après la perte de toute rationalité ou contrôle de la pensée.
Le réalisateur espagnol Luis Buñuel et le peintre Salvador Dalì ont réalisé ensemble en 1928 Un Chien andalou, un film destiné à marquer le cinéma surréaliste. D’autres films surréalistes sont Le Sang d’un poète de Jean Cocteau (1930), et en partie aussi L’Atalante de Jean Vigo.
En dehors des principales avant-gardes, plusieurs réalisateurs travaillent ailleurs, comme Carl Theodor Dreyer. En Italie, il y a une profonde crise de production et de distribution. Même le cinéma anglais ne connaît pas de mouvements cinématographiques intéressants, bien qu’entre-temps ait commencé sa carrière à un très jeune âge Alfred Hitchcock. C’est surtout en Europe du Nord que l’on trouve les cinéastes les plus importants tels que Dreyer, Sjostrom, Christensen.
Histoire du cinéma au Japon
L’histoire du cinéma japonais commence également avec le kinétoscope de Thomas Edison, qui fut exporté au Japon en 1896. Les opérateurs Lumière réalisent aussi des films au Japon. Le premier film japonais date de 1897. Les fantômes étaient le thème le plus populaire.
Les Benshi se tenaient à côté de l’écran et racontaient les images muettes en mouvement. Les Benshi pouvaient être accompagnés de musique, comme les films mythiques dans les cinémas occidentaux. En 1908, Shōzō Makino, le réalisateur pionnier du cinéma japonais, commença son activité.
Onoe devint la première star du cinéma japonais, apparaissant dans plus de 1 000 films, principalement des courts métrages, entre 1909 et 1926. Le premier studio de production cinématographique japonais fut créé en 1909 à Tokyo.
Les films japonais rencontrèrent un succès au milieu des années 1920, grâce au charme de certaines stars. Des réalisateurs tels que Daisuke Itō et Masahiro Makino ont réalisé des films de samouraïs comme A Diary of Chuji’s Travels et Roningai, avec des scènes de bataille qui eurent du succès. Certaines stars, telles que Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie et Utaemon Ichikawa, furent engagées par Makino Film Productions et formèrent leur propre production indépendante avec des réalisateurs tels que Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami et Sadao Yamanaka.
Une page de folie est l’un des films d’avant-garde japonais les plus significatifs. C’est une œuvre muette du genre horreur de 1926 réalisée par Teinosuke Kinugasa. Pendant plus de 45 ans, le film fut perdu, puis retrouvé par hasard par le même réalisateur en 1971. C’est un film conçu par le mouvement artistique japonais appelé Shinkankakuha, ce qui signifie école des nouvelles perceptions.
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Hollywood : Stars et Genres Cinématographiques
Dans les années 1920, l’industrie dominée par Hollywood se présente comme une usine à rêves proposant la réalisation du rêve américain. Une série de personnages, héros et héroïnes presque toujours séduisants, auxquels le public s’identifie et qui incarnent souvent des modèles à atteindre. Hollywood, usine de l’imaginaire où sont réalisés des films classés en genres facilement codifiables. La recherche artistique s’effectue à Hollywood grâce au mérite de réalisateurs plus audacieux, souvent étrangers.
Hollywood est une industrie du divertissement dans un univers de rêves optimistes, souvent irréalistes. Les films adoptent rarement un point de vue négatif, mais plutôt une vision du monde édulcorée. L’essor du cinéma hollywoodien est favorisé par la crise de la grande guerre. L’économie mondiale est à genoux et les États-Unis se positionnent comme leader mondial dans plusieurs secteurs. Une politique de libéralisme s’instaure, permettant aux produits industriels américains de s’imposer sur les marchés étrangers.
Les genres cinématographiques ont été inventés à Hollywood dans les années 1930 et 1940 pour des besoins marketing et des publics cibles. Les genres de films permettaient aux studios de toucher un public très spécifique intéressé par ce type de film. Pour chaque genre, les producteurs tentent toujours d’associer des Stars que le public associe instinctivement à ce genre. L’association entre un certain genre et un certain visage devient un mécanisme inconscient. La production s’organise autour de quelques genres essentiels et sous-genres : chaque genre comprend un embranchement de nombreux sous-genres, acteurs, réalisateurs et modes de vie du public.
