Italienische Horrorfilme zum Anschauen

Italienische unabhängige Horrorfilme explodierten in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in der Welt der italienischen Filmproduktion. Tatsächlich hat das italienische Horrorkino nie einen einheitlichen Verlauf genommen und litt mit einigen Ausnahmen unter den Produktionsgrenzen des Underground- und Alternativkinos, doch es hat dennoch im Laufe der Zeit einen nachhaltigen Einfluss gehabt und in vielen Fällen Interesse und positive Bewertungen von Weltkritikern hervorgerufen, wobei viele unverzichtbare Filme entstanden sind. Mario Bava und Dario Argento gehören zu den meistgeschätzten Regisseuren der italienischen Horror-Kategorie und gelten weltweit als Meister des Horrorkinos.

Die Anfänge des italienischen Horrorkinos

Es gibt Vorläufer italienischer Horrorfilme der 1950er Jahre, wie The Beast of Frankenstein von 1920 und The Haller Case von 1933. Das Horrorkino setzte sich in Italien erst Ende der 1950er Jahre durch, als einige Filmemacher, die sich auf das Genre-Kino spezialisierten, begannen, Filme zu produzieren, in denen eine Neigung zum Übernatürlichen und Düsteren zu erkennen ist – bis dahin weit entfernt vom dominierenden Geschmack der Italiener. Der erste echte italienische Horrorfilm überhaupt war Riccardo Fredas I vampiri aus dem Jahr 1957, mit Science-Fiction-Anklängen und einer Handlung, die sowohl die Ermittlerkategorie als auch den italienischen Realismus betont. Freda inszenierte zwei Jahre später Caltiki, das unsterbliche Monster, beeinflusst vom erfolgreichen Mortal Fluid mit Steve McQueen.

Mario Bava, der bis dahin als professioneller Fotograf in Fredas Filmen tätig war, gab 1960 mit The Mask of the Devil sein Regiedebüt. Der Film basiert auf Vij von Gogol und behandelt das Thema Sexualität auf morbide Weise, ohne dabei auf Verweise auf Voyeurismus und Nekrophilie zu verzichten. The Mask of the Devil gilt als eines der Kunstwerke des italienischen Horrorkinos, zusammen mit einer Wendung des gotischen Barock: Von ihm ließ sich Freda zur Produktion von The horrible secret of dr. Hichcock (1962) und The Specter (1963) inspirieren.

Mario Bava setzte seine Tätigkeit als furchteinflößender Regisseur mit weiteren Filmen aus dem Thriller- und Science-Fiction-Genre fort, wie The Three Faces of Fear (1963), Terror in Space (1965), der Ridley Scott zu Alien beeinflussen sollte, und Chain Reaction (1971), und begründete die gesamte Slasher-Kategorie. Um den unerwarteten Anstieg der Attraktivität italienischer Horrorfilme zu überprüfen, gab es weitere Filme von Renato Polselli (L’amante del vampiro, 1960) und Giorgio Ferroni (The Mill of the Stone Women, 1960) sowie zahlreiche Beispiele von Peplum-Filmen, darunter Hercules in the Center of the Earth (1961) von Bava und Maciste in Hell (1962) von Freda.

Pupi Avati gab sein Regiedebüt mit Balsamus, der Mann des Satans (1968) und Thomas und die Besessenen (1969). Nach diesen 2 Beispielen des paranormalen Kinos kehrte er Jahre später mit Das Haus mit den lachenden Fenstern (1976) zurück, das auf den Folklore der Po-Ebene anspielt.

Italienische Horrorfilme nach den 1960er Jahren

Das italienische Horrorkino der 1970er und 1980er Jahre wurde vom Theater des Grand Guignol und Jugendrebellionen gegen das Establishment und Tabus beeinflusst und gilt als eines der furchterregendsten und wichtigsten der Ära. Mit Profondo Rosso von 1975 schafft Dario Argento den endgültigen Bruch mit der Kategorie des italienischen Giallo und kehrt 2 Jahre später mit Suspiria zurück, einem weiteren Werk, das prädestiniert ist, eine außergewöhnliche Resonanz bei Publikum und Kritik zu erzielen, und in dem er brillante Ergebnisse mit der Fotografie erzielt. Internationaler Erfolg macht Alberto De Martinos Antichrist (1974), beeinflusst von Der Exorzist (1973), zu einem Kultfilm. Er erzählt die Geschichte von Ippolita Oderisi und konzentriert sich auf das starke innere Leiden, das sie zur Opfer des Teufels macht. Ebenso erfolgreich ist der Regisseur Lucio Fulci, der der Ansicht ist, dass Horrorfilme keine sozialpolitischen Botschaften transportieren sollten, sondern vielmehr ein sinnliches und visuelles Erlebnis sein müssen. Nach der Regie von Zombi 2 (1979), das für einen fantastischen Publikumserfolg prädestiniert ist, kehrt Fulci mit … Und du wirst in Angst leben! L’aldilà (1981), einer blutigen Neuinterpretation von Amityville Horror, in das Horrorgenre zurück. Cannibal Holocaust (1980) von Ruggero Deodato eröffnete die reiche Ader des Horrorfilms mit Found-Footage-Technik.

Merkmale italienischer Horrorfilme

Im Gegensatz zu vielen anderen Ländern, in denen die übernatürliche Komponente gewählt wird, steht im italienischen Horrorkino meist der menschliche Aspekt und seine Psychologie am Ursprung des Bösen. Auch das italienische Horrorkino hat im Laufe der Zeit seine eigene Identität entwickelt: Es ist elegant, effektiv in Kulissen und Kostümen, oft inspiriert vom avantgardistischen Kino der 1930er Jahre, mit vielen gewalttätigen Szenen, einem Übermaß an Blut und Licht- sowie Farbspielen, die sorgfältig gestaltet sind. Neben der nicht ständigen Vernachlässigung von Science-Fiction-Elementen tendiert das italienische Horror dazu, weibliche Protagonistinnen zu bevorzugen, die je nach Fall fatalistische Frauen, Henkerinnen oder Opfer sind. Die meisten italienischen Horrorfilme wurden als Trash- oder B-Filme abgestempelt. Dennoch ist es einigen Horrorfilmen italienischer Autoren gelungen, die Aufmerksamkeit ausländischer Regisseure auf sich zu ziehen und sie oft zu beeinflussen.

Die besten italienischen Horrorfilme zum Anschauen

I vampiri (1957)

I Vampiri ist ein italienischer Horrorfilm von 1957, der von Riccardo Freda inszeniert und vom Kameramann des Films, Mario Bava, fertiggestellt wurde. In der Besetzung sind Gianna Maria Canale, Carlo D’Angelo und Dario Michaelis. Der Film handelt von einer Reihe von Morden an Mädchen, die mit Blutentnahmeschläuchen aufgefunden werden. Die Zeitungen sprechen von einem Serienmörder namens Vampir, was den jungen Journalisten Pierre Lantin motiviert, die Verbrechen zu untersuchen.

Bei seiner Veröffentlichung wurde der Film von Anhängern des Horror-Genres als originelles und seltsames Objekt wahrgenommen. Die wirklich gruseligen Szenen beschränken sich auf wenige Sequenzen. Der Film setzte die Anforderungen an ein ästhetisches Design, das zum Rahmen für viele ähnliche italienische Horrorfilme wurde: Spinnweben, knarrende Türen, Verfall und fantastische Beleuchtung. Jeder, der sich für italienisches Horrorkino interessiert, sollte ihn sehen: ein vernachlässigter und unterschätzter Film mit Anklängen an den Neorealismus.

Caltiki, das unsterbliche Monster (1959)

Caltiki, das unsterbliche Monster ist ein 1959 in Schwarzweiß gedrehter Science-Fiction-Horror-Film. Die Handlung erzählt von einer Gruppe von Ausgräbern, die Maya-Ruinen erforschen und auf ein Monster stoßen, das eine formlos amorphe Kugel ist. Sie können es mit Feuer bekämpfen. Ein Komet, der zur Zeit des Zusammenbruchs der Maya nahe an der Erde vorbeigegangen war, soll zurückkehren, was die Möglichkeit einer Verbindung zwischen Komet und Monster erhöht.

Raues Schauspiel und die Beschränkungen eines kleinen Budgets aus dem Bereich der B-Movies behindern den Erfolg des Films. Die Handlung ist so banal, dass sie fast schon komisch wirkt. Viele Jahre später wurde er als fesselnde und interessante Mischung aus Science-Fiction und Horror neu bewertet. Er bleibt ein Beweis für Bavas Können, insbesondere seine unglaubliche Fähigkeit, schockierende Atmosphären und Szenen zu schaffen.

Der Vampir und die Ballerina (1960)

Die Geschichte und das Drehbuch des Films wurden vom Regisseur Renato Polselli sowie den Drehbuchautoren Giuseppe Pellegrini und Ernesto Gastaldi verfasst. Da Dracula, gespielt von Christopher Lee, in Italien sehr erfolgreich war, strebten die Produzenten danach, eigene Vampirfilme zu machen. Der Film wurde Ende 1959 in drei Wochen auf der Burg von Artena gedreht. Renato Polselli erklärte tatsächlich, dass die Skelette in den Szenen der Vampirgruft echte Skelette waren. Die Aufnahme des Vampirgesichts war ein selbstgemachter Spezialeffekt, eine Abformung des Gesichts mit Gips, auf die eine klebrige Gummimaske gelegt wurde. Die Technik bestand darin, eine Schicht Asche zwischen Gummi und Gips zu legen.

Black Sunday (1960)

Im Moldawien des 17. Jahrhunderts wird Prinzessin Asa Vajda, der Hexerei verdächtigt, von der Inquisition verurteilt und stirbt, während sie ihre eigene Familie verflucht, die für ihr Schicksal verantwortlich ist. Im 19. Jahrhundert finden die Ärzte Kruvajan und Gorobec auf dem Weg zu einer medizinischen Konferenz Asas Sarg und wecken sie versehentlich auf. Sie plant systematisch Rache zu nehmen …

Der Film wurde von den italienischen Kritikern zerrissen, während er in Frankreich sofort als ein „bildnerisches“ Kunstwerk geschätzt wurde. Er ist sicherlich einer der besten Filme von Bava mit Sequenzen von großem Charme und Horror. Die englische Version wurde durch mittelmäßiges Synchronisieren ruiniert. Britische Kritiker schätzten ihn relativ aufgrund seiner kostengünstigen Produktion. In den folgenden Jahren wurde der Film neu bewertet und gilt heute als einer der besten Horrorfilme aller Zeiten: ein Fest der Verbotenen, das ein jugendliches Interesse an der übernatürlichen Welt entfacht, gefeiert als Meisterwerk des italienischen Gothic-Horrors. Die wunderschön komponierte Chiaroscuro-Kinematografie, der expressionistische Stil und die Regie verleihen dem Film eine einzigartige Atmosphäre. Kino in seiner reichhaltigsten und grandiosesten Form, überfließend mit klangvollen Bildern.

Augen ohne Gesicht (1960)

Der Arzt Génessier, ein bekannter Schönheitschirurg, der sich auf Transplantationen spezialisiert hat, ist verantwortlich für einen Autounfall, bei dem seine Tochter Christiane, die er liebt, zwar überlebt, aber mit einem schrecklich entstellten Gesicht. Mit Hilfe eines Assistenten lockt er Mädchen in seine Werkstatt, um ihnen die Haut vom Gesicht zu entfernen und sie für die Wunden seiner Tochter zu verwenden. Eine so schwierige Operation, dass Génessier sie nach jedem Scheitern der Transplantate regelmäßig wiederholen muss. Christiane, eine Maske im Gesicht, weiß immer noch absolut nichts …

Die französischen Kritiker erklärten, es sei entweder eine Wiederholung des deutschen Expressionismus oder einfach eine Frustration über den Sprung des Regisseurs vom Dokumentarfilmer zum Genrefilm. Die britische Presse meinte, wenn ein Regisseur wie Georges Franju einen Horrorfilm macht, könne man keine Allegorien oder Leseschichten suchen und finde den Film bedeutungslos. Augen ohne Gesicht wurde im September 1986 erneut im Theater veröffentlicht, um mit Retrospektiven im National Film Theater in London und der Cinémathèque Française zusammenzufallen. Mit der Wiederbelebung des Interesses begann der Film neu bewertet zu werden. Die französische Kritik war deutlich unterstützender als bei der Erstveröffentlichung. Das Publikum entdeckte die poetische Natur des Films, indem es ihn mit dem Werk des französischen Dichters und Regisseurs Jean Cocteau verglich. Franju verwendet ein seltsames Gedicht, in dem Cocteaus Einfluss deutlich erkennbar ist.

