Cuando se trata de definir las obras maestras de la historia del cine, uno se encuentra con rankings de todo tipo, para todos los públicos y manipulados por el marketing de las grandes productoras. Rankings que tienen poco o nada que ver con el arte del cine. Sucede que se incluyen en estas listas películas tan comerciales que uno se pregunta si quienes las escribieron querían burlarse de los lectores o si realmente creen que ciertos filmes son grandes obras maestras atemporales.
Si piensas que Star Wars, Rescatando al soldado Ryan, Titanic, Toy Story o la última película del director intelectual de moda que ganó un premio en Cannes deben estar entre las grandes obras maestras de la historia del cine, entonces deja de leer, este artículo no es para ti. Hay montones de blogs y revistas que te cuentan cualquier cosa por diversas razones comerciales o culturales. La academia mundial de renombre Pinco Pallino también podría incluir Jurassic Park en la lista.
Si, por otro lado, quieres aclarar y entender qué va realmente más allá de las modas del momento y hacerte una idea sobre el verdadero arte cinematográfico, el cine concebido y diseñado para trascender el tiempo y el espacio en que vivimos, en la visión de lo que se entiende y percibe como arte en la Tradición milenaria, en la que el cine es el último en llegar, entonces esta lista de obras maestras cinematográficas es para ti.
Cine Independiente y Joyas Ocultas
Comenzamos aquí, porque es donde el cine está más vivo hoy en día. El cine independiente es el antídoto contra los blockbusters prefabricados: son películas libres, valientes, a menudo hechas con presupuestos pequeños pero con ideas revolucionarias. Si buscas «películas subestimadas» o voces únicas que las grandes plataformas ignoran, este es tu hogar. Es cine para quienes quieren descubrir, no solo consumir.
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Nosferatu
Cuando un joven agente inmobiliario, Thomas Hutter, va al castillo para cerrar un trato, Orlok se siente atraído por su sangre y decide seguirlo a su ciudad natal. La llegada del conde provoca una serie de muertes misteriosas y genera pánico entre los habitantes.
Murnau, a través de imágenes evocadoras y atmósferas perturbadoras, crea una obra que va mucho más allá de la simple adaptación de la novela de Stoker. La película explora temas universales como el miedo a la muerte, el aislamiento y la pérdida de la humanidad. La producción de Nosferatu se caracterizó por algunas dificultades legales debido a los derechos de autor de la novela de Bram Stoker. A pesar de esto, Murnau y su equipo lograron hacer una película de gran impacto visual. La elección de Max Schreck para interpretar al Conde Orlok fue ingeniosa. Su apariencia cadavérica y sus movimientos antinaturales han convertido al personaje de Orlok en uno de los monstruos icónicos en la historia del cine. Con el paso de los años, Nosferatu se ha convertido en una película de culto, influyendo en generaciones de cineastas y convirtiéndose en un punto de referencia para el género de terror. La imagen del Conde Orlok, con sus uñas alargadas y ojos hundidos, se ha convertido en un ícono del cine de horror.
Cine de Autor y Ensayo
El cine de autor no es un género; es una mirada. Aquí reunimos las obras de grandes maestros y visionarios que usaron la cámara como una pluma. Desde películas premiadas en grandes festivales (Cannes, Venecia, Berlín) hasta el cine de autor más riguroso. Son las «películas bellas» que exigen atención pero te recompensan con una experiencia artística profunda e imborrable.
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Películas de Culto y Films «Inolvidables»
Hay películas que trascienden la crítica y se convierten en religión. La «película de culto» es ese filme extraño, excesivo o simplemente brillante que ha creado una base de fans devotos. Ya sean obras maestras reconocidas o «películas B» que se volvieron leyendas, estos son los títulos que moldearon la imaginación colectiva. Si quieres entender la cultura pop, debes empezar aquí.
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Faust
Terror, de F. W. Murnau, alemán, 1926.
Fausto es un erudito anciano que ha perdido la fe en la vida. Está derrotado por su incapacidad para ayudar a los demás y por la conciencia de su propia mortalidad. Un día, conoce a Mefistófeles, quien le ofrece un pacto: a cambio de su alma, Mefistófeles le dará juventud y poder eternos. Fausto acepta el pacto y Mefistófeles lo lleva a un mundo de lujo y placer. Fausto se enamora de Gretchen, una joven inocente, pero su amor es frustrado por Mefistófeles.
Fausto es considerado una de las mejores películas mudas jamás realizadas. Es una película visualmente impresionante, con el uso de imágenes expresionistas y simbolismo por parte de Murnau para crear un mundo oscuro y atmosférico. La película también presenta algunas de las escenas más icónicas en la historia del cine, como la secuencia en la que Fausto y Mefistófeles vuelan en una alfombra mágica. Además de sus méritos artísticos, Fausto fue una de las últimas grandes películas alemanas producidas antes del ascenso de los nazis. El estilo oscuro y expresionista de la película influyó posteriormente en directores como Orson Welles y Fritz Lang. Es una película visualmente impresionante y que invita a la reflexión, que explora los temas de la tentación, la redención y la condición humana.
IDIOMA: Alemán
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Portugués
El cine de los 80 (y décadas doradas)
La nostalgia es una fuerza poderosa. Los 80 no fueron solo neón y sintetizadores, sino una década de creatividad explosiva que redefinió el cine de género, desde el horror hasta la ciencia ficción. En esta sección, exploramos los clásicos de esa época y otras décadas doradas, para quienes quieren ponerse al día con los pilares del pasado que aún nos enseñan cómo se hace el entretenimiento hoy.
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Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (2022)
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades es una película mexicana de 2022 dirigida por Alejandro G. Iñárritu. La película está protagonizada por Daniel Giménez Cacho como un famoso periodista mexicano que se prepara para su muerte. La película tuvo su estreno mundial en el 78º Festival de Cine de Venecia el 2 de septiembre de 2022, donde ganó el León de Oro.
La película es un viaje a través de la memoria y la identidad del protagonista, quien se enfrenta a su pasado y su presente. La película es una exploración de la condición humana, de la pérdida y el duelo. Fue elogiada por su dirección, cinematografía y actuaciones.
La película fue alabada por su dirección, cinematografía y actuaciones. La dirección de Iñárritu es magistral. Crea una atmósfera onírica y surrealista que refleja el mundo interior del protagonista. La fotografía de Rodrigo Prieto es hermosa. Captura la belleza de México, pero también su crueldad.
Las actuaciones de los actores son todas excelentes. Giménez Cacho destaca especialmente en el papel principal. Logra transmitir la complejidad del personaje y su lucha por encontrar el sentido de la vida. Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades es una película poderosa y conmovedora. Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo
Comedia, drama, histórico, de Sadao Yamanaka, Japón, 1935.
Un hombre le da una olla vieja a su hermano, sin darse cuenta de que dentro hay un mapa del tesoro. Su cuñada vende la olla a un chatarrero, quien a su vez la vende a un niño llamado Yasu. Un colorido elenco de personajes busca este jarrón, y cuando el niño huye después de ser reprendido por Ogino, todos lo persiguen.
Solo existen tres obras sobrevivientes dirigidas en la corta pero muy rica vida artística de Sadao Yamanaka, quien murió sin siquiera cumplir treinta años en Manchuria en 1938. Entre ellas está La olla de un millón de ryo, donde el joven talento director enfrenta a un personaje icónico del jidaigeki, Tange Sazen, un espadachín tuerto y manco. Al abordar una historia aparentemente canónica de frente, Yamanaka opta por una mirada completamente personal, tanto en el uso de la parodia como en la puesta en escena, donde predominan los planos largos y la cámara fija a pesar de los primeros planos que usualmente saturaban las películas de la saga. El director japonés Akira Kurosawa citó esta película como una de sus 100 favoritas. Muchos críticos y directores japoneses la consideran la mejor película japonesa de todos los tiempos.
IDIOMA: japonés
SUBTÍTULOS: inglés, español, francés, alemán, portugués
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Isla de perros (2018)
Isla de perros es una película animada en stop-motion de 2018 dirigida por Wes Anderson. La película está ambientada en un futuro distópico donde el alcalde de la ciudad de Megasaki, Japón, ha declarado que todos los perros están enfermos y los ha exiliado a un vertedero en la Isla de los Perros.
La historia sigue a un niño de doce años llamado Atari Kobayashi, sobrino del alcalde, que se aventura a la Isla de los Perros en busca de su perro mascota, Spots. Allí conoce a un grupo de perros callejeros que lo ayudan en su búsqueda. La pandilla canina incluye al líder, Rex, el pastor alemán; Boss, el bulldog americano; Duke, el perro callejero; King, el perro que fue líder de un circo; y Chief, el solitario callejero.
La película es notable por su estética única y banda sonora, que incorpora elementos de la cultura japonesa y la tradicional orquesta japonesa de taiko. El elenco de voces incluye nombres como Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton y Yoko Ono.
La película fue generalmente bien recibida por la crítica y ganó el Premio Oso de Plata a Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín 2018. Sin embargo, también ha sido criticada por su representación de la cultura japonesa y el uso de estereotipos culturales.
Suspiria (2018)
Suspiria es una película de 2018 dirigida por Luca Guadagnino, un director italiano conocido por obras como «Call me by your name» y «I am love». Es un remake del filme de terror homónimo de 1977 dirigido por Dario Argento. La película es una reinterpretación moderna que se desvía significativamente del original, tanto en términos de trama como de estilo.
Suspiria está ambientada en Berlín en 1977 y sigue a la joven bailarina estadounidense Susie Bannion (interpretada por Dakota Johnson) que se une a una prestigiosa escuela de danza dirigida por Madame Blanc (interpretada por Tilda Swinton). Pronto, Susie descubre que la escuela está llena de misterios, oscuros secretos y fuerzas sobrenaturales. Durante su estancia, comienzan a surgir sospechas de asesinatos y desapariciones, llevando a Susie a una impactante verdad sobre su escuela y sus profesores.
A diferencia del original, que se centraba mucho en su estética colorida y experimental, Guadagnino ha creado una atmósfera muy distinta en su «Suspiria». La película se caracteriza por un tono más oscuro, gris y opresivo, con escenas de danza elaboradas y espectaculares entrelazadas con secuencias perturbadoras y viscerales. La banda sonora, compuesta por Thom Yorke de Radiohead, contribuye a la atmósfera inquietante y fantasmal.
Actuaciones: El elenco está encabezado por Dakota Johnson, Tilda Swinton y Mia Goth, quienes ofrecen actuaciones impresionantes. Tilda Swinton merece una mención especial ya que interpreta no solo a Madame Blanc sino también a otros personajes, incluyendo un personaje masculino que no aparece acreditado en los créditos.
Sunrise: A Song of Two Humans
Drama, romance, noir, de Friedrich Wilhelm Murnau, Estados Unidos, 1927
Una mujer de la gran ciudad de vacaciones (Margaret Livingston) se queda en un pequeño pueblo junto al lago. Después del anochecer, va a una granja donde el hombre (George O'Brien) y su esposa (Janet Gaynor) cuidan a su hijo. Ella llama al hombre desde la cerca afuera. El hombre está indeciso, pero finalmente se aleja, dejando sola a su otra esposa. El hombre y también la mujer se encuentran a la luz de la luna y se besan apasionadamente. Ella quiere que él venda su granja para ir con ella a la ciudad. Cuando ella sugiere que él resuelva el problema de su esposa ahogándola, él intenta estrangularla violentamente, pero luego cambia completamente su actitud hacia ella. Cuando el hombre y su esposa salen para un paseo en bote por el lago, él se prepara para arrojarla al agua. Pero cuando ella suplica por su misericordia, él se da cuenta de que no puede hacerlo. El hombre rema frenéticamente hacia la orilla, y cuando el bote llega a tierra, su esposa huye presa del pánico.
