Cinéma surréaliste : l’inconscient dans les films

Où est né le surréalisme ?

Le surréalisme fut également un mouvement d’avant-garde pour le développement de l’histoire du cinéma. Comme le cinéma des frères Lumière et la plupart des avant-gardes du XXe siècle, il est né à Paris. Tandis que le New York du Nouveau Monde se développait tel le vaisseau spatial de Metropolis de Fritz Lang poursuivant le succès économique du rêve américain, Paris, la ville lumière, continuait d’être la capitale mondiale de l’art et des mouvements d’avant-garde qui ont changé l’histoire du XXe siècle. La ville lumière était le lieu de rencontre des artistes surréalistes déterminés à changer l’état des choses, combattant la tradition et la pensée dominante. Des hommes fous et visionnaires cherchant à mener des projets culturels radicaux et des combats. L’art surréaliste fut l’une de leurs armes les plus puissantes.

André Breton et l’héritage du dadaïsme

Le poète André Breton, qui chercha à canaliser l’énergie créatrice mais destructrice du dadaïsme, fut le principal théoricien et inspirateur du surréalisme. La rébellion et la transgression dadaïstes étaient devenues avec le temps une fin en soi et autodestructrices. André Breton et les premiers représentants du surréalisme comprirent qu’il était possible d’en tirer le meilleur et de la canaliser en une énergie créatrice et positive. L’art surréaliste devait être quelque chose de constructif et les artistes surréalistes ne voulaient pas céder au nihilisme et à la rébellion comme fin en soi.

L’inconscient et les profondeurs de la psyché

Le surréalisme est né à Paris en 1924, inspiré par les ouvrages de Jung et Freud, tels que L’Interprétation des rêves. Son but était d’explorer l’inconscient et les profondeurs de la psyché humaine. Abandonnant les formes rationnelles de narration pour descendre dans l’irrationalité et la folie de la psyché. Le surréalisme et l’art surréaliste utilisent les symboles mystérieux et les figures du monde des rêves, avec leurs conflits violents et inexplicables. Les artistes surréalistes aiment les apparitions monstrueuses et grotesques, le non-sens, les liens mystérieux de sens entre les objets du récit.

L’écriture automatique et l’association libre

La principale technique du surréalisme est l’écriture automatique et les mécanismes d’automatisme psychique incontrôlé. Les œuvres surréalistes montrent les associations libres de la pensée irrationnelle de l’inconscient, de l’imagination en état subconscient, des projets, figures et symboles apparemment déconnectés. Le surréalisme rejette la rationalité logique pour explorer les connexions mystérieuses du monde onirique.

Lors de certaines rencontres, par exemple, les artistes surréalistes jouaient à un jeu. Il commençait par un mot ou une image écrite sur une feuille de papier qui circulait entre tous les participants, sans que personne ne puisse voir les modifications et ajouts faits par les autres sur la feuille. Chacun ajoutait une image ou un mot selon sa propre association d’idées. Le jeu évoluait souvent de manière imprévisible, produisant des dessins apparemment dénués de sens. Par exemple, il était une fois, à partir du concept initial inventé par l’un des joueurs, « cadavre », suivirent les mots exquis, vin, boire. La phrase suivante en sortit, avec une suggestion émotionnelle singulière : le cadavre exquis boira le bon vin.

Les œuvres des artistes surréalistes tournaient autour de trois fondamentaux : l’amour comme force motrice de la vie, le rêve comme libération de l’imagination et de son pouvoir. La libération des conventions sociales comme acte de rébellion contre l’homologation sociale. Le troisième était l’obsession cinématographique à vie du plus grand réalisateur surréaliste, l’Espagnol Luis Bunuel.

Le surréalisme est le mouvement artistique d’avant-garde le plus répandu et le plus réussi de tous les temps. Né à une époque où les mouvements d’avant-garde se succédaient avec une courte durée de vie. Les artistes surréalistes, eux, se sont répandus dans le monde entier et sont encore nombreux aujourd’hui, disciples d’une vision du monde qui durera probablement très longtemps.

On pourrait dire, dans un certain sens, que les graines qui ont donné naissance au surréalisme existent depuis des siècles. La raison du succès du surréalisme est peut-être que l’exploration de l’inconscient et des territoires inconnus de la psyché humaine est toujours liée aux mécanismes créatifs de l’art et, plus généralement, à la croissance de la conscience de son monde intérieur.

Artistes surréalistes

Outre son guide spirituel, le poète André Breton, des représentants bien connus du surréalisme furent les peintres Jean Mirò, René Magritte, Salvador Dalì, Max Ernst, ainsi que des poètes et écrivains tels que Guillaume Apollinaire, Louis Aragon, Antonin Artaud, Tristan Tzara. Certains venaient du dadaïsme. Quelques surréalistes ont ensuite rejoint le courant anarchiste et communiste. D’autres, comme Luis Bunuel, considéraient le Marquis de Sade comme un précurseur et un inspirateur du mouvement. En effet, les œuvres surréalistes de Bunuel sont imprégnées de perversions érotiques et d’impulsions sadomasochistes.

Irene

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Drame, par Valerio Pampaglini, Italie, 2023.
Irene est prisonnière de son propre inconscient, vide et ruinée comme une maison abandonnée. À travers des vitres brisées et des silhouettes ombragées vêtues de noir, une chanson réveille quelque chose de longtemps oublié en elle. Le film, écrit et réalisé par Valerio Pampaglini, est soutenu par la Rome Film Academy. Il a été tourné à l'été 2022 dans la province de Pérouse, dans la commune de Todi et au château de Montenero.

LANGUE : Italien
SOUS-TITRES : Anglais

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Cinéma surréaliste

Au cinéma, on peut citer trois grands réalisateurs surréalistes, même si la liste réelle, en comptant aussi les contaminations entre réalité et fantaisie qui se produisent dans de nombreux films, serait gigantesque. Luis Bunuel, Alejandro Jodorowsky et Federico Fellini. Le réalisateur surréaliste le plus pur et militant des trois, qui a personnellement fréquenté les artistes surréalistes de Paris, est Luis Bunuel, qui, avec son ami Salvador Dalì, a initié la voie du mouvement au cinéma. La majeure partie de sa filmographie est composée d’œuvres surréalistes. Les films surréalistes inspirés par le mouvement traversent toute l’histoire du cinéma, le cinéma étant l’art qui fonctionne le mieux pour raconter l’irrationnel et l’inconscient.

On pourrait dire que les films surréalistes sont l’apogée de l’évolution du cinéma fantastique de Méliès, par opposition au chemin réaliste et « documentaire » des frères Lumière. Le cinéma et le surréalisme semblent être nés l’un pour l’autre. La liste des films surréalistes et de leurs auteurs est très longue, mais la plupart ne sont que partiellement concernés. On pourrait citer par exemple David Lynch, David Cronenberg, Abel Ferrara, Tinto Brass, Alfred Hitchcock, mais ils sont en réalité très nombreux. Le seul réalisateur 100 % surréaliste reconnu par les théoriciens du cinéma est Luis Bunuel.

Le surréalisme continue d’inspirer constamment des œuvres encore aujourd’hui et on le retrouve dans de nombreuses œuvres d’art modernes, dans de nombreux films des années 2000. Mais la fin officielle indiquée par les historiens et critiques du mouvement est la fin de la guerre mondiale. Et ensuite la mort de son leader spirituel, André Breton.