Der schreckliche Dr. Hichcock (1962) 

Es ist ein italienischer Horrorfilm von 1962, inszeniert von Riccardo Freda und komponiert von Ernesto Gastaldi. In den Hauptrollen sind Barbara Steele und Robert Flemyng zu sehen. Die Handlung spielt im Jahr 1885 und handelt von Dr. Bernard Hichcock (Robert Flemyng), einem Nekrophilen, dessen schreckliches Geheimnis darin besteht, seine Frau Margaretha (Maria Teresa Vianello) für grausame sexuelle Spiele zu betäuben. Eines Tages überdosiert er sie versehentlich mit einem neuen Medikament, das ihre Herzfrequenz verlangsamt, und glaubt, sie getötet zu haben. Nachdem er sie in einer Gruft begraben hat, verlässt er London. Zwölf Jahre später kehrt er zurück und heiratet in seinem alten Haus erneut. Seine neue Frau Cynthia (Barbara Steele) beginnt zu glauben, Margaretha würde in ihrem Haus herumspuken. Nachdem Cynthia sich mit Dr. Hichcocks alten makabren Spielen konfrontiert sieht, nimmt sie an, dass er versucht, sie zu töten.

Der Film ist kontrovers und wirkt wie eine Hymne an die Nekrophilie. Die Fotografie beinhaltet bemerkenswerte Farbakzente und die Geschichte ist fesselnd, trotz vieler Ideen, die aus verschiedenen Quellen entlehnt sind, von Dreyers Vampyr, Jane Eyre, Rebecca bis hin zu Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Die Regieerfahrung von Riccardo Freda und der Kameramann Raffaelle Masciocchi sind deutlich erkennbar im Einsatz von Farbe, Licht und einer Ästhetik von großer Wirkung. Dass ein Film über die Begeisterung eines Nekrophilen überhaupt 1962 veröffentlicht werden konnte, ist ein Zensurgeheimnis für sich oder vielleicht ein klares Zeugnis für die Methode, mit der Horrorfilme damals auf allen kulturellen Ebenen formal ignoriert wurden.

Der Geist (1963)

Es ist ein italienischer Horrorfilm von 1963 unter der Regie von Riccardo Freda, der das Pseudonym „Robert Hampton“ verwendet. Im Film spielen Barbara Steele und Peter Baldwin mit. Im Jahr 1910 in Schottland organisiert der kranke Dr. Hichcock (Elio Jotta), an seinen Rollstuhl gefesselt, Séancen, bei denen seine Haushälterin Catherine (Harriet Medin) als Medium fungiert. Nach Hichcocks Theorie könnten tödliche Giftinjektionen, gefolgt von einem Gegenmittel, seine Behinderung heilen. Der jüngere Dr. Livingstone (Peter Baldwin) bleibt bei ihm, um diese gefährliche Behandlung regelmäßig durchzuführen. Hichcocks Frau Margaret (Barbara Steele) findet den Umgang mit ihrem Ehemann zunehmend schwierig. Der Geisterfilm ist ein hervorragendes Stück Grand Guignol: ein schmutziger, stimmungsvoller, gruseliger Horrorfilm ohne wirkliche Handlung.

Black Sabbath (1963)

Der Film besteht aus 3 Episoden, von denen jede eine schreckliche Geschichte erzählt. Das Telefon: Rosy verbringt eine besonders arbeitsreiche Nacht, in der sie von einem völlig Fremden am Telefon abgefangen wird, der ihr seinen Tod offenbart … Der Wurdalak: Ein Vampir schafft es, eine Frau zu benutzen, um die slawische Landschaft zu heimsuchen. Der letzte Tropfen: Vielleicht hätte Miss Chester den Ring unter ihren kürzlich verstorbenen Kunden wirklich nicht annehmen sollen …

Das verstörendste Merkmal des Films ist sein Set-Design, besonders die Innenräume, die malerisch fantastisch sind. Drehbuch und Synchronisation sind überdurchschnittliche Methoden. Die Episode „Der Wassertropfen“ ist die beste der 3 Geschichten und wurde als „Bavas gruseligstes Werk“ bezeichnet. „Der Wurdalak“ ist ein „kleines Kunstwerk“, auch dank Karloffs Interpretation, die an Night of the Living Dead erinnert. Es ist eine fantastische Horror-Anthologie, voller Spannung und Angst über die gesamte Dauer.

Die Peitsche und der Körper (1963)

Die Peitsche und der Körper ist ein italienischer gotischer Horrorfilm von 1963 unter der Regie von Mario Bava, der das Pseudonym „John M. Old“ verwendet. Der Film handelt von Kurt Menliff (Christopher Lee), der von seinem Vater wegen seiner Beziehung zu einer Dienerin verstoßen wird und Selbstmord begeht. Später kehrt er zurück, um seinen Titel und seine ehemalige Freundin Nevenka (Daliah Lavi) zurückzugewinnen, die nun die Partnerin seines Bruders ist. Menliff wird später ermordet aufgefunden, doch die Bewohner glauben, dass sein Geist tatsächlich zurückgekehrt ist, um das Schloss aus Rache zu heimsuchen.

Italienische Zensoren verboten den Film aufgrund der sadomasochistischen Szenen in den Kinos. Von einigen Kritikern als langsam, an der Grenze zur Parodie und wenig originell bezeichnet, haben andere dieses Werk als geeignet für ein Publikum empfohlen, das sich für gotische und Geister-Settings begeistert, mit außergewöhnlicher Kinematographie. Manche sagten, es sei Mario Bavas Film auf dem Höhepunkt seiner visuellen Erfahrung, mit bemerkenswerter Fotografie, einem unterhaltsamen Drehbuch und einer bemerkenswerten Besetzung.

Castle of Blood (1965)

Es ist ein übernatürlicher Horrorfilm, inszeniert von Sergio Corbucci und Antonio Margheriti, mit Barbara Steele, Georges Rivière, Margarete Robsahm in den Hauptrollen. Dunkle Geister spuken im Providence Castle, und der Legende nach stirbt jeder, der dort die Nacht verbringt. Für den Journalisten Alan Foster ist das alles Unsinn, und er entscheidet sich, dort bei Sonnenuntergang zu bleiben. Das Unglück beginnt … Ein innovatives Drehbuch und gute schauspielerische Leistungen von Georges Rivière, Videokamera, Musik und langsames Tempo, um die Nervenenden zu zermürben. Der Film bedient sich zwar vieler Klischees, bleibt aber dennoch wirklich gruselig und unheimlich.

Ein stiller Ort auf dem Land (1968)

Ein stiller Ort auf dem Land ist ein italienischer Horrorfilm von 1968, inszeniert von Elio Petri und mit Franco Nero und Vanessa Redgrave in den Hauptrollen. Basierend auf der Kurzgeschichte „The Beckoning Fair One“ von Oliver Onions folgt die Handlung einem Künstler, der mit seiner Partnerin in ein Landhaus zieht, wo er beginnt, übernatürliche und beängstigende Ereignisse zu erleben.

Der bildende Künstler Leonardo Ferri, der dem Druck der Stadt entfliehen will, bereitet seinen Umzug von Mailand auf einen Bauernhof in der italienischen Provinz mit seiner britischen Freundin, einer Galeristin namens Flavia, vor. Sein Immobilienmakler stellt ihm ein großes Haus zur Verfügung, doch Leonardo fühlt sich zu einem großen, heruntergekommenen Mietshaus in der Nähe hingezogen. Eines Nachmittags trifft Leonardo Attilio, seinen Hausmeister, im geheimnisvollen Haus, der ihm erzählt, dass die Eigentümer es vermieten könnten. Leonardo mietet schließlich das Haus und beginnt sofort mit der Restaurierung.

Nackt … Du stirbst (1968)

Ein italienischer Horrorfilm von Antonio Margheriti. Eine Frau wird in einer Badewanne ertränkt und später in einem Kofferraum auf einem Pickup, der zum St. Hilda College fährt, verstaut. Unter den Ausbildern ist Mrs. Clay, eine Naturwissenschaftslehrerin. Es gibt einen jungen Ausbilder, Richard Barrett, einen Tauchlehrer. Im Institut sind nur 7 Mädchen, während die anderen auf einer Reise sind. Am Zielort wird der Kofferraum im Keller abgestellt.

Betty Ann betritt einen Keller, wo sie erwürgt und als vermisst gemeldet wird. Die Suche nach dem Mädchen beginnt. Allen Mädchen wird geraten, den Veranstaltungsort nicht zu verlassen, doch eine, Lucille, hat ein Treffen mit ihrem Trainer Richard, mit dem sie eine Affäre hat. Lucille entscheidet sich, hinauszugehen und geht zu einer Hütte auf einem Hügel, wo sie Betty Anns Leiche findet und flieht. Als sie zurückkommt, trifft sie Richard und informiert ihn über das Geschehene, doch Betty Anns Leiche ist aus der Hütte verschwunden …

Orgasm (1969)

Orgasm ist ein Kriminalfilm von 1969 unter der Regie von Umberto Lenzi mit Carroll Baker, Lou Castel und Colette Descombes in den Hauptrollen. Die Amerikanerin Catherine West kommt hierher nach Italien aus New York, begleitet von vielen Reportern, nachdem ihr Ehemann Robert, ein texanischer Ölmagnat, bei einem Autounfall ums Leben gekommen ist und ihr sein Vermögen von 200 Millionen Dollar hinterlassen hat. Sie zieht sich in eine italienische Villa zurück, die von ihrem strengen Rechtsvertreter Brian Sanders gemietet wurde. Catherine trifft Peter Donovan, einen jungen Amerikaner aus Boston, dessen Fahrzeug in der Nähe liegen geblieben ist. Catherine ist ihm gegenüber zunächst abweisend. Peter schafft es, sie zu verführen, und die beiden beginnen eine leidenschaftliche Beziehung.

Der Vogel mit der Kristallfeder (1970)

Es ist ein Giallo-Film unter der Regie von Dario Argento, seinem Regiedebüt. Der Film gilt als Urvater des italienischen Yellow-Film-Genres. Bei seiner Veröffentlichung war der Film ein bemerkenswerter Erfolg und spielte 1.650.000.000 italienische Lire ein. Auch außerhalb Italiens war er erfolgreich. Sam Dalmas ist ein amerikanischer Schriftsteller, der mit seiner englischen Freundin Julia, die unter einer Schreibblockade leidet und kurz davor ist, nach Amerika zurückzukehren, Urlaub in Rom macht. Er wird Zeuge eines Überfalls auf ein Mädchen in einer Kunstgalerie durch einen seltsamen Mann mit schwarzen Handschuhen und Regenmantel. Beim Versuch, ihn zu erreichen, gerät Sam zwischen zwei automatisch betriebene Glastüren und kann sehen, wie der Mann entkommt. Das Mädchen, Monica Ranieri, wurde angegriffen, und die Behörden beschlagnahmten Sams Pass, um seine Ausreise zu verhindern. Der Täter wird für einen Serienmörder gehalten, der Frauen in der ganzen Stadt ermordet, und Sam ist ein wichtiger Zeuge.

