Hollywood y el Cine: La Fábrica de Sueños

Después del final de la Primera Guerra Mundial y antes de la Gran Depresión de 1929, la industria cinematográfica de Hollywood dominaba el mundo y la historia del cine cambió radicalmente. Una industria que se presenta al público general como una fábrica de sueños que propone la realización del sueño americano. Una serie de personajes, héroes y heroínas casi siempre atractivos, con los que el público se identifica y que a menudo encarnan modelos a alcanzar. 

Hollywood es una verdadera fábrica de la imaginación, una línea de montaje donde se producen películas clasificadas en géneros fácilmente codificables. Una forma de hacer cine muy alejada de la de las vanguardias europeas. La investigación artística tiene lugar en Hollywood a veces casi por casualidad, a veces gracias al mérito de buenos directores que son puestos a hacer películas comerciales y también aprovechan para experimentar con sus ideas más audaces. 

Pero el objetivo de Hollywood es esencialmente un negocio comercial y ofrecer al público mundos de evasión en un universo de sueños optimistas. De hecho, las películas rara vez adoptan un punto de vista negativo y nihilista que a menudo encontramos en el cine europeo. En cambio, suelen ofrecer una visión excesivamente edulcorada y positiva del mundo, tanto en las historias como en el estilo de las imágenes. 

El auge del cine de Hollywood es favorecido por la crisis posterior al final de la gran guerra. La economía mundial está de rodillas y Estados Unidos se posiciona como líder mundial en varios sectores clave. Se afirma una política de liberalismo extremo que permite que los productos industriales estadounidenses se impongan en los mercados extranjeros. 

Los años 20 son una fase de gran desarrollo económico y gran euforia y bienestar general. Sin embargo, algunos grupos sociales como los inmigrantes campesinos y los mineros quedan excluidos o incluso penalizados por esta euforia consumista. Es lo que se llama la era del jazz o los locos años veinte, en la que se bebe alcohol de contrabando y se busca nuevos sueños y mitologías. 

El Cine Nació como un Producto de Consumo

El cine de Hollywood se ve favorecido por una gran disponibilidad de capital y por un público que pasa de 40 a 80 millones de espectadores en pocos años. Además, existe la posibilidad de exportar sus productos cinematográficos a todo el mundo. 

El cine se ve esencialmente como un producto de consumo y su producción está rígidamente estructurada en un sistema vertical del cual los Estudios controlan todas las etapas, desde la escritura hasta la distribución. Guionistas, actores y directores son empleados muy bien pagados al servicio del productor, y la película solo debe existir si produce un buen beneficio. 

Muchas productoras deciden construir sus propios cines por todo el país para maximizar las ganancias. Los teatros que no pertenecen a los grandes estudios se han visto desde entonces obligados a reservar las películas mediante un sistema llamado Block Booking: los exhibidores se ven forzados a reservar paquetes completos de películas de los estudios, que incluyen filmes menores junto con los grandes éxitos. Esta sigue siendo una práctica diaria para los exhibidores en todo el mundo hoy en día. 

Oligopolio Vertical de Hollywood

Los estudios se unen entre sí y se convierten en un verdadero oligopolio del sector cinematográfico, dejando sin espacio a la competencia y a las producciones independientes, que en cambio habían sido de fundamental importancia en el desarrollo del cine en Europa. Las salas se construyen como fabulosas arquitecturas, inspiradas en un mundo exótico, barroco y rococó, para dar al público popular la ilusión temporal de un viaje a un mundo rico y fantástico. Ese mundo que siempre le fue negado en la vida cotidiana. 

El espectáculo también se enriquecía con noticieros, comedias, interludios musicales y otras actuaciones en vivo. Los tres grandes estudios eran Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer y First National. Los estudios más pequeños eran Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office y Warner Brothers. A ellos se suma United Artists, creada en 1919 por actores y directores como Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin y David Wark Griffith. Su objetivo era salir del oligopolio y la dominación de las grandes casas productoras para continuar haciendo posible la existencia de una producción cinematográfica más independiente. 

Las Estrellas como Herramienta de Marketing

El cine de Hollywood nació por tanto como un organismo industrial y productivo, en un contexto laboral orientado hacia la eficiencia y la calidad de los productos. Pero se encuentra operando en un contexto diferente al de la industria tradicional. Por ejemplo, es necesario controlar y romantizar la vida de las estrellas y su lado áspero. Los chismes y rumores se convierten en una de las principales herramientas para atraer al público a ver las películas de las estrellas, y las vidas de ciertos actores comienzan a ser controladas por los productores incluso fuera del set, para convertirlas en una herramienta de marketing. 

Escándalos, adulterios, la vida de lujo desenfrenado y los amoríos de la vida privada de las estrellas se difunden a través de la prensa, para crear un aura de mito inalcanzable sobre el mundo del cine. Un mundo de enorme riqueza y vidas aventureras que el público de clase baja puede experimentar a través del ensueño de la gran pantalla. 