Films surréalistes à voir absolument

Meshes of the Afternoon

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Court métrage expérimental, par Maya Deren, États-Unis, 1943.
Meshes of the Afternoon est l'un des chefs-d'œuvre du cinéma surréaliste et de l'avant-garde américaine, et est devenu une œuvre emblématique dans le monde du cinéma expérimental. Le film se caractérise par une narration non linéaire et onirique qui remet en question les conventions cinématographiques traditionnelles. L'intrigue tourne autour d'une femme, interprétée par Maya Deren elle-même, qui vit une série d'événements étranges et surréalistes dans un cadre domestique. Les objets et événements du film sont chargés de symbolisme, et le film lui-même peut être interprété de diverses manières.

"Meshes of the Afternoon" est connu pour son utilisation innovante de la cinématographie, avec un cadrage évocateur et un montage audacieux. Maya Deren utilise le cinéma comme une forme d'art pour explorer la psychologie et les expériences intérieures de son personnage, créant une atmosphère mystérieuse et troublante. Le film a influencé de nombreux cinéastes et artistes du cinéma ultérieurs, contribuant à définir le langage du cinéma expérimental et d'avant-garde. "Meshes of the Afternoon" est souvent étudié dans les cours de cinéma et continue d'être une œuvre de référence dans le monde du cinéma d'avant-garde et expérimental.

SANS DIALOGUES

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Entr’acte (1924)

Entr’acte est un court métrage avant-gardiste réalisé par René Clair, cinéaste français, en 1924. Le film est connu pour son style expérimental et surréaliste, influencé par les mouvements dadaïste et surréaliste de l’époque. Entr’acte a été initialement créé comme un film d’entracte à projeter pendant une représentation de ballet des Ballets Suédois au Théâtre des Champs-Élysées à Paris. Le film présente une série de scènes bizarres et déconnectées, incluant des plans d’un corbillard tiré par un chameau, une partie d’échecs jouée sur un toit, ainsi que divers numéros acrobatiques et gags visuels.

Le film se distingue par son utilisation d’effets de ralenti et de mouvement inversé, techniques révolutionnaires au cinéma à cette époque. La musique d’Entr’acte a été composée par Erik Satie, compositeur éminent associé à la scène artistique avant-gardiste parisienne. Entr’acte est considéré comme un classique du cinéma expérimental précoce et est souvent étudié pour ses contributions au développement du surréalisme au cinéma. Il demeure une œuvre influente dans l’histoire du cinéma et est célébré pour son approche innovante et non conventionnelle de la réalisation cinématographique.

Anémic Cinéma (1926)

Anémic Cinéma est un court métrage expérimental réalisé par Marcel Duchamp, artiste français renommé associé au mouvement dadaïste. Le film a été créé en 1926 et est connu pour sa nature hautement abstraite et conceptuelle. Le titre lui-même, Anémic Cinéma, est un jeu de mots qui joue sur le concept d’anémie mais n’a aucun lien direct avec la maladie médicale de l’anémie. Le film est davantage une œuvre visuelle mouvante qu’un récit traditionnel.

Le film se compose d’une série de 700 images, chacune contenant une spirale en mouvement et une série de jeux de mots visuels et verbaux. Duchamp utilise l’art visuel et les mots pour créer une expérience surréaliste et conceptuelle, défiant les attentes traditionnelles du cinéma. Anémic Cinéma est considéré comme un exemple important du cinéma avant-gardiste et dadaïste et est connu pour son expérimentation formelle et conceptuelle. Le film reflète l’intérêt de Duchamp pour l’art conceptuel et l’utilisation du cinéma comme médium pour explorer de nouvelles idées visuelles et conceptuelles. C’est une œuvre qui invite le spectateur à penser de manière non conventionnelle et à explorer le médium cinématographique de façon innovante.

A Page Of Madness

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Drame, horreur, par Teinosuke Kinugasa, Japon, 1926.
Une page de folie est un film indépendant tourné avec un budget quasi inexistant puis perdu pendant quarante-cinq ans. Heureusement, le réalisateur l'a redécouvert dans ses archives en 1971. C'est un film réalisé par un groupe d'artistes avant-gardistes japonais, l'École des nouvelles perceptions. Un mouvement dont l'objectif était de dépasser la représentation naturaliste. Dans un asile de campagne, sous une pluie torrentielle, le gardien rencontre des patients atteints de troubles mentaux. Le lendemain, une jeune femme arrive, surprise de trouver son père là, qui travaille comme gardien. La mère de la femme est devenue folle à cause de son mari lorsqu'elle était marin. Le mari a décidé de changer de métier pour rester proche de sa femme à l'asile et s'occuper d'elle. Sa fille dit à son père qu'elle va bientôt se marier, mais le père s'inquiète car il craint, selon les rumeurs populaires de l'époque, que la maladie mentale de la mère soit héréditaire. Si le jeune marié et sa famille découvraient la folie de sa mère, le mariage tomberait à l'eau. Le gardien essaie de s'occuper de sa femme pendant son travail alors qu'elle se fait battre par d'autres pensionnaires, mais cela interfère avec son rôle et il est réprimandé par le directeur de l'asile. Peu à peu, le gardien perd le contact avec la réalité et ses frontières avec le rêve. Il commence à rêvasser de gagner à la loterie lorsque sa fille le revoit pour lui dire que son mariage est en difficulté. L'homme pense à sortir sa femme de l'asile pour cacher son existence et résoudre tous les problèmes. Teinosuke Kinugasa est le réalisateur de certains des meilleurs films japonais des années 1920. Une page de folie a été comparé aux grands films expressionnistes allemands. C'est un film expérimental, d'avant-garde extrême, qui semble anticiper les atmosphères et les thèmes qui rendraient David Lynch célèbre de nombreuses années plus tard. Cauchemars, distorsions, flous, doubles expositions et déformations photographiques : un film qui explore les limites les plus lointaines de l'image animée. Puis il y a ces

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Emak-Bakia (1926)

Emak-Bakia est un autre court-métrage avant-gardiste réalisé par le cinéaste français Man Ray en 1926. Le titre Emak-Bakia est une expression basque qui se traduit approximativement par « Laisse-moi tranquille » ou « Arrête de m’embêter », ce qui ajoute un élément de mystère et d’ambiguïté au film. Ce dernier est un exemple notable du cinéma dadaïste et surréaliste, reconnu pour ses qualités oniriques et abstraites. Il présente une série de scènes surréalistes et disjointes, souvent accompagnées de techniques expérimentales de caméra et de montage. Man Ray a employé divers effets visuels et techniques, incluant des doubles expositions, des superpositions et un montage rapide, afin de créer une atmosphère rêveuse et déstabilisante.

Emak-Bakia est considéré comme l’une des œuvres cinématographiques les plus importantes de Man Ray, illustrant la fascination surréaliste pour l’inconscient et l’imagerie onirique. Le film se distingue également par son usage novateur de techniques visuelles et cinématographiques, révolutionnaires pour l’époque. Comme beaucoup de films avant-gardistes de son temps, Emak-Bakia remet en question les structures narratives traditionnelles et invite les spectateurs à interpréter son contenu abstrait et symbolique à leur manière. Il demeure une œuvre majeure et influente dans l’histoire du cinéma expérimental et du surréalisme.

La Coquille et le Clergyman (1928)

La Coquille et le Clergyman est un film avant-gardiste pionnier réalisé par Germaine Dulac, cinéaste française, en 1928. Il est considéré comme l’un des premiers films surréalistes et est souvent associé au poète et écrivain surréaliste Antonin Artaud, qui en a écrit le scénario. Le film se distingue par ses images oniriques et symboliques, ainsi que par sa structure narrative expérimentale. La Coquille et le Clergyman explore les pensées intérieures et les désirs d’un clergyman obsédé par la beauté d’une femme et tourmenté par ses désirs refoulés. Le film utilise des visuels surréalistes et abstraits pour exprimer le tumulte psychologique du clergyman, brouillant les frontières entre réalité et subconscient.