Beil für die Brautnacht, 1970

Beil für die Brautnacht ist ein italienischer Horror-Thriller aus dem Jahr 1970 unter der Regie von Mario Bava mit Stephen Forsyth, Dagmar Lassander, Laura Betti und Femi Benussi in den Hauptrollen. Die Geschichte folgt John Harrington, einem wahnsinnigen Mörder mit der Axt, der junge Bräute aufgrund eines Kindheitstraumas tötet. Die Produktion des Films wurde durch Spannungen zwischen Cast und Team, Probleme am Drehort und sichtbare Störungen während der Dreharbeiten aufgrund von Budgetüberschreitungen beeinträchtigt. Er wurde erst ein Jahr nach Abschluss präsentiert und von Kritikern und Publikum ignoriert, blieb aber trotz der späteren Anerkennung von Bavas Werk bei vielen Fans ein seltsamer und wenig bekannter Film und entwickelte sich zu einem Kultfilm.

John Harrington ist ein attraktiver 30-jähriger Mann, der sich aufgrund eines jugendlichen Traumas dazu gedrängt fühlt, junge Bräute zu töten. John lebt in einer großen Villa vor den Toren von Paris, wo er zusammen mit seiner Mutter eine Brautmodenfabrik betreibt, finanziell unterstützt von seiner Frau Mildred. Er und Mildred kommen jedoch nicht miteinander aus, doch sie weigert sich, an eine Scheidung zu denken. Immer wenn er hört, dass eine der Models in der Brautmodenfabrik kurz davorsteht zu heiraten, tötet er sie mit einem Fleischbeil, während sie ihr Hochzeitskleid anprobiert, verbrennt die Leiche und verwendet die Asche als Dünger. Jeder Mord gibt ihm eine klarere Sicht auf seine traumatische Erinnerung. Inspektor Russell ist begierig darauf, John zu den sechs vermissten Models zu befragen und verdächtigt ihn, doch mangels Beweisen kann er ihn nicht verhaften.

Schnelle Nacht der Glaspuppen (1971)

Schnelle Nacht der Glaspuppen ist ein italienischer Kriminalfilm aus dem Jahr 1971. Es ist der Regie-Debütfilm von Aldo Lado und mit Ingrid Thulin, Jean Sorel und Barbara Bach in den Hauptrollen. Die Überreste des Journalisten Gregory Moore (Jean Sorel) werden auf einem Platz in Prag gefunden und in die Leichenhalle gebracht. Moore lebt noch, gefangen in seinem Körper, und erinnert sich voller Angst daran, wie das Verschwinden seiner schönen Freundin (Barbara Bach) zu einer erschreckenden Verschwörung führte.

Es beginnt, in seinen Geist einzudringen. Er entdeckt einen Club, in dem okkulte Rituale stattfinden. Im Club findet er auch den Ort, an dem der leblosen Körper seiner Frau Mira verschwunden ist. Als Moore den Club verlässt, ohne sie zu finden, betrachtet der Clubbesitzer Miras mit Blumen bedeckten Körper und glaubt, wie schön sie trotz ihres Todes noch ist. Schließlich wird die ganze Realität für Moore klarer und ein atemberaubendes Ende folgt.

Blutige Bucht (1971)

Blutige Bucht ist ein italienischer Horrorfilm aus dem Jahr 1971 unter der Regie von Mario Bava. Bava schrieb das Drehbuch zusammen mit Giuseppe Zaccariello, Filippo Ottoni und Sergio Canevari. Der Film mit Claudine Auger, Luigi Pistilli, Brigitte Skay, Nicoletta Elmi und Laura Betti in den Hauptrollen. Carlo Rambaldi produzierte die grausamen Spezialeffekte. Die Geschichte erzählt eine Reihe von rituellen Morden, die sich um eine Bucht ereignen. Es ist ein Film, der die Slasher-Filme beeinflusste, die Jahre später folgen sollten, und gilt als einer der größten Horrorfilme aller Zeiten.

In der Nacht auf ihrem Anwesen an der Bucht wird die Gräfin Federica Donati im Rollstuhl von ihrem Partner Filippo Donati angegriffen und zu Tode gewürgt. Wenige Minuten später wird Filippo selbst von einem Angreifer erstochen, und seine Überreste werden in die Bucht gezogen. Nach der Untersuchung des Tatorts finden die Polizisten, was sie für einen Abschiedsbrief der Gräfin halten, doch der Mord an Filippo wird nicht aufgeklärt. Der Immobilienvertreter Frank Ventura und seine Verlobte Laura planen, die Kontrolle über die Bucht zu übernehmen. Nachdem die Gräfin sich geweigert hat, sie in ihrem Haus zu beherbergen, schmiedet das Paar zusammen mit Filippo eine Strategie, um seine Frau zu beseitigen. Um ihren Plan zu vollenden, braucht Ventura Filippos Unterschrift unter eine Reihe von Verträgen. Sie ahnen jedoch nicht, dass Filippo selbst bereits getötet wurde.

Folter nicht eine Ente (1972)

Ein italienischer Horror-Kriminalfilm von 1972 unter der Regie von Lucio Fulci mit Florinda Bolkan, Tomas Milian und Barbara Bouchet in den Hauptrollen. Die Handlung folgt einem Privatdetektiv, der eine Reihe von Kindermorden in einer Inselstadt im Süden Italiens untersucht. Der Soundtrack des Films wurde von Riz Ortolani komponiert, mit der Stimme von Ornella Vanoni. Im Herbst 1972 in Italien veröffentlicht, ist Folter nicht eine Ente bedeutend in Fulcis Filmografie, da es zu den allerersten Filmen gehört, in denen er begann, gewalttätige Bluteffekte einzusetzen. Die „Donald Duck“ im Filmtitel bezieht sich auf eine Donald-Duck-Puppe, deren Kopf abgeschnitten wurde und die einen Hinweis auf die Morde liefert.

In der Gemeinde Accendura im Süden Italiens gibt es drei Jungen: Bruno, Michele und Tonino. Giuseppe Barra, ein Einfaltspinsel, spioniert zwei Mitbürger aus, die mit einer Prostituierten unterwegs sind, die aggressiv werden, als die drei Kinder, die sie beobachten, anfangen, sie zu verspotten. Auf den Hügeln rund um die Stadt führt La Magiara, eine einsame Hexe, schwarze Magie aus, indem sie zunächst die Überreste eines Kindes ausgräbt und dann Nadeln zwischen die Köpfe von drei Tonpuppen steckt. Das Ritual steht in Verbindung mit den drei Kindern, die Joseph verspotten.

Alle Farben der Dunkelheit (1972)

Schockiert durch den Mord an ihrer Mutter, den sie als Kind miterlebte, sowie durch eine Fehlgeburt, steht Jane am Rande des Wahnsinns. Unterstützt von einem Psychiater und ihrer neuen Nachbarin versucht sie, sich vollständig von ihren Sorgen zu befreien, doch ihr Leidensweg hat gerade erst begonnen. Misshandelt und von einem seltsamen Mann mit durchdringendem Blick bedroht, gerät sie in eine Spirale der Angst, in der nichts so ist, wie es scheint.

Wer hat sie sterben sehen? (1972)

Ein italienischer Horror-Kriminalfilm unter der Regie von Aldo Lado und Vittorio De Sisti mit Anita Strindberg und George Lazenby in den Hauptrollen. In einem französischen Skiort entfernt sich ein kleines Mädchen von seiner Betreuerin und wird von einem Mörder mit schwarzem Schleier getötet, der ihren Körper im Schnee vergräbt. Jahre später wird ein weiteres Mädchen, Roberta Serpieri, in Venedig ertrunken aufgefunden, nachdem sie vom exakt gleichen Mörder entführt wurde. Ihre getrennt lebenden Eltern versuchen herauszufinden, was wirklich mit ihrer kleinen Tochter geschehen ist.

Der Film wurde stilistisch mit Nicolas Roegs folgendem Film Don’t Look Now verglichen, der ebenfalls in Venedig spielt. Lado vermied die typischen Gore- und Erotik-Szenen eines Detektivfilms und konzentrierte sich stattdessen auf die Handlung. Die Handlung ist unnötig kompliziert, doch die Qualität wird durch das Setting und die Kameraführung ausgeglichen.

Spasmo (1974)

Spasmo ist ein italienischer Kriminalfilm aus dem Jahr 1974 unter der Regie von Umberto Lenzi mit Robert Hoffmann und Suzy Kendall in den Hauptrollen. Christian und seine bessere Hälfte gehen an einen Strand, um Liebe zu machen, wo sie eine erhängte Frau entdecken: in Wirklichkeit ist es eine verstümmelte Schaufensterpuppe. Sie finden den Körper einer anderen Frau: sie ist nicht tot, ihr Name ist Barbara, und ohne zu sagen, wie sie dorthin gekommen ist, verschwindet sie schnell wieder. Christian kann Barbara nicht aus seinem Kopf bekommen: er entdeckt sie auf einem Boot, das in einem Hafen liegt. Er und seine Freundin gehen zu einer Party an Bord des Bootes, wo sie Barbara und ihren Liebhaber Alex treffen.

Der letzte Zug der Nacht (1975)

Es ist ein italienischer Horror-Thriller aus dem Jahr 1975 unter der Regie von Aldo Lado. Lisa, eine junge Italienerin, die in Deutschland studiert, kehrt während der Weihnachtsferien in ihre Heimatstadt zurück, um ihre Familie zu sehen. Sie wird von ihrer Freundin Margaret begleitet. Während ihrer Zugfahrt treffen sie auf zwei ziemlich seltsame Betrüger. Nach einem technischen Unfall müssen die Mädchen den Zug wechseln und finden sich allein in einem Abteil wieder, bis die beiden Männer, die sie zuvor getroffen hatten, begleitet von einer mysteriösen Dame, aus dem Zug aussteigen. Zwischen Missbrauch und Vergewaltigung erleben sie die schlimmste Nacht ihres Lebens …

Das Haus mit den lachenden Fenstern (1976)

ist ein italienischer Horrorfilm aus dem Jahr 1976, geschrieben und inszeniert von Pupi Avati. Der Film wurde am Lido degli Scacchi in der Provinz Ferrara gedreht. Stefano (Lino Capolicchio) lebt in einem Dorf in den Comacchio-Tälern, wo er gerufen wurde, um ein Fresko zu restaurieren, das das Martyrium des heiligen Sebastian zeigt, das an einer zerstörten Kirchenwand von einem seltsamen verschwundenen Künstler namens Legnani gemalt wurde.

Während er für kurze Zeit im Haus lebt, das den zwei Brüdern des verschwundenen Malers gehörte, beginnt Stefano eine Liebesaffäre mit Francesca (Francesca Marciano) und entdeckt, dass der Maler tatsächlich ein Wahnsinniger war. Insbesondere entdeckt Stefano, dass der Künstler, unterstützt von seinen zwei ebenso verrückten Brüdern, ein Mörder war. Einige Dorfbewohner werden getötet, darunter seine Verlobte, und Stefano glaubt, dass der Mörder versucht, ihn daran zu hindern, die Wahrheit über den Künstler des Gemäldes aufzudecken.

Shock (1977)

Es ist ein Horrorfilm aus dem Jahr 1987 unter der Regie von Mario Bava. Dora, die den Selbstmord ihres Mannes erlebt hat, wird in einer psychiatrischen Klinik hospitalisiert. Als sie schließlich ihre geistige Klarheit wiedererlangt, kehrt sie zurück, um in ihrem alten Haus zu leben, zusammen mit Bruno, ihrem neuen Liebhaber, und ihrem Sohn Marco, geboren aus ihrer ersten Ehe. Dora kümmert sich allein um Marcos Erziehung, da Bruno wegen seiner Arbeit ständig abwesend ist. Letzterer verhält sich seltsam, und Dora glaubt, er habe telekinetische Kräfte. Der kleine Junge scheint wirklich von der Ziegelmauer des Kellers angezogen zu sein … Der Film wurde bei seiner Veröffentlichung von Kritikern weitgehend verrissen und als einer von vielen Horrorfilmen voller Klischees und bereits gesehener blutiger Szenen bewertet. Die meisten Kritiker sahen in diesem Film den Beginn des Niedergangs des Meisters des italienischen Horrorkinos, dennoch war er vielen amerikanischen Horrorfilmen überlegen.

