En el extremo opuesto del espectro respecto a lo que típicamente se consideran películas imprescindibles y obras maestras cinematográficas, se encuentran las películas B. Estas películas, a menudo caracterizadas por presupuestos bajos y un éxito comercial limitado, inicialmente parecían carecer del reconocimiento crítico o del impacto cultural de sus contrapartes taquilleras. Sin embargo, con el paso del tiempo, ha habido una creciente reevaluación de la importancia y el atractivo de algunas películas B. Gradualmente, varias de estas películas han sido elevadas a estatus de culto, ganando una ferviente apreciación y un público dedicado. Esta transformación destaca un cambio en la percepción, donde el encanto único, la creatividad y quizás la crudeza de estas producciones han suscitado admiración tanto entre el público como entre los críticos, redefiniendo así su lugar dentro del panorama cinematográfico.
¿Cómo Nacen las Películas B?
El término película B proviene de la definición inglesa que los estudios de cine solían dar a las películas menores que eran una especie de continuación de una película principal más costosa. Así como el lado B de un disco se escuchaba después de las pistas principales, pero eso no significa que tuviera un valor inferior.
La película B nació como una estrategia para reciclar decorados, usar actores del reparto aún bajo contrato cuando la filmación de la película principal había terminado, y explotar los materiales de una película de alto costo para hacer una con un costo mucho menor. La película B usualmente se realizaba en pocos días, a menudo en menos de una semana, y luego se proyectaba en cines junto con la película principal.
El objetivo era mostrar dos películas por el precio de una sola entrada. Especialmente en ciudades provinciales esto era posible, y el público estaba contento de ver dos funciones en lugar de una. La película B que se proyectaba después de la película principal usualmente no tenía su propia campaña publicitaria, no contaba con carteles ni comunicados de prensa: solo se anunciaba en el último momento con el tráiler. Era como un bono adicional de la función de la película principal, la película más costosa.
De esta manera, con la misma inversión, un estudio de cine tenía la posibilidad de aumentar los ingresos, a veces duplicándolos. En algunos casos, las películas B llegaron a recaudar más que la película principal. La historia del cine está llena de películas B, especialmente producidas por las grandes productoras de Hollywood en los años 50 y 60. A partir de los 70, las películas B se convirtieron en una forma de trabajar para producciones independientes y microempresas cinematográficas que usaban un bajo presupuesto para hacer películas de género con un atractivo comercial descarado.
De hecho, la película de serie b difiere considerablemente de una película independiente de cine de autor de bajo costo y a menudo tiene poco que ver con el arte. El espíritu de la película de serie b es usar materiales de bajo nivel, actores desconocidos que provienen del submundo del cine para crear películas que puedan ser interesantes para un público amplio.
Spider Baby
Terror, comedia, de Jack Hill, Estados Unidos, 1967.
Spider Baby es una película de culto de horror grotesco que cuenta la historia de la familia Merrye, afectada por una enfermedad genética que provoca regresión mental y comportamiento salvaje a medida que envejecen. En una casa aislada viven Baby, sus hermanas y el cariñoso cuidador Bruno (Lon Chaney Jr.), quien intenta contener su locura cuando llegan invitados desprevenidos. La película mezcla una atmósfera gótica, humor negro y tonos surrealistas, creando un mundo perturbador pero casi de cuento de hadas, una extraña combinación entre el horror clásico y la comedia mórbida. Chaney ofrece una actuación sorprendentemente conmovedora, y la dirección logra convertir un presupuesto mínimo en una experiencia única.
Spider Baby es una piedra angular importante del cine independiente estadounidense: irónica, macabra, melancólica y poco convencional. Spider Baby es una experiencia que no se basa únicamente en el miedo, sino que juega con el tema de la “familia monstruosa” para hablar sobre el aislamiento, la diversidad y la decadencia, convirtiéndose con el tiempo en un título de culto querido por quienes buscan un tipo diferente de horror — deformado, grotesco e inquietante al mismo tiempo.
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Dead Alive (1992)
Lionel es un joven atrapado bajo el dominio de su madre autoritaria, cuya vida toma un giro horripilante cuando ella es mordida por un mono-rata de Sumatra. Mientras se transforma en un zombi voraz, Lionel intenta desesperadamente ocultar el creciente número de muertos vivientes en su sótano, lo que conduce a una confrontación explosiva y sangrienta durante una cena local.
La película de Peter Jackson es un hito del «splatterstick», conocida por su gore caricaturesco y energía maníaca. Tiene una reputación legendaria por la enorme cantidad de sangre falsa utilizada durante su clímax, particularmente en la icónica secuencia de la cortadora de césped. La película equilibra un horror corporal extremo con una dulce narrativa central sobre un joven que finalmente logra independizarse de su tóxica situación doméstica.
Deliria (1987)
Durante un ensayo nocturno para un nuevo musical, un grupo de actores queda encerrado dentro de un teatro con un paciente psiquiátrico fugado. El asesino, que lleva una máscara gigante de búho, comienza una matanza metódica y artística de los miembros del elenco. La protagonista, Alicia, debe navegar por las sombras del edificio atrincherado para sobrevivir a la actuación teatral y mortal del asesino.
Dirigida por Michele Soavi, la película es una entrada visualmente sofisticada en el género slasher italiano. Es celebrada por su cinematografía atmosférica y el diseño impactante de su antagonista. La producción eleva una premisa estándar de «acechar y cortar» a un ejercicio estilizado de suspense, utilizando el escenario para difuminar las líneas entre la actuación y el terror real.