Amanecer: Una canción de dos humanos, dirigido por el director alemán FW Murnau en su debut cinematográfico en Estados Unidos, está basado en el cuento corto de Carl Mayer "La excursión a Tilsit", publicado en 1917.
Murnau eligió usar el nuevo sistema de sonido Fox Movietone, haciendo de Amanecer una de las primeras películas con banda sonora sincronizada y efectos de sonido. Janet Gaynor ganó el primer Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su interpretación en la película. La película es ahora comúnmente considerada una obra maestra, entre las mejores películas jamás hechas. Muchos la han llamado la mejor película de la era del cine mudo. Murnau, maestro del cine expresionista, fue invitado por William Fox para hacer una película expresionista en Hollywood. El lenguaje y la fotografía de la película son revolucionarios: elegantes planos secuencia, largas secuencias de pura acción sin diálogo en el estilo característico de Murnau. Los personajes permanecen sin nombre, creando la percepción de una historia universal.
IDIOMA: Inglés
SUBTÍTULOS: Español, Francés, Alemán, Portugués
Historia Fantasma Siciliana (2017)
Historia Fantasma Siciliana es una película de 2017 dirigida por Fabio Grassadonia y Antonio Piazza. La película está inspirada en una historia real que ocurrió en Sicilia en los años 90. Es una mezcla de elementos de cine fantástico y drama social, que narra la historia de amor entre dos jóvenes: Luna, una niña de 13 años, y Giuseppe, un chico de la misma edad que desapareció misteriosamente debido a la mafia.
La película explora temas como la violencia del crimen organizado, la inocencia de los niños y el poder del amor. La narrativa se desarrolla a través de una fusión entrelazada de realismo mágico y metáforas visuales, ofreciendo una perspectiva única sobre las consecuencias de una era marcada por el crimen y la corrupción.
La película fue aclamada por la crítica por su profundidad emocional y mensaje, así como por el dominio técnico y visual de los cineastas. En nuestra opinión, es una de las mejores películas de mafia jamás realizadas, una obra de arte de gran valor desconocida para los circuitos convencionales.
Holy Motors (2012)
Un hombre misterioso entra en una limusina blanca para una serie de citas surrealistas por París, transformándose en diversos personajes —desde mendigo a asesino, de padre a bestia. Cada viñeta se despliega en una odisea onírica a través de la identidad, la actuación y las absurdidades de la existencia.
La audaz odisea de cine de autor de Leos Carax reinventa la forma cinematográfica, con las interpretaciones camaleónicas de Denis Lavant impulsando un carnaval de metamorfosis. Llora la muerte del cine analógico mientras celebra las fronteras salvajes de la imaginación, mezclando belleza, horror y fantasía. Este triunfo independiente desafía las normas narrativas, afirmando la magia transformadora del cine en una era de conformidad digital.
El caballo de Turín (2011)
Inspirada en el encuentro de Nietzsche con un caballo, esta historia austera sigue a un campesino, su hija y su caballo soportando vientos implacables y recursos menguantes en aislamiento. Los rituales diarios de supervivencia se erosionan en medio de presagios apocalípticos, representando la confrontación cruda de la humanidad con el destino.
La obra de despedida de Béla Tarr, codirigida con Ágnes Hranitzki, destila la existencia en largos planos austeros en blanco y negro y la inquietante banda sonora de Mihály Víg. Su rigor ascético explora los límites de la resistencia, evocando fuerzas primordiales sin sentimentalismo. Un pináculo del cine de autor, exige una inmersión hipnótica, recompensando la contemplación sobre la mortalidad y la resiliencia en la visión más intransigente del cine de autor.
Vampyr
Horror, by Carl Theodor Dreyer, Germany, 1932.
Late in the evening, Allan Gray arrives at an inn near the town of Courtempierre and rents a room to sleep. Gray is suddenly disturbed by an old man, who enters the room and leaves a square package on the table: "To be opened on my death" is written on the wrapping paper. Gray takes the package and heads to an old castle where he sees an old woman and meets another old man. Looking through one of the windows, Gray sees the owner of the castle, the same man who gave him the package. The man is suddenly killed by a gunshot.
Carl Theodor Dreyer's Vampyr is made in the transition years between sound and silent cinema, using the visual language of the former to bring the horror genre into the new era. In Vampyr reigns a constant feeling of anguish, a nightmarish state of mind and invisible presences that lurk in every corner. Rudolph Maté's photography records every subtlety of light and shadow in a captivating dance. By now iconic shots, such as that of a man with a scythe ringing a bell and the sign of an inn silhouetted against a dark sky. Anthology scenes like the one in which Allan dreams of being buried alive by the vampire's henchmen, in which Dreyer uses a claustrophobic subjective view that makes the viewer "enter" the coffin. Just as in his previous film, The Passion of Joan of Arc from 1928, Dreyer uses intense close-ups to underscore the fears his characters encounter. Darkness plays an important role: the shadows move independently of their bodies and the forces of evil violate the rules of physics. Vampyr is a remarkable exploration of the boundaries between light and dark, fate and shadows, night and day. One of the masterpieces in the history of cinema that cannot be missed.
LANGUAGE: German
SUBTITLES: English, Spanish, French, Portuguese
Copia certificada (2010)
En un pueblo toscano, un anticuario francés entabla un debate con una autora británica sobre la autenticidad del arte durante una firma de libros. Su conversación de todo un día difumina las líneas entre realidad y juego de roles, evolucionando hacia una exploración íntima del amor, la imitación y la conexión humana.
El ingenioso meta-drama de Abbas Kiarostami deconstruye la percepción y las relaciones a través de la actuación magistral de Juliette Binoche frente a William Shimell. Cambiando sin esfuerzo entre ficción y autenticidad, cuestiona la esencia de la originalidad en el arte y el romance. Esta joya independiente ejemplifica la precisión del autor, recompensando las vistas repetidas con capas de matices filosóficos y profundidad emocional.
No es país para viejos (2007)
No es país para viejos» es una película basada en la novela homónima de Cormac McCarthy. Es un thriller neo-western que sigue la historia de Llewelyn Moss, un cazador que encuentra un maletín lleno de dinero tras un tiroteo entre narcotraficantes en el desierto de Texas. Este acto desencadenará una serie de eventos violentos, incluyendo la implacable persecución de Anton Chigurh, un asesino despiadado, y el intento del viejo sheriff Ed Tom Bell de detener la violencia que parece inexplicable y sin sentido.
La película logró un gran éxito y ganó cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor de Reparto por la destacada actuación de Javier Bardem como Anton Chigurh. Es una película aclamada por la crítica, conocida por su tensión, estilo visual distintivo y actuaciones impecables del elenco.
Oldboy (2003)
![Oldboy - Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2F2HkjrJ6IK5E%2F0.jpg)
Probablemente la mejor película de terror coreano de todos los tiempos, un thriller de venganza de 2003 dirigido por Park Chan-wook, «Oldboy». Oh Dae-su (Choi Min-sik) fue encarcelado en un pequeño apartamento sin ventanas durante 15 años. No tiene idea de quién lo hizo ni por qué. Un día es liberado y comienza la búsqueda de aquellos que arruinaron su vida para poder vengarse de ellos. En el camino, Dae-su se enamora de una mujer, lo que dificulta llevar a cabo su venganza.
Esta es una película llena de giros, vueltas, conspiraciones y mentiras; cuando crees entender hacia dónde va la película, Park invierte tus expectativas. Park es un director excepcionalmente talentoso y registra la sutileza y complejidad de la venganza, un estilo que expande en el resto de su Trilogía de la Venganza, que consiste en «Sympathy for Mr. Vengeance» y «Lady Vengeance».
El pianista (2002)
En septiembre de 1939, Władysław Szpilman, un pianista judío polaco, estaba tocando en vivo en la radio de Varsovia durante la invasión nazi de Polonia. Esperando un éxito rápido, Szpilman se regocija con su familia en la casa cuando se entera de que Gran Bretaña e incluso Francia han declarado la guerra a Alemania, pero la ayuda garantizada no llega.
Los combates duraron poco más de un mes, con las fuerzas armadas alemanas y soviéticas invadiendo Polonia simultáneamente en varios frentes. Varsovia se une al gobierno general controlado por los nazis. Pronto se impide que los judíos trabajen o tengan empresas y también se les obliga a llevar brazaletes azules con la Estrella de David.
Un drama histórico producido por Francia, el Reino Unido, Alemania y Polonia. El pianista se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2002 el 24 de mayo de 2002, donde ganó la Palma de Oro, y fue lanzado a gran escala en septiembre; la película recibió un amplio e importante reconocimiento, con críticos de cine elogiando la dirección de Polanski, la actuación de Brody y el guion de Harwood. En la 75ª edición de los Premios Óscar, la película ganó Mejor Director (Polanski), Mejor Guion Adaptado (Harwood) y Mejor Actor (Brody), y fue nominada a 4 premios más, incluyendo Mejor Película.
Battleship Potemkin
Drama, guerra, por Sergej Eisenstein, Rusia, 1925.
La revuelta de los marineros del acorazado Potemkin y los ciudadanos de Odessa contra la despiadada policía del zar, que reacciona con represalias y lleva a cabo una masacre. Sergej Eisenstein realiza una película encargada por Goskino, la oficina de cinematografía y producción cinematográfica en la Unión Soviética. Es una película de "propaganda" para la celebración de la revolución de 1905, pero Eisenstein la convierte en una obra experimental y grandiosa, destinada a cambiar para siempre la historia del cine y la edición.
Para reflexionar
La revolución ve las cosas en términos políticos, presupone que para transformar al hombre, debe cambiarse la estructura de la sociedad. Pero ninguna revolución ha logrado transformar al hombre. El revolucionario quiere cambiar la sociedad, el gobierno, la burocracia, las leyes, el sistema político. Todas las revoluciones siempre han fracasado estrepitosamente, y el hombre siempre ha permanecido igual. No se necesitan revolucionarios para cambiar el mundo, se necesitan rebeldes.
IDIOMA: Ruso
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués
Mulholland Drive (2001)
Betty se sorprende al descubrir a una mujer que sufre de amnesia y que se llama a sí misma «Rita» después de ver un cartel de la película Gilda con Rita Hayworth. Para ayudar a la mujer a recordar su identidad, Betty revisa el bolso de Rita, donde descubre una gran cantidad de dinero y también un inusual secreto azul.
Puedes ver Mulholland Drive, sin duda uno de los mejores thrillers psicológicos y una de las películas más significativas del nuevo siglo, cien veces y aún así obtener algo diferente en cada visionado. El extravagante dolor de cabeza de Los Ángeles de David Lynch está lleno de secreto, miedo e incluso una sensualidad perturbadora, temas que habían sido una constante en la obra del autor durante mucho tiempo, pero que aquí alcanzan su apoteosis ineludible.
El viaje de Chihiro (2001)
Es una película japonesa animada de 2001 dirigida por el legendario director Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película sigue las aventuras de Chihiro, una joven que se encuentra atrapada en un mundo sobrenatural después de que sus padres son convertidos en cerdos por una maldición.
Chihiro debe intentar salvar a sus padres y encontrar el camino de regreso a casa, pero para hacerlo tendrá que superar una serie de desafíos y conocer a una variedad de personajes extraños y maravillosos, incluyendo al espíritu del río Haku y a la misteriosa bruja Yubaba.
Uno de los aspectos más fascinantes de la película es su mundo de fantasía surrealista, que está lleno de criaturas extrañas y maravillosas, como dragones, espíritus de la naturaleza y otros seres mágicos. La animación es increíblemente detallada y los visuales están llenos de colores vivos y detalles que hacen del mundo de El viaje de Chihiro un lugar impresionante y encantador.