Suspiria (1977)

Suzy, ein junges amerikanisches Mädchen, kommt nach Freiburg, um Unterricht an einer renommierten Tanzakademie zu nehmen. Die grundlegende Umgebung der Schule überrascht das Mädchen, es ist eine beunruhigende und seltsame Atmosphäre. Schreckliche Missgeschicke ereignen sich: Ein junger Lehrling wird getötet, ein blinder Pianist wird sein Haustier die Kehle durchgeschnitten … Suzy ist auch oft krank. Suzy entdeckt, dass die Schule einst das Zuhause einer schrecklichen Hexe war, die den Spitznamen Mutter der Flüsterer trug. Was, wenn die Schule immer noch unter ihrer Kontrolle steht?

Voller Spannung, aber oft durch gekünstelte und unzureichende Gespräche auf Englisch getrübt, ist Suspiria vor allem Blut mit wenig Handlung oder Intrige. Suspiria wurde als minderwertig im Vergleich zum Start von Silver The Bird with the Crystal Feathers (1970) angesehen. Einige bezeichneten es als schwache Kopie von The Exorcist. Argento arbeitet intensiv mit harten Schnitten, farbigen Lichtern und seltsamen Kamerawinkeln und schafft einen Film, der ein Fest für die Augen ist. In den Jahren nach seiner Veröffentlichung wurde Suspiria von Kritikern als Kultfilm erwähnt, ein extremes Horrorprototyp, das von Historikern und Filmkritikern für seine Farbgestaltung und komplexe Szenografie gelobt wird: Jeder Bildausschnitt ist mit kreativer und überraschender Farbaufmerksamkeit komponiert und gilt als einer der gruseligsten Filme aller Zeiten.

Zombies 2 (1979)

Ein Schiff legt im Hafen von New York an, ohne eine Person an Bord, aber ein Zombie greift zwei Küstenwächter an. Die Tochter des Schiffseigners, Anne Bowles, warnt die Polizisten am Tatort, um Details über ihren Vater zu erfahren, der auf den Westindischen Inseln geblieben ist. Mit Hilfe des Reporters Peter West entscheiden sie sich, vor Ort zu ermitteln. Sie reisen zur Matu-Insel mit Brian Hull und Susan Barrett. Dort treffen sie Dr. David Menard, der versucht, ein Heilmittel für eine Krankheit zu entwickeln, die die Toten wieder zum Leben erweckt, indem sie in kannibalistische Zombies verwandelt werden.

Zombi 2 erzielte mehr Erfolg als sein Vorgänger: Fulci begann mit der Regie von Zombi 3, bevor die Krankheit ihn zwang, die Regie an Bruno Mattei und Claudio Fragasso zu übergeben, letzterer führte auch Regie bei Zombi 4. Der Film erreicht nicht die Dichte des ersten von Romero, hält sich aber gut über die Zeit. Er gilt als einer der führenden Zombie-Filme wegen seines expressiven Einsatzes spezifischer Einstellungen, um Aktion oder Angst hervorzuheben, und blendet mit seiner schockierenden Gewalt. Ein Kult-Horrorfilm der 1980er, Zombies 2 ist ein Zombie-Film, der für einige blutige und absolut erschreckende Szenen berühmt ist.

Inferno (1980)

Inferno ist ein italienischer Horrorfilm des übernatürlichen Genres von 1980, geschrieben und inszeniert von Dario Argento und mit Irene Miracle, Leigh McCloskey, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi und Alida Valli in den Hauptrollen. Die Handlung folgt der Untersuchung eines Mädchens über das Verschwinden ihrer Schwester, die in einer Wohnung in New York City lebte, die zugleich als Heim für eine jahrhundertealte Hexe diente. Als thematische Fortsetzung von Suspiria (1977) ist der Film der zweite Teil der Drei-Mütter-Trilogie von Argento, obwohl er als erster der Trilogie das Konzept der Drei Mütter explizit macht. Alle drei Filme basieren teilweise auf Thomas de Quinceys Werk Suspiria de Profundis von 1845, einer Sammlung von Prosagedichten, in denen er das Prinzip von drei „Damen der Trauer“ (Mater Lachrymarum, Mater Suspiriorum und Mater Tenebrarum) vorschlägt, in Verbindung mit den drei Schicksalsgöttinnen und Grazien der griechischen Folklore.

Rose Elliot, eine Dichterin, die allein an der Upper West Side in New York lebt, kauft bei einem Antiquitätenhändler ein Buch mit dem Titel Die Drei Mütter. Das Buch, geschrieben von einem Alchemisten namens Varelli, erzählt von drei bösen Schwestern, die die Welt mit Schmerz, Tränen und Dunkelheit beherrschen und in mehreren Häusern wohnen, die tatsächlich von dem Alchemisten für sie gebaut wurden. Mater Suspiriorum, die Mutter der Seufzer, residiert in Freiburg. Mater Lachrymarum, die Mutter der Tränen, lebt in Rom, und Mater Tenebrarum, die Mutter der Dunkelheit, wohnt in New York. Rose glaubt, dass sie sich im Anwesen der Mater Tenebrarum befindet, und schreibt ihrem Bruder Mark, einem Musiklehrling in Rom, und drängt ihn, sie zu besuchen. Mit den im Buch angebotenen Ideen erkundet Rose den Keller des Palastes und findet ein Loch im Boden, das zu einem mit Wasser gefüllten Ballsaal führt.

Cannibal Holocaust (1980)

Eine Gruppe von Journalisten, bestehend aus drei Männern und einer Frau, unternimmt eine Reise in den Amazonas-Dschungel auf der Suche nach echten Kannibalen. Schnell sendet die Gruppe keine Lebenszeichen mehr. Die US-Bundesregierung entscheidet daraufhin, eine Rettungsgruppe zum Ort des Geschehens zu schicken. Diese entdeckt dank eines Amazonas-Volkes die Videobänder der ersten Expedition, die die schreckliche Ursache ihres Verschwindens offenbaren …

Das Haus am Friedhof (1981)

Eine Frau bleibt in einem verlassenen Haus auf der Suche nach ihrem Partner zurück. Nachdem sie dessen Körper mit einer Schere erstochen gefunden hat, wird sie mit einem Messer am Kopf erstochen und ihr Körper von einem unbekannten Angreifer durch eine Kellertür gezogen.

In New York City ziehen Bob Boyle und seine Eltern, Norman und Lucy Boyle, in dasselbe Haus ein. Normans ehemaliger Kollege Dr. Peterson, der seine Freundin tötete, bevor er Selbstmord beging, war der vorherige Besitzer. Die Boyles bleiben dort, während Norman Nachforschungen anstellt. Bob betrachtet ein Foto eines Hauses und sieht darin eine Frau. In New Whitby, Boston, wartet Bob im Auto, während seine Mutter und sein Vater die Geheimnisse des Hauses sammeln. Die Frau auf dem Foto erscheint auf der anderen Straßenseite. Die Frau, Mae Freudstein, die nur Bob sehen kann, warnt ihn, sich fernzuhalten.

Der Film hat zweifellos eindrucksvolle Szenen: Bobs Flucht aus dem Keller; menschliche Partikel aus Freudsteins Labor; ein Angriff einer unerbittlichen Fledermaus; Freudsteins veränderte Blick. In Italien als „Italian Shining“ und „eine Verdichtung von Täuschungen, Klischees und furchterregenden Konventionen, schrecklich kopiert“ abgeurteilt. Die melancholische Fotografie und die winterlichen Schauplätze sind faszinierend.

The Beyond (1981)

Es ist ein italienischer Horrorfilm von 1981 unter der Regie von Lucio Fulci, basierend auf einer frühen Geschichte von Dardano Sacchetti, mit Catriona MacColl und David Warbeck in den Hauptrollen. Die Handlung folgt einer Frau, die ein Hotel im ländlichen Louisiana erwirbt, das Schauplatz eines schrecklichen Mordes war und ein Tor zur Hölle sein könnte. 1927 beschäftigt sich ein Künstler und Zauberer namens Schweick mit einem höllischen Gemälde im Zimmer 36 des Seven Doors Hotels in New Orleans, Louisiana. Es bewacht die 7 Tore der Hölle, deren Öffnung die Zerstörung der Welt und den Tod der Menschheit zur Folge hätte. Er wird in den Keller des Hotels gezerrt und wegen Ausübung schwarzer Magie getötet. Währenddessen prophezeit eine weißäugige Frau die Öffnung der 7 Tore der Hölle.

Es ist der zweite Film in Fulcis „Die Tore der Hölle“-Trilogie. Zeitgenössische Kritiker lobten den Film für seine modernistischen Qualitäten, einzigartige Errungenschaften, musikalische Gestaltung und Kameraführung, weisen jedoch auf narrative Unstimmigkeiten hin. Von den meisten Kritikern gehasst, zählt The Beyond zu Fulcis beliebtesten Filmen und hat sich im Laufe der Jahre zu einem weltweiten Kultfilm entwickelt. Der Film ist ein Blutfest, gewürzt mit unglaublich expressiven Akzenten, das mit verschiedenen Sichtweisen besser wird – er ist im Gedächtnis weitaus wirkungsvoller als als normales Seherlebnis.

Tenebre (1982)

Tenebrae ist ein italienischer Horror-Thriller-Film von 1982, geschrieben und inszeniert von Dario Argento. Der Film zeigt Anthony Franciosa als den amerikanischen Autor Peter Neal, der während einer Buchvorstellung in Rom für sein neues Werk über Geheimnisse und Morde mit den Morden eines Serienkillers in Verbindung gebracht wird, der möglicherweise durch sein Buch zum Töten inspiriert wurde. Der Film erzählt eine Geschichte von Dualismus und sexueller Abartigkeit und ist zudem ein esoterischer Film. Tenebrae markierte die Rückkehr des Regisseurs zum Horror-Thriller-Subgenre, das er in den 1970er Jahren mitgeprägt hatte. Argento wurde während der Dreharbeiten von einer Reihe seltsamer Ereignisse heimgesucht: Ein Fan rief den Regisseur an, um ihm die schädlichen psychologischen Folgen seines vorherigen Films vorzuwerfen. Das Telefonat gipfelte in Morddrohungen gegen Silver, die auch die Erfahrung in Tenebrae einschlossen. Der Regisseur wollte zudem von den Morden berichten, die er während seines Aufenthalts in Los Angeles im Jahr 1980 entdeckte.

The New York Ripper (1982)

Eine verfallene menschliche Hand wird in New York City entdeckt. Die Behörden erkennen sie als die von Anne Lynne, einem Model. Leutnant Fred Williams (Jack Hedley), der Polizeiermittler, der den Mord untersucht, befragt die neugierige Vermieterin des Mädchens, Mrs. Weissburger (Babette New). Er informiert ihn, dass er während seines täglichen Ausspähens seiner Mieter kürzlich die Frau am Telefon gehört hat, wie sie sich darauf vorbereitete, einen Mann zu treffen, der mit einer seltsamen Entenstimme sprach.

Die Gemeinheit und Coolness des Films sind seine Hauptanziehungskraft, auch wenn er definitiv nicht jedermanns Geschmack trifft. Fulci inszeniert schmierige Sexszenen mit zutiefst frauenfeindlichen und expliziten Morden, füllt die Handlungsstränge mit Wendungen, einer amoralischen Ethnographie des modernen Stadtlebens, Sex zum Verkauf und unnötiger Gewalt. The New York Ripper ist ein furchterregender Film par excellence, der noch weiter geht und den Zuschauer mitschuldig macht. Gedreht an verstörenden Orten in einem Big Apple, der nicht mehr existiert, ist Fulcis Film vielleicht das höchste Urteil über urbanen Verfall und Isolationismus, verschärft durch das zeitgenössische Stadtleben.