La Coquille et le Clergyman est important non seulement pour ses thèmes surréalistes, mais aussi pour son innovation en matière de cinématographie et de montage. Il fut l’un des premiers films à utiliser des images oniriques et symboliques pour raconter une histoire, et il a exercé une influence significative sur le développement du cinéma surréaliste. Le film est célébré pour son approche pionnière de la narration et sa capacité à créer une atmosphère hypnotique et rêveuse. Il demeure une œuvre majeure dans l’histoire du cinéma avant-gardiste et surréaliste, et est considéré comme un classique du cinéma expérimental précoce.

Simon of The Desert

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Comédie, de Luis Buñuel, Mexique, 1963
Simón, un homme saint à longue barbe, vit sur une colonne au milieu du désert, presque en jeûne total. Les gens l'adorent comme un Messie. Il accomplit des miracles, subit des tentations de Satan, qui le tourmente sous les traits d'une belle femme. Une série de scènes grotesques, surréalistes, magiques et picaresques. Le meilleur de Buñuel en seulement 45 minutes.

Sujet de réflexion
Ceux qui se retirent du monde pour trouver une vie spirituelle sont voués à l'échec. Les tentations le suivront, le besoin de se relier aux autres ne l'abandonnera pas. Seul son ego sera satisfait par une fausse spiritualité. La vraie spiritualité se trouve dans la vie quotidienne, dans la société dans laquelle nous vivons, dans le quotidien, parmi les gens que nous rencontrons chaque jour.

LANGUE : Espagnol
SOUS-TITRES : Anglais, Français, Allemand, Italien, Portugais

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L’Étoile de mer (1928)

À travers une série d’images déformées et de scènes fragmentées, le film dépeint la désintégration d’une relation de couple. Une femme se déshabille derrière un verre dépoli, une étoile de mer repose sur une table, et des intertitres philosophiques méditent sur l’amour et la mort au milieu d’une tension érotique et de réflexions existentielles.

Le scénario poétique de Robert Desnos, mis en images par la photographie expérimentale de Man Ray, illustre le cinéma surréaliste pur à travers des lentilles dé-focalisées, des négatifs inversés et des objets en rotation qui perturbent les normes perceptuelles. Cette attaque contre la narration conventionnelle évoque la logique freudienne du rêve, où le désir érotique s’entrelace avec la mortalité, invitant le spectateur à abandonner l’interprétation rationnelle pour une expérience onirique révélant l’inconscient par la poésie visuelle.

Un Chien Andalou (1929)

Un Chien Andalou est un court-métrage surréaliste célèbre et influent réalisé par Luis Buñuel et co-écrit avec Salvador Dalí. Sorti en 1929, il est considéré comme l’une des œuvres les plus emblématiques du cinéma surréaliste. Le titre Un Chien Andalou se traduit par « Un Chien andalou » en français, bien qu’il n’ait pas de lien narratif littéral avec un chien. Le film est connu pour sa structure onirique et non linéaire ainsi que pour ses images choquantes et surréalistes.

Un Chien Andalou se compose d’une série de vignettes vaguement reliées, souvent bizarres et dérangeantes. Il s’ouvre sur une scène célèbre où un homme (interprété par Buñuel lui-même) aiguise un rasoir droit puis tranche l’œil d’une femme. Cette image frappante et troublante est souvent considérée comme l’un des moments les plus iconiques de l’histoire du cinéma. Le film continue avec une série de scènes surréalistes et apparemment sans lien, ne suivant pas une structure narrative traditionnelle. Il explore plutôt les thèmes du désir, de la sexualité et de l’irrationnel à travers une série de visuels frappants et symboliques.

L’Âge d’Or (1930)

L’Âge d’Or est un autre film surréaliste influent réalisé par Luis Buñuel, sorti en 1930. Comme Un Chien Andalou, ce film a été co-écrit avec Salvador Dalí et est connu pour son contenu provocateur et surréaliste. L’Âge d’Or est une critique acerbe et satirique de la société bourgeoise et de ses conventions. Il utilise des situations surréalistes et absurdes pour remettre en question les normes sociales et exposer l’hypocrisie des mœurs contemporaines. Le film est célèbre pour ses scènes controversées et choquantes, incluant des images sexuelles et blasphématoires, conçues pour provoquer et défier les sensibilités de son époque.

La narration du film est fragmentée et disjointe, à l’image d’un rêve ou d’un flux de conscience. Elle raconte l’histoire d’un couple amoureux confronté à divers obstacles et pressions sociales qui les empêchent de consommer leur relation. Tout au long du film, des changements brusques et surréalistes de ton et de sujet se succèdent. L’Âge d’Or » a suscité indignation et controverse lors de sa sortie, et sa projection initiale à Paris en 1930 a provoqué des émeutes et des perturbations de la part de groupes conservateurs et religieux. En conséquence, le film a été interdit dans plusieurs pays et n’a pas été largement diffusé pendant de nombreuses années.

The Holy Mountain

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Science-fiction, drame, par Alejandro Jodorowsky, 1973, Mexique.
Un homme, surnommé Le voleur, qui représente la carte du Fou dans le Tarot, est allongé inconscient dans un désert, entouré d'essaims de mouches. Lorsqu'il se réveille, il rencontre un nain sans pieds ni mains représentant le Cinq d'Épées. Les deux deviennent amis et se rendent dans la ville la plus proche où ils gagnent de l'argent en divertissant les touristes. Le voleur ressemble à Jésus-Christ, et après une querelle avec un prêtre, il mange le visage d'une statue de cire du Christ, symboliquement dévorant son corps et s'offrant « lui-même » au Ciel. Après de nombreuses mésaventures, il arrive au sommet d'une tour qui est le laboratoire d'un alchimiste mystérieux. Participant à divers rites d'initiation, l'alchimiste le présente aux sept personnes les plus puissantes de la Terre, qui travaillent dans les industries du bien-être, des armes, de l'art, du divertissement, de l'application de la loi, de la construction et de l'économie. Ensemble, ils devront atteindre la Montagne Sacrée, une montagne légendaire sur une île inexistante, où se trouvent neuf sages qui connaissent le secret de l'immortalité. Leur but est de les éliminer et de prendre leur place.

Sujet de réflexion
En Inde, ils appellent la réalité du monde qui nous entoure Maya, ce qui signifie illusion. La vérité est cachée : c'est comme un écran de cinéma sur lequel vous projetez vos rêves et désirs. Les physiciens ont étudié ce qu'est la matière et sont arrivés à la conclusion qu'elle n'existe pas. Alors, de quoi la matière des choses est-elle faite ? Ce n'est que de l'énergie condensée, qui vibre à très grande vitesse, une apparence. À un niveau profond, la matière n'existe pas.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Rose Hobart (1936)

Des séquences rééditées du film East of Borneo de 1931 se concentrent sur l’actrice Rose Hobart, entrecoupées de ralentis, de bris de verre et d’inserts incongrus tels qu’un globe tournant et une éclipse lunaire, créant un récit hypnotique de rêve mêlant péril tropical et désir inavoué.

Le travail fondamental de found-footage de Joseph Cornell transforme le cinéma commercial en une rêverie surréaliste en manipulant le temps par décélération et montage sélectif, mettant en avant la présence énigmatique de Hobart comme une apparition muse-like. Cette œuvre proto-expérimentale préfigure le cinéma structuraliste, explorant l’inconscient via un montage associatif qui évoque mystère érotique et isolement cosmique, subvertissant les tropes hollywoodiens en une méditation sur le désir et la perception.