La Censura y la Moralidad de las Películas de Hollywood

La iglesia y los grupos religiosos no ven con buenos ojos las noticias y las riquezas exageradas del mundo de Hollywood y comienzan a tomar partido en su contra junto con los estadounidenses de bien de la época. Por ello, Hollywood, sintiéndose en peligro y en busca de legitimidad, decide iniciar una política editorial moralista y controlada por la censura para sus películas. 

En 1922, los principales estudios se unieron para crear Motion Picture Producers and Distributors con el objetivo de establecer un conjunto de reglas para regular el contenido moral de las películas. El republicano William Hays, un poderoso ministro que podía actuar como enlace con Washington, fue llamado para dirigir la MPPD. Sus reformas crearon restricciones sobre el contenido de las películas hasta que se sintetizaron en 1934 con la promulgación de una verdadera ley apodada el «Código Hays«. El código estandarizó y reguló la producción de todas las películas estadounidenses, clasificadas en géneros bien definidos, dentro de límites morales estrechos inspirados en la Iglesia Católica. 

Los elementos distintivos del cine de Hollywood se convirtieron así en un modelo espectacular repetitivo y fácilmente reconocible, con la presencia de un excelente cuidado técnico y formal, contenidos moralmente correctos según la cultura dominante de las personas de bien. La espera del espectador antes del estreno de las películas se alimenta de campañas de marketing estudiadas en detalle y difundidas por los medios. 

Los Directores-Emprendedores de Hollywood

El contexto de Hollywood permitirá el ascenso al éxito de personalidades directoras y artísticas de cierto tipo. Muchos grandes directores de la vanguardia europea no habrían tenido la menor oportunidad de trabajar en una industria cinematográfica de este tipo, que operaba en antítesis con sus motivaciones de investigación y experimentación. 

El padre del cine espectacular y de gran presupuesto estadounidense es sin duda David Wark Griffith, quien con sus colosales películas Birth of a Nation e Intolerance atrae la atención de todo el mundo. Las películas de Griffith inventan nuevos códigos del lenguaje cinematográfico en un contexto de gran producción industrial. 

Su discípulo continuará su tendencia, Erich Von Stroheim, con su poética del exceso de ascendencia decadente europea. El cine cómico, por otro lado, se renueva profundamente gracias a personalidades excepcionales como Charlie Chaplin y Buster Keaton. Uno de los directores que abraza plenamente la lógica industrial de la producción hollywoodense es Cecil B. De Mille, un director con las indudables cualidades de emprendedor y productor. 

Cecil B. De Mille

Sus películas se centran en la espectacularidad y en hilos dramáticos muy específicos, como los de la brillante comedia con un trasfondo erótico y la mujer fatal y despiadada a menudo interpretada por Gloria Swanson. Hasta la década siguiente a los grandes filmes históricos espectaculares como Los Diez Mandamientos de 1923, que narra el episodio bíblico alternándolo con una parábola moderna. La película aparentemente condena la desenfrenada sexualidad y los vicios desde todos los ángulos, en línea con la estricta regulación de la censura estadounidense. Pero se aprovecha de ello para mostrar orgías y escenas pecaminosas para atraer a un público en busca de transgresiones. 

La brillante fórmula empresarial de De Mille puede resumirse en sangre, sexo y la Biblia, y es la base de posteriores superproducciones como El Rey de Reyes y La Señal de la Cruz, hasta varios años después con Sansón y Dalila en 1949. De Mille es el director perfecto para Hollywood que logra canalizar su creatividad artística en una idea de negocio rentable y de gran escala. Otros directores como Frank Borzage están en casa en la política de los Estudios, que continuaron produciendo una filmografía de superproducciones brillantes hasta los años 50. 

Uno de los mayores éxitos fue la película Ben Hur de 1926, producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Un colosal con decenas de miles de extras, para la cual se tuvo que construir todo el Circo Máximo de Roma como escenografía. Filmada con técnicas innovadoras de rodaje, como la aplicada a las carreras de carros, que implicaba el uso simultáneo de muchas cámaras, ubicadas en diferentes puntos de vista. 

King Vidor

Otro gran director del sistema hollywoodense de los años 20 fue King Vidor, quien creó una gran épica pacifista titulada La Gran Desfile, de 1925, en la que hábilmente alternó escenas de conflicto bélico con situaciones sentimentales: cánones y estereotipos aún muy extendidos en el cine de Hollywood hoy en día. 

