Surrealistisches Kino: das Unbewusste in Filmen

Wo wurde der Surrealismus geboren?

Der Surrealismus war auch eine avantgardistische Bewegung für die Entwicklung der Filmgeschichte. Wie das Kino der Brüder Lumière und die meisten Avantgarden des zwanzigsten Jahrhunderts wurde er in Paris geboren. Während sich das New York der Neuen Welt wie das Raumschiff aus Fritz Langs Metropolis entwickelte und dem wirtschaftlichen Erfolg des American Dream nachjagte, blieb Paris, die Stadt des Lichts, die Weltmetropole der Kunst und der avantgardistischen Bewegungen, die die Geschichte des 20. Jahrhunderts veränderten. Die Stadt des Lichts war der Treffpunkt für surrealistische Künstler, die sich dazu berufen fühlten, den Zustand der Dinge zu verändern, gegen Tradition und vorherrschendes Denken zu kämpfen. Verrückte und visionäre Männer, die radikale kulturelle Projekte und Kämpfe durchführen wollten. Die surrealistische Kunst war eine ihrer mächtigsten Waffen.

André Breton und das Erbe des Dadaismus

Der Dichter André Breton, der versuchte, die kreative, aber zerstörerische Energie des Dadaismus zu kanalisieren, war der Haupttheoretiker und Inspirator des Surrealismus. Die dadaistische Rebellion und Transgression waren mit der Zeit zu einem Selbstzweck und selbstzerstörerisch geworden. André Breton und die ersten Vertreter des Surrealismus erkannten, dass es möglich war, das Beste daraus zu nehmen und in eine kreative und positive Energie umzuwandeln. Surrealistische Kunst sollte etwas Konstruktives sein, und die surrealistischen Künstler wollten sich nicht dem Nihilismus und der Rebellion als Selbstzweck hingeben.

Das Unbewusste und die Tiefen der Psyche

Der Surrealismus wurde 1924 in Paris geboren, inspiriert von den Büchern von Jung und Freud, wie Die Traumdeutung. Sein Ziel war es, das Unbewusste und die Tiefen der menschlichen Psyche zu erforschen. Dabei wurden rationale Erzählformen aufgegeben, um in die Irrationalität und den Wahnsinn der Psyche hinabzusteigen. Surrealismus und surrealistische Kunst verwenden die geheimnisvollen Symbole und Figuren der Traumwelt mit ihren gewalttätigen und unerklärlichen Konflikten. Surrealistische Künstler lieben monströse und groteske Erscheinungen, Unsinn, geheimnisvolle Bedeutungsverknüpfungen zwischen den Objekten der Erzählung.

Automatisches Schreiben und freie Assoziation

Die Haupttechnik des Surrealismus ist das automatische Schreiben und unkontrollierte psychische Automatismen. Die surrealistischen Werke zeigen die freien Assoziationen irrationalen Denkens des Unbewussten, der Vorstellungskraft in einem unterbewussten Zustand, scheinbar zusammenhanglose Projekte, Figuren und Symbole. Der Surrealismus lehnt logische Rationalität ab, um die geheimnisvollen Verbindungen der Traumwelt zu erforschen.

Bei einigen Treffen spielten die surrealistischen Künstler zum Beispiel ein Spiel. Es begann mit einem Wort oder einem Bild, das auf einem Blatt Papier geschrieben wurde und unter allen Teilnehmern zirkulierte, ohne dass jemand sehen konnte, welche Änderungen und Ergänzungen die anderen am Blatt vornahmen. Jeder fügte ein Bild oder ein Wort entsprechend seiner eigenen Gedankenassoziation hinzu. Das Spiel entwickelte sich oft auf unvorhersehbare Weise und erzeugte scheinbar bedeutungslose Entwürfe. Zum Beispiel entstand einst aus dem Anfangskonzept eines der Spieler „Leiche“ das Folgende: exquisit, Wein, trinken. Daraus entstand der Satz mit einer besonderen emotionalen Suggestion: die exquisite Leiche wird guten Wein trinken.

Die Werke der surrealistischen Künstler drehten sich um die drei Grundpfeiler: Liebe als treibende Kraft des Lebens, der Traum als Befreiung der Fantasie und ihrer Macht. Die Befreiung von sozialen Konventionen als Akt der Rebellion gegen die soziale Homologation. Das dritte war die lebenslange filmische Obsession des größten surrealistischen Regisseurs, des Spaniers Luis Bunuel.

Der Surrealismus ist die am weitesten verbreitete und erfolgreichste avantgardistische Kunstbewegung aller Zeiten. Entstanden in einer Zeit, in der die Avantgarde-Bewegungen einander mit kurzer Lebensdauer ablösten. Die surrealistischen Künstler hingegen haben sich weltweit verbreitet und sind heute noch zahlreich, Jünger einer Weltanschauung, die wahrscheinlich sehr lange Bestand haben wird.

Man könnte in gewissem Sinne sagen, dass die Samen, die den Surrealismus hervorbrachten, seit Jahrhunderten existieren. Der Grund für den Erfolg des Surrealismus liegt vielleicht darin, dass die Erforschung des Unbewussten und der unbekannten Gebiete der menschlichen Psyche stets mit den kreativen Mechanismen der Kunst und allgemein mit dem Wachstum des Bewusstseins für die eigene Innenwelt verbunden ist.

Surrealistische Künstler

Neben seinem spirituellen Führer, dem Dichter André Breton, waren bekannte Vertreter des Surrealismus die Maler Jean Mirò, René Magritte, Salvador Dalì, Max Ernst sowie Dichter und Schriftsteller wie Guillaume Apollinaire, Louis Aragon, Antonin Artaud, Tristan Tzara. Einige von ihnen kamen aus dem Dadaismus. Einige Surrealisten schlossen sich später der anarchistischen und kommunistischen Strömung an. Andere, wie Luis Bunuel, betrachteten den Marquis de Sade als Vorläufer und Inspirator der Bewegung. Tatsächlich sind Bunuels surrealistische Werke von erotischen Perversionen und sadomasochistischen Impulsen durchdrungen.

Irene

Jetzt verfügbar

Drama, von Valerio Pampaglini, Italien, 2023.
Irene ist in ihrem eigenen Unterbewusstsein gefangen, leer und zerstört wie ein verlassenes Haus. Durch zerbrochenes Glas und schattenhafte Gestalten in Schwarz weckt ein Lied etwas längst Vergessenes in ihr. Der Film, geschrieben und inszeniert von Valerio Pampaglini, wird von der Rome Film Academy unterstützt. Er wurde im Sommer 2022 in der Provinz Perugia, in der Gemeinde Todi und auf der Burg Montenero gedreht.

SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch

JETZT ANSEHEN

Surrealistisches Kino

Im Kino können wir drei große surrealistische Regisseure nennen, auch wenn die eigentliche Liste, wenn man die Vermischungen zwischen Realität und Fantasie in vielen Filmen mitzählt, gigantisch wäre. Luis Bunuel, Alejandro Jodorowsky und Federico Fellini. Der reinste und militanteste surrealistische Regisseur der drei, der persönlich die surrealistischen Künstler von Paris kannte, ist Luis Bunuel, der zusammen mit seinem Freund Salvador Dalì den Weg der Bewegung im Kino einleitete. Der Großteil seiner Filmografie besteht aus surrealistischen Werken. Surrealistische Filme, inspiriert von der Bewegung, durchziehen die gesamte Filmgeschichte; das Kino ist die Kunstform, die am besten geeignet ist, das Irrationale und das Unbewusste zu erzählen.

Man könnte sagen, dass surrealistische Filme der Höhepunkt der Entwicklung des fantastischen Kinos von Méliès sind, im Gegensatz zum realistischen und „dokumentarischen“ Weg der Brüder Lumière. Kino und Surrealismus scheinen füreinander geboren zu sein. Die Liste der surrealistischen Filme und ihrer Schöpfer ist sehr lang, doch die meisten sind nur teilweise beeinflusst. Man könnte zum Beispiel David Lynch, David Cronenberg, Abel Ferrara, Tinto Brass, Alfred Hitchcock erwähnen, aber es sind tatsächlich sehr viele. Der einzige von Filmtheoretikern als 100 % surrealistisch anerkannte Regisseur ist Luis Bunuel.

Der Surrealismus inspiriert auch heute noch ständig Werke, und wir finden ihn in vielen modernen Kunstwerken, in vielen Filmen der 2000er Jahre. Das offizielle Ende, das von Historikern und Kritikern der Bewegung angegeben wird, ist jedoch das Ende des Weltkriegs. Und anschließend der Tod seines geistigen Führers, André Breton.

Surrealistische Filme, die man unbedingt sehen sollte

Meshes of the Afternoon

Jetzt verfügbar

Experimenteller Kurzfilm von Maya Deren, Vereinigte Staaten, 1943.
Meshes of the Afternoon ist eines der Meisterwerke des surrealistischen Kinos und der amerikanischen Avantgarde und hat sich zu einem ikonischen Werk in der Welt des experimentellen Kinos entwickelt. Der Film zeichnet sich durch eine nicht-lineare und traumähnliche Erzählweise aus, die traditionelle filmische Konventionen herausfordert. Die Handlung dreht sich um eine Frau, gespielt von Maya Deren selbst, die eine Reihe seltsamer und surrealer Ereignisse in einem häuslichen Umfeld erlebt. Die Objekte und Ereignisse im Film sind mit Symbolik geladen, und der Film selbst kann auf verschiedene Weise interpretiert werden.