Le Sang d’un Poète (1932)

Un artiste découvre une nouvelle manière d’entrer dans son œuvre à travers un miroir, devenant obsédé par une main qui pousse à partir de l’argile. Il navigue à travers des séquences oniriques impliquant un bal masqué, des batailles de boules de neige et un gant vivant, confrontant les tourments de la création et les frontières entre réalité et imagination.

La première œuvre de la trilogie Orphée de Jean Cocteau explore magistralement la psyché de l’artiste, mêlant une haute qualité de production à des techniques avant-gardistes telles que le ralenti et les récits discontinus. L’exploration du tourment créatif et de l’inconscient se manifeste à travers une imagerie symbolique — miroirs comme portails vers des mondes intérieurs, parties du corps détachées symbolisant une identité fragmentée — consolidant son statut de pierre angulaire du cinéma surréaliste qui privilégie la rêverie poétique au discours rationnel.

La Belle et la Bête (1946)

La Belle et la Bête est un film français célèbre réalisé par le cinéaste Jean Cocteau en 1946. Il est considéré comme l’une des adaptations cinématographiques les plus emblématiques et appréciées du conte de fées La Belle et la Bête. L’histoire du film est une adaptation du conte traditionnel de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, centrée sur la relation entre Belle, une jeune femme intelligente, et une Bête monstrueuse qui est en réalité un prince sous l’emprise d’un sortilège. Le récit suit le parcours de Belle qui apprend à voir au-delà des apparences pour découvrir la beauté intérieure de la Bête, menant finalement à sa transformation en prince.

« La Belle et la Bête » est renommé pour son décor extraordinaire et ses effets spéciaux, considérés comme avancés pour son époque. Jean Cocteau a créé un monde magique et féerique qui a contribué à définir l’imaginaire visuel du conte « La Belle et la Bête ». Le film est un exemple de cinéma poétique et surréaliste, mêlant des éléments fantastiques à une sensibilité artistique distinctive. Il est encore considéré comme un classique du cinéma français et l’une des versions les plus aimées du conte « La Belle et la Bête ». Il est apprécié pour sa beauté visuelle et son approche artistique du récit féerique, ainsi que pour la manière dont il explore les thèmes de la beauté intérieure et de l’amour véritable.

Nazarín (1959)

« Nazarín » est un film mexicain de 1959 réalisé par le célèbre cinéaste espagnol Luis Buñuel. Le film est une adaptation du roman éponyme de Benito Pérez Galdós et se distingue par son exploration des thèmes religieux et moraux. L’histoire tourne autour du personnage du Père Nazario, interprété par Francisco Rabal, un prêtre catholique humble et dévoué qui cherche à vivre selon les enseignements de Jésus-Christ. Cependant, son engagement inébranlable à aider les pauvres et les opprimés le met souvent en conflit avec la hiérarchie ecclésiastique et les normes sociales.

« Nazarín » est une critique des contradictions et des hypocrisies au sein de l’Église et de la société. Les tentatives du Père Nazario de mener une vie de pure vertu chrétienne sont accueillies avec scepticisme, rejet et trahison par son entourage. Le film soulève des questions sur la véritable nature de la charité chrétienne et les défis de vivre selon des principes moraux intransigeants dans un monde rempli de corruption et de cynisme. Luis Buñuel, connu pour son cinéma surréaliste et subversif, adopte ici une approche plus directe et réaliste dans « Nazarín ». Cependant, son style signature demeure perceptible dans la manière dont il explore les complexités de la nature humaine et le conflit entre idéaux religieux et désirs terrestres.

The Exterminating Angel

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Drame, de Luis Buñuel, Mexique, 1962.
L'intrigue tourne autour d'un groupe de personnes réunies dans une somptueuse villa pour un dîner de gala. Cependant, après le dîner, ils découvrent qu'ils sont incapables de quitter la villa, bien que les portes et fenêtres soient barricadées et les sorties apparemment bloquées. Ce qui suit est une sorte de cauchemar surréaliste où le groupe d'invités est piégé dans la villa et leurs comportements ainsi que leurs relations sociales commencent à se dégrader de manière bizarre.

Le film traite des thèmes de la conformité sociale, de l'aliénation et de la chute des conventions sociales. Il est connu pour ses séquences surréalistes et la manière dont il remet en question la réalité et la logique traditionnelle. « L'Ange exterminateur » est souvent interprété comme une critique satirique de la haute société et des normes sociales autojustifiées. Ce film est devenu une icône du cinéma surréaliste et représente l'une des œuvres les plus distinctives et provocatrices de Luis Buñuel. Il est apprécié tant pour sa complexité conceptuelle que pour son extravagance visuelle, et a influencé le monde du cinéma par sa capacité à repousser les limites de l'art cinématographique. À l'époque, beaucoup pensaient que c'était le dernier film de la carrière de Buñuel. C'était cependant le premier d'une série de chefs-d'œuvre.

LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : anglais

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L’Année dernière à Marienbad (1961)

« L’Année dernière à Marienbad » (anglais : « Last Year at Marienbad ») est un film français très influent réalisé par Alain Resnais et sorti en 1961. Le film est célébré pour son récit avant-gardiste et énigmatique, ainsi que pour ses techniques visuelles et narratives innovantes. L’histoire du film est délibérément insaisissable et ouverte à l’interprétation. Elle tourne autour d’un homme (interprété par Giorgio Albertazzi) qui rencontre une femme (interprétée par Delphine Seyrig) dans un hôtel européen luxueux. L’homme affirme qu’ils se sont rencontrés l’année précédente au même endroit et qu’ils avaient prévu de s’enfuir ensemble. Cependant, la femme ne se souvient pas de cette rencontre, et le récit devient un jeu complexe entre mémoire, temps et réalité.

Last Year at Marienbad est connu pour sa structure narrative complexe et non linéaire, avec des scènes et des dialogues souvent répétés ou réagencés. Le film brouille les frontières entre passé et présent, mémoire et fantasme, réalité et rêve, créant un sentiment de désorientation et de mystère. Le style visuel frappant du film, caractérisé par sa cinématographie élégante en noir et blanc et l’utilisation de longs plans-séquences, contribue à son atmosphère hypnotique et onirique. Le cadre de l’hôtel est visuellement opulent et labyrinthique, renforçant le sentiment d’ambiguïté et d’incertitude.

Juliette des esprits (1965)

Juliette des esprits est un film italien réalisé par Federico Fellini et sorti en 1965. Le film est notable pour être le premier long métrage en couleur de Fellini et est connu pour ses qualités oniriques et surréalistes. L’histoire suit Giulietta, interprétée par Giulietta Masina, une femme d’âge mûr traversant une crise personnelle dans son mariage. Elle commence à soupçonner son mari d’infidélité et cherche réconfort et réponses à travers ses rencontres avec une variété de personnages excentriques et mystiques.

Juliette des esprits est souvent décrite comme un voyage dans le monde intérieur de la protagoniste, brouillant les frontières entre réalité et fantaisie. Le film est riche en symbolisme et présente des séquences oniriques, des hallucinations, ainsi que des visuels colorés et extravagants qui reflètent le tumulte intérieur et les désirs de Giulietta. Le film de Fellini explore les thèmes de l’émancipation féminine, de la sexualité et de la quête d’identité personnelle. Il marque une rupture avec ses œuvres néoréalistes antérieures et représente une transition vers un style cinématographique plus surréaliste et fantastique.

Le film est célébré pour son inventivité visuelle et la performance de Giulietta Masina dans le rôle-titre. Il est considéré comme une œuvre majeure dans la filmographie de Fellini et dans l’histoire du cinéma italien. Juliette des esprits est apprécié pour son récit unique et imaginatif, en faisant un classique du cinéma européen.