La película también aborda temas importantes como la importancia de la familia, la fuerza interior y el valor de la humanidad, todo envuelto en una historia fantástica y atractiva que ha sido aclamada por críticos y audiencias de todo el mundo. La película ganó numerosos premios, incluyendo el Premio de la Academia a la Mejor Película Animada en 2003, y es considerada una de las mejores películas animadas de todos los tiempos.
Cape Fear (1991)
Martin Scorsese y Robert De Niro pueden haber alcanzado su cima en el thriller psicológico con el épico Taxi Driver en 1976, sin embargo, la película de terror de los 90 Cape Fear es otro filme imprescindible. Como Max Cady, un violador psicópata, De Niro trama una venganza contra su antiguo representante legal Sam Bowden (Nick Nolte) por ocultar pruebas que podrían haberlo absuelto.
Cady invade cada aspecto de la vida de los Bowden como una sombra densa que cubre a su familia y su trabajo en una espiral inevitable de asesinato y crueldad. Cady seduce como una serpiente, cautivando a sus víctimas, y se transforma en un monstruo psicópata que ataca a la familia Bowden durante una tormenta torrencial. La imprevisibilidad y sadismo de Cady hacen de Cape Fear una película absolutamente soberbia en su género.
Goodfellas (1990)
Goodfellas es una película biográfica de crimen estadounidense de 1990 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Scorsese y Nicholas Pileggi, basada en el libro Wiseguy de Pileggi, que narra la vida del mafioso Henry Hill.
La película cuenta la historia de Hill, un joven italoamericano que crece en Brooklyn en los años 50. Hill está fascinado por el mundo del crimen organizado y comienza a trabajar para Paulie Cicero, un jefe local de la mafia. Hill asciende rápidamente en las filas y se hace amigo de Jimmy Conway y Tommy DeVito, dos gánsteres despiadados.
Los tres amigos viven una vida de lujo y crimen, pero su amistad comienza a deteriorarse cuando Tommy se vuelve cada vez más violento e inestable. Hill, mientras tanto, empieza a arrepentirse de su vida como gánster, pero es demasiado tarde para dar marcha atrás.
Tres décadas después sigue siendo pura adrenalina cinematográfica: la ópera gangster de Martin Scorsese es un epitafio gloriosamente ejecutado para héroes que se revelan con pies de barro y manos manchadas de sangre. Es famoso por muchas cosas: el icónico Copacabana, los mil momentos de agonía, la muerte de Billy Batts, los cuellos de camisa de Joe Pesci, y más… pero si hay una sola razón por la que es un favorito de todos, es sin duda la desventura del antihéroe de Ray Liotta, Henry Hill.
They Live (1988)
«They Live» es una película de terror de los años 80 de John Carpenter. La película está ambientada en un Los Ángeles distópico, donde los alienígenas han asumido la forma de humanos y controlan secretamente la sociedad.
El protagonista de la película es Nada, un hombre desempleado que se encuentra viviendo en las calles. Un día, Nada encuentra un par de gafas de sol negras que le permiten ver la realidad tal como es: los alienígenas son en realidad criaturas monstruosas que controlan la mente de las personas a través de mensajes subliminales transmitidos por la televisión y la publicidad.
Atónito por esta revelación, Nada emprende una lucha implacable para liberar a la humanidad del control de los alienígenas. Una de las películas de culto de alienígenas.
A Page Of Madness
Drama, horror, dirigido por Teinosuke Kinugasa, Japón, 1926.
Una página de locura es una película independiente filmada con un presupuesto casi inexistente y luego perdida durante cuarenta y cinco años. Afortunadamente, el director la redescubrió en su archivo en 1971. Es una película realizada por un grupo de artistas japoneses de vanguardia, la Escuela de nuevas percepciones. Un movimiento que tenía como objetivo superar la representación naturalista. En un asilo del país, bajo una lluvia torrencial, el cuidador se encuentra con pacientes con enfermedades mentales. Al día siguiente llega una joven que se sorprende al encontrar a su padre allí, quien trabaja como cuidador. La madre de la mujer se volvió loca primero por su esposo cuando él era marinero. El esposo ha decidido cambiar de trabajo para quedarse cerca de su esposa en el asilo y cuidarla. Su hija le dice a su padre que pronto se casará, pero el padre está preocupado porque teme, según los rumores populares de la época, que la enfermedad mental de la madre se herede a su hija. Si el joven esposo y su familia se enteraran de la locura de su madre, el matrimonio se desmoronaría. El cuidador intenta cuidar a su esposa durante su trabajo mientras ella es golpeada por otros internos, pero esto interfiere con su rol y es reprendido por el director del asilo. Poco a poco, el cuidador pierde contacto con la realidad y sus límites con el sueño. Comienza a soñar despierto con ganar la lotería cuando su hija vuelve a encontrarse con él para decirle que su matrimonio está en problemas. El hombre piensa en sacar a su esposa del asilo para ocultar su existencia y resolver todos los problemas. Teinosuke Kinugasa es el director de algunas de las mejores películas japonesas de la década de 1920. Una página de locura ha sido comparada con las grandes películas expresionistas alemanas. Es una película experimental, de vanguardia extrema, que parece anticipar las atmósferas y temas que harían famoso a David Lynch muchos años después. Pesadillas, distorsiones, desenfoques, dobles exposiciones y deformaciones fotográficas: una película que explora los límites más lejanos de las imágenes en movimiento. Luego están esas máscaras situadas en una sucesión eterna de barras, cerraduras y
Stand By Me (1986)
El autor Gordie Lachance lee un artículo de noticias sobre un apuñalamiento fatal. Recuerda un evento de juventud cuando él, su amigo Chris Chambers y otros 2 amigos, Teddy Duchamp y Vern Tessio, viajaron para descubrir el cuerpo de un niño desaparecido cerca de la comunidad de Castle Rock, Oregon, durante el fin de semana del Día del Trabajo en septiembre de 1959.
Para muchas personas nacidas en los años 70 o 60, Stand By Me es la película de culto de los 80 que reunió a cinéfilos y espectadores comunes. Sin duda, está entre las mejores películas de la década de 1980. La película tiene una belleza y profundidad que parecen resonar con cada generación. Un sentimiento intenso y cautivador de nostalgia juvenil que se convierte en una reflexión profunda sobre el significado de la vida humana.
Stand by me es una obra maestra atemporal con un séquito de fans leales que la celebran cada año, un pilar en los recuerdos de los más jóvenes por el paso iniciático entre los años de la infancia y la adultez, una película poco común que siempre mejora con el paso del tiempo.
Érase una vez en América (1984)
Érase una vez en América (1984) es una épica película de gánsteres dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci y Diane Keaton. La película está basada en la novela autobiográfica de 1952 del mismo nombre de Harry Grey (The Hoods en inglés).
Érase una vez en América es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su dirección, guion, cinematografía, actuaciones y banda sonora.
Quizás más. Primero, la película de Leone dura 4 horas. No se muestra a menudo en su forma original, e incluso los propios productores pensaron que era demasiado larga para que la gente la viera completa.
La versión original de Leone para la película eran dos películas de 180 minutos que se mostrarían en días consecutivos. Después del estreno inicial, el director planeó cambiar las dos partes a una sola versión de cuatro horas y 29 minutos. Una película para ver sobre la amistad viril y el paso del tiempo, para entrar en la dimensión del mito, típica de las películas de Sergio Leone.
París, Texas (1984)
![PARIS, TEXAS | Official UK trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2F3j8ypqxfiT4%2F0.jpg)
Un vagabundo mudo llamado Travis emerge del desierto, reuniéndose con su hermano en Texas. A medida que resurgen los recuerdos, emprende un viaje por carretera para encontrar a su esposa y su hijo pequeño distanciados, desentrañando una historia de pérdida, redención y vínculos familiares fracturados a lo largo del suroeste americano.
El conmovedor neo-western de Wim Wenders combina magistralmente las sensibilidades del cine europeo de autor con la vastedad americana, mostrando las evocadoras imágenes del director de fotografía Robby Müller. La actuación estoica de Harry Dean Stanton ancla un estudio íntimo de la alienación y la reconciliación. Su diálogo minimalista y banda sonora impregnada de blues lo elevan a la cima del cine independiente, capturando el dolor silencioso de los arrepentimientos no expresados.
Fanny y Alexander (1982)
![Fanny and Alexander (1982) ORIGINAL TRAILER [FHD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FtDlA_QZmqkM%2F0.jpg)
Fanny y Alexander (título original: «Fanny och Alexander») es una película de 1982 escrita y dirigida por el famoso director sueco Ingmar Bergman. Es una de las obras más conocidas y aclamadas de Bergman y se considera una de sus obras maestras.
La película está ambientada en la Suecia de principios del siglo XX y narra la historia de dos hermanos, Fanny y Alexander, que pertenecen a una familia de actores y viven en un entorno teatral. La trama se desarrolla en torno a las experiencias vitales de los dos niños, quienes atraviesan momentos de alegría y felicidad, pero también períodos de tristeza y dificultad.
La familia de Fanny y Alexander está compuesta por personajes complejos y polifacéticos, incluyendo al padrastro de Fanny y Alexander, el cruel y manipulador obispo Vergérus, interpretado por Jan Malmsjö, quien representa una figura oscura y autoritaria en la vida de los niños.
La película explora temas profundos y universales como la infancia, la familia, el amor, la espiritualidad, la muerte y la dimensión mágica y surrealista de la vida. Bergman emplea una estética visual y narrativa extraordinariamente rica y envolvente, con un ojo para el detalle escénico y diálogos intensos.
Fanny y Alexander fue un gran éxito internacional, ganando cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Película Extranjera. La película también recibió admiración crítica y comercial, consolidando el prestigio de Ingmar Bergman como uno de los directores más influyentes en la historia del cine.
Blade Runner (1982)
En noviembre de 2019 en Los Ángeles, el ex oficial de policía Rick Deckard es detenido por el oficial Gaff y llevado por su antiguo jefe, Bryant. A Deckard, cuyo trabajo como «blade runner» era rastrear humanoides bioingenierizados y «retirarlos» de forma terminal, se le informa que 4 replicantes se encuentran ilegalmente en la Tierra. Ambos ven un video de un blade runner llamado Holden realizando la prueba Voight-Kampff, que se hace para diferenciar replicantes de humanos basándose en sus acciones.
Ridley Scott ofrece una visión de un futuro distópico que es una de las películas de ciencia ficción más elegantes jamás realizadas. Con una estética visual inspirada en el cine negro y una banda sonora inquietante de Vangelis (una gran influencia para Prince), Blade Runner es icónica no solo por su apariencia definitoria de época, sino también por su profunda reflexión filosófica sobre lo que significa ser humano.
Muchos han intentado imitar el impresionante escenario de la película, sin embargo, estas calles empapadas de lluvia y vistas desoladas presentan algo único.
Zero for Conduct
Comedy, by Jean Vigo, France, 1933.
The holidays are over and it's time for the kids to return to the terrible boarding school, run by obtuse and conformist tutors, unable to encourage the growth of any spirit of freedom and creativity. The only thing these austere professors are capable of is assigning a "zero" for conduct. But the boys decide to rebel with the complicity of the new supervisor, Huguet, different from all the others. Thus a real revolution is unleashed. Jean Vigo describes the children's yearning for freedom with audacity and a subversive spirit, with a ruthless critique of the scholastic institution, which closely resembles certain memorable sequences from Fellini's cinema. Perhaps the Italian filmmaker had seen the Vigo film? It seems very, very likely. The film was banned by French censorship and did not have a public screening until 1945.
