Melhor Filme B para Assistir

No extremo oposto do espectro em relação ao que normalmente é considerado filmes imperdíveis e obras-primas cinematográficas encontram-se os filmes B. Essas produções, frequentemente caracterizadas por orçamentos baixos e sucesso comercial limitado, inicialmente pareciam carecer do reconhecimento crítico ou do impacto cultural de seus equivalentes blockbuster. No entanto, com o passar do tempo, tem havido uma reavaliação crescente da importância e do apelo de alguns filmes B. Gradualmente, vários desses filmes foram elevados ao status de cult, conquistando uma apreciação fervorosa e um público dedicado. Essa transformação destaca uma mudança na percepção, onde o charme único, a criatividade e talvez a crueza dessas produções passaram a ser admirados tanto pelo público quanto pelos críticos, redefinindo assim seu lugar no panorama cinematográfico.

Como Nascem os Filmes B?

O termo filme B vem da definição inglesa que os estúdios de cinema usavam para designar filmes menores que funcionavam como uma espécie de continuação de um filme principal mais caro. Assim como o lado B de um disco era ouvido após as faixas principais, mas isso não significava que tivesse menor valor. 

O filme B nasceu como uma estratégia para reciclar cenários, utilizar atores ainda sob contrato quando as filmagens do filme principal terminavam, e explorar os materiais de um filme de alto custo para fazer um com custo muito menor. O filme B geralmente era feito em poucos dias, muitas vezes em menos de uma semana, e depois exibido nos cinemas junto com o filme principal. 

O objetivo era exibir dois filmes pelo preço de um único ingresso. Especialmente em cidades provinciais isso era possível, e o público ficava satisfeito em assistir a dois espetáculos em vez de um. O filme B exibido após o filme principal geralmente não tinha sua própria campanha publicitária, não possuía cartazes nem releases para a imprensa: era anunciado apenas no último momento com o trailer. Era como um bônus adicional da sessão do filme principal, o filme mais caro. 

Dessa forma, com o mesmo investimento, um estúdio de cinema tinha a possibilidade de aumentar a receita, às vezes até dobrando-a. Em alguns casos, os filmes B tornaram-se mais lucrativos do que o filme principal. A história do cinema está repleta de filmes B, especialmente produzidos pelas grandes produtoras de Hollywood nas décadas de 50 e 60. A partir dos anos 70, os filmes B passaram a ser uma forma de trabalho para produções independentes e microempresas cinematográficas que usavam baixo orçamento para fazer filmes de gênero com um apelo comercial descarado.

De fato, o filme B difere consideravelmente de um filme independente de arte de baixo custo e frequentemente tem pouco a ver com arte. O espírito do filme B é usar materiais de baixo nível, atores desconhecidos que vêm da base do mundo do cinema para criar filmes que possam ser interessantes para um público amplo.

Spider Baby

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Terror, comédia, de Jack Hill, Estados Unidos, 1967.
Spider Baby é um filme de horror cult grotesco que conta a história da família Merrye, afetada por uma doença genética que causa regressão mental e comportamento selvagem à medida que envelhecem. Em uma casa isolada vivem Baby, suas irmãs e o afetuoso cuidador Bruno (Lon Chaney Jr.), que tenta conter a loucura delas quando hóspedes desprevenidos chegam. O filme mistura uma atmosfera gótica, humor negro e tons surreais, criando um mundo perturbador, porém quase de conto de fadas, uma mistura bizarra entre horror clássico e comédia mórbida. Chaney entrega uma performance surpreendentemente tocante, e a direção consegue transformar um orçamento pequeno em uma experiência única.

Spider Baby é um marco importante do cinema independente americano: irônico, macabro, melancólico e não convencional. Spider Baby é uma experiência que não se apoia apenas no medo, mas brinca com o tema da “família monstruosa” para falar sobre isolamento, diversidade e decadência, tornando-se com o tempo um título cult querido por aqueles que buscam um tipo diferente de horror — deformado, grotesco e inquietante ao mesmo tempo.

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Dead Alive (1992)

Lionel é um jovem preso sob o domínio de sua mãe autoritária, cuja vida toma um rumo horrível quando ela é mordida por um macaco-rato de Sumatra. À medida que ela se transforma em um zumbi voraz, Lionel tenta desesperadamente esconder o número crescente de mortos-vivos em seu porão, levando a um confronto explosivo e sangrento durante um jantar local.

O filme de Peter Jackson é um marco do “splatterstick”, conhecido por seu gore cartunesco e energia maníaca. Ele detém uma reputação lendária pelo volume enorme de sangue falso usado durante seu clímax, particularmente na icônica sequência do cortador de grama. O filme equilibra horror corporal extremo com uma narrativa doce sobre um jovem finalmente alcançando independência de sua situação doméstica tóxica.

Deliria (1987)

Durante um ensaio noturno para um novo musical, um grupo de atores fica trancado dentro de um teatro com um paciente psiquiátrico fugitivo. O assassino, usando uma máscara gigante de coruja, inicia um massacre metódico e artístico dos membros do elenco. A protagonista, Alicia, deve navegar pelas sombras do prédio barricadado para sobreviver à performance teatral e mortal do assassino.

Dirigido por Michele Soavi, o filme é uma entrada visualmente sofisticada no gênero slasher italiano. É celebrado por sua cinematografia atmosférica e pelo design marcante de seu antagonista. A produção eleva uma premissa padrão de “perseguir e cortar” a um exercício estiloso de suspense, utilizando o cenário do palco para borrar as linhas entre a performance e o terror do mundo real.