Avec les genres, le Star System. La célébrité est l’un des phénomènes majeurs du cinéma des années 1930 et 1940. Le cinéma industriel s’oppose au cinéma indépendant et s’assure des stars les plus attractives et sensuelles. Alors que dans les productions indépendantes le protagoniste est le réalisateur, dans le cinéma grand public le réalisateur est presque un simple employé et reste dans l’ombre derrière les stars.
Le cinéma américain classique est un système qui contrôle les films de leur conception à leur distribution en salle. Les grands studios possèdent de nombreux cinémas à travers les États-Unis et ont un contrôle total du marché du film.
Entre 1930 et 1945, l’industrie hollywoodienne commence à produire des films classiques. En 1929, l’effondrement de la Bourse de Wall Street submerge les États-Unis et débute la période de la grande dépression. La crise dure jusqu’à la fin des années trente, avec une reprise au début des années 40 grâce à la Seconde Guerre mondiale.
La domination culturelle sur le marché cinématographique américain découle du pouvoir acquis après la Seconde Guerre mondiale. La victoire permettra d’exporter des films américains classiques dans le monde entier et d’augmenter considérablement le public payant. Le président Roosevelt crée des incitations pour favoriser le contrôle de divers secteurs par des monopoles verticaux et des oligopoles.
Néoréalisme italien
Le Néoréalisme fut un mouvement cinématographique originaire d’Italie à la fin des années 1940, après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Ce mouvement représente un tournant important dans l’histoire du cinéma italien et international, car il a tenté de représenter la réalité de la vie quotidienne italienne après la guerre, avec un regard attentif sur la vie des couches les plus pauvres de la société.
Les films néoréalistes se caractérisaient par une approche réaliste de la représentation de la vie quotidienne, avec une grande attention aux détails et à la vraisemblance. Les films étaient souvent tournés en décors naturels, avec des acteurs amateurs, et un scénario cherchant à éviter l’artificialité et le mélodrame.
Parmi les principaux réalisateurs du mouvement néoréaliste italien, on peut citer Vittorio De Sica, Roberto Rossellini et Luchino Visconti. Parmi leurs films les plus célèbres figurent « Le Voleur de bicyclette » de De Sica, « Rome, ville ouverte » de Rossellini et « La Terre tremble » de Visconti.
Le néoréalisme a eu un impact significatif sur la cinématographie mondiale, influençant les cinéastes et mouvements ultérieurs. Il a contribué à faire connaître le cinéma italien à l’international et a représenté une avancée importante dans l’histoire du cinéma, notamment par son attention portée à la vie quotidienne et à la réalité sociale.
Le cinéma des années 50
Dans les années 1950, le cinéma a connu une série de changements significatifs qui l’ont conduit à devenir l’un des moyens de communication les plus importants au monde. Pendant cette période, le cinéma a commencé à devenir une industrie mondiale, avec des films produits dans différents pays exportés partout dans le monde.
En Amérique, les films étaient devenus une activité commerciale de masse et étaient produits en grande quantité pour répondre à la demande croissante d’un public toujours plus large. Parmi les films les plus célèbres de cette décennie figurent Chantons sous la pluie (1952) de Stanley Donen et Gene Kelly, Le Trésor de l’Afrique (1951) de John Huston, Les Hommes préfèrent les blondes (1953) de Howard Hawks et Sabrina (1954) de Billy Wilder.
En Europe, le cinéma était encore influencé par la Seconde Guerre mondiale et la reconstruction d’après-guerre. En France, la Nouvelle Vague émergeait comme un mouvement cinématographique, avec des réalisateurs tels que Jean-Luc Godard et François Truffaut qui changeaient radicalement la manière de faire du cinéma avec une approche plus expérimentale et innovante.