Food for thought
The conditioning of the family, the school and the mass media are probably the main causes of the existential failure of millions of people. They are unidentified enemies, from which it is difficult to defend oneself, which cause the loss of self-esteem and the creativity necessary to achieve ambitious goals. Social, cultural and religious conditioning are a fundamental theme in the life of every human being, and one of the main topics of the filmographies of masters of cinema such as Fellini, Truffaut, and many others.
LANGUAGE: French
SUBTITLES: English, Spanish, German, Portuguese
Apocalypse Now (1979)
Durante la Guerra de Vietnam, el coronel de las Fuerzas Especiales del Ejército de EE. UU., Walter E. Kurtz, ha enloquecido y está librando una guerra de guerrillas despiadada contra las presiones de la NVA y PLAF sin el consentimiento de sus comandantes. En un puesto avanzado en Camboya, dirige tropas estadounidenses que lo ven como un semidiós. El agente quemado del MACV-SOG, el capitán Benjamin L. Willard, es movilizado en la sede de la I Field Force en Nha Trang.
Su misión es «terminar con el mando de Kurtz. La Guerra de Vietnam es implacable mientras Martin Sheen intenta eliminar al renegado coronel Marlon Brando. En el camino, hay búsquedas, una fantástica incursión en helicóptero, el olor a napalm, tigres y conejitas de Playboy, hasta que Sheen se baja del barco.
Alien (1979)
La nave espacial Nostromo regresa a la Tierra con un equipo de siete personas tensas: el Capitán Dallas, el Oficial Ejecutivo Kane, la Oficial de Garantía Ripley, la Navegante Lambert, el oficial científico Ash, los diseñadores Parker e incluso Brett. Al detectar una transmisión desde una luna cercana, la computadora de la nave, la Madre, pone al personal en alerta. Ripley descubre el contenido de la transmisión, identificándola como una advertencia, pero no puede comunicar la información a los que están en la nave abandonada.
Si todo lo que hizo Alien fue introducir un negocio de franquicia centrado en la sobreviviente Sigourney Weaver, el estándar de terror de ciencia ficción claustrofóbico de Ridley Scott aún estaría cimentado en el canon cinematográfico. Sin embargo, Alien se convierte en una obra de arte subversiva. Los efectos especiales y la criatura de doble mandíbula de HR Giger, una visión aterradora, son una de las piezas más extraordinarias de pura artesanía en el cine. Una de las películas imprescindibles del cine de ciencia ficción.
Stalker (1979)
En una Zona desolada y misteriosa donde se dice que los deseos se cumplen, un escritor desilusionado, un científico y su enigmático guía conocido como Stalker se aventuran en territorio prohibido. Su viaje pone a prueba los límites de la fe, el deseo y la limitación humana en medio de paisajes inquietantes y tensión psicológica.
La obra maestra meditativa de Tarkovsky trasciende la ciencia ficción convencional, usando la Zona como un lienzo metafísico para explorar la desesperación existencial y el anhelo espiritual. Sus tomas largas hipnóticas y profundidad philosófica crean una experiencia sensorial profunda, desafiando a los espectadores a confrontar vacíos interiores. Reverenciada por sus visuales poéticos y ritmo pausado, encarna el poder del cine de autor para indagar en los misterios del alma más allá del espectáculo narrativo.
Ese oscuro objeto del deseo (1977)
Un amor a veces terrible e incluso inútil entre Mathieu (Fernando Rey), un francés rico de mediana edad, y una joven y pobre bailaora de flamenco de Sevilla, Conchita, interpretada por Carole Bouquet y también Ángela Molina. Las dos actrices aparecen inesperadamente en escenas separadas y varían no solo físicamente, sino también temperamentalmene.
La mayor parte de la película es un flashback recordado por Mathieu. La película comienza con Mathieu pasando en tren de Sevilla a París. Está tratando de distanciarse de su joven novia Conchita. Cuando el tren de Mathieu se prepara para partir, descubre que Conchita lo está persiguiendo. Desde el tren le arroja agua sobre la cabeza, humillándola. Ella cree que esto la detendrá, pero insiste y sube al tren.
Basada en la novela de 1898 La mujer y el pelele de Pierre Louÿs. Fue el último esfuerzo para dirigir de Luis Buñuel antes de su muerte en julio de 1983. Ambientada en España y Francia en el contexto de un levantamiento terrorista, la película narra con estilo surrealista la historia a través de una serie de flashbacks de un anciano francés, Mathieu (interpretado por Fernando Rey), quien relata el enamoramiento de una hermosa joven española, Conchita (interpretada alternativamente por dos actrices, Carole Bouquet y Ángela Molina), que repetidamente frustra sus deseos sexuales y románticos.
Taxi Driver (1976)
Travis Bickle es un veterano de la Guerra de Vietnam de 26 años que lucha con un trauma psíquico. Vive solo en la ciudad de Nueva York. Travis toma un trabajo como taxista en el turno nocturno para manejar su insomnio persistente y aislamiento. A menudo visita cines porno en la calle 42 y también mantiene un diario en el que conscientemente intenta escribir sus pensamientos. Se rebela contra la actividad criminal y la degeneración de la ciudad que presencia, además de fantasear con limpiar las calles del crimen.
Un viaje a un Nueva York desaparecido y un retrato de un hombre retorcido, Taxi Driver está en la cima de las películas de arte que han caracterizado el Nuevo Hollywood de los años 70. La visión de Martin Scorsese está cargada de una atmósfera inquieta, suspendida entre el drama y el noir, e incluso el guion de la película de Paul Schrader explora las profundidades del alma humana que fueron dadas por la memorable interpretación de Robert De Niro.
Tokyo Story
Drama, de Yasujirô Ozu, Japón, 1953.
Shukichi y Tomi, ya cerca de los setenta, hacen un viaje a Tokio para visitar a sus hijos antes de que sea demasiado tarde. Sin embargo, cuando llegan a la ciudad, la bienvenida no es la que esperaban: el hijo mayor Koichi y su hermana Shige tienen demasiados compromisos de trabajo y parecen experimentar la visita de los padres ancianos más como una molestia que como una alegría. Solo Noriko, viuda del segundo hijo Shoji desde hace ocho años, muestra un afecto sincero por los antiguos suegros, a pesar de que no hay un vínculo de sangre que los una. Una de las películas más importantes en la historia del cine, comienza con una partida y termina con una despedida, como muchas otras películas de la madurez de Ozu. El director japonés cuenta una historia simple con los temas principales de su filmografía, logrando crear una obra maestra. Conflicto generacional y cambio en la sociedad, ritmos, gestos, acciones cotidianas. Una apología moral atemporal, como los ciclos con los que se repiten las estaciones.
Para reflexionar
A medida que los padres envejecen y se vuelven frágiles, los hijos dedicados al trabajo, al entretenimiento efímero de la modernidad, no se interesan por ellos, quizás dejándolos permanentemente en algún hospicio y presumiendo de pagar una cuota por una estructura de alto nivel. A medida que continúa la justa de la vida material, la memoria colectiva y los logros del espíritu de la era de la sabiduría se pierden para siempre.
IDIOMA: japonés
SUBTÍTULOS: inglés, español, francés, alemán, portugués
Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Brussels (1975)
Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) es un drama dirigido por Chantal Akerman. La película cuenta la historia de Jeanne Dielman, una viuda belga que vive con su hijo adolescente en un pequeño apartamento en Bruselas. Jeanne es una mujer ordenada y metódica que cuida de su hijo y se gana la vida como prostituta.
Esto no es solo una película de arte, sino una ventana a una condición universal, representada en un estilo estructuralista. Llevándonos a la rutina, Akerman y la actriz Delphine Seyrig crean un sentido extraordinario de simpatía raramente igualado por otras películas. Jeanne Dielman representa un compromiso total con la vida de una mujer, hora a hora, minuto a minuto.
One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)
Esta película sobre asilos y la locura está basada en el libro homónimo de 1962 de Ken Kesey, y es una de las únicas 3 películas en la historia de Hollywood que ha ganado los 5 principales premios Oscar a Mejor Película, Director, Guion, Actriz y Actor. One Flew Over the Cuckoo’s Nest está basada en un libro de Ken Kesey que utiliza el abuso psiquiátrico como metáfora de la crueldad del estado.
En el otoño de 1963, Randle McMurphy es encontrado en una granja de Oregón por la violación de una mujer de 15 años. Finge estar psicológicamente inestable para ser trasladado a una institución psiquiátrica y evitar el trabajo forzado. La sala está controlada por la enfermera jefe Mildred Ratched, una autócrata fría y pasivo-agresiva que asusta a sus pacientes.
Tiburón (1975)
En la ciudad costera de Amity Island, Nueva Inglaterra, una chica, Chrissie Watkins, se zambulle en el mar. Mientras nada, es atacada por un pez grande. Al día siguiente, sus restos son encontrados en la playa. Según el médico, la muerte se debió a un ataque de tiburón. El jefe de policía Martin Brody es persuadido para cerrar las costas.
El alcalde Larry Vaughn lo convence de revertir su decisión, temiendo que el negocio turístico de la ciudad se destruya. El médico forense acepta tentativamente la teoría del alcalde de que Chrissie murió en un accidente de barco. Brody acepta a regañadientes su decisión hasta que el tiburón mata a un niño pequeño, Alex Kintner, en una playa concurrida.
El éxito implacable de Steven Spielberg no requiere previsión política para mantenerse relevante: es una película sobre un gran tiburón que devora personas. Gracias en gran parte a la película misma, esta es una ansiedad ilógica que el público nunca abandona. Cada vez que aparece un funcionario estatal inepto, es difícil no pensar en el alcalde Vaughn con su ridículo mono estampado diciéndole a la gente de Amity Island que es seguro volver al agua. Lo que hace que Tiburón sea imprescindible es que los tiburones son aterradores, pero la codicia y la incompetencia son mucho más temibles.
El Fantasma del Paraíso (1974)
La historia sigue al compositor Winslow Leach, visto por el infernal productor discográfico Swan durante su actuación en apoyo de la nostálgica banda estilo años 50 The Juicy Fruits, creada por Swan. Swan piensa que las canciones de Winslow son las mejores para inaugurar «El Paraíso», el muy esperado nuevo auditorio de Swan, y ordena a su hombre de confianza Arnold Philbin que adquiera los derechos de las canciones de Leach.
Un mes después, Winslow va a Death Records de Swan para preguntar por su música, pero es expulsado. Se cuela en la mansión de Swan y observa cómo las mujeres practican sus canciones para una audición. Una de ellas es Phoenix, una cantante aspirante, a quien Winslow considera ideal para sus canciones. Winslow se enamora de Phoenix. Winslow descubre el plan de Swan para abrir El Paraíso con sus canciones, se infiltra en Swan Records, pero Swan ordena a sus secuaces que golpeen a Winslow y lo incriminen por tráfico de drogas.
Película de culto de terror, imprescindible por su locura y la innovación que Brian De Palma ha aportado al lenguaje del cine. Uno de los hitos en la carrera del director ítalo-estadounidense.
Amarcord (1973)
Amarcord (1973) es una comedia dramática semi-autobiográfica de formación dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Bruno Zanin, Pupella Maggio, Magali Noël, Armando Brancia y Enzo Fazioli. La película está ambientada en la ciudad natal de Fellini, Rimini, Italia, en los años 30, y narra la historia de Titta, un niño que crece en un pequeño pueblo durante una época de convulsión política y social.
Amarcord es considerada una de las películas más personales y autobiográficas de Fellini. Es una celebración de la infancia, la memoria y la belleza del cine. La película está llena de humor, pathos y nostalgia, y es imprescindible para cualquier admirador de la obra de Fellini.