The Brain That Wouldn't Die

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Terror, ficção científica, por Joseph Green, Estados Unidos, 1962.
O Dr. Bill Cortner salva um paciente que foi declarado morto, mas o cirurgião sênior, pai de Bill, condena os métodos e teorias não ortodoxas de transplante do filho. Enquanto dirige para a casa da família, Bill e sua atraente futura esposa Jan Compton se envolvem em um acidente de carro no qual sua esposa é decapitada. Cortner recupera a cabeça e corre para o laboratório no porão de sua casa. Ele e seu ajudante mutilado Kurt revivem a cabeça em uma bandeja cheia de líquido. A nova existência de Jan é insuportável e a mulher implora a Bill para deixá-la morrer, mas o cientista se recusa: ele quer encontrar um novo corpo para Jan. Ele procura uma mulher adequada em um clube burlesco, na rua e em um concurso de beleza.

Dirigido por Joseph Green e escrito por Green e Rex Carlton, o filme foi concluído em 1959 sob o título The Black Door, mas só foi lançado em 3 de maio de 1962, com seu novo título, em uma sessão dupla com Invasion of the Star Creatures. O dispositivo narrativo particular de um médico louco que descobre uma maneira de manter uma cabeça humana viva já foi usado antes na literatura, com várias outras versões sobre esse tema. Compartilha inúmeros elementos da história com o filme de terror alemão Ocidental The Head (1959).

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Demons (1985)

Um grupo de estranhos convidados para uma exibição misteriosa no cinema Metropol se vê lutando por suas vidas quando a trama do filme começa a se manifestar na realidade. Depois que uma convidada é arranhada por uma máscara amaldiçoada, ela se transforma em um demônio feroz, espalhando uma infecção sobrenatural pelo teatro. Os sobreviventes devem encontrar uma saída do prédio selado enquanto enfrentam uma horda crescente de monstros.

Dirigido por Lamberto Bava e produzido por Dario Argento, o filme é uma obra-prima de alta octanagem do splatter dos anos 1980. É renomado por seus efeitos práticos de transformação e sua trilha sonora pulsante de heavy metal. A narrativa serve como uma exploração metatextual do poder do cinema de horror, retratando o meio como uma força contagiosa que literalmente rompe a tela para o mundo físico.

Noite do Cometa (1984)

Após a passagem de um cometa raro pela Terra, a maior parte da humanidade é reduzida a pó vermelho, restando apenas alguns sobreviventes em um desolado Los Angeles. Duas irmãs, Regina e Samantha, descobrem que estão entre as poucas sortudas, mas logo são caçadas por “zumbis do cometa” irradiados e por um grupo de cientistas subterrâneos que querem seu sangue. Elas devem usar sua inteligência e habilidades de combate para sobreviver ao fim do mundo.

Este filme é uma mistura única da cultura adolescente dos anos 1980 com horror sci-fi pós-apocalíptico. É frequentemente elogiado por seu humor negro e por apresentar protagonistas femininas capazes e independentes em um gênero muitas vezes dominado por protagonistas masculinos. O estilo visual vibrante do filme e sua subversão dos clichês de sobrevivência garantiram seu status como um clássico cult definidor da década.

The Day The Earth Stood Still

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Ficção científica, por Robert Wise, Estados Unidos, 1952.
Baseado no conto Goodbye to the Master, de Harry Bates, o filme se passa em Washington. Um disco voador aterrissa em um parque e uma multidão, embora assustada, se aglomera ao redor, enquanto soldados com veículos blindados chegam. Um extraterrestre humanóide chamado Klaatu sai do disco, cumprimenta e traz um pequeno presente, mas um soldado em pânico atira nele. Klaatu, após ser levado a um hospital, escapa da vigilância e, disfarçado de um homem comum chamado Carpenter, refugia-se em uma casa de aluguel, fazendo a amizade de Helen, uma viúva de guerra, e seu filho Bobby.

Para refletir
Filme que carrega uma mensagem ética fundamental, hoje de enorme relevância: os seres humanos devem abandonar seu egoísmo, seus medos, seus impulsos de destruição e dominação para unir todos em um grande acordo, além de nações, raças, línguas, religiões e culturas diferentes. Nenhuma civilização pode crescer em conflito e desequilíbrio, indo contra o grande plano do universo. Até extraterrestres podem se incomodar e vir à Terra para estabelecer, a qualquer custo, um acordo social.

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Aquela Vila no Parque (1982)

Uma jovem chamada Terry viaja para uma ilha caribenha para investigar a misteriosa morte de sua irmã, que foi encontrada parcialmente devorada. Ajudada por um escritor de mistério, ela descobre que um laboratório local produziu um mutante selvagem — um híbrido de macaco e rato. A criatura incontrolável está escondida nas florestas ao redor, atacando brutalmente os habitantes da ilha em uma série de ataques.

Dirigido por Giuliano Carnimeo, o filme é um exemplo clássico do horror de exploração italiano, focado no design de criaturas monstruosas e no gore visceral. Desenvolveu um público fiel por seus efeitos especiais táteis e sua atmosfera inquietante. A produção utiliza eficazmente o cenário tropical para contrastar a beleza natural da ilha com o horror antinatural do experimento biológico do médico.

Posse em Amityville (1982)

A família Montelli muda-se para uma grande casa na costa, sem saber que a propriedade está construída sobre um portal para o inferno. O filho mais velho, Sonny, logo cai sob a influência de um espírito malévolo que começa a manipular sua mente e corpo. À medida que a influência demoníaca cresce, a família é dilacerada por violência e comportamentos tabus, forçando um padre local a tentar um exorcismo perigoso.