The Brain That Wouldn't Die
Terror, ciencia ficción, por Joseph Green, Estados Unidos, 1962.
El Dr. Bill Cortner salva a un paciente que fue declarado muerto, pero el cirujano principal, el padre de Bill, condena los métodos y teorías poco ortodoxos de trasplante de su hijo. Mientras conduce hacia la casa familiar, Bill y su atractiva futura esposa Jan Compton sufren un accidente automovilístico en el que su esposa es decapitada. Cortner recupera la cabeza y se apresura al laboratorio en el sótano de su casa. Él y su mutilado compañero Kurt reviven la cabeza en una bandeja llena de líquido. La nueva existencia de Jan es insoportable y la mujer suplica a Bill que la deje morir, pero el científico se niega: quiere encontrar un nuevo cuerpo para Jan. Busca una mujer adecuada en un club de burlesque, en la calle y en un concurso de belleza.
Dirigida por Joseph Green y escrita por Green y Rex Carlton, la película se terminó en 1959 bajo el título The Black Door, pero no se estrenó hasta el 3 de mayo de 1962, con su nuevo título como función doble con Invasion of the Star Creatures. El particular recurso narrativo de un doctor loco que descubre una manera de mantener viva una cabeza humana ha sido usado antes en la literatura, con varias otras versiones sobre este tema. Comparte numerosos elementos de la historia con la película de terror alemana occidental The Head (1959).
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Demons (1985)
![Demons (1985) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2F1hkspAW-r-0%2F0.jpg)
Un grupo de desconocidos invitados a una proyección misteriosa en el cine Metropol se encuentra luchando por sus vidas cuando la trama de la película comienza a manifestarse en la realidad. Después de que una invitada es arañada por una máscara maldita, se transforma en un demonio feroz, propagando una infección sobrenatural por todo el teatro. Los sobrevivientes deben encontrar una salida del edificio sellado mientras luchan contra una horda creciente de monstruos.
Dirigida por Lamberto Bava y producida por Dario Argento, la película es una obra maestra de alta octanaje del splatter de los años 80. Es reconocida por sus efectos prácticos de transformación y su pulsante banda sonora de heavy metal. La narrativa sirve como una exploración meta-textual del poder del cine de terror, representando el medio como una fuerza contagiosa que literalmente rompe la pantalla hacia el mundo físico.
Noche del Cometa (1984)
Después de que un cometa raro pasa cerca de la Tierra, la mayor parte de la humanidad se reduce a polvo rojo, dejando solo a unos pocos sobrevivientes en un desolado Los Ángeles. Dos hermanas, Regina y Samantha, descubren que están entre las pocas afortunadas, pero pronto son perseguidas por «zombis del cometa» irradiados y un grupo de científicos subterráneos que quieren su sangre. Deben usar su ingenio y habilidades de combate para sobrevivir al fin del mundo.
Esta película es una mezcla única de la cultura adolescente de los años 80 y el horror de ciencia ficción post-apocalíptico. Frecuentemente es elogiada por su humor negro y por presentar protagonistas femeninas capaces e independientes en un género a menudo dominado por personajes masculinos. El estilo visual vibrante del film y su subversión de los tópicos de supervivencia han asegurado su estatus como un clásico de culto definitorio de la década.
The Day The Earth Stood Still
Ciencia ficción, dirigida por Robert Wise, Estados Unidos, 1952.
Basada en el cuento corto Adiós al maestro de Harry Bates, la película está ambientada en Washington. Un platillo volador aterriza en un parque y una multitud, aunque asustada, se aglomera alrededor, mientras llegan soldados con vehículos blindados. Un extraterrestre con apariencia humana llamado Klaatu sale del disco, saludando y trayendo un pequeño regalo, pero un soldado en pánico le dispara. Klaatu, después de ser llevado a un hospital, evade la vigilancia y, haciéndose pasar por un civil llamado Carpenter, se refugia en un casero, haciendo amistad con Helen, una viuda de guerra, y su hijo Bobby.
Para reflexionar
Película que lleva un mensaje ético fundamental, hoy de enorme relevancia: los seres humanos deben abandonar su egoísmo, sus miedos, sus impulsos de destrucción y dominio para unirse todos en un gran acuerdo, más allá de naciones, razas, idiomas, diferentes religiones y culturas. Ninguna civilización puede crecer en conflicto y desequilibrio, yendo en contra del gran diseño del universo. Incluso los extraterrestres pueden molestarse y venir a la Tierra para establecer, por las buenas o por las malas, un acuerdo social.
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
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Esa Villa en el Parque (1982)
Una joven llamada Terry viaja a una isla caribeña para investigar la misteriosa muerte de su hermana, quien fue encontrada parcialmente devorada. Con la ayuda de un escritor de misterio, descubre que un laboratorio local ha producido un mutante salvaje, un híbrido entre un mono y una rata. La criatura incontrolable se esconde en los bosques circundantes, cazando a los habitantes de la isla en una serie de ataques brutales.
Dirigida por Giuliano Carnimeo, la película es un ejemplo clásico del cine de explotación italiano de horror que se centra en el diseño de criaturas monstruosas y el gore visceral. Ha desarrollado un seguimiento por sus efectos especiales táctiles y su atmósfera inquietante. La producción utiliza eficazmente su escenario tropical para contrastar la belleza natural de la isla con el horror antinatural del experimento biológico del doctor.