El título de la película es una univerbación de la expresión romañola a m ‘arcôrd («Lo tengo en mente»). El personaje de Titta está sin duda basado en el compañero de juventud de Fellini en Rimini, Luigi Titta Benzi. Benzi terminó siendo abogado y continuó en estrecho contacto con Fellini a lo largo de su vida. Una obra maestra llena de humanidad y poesía, es una película imprescindible para todos, incluso para quienes no comprenden completamente las películas más complejas de Fellini.
Ugetsu
Drama, fantasy, by Kenji Mizoguchi, Japan, 1953.
Japan, late 16th century: the potter Genjurō and his brother Tobei live with their wives Miyagi and Ohama in a village in the Omi region; Genjurō, convinced that he can earn a lot of money by selling his goods in the nearby city, goes to the county of Omizo with Tobei, who joins him with the sole purpose of being able to become a samurai. Back home with a good income, the two work hard to make even more money; Tobei, increasingly obsessed with the ambition of becoming a samurai, needs the money to buy an armor and a spear while Genjurō, overcome by greed, tries to cook a batch of crockery with his brother in just one night. Legend and innovation of cinematic language, a wonderful world next to a brutal and cruel world. Mystery film that opens a discourse with the invisible planes of existence, ghosts and forays into the fantastic, made by Kenji Mizoguchi in a Japan still frozen by the two atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki. Fundamental work by Mizoguchi, recognized as one of the greatest expressions of the Seventh Art. A lofty lesson in directing that creates wonder with a dramatic tale of greed and lust for possession. A woman who is a tempting demon and a wife abandoned to a fate of war and misery, Mizoguchi uses the camera to enter "another world".
Food for thought
According to ancient Eastern traditions there are other non-physical planes beyond the physical plane. The etheric plane envelops the physical body, gives it vital energy and acts as an intermediary with the higher levels. Beyond the etheric plane there is the astral plane where entities may exist that have not been able to resign themselves to the loss of their body and wander in search of sensations. They are what are commonly referred to as "ghosts". These entities are looking for bodies that have unbalanced etheric planes to "hook up" to in order to experience sense satisfaction through them.
LANGUAGE: Japanese
SUBTITLES: English, Spanish, French, German, Portuguese
El Exorcista (1973)
En el norte de Irak, el sacerdote católico Lankester Merrin participa en una excavación histórica donde descubre un medallón de San José y un artefacto que representa a Pazuzu, un demonio. Mientras Merrin se prepara para abandonar Irak, encuentra una gran escultura de Pazuzu y también observa a dos mascotas peleando en el desierto.
En Georgetown, la actriz Chris MacNeil trabaja en una película dirigida por su amigo Burke Dennings. El sacerdote de Georgetown Damien Karras visita a su madre en Nueva York. Chris escucha ruidos en el ático y Regan le habla de un amigo imaginario llamado «Capitán Howdy».
Hay una razón por la que los espectadores salían del cine en camillas cuando William Friedkin desató su infierno cinematográfico sobre la humanidad, y esa es la misma razón por la que nos convertimos en sombras temblorosas después de pasar un tiempo con Regan: simplemente no se puede ignorar. Obra maestra y una de las películas de terror más aterradoras de todos los tiempos.
El Padrino (1972)
El Padrino (1972) es una épica película de gánsteres dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada por Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, John Marley, Richard Conte y Diane Keaton. La película está basada en la novela homónima de Mario Puzo publicada en 1969.
Desde los ensayos de Goodfellas hasta Los Soprano, todos los imperios de la actividad criminal que siguieron a El Padrino son hijos de los Corleone: la magna obra de Francis Ford Coppola es una de las piezas maestras seminales del género mafioso. Una línea de apertura significativa («Creo en América») pone en marcha el drama de Mario Puzo, antes de que la épica de Coppola se convierta en un relato escalofriante que destruye el sueño americano.
La historia impregnada de corrupción narra a una familia de inmigrantes que lucha con los valores paradójicos del poder y la religión; esas oposiciones morales se cristalizan en una serie épica de bautizos, bellamente curados en paralelo con el asesinato de cuatro personas de poder entre los clanes. Con innumerables detalles legendarios – la cabeza cortada de un caballo, la voz jadeante de Marlon Brando, el memorable vals de Nino Rota – la autoridad de El Padrino perdura en el tiempo.
Roma (1972)
Federico Fellini relata su juventud en Roma. La película comienza con una multitud bulliciosa y pintoresca que da la bienvenida al joven que baja de un tren en la estación Termini. Siguen secuencias que muestran Roma durante el régimen fascista en las décadas de 1930 y 1970.
Un joven Fellini (Gonzales) se muda a un enorme apartamento romano habitado por personas grotescas (incluido un doble de Benito Mussolini) y también dirigido por una mujer obesa. Visita 2 burdeles: uno deteriorado y superpoblado y el otro más lujoso y elegante; aparentemente también ama a una prostituta que trabaja en este último. Luego está un teatro de vodevil barato, calles, túneles, así como una antigua catacumba con frescos que son destruidos por el aire fresco poco después de que los excavadores la descubren.
Es un homenaje a la ciudad, mostrada en una serie de episodios vagamente conectados ambientados tanto en el presente como en el pasado de Roma. La trama es muy pequeña, y el único «personaje» que se afirma considerablemente es la propia Roma. Peter Gonzales interpreta al joven Fellini y la película incluye muchos actores no profesionales.
Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972)
Petra von Kant (Carstensen) es una famosa diseñadora de moda con base en Bremen. La película está casi completamente rodada en el dormitorio de su apartamento, decorado con una significativa recreación de Midas de Poussin y también de Baco (c.1630), que representa mujeres y hombres desnudos y parcialmente vestidos. La habitación también contiene varios maniquíes a tamaño real para su trabajo.
Las relaciones matrimoniales de Petra terminaron en muerte o separación. Su primer esposo Pierre fue un gran amor, que murió en un accidente automovilístico mientras Petra estaba embarazada; el segundo comenzó de la misma manera, pero terminó mal. Petra vive con Marlene, otra diseñadora, a quien trata como a una esclava, y esta relación revela las tendencias kink de Petra.
Este drama es probablemente el más agudo y psicológicamente complejo de Fassbinder; indudablemente, es su más cabrón. Hay tanto que amar en el enfrentamiento de Fassbinder, que va más allá del espectáculo de dos fashionistas duelistas, hacia una profunda exploración del envejecimiento y la obsolescencia.
Solaris (1972)
Solaris es una película de ciencia ficción de 1972, dirigida por el cineasta soviético Andrei Tarkovsky. La película está basada en la novela de ciencia ficción de 1961 escrita por el autor polaco Stanisław Lem. Es considerada una de las obras maestras del cine soviético y una de las mejores películas de ciencia ficción jamás realizadas.
La trama de «Solaris» gira en torno al Dr. Kris Kelvin, interpretado por Donatas Banionis, un cosmonauta y psicólogo enviado a una estación espacial en órbita alrededor del planeta alienígena Solaris. La estación espacial está poblada solo por unos pocos científicos y parece estar involucrada en fenómenos extraños. Solaris es un planeta cubierto por un océano vasto e inteligente que parece ser capaz de materializar los miedos, esperanzas y recuerdos de los miembros de la tripulación en forma de manifestaciones físicas.
La película explora temas filosóficos y psicológicos, enfocándose en el aislamiento, la soledad, el amor, la memoria y la naturaleza de la realidad. «Solaris» es una obra lenta y contemplativa, caracterizada por planos largos, escenas evocadoras y una cinematografía impresionante. La dirección de Tarkovsky enfatiza la atmósfera surrealista y onírica del planeta alienígena, mientras los actores ofrecen actuaciones cautivadoras que capturan la intensidad emocional de la historia.
The Exterminating Angel
Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
La trama gira en torno a un grupo de personas que se reúnen en una suntuosa villa para una cena de gala. Sin embargo, después de la cena, descubren que no pueden salir de la villa, a pesar de que las puertas y ventanas están cerradas con rejas y las salidas aparentemente bloqueadas. Lo que sigue es una especie de pesadilla surrealista donde el grupo de invitados queda atrapado en la villa y sus comportamientos y relaciones sociales comienzan a degradarse de manera extraña.
La película aborda temas como la conformidad social, la alienación y la caída de las convenciones sociales. Es conocida por sus secuencias surrealistas y la forma en que desafía la realidad y la lógica tradicional. "El ángel exterminador" suele interpretarse como una crítica satírica a la clase alta y a las normas sociales autojustificadas. Esta película se ha convertido en un ícono del cine surrealista y representa una de las obras más distintivas y provocativas de Luis Buñuel. Es valorada tanto por su complejidad conceptual como por su extravagancia visual, y ha sido influyente en el mundo del cine por su capacidad para romper los límites del arte cinematográfico. En su momento, muchos pensaron que sería la última película de la carrera de Buñuel. Sin embargo, fue la primera de una serie de obras maestras.
IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés
La naranja mecánica (1971)
La naranja mecánica (1971) es una película de ciencia ficción distópica dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Michael Bates y Warren Clark. La película está basada en la novela homónima de Anthony Burgess publicada en 1962.
Los cuatro matones protagonistas de la película irrumpen en una cabaña, golpean a un escritor anciano y también violan a su esposa, quien luego muere. Cuando un intento de robo sale mal y Alex mata a una mujer anciana con un enorme falo de mármol, es condenado a 14 años de prisión.
Sumergida en una Inglaterra distópica, es el relato en primera persona de un delincuente juvenil sometido a una rehabilitación emocional patrocinada por el estado. Obra maestra cinematográfica, película para ver y analizar. Una de esas películas que cambia tu vida, una sátira increíble sobre sistemas políticos extremos basados en versiones opuestas de la perfectibilidad humana.
El pájaro de las plumas de cristal (1970)
El pájaro de las plumas de cristal es una película de 1970 dirigida por el maestro del cine Giallo italiano Dario Argento, en su debut como director. La película es la primera del género thriller italiano que inauguró un largo período de éxito en la categoría. Tras su estreno, la película fue muy exitosa en taquilla con ingresos de 1.650.000.000 de liras italianas. También fue un éxito fuera de Italia.
Sam Dalmas es un autor estadounidense de vacaciones en Roma con su novia inglesa, Julia, quien sufre bloqueo del escritor y está a punto de regresar a América; sin embargo, él presencia el asalto a una dama en una galería de arte por un extraño con guantes negros y gabardina. Al intentar alcanzarlo, Sam queda atrapado entre dos puertas de vidrio operadas mecánicamente y solo puede ver cómo el hombre escapa.
Block Notes de un director (1969)
Block Notes de un director es un documental de 1969 dirigido por Federico Fellini. La película fue filmada en Cinecittà y sigue a Fellini mientras trabaja en su película Satyricon. El film es una mezcla de entrevistas, escenas detrás de cámaras y momentos de la vida diaria en Cinecittà.
Fellini habla sobre su proceso creativo y su visión del cine. También habla sobre su relación con sus actores y su pasión por el cine. La película es un retrato íntimo de Fellini como artista y como hombre.
Block Notes de un director es una película importante en la carrera de Fellini. Es una de las primeras películas en las que Fellini se entrega a su lado más personal y autobiográfico. La película fue un éxito crítico y comercial y ayudó a consolidar la reputación de Fellini como uno de los grandes directores del siglo XX.
Aquí algunas de las cosas que Fellini dice en la película: «El cine es un sueño. Es una forma de escapar de la realidad. Es una manera de explorar nuestros miedos y deseos.» «Los actores son mis herramientas. Me ayudan a dar vida a mis historias.» «El cine es un juego. Es una forma de divertirse. Es una manera de comunicarse con la gente.»