Dirigido por Damiano Damiani, este prelúdio da saga Amityville é conhecido por ser significativamente mais sombrio e gráfico do que o filme original. Ele aborda temas de abuso doméstico e corrupção espiritual, utilizando efeitos de maquiagem impactantes e imagens religiosas. O filme permanece uma entrada controversa e intensa no subgênero de possessão, valorizada pelos fãs por seu tom implacavelmente sombrio.

A Bucket of Blood

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Comédia, Crime, por Roger Corman, Estados Unidos, 1959.
Produzido com um orçamento de $50.000, foi filmado em cinco dias pelo rei dos filmes B de baixo orçamento, Roger Corman. Numa noite, após ouvir as palavras de Maxwell H. Brock, um poeta que se apresenta no café The Yellow Door, o obtuso garçom Walter Paisley volta para casa para tentar criar uma escultura do rosto da anfitriã Carla, mas acidentalmente mata o gato. Em vez de dar ao animal um enterro adequado, Walter cobre o gato com argila, deixando a faca cravada dentro. Na manhã seguinte, Walter mostra o gato a Carla e seu chefe Leonard. Carla fica entusiasmada com a obra e convence Leonard a expô-la em seu bar. Walter recebe elogios de Will e dos outros beatniks no café.

Alimento para reflexão
A arte mata e entrega a vida real à imortalidade. O que são os personagens de um filme, uma pintura ou uma escultura senão cristalizações não humanas, teoremas e representações de pessoas que vimos, ouvimos, sonhamos, encontramos na vida real?

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Pierino contra todos (1981)

Pierino é um estudante mal-educado e hiperativo que passa seus dias arquitetando elaboradas pegadinhas para sua família, seus colegas de classe e seus professores. Quando se apaixona por uma bela professora substituta, ele entra em uma rivalidade cômica com outro professor. O filme acompanha uma série de gags soltos e episódicos que culminam nas tentativas de Pierino de conquistar o afeto da professora enquanto causa o caos na sala de aula.

O filme é a obra fundamental do ciclo “Pierino”, uma série de comédias italianas baseadas em piadas populares de rua. Embora tenha sido criticado por sua vulgaridade, foi um enorme sucesso de bilheteria que lançou Alvaro Vitali ao estrelato. O personagem desde então se tornou um ícone da cultura popular italiana, representando uma era específica de humor irreverente e de baixo nível que satirizava as instituições sociais tradicionais.

The Evil Dead (1981)

Cinco amigos viajando para uma cabana remota na floresta descobrem um texto antigo conhecido como Naturon Demonto e um gravador contendo encantamentos. Quando a gravação é reproduzida, desperta uma presença demoníaca invisível que começa a possuir o grupo um por um. Os sobreviventes são forçados a lutar contra seus antigos amigos em uma noite de violência sobrenatural caótica e implacável.

A estreia na direção de Sam Raimi é um marco do horror de baixo orçamento, celebrada pelo uso inovador de movimentos de câmera cinéticos e efeitos especiais engenhosos. A energia crua do filme e a performance física de Bruce Campbell ajudaram a lançar uma grande franquia. Demonstrou que uma visão criativa pode superar limitações financeiras para criar uma experiência que é ao mesmo tempo visceral e artisticamente distinta.

Nightmare City (1980)

Um avião transportando um cientista irradiado faz um pouso de emergência, liberando um grupo de mutantes rápidos e armados que precisam consumir sangue humano para regenerar suas células em decomposição. Um repórter de televisão e sua esposa tentam escapar da cidade enquanto os mutantes rapidamente dominam a polícia e o exército. A infecção se espalha com velocidade aterrorizante, ameaçando consumir toda a população.

Dirigido por Umberto Lenzi, o filme é uma variante acelerada do gênero zumbi, apresentando mutantes inteligentes o suficiente para usar ferramentas e armas de fogo. É um clássico cult conhecido por seu comentário social sobre energia nuclear e sua violência gráfica sem remorso. O final niilista do filme e seu foco na catástrofe industrial fazem dele um reflexo sombrio das ansiedades do final do século XX.

The Terror

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Terror, de Roger Corman, Estados Unidos, 1963.
O tenente Duvalier (Jack Nicholson), um soldado francês, perde contato com sua unidade e é forçado a vagar sozinho perto do Mar Báltico. Enquanto procura seu regimento, ele avista Helene (Sandra Knight), uma beleza misteriosa, caminhando sozinha. Encantado, Duvalier começa a segui-la, mas ela desaparece. Mais tarde, ele a encontra e a segue até um castelo, onde conhece o bizarro Barão Von Leppe (Boris Karloff), encontra sinais de bruxaria e descobre a chocante verdade sobre Helene. Produzido com baixo custo em poucos dias por Roger Corman, aproveitando cenários usados e o contrato ainda ativo com Karloff (que havia terminado o filme anterior cedo), The Terror também conta com algumas sequências filmadas por jovens diretores que trabalhavam na fábrica de produção. Corman, que se tornariam cineastas altamente talentosos: Francis Ford Coppola, Monte Hellman. As cenas finais foram filmadas por Jack Nicholson e Jack Hill.