Demons (1985)

Eine Filmsitzung wird organisiert, um einen Horrorfilm zu bewerben. Zwei Freunde erhalten Eintrittskarten und gehen nachts zur Vorführung. Im Kinosaal werden mehrere Gegenstände gezeigt, die im Film vorkommen, darunter eine Teufelsmaske. Unter den Zuschauern benutzt jemand die Maske im Gesicht und verletzt sich an der Wange. Während der Vorführung werden die Ereignisse, die im Film passieren, in der Realität nachgeahmt. Die an der Wange verletzte Frau ist von einer schrecklichen satanischen Kraft besessen und beginnt, die anderen Zuschauer anzugreifen, die sich wiederum in wilde Bestien verwandeln. Panik herrscht im Kino, alle Ausgänge sind unerklärlicherweise blockiert. Die kleine Gruppe Überlebender versucht, sich gegen die satanischen Kräfte zu organisieren …

Opera (1987)

Nach dem Verschwinden der Hauptsängerin nimmt die junge Sängerin Betty die Rolle der Lady Macbeth in Verdis Oper an, trotz des Unglücks, das man sagt, die Figur, die sie spielt, bringe. Sie wird zum Opfer eines verrückten Fans, mit dem sie eine mysteriöse Verbindung zu haben scheint. Opera bietet viel vom Stil des Regisseurs Dario Argento, der hier seine Höhepunkte auf dekadente und blutige Weise spielt, vielleicht Argentos letzter bemerkenswerter Film, ein guter Film, der es verdient, gesehen zu werden wegen seiner Reihe überdurchschnittlicher Morde.

The Church (1989)

Es ist ein italienischer Horrorfilm von 1989 von Michele Soavi. Im Mittelalter retteten die Deutschritter eine ganze Stadt, die der Häresie und Hexerei verdächtigt wurde. Um den Ort zu säubern, wurde über den Überresten dieser Dorfbewohner, die als Anhänger Satans galten, eine Kathedrale errichtet. Dieser Bau sollte die Mächte des Bösen für alle Ewigkeit begraben. Jahrhunderte später, während der Wiederherstellung der Struktur, findet ein Mädchen namens Lisa ein Pergament, das in der Kellerwand der Kirche versteckt ist, und kontaktiert einen jungen Experten, Evan, um es zu analysieren. Letzterer versucht, es zu analysieren, erweckt dabei jedoch, ohne es zu verstehen, Dämonen. Als die Kirche eine Besuchergruppe durch ein von Evan versehentlich eingerichtetes System blockiert, steigen die Teufel aus dem Gemeinschaftsgrab empor, um die Kontrolle über ihre Körper zu übernehmen und sie zu Gräueltaten untereinander zu treiben.

Two Evil Eyes (1990)

Es ist ein italienischer Horrorfilm in 2 Episoden, der 1990 gemeinsam von George Romero und Dario Argento inszeniert wurde, eine Adaption von 2 bekannten Kurzgeschichten von Edgar Allan Poe. „The Weird Case of Mr. Valdemar“, unter Argentos Regie, erzählt die Geschichte eines vermissten Mannes, der von 2 Bösewichten hypnotisiert wird. Romeros „The Black Feline“ handelt von einer Katze, die Wahnsinn in das Leben eines professionellen Fotografen bringt, der sich auf Kriminalfotografie spezialisiert hat. Ein ungewöhnlicher Film für eine Poe-Adaption, da er keine der typischen Merkmale von Romero und Argento aufweist.

Suspiria (2018)

Mehr als vierzig Jahre nach seiner Veröffentlichung erhielt Dario Argentos gruseliger Klassiker ein Remake, inszeniert von Luca Guadagnino. Der Film spielt in einer Tanzschule, in der Mädchen ermordet werden. Suspiria besetzt Dakota Johnson in der Hauptrolle, umgeben von Chloë Grace Moretz, Mia Goth sowie Tilda Swinton und Sylvie Testud als strenge Lehrerinnen und vielleicht mehr. Einer der am meisten erwarteten Horrorfilme des Jahres 2018 verwandelt Dario Argentos Original in etwas völlig anderes, mit einer rigorosen Regiesprache, die ihn weit mehr als nur einen übernatürlichen Horrorfilm macht: ein außergewöhnliches Arthouse-Filme.

Jenseits von Giallo: Die verborgene Renaissance des unabhängigen italienischen Horrors

Für viele bedeutet das Erwähnen des italienischen Horrorfilms das Entfesseln einer fiebrigen Halluzination von schwarzen Lederhandschuhen, Rasierklingen, die unter Neonlichtern glänzen, und Strömen unnatürlich karminroten Blutes. Es ist ein Erbe, das in Technicolor von Meistern wie Mario Bava, Dario Argento und Lucio Fulci geformt wurde, ein goldenes Zeitalter, das nicht nur ein nationales Genre, sondern die Ästhetik des Horrors weltweit definierte. Diese glorreiche Vergangenheit ist jedoch sowohl ein Segen als auch ein Fluch. Für die italienischen Regisseure, die sich heute ins Dunkel wagen, ist das Gewicht dieses Kanons ein schwerfälliger Geist, ein so mächtiger Einfluss, dass er jede Originalitätsbestrebung zu ersticken droht.

Doch gerade in diesem monumentalen Schatten regt sich etwas. Weit entfernt vom Rampenlicht großer Produktionen und der Marktlogik, die sichere Formeln verfolgt, ist eine verborgene Renaissance entstanden. Dies ist keine geschlossene Bewegung oder eine „Neue Welle“, sondern eine fragmentierte Konstellation hartnäckiger Stimmen, eine Galaxie von Low-Budget-Produktionen, Autorenwerken und kühnen Experimenten. Dies ist das Territorium des unabhängigen italienischen Horrorkinos, ein Ökosystem, das aus Notwendigkeit geschmiedet wurde, in dem die Knappheit der Mittel zum Katalysator für Einfallsreichtum wird und das Fehlen kommerzieller Zwänge eine sonst undenkbare expressive Freiheit ermöglicht.

Um den aktuellen Zustand des zeitgenössischen italienischen Horrorkinos zu verstehen, muss man die Nostalgie ablegen und anderswo hinschauen. Der Blick muss sich von Argentos barocker Architektur zu den stillen Wäldern Kalabriens wenden, von den Gassen Roms zu klaustrophobischen Räumen, in denen die wahre Bedrohung nicht ein maskierter Mörder, sondern der Zusammenbruch der Psyche ist. Aufstrebende italienische Horrorregisseure zollen den Meistern nicht nur Tribut; sie führen einen ständigen, oft widersprüchlichen Dialog mit ihrem Erbe. Einige versuchen, dessen Form zu replizieren, andere, sie zu dekonstruieren, und wieder andere, ihm vollständig zu entkommen, indem sie neue Ängste in den Sorgen unserer Zeit finden: soziale Isolation, kulturelle Identitätskrise, Misstrauen gegenüber Institutionen und die Angst vor einer unenträtselbaren Zukunft.

Dieser Leitfaden ist eine Reise in dieses vitale und pulsierende Unterholz. Er ist eine Karte zur Navigation durch das underground italienische Horror, eine Einladung, dreißig Werke zu entdecken, die auf ihre Weise beweisen, dass das schwarze Herz des italienischen Kinos niemals aufgehört hat zu schlagen. Es schlägt vielleicht leiser, aber mit einem wilden Willen und einer Dunkelheit, die ganz eigen ist.

Echos von Blut und Geheimnis – Die Neuerfindung des Giallo

Giallo ist nicht einfach ein Subgenre; es ist das Archetyp des italienischen Horrors, eine kodifizierte und sofort erkennbare filmische Sprache. Für zeitgenössische Regisseure ist die Auseinandersetzung damit ein fast unvermeidlicher Akt, ein Initiationsritus, der die Form von Feier oder Vatermord annehmen kann. Die Filme in diesem Abschnitt erforschen diese komplexe Beziehung. Einige tragen die Maske des Giallo mit fast philologischer Hingabe, andere demontieren seine Mechanismen, um seine Künstlichkeit zu entlarven, und zeigen, wie dieser Geist in Lederhandschuhen weiterhin die kollektive Vorstellungskraft heimsucht und eine entscheidende Frage aufwirft: Kann Giallo im 21. Jahrhundert noch existieren?

Francesca

Fünfzehn Jahre sind vergangen, seit das kleine Mädchen Francesca, die Tochter eines berühmten Dichters und Dramatikers, verschwunden ist. Als die Stadt von einer Reihe brutaler Verbrechen erschüttert wird, die an die blutigsten Seiten der Göttlichen Komödie zu erinnern scheinen, beginnen zwei Ermittler zu ermitteln, in der Vermutung, dass der Mörder ein längst begonnenes Werk des Todes vollendet.

Hergestellt von den argentinischen Brüdern Luciano und Nicolás Onetti, ist Francesca eine radikale filmische Operation. Mehr als ein Film ist es ein zeitliches Artefakt, ein Werk, das nicht nur Giallo imitiert, sondern danach strebt, ein verlorener Giallo aus den 70er Jahren zu sein. Die Entscheidung, auf Italienisch zu drehen, mit absichtlich steifem und asynchronem Synchronsprechen, die gesättigte und körnige Fotografie, der ruckartige Schnitt: jedes Element ist sorgfältig kalibriert, um die Materialität des Filmstocks jener Zeit zu replizieren. Dieser Ansatz verwandelt den Film in eine meta-filmische Erfahrung. Wir sehen nicht nur eine Geschichte; wir werden Zeugen einer Reflexion über die Natur des Genres selbst. Die Onettis sind nicht daran interessiert, Giallo zu modernisieren, sondern es zu kristallisieren, um zu zeigen, dass seine Kraft nicht nur in seinen Handlungen lag, sondern in einer präzisen sinnlichen Ästhetik. Francesca wird somit zu einem Kommentar über das Gedächtnis des Kinos, ein Werk, das andeutet, dass vielleicht der einzige Weg, Giallo heute wiederzubeleben, nicht darin besteht, es zu aktualisieren, sondern es mit liebevoller Expertise zu mumifizieren.

Abrakadabra

Lorenzo „der Prächtige“ ist ein Zauberer, dessen Karriere durch einen tragischen Unfall auf der Bühne zerstört wurde, bei dem sein Vater ums Leben kam. Vom Vergangenen gequält, nimmt er einen letzten Auftritt in einem dekadenten Theater an, nur um zu entdecken, dass eine Reihe ritueller Morde die Korridore blutig färbt. Lorenzo findet sich im Zentrum eines Geheimnisses wieder, das in schwarzer Magie und einem Familiengeheimnis verwurzelt ist.

Erneut setzen die Onetti-Brüder ihre philologische Erforschung des italienischen Genrefilms fort und verlagern den Fokus leicht vom reinen Giallo hin zu einer Kontamination mit dem Gotischen und Übernatürlichen, im Stil von Filmen wie Suspiria oder Inferno. Abrakadabra hebt das Niveau des Künstlichen weiter an und konstruiert eine visuell prächtige und bewusst falsche Welt. Der übertriebene Einsatz von Zoom-Objektiven, Primärfarben und theatralischen Kulissen schafft eine traumhafte und halluzinatorische Atmosphäre. Der Film fungiert als visueller Essay über die Grammatik von Argentos Kino. Jede Kamerabewegung, jede Farbwahl ist ein Zitat, eine Analyse. In diesem Sinne interessiert sich die Arbeit der Onettis weniger dafür, „was“ erzählt wird, sondern viel mehr dafür, „wie“. Die Handlung, fast ein Vorwand, dient dazu, ein Netz visueller und auditiver Signifikanten zu weben, die direkt das Unterbewusstsein des Cineasten ansprechen. Abrakadabra ist der Beweis, dass zeitgenössischer Giallo als fast abstrakte Kunstform existieren kann, als reine ästhetische Erfahrung, die Oberfläche als Substanz feiert.