Weekend (1967)

Weekend est un film français de 1967 réalisé par Jean-Luc Godard. Il est connu pour son style expérimental et provocateur, ainsi que pour son commentaire social et politique acerbe. Le film est souvent associé au mouvement de la Nouvelle Vague française et est considéré comme l’une des œuvres les plus audacieuses de Godard. L’histoire suit un couple bourgeois marié, Roland et Corinne, qui partent en week-end pour rendre visite au père de l’épouse et récupérer un héritage. Au cours de leur voyage, ils rencontrent une série de situations bizarres et surréalistes, notamment des embouteillages, des accidents de voiture et des rencontres avec divers personnages excentriques.

« Weekend » est célèbre pour son long plan-séquence d’un embouteillage massif, qui est l’une des séquences les plus emblématiques et mémorables du film. Le film comporte également des scènes de violence graphique et d’humour noir. Au-delà de sa narration et de ses visuels non conventionnels, « Weekend » est une critique acerbe du consumérisme, du matérialisme et de la décadence de la société occidentale. Il explore les thèmes de la cupidité, de l’exploitation et de la désintégration de l’ordre social. Godard utilise le chaos et la violence dépeints dans le film comme une métaphore des bouleversements sociétaux des années 1960.

Fando y Lis (1968)

« Fando y Lis » est un film mexicain de 1968 réalisé par Alejandro Jodorowsky. Il est basé sur une pièce de Fernando Arrabal et marque les débuts de Jodorowsky en tant que réalisateur. Le film est connu pour son contenu surréaliste et provocateur et est considéré comme un exemple précoce de cinéma d’avant-garde. L’histoire suit Fando, interprété par Sergio Kleiner, et sa petite amie paralysée, Lis, jouée par Diana Mariscal, alors qu’ils entreprennent un voyage surréaliste et cauchemardesque à travers un paysage post-apocalyptique à la recherche de la ville mythique de Tar. En chemin, ils rencontrent une série de personnages et de situations bizarres et grotesques.

« Fando y Lis » se caractérise par ses images oniriques et hallucinatoires, ainsi que par son utilisation du symbolisme religieux et sexuel. Le film est connu pour repousser les limites de la narration conventionnelle et pour son contenu provocateur et controversé, qui inclut des scènes explicites et des représentations de violence. Lors de sa sortie, « Fando y Lis » a suscité une controverse considérable et a été interdit dans plusieurs pays. Il a également fait l’objet de débats au sein des mouvements d’avant-garde et contre-culturels des années 1960.

La Voie Lactée (1969)

« La Voie Lactée » est un film de 1969 réalisé par le cinéaste espagnol Luis Buñuel. Le film est connu pour sa nature surréaliste et provocatrice et aborde de manière critique et provocante les thèmes religieux. L’intrigue suit deux vagabonds, interprétés par Paul Frankeur et Laurent Terzieff, qui entreprennent un voyage à pied à travers la France. Au cours de leur périple, ils rencontrent une série de personnages et s’engagent dans des discussions théologiques et religieuses. Au fur et à mesure, le voyage des vagabonds prend des épisodes surréalistes et métaphysiques, où ils rencontrent des représentations de diverses hérésies religieuses et des incohérences historiques.

« La Voie Lactée » est connu pour son style provocateur et sa narration non linéaire. Le film aborde de manière critique les thèmes religieux et se concentre sur les débats théologiques, les contradictions doctrinales et la diversité des croyances religieuses. Buñuel utilise le voyage des protagonistes comme une sorte d’exploration de l’incrédulité religieuse et de la quête de la vérité. Le film est imprégné de l’esprit surréaliste typique de Buñuel et comporte des éléments d’humour noir et de satire. Il est considéré comme une œuvre emblématique du cinéma surréaliste et représente l’une des interprétations les plus audacieuses et provocatrices des questions religieuses sur grand écran.

12 cm of heel

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Court métrage, thriller, par Fabio Giovinazzo, Italie, 2018.
« 12 cm heels » est un thriller de longueur moyenne réalisé par Fabio Giovinazzo où un meurtre sauvage répond de plus en plus à la mode du fantaisiste et du bizarre.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais

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Satyricon (1969)

« Satyricon » est un film italien de 1969 réalisé par Federico Fellini. Il s’inspire librement de l’œuvre « Satyricon » de l’auteur romain antique Petronius, l’une des premières œuvres de fiction occidentale parvenues jusqu’à nous. L’adaptation cinématographique de Fellini est connue pour ses visuels surréalistes et extravagants, ainsi que pour son exploration des thèmes liés à la décadence et à la débauche dans la Rome antique. Le film ne suit pas une structure narrative traditionnelle mais présente plutôt une série d’épisodes et de vignettes vaguement reliés qui dépeignent les aventures et mésaventures d’Encolpio et Ascilto, deux amis dans la Rome antique. Leur périple les conduit à travers un monde bizarre et décadent peuplé de personnages excentriques, de rencontres érotiques et de paysages surréalistes.

« Satyricon » de Fellini est célébré pour ses décors extravagants, ses costumes colorés et ses séquences oniriques. Il capture la décadence et la déliquescence morale de la société romaine antique tout en servant également de commentaire sur les enjeux contemporains et le déclin de la civilisation occidentale. La narration non linéaire et fragmentée du film, ainsi que sa richesse visuelle et thématique, en ont fait un objet d’analyse critique et d’interprétation. Il est considéré comme l’une des œuvres les plus visuellement époustouflantes et audacieuses de Federico Fellini, mettant en lumière son approche unique du cinéma.

Le Crémateur (1969)

« Le Crémateur » (tchèque : « Spalovač mrtvol ») est un film tchécoslovaque de 1969 réalisé par Juraj Herz. Ce film est une œuvre sombre et troublante qui relève des genres horreur et thriller psychologique. Il est adapté d’un roman de Ladislav Fuks. L’histoire se déroule à Prague dans les années 1930 et suit la vie de Karl Kopfrkingl, interprété par Rudolf Hrušínský. Karl est un crémateur apparemment doux et très efficace travaillant dans un crématorium. Cependant, à mesure qu’il devient obsédé par son travail et influencé par l’idéologie nazie, il en vient à croire que crématiser les gens libère leurs âmes et qu’il a une mission divine pour « sauver » autant d’âmes que possible en crématisant les vivants.

« Le Crémateur » explore les thèmes du délire, du fanatisme et des effets déshumanisants du totalitarisme. Le film est connu pour son atmosphère inquiétante, ses visuels surréalistes et la descente progressive du protagoniste dans la folie. La réalisation de Juraj Herz et la performance de Hrušínský sont très louées pour avoir créé une expérience cinématographique glaçante et stimulante. « Le Crémateur » est souvent considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma tchèque et demeure une exploration puissante et troublante de la psyché humaine dans des circonstances extrêmes. Il est considéré comme un classique du cinéma d’Europe de l’Est et continue d’être étudié pour ses thèmes complexes et sa narration visuelle.

El Topo (1970)

« El Topo » est un western mexicain de 1970 réalisé par et mettant en vedette Alejandro Jodorowsky. Le film est connu pour son style surréaliste et avant-gardiste et est souvent considéré comme un classique culte. « El Topo » fut une œuvre révolutionnaire qui a eu un impact significatif sur le monde du cinéma. L’histoire suit El Topo, un pistolero incarné par Jodorowsky, qui entreprend une quête d’illumination. Le récit mêle des éléments du genre western à des thèmes surréalistes et allégoriques. Le voyage d’El Topo le conduit à travers une série de rencontres bizarres et symboliques, chacune remettant en question ses perceptions et ses croyances.