„Meshes of the Afternoon“ ist bekannt für seinen innovativen Einsatz der Kinematografie mit eindrucksvollen Bildkompositionen und mutigem Schnitt. Maya Deren nutzt das Kino als Kunstform, um die Psychologie und inneren Erfahrungen ihrer Figur zu erforschen und schafft eine geheimnisvolle und beunruhigende Atmosphäre. Der Film war einflussreich für viele nachfolgende Filmemacher und künstlerische Filmschaffende und trug zur Definition der Sprache des experimentellen und avantgardistischen Kinos bei. „Meshes of the Afternoon“ wird häufig in Filmkursen studiert und bleibt ein Referenzwerk in der Welt des Avantgarde- und Experimentalfilms.

OHNE DIALOGE

JETZT ANSEHEN

Entr’acte (1924)

„Entr’acte“ ist ein kurzer avantgardistischer Film, der 1924 von René Clair, einem französischen Filmemacher, inszeniert wurde. Der Film ist bekannt für seinen experimentellen und surrealistischen Stil, der von den Dada- und Surrealismusbewegungen jener Zeit beeinflusst wurde. „Entr’acte“ wurde ursprünglich als Intervallfilm geschaffen, der während einer Ballettaufführung der Ballets Suédois im Théâtre des Champs-Élysées in Paris gezeigt werden sollte. Der Film zeigt eine Reihe bizarrer und zusammenhangloser Szenen, darunter Aufnahmen einer von einem Kamel gezogenen Leichenwagen, ein Schachspiel auf einem Dach sowie verschiedene Stunts und visuelle Gags.

Der Film ist bemerkenswert für seinen Einsatz von Zeitlupen- und Rückwärtsbewegungseffekten, die zu dieser Zeit bahnbrechende Techniken im Kino waren. Die Musik zu „Entr’acte“ wurde von Erik Satie komponiert, einem bedeutenden Komponisten, der mit der avantgardistischen Kunstszene in Paris verbunden war. „Entr’acte“ gilt als Klassiker des frühen experimentellen Kinos und wird oft für seine Beiträge zur Entwicklung des Surrealismus im Film studiert. Es bleibt ein einflussreiches Werk in der Filmgeschichte und wird für seinen innovativen und unkonventionellen Ansatz im Filmemachen gefeiert.

Anémic Cinéma (1926)

„Anémic Cinéma“ ist ein experimenteller Kurzfilm, der von Marcel Duchamp, einem renommierten französischen Künstler, der mit der Dada-Bewegung verbunden ist, inszeniert wurde. Der Film entstand 1926 und ist bekannt für seine stark abstrakte und konzeptuelle Natur. Der Titel selbst, „Anémic Cinéma“, ist ein Wortspiel, das mit dem Begriff Anämie spielt, aber keine direkte Verbindung zur medizinischen Krankheit Anämie hat. Der Film ist eher ein bewegtes visuelles Kunstwerk als eine traditionelle Erzählung.

Der Film besteht aus einer Serie von 700 Einzelbildern, von denen jedes eine bewegte Spirale und eine Reihe von visuellen und verbalen Wortspielen enthält. Duchamp nutzt bildende Kunst und Worte, um eine surreale und konzeptuelle Erfahrung zu schaffen, die traditionelle Erwartungen an das Kino herausfordert. „Anémic Cinéma“ gilt als wichtiges Beispiel für avantgardistisches und dadaistisches Kino und ist bekannt für seine formalen und konzeptuellen Experimente. Der Film spiegelt Duchamps Interesse an konzeptueller Kunst und der Nutzung des Kinos als Medium wider, um neue visuelle und konzeptuelle Ideen zu erforschen. Es ist ein Werk, das den Betrachter herausfordert, unkonventionell zu denken und das Medium Film auf innovative Weise zu erkunden.

A Page Of Madness

Jetzt verfügbar

Drama, Horror, von Teinosuke Kinugasa, Japan, 1926.
Eine Seite des Wahnsinns ist ein unabhängiger Film, der mit einem nahezu nicht vorhandenen Budget gedreht und dann für fünfundvierzig Jahre verloren wurde. Glücklicherweise entdeckte der Regisseur ihn 1971 in seinem Archiv wieder. Es ist ein Film, der von einer Gruppe japanischer Avantgarde-Künstler, der Schule der neuen Wahrnehmungen, gemacht wurde. Eine Bewegung, deren Ziel es war, die naturalistische Darstellung zu überwinden. In einer Landesirrenanstalt trifft der Pfleger bei strömendem Regen auf Patienten mit psychischen Erkrankungen. Am nächsten Tag kommt eine junge Frau an, die überrascht ist, ihren Vater dort zu finden, der als Pfleger arbeitet. Die Mutter der Frau wurde zuerst verrückt wegen ihres Mannes, als sie Matrosin war. Der Ehemann hat beschlossen, den Beruf zu wechseln, um in der Nähe seiner Frau in der Anstalt zu bleiben und sich um sie zu kümmern. Die Tochter erzählt ihrem Vater, dass sie bald heiraten wird, aber der Vater ist besorgt, weil er fürchtet, gemäß den damaligen Volksgerüchten, dass die psychische Erkrankung der Mutter auf die Tochter vererbt wird. Wenn der junge Ehemann und seine Familie von dem Wahnsinn der Mutter erfahren würden, würde die Ehe zerbrechen. Der Pfleger versucht, sich während seiner Arbeit um seine Frau zu kümmern, da sie von anderen Insassen geschlagen wird, aber das stört seine Rolle und er wird vom Leiter der Anstalt ausgeschimpft. Langsam verliert der Pfleger den Kontakt zur Realität und deren Grenzen zum Traum. Er beginnt Tagträume vom Lottogewinn zu haben, als seine Tochter ihn erneut trifft, um ihm zu sagen, dass seine Ehe in Schwierigkeiten steckt. Der Mann denkt daran, seine Frau aus der Anstalt zu holen, um ihre Existenz zu verbergen und jedes Problem zu lösen. Teinosuke Kinugasa ist der Regisseur einiger der besten japanischen Filme der 1920er Jahre. Eine Seite des Wahnsinns wurde mit den großen deutschen expressionistischen Filmen verglichen. Es ist ein experimenteller Film, extrem avantgardistisch, der die Atmosphären und Themen vorwegnimmt, die David Lynch viele Jahre später berühmt machen sollten. Albträume, Verzerrungen,

JETZT ANSEHEN

Emak-Bakia (1926)

„Emak-Bakia“ ist ein weiterer avantgardistischer Kurzfilm, der 1926 vom französischen Filmemacher Man Ray inszeniert wurde. Der Titel „Emak-Bakia“ ist ein baskischer Ausdruck, der ungefähr mit „Lass mich in Ruhe“ oder „Hör auf, mich zu belästigen“ übersetzt werden kann, was dem Film eine geheimnisvolle und mehrdeutige Note verleiht. Der Film ist ein bemerkenswertes Beispiel für dadaistische und surrealistische Kinoästhetik, bekannt für seine traumähnlichen und abstrakten Qualitäten. Er zeigt eine Reihe surrealer und zusammenhangloser Szenen, oft mit experimentellen Kameratechniken und Schnitt. Man Ray verwendete verschiedene visuelle Effekte und Techniken, darunter Doppelbelichtungen, Überlagerungen und schnellen Schnitt, um eine traumhafte und desorientierende Atmosphäre zu schaffen.

„Emak-Bakia“ gilt als eines der bedeutendsten filmischen Werke von Man Ray und verkörpert die surrealistische Faszination für das Unterbewusstsein und Traumbilder. Der Film ist auch bemerkenswert für seinen Einsatz innovativer visueller und filmischer Techniken, die für die damalige Zeit bahnbrechend waren. Wie viele avantgardistische Filme seiner Epoche stellt „Emak-Bakia“ traditionelle Erzählstrukturen in Frage und lädt die Zuschauer ein, seinen abstrakten und symbolischen Inhalt auf eigene Weise zu interpretieren. Er bleibt ein wichtiges und einflussreiches Werk in der Geschichte des experimentellen Kinos und des Surrealismus.

La Coquille et le Clergyman (1928)

„La Coquille et le Clergyman“ ist ein wegweisender avantgardistischer Film, der 1928 von Germaine Dulac, einer französischen Filmemacherin, inszeniert wurde. Er gilt als einer der frühesten surrealistischen Filme und wird oft mit dem surrealistischen Dichter und Schriftsteller Antonin Artaud in Verbindung gebracht, der das Drehbuch schrieb. Der Film zeichnet sich durch seine traumhafte und symbolische Bildsprache sowie seine experimentelle Erzählstruktur aus. „La Coquille et le Clergyman“ erforscht die inneren Gedanken und Begierden eines Geistlichen, der von der Schönheit einer Frau besessen wird und von seinen unterdrückten Sehnsüchten gequält wird. Der Film verwendet surreale und abstrakte Bilder, um die psychische Qual des Geistlichen darzustellen, und verwischt die Grenzen zwischen Realität und Unterbewusstsein.