Para refletir
Todas as religiões, com termos diferentes, falam da existência de "magos negros" capazes de tomar controle de um corpo sem o conhecimento do dono. Os magos negros usam seus poderes para fins egoístas, para vingança e outros propósitos malignos. O fenômeno é descrito em vários textos de forma bastante científica: ocorre pela separação da ponte etérica, que conecta o corpo físico do indivíduo com os corpos superiores, anexando o próprio corpo a ela. Um mecanismo semelhante ao que ocorre na hipnose e anestesia total. O sujeito, no entanto, deve ser atacável: sua vontade deve ser frágil, seu estilo de vida e seu equilíbrio devem ser precários. Se essas condições não forem atendidas, o mago negro não pode possuí-lo.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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A Casa à Beira do Lago (1980)

Um jovem rico convida dois excluídos sociais, Alex e Ricky, para sua vila isolada, com a intenção de zombar e humilhá-los para o divertimento de seus amigos. A situação torna-se mortal quando Alex, um predador sexual violento, assume o controle da festa. Ele e seu companheiro mentalmente incapacitado, Ricky, submetem o grupo a uma série de torturas físicas e psicológicas sádicas.

O filme “rape-and-revenge” de Ruggero Deodato é notório por suas representações gráficas de violência e seu tom niilista. É considerado um clássico cult controverso que explora a tensão de classes e a depravação humana. O filme usa seu cenário isolado para criar uma sensação claustrofóbica de pavor, forçando o público a testemunhar uma brutal quebra do decoro social e o surgimento da crueldade primal.

A Cidade Rasgada: A Caçada ao Maníaco (1980)

Um assassino em série aterroriza a cidade de Roma, assassinando jovens mulheres e deixando suas cabeças decepadas em locais públicos de destaque. Um inspetor lidera a investigação, navegando pelos cantos sombrios da cidade e encontrando uma série de suspeitos enquanto o público entra em pânico. A polícia deve correr para encontrar o assassino antes que sua campanha de decapitações alcance seu objetivo final e horrendo.

Umberto Lenzi dirige este thriller “giallo”, conhecido por sua atmosfera ominosa e pela trilha sonora opressiva de Stelvio Cipriani. Embora elogiado pelo suspense, também recebeu críticas por sua violência extrema e representações de sadismo. O filme é um exemplo significativo da direção mais sombria que o gênero thriller italiano tomou no início dos anos 1980.

O Mago da Velocidade e do Tempo (1979)

Um artista visionário de efeitos especiais é desafiado por um grupo de produtores de Hollywood a criar um filme que mostre uma velocidade sobre-humana incrível. Usando uma máquina do tempo e seu próprio domínio do movimento, ele viaja por diversos ambientes para completar sua tarefa. O filme é uma demonstração de seus poderes criativos e sua recusa em ser contido pelo sistema tradicional dos estúdios.

Dirigido e estrelado por Mike Jittlov, este filme independente é uma exploração celebratória das técnicas de animação e efeitos especiais. É altamente valorizado por entusiastas por seu espírito faça-você-mesmo, mesclando live-action com stop-motion e elementos desenhados à mão. O humor autodepreciativo da produção e sua ênfase na pura magia visual fizeram dele uma inspiração duradoura para cineastas independentes.

La dottoressa ci sta col colonnello (1978)

O coronel Anacleto Punzone, um médico militar que luta contra inseguranças sobre sua masculinidade, passa por um transplante secreto de pênis para conquistar o coração da bela Dra. Eva Russell. O doador é um colega com uma dotação excepcionalmente grande, o que leva a uma série de complicações físicas e sociais para o coronel. Ele deve lidar com sua nova anatomia enquanto mantém o procedimento em segredo de seus superiores militares.

O filme é uma entrada popular no gênero “comédia sexy”, estrelado por Lino Banfi como o coronel desajeitado e bem-intencionado. Usa humor pastelão e sátira sexual para zombar das noções tradicionais de virilidade e da rigidez institucional. Apesar de sua abordagem popular, foi um enorme sucesso comercial, ressoando com um público interessado na desconstrução leve dos tabus sexuais.

Little Shop of Horrors

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Terror, por Roger Corman, Estados Unidos, 1960.
O brilhante Roger Corman, diretor e produtor que frequentemente trabalhou com orçamentos ridículos, permitindo a estreia de Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Joe Dante, faz o filme onde seu estilo é mais reconhecível. Um orçamento de 30 mil dólares, a exploração de uma cenografia existente, dois dias de filmagem, uma contaminação inédita entre noir, comédia, horror, surreal e grotesco. Seymour é um garoto tímido e desajeitado, oprimido por uma mãe hipocondríaca, que trabalha como ajudante na floricultura do Sr. Mushnick, localizada nos subúrbios de Nova York, frequentada por pessoas bastante estranhas; sua vida parece mudar para melhor quando ele começa a dedicar-se amorosamente a uma planta estranha, que ele chama com o mesmo nome da garota por quem está apaixonado. Mas a planta não se interessa pelo seu adubo, ela só gosta de sangue humano. Inspirado no conto de 1932 Green Thoughts.

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La banda del trucido (1976)

Um comissário de polícia está à caça de um criminoso perigoso que organizou um grande assalto e sequestrou uma jovem. Desesperado por uma pista, o comissário conta com a ajuda de Sergio Marazzi, um ex-ladrão rude e de fala grossa conhecido como “Er Monnezza”. Juntos, eles navegam pelo submundo criminoso de Roma para resgatar a refém e impedir o roubo.