Posesión en Amityville (1982)
La familia Montelli se muda a una gran casa en la costa, sin saber que la propiedad está construida sobre una puerta al infierno. El hijo mayor, Sonny, pronto cae bajo la influencia de un espíritu malévolo que comienza a manipular su mente y cuerpo. A medida que la influencia demoníaca crece, la familia se desgarra por la violencia y comportamientos tabú, lo que obliga a un sacerdote local a intentar un peligroso exorcismo.
Dirigida por Damiano Damiani, esta precuela de la saga Amityville es conocida por ser significativamente más oscura y gráfica que la película original. Profundiza en temas de abuso doméstico y corrupción espiritual, utilizando efectos de maquillaje impactantes e imaginería religiosa. La película sigue siendo una entrada controvertida e intensa en el subgénero de posesiones, valorada por los fans por su tono implacablemente sombrío.
A Bucket of Blood
Comedia, Crimen, por Roger Corman, Estados Unidos, 1959.
Producida con un presupuesto de $50,000, fue filmada en cinco días por el rey de las películas B de bajo presupuesto, Roger Corman. Una noche, después de escuchar las palabras de Maxwell H. Brock, un poeta que se presenta en el café The Yellow Door, el obtuso camarero Walter Paisley regresa a casa para intentar crear una escultura del rostro de la anfitriona Carla, pero accidentalmente mata al gato. En lugar de darle al animal un entierro adecuado, Walter cubre al gato con arcilla, dejando el cuchillo clavado dentro. A la mañana siguiente, Walter muestra el gato a Carla y a su jefe Leonard. Carla se entusiasma con la obra y convence a Leonard de exhibirla en su bar. Walter recibe elogios de Will y los otros beatniks en el café.
Para reflexionar
El arte mata y entrega la vida real a la inmortalidad. ¿Qué son los personajes de una película, una pintura o una escultura sino cristalizaciones no humanas, teoremas y representaciones de personas que hemos visto, oído, soñado, conocido en la vida real?
Pierino contra todos (1981)
Pierino es un escolar malhablado e hiperactivo que pasa sus días orquestando elaboradas bromas a su familia, sus compañeros de clase y sus profesores. Cuando se enamora de una hermosa nueva profesora sustituta, entra en una rivalidad cómica con otro profesor. La película sigue una serie de gags sueltos y episódicos que culminan en los intentos de Pierino por ganar el afecto de la profesora mientras causa estragos en el aula.
La película es la obra fundacional del ciclo «Pierino», una serie de comedias italianas basadas en chistes populares de la calle. Aunque fue criticada por su vulgaridad, fue un gran éxito de taquilla que lanzó a Alvaro Vitali a la fama. Desde entonces, el personaje se ha convertido en un ícono de la cultura popular italiana, representando una época específica de humor irreverente y de bajo nivel que satirizaba las instituciones sociales tradicionales.
Posesión infernal (1981)
Cinco amigos que viajan a una cabaña remota en el bosque descubren un texto antiguo conocido como el Naturon Demonto y una grabadora que contiene encantamientos. Cuando se reproduce la grabación, despierta una presencia demoníaca invisible que comienza a poseer al grupo uno por uno. Los sobrevivientes se ven obligados a luchar contra sus antiguos amigos en una noche de violencia sobrenatural caótica e implacable.
El debut como director de Sam Raimi es un hito del cine de terror de bajo presupuesto, celebrado por su uso innovador de la cámara cinética y efectos especiales ingeniosos. La energía cruda de la película y la actuación física de Bruce Campbell ayudaron a lanzar una gran franquicia. Demostró que una visión creativa puede superar limitaciones financieras para crear una experiencia que se siente tanto visceral como artísticamente distintiva.
Ciudad pesadilla (1980)
Un avión que transporta a un científico irradiado realiza un aterrizaje de emergencia, liberando a un grupo de mutantes rápidos y armados que deben consumir sangre humana para regenerar sus células en descomposición. Un reportero de televisión y su esposa intentan escapar de la ciudad mientras los mutantes rápidamente superan a la policía y al ejército. La infección se propaga con una velocidad aterradora, amenazando con consumir a toda la población.
Dirigida por Umberto Lenzi, la película es una variante acelerada del género zombi, con mutantes lo suficientemente inteligentes como para usar herramientas y armas de fuego. Es un clásico de culto conocido por su comentario social sobre la energía nuclear y su violencia gráfica sin disculpas. El final nihilista de la película y su enfoque en la catástrofe industrial la convierten en un reflejo sombrío de las ansiedades del final del siglo XX.
The Terror
Terror, de Roger Corman, Estados Unidos, 1963.
El teniente Duvalier (Jack Nicholson), un soldado francés, pierde contacto con su unidad y se ve obligado a vagar solo cerca del Mar Báltico. Mientras busca a su regimiento, ve a Helene (Sandra Knight), una belleza misteriosa, caminando sola. Encantado, Duvalier comienza a seguirla, pero ella desaparece. Más tarde se une a ella y la sigue hasta un castillo, donde conoce al extraño Barón Von Leppe (Boris Karloff), encuentra señales de brujería y descubre la impactante verdad sobre Helene. Realizada con bajo presupuesto en pocos días por Roger Corman aprovechando decorados usados y el contrato aún vigente con Karloff (quien había terminado la película anterior temprano), The Terror también incluye algunas secuencias filmadas por jóvenes directores que trabajaban en la fábrica de producción. Corman, quienes se convertirían en cineastas altamente talentosos: Francis Ford Coppola, Monte Hellman. Las escenas finales fueron filmadas en cambio por Jack Nicholson y Jack Hill.