„La Coquille et le Clergyman“ ist nicht nur wegen seiner surrealistischen Themen bedeutend, sondern auch wegen seiner innovativen Kameraführung und Schnitttechniken. Es war einer der ersten Filme, der traumhafte und symbolische Bilder nutzte, um eine Geschichte zu erzählen, und hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung des surrealistischen Kinos. Der Film wird für seinen bahnbrechenden Erzählansatz und seine Fähigkeit gefeiert, eine hypnotische und traumähnliche Atmosphäre zu schaffen. Er bleibt ein wichtiges Werk in der Geschichte des avantgardistischen und surrealistischen Kinos und gilt als Klassiker des frühen experimentellen Filmschaffens.

Simon of The Desert

Jetzt verfügbar

Komödie, von Luis Buñuel, Mexiko, 1963
Simón, ein langbärtiger Heiliger, lebt auf einer Säule mitten in der Wüste, fast im völligen Fasten. Die Menschen verehren ihn als Messias. Er vollbringt Wunder, widersteht Versuchungen Satans, der ihn in Gestalt einer schönen Frau quält. Eine Reihe grotesker, surrealer, magischer und picaresker Szenen. Das beste Buñuel in nur 45 Minuten.

Denkanstoß
Wer sich aus der Welt zurückzieht, um ein spirituelles Leben zu finden, ist zum Scheitern verurteilt. Versuchungen werden ihm folgen, das Bedürfnis nach Beziehung zu anderen wird ihn nicht verlassen. Nur sein Ego wird durch eine falsche Spiritualität befriedigt. Wahre Spiritualität findet sich im Alltag, in der Gesellschaft, in der wir leben, im täglichen Leben, unter den Menschen, denen wir jeden Tag begegnen.

SPRACHE: Spanisch
UNTERTITEL: Englisch, Französisch, Deutsch, Italienisch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

L’Étoile de mer (1928)

Durch eine Reihe verzerrter Bilder und fragmentierter Szenen zeigt der Film die sich auflösende Beziehung eines Paares. Eine Frau zieht sich hinter mattiertem Glas aus, ein Seestern liegt auf einem Tisch, und philosophische Zwischentitel reflektieren über Liebe und Tod inmitten erotischer Spannung und existenzieller Betrachtungen.

Robert Desnos’ poetisches Drehbuch, visualisiert durch Man Rays experimentelle Fotografie, verkörpert reines surrealistisches Kino durch unscharfe Objektive, Negativabzüge und rotierende Objekte, die Wahrnehmungsnormen stören. Dieser Angriff auf konventionelle Erzählweisen ruft Freuds Traumlogik hervor, in der erotisches Verlangen mit Sterblichkeit verwoben ist und die Zuschauer herausfordert, rationale Interpretation aufzugeben zugunsten einer oneirischen Erfahrung, die das Unbewusste durch visuelle Poesie offenbart.

Ein andalusischer Hund (1929)

„Ein andalusischer Hund“ ist ein berühmter und einflussreicher surrealistischer Kurzfilm unter der Regie von Luis Buñuel und gemeinsam mit Salvador Dalí geschrieben. Er wurde 1929 veröffentlicht und gilt als eines der ikonischsten Werke des surrealistischen Kinos. Der Titel „Ein andalusischer Hund“ hat keine wörtliche narrative Verbindung zu einem Hund. Der Film ist bekannt für seine traumähnliche, nicht-lineare Struktur und seine schockierenden, surrealen Bilder.

„Ein andalusischer Hund“ besteht aus einer Reihe lose verbundener, oft bizarrer und verstörender Vignetten. Er beginnt mit einer berühmten Szene, in der ein Mann (gespielt von Buñuel selbst) ein Rasiermesser schärft und dann das Augenlid einer Frau aufschneidet. Dieses eindrucksvolle und beunruhigende Bild gilt als einer der ikonischsten Momente der Filmgeschichte. Der Film setzt sich mit einer Reihe surrealer und scheinbar zusammenhangloser Szenen fort und folgt keiner traditionellen Erzählstruktur. Stattdessen erforscht er Themen wie Verlangen, Sexualität und das Irrationale durch eine Reihe eindrucksvoller und symbolischer Bilder.

Das goldene Zeitalter (1930)

„Das goldene Zeitalter“ ist ein weiterer einflussreicher surrealistischer Film unter der Regie von Luis Buñuel, der 1930 veröffentlicht wurde. Wie „Ein andalusischer Hund“ wurde dieser Film gemeinsam mit Salvador Dalí geschrieben und ist bekannt für seinen provokativen und surrealen Inhalt. „Das goldene Zeitalter“ ist eine scharfe und satirische Kritik an der bürgerlichen Gesellschaft und ihren Konventionen. Er nutzt surreale und absurde Situationen, um gesellschaftliche Normen herauszufordern und die Heuchelei der zeitgenössischen Moralvorstellungen bloßzustellen. Der Film ist berüchtigt für seine kontroversen und schockierenden Szenen, die sexuelle und blasphemische Bilder enthalten und darauf abzielen, die Empfindlichkeiten seiner Zeit zu provozieren und herauszufordern.

Die Erzählung des Films ist fragmentiert und zusammenhanglos, ähnlich einem Traum oder einem Bewusstseinsstrom. Sie erzählt die Geschichte eines verliebten Paares, das verschiedenen Hindernissen und gesellschaftlichen Zwängen gegenübersteht, die es ihnen verwehren, ihre Beziehung zu vollziehen. Im Verlauf des Films gibt es abrupte und surreale Wechsel in Ton und Thematik. L’Âge d’Or“ stieß bei seiner Veröffentlichung auf Empörung und Kontroversen, und seine Erstaufführung 1930 in Paris führte zu Ausschreitungen und Störungen durch konservative und religiöse Gruppen. Infolgedessen wurde der Film in mehreren Ländern verboten und viele Jahre lang kaum gezeigt.

The Holy Mountain

Jetzt verfügbar

Science-Fiction, Drama, von Alejandro Jodorowsky, 1973, Mexiko.
Ein Mann, genannt Der Dieb, der die Narr-Karte im Tarot repräsentiert, liegt bewusstlos in einer Wüste, umgeben von Schwärmen von Fliegen. Als er aufwacht, trifft er auf einen fuß- und handlosen Zwerg, der die Fünf der Schwerter darstellt. Die beiden werden Freunde und gehen in die nächste Stadt, wo sie Geld verdienen, indem sie Touristen unterhalten. Der Dieb ähnelt Jesus Christus, und nach einem Streit mit einem Priester isst er das Gesicht einer Wachsstatue Christi, symbolisch seinen Körper essend und sich selbst dem Himmel anbietend. Nach vielen Missabenteuern erreicht er die Spitze eines Turms, der das Labor eines mysteriösen Alchemisten ist. Der Alchemist führt ihn durch verschiedene Initiationsriten ein und stellt ihm die sieben mächtigsten Menschen der Erde vor, die in den Bereichen Wohlfahrt, Waffen, Kunst, Unterhaltung, Strafverfolgung, Bauwesen und Wirtschaft tätig sind. Gemeinsam müssen sie den Heiligen Berg erreichen, einen legendären Berg auf einer nicht existierenden Insel, wo neun Weise das Geheimnis der Unsterblichkeit kennen. Ihr Ziel ist es, sie zu eliminieren und ihren Platz einzunehmen.

Zum Nachdenken
In Indien nennt man die Realität der Welt um uns herum Maya, was Illusion bedeutet. Die Wahrheit ist verborgen: Sie ist wie eine Leinwand, auf die man seine Träume und Wünsche projiziert. Physiker haben untersucht, was Materie ist, und sind zu dem Schluss gekommen, dass sie nicht existiert. Woraus besteht also die Materie der Dinge? Sie ist nur kondensierte Energie, die mit sehr hoher Geschwindigkeit vibriert, Erscheinung. Auf einer tiefen Ebene existiert Materie nicht.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Rose Hobart (1936)

Neu geschnittenes Filmmaterial aus dem Film East of Borneo von 1931 konzentriert sich auf die Schauspielerin Rose Hobart, durchsetzt mit verlangsamten Sequenzen, zerbrechendem Glas und unpassenden Einblendungen wie einem rotierenden Globus und einer Mondfinsternis, wodurch eine hypnotische Traumhandlung tropischer Gefahr und unausgesprochener Sehnsucht entsteht.

Joseph Cornells bahnbrechendes Found-Footage-Werk verwandelt das kommerzielle Kino in eine surrealistische Reverie, indem es die Zeit durch Verlangsamung und selektiven Schnitt manipuliert und Hobarts rätselhafte Präsenz als musehafte Erscheinung in den Vordergrund stellt. Dieses proto-experimentelle Stück antizipiert den strukturalistischen Film, greift das Unbewusste durch assoziative Montage auf, die erotische Geheimnisse und kosmische Isolation evoziert, und unterwandert Hollywood-Klischees zu einer meditativen Erforschung von Verlangen und Wahrnehmung.

The Blood of a Poet (1932)

Ein Künstler entdeckt einen neuen Weg, durch einen Spiegel in sein Werk einzutreten, und wird besessen von einer Hand, die aus Ton wächst. Er durchlebt traumähnliche Sequenzen mit einem Maskenball, Schneeballschlachten und einem lebenden Handschuh und stellt sich den Qualen der Schöpfung sowie den Grenzen zwischen Realität und Vorstellung.