« El Topo » se caractérise par sa cinématographie unique et visuellement époustouflante, son symbolisme religieux et philosophique, ainsi que son exploration de la sexualité et de la violence. Le film a été influent dans l’introduction du concept de film de minuit et est devenu une sensation culte, notamment parmi les publics du cinéma underground et contre-culturels. L’approche non conventionnelle et provocante d’Alejandro Jodorowsky dans « El Topo » en a fait une œuvre phare du cinéma avant-gardiste et expérimental. La narration non linéaire et les images surréalistes du film défient les conventions cinématographiques traditionnelles et continuent d’inspirer cinéastes et artistes à ce jour.

Malpertuis (1971)

Après avoir assisté à la mort de sa tante, le marin Jan retourne dans sa maison inquiétante, Malpertuis, où des dieux grecs mythiques sont piégés sous des formes humaines par une malédiction. Alors que la réalité se déforme entre hallucinations et identités changeantes, il démêle un labyrinthe cauchemardesque de secrets familiaux et de damnation éternelle.

Le chef-d’œuvre gothico-surréaliste de Harry Kumel tisse des archétypes mythologiques dans un cadre bourgeois en décomposition, utilisant des optiques déformées, des décors en trompe-l’œil et la présence imposante d’Orson Welles pour brouiller les états de rêve et de veille. Les courants inconscients du film — tensions incestueuses, emprisonnement divin — reflètent les obsessions surréalistes pour la tyrannie du désir, culminant dans un effondrement hallucinatoire qui critique l’ordre rationnel, affirmant sa place dans la tradition du rêve-noir du cinéma d’art européen.

Le Charme discret de la bourgeoisie (1972)

« Le Charme discret de la bourgeoisie » est un film français de 1972 réalisé par Luis Buñuel. Ce film est une comédie surréaliste et satirique qui explore les absurdités et les hypocrisies de la société bourgeoise aisée. La narration du film est structurée en une série de vignettes et tourne autour d’un groupe de six individus de la haute bourgeoisie qui tentent à plusieurs reprises de partager un repas ensemble, mais sont constamment interrompus par des événements étranges et surréalistes. Ces perturbations vont de rêves bizarres à des révolutions politiques, mettant en lumière l’incapacité des personnages à satisfaire leurs désirs fondamentaux.

Buñuel utilise les situations absurdes et oniriques du film pour critiquer la complaisance de la bourgeoisie et son détachement des réalités du monde. Les personnages sont dépeints comme égocentriques et inconscients de la souffrance et des troubles qui se déroulent en dehors de leur bulle sociale. Le Charme discret de la bourgeoisie est connu pour son esprit acéré, son humour subtil et son commentaire subversif sur la classe sociale et les valeurs bourgeoises. Il a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1973 et est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Buñuel.

The Grin and the Cow

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Film expérimental et musical, de Fabio Nicosia, Italie, 2020.
Film musical avec une touche psychologique. Les monstres de l'imagerie enfantine transmigrés à travers les différentes étapes de l'existence de l'individu. Les ombres, les fantômes et les peurs que nous avons réussi à apprivoiser mais pas à éliminer, et qui ressurgissent sans cesse dans les rêves, le langage, la peinture, l'architecture et la narration. Un film non conventionnel capable de pénétrer le regard du spectateur avec des images atypiques. À la recherche de ce monde onirique qui appartenait à l'enfant que nous étions et que nous pouvons redécouvrir, avec sa créativité et ses peurs.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais

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Roma (1972)

Roma est un film italien de 1972 réalisé par Federico Fellini. Le film est une œuvre semi-autobiographique qui présente un portrait poétique et impressionniste de Rome, ainsi que certains souvenirs et expériences personnels de Fellini. Le film n’est pas structuré selon un format narratif traditionnel, mais offre plutôt une série de vignettes et d’épisodes qui capturent divers aspects de la vie à Rome. Il mêle réalisme et surréalisme, Fellini explorant à la fois les aspects historiques et contemporains de la ville. Le film aborde les thèmes de la mémoire, du temps et du passage de l’histoire.

Roma est connu pour sa richesse visuelle et sa représentation évocatrice de la ville. Il comprend des séquences élaborées et oniriques, dont une scène mémorable d’embouteillage, ainsi que des moments d’humour, de nostalgie et de réflexion. L’utilisation de Rome par Fellini, à la fois comme décor et comme personnage du film, lui permet d’explorer ses propres liens personnels avec la ville tout en abordant des thèmes plus larges de la culture et société italiennes. Roma est considéré comme l’une des œuvres les plus personnelles et introspectives de Fellini, et il y déploie son style distinctif de cinéaste.

Pink Flamingos (1972)

Pink Flamingos est un film underground américain de 1972 réalisé par John Waters. Ce film culte est connu pour son contenu provocateur et transgressif, repoussant les limites du goût et de l’acceptabilité. Pink Flamingos est souvent associé au phénomène des Midnight Movies et à l’essor du cinéma indépendant et subversif. Le film met en scène le personnage de Divine, incarné par l’icône drag queen Divine (Harris Glenn Milstead), qui vit dans une caravane avec sa famille et rivalise pour le titre de « personne la plus dégoûtante vivante » face à d’autres prétendants. Le film est rempli de scènes explicites et choquantes, incluant nudité, violence et divers actes de déviance.

John Waters a utilisé Pink Flamingos comme moyen de défier les normes et conventions sociales, en particulier dans les domaines de la sexualité et de l’identité de genre. Le film est une célébration du grotesque et un rejet des valeurs dominantes. Malgré sa notoriété et son contenu controversé, Pink Flamingos a eu un impact durable sur le cinéma underground et indépendant. Il reste une œuvre majeure dans l’histoire du cinéma transgressif et est considéré comme un jalon dans la subversion des normes culturelles.

L’Esprit de la ruche (1973)

« L’Esprit de la ruche » est un film espagnol de 1973 réalisé par Víctor Erice. Le film est considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma espagnol et l’un des meilleurs exemples du cinéma d’auteur. L’histoire se déroule dans l’Espagne rurale en 1940, juste après la fin de la guerre civile espagnole. Le film suit la vie d’une jeune fille nommée Ana, interprétée par Ana Torrent, qui devient fascinée par le film de James Whale de 1931, « Frankenstein ». Après avoir vu le film dans un petit cinéma de village, Ana développe une obsession pour la créature de Frankenstein.

« L’Esprit de la ruche » est connu pour son atmosphère mélancolique et son rythme contemplatif. Le film explore les thèmes de l’isolement, de la solitude et du désenchantement à travers le regard d’un enfant. C’est également une œuvre hautement symbolique, la créature de Frankenstein représentant la peur et l’aliénation qui imprègnent la société espagnole d’après-guerre. Le film est renommé pour sa cinématographie époustouflante et sa capacité à capturer la beauté et la désolation de la campagne espagnole. Il a été salué pour les performances de ses acteurs, en particulier la jeune Ana Torrent. « L’Esprit de la ruche » est un film profondément poétique et réfléchi qui a gagné une place d’honneur dans le cinéma espagnol. Il est considéré comme une œuvre d’art cinématographique et continue d’être étudié et apprécié pour sa beauté visuelle et son exploration profonde des conflits intérieurs des individus.

La Planète sauvage (1973)

Sur la planète extraterrestre Ygam, de minuscules humanoïdes appelés Draags dominent de gigantesques humains nommés Oms. Un Om orphelin élevé par un enfant Draag apprend leur culture avant de s’enfuir pour mener une rébellion, au milieu de paysages bizarres, de rituels psychédéliques et de conflits interespèces.

L’odyssée animée de René Laloux, rendue à travers les visuels saisissants de Roland Topor, déploie un automatisme surréaliste via des formes fluides et organiques ainsi que des espaces non euclidiens évoquant l’inconscient primal. Les ruptures narratives et les rites symboliques d’accouplement subvertissent la logique anthropocentrique, canalisant l’esprit révolutionnaire de Breton dans une allégorie écologique où l’ingéniosité humaine triomphe de la tyrannie cosmique, marquant un sommet de l’étrangeté onirique du cinéma d’animation d’art et essai.