Para reflexionar
Todas las religiones, con diferentes términos, hablan de la existencia de "magos negros" capaces de tomar control de un cuerpo sin el conocimiento del dueño. Los magos negros usan sus poderes para fines egoístas, para venganzas y otros propósitos malignos. El fenómeno se describe en varios textos de manera bastante científica: ocurre al desprender el puente etérico, que conecta el cuerpo físico del individuo con los cuerpos superiores, y al unir el propio a él. Un mecanismo similar al que ocurre en la hipnosis y la anestesia total. Sin embargo, el sujeto debe ser atacable: su voluntad debe ser frágil, su estilo de vida y su equilibrio deben ser precarios. Si no se cumplen estas condiciones, el mago negro no puede poseerlo.
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La Casa junto al Lago (1980)
Un joven adinerado invita a dos marginados sociales, Alex y Ricky, a su villa aislada, con la intención de burlarse y humillarlos para el entretenimiento de sus amigos. La situación se torna mortal cuando Alex, un depredador sexual violento, toma el control de la fiesta. Él y su compañero con discapacidad mental, Ricky, someten al grupo a una serie de torturas físicas y psicológicas sádicas.
La película de «violación y venganza» de Ruggero Deodato es conocida por sus representaciones gráficas de violencia y su tono nihilista. Se considera un clásico de culto controvertido que explora la tensión de clases y la depravación humana. El filme utiliza su escenario aislado para crear una sensación claustrofóbica de terror, obligando a la audiencia a presenciar una brutal ruptura del decoro social y la emergencia de una crueldad primitiva.
La Ciudad Desgarrada: La Caza del Maniaco (1980)
Un asesino en serie aterroriza la ciudad de Roma, asesinando a jóvenes mujeres y dejando sus cabezas cercenadas en lugares públicos prominentes. Un inspector lidera la investigación, navegando por los rincones oscuros de la ciudad y encontrándose con una serie de sospechosos mientras el público entra en pánico. La policía debe apresurarse para encontrar al asesino antes de que su campaña de decapitaciones alcance su objetivo final y macabro.
Umberto Lenzi dirige este thriller «giallo», conocido por su atmósfera ominosa y la opresiva banda sonora de Stelvio Cipriani. Aunque ha sido elogiado por su suspense, también ha recibido críticas por su violencia extrema y sus representaciones de sadismo. La película es un ejemplo significativo de la dirección más oscura que tomó el género thriller italiano a principios de los años 80.
El Mago de la Velocidad y el Tiempo (1979)
Un visionario artista de efectos especiales es desafiado por un grupo de productores de Hollywood a crear una película que muestre una velocidad sobrehumana increíble. Usando una máquina del tiempo y su propio dominio del movimiento, viaja a través de diversos ambientes para completar su tarea. La película es una demostración de sus poderes creativos y su negativa a ser contenido por el sistema tradicional de estudios.
Dirigida y protagonizada por Mike Jittlov, esta película independiente es una exploración celebratoria de técnicas de animación y efectos especiales. Es muy valorada por los entusiastas por su espíritu DIY, mezclando acción en vivo con stop-motion y elementos dibujados a mano. El humor autocrítico de la producción y su énfasis en la pura magia visual la han convertido en una inspiración duradera para cineastas independientes.
La dottoressa ci sta col colonnello (1978)
El coronel Anacleto Punzone, un médico militar que lucha con inseguridades sobre su masculinidad, se somete a un trasplante secreto de pene para conquistar el corazón de la hermosa doctora Eva Russell. El donante es un colega con un tamaño excepcionalmente grande, lo que provoca una serie de complicaciones físicas y sociales para el coronel. Debe manejar su nueva anatomía mientras mantiene el procedimiento en secreto ante sus superiores militares.
La película es una entrada popular en el género de la «comedia sexy», protagonizada por Lino Banfi como el torpe y bienintencionado coronel. Utiliza un slapstick exagerado y sátira sexual para burlarse de las nociones tradicionales de virilidad y la rigidez institucional. A pesar de su enfoque de bajo nivel, fue un éxito comercial masivo, resonando con un público interesado en la deconstrucción ligera de los tabúes sexuales.
Little Shop of Horrors
Terror, por Roger Corman, Estados Unidos, 1960.
El brillante Roger Corman, director y productor que a menudo ha trabajado con presupuestos ridículos, permitiendo el debut de Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Joe Dante, realiza la película donde su estilo es más reconocible. Un presupuesto de 30 mil dólares, la explotación de una escenografía existente, dos días de rodaje, una contaminación sin precedentes entre noir, comedia, horror, surrealismo y grotesco. Seymour es un chico tímido y torpe, oprimido por una madre hipocondríaca, que trabaja como chico en la floristería del señor Mushnick, ubicada en los barrios bajos de Nueva York, frecuentada por personas bastante extrañas; su vida parece cambiar para mejor cuando comienza a dedicarse amorosamente a una extraña planta, a la que llama igual que a la chica de la que está enamorado. Pero a la planta no le interesa su abono, solo le gusta la sangre humana. Inspirado en el cuento corto de 1932 Green Thoughts.
La banda del trucido (1976)
Un comisario de policía está tras la pista de un criminal peligroso que ha organizado un gran robo y secuestrado a una joven. Desesperado por una pista, el comisario recluta la ayuda de Sergio Marazzi, un ex ladrón rudo y malhablado conocido como «Er Monnezza». Juntos navegan por el submundo criminal de Roma para rescatar a la rehén y detener el atraco.