Jean Cocteaus erster Teil seiner Orpheus-Trilogie erforscht meisterhaft die Psyche des Künstlers, verbindet hohe Produktionswerte mit avantgardistischen Techniken wie Zeitlupe und diskontinuierlichen Erzählungen. Die filmische Auseinandersetzung mit kreativem Qualen und dem Unbewussten manifestiert sich durch symbolische Bilder – Spiegel als Portale zu inneren Welten, abgetrennte Körperteile als Symbol für zersplitterte Identität – und festigt seinen Status als Eckpfeiler des surrealistischen Kinos, das poetische Reverie über rationalen Diskurs stellt.

Die Schöne und das Biest (1946)

„Die Schöne und das Biest“ ist ein berühmter französischer Film, der 1946 vom Filmemacher Jean Cocteau inszeniert wurde. Er gilt als eine der ikonischsten und beliebtesten filmischen Adaptionen des Märchens „Die Schöne und das Biest“. Die Handlung des Films ist eine Adaption des traditionellen Märchens von Jeanne-Marie Leprince de Beaumont und konzentriert sich auf die Beziehung zwischen Belle, einer jungen und intelligenten Frau, und einem monströsen Biest, das in Wirklichkeit ein verzauberter Prinz ist. Die Handlung folgt Belles Reise, bei der sie über das äußere Erscheinungsbild hinausblickt, um die innere Schönheit des Biests zu entdecken, was letztlich zu seiner Verwandlung zurück in einen Prinzen führt.

„Die Schöne und das Biest“ ist berühmt für sein außergewöhnliches Bühnenbild und die Spezialeffekte, die für seine Zeit als fortschrittlich galten. Jean Cocteau schuf eine magische und märchenhafte Welt, die die visuelle Vorstellungskraft der „Schöne und das Biest“-Geschichte maßgeblich prägte. Der Film ist ein Beispiel für poetisches und surrealistisches Kino, das fantastische Elemente mit einer unverwechselbaren künstlerischen Sensibilität verbindet. Der Film gilt weiterhin als Klassiker des französischen Kinos und als eine der beliebtesten Versionen der „Schöne und das Biest“-Erzählung. Er wird für seine visuelle Schönheit und seinen künstlerischen Zugang zur Märchenerzählung geschätzt, ebenso wie für die Art und Weise, wie er Themen wie innere Schönheit und wahre Liebe erforscht.

Nazarín (1959)

„Nazarín“ ist ein mexikanischer Film aus dem Jahr 1959 unter der Regie des renommierten spanischen Filmemachers Luis Buñuel. Der Film ist eine Adaption des gleichnamigen Romans von Benito Pérez Galdós und zeichnet sich durch seine Auseinandersetzung mit religiösen und moralischen Themen aus. Die Geschichte dreht sich um die Figur des Pater Nazario, gespielt von Francisco Rabal, einen demütigen und frommen katholischen Priester, der bestrebt ist, sein Leben gemäß den Lehren Jesu Christi zu führen. Seine unerschütterliche Hingabe, den Armen und Unterdrückten zu helfen, führt jedoch häufig zu Konflikten mit der Kirchenhierarchie und gesellschaftlichen Normen.

„Nazarín“ ist eine kritische Untersuchung der Widersprüche und Heucheleien innerhalb der Kirche und der Gesellschaft. Die Versuche von Pater Nazario, ein Leben reiner christlicher Tugend zu führen, stoßen auf Skepsis, Ablehnung und Verrat durch sein Umfeld. Der Film stellt Fragen nach der wahren Natur christlicher Nächstenliebe und den Herausforderungen, ein Leben kompromissloser moralischer Prinzipien in einer von Korruption und Zynismus geprägten Welt zu führen. Luis Buñuel, bekannt für sein surrealistisches und subversives Filmschaffen, wählte in „Nazarín“ einen eher geradlinigen und realistischen Ansatz. Dennoch ist sein charakteristischer Stil in der Art und Weise erkennbar, wie er die Komplexität der menschlichen Natur und den Konflikt zwischen religiösen Idealen und irdischen Begierden erforscht.

The Exterminating Angel

Jetzt verfügbar

Drama, von Luis Buñuel, Mexiko, 1962.
Die Handlung dreht sich um eine Gruppe von Menschen, die sich in einer prächtigen Villa zu einem Gala-Dinner versammeln. Nach dem Abendessen stellen sie jedoch fest, dass sie die Villa nicht verlassen können, obwohl die Türen und Fenster verriegelt und die Ausgänge scheinbar blockiert sind. Es folgt eine Art surrealer Albtraum, in dem die Gäste in der Villa gefangen sind und ihr Verhalten sowie ihre sozialen Beziehungen auf bizarre Weise zu zerfallen beginnen.

Der Film behandelt Themen wie soziale Konformität, Entfremdung und den Verfall sozialer Konventionen. Er ist bekannt für seine surrealen Sequenzen und die Art, wie er die Realität und traditionelle Logik infrage stellt. „Der andalusische Hund“ wird oft als satirische Kritik an der Oberschicht und selbstgerechten sozialen Normen interpretiert. Dieser Film ist zu einer Ikone des surrealistischen Kinos geworden und repräsentiert eines von Luis Buñuels markantesten und provokativsten Werken. Er wird sowohl für seine konzeptionelle Komplexität als auch für seine visuelle Extravaganz geschätzt und hat die Filmwelt durch seine Fähigkeit, die Grenzen der filmischen Kunst zu erweitern, beeinflusst. Zu seiner Zeit hielten viele ihn für den letzten Film von Buñuels Karriere. Es war jedoch der erste einer Reihe von Meisterwerken.

SPRACHE: Spanisch
UNTERTITEL: Englisch

JETZT ANSEHEN

Letztes Jahr in Marienbad (1961)

„Letztes Jahr in Marienbad“ (französisch: „L’Année dernière à Marienbad“) ist ein hoch einflussreicher französischer Film unter der Regie von Alain Resnais, der 1961 veröffentlicht wurde. Der Film wird für seine avantgardistische und rätselhafte Erzählweise sowie für seine innovativen visuellen und erzählerischen Techniken gefeiert. Die Handlung des Films ist bewusst schwer fassbar und offen für Interpretationen. Sie dreht sich um einen Mann (gespielt von Giorgio Albertazzi), der eine Frau (gespielt von Delphine Seyrig) in einem luxuriösen europäischen Hotel trifft. Der Mann besteht darauf, dass sie sich im Vorjahr am selben Ort getroffen hätten und geplant hätten, gemeinsam zu fliehen. Die Frau erinnert sich jedoch nicht an diese Begegnung, und die Erzählung wird zu einem komplexen Spiel von Erinnerung, Zeit und Realität.

„Letztes Jahr in Marienbad“ ist bekannt für seine komplexe und nicht-lineare Erzählstruktur, bei der Szenen und Dialoge oft wiederholt oder neu arrangiert werden. Der Film verwischt die Grenzen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Erinnerung und Fantasie sowie Realität und Traum und erzeugt so ein Gefühl von Desorientierung und Geheimnis. Der markante visuelle Stil des Films, geprägt von eleganter Schwarz-Weiß-Kinematografie und dem Einsatz langer Kamerafahrten, trägt zu seiner hypnotischen und traumähnlichen Atmosphäre bei. Das Hotellokal ist visuell opulent und labyrinthartig gestaltet, was das Gefühl von Mehrdeutigkeit und Unsicherheit verstärkt.

Juliet der Geister (1965)

„Juliet der Geister“ ist ein italienischer Film unter der Regie von Federico Fellini, der 1965 veröffentlicht wurde. Der Film ist bemerkenswert als Fellinis erster Farbspielfilm und bekannt für seine traumhafte und surreale Qualität. Die Handlung folgt der Geschichte von Giulietta, gespielt von Giulietta Masina, einer Frau mittleren Alters, die eine persönliche Krise in ihrer Ehe durchlebt. Sie beginnt zu vermuten, dass ihr Ehemann ihr untreu ist, und sucht Trost und Antworten durch Begegnungen mit einer Vielzahl exzentrischer und mystischer Figuren.

„Juliet der Geister“ wird oft als Reise in die innere Welt der Protagonistin beschrieben, die die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verwischt. Der Film ist reich an Symbolik und enthält Traumsequenzen, Halluzinationen sowie farbenfrohe und extravagante Bilder, die Giuliettas innere Unruhe und Sehnsüchte widerspiegeln. Fellinis Film behandelt Themen wie weibliche Selbstbestimmung, Sexualität und die Suche nach persönlicher Identität. Er stellt eine Abkehr von seinen früheren neorealistischen Werken dar und markiert den Übergang zu einem surrealeren und fantastischen Stil des Filmemachens.

Der Film wird für seine visuelle Erfindungsgabe und die Darstellung von Giulietta Masina in der Titelrolle gefeiert. Er gilt als bedeutendes Werk in Fellinis Filmografie und in der Geschichte des italienischen Kinos. „Juliet der Geister“ wird für seine einzigartige und phantasievolle Erzählweise geschätzt und zählt zu den Klassikern des europäischen Kinos.