Block Notes de un director es una película grandiosa y vanguardista que habla sobre el cine, pero también es una película que habla sobre la vida y emociona profundamente. Es una obra maestra del cine experimental que nos hace reflexionar sobre la naturaleza del cine y la naturaleza de la vida. Es una película que nos hace soñar y nos entretiene. Es una película que nos hace pensar.
2001: Una odisea del espacio (1968)
En una era prehistórica, un pueblo de homínidos es expulsado de su abrevadero por una tribu rival. Al día siguiente, descubren que un monolito alienígena ha aparecido entre ellos; les ayuda a entender exactamente cómo usar un hueso como arma y ahuyentar a sus oponentes.
Millones de años después, el Dr. Heywood Floyd, presidente del Consejo Nacional de Astronáutica de EE. UU., realiza un viaje a la Base Clavius, un puesto lunar estadounidense. Su objetivo es inspeccionar un artefacto recientemente localizado, un monolito similar enterrado hace cuatro millones de años cerca del cráter lunar Tycho. Él y otros viajan en un Moonbus hacia el monolito. 2001: Una odisea del espacio es una historia de desarrollo tecnológico y desastre relacionado, impregnada de humanidad, en toda su gloria, debilidad, nerviosismo y loca aspiración.
La película de ciencia ficción más importante y deslumbrante, un mercado objetivo atónito, impresionado por su secuencia Star Gate y la introducción de visuales psicodélicos, la estableció inmediatamente como una de las mayores películas en la historia del cine. La aterradora visión del futuro de Kubrick —la IA y todo— sigue pareciendo profética después de más de 50 años. Una película que debes ver absolutamente si amas el arte de las imágenes en movimiento: éxtasis visual y sonoro.
Érase una vez en el Oeste (1968)
Érase una vez en el Oeste (1968) es un western italiano dirigido por Sergio Leone y protagonizado por Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda y Jason Robards. La película está ambientada en el Oeste americano del siglo XIX y cuenta la historia de un misterioso pistolero, Harmonica, que llega a un pequeño pueblo para vengar el asesinato de su familia.
Un hombre llamado «Harmonica» busca venganza contra el criminal Frank. Por otro lado, Frank trabaja como asesino para el magnate ferroviario Morton, quien busca adquirir ciertas tierras propiedad de la familia Brett McBain. Los polvos que usan los hacen parecer chicos Cheyenne. Frank deja pruebas para culpar a los Cheyenne de los asesinatos.
La obra maestra del spaghetti western está ambientada en una América civilizada, aunque filmada principalmente en Roma y también en España. La película transcurre en una frontera abstracta entre lo viejo y lo nuevo, de héroes de la vida que desaparecen en la memoria. Es un triunfo de un mundo desaparecido y un cine impresionante. La fría mirada de Henry Fonda, las guitarras de Ennio Morricone y el enorme Charles Bronson como el pistolero definitivo son solo tres factores entre un millón de cosas preciosas.
Night of the living dead
Horror, de George Romero, Estados Unidos, 1968.
Una de las películas independientes más rentables de todos los tiempos, recaudó alrededor de 250 veces su presupuesto. Inspirada, al igual que otras películas de culto de terror, en la novela de 1954 de Richard Matheson "Soy Leyenda". Filmada como una "película guerrilla" con un elenco y equipo de amigos y familiares y un presupuesto de solo $114,000, la película es la precursora del inagotable género de "películas de zombis".
El bebé de Rosemary (1968)
Como agnóstico, Roman Polanski ha tejido intencionadamente un hilo de incertidumbre en su adaptación del libro. Esa incertidumbre aumenta el elemento de horror psicológico en El bebé de Rosemary.
Cuando una joven pareja, Rosemary (Mia Farrow) y Guy (John Cassavetes), se mudan a una casa en Nueva York y hacen amistad con una pareja de ancianos, sus vidas comienzan a tomar caminos diferentes.
La profesión del hombre está evolucionando, y mientras tanto Rosemary imagina escenarios oscuros. El creciente miedo de Rosemary podría deberse a un trastorno mental o podría ser causado por algo siniestro que sucede dentro del apartamento.
El bebé de Rosemary es una obra maestra del horror que ha terminado siendo uno de los hitos del género.
Au Hasard Balthazar (1966)
![Robert Bresson | Au Hasard Balthazar [HD] trailer 1966](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FGwFIzjTPYMU%2F0.jpg)
Au Hasard Balthazar (1966) es un drama francés dirigido por Robert Bresson y protagonizado por Michel Simon, Anne Wiazemsky y François Lafarge. La película está ambientada en Francia y cuenta la historia de un burro, Balthazar, que pasa de mano en mano, experimentando la crueldad y la bondad de la humanidad.
En el campo francés cerca de los Pirineos, un burro es adoptado por niños pequeños: Jacques y sus hermanas, que viven en una granja. Cuando una de las hermanas de Jacques muere, su familia abandona la granja y la familia de Marie se hace cargo del burro. El padre de Marie se involucra en disputas legales sobre la granja con el padre de Jacques y el burro es relegado a una panadería local para trabajos de reparto.
Inspirada en El idiota (1868-69) de Fyodor Dostoevsky, la película narra la historia de un burro que pasa por varios dueños, muchos de los cuales lo tratan violentamente. Recordada por el estilo riguroso de la dirección de Robert Bresson, también se considera una obra de gran impacto emocional, a menudo descrita como una de las mejores películas de todos los tiempos. Una de esas películas que puede cambiar tu vida y darte una mayor conciencia.
Persona (1966)
![Persona (1966) ORIGINAL TRAILER [FHD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FYEfJopPIbQg%2F0.jpg)
Alma es una joven enfermera titulada contratada por un médico para cuidar a la actriz Elisabet Vogler. Alma le lee una carta del esposo de Elisabet que tiene una foto de su bebé, y la actriz rompe la foto en pedazos. El médico especula que Elisabet puede recuperarse mejor en una pequeña casa junto al mar, y también la envía allí con Alma.
En la cabaña, Alma informa a Elisabet que nadie le ha prestado atención antes. Alma cuenta la historia de cómo, mientras ya estaba en una relación con Karl-Henrik, él tomó el sol desnudo con Katarina, una mujer que había conocido.
Ingmar Bergman tiene el poder de convertir a simples seguidores del cine en adictos delirantes; Persona es una película que no puedes perderte, un psicodrama de doble cara que de alguna manera parece haber sido filmado el fin de semana pasado con dos de sus mejores amigas (Bibi Andersson y Liv Ullmann).
Por su intimidad y economía solamente, la película se siente como un adelanto de los años difíciles que vendrán. Bergman, recuperándose de una neumonía severa, compuso el guion en el centro de salud, luchando con una crisis que sublimó en un arte del más alto nivel.
Andrei Rublev (1966)
Andrei Rublev es un drama histórico dividido en ocho episodios, con un comienzo y un final que se relacionan solo vagamente con la película principal. La película principal traza la vida del gran pintor de iconos a través de 7 episodios que son paralelos a su vida o representan transiciones anecdóticas en su vida. La época es la Rusia del siglo XV, un tiempo difícil marcado por las luchas entre príncipes rivales y las intrusiones tártaras.
El retrato épico del director soviético Andrei Tarkovsky de la época de los pintores medievales rusos más famosos destaca cualidades como el paisaje, el ambiente y los personajes. Es la historia del esfuerzo de un hombre por superar su dilema de fe en un mundo que parece tener un suministro interminable de violencia física y disputas, y también es un testimonio extraordinario de la perseverancia de los artistas que trabajan en sociedades opresivas. Una de las cumbres más altas del cine de autor, una gran película a nivel figurativo: imágenes que te dejan sin aliento.
8½ (1963)
Guido Anselmi, un conocido director de cine italiano, está luchando con el «bloqueo del director». Atrapado en su nueva película de ciencia ficción que incluye veladas referencias autobiográficas, en realidad ha perdido el interés por la vida, en medio de problemas matrimoniales y artísticos. Mientras intenta recuperarse de sus ansiedades en el balneario de Chianciano, Guido contacta a un famoso crítico de cine para evaluar las ideas de su película, pero el crítico las destroza.
Guido tiene visiones recurrentes de una mujer que considera crucial para su historia. Su amante Carla planea visitarlo, pero Guido la aloja en un hotel separado. El equipo de producción de la película se traslada al hotel de Guido en un intento fallido de hacer que trabaje en el film. Guido confiesa a la mejor amiga de su esposa, Rosella, que quería hacer una película que fuera pura y sincera: está luchando por decir algo honesto.
Después del éxito de La Dolce Vita, Fellini se recuperó de un bloqueo creativo con esta obra maestra autobiográfica sobre un director que vive un bloqueo creativo. Tomando su título del número de películas que Fellini había terminado hasta ese momento (incluyendo algunos cortos para películas antológicas), Otto e mezzo presenta a Guido asediado por aduladores y colaboradores mientras lucha por comenzar una engorrosa película de ciencia ficción.
Carnival of souls
Terror, por Herk Harvey, Estados Unidos, 1962.
Mary Henry sale ilesa de un accidente automovilístico que mató a sus dos acompañantes, y se embarca en una extraña aventura en Salt Lake City, donde se siente atraída por un pabellón deteriorado junto al lago y perseguida por una figura fantasmal (interpretada por el mismo director). Una obra maestra de terror de bajo presupuesto (30,000 dólares) que pasó desapercibida en el momento de su estreno, se ha convertido en una película de culto en Estados Unidos desde finales de los años 80. Sonidos e imágenes que han inspirado a directores como George Romero y David Lynch (el hombre enmascarado de "Lost Roads").
IDIOMA: inglés
SUBTÍTULOS: italiano
Los Pájaros (1963)
Los Pájaros (1963) es una película estadounidense de terror psicológico dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Tippi Hedren, Rod Taylor y Jessica Tandy. La película está basada en un cuento de Daphne du Maurier publicado en 1952.
La película narra la historia de Melanie Daniels, una mujer rica y sofisticada que sigue a un joven experto en aves, Mitch Brenner, a un pequeño pueblo en California. Cuando Melanie se acerca a Mitch, las aves del pueblo comienzan a atacar a los humanos de manera inexplicable.
Una de las obras maestras entre las películas de terror basadas en hechos reales, dirigida por Alfred Hitchcock, Los Pájaros se centra en un pequeño pueblo californiano aterrorizado por una enorme bandada de aves agresivas. Está basada en el cuento de Daphne Du Maurier, pero la película también se basa en una historia real, cuando los residentes de Capitola, California, despertaron ante una escena sacada de una película de terror. En ese momento fue un completo misterio, pero los científicos ahora creen que el ácido domoico y sus neurotoxinas fueron la causa del extraño comportamiento de las aves.
I Mostri (1963)
I mostri está entre las cumbres más altas de la comedia italiana, y fue filmada en 1963 por el director Dino Risi. La película fue un éxito notable en Italia y estuvo entre las de mayor recaudación del año. Fue censurada en España por situaciones vulgares y embarazosas.
Casi desconocida fuera de Italia, solo se estrenó en 1968 en Estados Unidos y en 1977 se filmó una secuela, absolutamente inferior a la primera, que incluso fue nominada al Oscar, titulada Los nuevos monstruos.
Los protagonistas principales son Ugo Tognazzi y Vittorio Gassman, quienes interpretan personajes que se convierten en un símbolo de los vicios de la mayoría de los italianos en los años sesenta, en una larga galería de 20 episodios hilarantes.
Sin duda, los personajes y circunstancias cómicas están representados de una manera que toca los límites extremos de la sátira. La sátira de los episodios ataca a personajes de todo tipo y clases sociales, políticos y policías que abusan de su poder y a la clase media.