La actuación de Tomas Milian como el antihéroe Er Monnezza es el elemento definitorio de este filme policial italiano. Representa el subgénero «poliziottesco», que mezcla acción cruda con humor local romano. La inmensa popularidad del personaje llevó a varias secuelas, convirtiéndolo en un ícono cultural que representaba la visión cínica pero con principios de la clase trabajadora urbana.
La colegiala (1975)
Loredana es una estudiante de secundaria vivaz e independiente que está constantemente en desacuerdo con sus padres conservadores. Su vida se complica cuando comienza una relación romántica con su profesor de matemáticas, lo que conduce a una serie de encuentros cómicos y provocativos. La narrativa la sigue a través de varias aventuras provincianas mientras explora su sexualidad y autonomía en desarrollo.
Esta película es un representante clave del ciclo de comedias eróticas italianas de los años 70. Se le atribuye haber establecido a Gloria Guida como una gran estrella y por su representación franca—aunque controvertida—de la rebeldía adolescente. El éxito de la producción destacó el apetito del público por historias que desafiaban la rígida moral social y religiosa de la época mediante el humor y el voyeurismo.
Il mio nome è Nessuno (1973)
Un joven pistolero despreocupado que se hace llamar «Nadie» se obsesiona con asegurar que su héroe, el legendario cazador de recompensas Jack Beauregard, entre en la historia con un final espectacular. Nadie intenta incitar al retirado Jack a enfrentarse a la «Pandilla Salvaje», un ejército de 150 forajidos. La historia sigue su tensa travesía por el Oeste mientras la antigua era de los pistoleros es reemplazada por un mundo más moderno y comercial.
Dirigida por Tonino Valerii y producida por Sergio Leone, la película es un puente magistral entre el spaghetti western serio y el estilo cómico de Terence Hill. Cuenta con una partitura grandiosa de Ennio Morricone y una actuación destacada de Henry Fonda como la leyenda cansada del mundo. La película funciona tanto como una aventura emocionante como una reflexión melancólica sobre la muerte del mítico Viejo Oeste.
La Banda del Jorobado (1972)
Un criminal buscado conocido como «El Jorobado» regresa a Córcega desde el exilio para vengar la muerte de su hermano gemelo. Organiza un grupo de bandidos para un audaz atraco a un casino, pero el plan se complica por sus propios impulsos violentos y la persecución de policías corruptos. La narrativa sigue su descenso en un ciclo de traición y tiroteos mientras intenta saldar las deudas familiares.
Esta película ayudó a consolidar a Tomas Milian como un actor importante en el género del crimen italiano. Dirigida por Umberto Lenzi, es conocida por su carismática actuación principal y su trama cínica y llena de acción. El filme es un ejemplo clásico del estilo «poliziottesco», centrado en un protagonista criminal complejo cuya sed de justicia es tan peligrosa como sus actividades delictivas.
El Gran Silencio (1968)
En medio de un invierno brutal en Utah en 1880, un pistolero mudo llamado Silencio es contratado por una viuda para proteger a una comunidad de forajidos de un grupo de despiadados cazadores de recompensas. Los cazadores, liderados por el aterrador Tigrero, operan dentro de un sistema legal corrupto que les permite masacrar a inocentes por lucro. Silencio debe participar en un mortal juego del gato y el ratón a través del paisaje congelado.
El western de Sergio Corbucci es reconocido por su tono oscuro, su subversión de la heroicidad tradicional y su famoso final sombrío. El escenario invernal proporciona una atmósfera desolada que complementa los temas de injusticia y venganza de la película. Con una partitura inquietante de Ennio Morricone y actuaciones intensas, es ampliamente considerado uno de los westerns italianos más grandes y políticamente significativos jamás realizados.
Dementia 13
Terror, Suspenso, de Francis Ford Coppola, Estados Unidos, 1963.
La ópera prima de Francis Ford Coppola, producida a bajo costo por Roger Corman, quien quería una película al estilo de Psycho de bajo presupuesto con atmósferas góticas y crímenes atroces. La familia Haloran se reúne en su castillo irlandés para conmemorar la muerte prematura de la pequeña Kathleen, que se ahogó siete años antes. Comienzan a ocurrir eventos misteriosos, como las apariciones de la niña muerta, y un asesino armado con un hacha ronda el lugar.
IDIOMA: inglés
SUBTÍTULOS: italiano
Manos: Las Manos del Destino (1966)
Una familia que viaja por el desierto de Texas queda varada y encuentra refugio en un remoto lodge supervisado por un extraño hombre llamado Torgo. Descubren que están siendo retenidos por un culto polígamo que adora al diablo, liderado por «El Maestro». La familia debe encontrar una manera de escapar antes de ser sacrificada a la deidad del culto, Manos, en un ritual antiguo y absurdo.
La película es infame por ser una de las producciones más técnicamente defectuosas e incompetentes en la historia del cine, creada por un vendedor de fertilizantes a modo de apuesta. Ha ganado un enorme seguimiento de culto debido a su actuación extraña, ritmo peculiar y surrealismo involuntario. A pesar de su mala calidad, la extrañeza única del film la ha convertido en objeto de fascinación y parodia durante décadas.
Django (1966)
Un misterioso vagabundo llamado Django llega a un pueblo fronterizo embarrado arrastrando un ataúd detrás de él. Se encuentra atrapado entre una banda revolucionaria mexicana y un grupo de soldados exconfederados racistas. Tras revelar una ametralladora Gatling oculta en el ataúd, Django emprende una sangrienta cruzada de venganza y robo, intentando rescatar a una mujer local del caos que los rodea.