Jenseits des Flusses (Oltre il guado)

Marco, ein Ethologe, der das Verhalten von Tieren untersucht, platziert Infrarotkameras in einem abgelegenen Wald an der Grenze zwischen Italien und Slowenien. Von einer plötzlichen Überschwemmung eingeschlossen, sucht er Zuflucht in einem verlassenen Dorf. Bald erkennt er, dass er nicht allein ist: Eine uralte und bösartige Präsenz lauert zwischen den Ruinen, und seine eigenen Kameras beginnen, einen unaussprechlichen Horror aufzuzeichnen.

Lorenzo Bianchini ist eine der originellsten und zurückgezogensten Stimmen im unabhängigen italienischen Horrorkino. Sein Werk Jenseits des Flusses ist ein Film, der, obwohl kein Giallo im strengen Sinne, einige seiner Schlüsselelemente in einem völlig anderen Kontext absorbiert und neu verarbeitet: dem Folk Horror. Der Film ersetzt das urbane Umfeld durch wilde und bedrückende Natur, behält jedoch die investigative Struktur bei. Der Protagonist ist kein Detektiv, sondern ein Wissenschaftler, und das Geheimnis ist kein Mord, sondern die Natur eines uralten Fluchs. Die Verwendung von Found Footage, aufgenommen mit seinen eigenen Kamerafallen, ist eine brillante Neuerfindung der Rolle des „Blicks“ im Giallo. Wie der Zuschauer der Argento-Klassiker wird Marco zum hilflosen Zeugen schrecklicher Ereignisse, ein Voyeur, der gezwungen ist, durch eine Linse zu beobachten. Bianchini zeigt, dass die Seele des Giallo – die Untersuchung, die Besessenheit vom Detail, die schockierende Offenbarung – in neue Körper verpflanzt werden kann und so kraftvolle und originelle Hybride entstehen.

Schöne Menschen

In einer isolierten Villa versammelt sich eine Gruppe reicher und gelangweilter Mitglieder des hohen Bürgertums zu einer Party voller Sex, Drogen und Machtspielen. Der Abend nimmt eine unerwartete Wendung, als ein mysteriöser maskierter Mörder beginnt, sie einen nach dem anderen auf brutalste Weise zu eliminieren. Misstrauen und Paranoia breiten sich aus und verwandeln die Party in ein Massaker.

Americo Scaramella (auch bekannt als Brini) inszeniert ein Werk, das zwischen einer Feier und einer Parodie des italienischen Giallo-Stils steht. Schöne Menschen nimmt alle Klischees des Genres – den isolierten Schauplatz, die amoralischen und oberflächlichen Charaktere, den Mörder mit einem Motiv, das mit einem vergangenen Trauma verbunden ist – und treibt sie auf die Spitze. Der Film ist eine Explosion aus blutiger Gewalt und glänzendem Erotik, die sowohl an das Kino von Sergio Martino als auch an die extremen Auswüchse des amerikanischen Slasher erinnert. Was ihn interessant macht, ist sein völliger Verzicht auf psychologische Vortäuschungen. Es gibt keinen echten Versuch, Spannung oder Geheimnis zu erzeugen; das Ziel ist rein ästhetisch und spielerisch. Der Film präsentiert sich dem Zuschauer als eine „Greatest Hits“-Sammlung des Giallo, ein Konzentrat all seiner erkennbarsten und spektakulärsten Elemente. In diesem Sinne stellt Schöne Menschen einen weiteren möglichen Weg für den zeitgenössischen Giallo dar: kein Genre des Suspense mehr, sondern ein reines Spektakel aus Stil und Gewalt, eine fast abstrakte Erfahrung für Kenner, die die Codes kennen und bereit sind, das Spiel zu genießen.

Wurzeln der Dunkelheit – Folk Horror und die Rückkehr zum Land

Während sich der Giallo der urbanen und modernistischen Vergangenheit zuwendet, richtet sich eine neue Strömung im italienischen Horrorkino auf das Land, auf vergessene Landschaften und uralte Traditionen. Diese Filme erforschen das sogenannte „Provinz-Gothic“, einen Horror, der nicht aus der Metropole geboren wird, sondern aus dem Boden Italiens selbst, aus seinen Aberglauben und den isolierten Gemeinschaften, die die Moderne zurückgelassen hat. Hier ist die Angst mit Identität, Erinnerung und dem Konflikt zwischen einer archaischen Vergangenheit, die sich weigert zu sterben, und einer Gegenwart, die sie vergessen hat, verbunden. Das Monster ist nicht länger ein abweichendes Individuum, sondern eine ganze Gemeinschaft, eine Tradition, ein Ort.

In a Lonely Place

Thomas, ein schüchterner und einsamer Junge, lebt in einem kleinen Haus in einer verlassenen Landschaft. Seine Routine wird gestört, als Teresa und ihr Freund, die vor etwas Dunklem fliehen, Zuflucht in seinem Haus suchen. Die Ankunft der beiden Fremden löst eine Spirale aus Paranoia und Gewalt aus und offenbart, dass die wahre Bedrohung vielleicht nicht die ist, die draußen lauert, sondern die, die in Thomas’ Seele verborgen ist.

Davide Montecchi inszeniert einen psychologischen Thriller mit ländlichem Horror, ein minimalistisches und klaustrophobisches Werk, das Atmosphäre zu seinem stärksten Merkmal macht. Der Film ist ein perfektes Beispiel dafür, wie die Knappheit der Mittel, typisch für das Independent-Kino, in eine präzise stilistische Wahl verwandelt werden kann. Die Trostlosigkeit der Landschaft wird zum Spiegel der emotionalen Ödnis des Protagonisten, und die physische Isolation des Hauses verstärkt die psychologische Spannung zwischen den Figuren. In a Lonely Place erkundet das Thema „Heim-Invasion“ auf untypische Weise: Es ist nicht klar, wer das wahre Opfer und wer der Täter ist. Der Horror entsteht nicht aus einer Explosion von Gewalt, sondern aus dem langsamen Anschleichen von Zweifel und Wahnsinn. Es ist ein Film, der durch Subtraktion wirkt, mehr andeutet als zeigt und beweist, dass der effektivste Schrecken der ist, der in leeren Räumen und Stille lauert, im Ungesagten, das zwischen den Figuren schwebt.

Shortcut

Eine Gruppe von fünf Teenagern befindet sich während eines Ausflugs in einem Schulbus. Ihr Weg wird durch einen umgestürzten Baum blockiert, was den Fahrer zwingt, eine Abkürzung über eine isolierte und unbekannte Straße zu nehmen. Der Bus hält in einem dunklen Tunnel, wo die Kinder entdecken, dass sie nicht allein sind: Eine monströse Kreatur streift in der Dunkelheit umher und ist bereit, sie zu jagen.

Unter der Regie von Alessio Liguori ist Shortcut ein Horrorfilm, der das Teenager-Abenteuer im Stil der „Goonies“ mit dem „Creature Feature“ vermischt. Obwohl die Ausgangslage konventionell erscheinen mag, ist der Film ein effektives Beispiel dafür, wie das unabhängige italienische Kino lernt, mit kodifizierten Genres zu arbeiten und solide sowie gut verpackte Produkte zu schaffen. Das Element des Folk Horror ist in der Gestalt des Wesens präsent, eines Monsters, das mit dem Territorium verbunden ist, ein bösartiger „genius loci“, der sein Reich vor Eindringlingen schützt. Der Tunnel wird zu einem Schwellenraum, einem Übergang zwischen der bekannten Welt und einem archaischen, wilden Reich. Der Film spielt mit der Idee, dass das Verlassen der „Hauptstraße“, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne, zur Konfrontation mit urzeitlichen Schrecken führen kann. Es ist ein Werk, das, ohne das Genre neu zu erfinden, eine technische Kompetenz und eine Fähigkeit zur Erzeugung von Spannung zeigt, die für das Überleben und Wachstum des neuen italienischen Horrorfilms grundlegend sind.

Anatomien des Terrors – Körper und Geist unter Belagerung

Wenn das Budget knapp ist und groß angelegte Spezialeffekte eine Fata Morgana, wird die Kamera gezwungen, näher hinzuschauen, intimere, aber nicht weniger erschreckende Landschaften zu erkunden: den menschlichen Körper und Geist. Die Filme in diesem Abschnitt konzentrieren sich auf psychologischen Horror und Body Horror. Es sind klaustrophobische Werke, oft an einem einzigen Ort spielend, wo die Bedrohung nicht von außen, sondern von innen kommt. Terror entsteht aus Trauma, Obsession, körperlichem Verfall und dem Zusammenbruch der Vernunft und beweist, dass die größte Quelle der Angst der Mensch selbst ist und immer sein wird.

Das Ende?

Claudio, ein wichtiger, zynischer und arroganter Geschäftsmann, geht in sein Büro, um einen entscheidenden Deal abzuschließen. Aufgrund einer Fehlfunktion bleibt er allein im Aufzug seines Wolkenkratzers stecken. Während er verzweifelt versucht, einen Ausweg zu finden, wird ihm klar, dass draußen die Hölle losbricht: Ein tödliches Virus verwandelt Menschen in wilde Infizierte. Der Aufzug, einst ein Gefängnis, wird zu seinem einzigen, prekären Zufluchtsort.

Unter der Regie von Daniele Misischia und produziert von den Manetti Bros. ist Das Ende? eine hochkonzeptuelle, low-budget Übung in Spannung. Die Idee, eine Zombie-Apokalypse fast ausschließlich in einem Aufzugskabine anzusiedeln, ist so einfach wie brillant. Diese radikale Wahl ist ein perfektes Beispiel dafür, wie wirtschaftliche Notwendigkeit narrative Innovation erzeugen kann. Der Film zwingt den Zuschauer, die Apokalypse aus der begrenzten und klaustrophobischen Perspektive des Protagonisten zu erleben. Wir sehen den groß angelegten Horror nicht, sondern nehmen ihn durch Geräusche, Schreie und Schatten wahr, die durch den Spalt in der Tür zu erahnen sind. Der Horror wird akustisch und psychologisch. Claudios Verwandlung vom Finanzhai zum verängstigten Mann, der ums Überleben kämpft, ist das wahre Herz des Films. Sein physisches Gefängnis zwingt ihn, sich seiner inneren Leere zu stellen, wodurch Das Ende? nicht nur ein effektiver Survival-Horror, sondern auch eine kraftvolle Metapher für Isolation und Kontrollverlust in der modernen Zeit wird.

In der Falle

Philip, ein einsamer Korrektor, lebt als Einsiedler in seiner Wohnung und fürchtet sich vor einer bösen Entität, von der er glaubt, dass sie ihn verfolgt. Das Einzige, was sie scheinbar fernhält, ist sein religiöser Glaube. Als er eine junge Frau trifft, die Interesse an ihm zu haben scheint, wird Philip gezwungen, zwischen der Möglichkeit eines normalen Lebens und seinem Kampf gegen den Dämon zu wählen, von dem er glaubt, dass er nur darauf wartet, dass er einen Fehler macht, um ihn zu besitzen.