En Italie, le cinéma néoréaliste continua d’avoir un fort impact, avec des réalisateurs tels que Vittorio De Sica qui continuaient à produire des films comme « Umberto D. » (1952) qui racontaient les difficultés de la vie quotidienne dans l’Italie d’après-guerre.
Même en Asie, le cinéma prenait de plus en plus d’importance, avec l’émergence de réalisateurs tels que Akira Kurosawa au Japon, qui créait certains de ses films les plus célèbres comme « Les Sept Samouraïs » (1954) et « Le Trône de sang » (1957).
En général, les années 1950 furent une période de grande innovation et de changement pour le cinéma, les cinéastes explorant de nouvelles techniques et histoires qui captivaient l’imagination des spectateurs du monde entier.
La Nouvelle Vague
La Nouvelle Vague, qui signifie « nouvelle vague » en français, était un mouvement cinématographique français qui émergea à la fin des années 1950 et se développa dans les années 1960. Le mouvement était principalement composé de jeunes cinéastes, dont François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer et Jacques Rivette.
La Nouvelle Vague se caractérisait par une approche innovante de la réalisation, dans laquelle les cinéastes cherchaient à remettre en question les conventions traditionnelles du cinéma français de l’époque. Parmi les caractéristiques distinctives du mouvement figuraient l’utilisation de techniques telles que l’improvisation, le montage discontinu, l’emploi d’acteurs non professionnels, la liberté dans le choix des lieux de tournage et le refus des scénarios préfabriqués.
De plus, la Nouvelle Vague fut influencée par les théories cinématographiques du critique français André Bazin, qui proposait l’idée d’une approche réaliste et de la naturalité dans l’interprétation des acteurs. Les réalisateurs de la Nouvelle Vague tentaient de capturer la réalité et la vie quotidienne dans leurs films.
Parmi les films les plus célèbres de la Nouvelle Vague figurent « Les Quatre Cents Coups » de François Truffaut, « À bout de souffle » de Jean-Luc Godard, « Hiroshima mon amour » d’Alain Resnais.
La Nouvelle Vague eut un impact significatif sur l’histoire du cinéma et influença de nombreux cinéastes et mouvements ultérieurs. Son héritage continue d’être présent dans la cinématographie contemporaine et a contribué à façonner la culture française et internationale.
Le cinéma des années 60
Les années 1960 furent une période de grande innovation et de changement dans le monde du cinéma. Cette décennie vit l’émergence de nouveaux styles de cinéma, de nouvelles technologies et de nouveaux cinéastes qui remettaient en cause les conventions du cinéma classique.
Dans les années 1960, le cinéma européen atteignit son apogée avec le mouvement de la Nouvelle Vague en France. Aux États-Unis, le cinéma des années 1960 vit l’émergence d’une nouvelle génération de cinéastes, appelés les « Movie Brats », parmi lesquels Martin Scorsese, Francis Ford Coppola et Steven Spielberg. Ces réalisateurs introduisirent un nouveau type de cinéma commercial, plus personnel et à fort impact émotionnel. Leurs films abordèrent des thèmes tels que la violence, la corruption et la rébellion de la jeunesse.
Au Japon, le cinéma a connu une transformation radicale avec l’émergence de la Nouvelle Vague japonaise, avec des réalisateurs tels que Akira Kurosawa, Yasujirō Ozu et Nagisa Oshima. Ces cinéastes ont remis en question la forme traditionnelle japonaise de narration cinématographique, créant des œuvres hautement stylisées et expérimentales.
Le cinéma italien a vu l’émergence du genre Spaghetti Western, avec des réalisateurs tels que Sergio Leone et Clint Eastwood qui ont créé un nouveau type de western violent et visuellement attrayant.
De plus, les années 1960 ont été une période de grands changements technologiques dans le monde du cinéma, avec l’introduction de la couleur, du format large et du son stéréophonique. Ces innovations ont permis aux cinéastes d’explorer de nouvelles façons de raconter des histoires et de captiver le public.
Les années 1960 ont été une époque d’importantes innovations et transformations dans le monde cinématographique, avec l’apparition de nouveaux styles de cinéma, de nouvelles technologies et de nouveaux réalisateurs qui ont défié les conventions du cinéma classique.