Dirigida por Sergio Corbucci, la película es una piedra angular del género spaghetti western, famosa por su violencia estilizada y su protagonista sombrío. La actuación de Franco Nero creó un arquetipo icónico que influyó en innumerables secuelas e imitaciones. La estética cruda del film y su enfoque en un héroe defectuoso y movido por la venganza redefinieron el género western para una audiencia internacional.
Plan 9 from Outer Space (1959)
Alienígenas preocupados por el desarrollo nuclear de la humanidad intentan conquistar la Tierra implementando el «Plan 9», que consiste en resucitar a los muertos para que sirvan como un ejército invasor. Un grupo de militares y pilotos intenta detener a los extraterrestres en su base en un cementerio fuera de Los Ángeles mientras los cadáveres resucitados comienzan a aterrorizar a los residentes locales.
Dirigida por Ed Wood, la película es frecuentemente citada como una de las peores jamás hechas debido a sus bajos valores de producción y guion absurdo. Sin embargo, la sincera dedicación de Wood y el valor camp del film la han convertido en un clásico de culto muy querido. Es un testimonio del espíritu persistente del cine independiente y sigue siendo objeto de intenso interés histórico y cómico.
The Killer Shrews (1959)
Un equipo de investigación en una isla remota experimenta con hormonas de crecimiento para combatir la crisis alimentaria mundial, creando accidentalmente una raza de musarañas gigantes y carnívoras. Cuando un huracán azota, un grupo de visitantes queda atrapado en un recinto con los monstruos hambrientos. Los sobrevivientes deben idear un plan desesperado para llegar a su barco mientras las musarañas intentan cavar su camino hacia el edificio.
Esta película de criaturas de bajo presupuesto es un clásico de la era de los autocines, conocida por su uso creativo—aunque absurdo—de perros disfrazados para representar a los monstruos. El filme capitaliza el miedo a la radiación y la manipulación científica de mediados de siglo. A pesar de sus limitaciones, mantiene una narrativa tensa y centrada en la supervivencia que la ha convertido en un referente para los aficionados al cine de terror B vintage.
The Blob (1958)
Un pequeño pueblo entra en pánico cuando una criatura alienígena gelatinosa cae del cielo y comienza a devorar todo a su paso. La criatura crece y se vuelve más agresiva con cada víctima que absorbe. Un grupo de adolescentes, liderados por un joven llamado Steve, debe encontrar la manera de convencer a los adultos locales del peligro antes de que la criatura consuma a toda la comunidad.
La película es una obra fundamental del ciclo de criaturas de los años 50, con Steve McQueen en su primer papel protagónico importante. Sus efectos especiales prácticos, usando silicona teñida, crearon un monstruo icónico y memorable. La narrativa captura la división generacional de la era de posguerra, con la juventud actuando como el único grupo capaz de reconocer y responder a una amenaza creciente e invisible.
The Fly (1958)
Un brillante científico descubre una forma de teletransportar materia, pero durante una prueba consigo mismo, una mosca doméstica común entra en la cabina de teletransportación. Sus estructuras atómicas se fusionan, causando que el científico se transforme lentamente en un híbrido monstruoso de hombre e insecto. Su esposa intenta desesperadamente ayudarlo a revertir el proceso mientras su conciencia humana comienza a desvanecerse.
Basada en un cuento de George Langelaan, la película es una mezcla sofisticada de ciencia ficción y horror psicológico. Es celebrada por su uso efectivo del suspense y su exploración de los peligros de la ambición científica desenfrenada. Las impactantes escenas de transformación y su núcleo emocional trágico la han establecido como un clásico perdurable del género.
Attack of the Crab Monsters (1957)
Un equipo de científicos llega a una isla remota del Pacífico para investigar la desaparición de una expedición anterior. Descubren que las pruebas nucleares han mutado a los cangrejos locales en monstruos gigantes telepáticos que absorben el conocimiento y las voces de aquellos que consumen. A medida que la isla comienza a colapsar en el mar, los sobrevivientes deben encontrar una manera de destruir a las criaturas antes de ser capturados.
Dirigida por Roger Corman, esta película es un B-movie de alto concepto que construye la tensión de manera eficiente con recursos limitados. Refleja el miedo generalizado durante la Guerra Fría a la radiación y las consecuencias ambientales. La premisa única del filme —donde los monstruos poseen las personalidades de sus víctimas— añade una capa de inquietud psicológica que la distingue de otras películas de «bichos gigantes» de la época.
¡Ellos! (1954)
En el desierto de Nuevo México, una serie de desapariciones misteriosas y un niño traumatizado llevan a los investigadores a un nido de hormigas gigantes mutadas creadas por las secuelas de las primeras pruebas de la bomba atómica. Cuando dos jóvenes reinas hormigas escapan del desierto para establecer nuevos nidos en centros urbanos, el ejército debe lanzar una campaña desesperada para encontrarlas y destruirlas antes de que la civilización humana sea abrumada.
La película es ampliamente considerada uno de los mejores ejemplos del género «Bichos Gigantes», elogiada por su tono documental y su diseño de sonido efectivo. Utiliza el miedo a la tecnología nuclear para crear una alegoría seria y aterradora de la era atómica. El uso de maquetas a escala y las tensas secuencias investigativas establecieron un alto estándar para el posterior cine de ciencia ficción y horror.