A atuação de Tomas Milian como o anti-herói Er Monnezza é o elemento definidor deste filme policial italiano. Representa o subgênero “poliziottesco”, que mistura ação crua com humor local romano. A imensa popularidade do personagem levou a várias sequências, tornando-o um ícone cultural que representava a visão de mundo cínica, porém principiada, da classe trabalhadora urbana.

The Schoolgirl (1975)

Loredana é uma estudante do ensino médio animada e independente que está constantemente em conflito com seus pais conservadores. Sua vida se complica quando ela inicia um relacionamento romântico com seu professor de matemática, levando a uma série de encontros cômicos e provocativos. A narrativa a acompanha em várias aventuras provincianas enquanto ela explora sua sexualidade emergente e independência.

Este filme é um representante chave do ciclo de comédias eróticas italianas dos anos 1970. É creditado por estabelecer Gloria Guida como uma grande estrela e por sua representação franca — embora controversa — da rebeldia adolescente. O sucesso da produção destacou o apetite do público por histórias que desafiavam a rígida moral social e religiosa da época através do humor e do voyeurismo.

Il mio nome è Nessuno (1973)

Um jovem pistoleiro despreocupado que se autodenomina “Ninguém” torna-se obcecado em garantir que seu herói, o lendário caçador de recompensas Jack Beauregard, entre para a história com um final espetacular. Ninguém tenta provocar o aposentado Jack a enfrentar o “Bando Selvagem” — um exército de 150 fora da lei. A história acompanha sua jornada tensa pelo Oeste enquanto a velha era dos pistoleiros é substituída por um mundo mais moderno e comercial.

Dirigido por Tonino Valerii e produzido por Sergio Leone, o filme é uma ponte magistral entre o spaghetti western sério e o estilo cômico de Terence Hill. Conta com uma trilha sonora grandiosa de Ennio Morricone e uma atuação excepcional de Henry Fonda como a lenda cansada do mundo. O filme serve tanto como uma aventura emocionante quanto uma reflexão melancólica sobre a morte do mítico Velho Oeste.

A Gangue do Corcunda (1972)

Um criminoso procurado conhecido como “O Corcunda” retorna à Córsega do exílio para vingar a morte de seu irmão gêmeo. Ele organiza um grupo de bandidos para um ousado assalto a um cassino, mas o plano se complica por seus próprios impulsos violentos e pela perseguição de policiais corruptos. A narrativa acompanha sua descida em um ciclo de traição e tiroteios enquanto tenta saldar as dívidas da família.

Este filme ajudou a estabelecer Tomas Milian como um grande ator no gênero policial italiano. Dirigido por Umberto Lenzi, é conhecido pela atuação carismática do protagonista e pelo enredo cínico e repleto de ação. O filme é um exemplo clássico do estilo “poliziottesco”, focando em um protagonista criminoso complexo cuja sede de justiça é tão perigosa quanto suas atividades criminosas.

O Grande Silêncio (1968)

No meio de um inverno brutal em Utah, 1880, um pistoleiro mudo chamado Silêncio é contratado por uma viúva para proteger uma comunidade de fora da lei de um grupo de caçadores de recompensas sádicos. Os caçadores, liderados pelo aterrorizante Tigrero, operam dentro de um sistema legal corrupto que lhes permite massacrar inocentes para lucro. Silêncio deve se engajar em um jogo mortal de gato e rato pela paisagem congelada.

O western de Sergio Corbucci é renomado por seu tom sombrio, sua subversão dos heroísmos tradicionais e seu famoso final sombrio. O cenário de inverno proporciona uma atmosfera desolada que complementa os temas do filme sobre injustiça e vingança. Com uma trilha sonora assombrosa de Ennio Morricone e atuações intensas, é amplamente considerado um dos maiores e mais politicamente significativos westerns italianos já feitos.

Dementia 13

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Terror, Suspense, de Francis Ford Coppola, Estados Unidos, 1963.
Filme de estreia de Francis Ford Coppola produzido com baixo custo por Roger Corman, que queria um filme no modelo de baixo orçamento de Psicose, com atmosferas góticas e crimes hediondos. A família Haloran se reúne em seu castelo irlandês para comemorar a morte prematura da pequena Kathleen, que se afogou sete anos antes. Eventos misteriosos começam a ocorrer, como as aparições da criança morta, e um assassino armado com um machado ronda o local.

IDIOMA: inglês
LEGENDAS: italiano

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Manos: As Mãos do Destino (1966)

Uma família viajando pelo deserto do Texas fica presa e encontra abrigo em uma pousada remota supervisionada por um homem estranho chamado Torgo. Eles descobrem que estão sendo mantidos por um culto polígamo que adora o diabo, liderado por “O Mestre”. A família precisa encontrar uma maneira de escapar antes de serem sacrificados para a divindade do culto, Manos, em um ritual antigo e sem sentido.

O filme é infame como uma das produções mais tecnicamente falhas e incompetentes da história do cinema, criado por um vendedor de fertilizantes em uma aposta. Ganhou um enorme culto de seguidores devido à sua atuação bizarra, ritmo estranho e surrealismo não intencional. Apesar da baixa qualidade, a estranheza única do filme o tornou um objeto de fascínio e paródia por décadas.

Django (1966)

Um misterioso andarilho chamado Django chega a uma cidade fronteiriça lamacenta arrastando um caixão atrás de si. Ele se vê preso entre uma gangue revolucionária mexicana e um grupo de ex-soldados confederados racistas. Após revelar uma metralhadora Gatling escondida no caixão, Django embarca em uma sangrenta cruzada de vingança e roubo, tentando resgatar uma mulher local do caos ao redor.