Wochenende (1967)

„Wochenende“ ist ein französischer Film von 1967 unter der Regie von Jean-Luc Godard. Er ist bekannt für seinen experimentellen und provokativen Stil sowie seine scharfe gesellschaftliche und politische Kritik. Der Film wird oft mit der Französischen Nouvelle Vague in Verbindung gebracht und gilt als eines von Godards kühnsten Werken. Die Handlung folgt einem bürgerlichen Ehepaar, Roland und Corinne, die sich zu einem Wochenendausflug aufmachen, um den Vater der Frau zu besuchen und ein Erbe einzusammeln. Auf ihrer Reise begegnen sie einer Reihe bizarrer und surrealer Situationen, darunter Staus, Autounfälle und Begegnungen mit verschiedenen exzentrischen Figuren.

„Weekend“ ist berühmt für seine ausgedehnte Kamerafahrt durch einen massiven Verkehrsstau, eine der ikonischsten und einprägsamsten Sequenzen des Films. Der Film enthält zudem Szenen mit expliziter Gewalt und schwarzem Humor. Über seine unkonventionelle Erzählweise und Bildsprache hinaus ist „Weekend“ eine scharfe Kritik am Konsumismus, Materialismus und der Dekadenz der westlichen Gesellschaft. Er behandelt Themen wie Gier, Ausbeutung und den Zerfall der sozialen Ordnung. Godard nutzt das Chaos und die Gewalt im Film als Metapher für die gesellschaftlichen Umwälzungen der 1960er Jahre.

Fando y Lis (1968)

„Fando y Lis“ ist ein mexikanischer Film von 1968 unter der Regie von Alejandro Jodorowsky. Er basiert auf einem Theaterstück von Fernando Arrabal und markiert Jodorowskys Regiedebüt. Der Film ist bekannt für seinen surrealen und provokativen Inhalt und gilt als frühes Beispiel für Avantgarde-Kino. Die Geschichte folgt Fando, gespielt von Sergio Kleiner, und seiner gelähmten Freundin Lis, gespielt von Diana Mariscal, die sich auf eine surreale und alptraumhafte Reise durch eine postapokalyptische Landschaft begeben, um die mythische Stadt Tar zu finden. Auf ihrem Weg begegnen sie einer Reihe bizarrer und grotesker Figuren und Situationen.

„Fando y Lis“ zeichnet sich durch traumähnliche und halluzinatorische Bildwelten sowie durch den Einsatz religiöser und sexueller Symbolik aus. Der Film ist bekannt dafür, die Grenzen konventionellen Erzählens zu sprengen und durch provokanten und kontroversen Inhalt aufzufallen, der explizite Szenen und Gewaltdarstellungen einschließt. Bei seiner Veröffentlichung löste „Fando y Lis“ erhebliche Kontroversen aus und wurde in mehreren Ländern verboten. Er war zudem Gegenstand von Debatten innerhalb der Avantgarde- und Gegenkulturbewegungen der 1960er Jahre.

Die Milchstraße (1969)

„Die Milchstraße“ ist ein Film von 1969 unter der Regie des spanischen Filmemachers Luis Buñuel. Der Film ist bekannt für seine surreale und provokative Natur und behandelt religiöse Themen kritisch und provokativ. Die Handlung folgt zwei Vagabunden, gespielt von Paul Frankeur und Laurent Terzieff, die zu Fuß durch Frankreich reisen. Auf ihrer Reise begegnen sie einer Reihe von Figuren und führen theologische und religiöse Diskussionen. Im Verlauf ihrer Reise nehmen die Episoden surreale und metaphysische Züge an, in denen sie Darstellungen verschiedener religiöser Häresien und historischer Widersprüche begegnen.

„Die Milchstraße“ ist bekannt für seinen provokativen Stil und seine nicht-lineare Erzählweise. Der Film setzt sich kritisch mit religiösen Themen auseinander und konzentriert sich auf theologische Debatten, doktrinäre Widersprüche und die Vielfalt religiöser Glaubensrichtungen. Buñuel nutzt die Reise der Protagonisten als eine Art Erkundung religiöser Ungläubigkeit und der Suche nach Wahrheit. Der Film ist durchdrungen von Buñuels typischem surrealen Geist und enthält Elemente schwarzen Humors und Satire. Er gilt als ein emblematisches Werk des surrealen Kinos und stellt eine der kühnsten und provokantesten filmischen Auseinandersetzungen mit religiösen Fragen dar.

12 cm of heel

Jetzt verfügbar

Kurzfilm, Thriller, von Fabio Giovinazzo, Italien, 2018.
„12 cm High Heels“ ist ein mittel-langer Thrillerfilm unter der Regie von Fabio Giovinazzo, in dem ein brutaler Mord zunehmend dem Geschmack für das Fantastische und das Bizarrere entspricht.

SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch

JETZT ANSEHEN

Satyricon (1969)

„Satyricon“ ist ein italienischer Film aus dem Jahr 1969 unter der Regie von Federico Fellini. Er basiert lose auf dem Werk „Satyricon“ des antiken römischen Autors Petronius, das zu den frühesten erhaltenen fiktionalen Werken der westlichen Literatur zählt. Fellinis Filmadaption ist bekannt für ihre surrealen und extravaganten Bilder sowie für die Erkundung von Themen wie Dekadenz und Ausschweifung im antiken Rom. Der Film folgt keiner traditionellen Erzählstruktur, sondern präsentiert eine Reihe lose verbundener Episoden und Vignetten, die die Abenteuer und Missgeschicke von Encolpio und Ascilto, zwei Freunden im antiken Rom, darstellen. Ihre Reise führt sie durch eine bizarre und dekadente Welt voller exzentrischer Charaktere, erotischer Begegnungen und surrealer Landschaften.

Fellinis „Satyricon“ wird für seine extravaganten Bühnenbilder, farbenfrohen Kostüme und traumähnlichen Sequenzen gefeiert. Er fängt die Dekadenz und den moralischen Verfall der antiken römischen Gesellschaft ein und dient zugleich als Kommentar zu zeitgenössischen Problemen und dem Niedergang der westlichen Zivilisation. Die nicht-lineare und fragmentarische Erzählweise des Films sowie seine visuelle und thematische Fülle haben ihn zu einem Gegenstand kritischer Analyse und Interpretation gemacht. Er gilt als eines der visuell beeindruckendsten und kühnsten Werke Federico Fellinis und zeigt seinen einzigartigen Ansatz im Filmemachen.

Der Einäschere

„Der Einäschere“ (tschechisch: „Spalovač mrtvol“) ist ein tschechoslowakischer Film aus dem Jahr 1969 unter der Regie von Juraj Herz. Dieser Film ist ein düsteres und verstörendes Werk, das dem Horror- und psychologischen Thriller-Genre zuzuordnen ist. Er basiert auf einem Roman von Ladislav Fuks. Die Handlung spielt im Prag der 1930er Jahre und folgt dem Leben von Karl Kopfrkingl, dargestellt von Rudolf Hrušínský. Karl ist ein scheinbar gutmütiger und äußerst effizienter Einäschere, der in einem Krematorium arbeitet. Doch je mehr er sich seiner Arbeit hingibt und von der nationalsozialistischen Ideologie beeinflusst wird, desto mehr glaubt er, dass das Einäschern der Menschen ihre Seelen befreit und dass er eine göttliche Mission hat, so viele Seelen wie möglich durch das Einäschern der Lebenden zu „retten“.

„Der Einäschere“ behandelt Themen wie Wahnvorstellungen, Fanatismus und die entmenschlichenden Auswirkungen des Totalitarismus. Der Film ist bekannt für seine beklemmende Atmosphäre, surrealen Bilder und den allmählichen Abstieg des Protagonisten in den Wahnsinn. Die Regie von Juraj Herz und die Darstellung von Hrušínský werden hoch gelobt, da sie ein erschreckendes und zum Nachdenken anregendes filmisches Erlebnis schaffen. „Der Einäschere“ gilt als Meisterwerk des tschechischen Kinos und bleibt eine kraftvolle und verstörende Erforschung der menschlichen Psyche unter extremen Umständen. Er wird als Klassiker des osteuropäischen Kinos betrachtet und wird weiterhin für seine komplexen Themen und visuelle Erzählweise studiert.

El Topo (1970)

„El Topo“ ist ein mexikanischer Westernfilm aus dem Jahr 1970, der von Alejandro Jodorowsky inszeniert wurde, der auch die Hauptrolle spielt. Der Film ist bekannt für seinen surrealen und avantgardistischen Stil und wird oft als Kultklassiker eingestuft. „El Topo“ war ein bahnbrechendes Werk, das einen bedeutenden Einfluss auf die Welt des Kinos hatte. Die Handlung folgt El Topo, einem Revolverhelden, gespielt von Jodorowsky, der sich auf eine Suche nach Erleuchtung begibt. Die Erzählung verbindet Elemente des Western-Genres mit surrealen und allegorischen Themen. El Topos Reise führt ihn durch eine Reihe bizarrer und symbolischer Begegnungen, die jeweils seine Wahrnehmungen und Überzeugungen herausfordern.