Alessio Liguori inszeniert einen psychologischen Horrorfilm, der geschickt mit Mehrdeutigkeit spielt. Im Verlauf des Films wird der Zuschauer dazu verleitet, sich zu fragen, ob die Bedrohung real ist oder nur ein Produkt des gestörten Geistes des Protagonisten. In der Falle ist ein Werk, das die verschwommenen Grenzen zwischen Glauben, Aberglaube und psychischer Krankheit erforscht. Die Wohnung wird, ähnlich wie der Aufzug in The End?, zu einem selbst auferlegten Gefängnis, einem Zufluchtsort, der zugleich ein Käfig ist. Die Regie versteht es, eine Atmosphäre wachsender Paranoia zu schaffen, indem sie beengte Räume und ein bedrückendes Sounddesign nutzt, um Philips psychischen Zustand widerzuspiegeln. Der Film ist ein Beispiel dafür, wie unabhängiger Horror komplexe Themen wie die Auswirkungen von Trauma und Isolation auf die Psyche behandeln kann, ohne große Spezialeffekte zu benötigen, sondern sich ganz auf die schauspielerische Leistung und die Fähigkeit verlässt, Horror anzudeuten, statt ihn explizit zu zeigen.

Flesh Contagium

In einer nahen Zukunft, die von einem bakteriologischen Krieg verwüstet wurde, suchen zwei Männer Zuflucht in einem unterirdischen Bunker, um der Ansteckung zu entkommen. Ihr erzwungenes Zusammenleben in einer sterilen und bedrückenden Umgebung verwandelt sich bald in einen psychologischen Albtraum. Paranoia, Misstrauen sowie körperlicher und geistiger Verfall treiben sie an den Rand des Wahnsinns und offenbaren, dass das tödlichste Virus das ist, das im menschlichen Geist lauert.

Lorenzo De Panfilis inszeniert ein Werk des extremen und nihilistischen Body-Horrors, das an die Atmosphären der frühen Cronenberg-Filme und des japanischen Cyberpunk-Kinos erinnert. Flesh Contagium ist ein schwieriger, abstoßender Film, aber von großer stilistischer Kohärenz. Der Horror liegt nicht nur in der äußeren Ansteckung, sondern im Zerfall von Körper und Identität. Der Bunker wird zum Labor, in dem die De-Evolution des Menschen beobachtet wird, reduziert auf reines leidendes Fleisch. Der Film ist ein Beispiel für radikales Underground-Kino, das keine Kompromisse sucht und keine Angst davor hat, den Zuschauer zu ekeln. Seine Stärke liegt gerade in dieser brutalen Ehrlichkeit. In einer von glänzendem Horror dominierten Kinolandschaft erinnert uns ein Werk wie Flesh Contagium an die Fähigkeit des Genres, die dunkelsten und verstörendsten Aspekte der menschlichen Existenz zu erforschen: die Angst vor Krankheit, Alter und dem totalen Kontrollverlust über den eigenen Körper.

Am Ende des Tages

Eine Gruppe junger Freunde geht für ein Airsoft-Spiel in einen Wald. Das Spiel verwandelt sich in einen Albtraum, als sie auf eine verlassene Hütte stoßen und entdecken, dass sie sich auf dem Jagdgebiet einer Gruppe von wahnsinnigen und sadistischen Peinigern befinden. Nur mit ihren Nachbildungen von Waffen bewaffnet, müssen die Jungen ums Überleben kämpfen gegen eine Bedrohung, die allzu real ist.

Cosimo Alemà, ein Regisseur aus der Welt der Musikvideos, bringt einen spannungsgeladenen und adrenalintreibenden Survival-Horror auf die Leinwand. At the End of the Day (auch bekannt als War Games) ist ein Film, der zwar einer klassischen Erzählstruktur des Genres folgt, sich aber durch seine dynamische Regie und bemerkenswerte Aufmerksamkeit für die Kinematografie hervorhebt. Die Grundidee, dass das Spiel zur Realität wird, ist ein Vorwand, um menschliche Brutalität und den Überlebensinstinkt zu erforschen. Der Wald verwandelt sich von einem Ort der Erholung in eine tödliche Arena. Der Film ist interessant, weil er trotz seiner reinen Genrewirkung eine gewisse zeitgenössische Angst im Zusammenhang mit Gewalt und deren Darstellung widerspiegelt. Die Protagonisten, die an simulierte Gewalt gewöhnt sind, sind auf die echte nicht vorbereitet. Es ist ein Werk, das ohne große autorale Ansprüche solide Professionalität und die Fähigkeit des italienischen Kinos zeigt, effektive und international wettbewerbsfähige Genreprudukte zu schaffen.

P.O.E. Poesie des Unheimlichen

Eine Anthologie von Horror-Kurzfilmen, geschaffen von fünfzehn italienischen Regisseuren, alle inspiriert von den Geschichten und Gedichten von Edgar Allan Poe. Jede Episode interpretiert auf moderne und persönliche Weise eines der geschätzten Themen des Schriftstellers: Tod, Wahnsinn, vorzeitige Begrabung, Obsession und Schuld.

P.O.E. ist ein kollektives Projekt, das einen faszinierenden Überblick über die Vielfalt der Stile und Sensibilitäten in der underground italienischen Horror-Szene bietet. Die Idee, Poe als gemeinsamen roten Faden zu verwenden, ist ein Gewinn, da sie den Regisseuren erlaubt, sich mit reichhaltigem Erzählmaterial auseinanderzusetzen und die unendlichen Nuancen des psychologischen Horrors zu erforschen. Die anthologische Natur des Films ist seine Stärke: Er reicht von klassischeren und gotischen Episoden bis hin zu surrealen und experimentellen Interpretationen, von Geistergeschichten bis zu Abgründen des Wahnsinns. Dieses Projekt ist ein Beweis für die Vitalität einer Szene, die trotz begrenzter Mittel reich an Talent und Ideen ist. Es ist ein Manifest des unabhängigen Horrors, ein Werk, das die Kreativität und Leidenschaft einer Gemeinschaft von Filmemachern feiert, die weiterhin im Schatten arbeiten und die Flamme eines kühnen und persönlichen Kinos am Leben erhalten.

Übernatürliche Visionen – Zwischen Dämonen, Geistern und korrumpiertem Glauben

Italiens säkulare und komplexe Beziehung zur katholischen Kirche bietet einen unglaublich fruchtbaren Boden für übernatürlichen Horror. Religiöse Ikonographie, so tief verwurzelt im kollektiven Vorstellungsraum, wird zu einem mächtigen erzählerischen Werkzeug, das genutzt und unterwandert wird. Die Filme in diesem Abschnitt wagen sich in das Reich von Dämonen, Geistern und schwankendem Glauben. Dies sind keine einfachen Exorzismusgeschichten, sondern tiefere Erkundungen der Natur des Bösen, der Fehlbarkeit menschlicher Institutionen und des Schreckens, der entsteht, wenn Gebete unbeantwortet bleiben und der Glaube keinen Schutz mehr bietet.

Phantasmagoria

Drei Regisseure, Mickael Abbate, Domiziano Cristopharo und Tiziano Martella, schließen sich zusammen, um eine Horror-Anthologie zu schaffen, die vom „Grand Guignol“, dem berühmten Pariser Theater des Schreckens, inspiriert ist. Drei Geschichten von Wahnsinn, Perversion und Übernatürlichem, verbunden durch eine makabre Ästhetik und eine Liebe zum Grotesken und Unheimlichen.

Wie P.O.E. ist Phantasmagoria ein kollektives Projekt, das die Vielfalt der unabhängigen Szene zeigt. Die Inspiration durch den Grand Guignol ist besonders passend, da sie den Regisseuren erlaubt, eine Art theatralischen, übertriebenen und fast barocken Horror zu erforschen, der tiefe Wurzeln in der europäischen Kultur hat. Die Episoden reichen von Gothic bis Body Horror, sind aber durch eine Atmosphäre der Morbidität und eine besondere Aufmerksamkeit für visuelle Wirkung vereint. Dieser Film ist interessant, weil er, obwohl tief in einer „klassischen“ Horrort radition verwurzelt, diese mit einer modernen und unabhängigen Sensibilität neu interpretiert. Es ist ein Werk, das das Handwerk des Horrors feiert, die Fähigkeit, Schock und Unbehagen durch Make-up, Bühnenbild und Inszenierung zu erzeugen, anstatt sich auf Computergrafiken zu verlassen. Phantasmagoria ist eine Hommage an die grausamste und spektakulärste Seele des Genres.

Das Buch der Visionen

Eva, eine junge Ärztin, gibt eine vielversprechende Karriere auf, um an einer abgelegenen Universität die Geschichte der Medizin zu studieren. Dort entdeckt sie „Das Buch der Visionen“, ein Manuskript aus dem 18. Jahrhundert, das einem Arzt gehörte, der im Gegensatz zur rationalistischen Wissenschaft seiner Zeit versuchte, die Träume und Ängste seiner Patienten zu verstehen. Das Lesen des Buches versetzt Eva auf eine Reise zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Leben und Tod.

Produziert von Terrence Malick und unter der Regie von Carlo S. Hintermann, ist Das Buch der Visionen ein prachtvolles und ambitioniertes Werk, das Genregrenzen überschreitet. Es ist kein reiner Horrorfilm, sondern ein philosophisches Drama mit tiefen gotischen und übernatürlichen Zügen. Der Film inszeniert den ewigen Konflikt zwischen Wissenschaft und Spiritualität, zwischen dem Körper als Maschine und dem Körper als Gefäß einer Seele. Der Horror ist subtil, existenziell, verbunden mit Krankheit, Tod und dem Geheimnis des Bewusstseins. Hintermanns Regie ist atemberaubend schön, und die Erzählstruktur, die zwei verschiedene Epochen miteinander verwebt, schafft einen faszinierenden Dialog zwischen Aufklärungsrationalismus und einer ganzheitlicheren und geheimnisvolleren Weltanschauung. Das Buch der Visionen ist ein Beispiel dafür, wie das italienische Kino universelle Themen mit einem einzigartigen autoralen Blickwinkel angehen kann und ein Werk schafft, das sowohl ein visuelles Erlebnis als auch eine tiefgründige Meditation über die menschliche Existenz ist.

Das Spukhaus von Helena

Nach einer schwierigen Scheidung zieht Sophia mit ihrer Tochter Helena in eine neue Wohnung in einem alten Gebäude aus der faschistischen Ära. Als Helena ihren ersten Milchzahn verliert, wird sie von Albträumen und Visionen einer geisterhaften Frau heimgesucht, die durch das Haus wandert. Sophia entdeckt, dass die Wohnung ein dunkles Geheimnis birgt, das mit dem vorherigen Mieter und der Legende der „Zahnfee“ zusammenhängt.

Regie führten das Duo Christian Bisceglia und Ascanio Malgarini (die gleichen wie bei Fairytale). Dieser Film greift das Thema des Volksglaubens rund um den Zahnverlust auf, setzt es jedoch in einen Kontext, der näher an einer klassischen Geistergeschichte liegt. Das Spukhaus von Helena ist ein atmosphärischer Horrorfilm, der mit Urängsten spielt: Dunkelheit, unbekannte Räume, die Verletzlichkeit von Kindern. Die Kulisse in einem Gebäude aus der faschistischen Zeit fügt eine weitere Ebene der Unbehaglichkeit hinzu und suggeriert, dass die Geister der Vergangenheit, sowohl persönlicher als auch historischer Natur, die Gegenwart weiterhin heimsuchen. Der Film ist ein Beispiel dafür, wie das unabhängige italienische Kino solide und gut konstruierte Genrewwerke schaffen kann, die mit den Konventionen des internationalen Horrors (insbesondere J-Horror) in Dialog treten, dabei aber eine unverkennbar italienische Sensibilität und Szenerie bewahren. Die Angst wird nicht geschrien, sondern geflüstert, langsam aufgebaut durch verstörende Details und ein Gefühl der Unausweichlichkeit.

Haus der Fleischpuppen

Sebastian, ein junger Künstler, wird von seiner Unfähigkeit, nach einem Kindheitstrauma Gefühle zu empfinden, gequält. Sein Leben ändert sich, als er ein verlassenes Theater entdeckt, in dem eine mysteriöse Person Mannequins aus Leichnamen erschafft. Von dieser makabren Kunst angezogen, beginnt Sebastian, die Grenzen zwischen Leben und Tod, Kunst und Wahnsinn zu erforschen – eine halluzinatorische Reise ins Herz seiner eigenen Dunkelheit.