Dirigido por Sergio Corbucci, o filme é um marco do gênero spaghetti western, famoso por sua violência estilizada e seu protagonista sombrio. A atuação de Franco Nero criou um arquétipo icônico que influenciou inúmeras sequências e imitações. A estética crua do filme e seu foco em um herói falho e movido pela vingança redefiniram o gênero western para um público internacional.

Plano 9 do Espaço Sideral (1959)

Alienígenas preocupados com o desenvolvimento nuclear da humanidade tentam conquistar a Terra implementando o “Plano 9”, que envolve ressuscitar os mortos para servir como um exército invasor. Um grupo de militares e pilotos tenta impedir os extraterrestres em sua base em um cemitério nos arredores de Los Angeles, enquanto os cadáveres ressuscitados começam a aterrorizar os moradores locais.

Dirigido por Ed Wood, o filme é frequentemente citado como um dos piores já feitos devido aos seus baixos valores de produção e roteiro sem sentido. No entanto, a dedicação sincera de Wood e o valor camp do filme o tornaram um clássico cult amado. Ele permanece como um testemunho do espírito persistente do cinema independente e é objeto de intenso interesse histórico e cômico.

The Killer Shrews (1959)

Uma equipe de pesquisa em uma ilha remota experimenta hormônios de crescimento para combater a crise alimentar mundial, criando acidentalmente uma raça de musaranhos gigantes e carnívoros. Quando um furacão atinge a ilha, um grupo de visitantes fica preso em um complexo com os monstros famintos. Os sobreviventes devem elaborar um plano desesperado para alcançar seu barco enquanto os musaranhos tentam cavar seu caminho para dentro do prédio.

Este filme de criatura de baixo orçamento é um clássico da era dos drive-ins, conhecido pelo uso criativo — embora absurdo — de cães fantasiados para representar os monstros. O filme capitaliza o medo da radiação e da manipulação científica da metade do século. Apesar de suas limitações, mantém uma narrativa tensa e focada na sobrevivência, que o tornou um marco para os fãs do horror B-movie vintage.

The Blob (1958)

Uma pequena cidade entra em pânico quando uma criatura alienígena gelatinosa cai do céu e começa a consumir tudo em seu caminho. A criatura cresce e se torna mais agressiva a cada vítima que absorve. Um grupo de adolescentes, liderado por um jovem chamado Steve, deve encontrar uma maneira de convencer os adultos locais do perigo antes que a criatura consuma toda a comunidade.

O filme é uma obra fundamental do ciclo de criaturas dos anos 1950, apresentando Steve McQueen em seu primeiro papel principal de destaque. Seus efeitos especiais práticos, usando silicone tingido, criaram um monstro icônico e memorável. A narrativa captura a divisão geracional da era pós-guerra, com os jovens atuando como o único grupo capaz de reconhecer e responder a uma ameaça crescente e invisível.

The Fly (1958)

Um cientista brilhante descobre uma maneira de teletransportar matéria, mas durante um teste em si mesmo, uma mosca doméstica comum entra na cabine de teletransporte. Suas estruturas atômicas se fundem, fazendo com que o cientista se transforme lentamente em um híbrido monstruoso de homem e inseto. Sua esposa tenta desesperadamente ajudá-lo a reverter o processo enquanto sua consciência humana começa a se perder.

Baseado em um conto de George Langelaan, o filme é uma mistura sofisticada de ficção científica e horror psicológico. É celebrado pelo uso eficaz do suspense e pela exploração dos perigos da ambição científica desenfreada. As cenas chocantes de transformação e seu núcleo emocional trágico estabeleceram o filme como um clássico duradouro do gênero.

Attack of the Crab Monsters (1957)

Uma equipe de cientistas chega a uma ilha remota do Pacífico para investigar o desaparecimento de uma expedição anterior. Eles descobrem que testes nucleares mutaram os caranguejos locais em monstros gigantes telepáticos que absorvem o conhecimento e as vozes daqueles que consomem. À medida que a ilha começa a desabar no mar, os sobreviventes precisam encontrar uma maneira de destruir as criaturas antes de serem capturados.

Dirigido por Roger Corman, este filme é um B-movie de alto conceito que constrói tensão de forma eficiente com recursos limitados. Reflete o medo onipresente da Guerra Fria em relação à radiação e às consequências ambientais. A premissa única do filme — onde os monstros possuem as personalidades de suas vítimas — adiciona uma camada de inquietação psicológica que o distingue de outros filmes de “insetos gigantes” da época.

Them! (1954)

No deserto do Novo México, uma série de desaparecimentos misteriosos e uma criança traumatizada levam os investigadores a um ninho de formigas gigantes mutantes criadas pela radiação dos primeiros testes da bomba atômica. Quando duas jovens rainhas formigas escapam do deserto para estabelecer novos ninhos em centros urbanos, o exército deve lançar uma campanha desesperada para encontrá-las e destruí-las antes que a civilização humana seja dominada.

O filme é amplamente considerado um dos melhores exemplos do gênero “Inseto Gigante”, elogiado por seu tom documental e design de som eficaz. Utiliza o medo da tecnologia nuclear para criar uma alegoria séria e assustadora da era atômica. O uso de modelos em escala e sequências investigativas tensas da produção estabeleceram um padrão elevado para o horror de ficção científica subsequente.

Creature from the Black Lagoon (1954)

Uma expedição científica na Amazônia descobre um humanoide anfíbio pré-histórico vivendo em uma lagoa remota. A criatura se torna obcecada pela assistente feminina da equipe, levando a uma série de confrontos violentos enquanto o monstro tenta defender seu território e sequestrar o objeto de sua fascinação. Os cientistas precisam lutar para sobreviver aos ataques aquáticos da criatura e escapar da floresta tropical.