„El Topo“ zeichnet sich durch seine einzigartige und visuell beeindruckende Kinematographie, seine religiöse und philosophische Symbolik sowie seine Erforschung von Sexualität und Gewalt aus. Der Film war einflussreich bei der Einführung des Konzepts des Mitternachtsfilms und wurde besonders unter Gegenkultur- und Underground-Kino-Publikums zu einer Kultsensationen. Alejandro Jodorowskys unkonventioneller und provokativer Erzählstil in „El Topo“ machte ihn zu einem Meilenstein im Bereich des Avantgarde- und Experimentalfilms. Die nicht-lineare Erzählweise und die surrealen Bilder des Films fordern traditionelle filmische Konventionen heraus und inspirieren bis heute Filmemacher und Künstler.

Malpertuis (1971)

Nachdem er den Tod seiner Tante miterlebt hat, kehrt der Matrose Jan in ihr unheimliches Haus Malpertuis zurück, wo mythische griechische Götter durch einen Fluch in menschlichen Gestalten gefangen sind. Während sich die Realität durch Halluzinationen und wechselnde Identitäten verzerrt, entwirrt er ein alptraumhaftes Labyrinth familiärer Geheimnisse und ewiger Verdammnis.

Harry Kumels gotisch-surrealistisches Meisterwerk verwebt mythologische Archetypen in ein verfallendes bürgerliches Setting, nutzt verzerrte Optiken, Trompe-l’œil-Kulissen und Orson Welles‘s eindrucksvolle Präsenz, um Traum- und Wachzustände zu verwischen. Die unbewussten Unterströmungen des Films – inzestuöse Spannungen, göttliche Gefangenschaft – spiegeln surrealistische Obsessionen mit der Tyrannei der Begierde wider und kulminieren in einem halluzinatorischen Zusammenbruch, der die rationale Ordnung kritisiert und seinen Platz in der Traum-Noir-Tradition des europäischen Arthouse-Kinos bestätigt.

Der diskrete Charme der Bourgeoisie (1972)

„Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ ist ein französischer Film aus dem Jahr 1972 unter der Regie von Luis Buñuel. Der Film ist eine surreale und satirische Komödie, die die Absurditäten und Heucheleien der oberen Mittelschicht untersucht. Die Erzählung ist in einer Reihe von Vignetten strukturiert und dreht sich um eine Gruppe von sechs Personen aus der oberen Mittelschicht, die wiederholt versuchen, gemeinsam zu essen, aber ständig durch seltsame und surreale Ereignisse unterbrochen werden. Diese Störungen reichen von bizarren Träumen bis hin zu politischen Revolutionen und verdeutlichen die Unfähigkeit der Figuren, ihre grundlegenden Wünsche zu erfüllen.

Buñuel nutzt die absurden und traumähnlichen Situationen des Films, um die Selbstzufriedenheit und die Abkopplung des Bürgertums von den Realitäten der Welt zu kritisieren. Die Figuren werden als selbstbezogen und ahnungslos gegenüber dem Leid und den Turbulenzen außerhalb ihrer sozialen Blase dargestellt. Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ ist bekannt für seinen scharfen Witz, seinen cleveren Humor und seine subversiven Kommentare zur sozialen Klasse und den bürgerlichen Werten. Er gewann 1973 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film und gilt als eines von Buñuels Meisterwerken.

The Grin and the Cow

Jetzt verfügbar

Experimenteller Musikfilm von Fabio Nicosia, Italien, 2020.
Musikfilm mit psychologischem Einschlag. Die Monster der kindlichen Vorstellungskraft wandern durch die verschiedenen Lebensphasen des Individuums. Die Schatten, Geister und Ängste, die wir gezähmt, aber nicht beseitigt haben und die immer wieder in Träumen, Sprache, Malerei, Architektur und Erzählungen auftauchen. Ein unkonventioneller Film, der mit unkonventionellen Bildern den Blick des Zuschauers durchdringen kann. Auf der Suche nach jener Traumwelt, die dem Kind gehörte, das wir waren, und die wir mit seiner Kreativität und seinen Ängsten wiederentdecken können.

JETZT ANSEHEN

Roma (1972)

Roma“ ist ein italienischer Film aus dem Jahr 1972 unter der Regie von Federico Fellini. Der Film ist ein semi-autobiografisches Werk, das ein poetisches und impressionistisches Porträt Roms sowie einige von Fellinis eigenen Erinnerungen und Erfahrungen präsentiert. Der Film ist nicht in einem traditionellen narrativen Format strukturiert, sondern bietet stattdessen eine Reihe von Vignetten und Episoden, die verschiedene Aspekte des Lebens in Rom einfangen. Er verbindet Realismus mit Surrealismus, während Fellini sowohl die historischen als auch die zeitgenössischen Aspekte der Stadt erkundet. Der Film behandelt Themen wie Erinnerung, Zeit und den Verlauf der Geschichte.

Roma“ ist bekannt für seine visuelle Fülle und seine eindrucksvolle Darstellung der Stadt. Er enthält aufwendige und traumhafte Sequenzen, darunter eine denkwürdige Verkehrsstau-Szene, sowie Momente von Humor, Nostalgie und Reflexion. Fellinis Verwendung von Rom sowohl als Kulisse als auch als Charakter im Film ermöglicht es ihm, seine eigenen persönlichen Verbindungen zur Stadt zu erforschen und gleichzeitig breitere Themen der italienischen Kultur und Gesellschaft zu behandeln. „Roma“ gilt als eines von Fellinis persönlicheren und introspektiveren Werken und zeigt seinen unverwechselbaren Stil als Filmemacher.

Pink Flamingos (1972)

Pink Flamingos“ ist ein amerikanischer Underground-Film aus dem Jahr 1972 unter der Regie von John Waters. Dieser Kultfilm ist bekannt für seinen provokativen und transgressiven Inhalt, der die Grenzen von Geschmack und Akzeptanz überschreitet. Pink Flamingos“ wird oft mit dem Midnight Movie-Phänomen und dem Aufstieg des unabhängigen, subversiven Kinos in Verbindung gebracht. Der Film konzentriert sich auf die Figur Divine, gespielt von der ikonischen Dragqueen Divine (Harris Glenn Milstead), die mit ihrer Familie in einem Wohnwagen lebt und um den Titel „die schmutzigste Person der Welt“ gegen andere Konkurrenten kämpft. Der Film ist voller expliziter und schockierender Szenen, darunter Nacktheit, Gewalt und verschiedene Formen von Abweichungen.

John Waters nutzte „Pink Flamingos“, um gesellschaftliche Normen und Konventionen herauszufordern, insbesondere in den Bereichen Sexualität und Geschlechtsidentität. Der Film ist eine Feier des Grotesken und eine Ablehnung der Mainstream-Werte. Trotz seiner Berüchtigtheit und seines kontroversen Inhalts hat „Pink Flamingos“ einen nachhaltigen Einfluss auf das Underground- und Independent-Kino gehabt. Er bleibt ein bedeutendes Werk in der Geschichte des transgressiven Kinos und gilt als Meilenstein in der Subversion kultureller Normen.

Der Geist des Bienenstocks (1973)

„Der Geist des Bienenstocks“ ist ein spanischer Film von 1973 unter der Regie von Víctor Erice. Der Film gilt als Meisterwerk des spanischen Kinos und als eines der besten Beispiele für Autorenkino. Die Handlung spielt im ländlichen Spanien im Jahr 1940, kurz nach dem Ende des Spanischen Bürgerkriegs. Der Film folgt dem Leben eines jungen Mädchens namens Ana, gespielt von Ana Torrent, die von James Whales Film „Frankenstein“ aus dem Jahr 1931 fasziniert ist. Nachdem sie den Film in einem kleinen Dorfkino gesehen hat, entwickelt Ana eine Obsession für das Frankenstein-Monster.

„Der Geist des Bienenstocks“ ist bekannt für seine melancholische Atmosphäre und sein kontemplatives Tempo. Der Film erforscht Themen wie Isolation, Einsamkeit und Ernüchterung durch die Augen eines Kindes. Er ist zudem ein hochsymbolisches Werk, wobei das Frankenstein-Monster die Angst und Entfremdung repräsentiert, die die spanische Gesellschaft nach dem Krieg durchdringen. Der Film ist berühmt für seine atemberaubende Kinematographie und seine Fähigkeit, die Schönheit und Verlassenheit der spanischen Landschaft einzufangen. Besonders gelobt werden die schauspielerischen Leistungen, vor allem die der jungen Ana Torrent. „Der Geist des Bienenstocks“ ist ein zutiefst poetischer und reflektierender Film, der sich einen Ehrenplatz im spanischen Kino erobert hat. Er gilt als Kunstwerk im Kino und wird weiterhin für seine visuelle Schönheit und seine tiefgründige Erforschung innerer Konflikte von Individuen studiert und geschätzt.

Fantastischer Planet (1973)

Auf dem fremden Planeten Ygam beherrschen winzige humanoide Draags riesige Menschen, die Oms genannt werden. Ein verwaister Om, der von einem Draag-Kind aufgezogen wird, lernt deren Kultur kennen, bevor er flieht, um eine Rebellion anzuführen – inmitten bizarrer Landschaften, psychedelischer Rituale und interspezifischer Konflikte.