La criatura de la laguna negra (1954)
Una expedición científica en el Amazonas descubre un humanoide anfibio prehistórico que vive en una laguna remota. La criatura se obsesiona con la asistente femenina del equipo, lo que conduce a una serie de enfrentamientos violentos mientras el monstruo intenta defender su territorio y secuestrar al objeto de su fascinación. Los científicos deben luchar para sobrevivir a los ataques acuáticos de la criatura y escapar de la selva tropical.
La película introdujo al Hombre Pez, la última incorporación al elenco clásico de los Monstruos de Universal. Es reconocida por su pionera fotografía submarina y su icónico diseño de criatura. La narrativa destaca por su uso efectivo del suspense y por evocar cierto grado de simpatía hacia la criatura, que es representada como un ser primordial cuyo entorno ha sido invadido por el hombre moderno.
La Cosa de Otro Mundo (1951)
El personal de una remota estación de investigación ártica descubre un OVNI estrellado y un piloto extraterrestre congelado en el hielo. Cuando la entidad—una forma de vida vegetal altamente avanzada—es accidentalmente revivida, comienza a alimentarse de los habitantes de la base para obtener su sangre. Los científicos y soldados deben encontrar una manera de contener y destruir a la resistente criatura antes de que pueda reproducirse y amenazar a todo el planeta.
Basada en la historia «Who Goes There?», la película es una clase magistral en tensión claustrofóbica y diálogos superpuestos de conjunto. Refleja la paranoia temprana de la Guerra Fría y el conflicto entre el pragmatismo militar y la curiosidad científica. La decisión de la producción de mantener al monstruo mayormente en las sombras creó una sensación de inquietud que la ha convertido en una obra fundamental para todo el cine posterior de invasiones alienígenas.
Perspectiva
La Película B Americana
La película B americana se difundió en las décadas de 1940 y 1950 en géneros como el western, el horror y la ciencia ficción. El actor principal, con un solo contrato y un solo pago, actuaba tanto en la película de serie A como en la de serie B. El uso de la película B también se extendió a otros géneros: cualquier género podía ser adecuado y la doble función fue un gran éxito.
Con la disminución de la rigidez de la censura en los años 60, las películas B crecieron cada vez más, hasta convertirse en un género independiente con estrenos publicitados al igual que las películas de Serie A. Sus contenidos a veces eran descaradamente violentos y obscenos, como en el género grindhouse, que se distribuía fuera de la gran distribución, en eventos especiales.
Las estrategias publicitarias de las películas grindhouse se volvieron muy efectivas, mediante técnicas de saturación psicológica: frases pegajosas que bombardeaban al público con eslóganes y trailers que insinuaban el contenido mórbido, hasta que la curiosidad por ver la película se volvía irresistible.
Otro fenómeno americano relacionado con la película B es el de las funciones de medianoche: películas de horror, eventos especiales dedicados a un público joven que quería pasar la noche viendo películas de miedo con amigos. Eventos que han llevado a éxitos extraordinarios de pequeñas películas de horror de bajo costo, como Halloween de John Carpenter, o la más reciente The Blair Witch Project.
Las películas de artes marciales de Bruce Lee, el llamado cine de Hong Kong, distribuidas primero en Oriente y luego estrenadas en Occidente, también fueron un éxito notable en Estados Unidos.
Las Películas B de Roger Corman
Uno de los directores americanos que mejor supo interpretar la lógica de la película B es sin duda Roger Corman. Con trucos y efectos especiales que a menudo son grotescos y de baja calidad, Corman ha sabido dirigir y producir películas que han resultado grandes éxitos comerciales y obras de buen valor artístico. La filmografía de Roger Corman, tanto como director como productor de películas de serie B, es muy extensa.
Otro exponente bien conocido del cine b estadounidense fue Ed Wood, el director famoso por haber realizado algunas de las películas más feas en la historia del cine. La película Plan 9 from outer space, un clásico del cine b de ciencia ficción y terror, se estrenó en cines en 1959 pero fue ignorada por la crítica, hasta que, en 1978, dos críticos estadounidenses la calificaron como la peor película de todos los tiempos. A partir de entonces, la película se volvió increíblemente popular. La trama insana del film, un caos entre zombis, vampiros y ovnis, es en realidad particularmente divertida, y la película es uno de los objetos más extraños en la historia del cine que debe verse al menos una vez en la vida.
En Estados Unidos, el fenómeno de las películas de serie B también involucró al western. Los westerns americanos fueron concebidos como productos comerciales de bajo costo sin particular inspiración artística y creativa. Su gran éxito despertó el interés de la industria cinematográfica italiana, que produjo conocidos westerns de serie B como Django y Hombre sin nombre. De este grupo de pequeñas y modestas películas de serie B, sin embargo, nació una de las corrientes del gran cine de autor italiano: el western de Sergio Leone.
En los años 80 el fenómeno del cine b comenzó a declinar. El público estadounidense se acostumbraba cada vez más a películas espectaculares y grandes producciones con efectos especiales. Sin embargo, la producción de películas de serie B continuó con la distribución en video casero. Los productores de cine b vendían sus productos directamente a cadenas como Blockbuster, o a canales de televisión por cable que emitían las 24 horas y también necesitaban productos para llenar las franjas de la tarde y la noche.