El Eclipse (1962)
«El Eclipse» es una película dirigida por el director italiano Michelangelo Antonioni, estrenada en 1962. Como mencioné antes, «L’eclisse» forma parte de la famosa «trilogía de la soledad» de Antonioni, junto con «L’avventura» y «La notte». La película es considerada una de las obras maestras del cine de autor italiano y recibió elogios críticos por su visión innovadora y estilo cinematográfico único.
La trama de «L’eclisse» sigue la historia de una joven, Vittoria (interpretada por Monica Vitti), que atraviesa una fase de transición emocional tras el fin de una relación. Durante el transcurso de la película, Vittoria conoce a un joven ambicioso llamado Piero (interpretado por Alain Delon), y entre ambos se desarrolla una relación ambigua. La película explora temas como la alienación, el aislamiento y la insatisfacción con la vida moderna.
Antonioni utiliza su estilo visual distintivo, con planos largos y encuadres precisos, para crear una atmósfera de incertidumbre y desolación emocional. El director examina la dificultad de la comunicación entre las personas y el vacío existencial en sus relaciones. «El Eclipse» también es conocido por su icónico desenlace, en el que una escena de amor se transforma en una escena de abandono y pérdida.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), apodado «Accattone», lleva una vida de holgazán hasta que su prostituta, Maddalena, es explotada por sus rivales y condenada. Sin ingresos fijos, primero intenta establecerse con la madre de su hijo, pero es expulsado por sus padres; luego se encuentra con la ingenua Stella y trata de inducirla a prostituirse para él.
Ella está dispuesta a intentarlo, pero cuando su primer cliente comienza a golpearla, llora e incluso se baja del coche. Accattone intenta apoyarla, pero se rinde después de que, además de tener una visión inusual de su propia muerte, sale a robar con sus amigos.
Independientemente de si fue filmada a partir de un guion, Accattone suele percibirse como una versión cinematográfica de los primeros relatos de Pasolini, especialmente Ragazzi di vita y también Una vita violenta. Fue la primera película de Pasolini como director, y utiliza rostros que seguramente más tarde serían vistos como atributos de la marca Pasolini: actores no profesionales del lugar donde se ambienta la película. Es una de las grandes obras maestras cinematográficas que debe verse absolutamente sobre individuos afectados por la pobreza.
La noche (1961)
«La noche» es una película de 1961 dirigida por el director italiano Michelangelo Antonioni. Forma parte de la famosa «trilogía de la soledad» del director, junto con «La aventura» y «El eclipse». La película es un ejemplo significativo del cine de autor italiano y ha tenido un impacto duradero en la historia del cine.
La trama de «La noche» sigue un día en la vida de un intelectual romano, Giovanni Pontano (interpretado por Marcello Mastroianni), y su esposa Lidia (interpretada por Jeanne Moreau), durante una noche en la que asisten a una elegante fiesta y luego enfrentan los problemas en su relación. La película explora temas de alienación, insatisfacción existencial y la dificultad de la comunicación entre las personas.
«La noche» es conocida por su estilo visual distintivo, con planos largos y encuadres precisos que capturan la soledad de los personajes y la atmósfera surrealista de las escenas urbanas. Antonioni utiliza a menudo el paisaje urbano como un elemento central de sus obras, transmitiendo una sensación de desconexión entre los individuos y la ciudad.
La película fue elogiada por la crítica por su profundo análisis psicológico de los personajes y su reflexión sutil pero poderosa sobre la condición humana. «La noche» es una obra cinematográfica compleja e inmersiva que continúa siendo apreciada por su fina cinematografía e impacto cultural. Si te interesa el cine de autor, esta película es definitivamente una elección imprescindible.
La Dolce Vita (1960)
La Dolce Vita (1960) es un drama satírico italiano dirigido y coescrito por Federico Fellini. La película está protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée.
La película cuenta la historia de Marcello Rubini, un periodista de escándalos que vive en Roma. Marcello es un hombre cínico y desilusionado, que intenta encontrar sentido a su vida en un mundo que le parece vacío y artificial.
La Dolce Vita es una película compleja y fascinante que explora los temas del vacío, la superficialidad y la pérdida de valores. La película se caracteriza por una atmósfera decadente y por la magistral dirección de Fellini.
Paradójicamente, la representación de este ambiente como un hedonismo corrosivo para el alma es asombrosa. Porque Fellini maneja todo con tal vigor y agudeza cinematográfica que a menudo es difícil no dejarse atrapar por los eventos delirantes en pantalla. Gran parte de cómo vemos la fama hoy en día se remonta a esta película; incluso nos ofreció la palabra paparazzi. Definitivamente, La Dolce Vita es una de esas películas que cambian tu vida.
La aventura (1960)
L’avventura (1960) es un drama italiano dirigido por Michelangelo Antonioni. La película está protagonizada por Monica Vitti, Gabriele Ferzetti y Lea Massari.
La película narra la historia de un grupo de amigos que van de vacaciones a Sicilia. Durante un paseo en barco, una de las chicas, Anna (Lea Massari), desaparece misteriosamente. La aventura es una película compleja y fascinante que explora los temas de la incomunicabilidad, la alienación y la búsqueda de sentido. La película se caracteriza por una atmósfera suspendida y onírica, y por la magistral dirección de Antonioni.
Nacida de una historia de Antonioni escrita junto con los co-guionistas Elio Bartolini y Tonino Guerra, una película de autor sobre la desaparición de una chica (Lea Massari) durante un viaje en barco por el Mediterráneo, y también sobre la posterior traición de su amante (Gabriele Ferzetti) con su amiga (Monica Vitti).
Sin aliento (1960)
Michel es un criminal vivaz que ama el riesgo y está modelado según el personaje cinematográfico de Humphrey Bogart. Tras robar un coche y un camión en Marsella, Michel elimina a un policía que intenta seguirlo. Afligido por la pobreza y huyendo de la policía, encuentra un romance con una americana, Patricia, una estudiante y aspirante a periodista, que vende el New York Herald Tribune en los bulevares de París. Patricia lo oculta sin saberlo en su apartamento mientras él intenta seducirla y busca dinero para su escape a Italia.
El debut como director sísmico del crítico de cine Jean-Luc Godard podría llamarse una película dramática con influencias del cine de gánsteres y romance, pero en realidad es una obra que escapa a cualquier género: es una película vanguardista revolucionaria. Presenta cortes cubistas, tomas agitadas con cámara en mano, rodajes en exteriores, un ritmo peculiar, así como digresiones inesperadas sobre pintura, verso, sociedad pop, literatura e incluso cine. Una aventura atractiva entre el pequeño ladrón Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg se convierte en una extrañamente conmovedora reflexión existencial. Es una ficción pulp, pero alquímicamente profunda.
Psicosis (1960)
Psicosis (1960) es una película estadounidense de horror psicológico dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, y Martin Balsam. Está basada en la novela homónima de 1959 de Robert Bloch. La película es conocida por su edición innovadora, música y cinematografía, así como por su icónica escena de la ducha, que ha sido ampliamente imitada y parodiada.
La película cuenta la historia de Marion Crane, una joven que malversa 40,000 dólares de su empleador y se marcha para comenzar una nueva vida. Se detiene en el Bates Motel, que es dirigido por el perturbado Norman Bates. Marion es asesinada en la ducha por la madre de Norman, quien la ve como una amenaza para la felicidad de su hijo.
Alfred Hitchcock quería rodar su siguiente película después de Psicosis en Disneyland, pero Walt Disney se negó, calificando a Psicosis como «repugnante». Psicosis es considerado por algunos como uno de los primeros ejemplos de películas slasher, sin embargo, aunque ciertamente tuvo un impacto en el subgénero slasher, en realidad está entre las mejores películas de horror psicológico de todos los tiempos.
La primavera de la virgen (1960)
La primavera de la virgen es una película sueca de 1960 dirigida por Ingmar Bergman. Está basada en la balada medieval sueca «Töre’s döttrar i Wänge». La historia se sitúa en la Suecia medieval y narra la historia de una joven llamada Karin que es violada y asesinada por tres pastores. Los pastores, sin saber lo que han hecho, se refugian en la casa del padre de Karin. El padre, Tore, busca venganza y mata a los pastores.
La película es una exploración de los temas de culpa, perdón y fe. Bergman utiliza la historia para explorar la naturaleza de la humanidad y las preguntas existenciales que todos nos hacemos. La película fue un éxito crítico y comercial y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera en 1961.
La primavera de la virgen es una película compleja y simbólica. Bergman usa la historia para explorar la naturaleza de la humanidad y las preguntas existenciales que todos nos hacemos.
Vértigo (1958)
Vértigo (1958) es un thriller psicológico dirigido por Alfred Hitchcock. La película está protagonizada por James Stewart y Kim Novak.
La película cuenta la historia de Scottie Ferguson, un policía retirado que sufre de acrofobia. Scottie es contratado por su amigo Gavin Elster para seguir a su esposa Madeleine, quien él cree está poseída por el espíritu de su antepasado.
Vértigo es una película compleja y fascinante que explora los temas del amor, la pérdida y la locura. La película se caracteriza por una atmósfera inquietante y llena de suspense, y por la magistral dirección de Hitchcock.
Un trastorno mental freudiano que suele considerarse la obra maestra de Alfred Hitchcock, Vértigo vive en un mundo existencial y lleno de suspense. Cambiando a través de los trajes de Edith Head, Kim Novak se encuentra en dos papeles: Madeleine Elster y Judy Barton, ambos deseos para el ex policía de James Stewart. Para concluir este brillante thriller psicológico está la música de Bernard Herrmann, que se convierte en un final imponente.
El séptimo sello (1957)
![The Seventh Seal (1957) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FvZucwtdSvJ8%2F0.jpg)
El caballero Antonius Block y su escudero Jöns regresan de las Cruzadas para descubrir un país devastado por la peste. El caballero se encuentra con la Muerte, a quien desafía a una partida de ajedrez, creyendo que puede sobrevivir mientras el juego continúe. La partida que comienzan continúa a lo largo del relato. El caballero y su escudero pasan junto a una caravana de actores: Jof y su esposa Mia, con su bebé Mikael y también el actor-director Jonas Skat. Al despertar temprano, Jof tiene una visión de María y Jesús. El gran drama sobre la muerte de Ingmar Bergman no es cualquier película, sino que es una de las películas fundamentales en la historia del cine. Es una obra de profundo pensamiento filosófico que debe verse absolutamente al menos una vez. Pero también 3, 4, 5, 6…
Un hombre escapó (1956)
En camino a la prisión, Fontaine, un miembro de la Resistencia Francesa, aprovecha la oportunidad para escapar de sus captores alemanes cuando el coche que lo transporta se ve obligado a detenerse, sin embargo, es rápidamente arrestado, golpeado por su intento de fuga, esposado y llevado a prisión.
Inicialmente está encarcelado en una celda donde puede hablar con tres jóvenes franceses que se entrenan en el patio. Los hombres consiguen un imperdible para Fontaine, lo que le da la capacidad de abrir sus esposas.
Está basado en las memorias de André Devigny, un participante de la Resistencia Francesa detenido en la prisión de Montluc por los alemanes ocupantes durante la Segunda Guerra Mundial. El protagonista de la película se llama Fontaine. El propio Bresson fue encarcelado por los alemanes como participante de la Resistencia Francesa. La segunda parte del título proviene de la Biblia.
Obra maestra imprescindible: casi todo realizado en una celda de prisión, con un solo actor, sin decorados. Rigor absoluto, cine absoluto. Lo mejor de Bresson junto con Au hasard Balthasar.