Nouveau Cinéma Américain
Le Nouveau Cinéma Américain, ou Nouveau Cinéma Américain, fut un mouvement cinématographique qui a émergé dans les années 1960 et 1970 aux États-Unis. Ce mouvement se caractérisait par l’utilisation de techniques innovantes, une plus grande liberté créative et une attitude critique envers la société américaine de l’époque.
Parmi les réalisateurs les plus représentatifs du Nouveau Cinéma Américain figurent Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Arthur Penn et Brian De Palma. Ces réalisateurs ont créé des films qui remettaient en cause les conventions du cinéma traditionnel, utilisant des techniques telles que l’emploi d’objectifs grand angle, la mise au point sélective et une photographie plus réaliste.
Le Nouveau Cinéma Américain s’est également concentré sur les enjeux sociaux et politiques de l’époque, tels que la guerre du Vietnam, la lutte pour les droits civiques et les tensions raciales. Les films du Nouveau Cinéma Américain étaient souvent violents, crus et réalistes, et représentaient un défi face à la moralisation et à la censure qui caractérisaient le cinéma américain de l’époque.
Quelques exemples de films du Nouveau Cinéma Américain incluent ‘Easy Rider’ de Dennis Hopper, ‘Taxi Driver’ de Martin Scorsese, ‘Le Parrain’ de Francis Ford Coppola, ‘MASH’ de Robert Altman et ‘Bonnie and Clyde’ d’Arthur Penn.
Dans l’ensemble, le Nouveau Cinéma Américain a eu un impact significatif sur le cinéma mondial, influençant des générations de cinéastes et ouvrant de nouvelles voies à l’innovation et à l’expression créative au cinéma.
Free Cinema anglais
Le Free Cinema anglais fut un mouvement cinématographique qui a émergé en Grande-Bretagne à la fin des années 1950. Il était composé d’un groupe de réalisateurs, dont Lindsay Anderson, Karel Reisz et Tony Richardson, qui cherchaient à remettre en question les conventions du cinéma britannique de l’époque.
Le mouvement a pris son nom d’une série de projections gratuites de films organisées par les réalisateurs eux-mêmes au National Film Theater de Londres, à partir de février 1956. Ces films, souvent réalisés avec des budgets très limités, se caractérisaient par une forte attention au réalisme social et au documentaire, et cherchaient à dépeindre la vie ordinaire anglaise avec une sensibilité authentique et non stéréotypée.
Les films du Free Cinema se concentraient souvent sur les classes ouvrières, abordant des thèmes tels que la pauvreté, la solitude, la monotonie de la vie quotidienne et l’exclusion sociale. Ils représentaient un contrepoint aux comédies légères et mélodrames qui dominaient alors le cinéma britannique.
Le mouvement Free Cinema a eu une influence majeure sur le cinéma britannique et a inspiré de nombreux cinéastes ultérieurs, tels que Ken Loach et Mike Leigh. Leur héritage se retrouve dans des films comme « Kes » (1969) de Ken Loach, qui traite de la vie d’un jeune garçon issu d’une famille ouvrière, ou « Naked » (1993) de Mike Leigh, qui explore la solitude et le désespoir de la vie urbaine moderne.
En résumé, le Free Cinema anglais fut un mouvement important qui a remis en question les conventions du cinéma britannique de l’époque, offrant une représentation authentique et non stéréotypée de la vie des Anglais ordinaires. Son influence se fait encore sentir dans le cinéma britannique contemporain.
Nouvelle Vague iranienne
La Nouvelle Vague iranienne est un mouvement cinématographique né en Iran à la fin des années 1980 et ayant atteint son apogée dans les années 1990. Ce mouvement a produit une large gamme de films, souvent porteurs de thèmes sociaux et politiques, qui ont acquis une reconnaissance internationale grâce à leur innovation formelle et à la puissance de leur message.