El éxito de la película dio confianza al jefe de MGM Irving Thalberg en Vidor: el director pudo realizar una película más comprometida y no conformista como La Multitud, de 1928. Una película rara en Hollywood en esa época, que investiga la parábola existencial de un hombre desde la infancia hasta la madurez en una gran metrópoli como Nueva York. Una reflexión sobre el conformismo y la pérdida de la individualidad del hombre de ese momento histórico en la nueva dimensión de la homologación masiva y una mirada irónica y desencantada a la ideología falsamente optimista del hombre hecho a sí mismo y el sueño americano. 

La multitud es quizás la cima del cine mudo estadounidense y muestra soluciones técnicas y estilísticas audaces que representan con extraordinaria fuerza simbólica la relación entre el individuo y la multitud y la pérdida de identidad. Una película que se inspira y tiene la fuerza del expresionismo alemán usando movimientos de cámara y luces como poderosos símbolos de su contenido narrativo. 

Nacimiento de un cine comercial también capaz de funcionar como herramienta de investigación social y política que continuó en los años siguientes, en 1929, con Alleluia, una película sobre la difícil situación de los hombres negros en las plantaciones de algodón del Sur. Our Daily Bread, 1934, que enfrenta la lacra del desempleo y que narra la crisis de la gran depresión de 1929. 

Vidor continuará su carrera en ese sistema de géneros clásicos que propondrá Hollywood en los años siguientes para consolidar sus estrategias de producción y se impone en todo el mundo como una codificación de los géneros a los que corresponden diferentes públicos objetivos y negocios. 

John Ford

Dentro del género nacen algunas vertientes típicas de aquellos años como la vertiente pacifista, la película bélica, la comedia slapstick y el Western. También se realizaban westerns de bajo costo para el público provincial. Uno de los directores que debutó con este tipo de películas baratas fue John Ford con su película de 1924 The Iron Horse. En los años siguientes John Ford se convertirá en el autor más importante del género Western, capaz de visualizar la dimensión arquetípica de la naturaleza y el paisaje y de encarnar la mitología e ideología del Oeste.

Los nuevos géneros cinematográficos en Hollywood

Gracias al éxito de El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene, que llegó a Estados Unidos en 1921, nació el interés de los estudios por el género de terror, que será tratado sobre todo por Universal. El actor Lon Chaney se especializa en el género realizando películas como El jorobado de Notre Dame y El fantasma de la ópera de 1925. Sin embargo, MGM firmará la famosa asociación entre Lon Chaney y el director Tod Browning con la que el actor realizará las películas más importantes como The Stranger de 1927.

El cine de gánsteres nació también por razones sociológicas, vinculadas al aumento del crimen y el contrabando de alcohol en la era de la prohibición. Algunas películas como Chicago Nights (Underworld) de Joseph von Sternberg de 1927, realizadas para Paramount, Morocco en 1930 y Shanghai Express en 1932, sentaron las bases y prototipos del género de gánsteres.

Los diversos géneros reflejan los estados de ánimo y la sociedad en evolución de los Felices Veinte mientras el Sistema de Estrellas se configura para interpretar los estados de ánimo, deseos y aspiraciones del público masivo. Nacen divas como Rudolph Valentino, que encarnan la virilidad latina de una novela fotográfica. John Gilbert, intérprete de la gran parada que encarna el Romanticismo más libre y sin escrúpulos. Un nuevo modelo de actrices Vamp como Gloria Swanson, opuesto a las novias americanas como Mary Pickford en el estilo puritano y victoriano del cine de Griffith. El atlético Douglas Fairbanks, quien protagonizó la notable The Thief of Bagdad de Raul Walsh de 1924, que representa el impulso optimista y positivo de la década, un nuevo tipo de americano que afronta con alegría y reconstrucción positiva la sociedad estadounidense tras la guerra. 

Finalmente, estrellas e intérpretes de sí mismos como Charlie Chaplin y Erich Von Stroheim, intérpretes de personajes recurrentes como el vagabundo y el oficial cínico, que expresan un estilo de cine más independiente y de gusto europeo. Mostrando las contradicciones de la sociedad americana y sus frágiles valores que pronto serán arrasados por la Gran Depresión. 

Hollywood y el cine clásico

El estilo clásico de Hollywood alcanzará su plena madurez con la llegada del sonido en los años 30 y 40. El sonido permitirá salir de una idea del cine como un lenguaje parcial y no autosuficiente acompañado de espectáculos en vivo y actuaciones sonoras, hacia un lenguaje totalmente autosuficiente. El mundo dentro de la gran pantalla se convertirá en un mundo sin ninguna conexión con la realidad fuera de la pantalla para ser disfrutado de forma independiente.

Muchas grandes obras del cine surgieron de esta época y fueron realizadas con una técnica de producción extremadamente disciplinada. Dado que se estaban haciendo muchas películas, no todas necesariamente tenían que ser exitosas. Un estudio podía apostar por un presupuesto medio con un gran guion y actores desconocidos. Esto sucedió con Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada entre las mejores películas jamás hechas. Varios otros directores obstinados, como Howard Hawks, Alfred Hitchcock y Frank Capra, lucharon contra los estudios de Hollywood para realizar sus visiones imaginativas.