René Lalouxs animierte Odyssee, umgesetzt in den eindringlichen Bildern von Roland Topor, nutzt surrealistischen Automatismus durch fließende, organische Formen und nicht-euklidische Räume, die das ursprüngliche Unbewusste heraufbeschwören. Narrative Brüche und symbolische Paarungsriten untergraben anthropozentrische Logik und kanalisieren Bretons revolutionären Geist in eine ökologische Allegorie, in der menschliche Einfallsreichtum über kosmische Tyrannei triumphiert – ein Höhepunkt der arthouse-Animation mit traumhafter Entfremdung.

Das Phantom der Freiheit (1974)

„Das Phantom der Freiheit“ ist ein französischer Film von 1974 unter der Regie von Luis Buñuel. Der Film ist eine surrealistische und satirische Erkundung verschiedener absurder und unkonventioneller Szenarien, die konventionelle soziale Normen und Erwartungen infrage stellen. Der Film ist als eine Reihe lose miteinander verbundener Vignetten strukturiert, die jeweils bizarre und störende Situationen darstellen. Zu diesen Szenarien gehören ein Abendessen, bei dem die Gäste auf Toiletten statt auf Stühlen sitzen, eine Gruppe von Mönchen, die sich seltsam verhalten, und eine Polizeiermittlung, die in umgekehrter chronologischer Reihenfolge abläuft.

„Das Phantom der Freiheit“ ist bekannt für seinen absurden Humor, seine traumähnliche Logik und seine Fähigkeit, traditionelle Erzählstrukturen zu unterlaufen. Buñuel nutzt diese zusammenhanglosen Szenen, um verschiedene Aspekte der Gesellschaft zu kritisieren und zu verspotten, darunter Religion, das Rechtssystem und bürgerliche Normen. Wie bei vielen Werken Buñuels lädt „Das Phantom der Freiheit“ die Zuschauer ein, die Konventionen und Heucheleien des Alltagslebens zu hinterfragen. Es ist ein Film, der Interpretation und Reflexion fördert, wobei seine surreale und fragmentarische Erzählweise die Erwartungen des Zuschauers herausfordert und ihn dazu anregt, über die Absurditäten der menschlichen Existenz nachzudenken.

Testament of Orpheus

Jetzt verfügbar

Drama-Film von Jean Cocteau, Frankreich, 1960.
In seinem neuesten Film ist der legendäre Jean Cocteau ein Dichter, der durch die Zeit reist, um Erleuchtung zu finden. In einer geheimnisvollen Einöde trifft er auf verlorene Seelen, was zu seinem Tod und seiner Auferstehung führt. Mit einer außergewöhnlichen Besetzung, darunter Pablo Picasso, Jean-Pierre Léaud, Lucia Bosè, Yul Brynner, Brigitte Bardot, schließt Testament des Orpheus Cocteaus außergewöhnliche Forschung über die Beziehung zwischen Kunst und Leben ab.

SPRACHE: Französisch
UNTERTITEL: Englisch, Italienisch

JETZT ANSEHEN

Dieses Obskure Objekt der Begierde (1977)

„Dieses Obskure Objekt der Begierde“ ist ein französisch-spanischer Film von 1977 unter der Regie von Luis Buñuel. Der Film ist eine surreale und provokative Erkundung von Begierde, Obsession und den Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Die Handlung des Films dreht sich um die Figur Mathieu, einen wohlhabenden und älteren Franzosen, gespielt von Fernando Rey, der sich in eine junge Spanierin namens Conchita verliebt. Conchita wird von zwei verschiedenen Schauspielerinnen dargestellt, Carole Bouquet und Ángela Molina, die die Rolle im Verlauf des Films abwechselnd spielen. Diese Dualität verstärkt das Gefühl von Mehrdeutigkeit und Surrealismus im Film.

Mathieus Verfolgung von Conchita ist geprägt von seiner obsessiven Begierde nach ihr, und ihre Beziehung ist durch eine Reihe seltsamer und rätselhafter Begegnungen gekennzeichnet. Conchita entzieht sich ständig Mathieus Annäherungsversuchen, wodurch eine Dynamik von Verlangen und Frustration entsteht. Buñuel nutzt „Dieses Obskure Objekt der Begierde“, um in die Komplexitäten menschlicher Begierde, den Machtkampf zwischen den Geschlechtern und die Irrationalität der Liebe einzutauchen. Der Film ist voller surrealer und traumähnlicher Sequenzen, die konventionelles Erzählen herausfordern und die Zuschauer dazu einladen, die Natur von Begierde und Obsession zu hinterfragen. Wie viele von Buñuels Filmen zeichnet sich „Dieses Obskure Objekt der Begierde“ durch seinen scharfen Witz und subversiven Kommentar zu gesellschaftlichen Normen und sexueller Politik aus. Es ist ein zum Nachdenken anregendes und rätselhaftes Werk, das Interpretation und Reflexion über die Geheimnisse menschlicher Begierde fördert.

Eraserhead (1977)

„Eraserhead“ ist ein amerikanischer surrealistischer Body-Horror-Film von 1977 unter der Regie von David Lynch. Dieser Kultklassiker ist Lynchs erster Spielfilm und bekannt für seine beunruhigende und traumähnliche Atmosphäre sowie seine Fähigkeit, ein Gefühl existenzieller Angst hervorzurufen. Der Film folgt dem Leben von Henry Spencer, gespielt von Jack Nance, einem Mann, der in einer industriellen, dystopischen Landschaft lebt. Nachdem seine Freundin ein deformiertes und scheinbar unmenschliches Baby zur Welt gebracht hat, gerät Henrys Leben in eine Reihe verstörender und surrealer Ereignisse. Während er darum kämpft, sich um das Kind zu kümmern und sich in seiner trostlosen Umgebung zurechtzufinden, behandelt der Film Themen wie Isolation, Entfremdung und die Schrecken des Alltags.

„Eraserhead“ ist bekannt für seine karge Schwarz-Weiß-Kinematographie, das unheimliche Sounddesign und die unkonventionelle Erzählstruktur. Es enthält eine eindringliche und andereweltliche Filmmusik des Komponisten Alan R. Splet, die zur alptraumhaften Qualität des Films beiträgt. David Lynchs „Eraserhead“ wird oft als ein wegweisendes Werk des Independent-Kinos und als ein herausragendes Beispiel für Lynchs unverwechselbaren Filmstil angesehen. Seine rätselhafte und offen gehaltene Erzählweise lässt Raum für Interpretation und hat ihn zu einem Gegenstand akademischer Analyse und Diskussion gemacht.

Stalker (1979)

„Stalker“ ist ein sowjetischer Science-Fiction-Film aus dem Jahr 1979 unter der Regie von Andrei Tarkovsky. Dieses visuell beeindruckende und philosophische Werk gilt oft als einer der größten Filme der Filmgeschichte und ist ein Eckpfeiler von Tarkovskys Filmografie. Der Film basiert lose auf dem Roman „Roadside Picnic“ von Arkady und Boris Strugatsky und spielt in einer geheimnisvollen und postapokalyptischen Landschaft, die als „Die Zone“ bekannt ist. In dieser Zone gibt es einen Raum, der angeblich die innersten Wünsche jedes Betretenden erfüllt. Ein Führer, bekannt als „Stalker“, begleitet zwei Klienten, den Schriftsteller und den Professor, in die Zone auf der Suche nach diesem rätselhaften Raum.

„Stalker“ ist berühmt für sein langsames und bedachtes Tempo, lange Einstellungen und komplexe philosophische Themen. Er behandelt Fragen über die Natur menschlicher Begierde, die Kraft des Glaubens und die Konsequenzen der Erfüllung tiefster Wünsche. Der visuelle Stil des Films zeichnet sich durch seine eindrucksvolle Kinematographie aus, wobei Tarkovsky und Kameramann Alexander Knyazhinsky unvergessliche und faszinierende Bilder schaffen. Der Einsatz von Farbe und Komposition trägt zur traumähnlichen Qualität des Films bei.

Alice (1988)

„Alice“ ist ein amerikanischer Fantasy-Film aus dem Jahr 1988 unter der Regie des tschechischen Filmemachers Jan Švankmajer. Der Film ist eine düstere und surreale Adaption von Lewis Carrolls „Alice im Wunderland“ und „Durch den Spiegel und was Alice dort fand“. Er kombiniert Live-Action mit Stop-Motion-Animation und Puppenspiel, um eine einzigartig verstörende und traumähnliche Interpretation des klassischen Märchens zu schaffen.

In dieser Version von Alices Abenteuern beginnt der Film mit einer Live-Action-Alice, die nach dem Einschlafen von einer alptraumhaften Welt voller bizarrer und grotesker Figuren träumt. Švankmajer verwendet eine Vielzahl unkonventioneller und manchmal verstörender Techniken, um Carrolls Geschichte zum Leben zu erwecken. Alltägliche Gegenstände werden in surreale und oft beunruhigende Kreationen verwandelt, und der Film verwischt die Grenze zwischen dem Gewöhnlichen und dem Fantastischen. „Alice“ ist bekannt für seine akribische Detailverliebtheit in der Stop-Motion-Animation und seine Fähigkeit, ein Gefühl von Unbehagen und Staunen zu erzeugen. Er erforscht Themen wie Transformation, Identität und die Absurdität des Alltags, während er eine deutlich dunkle und surreale Atmosphäre bewahrt.