O filme introduziu o Gill-man, a última entrada no elenco clássico dos Monstros da Universal. É renomado por sua fotografia subaquática pioneira e pelo design icônico da criatura. A narrativa é notável pelo uso eficaz do suspense e por evocar um grau de simpatia pela criatura, que é retratada como um ser primordial cujo ambiente foi invadido pelo homem moderno.

A Coisa de Outro Mundo (1951)

O pessoal de uma estação de pesquisa remota no Ártico descobre um UFO acidentado e um piloto extraterrestre congelado no gelo. Quando a entidade — uma forma de vida vegetal altamente avançada — é acidentalmente revivida, começa a se alimentar dos habitantes da base para obter seu sangue. Os cientistas e soldados precisam encontrar uma maneira de conter e destruir a criatura resistente antes que ela possa se reproduzir e ameaçar todo o planeta.

Baseado na história “Who Goes There?”, o filme é uma aula magistral de tensão claustrofóbica e diálogos sobrepostos em conjunto. Reflete a paranoia do início da Guerra Fria e o conflito entre o pragmatismo militar e a curiosidade científica. A decisão da produção de manter o monstro principalmente nas sombras criou uma sensação de inquietação que o tornou uma obra fundamental para todo o cinema subsequente de invasão alienígena.

Insight

O Filme B Americano

O filme B americano se espalhou nas décadas de 1940 e 1950 nos gêneros western, horror e ficção científica. O ator principal, com um único contrato e um único pagamento, atuava tanto no filme da série A quanto no da série B. O uso do filme B também se espalhou para outros gêneros: qualquer gênero poderia ser adequado e a sessão dupla fazia grande sucesso. 

Com a diminuição da rigidez da censura nos anos 1960, os filmes B cresceram cada vez mais, até se tornarem um gênero autônomo com lançamentos publicitados como os filmes da Série A. Seus conteúdos eram às vezes descaradamente violentos e obscenos, como no gênero grindhouse, que era distribuído fora da grande distribuição, em eventos especiais. 

As estratégias publicitárias dos filmes grindhouse tornaram-se muito eficazes, por meio das técnicas de saturação psicológica: slogans que bombardeavam o público com frases de efeito e trailers que insinuavam o conteúdo mórbido, até que a curiosidade para ver o filme se tornasse irresistível. 

Outro fenômeno americano relacionado ao filme B são as sessões da meia-noite: filmes de terror, eventos especiais dedicados a um público mais jovem que quer passar a noite assistindo a filmes assustadores com amigos. Eventos que levaram a sucessos extraordinários de pequenos filmes de terror de baixo custo, como Halloween de John Carpenter, ou o mais recente The Blair Witch Project. 

Os filmes de artes marciais de Bruce Lee, o chamado cinema de Hong Kong, distribuídos primeiro no Oriente e depois lançados no Ocidente, também foram um sucesso notável nos Estados Unidos. 

Os Filmes B de Roger Corman

Um dos diretores americanos que melhor soube interpretar a lógica do filme B é certamente Roger Corman. Com truques e efeitos especiais frequentemente grotescos e de baixa qualidade, Corman conseguiu dirigir e produzir filmes que se mostraram grandes sucessos comerciais e obras de bom valor artístico. A filmografia de Roger Corman, tanto como diretor quanto como produtor de filmes da série B, é muito extensa.

Outro expoente bem conhecido do cinema B americano foi Ed Wood, o diretor famoso por ter feito alguns dos filmes mais feios da história do cinema. O filme Plan 9 from outer space, um clássico do cinema B de ficção científica e horror, foi lançado nos cinemas em 1959, mas foi ignorado pela crítica, até que, em 1978, dois críticos americanos o chamaram de pior filme de todos os tempos. A partir daí, o filme tornou-se incrivelmente popular. A trama insana do filme, uma confusão entre zumbis, vampiros e OVNIs, é na verdade particularmente engraçada, e o filme é um dos objetos mais estranhos na história do cinema que deve ser visto pelo menos uma vez na vida. 

Nos Estados Unidos, o fenômeno dos filmes de série B também envolveu o western. Os westerns americanos foram concebidos como produtos comerciais de baixo custo, sem particular inspiração artística e criativa. Seu grande sucesso despertou o interesse da indústria cinematográfica italiana, que produziu conhecidos westerns de série B como Django e Unnamed man. Desse grupo de pequenos filmes de série B despretensiosos, nasceu, no entanto, uma das vertentes do grande cinema autoral italiano: o western de Sergio Leone. 

Nos anos 1980, o fenômeno do cinema B começou a declinar. O público americano estava cada vez mais acostumado a filmes espetaculares e grandes produções com efeitos especiais. No entanto, a produção de filmes B continuou com a distribuição em Home Video. Os produtores de filmes B vendiam seus produtos diretamente para redes como a Blockbuster, ou para canais de televisão a cabo que transmitiam 24 horas por dia e também precisavam de produtos para preencher a programação da tarde e da noite. 

Nos anos 1990, o custo de produzir um filme nos Estados Unidos aumentou dramaticamente. O fenômeno do cinema B americano foi gradualmente substituído por filmes independentes que preferiam um estilo mais intelectual, de arte e menos comercial. Um cinema independente frequentemente também citacionista e Pulp como o fenômeno Quentin Tarantino, que explodiu naqueles anos com os projetos de baixo orçamento Cães de Aluguel e Pulp Fiction. 