Le Fantôme de la liberté (1974)

« Le Fantôme de la liberté » est un film français de 1974 réalisé par Luis Buñuel. Le film est une exploration surréaliste et satirique de divers scénarios absurdes et non conventionnels qui remettent en question les normes sociales et attentes traditionnelles. Le film est structuré comme une série de vignettes vaguement interconnectées, chacune présentant des situations bizarres et perturbantes. Ces scénarios incluent un dîner où les invités s’assoient sur des toilettes au lieu de chaises, un groupe de moines adoptant des comportements étranges, et une enquête policière qui se déroule en ordre chronologique inverse.

Le Fantôme de la Liberté est connu pour son humour absurde, sa logique onirique et sa capacité à subvertir les structures narratives traditionnelles. Buñuel utilise ces scènes disjointes pour critiquer et tourner en dérision divers aspects de la société, notamment la religion, le système juridique et les normes bourgeoises. Comme dans beaucoup d’œuvres de Buñuel, Le Fantôme de la Liberté invite les spectateurs à remettre en question les conventions et les hypocrisies de la vie quotidienne. C’est un film qui encourage l’interprétation et la réflexion, avec son récit surréaliste et fragmenté qui défie les attentes du spectateur et l’incite à considérer les absurdités de l’existence humaine.

Testament of Orpheus

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Film dramatique, de Jean Cocteau, France, 1960.
Dans son dernier film, le légendaire Jean Cocteau est un poète qui voyage à travers le temps à la recherche de l'illumination. Dans un désert mystérieux, il rencontre des âmes perdues qui conduisent à sa mort et à sa résurrection. Avec un casting exceptionnel comprenant Pablo Picasso, Jean-Pierre Léaud, Lucia Bosè, Yul Brynner, Brigitte Bardot, Le Testament d'Orphée clôt l'extraordinaire recherche de Cocteau sur la relation entre l'art et la vie.

LANGUE : français
SOUS-TITRES : anglais, italien

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Cet obscur objet du désir (1977)

Cet obscur objet du désir est un film franco-espagnol de 1977 réalisé par Luis Buñuel. Le film est une exploration surréaliste et provocante du désir, de l’obsession et des complexités des relations humaines. Le récit tourne autour du personnage de Mathieu, un Français riche et plus âgé, interprété par Fernando Rey, qui devient épris d’une jeune Espagnole nommée Conchita. Conchita est incarnée par deux actrices différentes, Carole Bouquet et Ángela Molina, qui se partagent le rôle tout au long du film. Cette dualité renforce l’ambiguïté et le surréalisme de l’œuvre.

La poursuite de Conchita par Mathieu est marquée par son désir obsessionnel pour elle, et leur relation se caractérise par une série de rencontres étranges et énigmatiques. Conchita échappe continuellement aux avances de Mathieu, créant une dynamique de désir et de frustration. Buñuel utilise Cet obscur objet du désir pour explorer les complexités du désir humain, la lutte de pouvoir entre les sexes et l’irrationalité de l’amour. Le film est rempli de séquences surréalistes et oniriques qui défient la narration conventionnelle et invitent les spectateurs à questionner la nature du désir et de l’obsession. Comme dans beaucoup de films de Buñuel, Cet obscur objet du désir se caractérise par son esprit acéré et son commentaire subversif sur les normes sociales et la politique sexuelle. C’est une œuvre énigmatique et stimulante qui encourage l’interprétation et la réflexion sur les mystères du désir humain.

Eraserhead (1977)

Eraserhead est un film américain de 1977 relevant du body horror surréaliste, réalisé par David Lynch. Ce classique culte est le premier long métrage de Lynch et est connu pour son atmosphère inquiétante et onirique, ainsi que pour sa capacité à évoquer un sentiment d’angoisse existentielle. Le film suit la vie de Henry Spencer, interprété par Jack Nance, un homme vivant dans un paysage industriel et dystopique. Après que sa compagne ait donné naissance à un bébé difforme et apparemment inhumain, la vie d’Henry bascule dans une série d’événements troublants et surréalistes. Alors qu’il lutte pour s’occuper de l’enfant et naviguer dans son environnement sombre, le film explore les thèmes de l’isolement, de l’aliénation et des horreurs de la vie quotidienne.

« Eraserhead » est renommé pour sa cinématographie en noir et blanc saisissante, son design sonore inquiétant et sa structure narrative non conventionnelle. Il présente une bande sonore hantée et surnaturelle composée par Alan R. Splet, qui renforce la qualité cauchemardesque du film. David Lynch’s « Eraserhead » est souvent considéré comme une œuvre fondatrice du cinéma indépendant et un exemple majeur du style cinématographique distinctif de Lynch. Sa narration énigmatique et ouverte laisse place à l’interprétation et en a fait un sujet d’analyse académique et de discussion.

Stalker (1979)

« Stalker » est un film soviétique de science-fiction de 1979 réalisé par Andrei Tarkovsky. Cette œuvre visuellement époustouflante et philosophique est souvent considérée comme l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma et constitue une pierre angulaire de la filmographie de Tarkovsky. Le film est librement inspiré du roman « Roadside Picnic » d’Arkady et Boris Strugatsky et se déroule dans un paysage mystérieux et post-apocalyptique connu sous le nom de « La Zone ». Dans cette Zone, il existe une pièce censée exaucer les désirs les plus profonds de quiconque y pénètre. Un guide, appelé un « Stalker », conduit deux clients, l’Écrivain et le Professeur, dans la Zone à la recherche de cette pièce énigmatique.

« Stalker » est réputé pour son rythme lent et délibéré, ses plans-séquences longs et ses thèmes philosophiques complexes. Il explore des questions sur la nature du désir humain, le pouvoir de la foi et les conséquences de la réalisation des souhaits les plus profonds. Le style visuel du film se caractérise par une cinématographie frappante, Tarkovsky et le directeur de la photographie Alexander Knyazhinsky créant des images mémorables et hypnotiques. L’utilisation de la couleur et de la composition contribue à la qualité onirique du film.

Alice (1988)

« Alice » est un film fantastique américain de 1988 réalisé par le cinéaste tchèque Jan Švankmajer. Le film est une adaptation sombre et surréaliste des « Aventures d’Alice au pays des merveilles » et « De l’autre côté du miroir » de Lewis Carroll. Il combine prises de vues réelles, animation en stop-motion et marionnettes pour créer une interprétation singulièrement dérangeante et onirique du conte classique.

Dans cette version des aventures d’Alice, le film commence avec une Alice en prises de vues réelles qui, après s’être endormie, rêve d’un monde cauchemardesque peuplé de personnages bizarres et grotesques. Švankmajer utilise une variété de techniques non conventionnelles et parfois perturbantes pour donner vie à l’histoire de Carroll. Des objets du quotidien sont transformés en créations surréalistes et souvent inquiétantes, et le film brouille la frontière entre l’ordinaire et le fantastique. « Alice » est connu pour son attention méticuleuse aux détails dans son animation en stop-motion et sa capacité à créer un sentiment de malaise et d’émerveillement. Il explore les thèmes de la transformation, de l’identité et de l’absurdité de la vie quotidienne, tout en maintenant une atmosphère distinctement sombre et surréaliste.