El pináculo del éxito del gran sistema de estudios de Hollywood pudo haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de las películas clásicas más famosas en la historia del cine. El diseño visual-narrativo del cine de Hollywood estuvo fuertemente influenciado por los conceptos del Renacimiento y también por su concepto del renacimiento de la raza humana como objetivo principal.

Producción Cinematográfica en Hollywood

El estilo clásico de Hollywood se diferencia en 3 grados básicos: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas. Las herramientas más fundamentales para el cine clásico de Hollywood son aquellas que establecen la relación entre el espectador y la escena en la pantalla. La regla de los 180 grados mantiene el encuadre de la escena filmada al producir un eje imaginario de 180 grados entre la escena y la audiencia, permitiendo que los espectadores se orienten claramente dentro del escenario y las acciones de una escena. Según la regla de los 30 grados, los cortes de edición desde los cuales se ve la siguiente toma deben ajustarse para que el espectador reconozca un cambio de punto de vista. Se deben evitar los cortes que no respeten la guía de los 30 grados para mantener la impresión de conexión temporal entre las imágenes en movimiento. Las pautas de los 30 y 180 grados son estándares fundamentales en el cine que fueron inventados en el cine temprano, como se ve en la película francesa de 1902 de George Melies Viaje a la Luna. Estas reglas ayudaron a mantener la conexión, como en el corte transversal, que desarrolla la secuencia de acciones en diferentes lugares. Se permiten cortes de inmersión del tipo corte axial, que no altera todo el ángulo de filmación, pero tiene el claro objetivo de revelar un punto de vista más detallado o más lejano del sujeto, y por lo tanto tampoco interfiere con la conexión temporal.

La Narración de las Películas de Hollywood

La narración clásica de las películas de Hollywood avanza constantemente a través de la psicología de los personajes, es decir, por la voluntad de una personalidad humana y en el enfrentamiento de obstáculos en dirección a un objetivo específico. Este componente narrativo típicamente consiste en una historia principal (como una historia de amor) vinculada a una o más historias adicionales. Esta historia está estructurada con un comienzo, un desarrollo y un final bien definidos, y usualmente hay una resolución clara. El uso de actores, eventos, acciones causales, giros narrativos principales y secundarios son atributos fundamentales del cine clásico de Hollywood. Los personajes en el cine clásico de Hollywood tienen características claramente definidas, son enérgicos y muy orientados a objetivos. Están motivados por razones psicológicas más que sociales. La historia es una cadena de efectos dominó con agentes causales: en una película clásica de Hollywood, los acontecimientos no ocurren arbitrariamente.

Tiempo y Espacio de las Películas de Hollywood

El tiempo en las películas de Hollywood es lineal sin saltos temporales, porque la no linealidad llama la atención sobre la artificialidad del medio cinematográfico. La única manipulación temporal aceptable en las películas clásicas de Hollywood es el flashback. Se usa principalmente para presentar una serie de recuerdos de un personaje, como en Casablanca.

La regla temporal más importante de los filmes clásicos es la duración de los sujetos filmados: el público debe creer que la escena existe fuera del marco de la película para mantener el aspecto realista de la historia. La técnica de gestión del espacio en el Hollywood clásico busca ocultar la bidimensionalidad de las pantallas de proyección y también está muy centrada en el cuerpo de los personajes. La mayoría de los planos en una película clásica se enfocan en el movimiento o en los rostros y son planos medios y planos medios a largos. Una película clásica de Hollywood se asemeja a una obra teatral filmada en que los eventos parecen durar lo suficiente y los planos nos ofrecen el ángulo de visión ideal de toda la obra. Las reglas del cine clásico de Hollywood están por tanto en fuerte contradicción con la visión del cine de arte, experimental y vanguardista, en el que el director busca ángulos de cámara subjetivos e impredecibles.

Esta regla del espacio contiene 4 elementos principales: enfoque, profundidad, equilibrio y frontalidad. Los sujetos o cosas importantes están principalmente en la parte central de la imagen y siempre claramente visibles, bien iluminados y perfectamente enfocados. El equilibrio es la regla según la cual los personajes y objetos filmados están distribuidos de manera equitativa a lo largo del encuadre. La acción se filma en dirección al espectador, frontalmente; es el decorado de la escena, la luz y el vestuario se crean para dividir el primer plano del fondo de la imagen. La fotografía utiliza principalmente la técnica de iluminación de tres puntos, especialmente la iluminación de alto nivel (high-key), bastante libre de sombras oscuras, suave y difusa. Es un tipo de luz que sugiere un estado de ánimo optimista. El tiempo y el espacio están siempre subordinados al componente narrativo.