Erneut Domiziano Cristopharo, der mit diesem Film eines seiner visionärsten und verstörendsten Werke vorlegt. Haus der Fleischpuppen ist ein Arthouse-Horrorfilm, der sich an der Grenze zwischen Body Horror und psychologischem Drama bewegt. Der Film ist eine Meditation über Tod, Kunst und die verzweifelte Suche nach Sinn in einer emotionslosen Welt. Die Ästhetik ist sorgfältig gestaltet, mit einer Kameraführung, die Horror in makabre Schönheit verwandelt und an die Arbeiten von Künstlern wie Joel-Peter Witkin erinnert. Der Horror liegt weniger in expliziter Gewalt als in der Atmosphäre der Verlassenheit und Perversion, die jeden Bildausschnitt durchdringt. Es ist ein Film, der vom Zuschauer verlangt, traditionelle Erzählkonventionen aufzugeben und sich in einen wachen Alptraum tragen zu lassen. Ein extremes Werk, das die experimentellste und autorenhafteste Spitze des italienischen Underground-Horrors repräsentiert – ein Kino, das keine Angst hat, in den Abgrund zu blicken.

Neue Grenzen der Angst – Experimentieren und Genre-Mischung

In der dunkelsten und zugleich fruchtbarsten Ecke des unabhängigen italienischen Kinos gibt es Regisseure, die sich weigern, etikettiert zu werden. Frei von kommerziellem Druck und der Notwendigkeit, vorgegebene Formeln einzuhalten, wagen diese Autoren es, Horror mit Science-Fiction, philosophischen Thrillern, sozialem Drama und dem extremsten Surrealismus zu vermischen. Die Filme in diesem Abschnitt repräsentieren die Spitze der Experimentierfreude. Es sind mutige, oft nicht einzuordnende Werke, die die Grenzen des Genres verschieben und auf mögliche, aufregende Zukünfte hinweisen. Sie zeigen, dass das Fehlen einer strukturierten Industrie zwar ein Hindernis ist, aber auch zum Katalysator für radikale und grenzenlose Kreativität werden kann.

Der Dämon von Laplace

Eine Gruppe von acht Wissenschaftlern wird eingeladen, in einer isolierten Villa auf einer Insel zu verweilen. Sie entdecken, dass sie die Versuchskaninchen in einem Experiment ihres mysteriösen Gastgebers sind, der die Gültigkeit der „Laplace’schen Dämon“-Theorie beweisen will: Wenn man die Position und Geschwindigkeit jedes Partikels im Universum kennt, ist es möglich, jedes zukünftige Ereignis vorherzusagen, einschließlich ihres Todes. Um zu überleben, müssen sie einen Weg finden, eine unvorhersehbare Handlung auszuführen.

Giordano Giulivis Werk ist ohne Zweifel ein Meisterwerk. Es ist eine atemberaubende Demonstration dessen, was unabhängiges italienisches Horrorkino erreichen kann, wenn eine brillante Idee auf makellose Umsetzung trifft. In expressionistischem Schwarzweiß gedreht und fast vollständig an einem einzigen Ort spielend, ist der Film ein Sci-Fi-Thriller, der eine rein intellektuelle Angst erzeugt. Die Furcht kommt nicht von Monstern oder Gewalt, sondern vom philosophischen Konzept des Determinismus. Die Vorstellung, dass jede unserer Entscheidungen bereits festgeschrieben ist, dass freier Wille eine Illusion ist, ist unendlich furchteinflößender als jeder Jump-Scare. Die Regie ist von mathematischer Präzision, das Drehbuch ein perfektes Uhrwerk. Der Dämon von Laplace ist ein Film, der die Intelligenz des Zuschauers feiert, ein einzigartiges Werk nicht nur in der italienischen, sondern auch in der globalen Landschaft, das beweist, dass der größte Spezialeffekt eine großartige Idee ist und immer sein wird.

Du stirbst

Asia, eine junge Studentin, entdeckt auf dem Handy eines Jungen eine beunruhigende App namens „You Die“. Die Anwendung ist ein Spiel, das eine geisterhafte Präsenz durch die Kamera über die Realität legt, eine Präsenz, die unaufhaltsam näherkommt. Asia erkennt bald, dass es kein Spiel ist: Jeder, der die App installiert hat, ist dazu verdammt, innerhalb von 24 Stunden zu sterben, es sei denn, er kann sie an jemand anderen „weitergeben“.

Unter der Regie des Duos Alessandro Antonaci und Daniel Lascar fängt You Die als Horrorfilm die Ängste des digitalen Zeitalters vollständig ein. Der Film nimmt das Modell des J-Horror wie The Ring mit seinem viralen Fluch auf und aktualisiert es für die Welt der Smartphones und der erweiterten Realität. Die Idee einer Killer-App ist eine wirkungsvolle Metapher für unsere Sucht nach Technologie und die paradoxe Isolation, die sie schafft. Der Horror besteht nicht nur in der übernatürlichen Bedrohung, sondern auch in der moralischen Entscheidung, der sich die Figuren stellen müssen: Um sich selbst zu retten, müssen sie jemand anderen verurteilen. Der Film ist ein Beispiel dafür, wie das italienische Genrekino globale Trends aufgreifen kann, um ein modernes und zugängliches Produkt zu schaffen, das über die spezifischen Ängste unserer Zeit reflektiert, wie den Verlust der Privatsphäre und die ansteckende Natur von Informationen (und Angst) im Internet.

Der blinde König

Während des Zweiten Weltkriegs versuchen zwei desertierte Soldaten, einer blind und der andere beinlos, in einem feindlichen Wald zu überleben. Ihre erzwungene Symbiose wird auf die Probe gestellt, als sie auf ein Haus stoßen, das von einer Frau und ihrer Tochter bewohnt wird, und sie entdecken, dass sie sich in einem von einer Sekte nazistischer Fanatiker beherrschten Gebiet befinden, die esoterische Rituale praktizieren.

Raffaele Picchio ist ein weiterer führender Name im extremen Underground-Horror. Der blinde König ist ein brutales und visionäres Werk, das Kriegsfilm mit Folk-Horror und Exploitation mischt. Der Film ist ein Abstieg in eine allegorische Hölle, in der sich der Wahnsinn des Krieges mit einem älteren, ursprünglicheren Horror verbindet. Das historische Setting ist nicht nur Kulisse; es dient dazu, die Natur des Bösen und seine Fähigkeit, alles zu verderben, zu erforschen. Picchios Regie ist kraftvoll und körperlich, spart dem Zuschauer keine Szenen expliziter Gewalt, setzt diese jedoch in einen visuell verfeinerten und fast malerischen Kontext. Der blinde König ist ein mutiger und schwieriger Film, der zeigt, wie Horror genutzt werden kann, um Geschichte aus einer neuen und verstörenden Perspektive zu erzählen und ein reales Ereignis in einen mythologischen Albtraum zu verwandeln.

Morituris

Drei römische Jungen locken zwei ausländische Touristen mit dem Versprechen einer Rave-Party, führen sie jedoch an einen abgelegenen Ort mit der Absicht, sie zu vergewaltigen. Der Ort ist jedoch von den Geistern von fünf Gladiatoren heimgesucht, die Jahrhunderte zuvor massakriert wurden und zum Leben zurückkehren, um blutige Rache an jedem zu nehmen, der ihr Land entweiht.

Regie führte Raffaele Picchio vor The Blind King, Morituris ist einer der umstrittensten und zensiertesten Filme des jüngeren italienischen Kinos. Es ist ein Werk extremer und kompromissloser Gewalt, das Vergewaltigung und Rache mit dem übernatürlichen Slasher verbindet. Dem Film wurde Frauenfeindlichkeit vorgeworfen, doch eine genauere Analyse zeigt, dass er eine brutale Reflexion über die zyklische Natur der Gewalt ist. Die männlichen Protagonisten sind lange vor dem Eintreffen der Gladiatoren Monster; ihre Gewalt ist real, schäbig und allzu menschlich. Die Gladiatoren, mythische Figuren spektakulär inszenierter Gewalt, werden zu Instrumenten einer karmischen und urzeitlichen Gerechtigkeit. Morituris ist ein abstoßender und schwer verdaulicher Film, doch seine Bedeutung liegt gerade in seiner Fähigkeit, zu erschüttern und zu verstören. Er ist ein Beispiel für Horrorkino, das sich weigert zu trösten und den Zuschauer zwingt, sich dem Horror in seiner reinsten und unangenehmsten Form zu stellen.

Die unsichere und vitale Zukunft des italienischen Horrors

Am Ende dieser Reise durch dreißig Fragmente der Dunkelheit zeichnet sich ein komplexes und widersprüchliches Bild ab. Das zeitgenössische italienische Horrorkino hat kein einziges Gesicht, sondern tausend Masken. Es ist ein Wesen, das durch seine eigene Fragmentierung definiert wird, eine Konstellation isolierter Talente, die darum kämpfen, in einem Produktionssystem aufzutauchen, das sie zu oft ignoriert. Doch gerade in dieser Marginalität liegt seine vitale Kraft.

Wir haben gesehen, wie der Dialog mit dem Erbe der Meister eine unausweichliche Konstante ist, eine „Angst vor Einfluss“, die Regisseure dazu drängt, das glorreiche Giallo-Vergangenheit zu replizieren, zu dekonstruieren oder zu fliehen. Wir haben beobachtet, wie der chronische Mangel an Finanzierung, eine scheinbare Schwäche, sich in einen kreativen Motor verwandelt hat, der eine Ästhetik der Knappheit hervorbringt, die psychologische Spannung, erzählerische Raffinesse und die Klaustrophobie einzelner Schauplätze begünstigt.

Eine neue und kraftvolle Strömung hat sich herausgebildet, ein „Provinzialer Gothic“, der den Horror nicht mehr in den Verbrechen der Metropole sucht, sondern in den tiefen Wurzeln des italienischen Landes, und dabei Folk Horror als Werkzeug nutzt, um zeitgenössische Ängste vor Identität, Globalisierung und dem Verlust von Tradition zu erforschen. Wir haben eine scharfe Kritik an Institutionen erlebt, insbesondere an der Kirche, die nicht mehr als Bollwerk gegen das Böse dargestellt wird, sondern als fehlbare, korrupte und machtlose Instanz angesichts des Horrors, sei er übernatürlich oder menschlich. Schließlich haben wir den Mut von Filmemachern gefeiert, die am Rand operieren, Genres kontaminieren und zeigen, dass das Fehlen einer starken Industrie zwar ein Hindernis ist, aber auch die radikale expressive Freiheit garantiert, die einzigartige und nicht einzuordnende Werke wie The Laplace’s Demon hervorbringt.

Die Zukunft des italienischen Horrors ist ungewiss, prekär, ständig bedroht durch Verteilungsindifferenz und Ressourcenmangel. Doch sie ist auch unbestreitbar lebendig. Sie pulsiert vor Ideen, Mut und einer Leidenschaft, die sich weigert zu sterben. Unsere Aufgabe als Cineasten, Kritiker und Enthusiasten ist es, diese Werke zu suchen, sie zu unterstützen, über diese aufstrebenden italienischen Horrorregisseure zu sprechen. Wir müssen anerkennen, dass der Geist des großen italienischen Horrorkinos nicht mit Fulci oder Bava erloschen ist. Er hat lediglich seine Form verändert. Er hat sich im Schatten verborgen, ist kleiner, intimer, vielleicht verzweifelter geworden. Doch er mutiert weiter, entwickelt sich und erzählt unsere Ängste mit einer hartnäckigen und authentischen Stimme. Der Horror ist da draußen; man muss nur den Mut haben, ihn zu suchen.