En los años 90, el costo de producir una película en Estados Unidos aumentó dramáticamente. El fenómeno del cine b estadounidense fue gradualmente reemplazado por películas independientes que preferían un estilo más intelectual, de cine de autor y menos comercial. Un cine independiente a menudo también citacionista y pulp como el fenómeno de Quentin Tarantino, que explotó en esos años con los proyectos de bajo presupuesto Reservoir Dogs y Pulp Fiction.
Con la llegada de la tecnología digital y la distribución en internet, se multiplicaron las películas independientes y de género de bajo costo: se estima que se producen más de 5,000 pequeñas películas de bajo presupuesto cada año en el mundo. Desde principios de los 2000 el concepto de cine b ha desaparecido, reemplazado por el de una película independiente, sin una clara distinción entre cine de arte y cine comercial.
El director independiente del nuevo milenio de hecho, dispone de todas las herramientas necesarias para hacer una película con muy pocos medios, con la ayuda de cámaras digitales que generan imágenes de la más alta calidad comparable al film de 35 mm, y software de edición no lineal que permiten un control total del vídeo y el sonido. Algunos directores independientes eligen el camino de los géneros cinematográficos persiguiendo el éxito comercial y profesional inspirados en lo que funciona en la distribución cinematográfica a gran escala.
Otros utilizan la posibilidad de hacer pequeñas películas de bajo costo para crear verdaderas obras de arte, también diferentes de la concepción previa de películas de arte y ensayo. Son filmes que se liberan de la estructura típica del producto cinematográfico y de la percepción del entretenimiento para cruzar el videoarte, la reflexión filosófica y la poesía. La tecnología digital y la distribución underground en internet son hoy el terreno más fértil para crear películas experimentales, en busca de nuevos lenguajes vanguardistas.
Películas B italianas
El cine italiano de Serie B de bajo costo ha sido tan prolífico como el americano. Desde la comedia erótica «pecoreccia» de los años 60 dirigida a un público en busca de excitación erótica, hasta el género detectivesco de la serie B definido como «poliziottesco», donde el policía, verdugo o antihéroe, lucha por restaurar el orden en una ciudad violenta, usualmente Nápoles, Roma o Milán.
La comedia sexy interpretada por actores como Lino Banfi, Renzo Montagnani y Alvaro Vitali, y por bellas y jóvenes actrices como Edwige Fenech, Barbara Bouchet, Lory Del Santo, Nadia Cassini, se realizaba como una serie de gags cómicos y bizarros, con un sabor absurdo y grotesco. Aunque estas películas se hicieron con la obsesión de mostrar continuamente el cuerpo de la actriz principal, la calidad de los actores y la escritura hicieron que algunas de ellas fueran realmente hilarantes, con cierto atractivo cinematográfico.
En la historia detectivesca de la serie B, debe recordarse sin duda la contribución del actor Tomas Milian en varios roles seriales, re-propuestos en muchas películas a lo largo de los años: desde el Inspector Giraldi, hasta el proletariado ladrón de los suburbios romanos apodado «Er Monnezza» (el basurero).
Otro fenómeno italiano que llenó los cines en los años 80 fue el de Pierino. Interpretado por Alvaro Vitali, se inspiró en un personaje de cómic de Antonio Rubino, que a su vez había inspirado una innumerable serie de chistes populares. Pierino tiene treinta años pero es pequeño tanto física como psicológicamente, y aún va a la escuela. Siempre está excitado por las atractivas profesoras y otras mujeres que encuentra en sus aventuras, y siempre intenta espiarlas en su intimidad, mientras se desvisten, a través de las cerraduras.
Las películas de la serie B estaban generando mucho dinero y llenando los cines. Entonces alguien pensó en hacer copias, es decir, el lado B de la película de la serie B. Se multiplicaron los spaghetti westerns de bajo costo, las películas detectivescas y las comedias sexys con imitaciones embarazosas de personajes exitosos. Hay varias razones por las que vale la pena ver películas B, aunque no tengan los mismos valores de producción o presupuesto que los grandes éxitos de taquilla. Aquí algunas razones:
- Entretenimiento puro: Las películas B a menudo se centran en el entretenimiento directo sin demasiadas pretensiones. Pueden ser películas disfrutables para ver sin la presión de altas expectativas.
- Originalidad: Las películas B tienden a ser más audaces y creativas que las películas convencionales. Dado que no cuentan con presupuestos significativos, los directores y guionistas a menudo se ven obligados a pensar de manera innovadora y encontrar soluciones creativas para contar sus historias.
- Cultura pop: Muchas películas B, especialmente las de las décadas de 1950 y 1960, se han convertido en íconos de la cultura pop. Han influido en la música, la moda y el cine, y han construido un seguimiento leal a lo largo de los años.
- Camp y ironía: Algunas películas B están tan mal hechas que se vuelven divertidas de manera involuntaria. Esto ha dado lugar a una cultura de «culto a la basura» donde la gente se reúne para reírse de los defectos y rarezas de estas películas.
- Experimentación: Las películas B suelen ser un terreno fértil para directores emergentes y nuevos talentos. Algunos directores exitosos comenzaron sus carreras trabajando en películas B antes de pasar a producciones más grandes.
- Historias únicas: Dado que las películas B no están atadas a las expectativas del público convencional, pueden explorar temas y géneros inusuales o tabú que las películas mainstream podrían evitar. Esto puede conducir a historias únicas y sorprendentes.
Ver películas B puede ser una experiencia divertida y gratificante para quienes están interesados en el cine fuera de los límites de las producciones de alto presupuesto. Cada película tiene su propia historia y encanto único, y podrías descubrir joyas ocultas y nuevas perspectivas sobre el mundo del cine.
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