La Nouvelle Vague iranienne a été alimentée par plusieurs facteurs, notamment le déclin de l’industrie cinématographique traditionnelle iranienne, la liberté artistique croissante après la révolution de 1979, ainsi que la disponibilité de nouvelles technologies de production qui ont rendu la réalisation de films plus facile et plus abordable. De plus, de nombreux réalisateurs de la Nouvelle Vague iranienne avaient étudié le cinéma à l’étranger et ont apporté en Iran des idées et des techniques innovantes.
Parmi les réalisateurs les plus connus de la Nouvelle Vague iranienne figurent Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf, Jafar Panahi, Majid Majidi et Asghar Farhadi. Ces cinéastes racontent souvent des histoires simples qui explorent des thèmes complexes tels que la pauvreté, l’oppression des femmes, l’islamisme, ainsi que la lutte pour la liberté et la justice. Leurs films privilégient le réalisme et la sincérité, utilisant fréquemment des acteurs non professionnels et des décors naturels.
La Nouvelle Vague iranienne a obtenu une large reconnaissance internationale, remportant de nombreux prix dans des festivals de cinéma à travers le monde. Cependant, les cinéastes de la Nouvelle Vague iranienne ont souvent dû faire face à la censure du gouvernement iranien, qui cherchait à limiter leur liberté d’expression. Malgré ces défis, la Nouvelle Vague iranienne a laissé une empreinte indélébile sur la cinématographie iranienne et internationale, inspirant des générations de cinéastes à travers le monde.
Le cinéma des années 70
Les années 1970 furent une décennie importante pour le cinéma, marquée par un changement de paradigme qui conduisit à l’émergence de nouveaux styles et genres cinématographiques. Durant ces années, le cinéma devint plus audacieux et expérimental, abandonnant les conventions du passé pour embrasser de nouvelles formes d’expression.
Parmi les films les plus représentatifs des années 70 figurent « Easy Rider » (1969), réalisé par Dennis Hopper, « Le Lauréat » (1967), réalisé par Mike Nichols, et « Taxi Driver » (1976), réalisé par Martin Scorsese. Ces films ont mis en lumière des acteurs talentueux, tels que Robert De Niro et Jack Nicholson, qui allaient devenir des icônes du cinéma des années 1970.
Les années 1970 furent également l’époque où le cinéma de genre atteignit le sommet de sa popularité. Les films d’horreur comme « L’Exorciste » (1973) de William Friedkin et « Halloween » (1978) de John Carpenter captivèrent le public par leur tension et leur gore, tandis que les films de science-fiction tels que « Star Wars » (1977) de George Lucas et « Alien » (1979) de Ridley Scott projetèrent le cinéma vers le futur, avec des scénarios et des technologies futuristes jamais vus auparavant.
De plus, les années 1970 virent la naissance d’un nouveau mouvement de cinéma d’auteur, avec des réalisateurs tels que Francis Ford Coppola, Woody Allen et Federico Fellini apportant une nouvelle sensibilité artistique au cinéma. Des films comme « Le Parrain » (1972) de Coppola, « Annie Hall » (1977) d’Allen, et « Amarcord » (1973) de Fellini eurent un impact significatif sur la culture populaire et inspirèrent de nombreux autres cinéastes.
Enfin, les années 1970 furent marquées par la naissance du cinéma d’exploitation, avec des films centrés sur la violence, le sexe et la cruauté. Ces films furent souvent considérés comme de mauvais goût et attirèrent beaucoup de critiques, mais ils eurent aussi un impact majeur sur la culture populaire et la mode de l’époque.
Les années 1970 furent une décennie charnière dans l’histoire du cinéma, qui vit naître de nouveaux genres et mouvements cinématographiques. Grâce à ces films, le cinéma devint un médium plus audacieux et expérimental, ouvrant la voie à de nouvelles formes d’expression et inspirant des générations de cinéastes et de spectateurs.
Le cinéma des années 80
Les années 80 furent une décennie très importante pour le cinéma, tant par le nombre de films produits que par les tendances qui caractérisèrent l’industrie cinématographique durant cette période. En particulier, les années 80 virent des films au grand succès commercial, tels que les blockbusters de Steven Spielberg et George Lucas, mais aussi des films indépendants qui marquèrent un tournant important dans l’histoire du cinéma.