The Reflecting Skin (1990)

« The Reflecting Skin » est un film d’horreur britannique-canadien de 1990 écrit et réalisé par Philip Ridley. Le film est connu pour son récit sombre et atmosphérique, ainsi que pour son exploration des thèmes liés à l’innocence, à la violence et à la vie rurale. Situé dans le Midwest américain des années 1950, le film suit la vie d’un jeune garçon nommé Seth Dove, interprété par Jeremy Cooper. Seth devient fasciné par les événements mystérieux et troublants qui se déroulent dans sa petite communauté rurale, notamment les décès inexpliqués de plusieurs enfants. En s’enfonçant plus profondément dans ces mystères, il rencontre une série de personnages bizarres et inquiétants, dont sa famille tourmentée et une femme mystérieuse nommée Dolphin Blue, jouée par Lindsay Duncan.

« The Reflecting Skin » se distingue par sa cinématographie mélancolique et évocatrice, qui contribue à créer un sentiment de malaise et de pressentiment. Le film explore les thèmes de la perte de l’innocence, de l’impact de la violence sur les individus et les communautés, ainsi que la frontière floue entre la réalité et le surnaturel. Le style de réalisation de Philip Ridley dans « The Reflecting Skin » est souvent décrit comme à la fois onirique et cauchemardesque. Le film combine des éléments d’horreur, de drame et de surréalisme pour façonner un récit unique et hantant.

Arizona Dream (1993)

« Arizona Dream » est une comédie dramatique surréaliste de 1993 réalisée par Emir Kusturica. Le film est connu pour son récit excentrique et onirique, mêlant des éléments de comédie, de drame et de surréalisme. L’histoire suit Axel Blackmar, interprété par Johnny Depp, un jeune homme de New York qui se rend en Arizona pour assister au mariage de son oncle Leo. Pendant son séjour en Arizona, Axel se retrouve mêlé à une série d’événements bizarres et fantaisistes, notamment en tombant amoureux de deux femmes, Elaine et Grace, jouées respectivement par Faye Dunaway et Lili Taylor. Le film explore les thèmes de l’amour, de la liberté et de la poursuite de ses rêves.

« Arizona Dream » se caractérise par son humour décalé et excentrique, ainsi que par son usage d’éléments surréalistes et fantastiques. Il présente des séquences oniriques surréalistes et des envolées imaginatives qui contribuent à son récit unique et imprévisible. Le film bénéficie également d’une bande sonore distinctive composée par Goran Bregović, qui mêle musique d’Europe de l’Est et musique tzigane avec une touche contemporaine.

Mulholland Drive (2001)

« Mulholland Drive » est un thriller néo-noir américain de 2001 écrit et réalisé par David Lynch. Le film est connu pour son récit complexe et énigmatique, ainsi que pour son atmosphère surréaliste et onirique. Il a reçu les éloges de la critique et est souvent considéré comme l’un des plus grands films du XXIe siècle. L’histoire de « Mulholland Drive » tourne autour d’une jeune femme nommée Betty Elms, interprétée par Naomi Watts, qui arrive à Los Angeles avec le rêve de devenir actrice. Elle découvre une femme amnésique, Rita, jouée par Laura Harring, dans l’appartement de sa tante et ensemble, elles entreprennent un voyage mystérieux et désorientant pour découvrir la véritable identité de Rita. En s’enfonçant dans les mystères labyrinthiques de Hollywood, le film explore les thèmes de l’identité, de l’illusion et du côté obscur de la célébrité.

Mulholland Drive » est célébré pour sa narration non linéaire et sa capacité à brouiller les frontières entre réalité et rêves. Le film est divisé en deux parties distinctes, la seconde offrant une réinterprétation des événements de la première, ajoutant des couches de complexité à la narration. Le surréalisme signature de David Lynch et son style lynchien sont pleinement exposés dans « Mulholland Drive », et le film présente des visuels envoûtants, une bande sonore hypnotique composée par Angelo Badalamenti, ainsi que des performances mémorables de son casting.

Le film a suscité de nombreuses analyses et interprétations, avec diverses théories sur sa signification et son symbolisme. Il continue d’être un sujet de discussion et de débat parmi les cinéphiles et les chercheurs. « Mulholland Drive » est un chef-d’œuvre cinématographique qui remet en question la narration conventionnelle et invite les spectateurs à s’immerger dans son univers énigmatique et hypnotique. Il demeure un témoignage de la maîtrise cinématographique de David Lynch et de sa capacité à créer un cinéma à la fois stimulant et dérangeant.

Inland Empire (2006)

« Inland Empire » est un film mystérieux expérimental de 2006 écrit et réalisé par David Lynch. Il est connu pour sa narration complexe et énigmatique, ses éléments surréalistes, et son utilisation de la vidéo numérique. Le film est le plus long de Lynch et l’un de ses travaux les plus exigeants, avec une durée de plus de trois heures. L’histoire de « Inland Empire » tourne autour d’une actrice nommée Nikki Grace, interprétée par Laura Dern, qui est engagée dans un projet cinématographique mystérieux. À mesure qu’elle s’immerge dans son rôle, la réalité et la fiction se confondent, et Nikki devient de plus en plus enchevêtrée dans une narration labyrinthique et hallucinatoire qui tisse ensemble plusieurs intrigues et personnages.

Le film se distingue par sa narration non linéaire, ses séquences oniriques, et l’usage caractéristique de Lynch du symbolisme et d’images troublantes. Il crée un sentiment de malaise et de désorientation en explorant les thèmes de l’identité, de la performance, et des frontières floues entre fiction et réalité. « Inland Empire » a été tourné en vidéo numérique, ce qui permet à Lynch d’expérimenter différents styles visuels et de créer une atmosphère délibérément déstabilisante et surnaturelle. La narration fragmentée du film et ses séquences surréalistes en font une expérience de visionnage exigeante qui invite à l’interprétation et à la discussion.

Comme pour beaucoup d’œuvres de David Lynch, « Inland Empire » a suscité de nombreuses analyses et débats parmi les cinéphiles et les chercheurs, et il continue d’être un sujet de fascination pour ceux qui apprécient un cinéma non conventionnel et stimulant intellectuellement. Il est important de noter que « Inland Empire » est un film qui rejette délibérément les conventions traditionnelles de la narration au profit d’une approche plus abstraite et expérimentale, en faisant un voyage cinématographique unique et immersif pour ceux qui sont prêts à explorer ses mystères.

Holy Motors (2012)

« Holy Motors » est un film de fantasy dramatique franco-allemand de 2012 écrit et réalisé par Leos Carax. Le film est connu pour sa narration surréaliste et énigmatique, ainsi que pour son exploration de l’identité, de la performance et de la nature même du cinéma. L’histoire de « Holy Motors » suit Monsieur Oscar, incarné par Denis Lavant, un homme mystérieux qui parcourt Paris dans une limousine stretch, endossant divers rôles et personnages tout au long de la journée. Ces rôles vont d’un homme d’affaires à un interprète en capture de mouvement, jusqu’à un accordéoniste lors d’un intermède musical. À mesure qu’il se transforme en ces personnages, le film brouille les frontières entre réalité et performance, rendant incertaine la véritable identité de Monsieur Oscar.

Le film est une méditation sur la nature du jeu d’acteur et les masques que les gens portent dans leur vie quotidienne. Il explore les thèmes de la transformation, de l’identité et de l’évolution du récit à l’ère numérique. « Holy Motors » est célébré pour son récit innovant et surréaliste, et il présente une performance mémorable de Denis Lavant, qui incarne avec précision et émotion une large gamme de personnages. Le film comprend également une apparition en caméo de Kylie Minogue. La réalisation de Leos Carax dans « Holy Motors » se distingue par sa qualité onirique et sa capacité à défier les normes narratives et cinématographiques conventionnelles. Le film invite les spectateurs à questionner les frontières entre réalité et performance, laissant place à l’interprétation et à la discussion.