The Reflecting Skin (1990)

„The Reflecting Skin“ ist ein britisch-kanadischer Horrorfilm aus dem Jahr 1990, geschrieben und inszeniert von Philip Ridley. Der Film ist bekannt für seine düstere und atmosphärische Erzählweise sowie für die Erforschung von Themen wie Unschuld, Gewalt und das Landleben. Die Handlung spielt im amerikanischen Mittleren Westen der 1950er Jahre und folgt dem Leben eines Jungen namens Seth Dove, gespielt von Jeremy Cooper. Seth wird fasziniert von den mysteriösen und verstörenden Ereignissen in seiner kleinen ländlichen Gemeinde, darunter die unerklärlichen Todesfälle mehrerer Kinder. Während er tiefer in die Geheimnisse eintaucht, begegnet er einer Reihe bizarrer und beunruhigender Figuren, darunter seine problematische Familie und eine geheimnisvolle Frau namens Dolphin Blue, gespielt von Lindsay Duncan.

„The Reflecting Skin“ zeichnet sich durch seine stimmungsvolle und eindrucksvolle Kinematografie aus, die ein Gefühl von Unbehagen und Unheil erzeugt. Der Film behandelt Themen wie den Verlust der Unschuld, die Auswirkungen von Gewalt auf Individuen und Gemeinschaften sowie die verschwimmende Grenze zwischen Realität und Übernatürlichem. Philip Ridleys Regiestil in „The Reflecting Skin“ wird oft als traumhaft und albtraumhaft zugleich beschrieben. Der Film verbindet Elemente von Horror, Drama und Surrealismus zu einer einzigartigen und eindringlichen Erzählung.

Arizona Dream (1993)

„Arizona Dream“ ist eine surrealistische Tragikomödie aus dem Jahr 1993, inszeniert von Emir Kusturica. Der Film ist bekannt für seine exzentrische und traumähnliche Erzählweise, die Elemente von Komödie, Drama und Surrealismus miteinander verbindet. Die Geschichte folgt Axel Blackmar, gespielt von Johnny Depp, einem jungen Mann aus New York, der nach Arizona reist, um an der Hochzeit seines Onkels Leo teilzunehmen. Während seines Aufenthalts in Arizona gerät Axel in eine Reihe bizarrer und skurriler Ereignisse, darunter die Liebe zu zwei Frauen, Elaine und Grace, gespielt von Faye Dunaway bzw. Lili Taylor. Der Film behandelt Themen wie Liebe, Freiheit und das Streben nach den eigenen Träumen.

„Arizona Dream“ zeichnet sich durch seinen eigenwilligen und skurrilen Humor sowie durch den Einsatz surrealer und fantastischer Elemente aus. Er enthält surreale Traumsequenzen und phantasievolle Ausflüge, die zur einzigartigen und unvorhersehbaren Erzählweise beitragen. Der Film profitiert zudem von einem markanten Soundtrack, komponiert von Goran Bregović, der osteuropäische und Zigeunermusik mit einem zeitgenössischen Twist verbindet.

Mulholland Drive (2001)

„Mulholland Drive“ ist ein amerikanischer Neo-Noir-Mystery-Thriller aus dem Jahr 2001, geschrieben und inszeniert von David Lynch. Der Film ist bekannt für seine komplexe und rätselhafte Erzählweise sowie seine surreale und traumähnliche Atmosphäre. Er erhielt viel Kritikerlob und gilt oft als einer der größten Filme des 21. Jahrhunderts. Die Geschichte von „Mulholland Drive“ dreht sich um eine junge Frau namens Betty Elms, gespielt von Naomi Watts, die nach Los Angeles kommt, um Schauspielerin zu werden. Sie entdeckt in der Wohnung ihrer Tante eine amnesische Frau namens Rita, gespielt von Laura Harring, und gemeinsam begeben sie sich auf eine geheimnisvolle und verwirrende Reise, um Ritas wahre Identität zu enthüllen. Während sie tiefer in die labyrinthartigen Geheimnisse Hollywoods eintauchen, behandelt der Film Themen wie Identität, Illusion und die dunkle Kehrseite des Ruhms.

„Mulholland Drive“ wird für seine nichtlineare Erzählweise und seine Fähigkeit gefeiert, die Grenzen zwischen Realität und Traum zu verwischen. Der Film ist in zwei deutlich voneinander getrennte Teile gegliedert, wobei der zweite Teil eine Neuinterpretation der Ereignisse aus dem ersten Teil bietet und der Erzählung zusätzliche Komplexität verleiht. David Lynchs charakteristischer Surrealismus und sein Lynch’scher Stil kommen in „Mulholland Drive“ voll zur Geltung, und der Film besticht durch eindringliche Bilder, eine fesselnde Filmmusik von Angelo Badalamenti sowie unvergessliche Darstellungen des Ensembles.

Der Film hat umfangreiche Analysen und Interpretationen ausgelöst, mit verschiedenen Theorien über seine Bedeutung und Symbolik. Er bleibt ein Gegenstand intensiver Diskussionen und Debatten unter Cineasten und Wissenschaftlern. „Mulholland Drive“ ist ein filmisches Meisterwerk, das konventionelle Erzählweisen herausfordert und die Zuschauer einlädt, in seine rätselhafte und hypnotische Welt einzutauchen. Er bleibt ein Zeugnis für David Lynchs filmisches Können und seine Fähigkeit, zum Nachdenken anregendes und verstörendes Kino zu schaffen.

Inland Empire (2006)

„Inland Empire“ ist ein experimenteller Mystery-Film aus dem Jahr 2006, geschrieben und inszeniert von David Lynch. Er ist bekannt für seine komplexe und rätselhafte Erzählung, surrealistische Elemente und den Einsatz von Digitalvideo. Der Film ist Lynchs längstes und eines seiner herausforderndsten Werke mit einer Laufzeit von über drei Stunden. Die Geschichte von „Inland Empire“ dreht sich um eine Schauspielerin namens Nikki Grace, gespielt von Laura Dern, die für ein mysteriöses Filmprojekt engagiert wird. Während sie sich in ihre Rolle vertieft, verschwimmen Realität und Fiktion, und Nikki verstrickt sich zunehmend in eine labyrinthartige und halluzinatorische Erzählung, die mehrere Handlungsstränge und Charaktere miteinander verwebt.

Der Film zeichnet sich durch seine nichtlineare Erzählweise, traumähnliche Sequenzen und Lynchs charakteristischen Einsatz von Symbolik und verstörenden Bildern aus. Er erzeugt ein Gefühl von Unbehagen und Desorientierung, während er Themen wie Identität, Performance und die verschwimmenden Grenzen zwischen Fiktion und Realität erforscht. „Inland Empire“ wurde auf Digitalvideo gedreht, was Lynch erlaubt, mit verschiedenen visuellen Stilen zu experimentieren und eine bewusst desorientierende und andereweltliche Atmosphäre zu schaffen. Die fragmentierte Erzählstruktur und die surrealistischen Sequenzen machen den Film zu einem herausfordernden Seherlebnis, das zur Interpretation und Diskussion einlädt.

Wie viele Werke von David Lynch hat auch „Inland Empire“ umfangreiche Analysen und Debatten unter Cineasten und Wissenschaftlern ausgelöst und bleibt ein faszinierendes Thema für diejenigen, die unkonventionelles und zum Nachdenken anregendes Kino schätzen. Es ist wichtig zu beachten, dass „Inland Empire“ ein Film ist, der bewusst traditionelle Erzählkonventionen zugunsten eines abstrakteren und experimentelleren Ansatzes vermeidet, was ihn zu einer einzigartigen und immersiven filmischen Reise für jene macht, die bereit sind, seine Geheimnisse zu erkunden.

Holy Motors (2012)

„Holy Motors“ ist ein französisch-deutsches Fantasy-Drama aus dem Jahr 2012, geschrieben und inszeniert von Leos Carax. Der Film ist bekannt für seine surreale und rätselhafte Erzählweise sowie für seine Erkundung von Identität, Inszenierung und der Natur des Kinos selbst. Die Geschichte von „Holy Motors“ folgt Monsieur Oscar, gespielt von Denis Lavant, einem geheimnisvollen Mann, der mit einer Stretchlimousine durch Paris fährt und im Laufe des Tages verschiedene Rollen und Personas annimmt. Diese Rollen reichen von einem Geschäftsmann über einen Motion-Capture-Darsteller bis hin zu einem Akkordeonisten in einer musikalischen Zwischensequenz. Während er sich in diese Charaktere verwandelt, verwischt der Film die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung, und es wird unklar, wer Monsieur Oscar wirklich ist.

Der Film ist eine Meditation über die Natur des Schauspielens und die Masken, die Menschen im Alltag tragen. Er erforscht Themen wie Transformation, Identität und die sich wandelnde Natur des Erzählens im digitalen Zeitalter. „Holy Motors“ wird für seine innovative und surreale Erzählweise gefeiert und bietet eine denkwürdige Darstellung von Denis Lavant, der eine breite Palette von Charakteren mit Präzision und Emotion verkörpert. Der Film enthält außerdem einen Cameo-Auftritt von Kylie Minogue. Leos Carax’ Regie in „Holy Motors“ zeichnet sich durch ihre traumähnliche Qualität und die Fähigkeit aus, konventionelle narrative und filmische Normen herauszufordern. Der Film lädt die Zuschauer ein, die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung zu hinterfragen und lässt Raum für Interpretation und Diskussion.