Parmi les genres les plus populaires des années 80 figurent le film d’action et d’aventure, comme la série « Indiana Jones », « Predator » ou « Terminator », mais aussi les comédies, telles que « S.O.S. Fantômes » et « Le Flic de Beverly Hills ». De plus, les années 80 virent l’essor du genre horreur, avec des films comme « Halloween », « Vendredi 13 » et « Les Griffes de la nuit », mais aussi des films de science-fiction comme « Blade Runner » et « Aliens ».
Le cinéma des années 1980 a également vu l’essor de grands réalisateurs tels que Martin Scorsese, Steven Spielberg, John Hughes et James Cameron qui ont contribué à définir le cinéma de cette période. De plus, de nombreux acteurs ont connu leur percée dans les années 80, tels que Tom Cruise, Eddie Murphy et Michael J. Fox.
Parmi les chefs-d’œuvre des années 80, le film de 1984 « Once Upon a Time in America » réalisé par Sergio Leone et mettant en vedette Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld et Joe Pesci se distingue. Le film est basé sur le roman « The Hoods » de Harry Grey, qui raconte l’histoire d’un groupe de Juifs américains impliqués dans le crime organisé dans le quartier juif de New York dans les années 1920 et 1930.
Le cinéma des années 90
Les années 1990 ont connu de nombreux changements technologiques, tels que l’introduction des premiers ordinateurs pour le montage vidéo, et la naissance du cinéma numérique.
Le cinéma des années 90 a vu naître de nombreuses nouvelles tendances et genres, tels que le film indépendant, le cinéma d’action à gros budget et les films d’animation en images de synthèse. De plus, de nombreux réalisateurs émergents ont fait leur apparition, comme Quentin Tarantino, Kevin Smith et Spike Lee.
Les années 1990 ont également été une période de grande innovation dans la technologie cinématographique, avec l’émergence de nouveaux effets spéciaux et l’introduction de nouveaux formats tels que DTS et Dolby Digital.
Par ailleurs, les années 1990 se sont caractérisées par un fort intérêt pour la culture populaire, et de nombreux films ont reflété cet intérêt, tels que Wayne’s World, Clueless et 56th Street.
Le cinéma des années 2000
Le cinéma des années 2000 s’est caractérisé par une grande variété de films, de genres et de styles. De nombreux réalisateurs en devenir ont commencé à se faire connaître durant cette période. Le cinéma commercial dominait le box-office.
Un des plus grands succès de la décennie fut le genre des super-héros, avec des films comme Spider-Man (2002), Batman Begins (2005) et Iron Man (2008) qui ont tous rencontré un grand succès au box-office. Le cinéma d’animation a également connu un grand succès, avec des films tels que « Shrek » (2001) et « Ratatouille » (2007) qui ont reçu un grand accueil du public.
Le cinéma indépendant a aussi connu un regain d’intérêt durant les années 2000, grâce à la diffusion des technologies de tournage numérique et à la popularité croissante des festivals de cinéma. Des réalisateurs tels que Wes Anderson, Sofia Coppola, Richard Linklater et Noah Baumbach ont reçu une attention particulière pour leurs œuvres indépendantes.
De plus, les années 2000 ont vu le retour en force de certains genres classiques tels que l’horreur et le film de guerre, avec des films comme « The Ring » (2002), « The Others » (2001), « Black Hawk Down » (2001) et « Letters from Iwo Jima » (2006).
Le cinéma des années 2000 a également vu la continuation de certaines sagas cinématographiques commerciales, telles que « Star Wars » et « Le Seigneur des anneaux ». Mais, la décennie a aussi vu la naissance de nouvelles sagas comme « Harry Potter » et « Twilight », qui ont attiré un public adolescent à travers le monde.
Dans l’ensemble, les années 2000 ont été une décennie de grande créativité et d’innovation dans le cinéma indépendant, mais ont aussi consolidé le succès de certaines grandes franchises commerciales chargées de stéréotypes et de clichés.
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