Com a chegada da tecnologia digital e da distribuição pela internet, os filmes independentes e de gênero de baixo custo se multiplicaram: estima-se que mais de 5.000 pequenos filmes de baixo orçamento sejam produzidos anualmente no mundo. Desde o início dos anos 2000, o conceito de cinema B desapareceu, sendo substituído pelo de filme independente, sem uma distinção clara entre filmes de arte e filmes comerciais.

O diretor independente do novo milênio dispõe, de fato, de todas as ferramentas necessárias para fazer um filme com poucos recursos, com a ajuda de câmeras digitais que geram imagens de altíssima qualidade comparáveis ao filme 35 mm, e softwares de edição não linear que permitem controle total do vídeo e do som. Alguns diretores independentes escolhem o caminho dos filmes de gênero em busca de sucesso comercial e profissional, inspirados no que funciona na distribuição cinematográfica em grande escala. 

Outros utilizam a possibilidade de fazer pequenos filmes de baixo custo para criar verdadeiras obras de arte, também diferentes da concepção anterior de filmes de arte. São filmes que se libertam da estrutura típica do produto cinematográfico e da percepção de entretenimento para cruzar vídeo arte, reflexão filosófica e poesia. A tecnologia digital e a distribuição underground na internet são hoje o terreno mais fértil para a criação de filmes experimentais, em busca de novas linguagens de vanguarda. 

Filmes B Italianos

O cinema italiano de Série B de baixo custo foi tão prolífico quanto o americano. Da comédia erótica “pecoreccia” dos anos 60, voltada para um público em busca de excitação erótica, até o gênero policial da Série B definido como “poliziottesco”, onde o policial, carrasco ou anti-herói, luta para restaurar a ordem em uma cidade violenta, geralmente Nápoles, Roma ou Milão. 

A comédia sexy interpretada por atores como Lino Banfi, Renzo Montagnani e Alvaro Vitali, e por belas e jovens atrizes como Edwige Fenech, Barbara Bouchet, Lory Del Santo, Nadia Cassini, foi feita como uma série de gags cômicas e bizarras, com um sabor absurdo e grotesco. Embora esses filmes fossem feitos com a obsessão de mostrar continuamente o corpo da atriz principal, a qualidade dos atores e da escrita tornou alguns deles verdadeiramente hilários, com certo apelo cinematográfico. 

Na história policial da Série B, deve-se certamente lembrar a contribuição do ator Tomas Milian em vários papéis seriais, reapresentados em muitos filmes ao longo dos anos: desde o Inspetor Giraldi, até o proletariado ladrão das periferias romanas apelidado de “Er Monnezza” (o homem do lixo). 

Outro fenômeno italiano que lotou os cinemas nos anos 1980 foi o de Pierino. Interpretado por Alvaro Vitali, ele foi inspirado por um personagem de quadrinhos de Antonio Rubino, que por sua vez inspirou uma série incontável de piadas populares. Pierino tem trinta anos, mas é pequeno tanto física quanto psicologicamente, e ainda frequenta a escola. Ele está sempre excitado pelas professoras atraentes e outras mulheres que encontra em suas aventuras, e sempre tenta espioná-las em sua intimidade, enquanto elas se despem, pelos buracos da fechadura. 

Os filmes da Série B estavam fazendo muito dinheiro e enchendo os cinemas. Alguém então pensou em fazer cópias, ou seja, o lado B do filme da Série B. Spaghetti westerns de baixo custo, filmes policiais e comédias sexy se multiplicaram com imitações embaraçosas de personagens de sucesso. Existem várias razões pelas quais vale a pena assistir a filmes B, mesmo que eles não tenham os mesmos valores de produção ou orçamento dos grandes blockbusters. Aqui estão algumas razões:

1. Entretenimento Puro: Os filmes B frequentemente focam em entretenimento direto, sem muitas pretensões. Podem ser filmes agradáveis de assistir, sem a pressão de grandes expectativas.
2. Originalidade: Os filmes B tendem a ser mais ousados e criativos do que os filmes mainstream. Como não possuem orçamentos significativos, diretores e roteiristas são frequentemente forçados a pensar de forma inovadora e encontrar soluções criativas para contar suas histórias.
3. Cultura Pop: Muitos filmes B, especialmente os das décadas de 1950 e 1960, tornaram-se ícones da cultura pop. Influenciaram a música, a moda e a cinematografia, construindo ao longo dos anos um público fiel.
4. Camp e Ironia: Alguns filmes B são tão mal feitos que acabam se tornando engraçados involuntariamente. Isso deu origem a uma cultura de “culto ao lixo”, onde as pessoas se reúnem para rir das falhas e peculiaridades desses filmes.
5. Experimentação: Os filmes B são frequentemente um terreno fértil para diretores emergentes e novos talentos. Alguns diretores de sucesso começaram suas carreiras trabalhando em filmes B antes de avançar para produções maiores.
6. Histórias Únicas: Como os filmes B não estão presos às expectativas do público mainstream, podem explorar temas e gêneros incomuns ou tabus que os filmes convencionais evitam. Isso pode levar a histórias únicas e surpreendentes.

Assistir a filmes B pode ser uma experiência divertida e gratificante para aqueles interessados no cinema além dos limites das produções de grande orçamento. Cada filme tem sua própria história e charme único, e você pode descobrir joias escondidas e novas perspectivas sobre o mundo do cinema.