La Trilogía de Apu (1955)
Las 3 películas comprenden una narrativa de bildungsroman; son tres dramas sobre iniciación y formación que cuentan los años de la infancia, la educación y también la primera maduración de un joven bengalí llamado Apu (Apurba Kumar Roy) en la primera parte del siglo XX.
Canción del pequeño camino
Las primeras experiencias de Apu en Bengala se presentan como hijo de una familia de casta alta. El padre de Apu, Harihar, un brahmán, lucha por mantener a su familia. Tras la muerte de la hermana de Apu, Durga, la familia se traslada a la ciudad divina de Benares.
Los invencibles
Los recursos financieros de la familia siguen siendo escasos. Tras la muerte de su padre allí, Apu y su madre Sarbajaya también regresan a una ciudad en Bengala. A pesar de la pobreza implacable, Apu recibe una educación formal y termina siendo un brillante interno. Se traslada a Calcuta para buscar su educación y aprendizaje. Gradualmente se distancia de sus orígenes campesinos y de su madre, que no estaba bien en ese momento.
El mundo de Apu
Intentando convertirse en autor, Apu de repente se ve obligado a casarse con una chica cuya madre rechazó a su esposo mentalmente enfermo el día de la celebración de su boda. Su matrimonio termina con la muerte de ella en el parto. Desesperado, Apu abandona a su hijo, pero finalmente regresa para aceptar sus responsabilidades.
Estamos haciendo trampa al incluir las tres películas (Pather Panchali, Aparajito y The World of Apu), pero realmente, ¿cómo se separan las entregas de la magnífica trilogía de formación de Satyajit Ray? Algunas de las mejores películas indias jamás hechas son también plenamente reconocibles, ya sea que vengas de Calcuta, Roma o Nueva York.
Los siete samuráis (1954)
En 1587, una banda de forajidos habla sobre asaltar un pueblo montañoso, pero su líder decide esperar hasta después de la cosecha. Los aldeanos escuchan esto y confían en Gisaku, el anciano del pueblo y molinero, quien afirma que deben contratar samuráis para protegerlos. Como no tienen dinero y solo pueden ofrecer comida, Gisaku sugiere que localicen a los samuráis hambrientos. Varios aldeanos viajan a la ciudad y finalmente también encuentran a Kambei, un rōnin anciano pero experimentado, a quien ven rescatar a un niño tomado como rehén por un ladrón acorralado.
Un joven samurái llamado Katsushiro pide convertirse en devoto de Kambei. Cine de autor, 207 minutos de gran cine. Toshiro Mifune está soberbio como el samurái medio loco autoproclamado, pero también es Takashi Shimura quien le da al filme su emoción.
Sansho, el gobernador (1954)
Un gobernador virtuoso es desterrado por un señor feudal en una provincia lejana. Su esposa, Tamaki, y sus hijos, Zushiō y Anju, son enviados por su hermano. Antes de separarse, el padre de Zushiō le dice: «Sin gracia, el hombre parece un monstruo. Aunque seas duro contigo mismo, sé misericordioso con los demás.» El cine japonés tenía la capacidad de filmar impresionantes historias de fantasmas (Ugetsu) y dramas detrás de cámaras (La historia de los últimos crisantemos), sin embargo, su mayor cualidad era una compasión profunda e inquebrantable por las mujeres, deprimidas por el patriarcado y desgarradas en su sufrimiento. Un tema que recorre gran parte de la obra de Kenji Mizoguchi.
Esta es una de sus obras maestras. Estas mujeres son las protagonistas de Sansho, el gobernador, un drama histórico sobre la disolución familiar que seguramente te impactará, tanto desde el punto de vista del cine de autor, como por la intensidad de la historia contada. No te disculpes por tus emociones.
Umberto D. (1952)
Umberto D. es un drama italiano de 1952, dirigido por Vittorio De Sica, protagonizado por Carlo Battisti como Umberto Domenico Ferrari, un pensionista que intenta sobrevivir en una Roma de posguerra. La película narra la conmovedora historia de un anciano que trata de afrontar las dificultades de la vida cotidiana: el alquiler, la pensión insuficiente, el aislamiento social. Umberto D. vive con su fiel perro, Flike, y trata de conservar su apartamento a pesar de las constantes llamadas del propietario. A pesar de sus esfuerzos, Umberto D. no puede encontrar un trabajo que le permita mantener su estilo de vida. Intenta vender sus objetos de valor, pero se ve obligado a abandonar la idea debido a los precios demasiado bajos que le ofrecen.
Umberto D. es considerado una de las obras maestras del neorrealismo italiano, un movimiento cinematográfico que se desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial y que se caracterizó por la representación realista de la vida cotidiana y las dificultades económicas y sociales de la Italia de posguerra. La película fue apreciada por su delicadeza y profunda humanidad, lo que convirtió a Umberto D. en un ícono del cine italiano y mundial.
Rashomon (1950)
![Rashômon (1950) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FZqoyl2p8_lw%2F0.jpg)
Rashomon (1950) es un drama japonés dirigido por Akira Kurosawa. La película está ambientada en el Japón feudal y narra la historia de un asesinato y violación de una mujer, contada desde las perspectivas de cuatro testigos: un leñador, un monje, un vagabundo y el espíritu de la mujer.
La historia comienza en la era Heian en Kioto. Un leñador y un sacerdote están sentados bajo la puerta de la ciudad de Rashōmon para resguardarse de un aguacero cuando un plebeyo (Kichijiro Ueda) se une a ellos y comienzan a contar una historia extremadamente perturbadora sobre una violación y asesinato. Ni el pastor ni el leñador reconocen que todos los involucrados pueden haber dado relatos sustancialmente diferentes de la misma historia exacta.
No es exagerado decir que Rashomon de Akira Kurosawa ha redefinido la narrativa cinematográfica y que es una de las películas imprescindibles en la historia del cine. Con su estructura narrativa cambiante e poco confiable —en la que 4 individuos ofrecen diferentes versiones de un asesinato— la película es extremadamente audaz y también actúa como un indicador de cómo exactamente cada uno puede engañarnos.
Ladrón de bicicletas (1948)
Ladrón de bicicletas (1948) es un drama italiano dirigido por Vittorio De Sica. La película está ambientada en la Roma de posguerra y narra la historia de Antonio Ricci, un hombre al que le roban su bicicleta, una herramienta esencial para su trabajo como cartelero. En la comunidad romana de Val Melaina después de la Segunda Guerra Mundial, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) está sin esperanza de encontrar trabajo para mantener a su esposa María (Lianella Carell), su hijo Bruno (Enzo Staiola) y al pequeño hijo. Como el trabajo requiere una bicicleta, le informa a María que no puede comprarla.
La obra maestra neorrealista de Vittorio de Sica está ambientada en un mundo donde poseer una bicicleta es la clave para trabajar, pero podría estar ambientada igualmente en un mundo donde la ausencia de un automóvil, o de una guardería asequible, o de una vivienda, o de seguridad social son barreras insuperables para poner comida en la mesa. Esto es lo que la convierte en una película tanto para la Italia de posguerra como para la actualidad en cualquier lugar.
Roma, ciudad abierta (1945)
Roma, ciudad abierta (1945) es un drama y película bélica dirigida por Roberto Rossellini. La película está ambientada durante la ocupación nazi de Roma y narra la historia de tres personajes que se oponen al régimen: Don Pietro, un sacerdote, Manfredi, un obrero, y Pina, una joven.
Tropas alemanas de las SS intentan encarcelar a Giorgio Manfredi, ingeniero comunista y líder de la Resistencia contra los nazis y fascistas italianos. Inicialmente creen que Giorgio es un policía, sin embargo, cuando él deja claro que es un confidente, Giorgio le pide que transfiera mensajes e incluso dinero a un grupo de combatientes de la Resistencia fuera de la ciudad, ya que ahora está reconocido por la Gestapo y no puede hacerlo solo.
Pocos movimientos cinematográficos pueden presumir de la tasa de éxito del neorrealismo italiano, una corriente posterior a la Segunda Guerra Mundial comprometida con la lucha de la clase trabajadora que parece estar compuesta solo por obras maestras. Roberto Rossellini fue responsable de películas dramáticas, incluyendo Alemania, año cero y también este drama de represión y resistencia, que cuenta no con una sino con dos de las escenas de muerte más extraordinarias de todo el cine.
Doble indemnización (1944)
Doble indemnización (1944) es un film noir dirigido por Billy Wilder y protagonizado por Fred MacMurray, Barbara Stanwyck y Edward G. Robinson. La película es una adaptación del cuento homónimo de James M. Cain.
En 1938, el vendedor de seguros Walter Neff regresa a su oficina en el centro de Los Ángeles con una herida de bala en el hombro y graba una confesión en un dictáfono. Sigue un flashback. Neff conoce a la encantadora Phyllis Dietrichson durante una visita domiciliaria para aconsejar a su esposo que renueve su póliza de seguro de vehículo. Phyllis solicita adquirir un plan de seguro contra accidentes para su pareja.
El género deliciosamente oscuro y elegante del film noir simplemente no existiría sin Doble indemnización. Esta película realmente lo tiene todo: recuerdos, asesinatos, sombras y cigarrillos por doquier y, por supuesto, una femme fatale astuta (Barbara Stanwyck). Uno de los excelentes directores de la edad de oro de Hollywood, Billy Wilder se distinguió en una amplia gama de géneros cinematográficos, sin embargo esta joya hard-boiled es su obra más influyente.
Ciudadano Kane (1941)
Ciudadano Kane (1941) es una película dirigida por Orson Welles, su primer largometraje. La película narra la historia de Charles Foster Kane, un magnate de la prensa, a través de los recuerdos de sus amigos y conocidos. En un castillo llamado Xanadú, parte de una enorme finca en Florida, el anciano Charles Foster Kane está en su lecho de muerte. Sosteniendo en su mano un objeto que representa un paisaje nevado, pronuncia una palabra, «Rosabella», y muere.
Un obituario en un noticiero relata la historia de vida de Kane, un magnate de la prensa y la industria enormemente rico. La muerte de Kane se convierte en una noticia asombrosa alrededor del mundo, mientras el productor del noticiero instruye al periodista Jerry Thompson para descubrir el significado de «Rosabelle.
Un drama existencial – interpretado con un talento inagotable por el prodigioso actor y director Orson Welles – desde un niño despreciado hasta un barón de la prensa. Puedes sumergirte en los métodos revolucionarios del film, como la fotografía de enfoque profundo de Gregg Toland, el genio de su puesta en escena así como su examen del capitalismo estadounidense. También es simplemente una historia muy buena que definitivamente no deberías perderte.
El halcón maltés (1941)
El halcón maltés (1941) es un film noir dirigido por John Huston y protagonizado por Humphrey Bogart. La película es una adaptación de la novela homónima de Dashiell Hammett. En San Francisco en 1941, los investigadores privados Sam Spade y Miles Archer conocen a la potencial clienta Ruth Wonderly. Más tarde esa noche, Spade es despertado por una llamada policial que le informa que Archer ha sido asesinado. Dundy sugiere que Spade tuvo la oportunidad y el motivo para matar a Thursby, quien probablemente mató a Archer.
Más tarde esa mañana, Spade se encuentra con su clienta, quien confiesa que inventó la historia y ahora se hace llamar Brigid O’Shaughnessy. En su oficina, Spade conoce a Joel Cairo, quien primero le ofrece $5,000 para encontrar una «figura negra de un pájaro» en nombre de su supuesto legítimo propietario. Cuando Cairo regresa, contrata a Spade. La película se estrenó en la ciudad de Nueva York el 3 de octubre de 1941 y fue nominada a tres premios Óscar. Fue citada por Panorama du Film Noir Américain como el primer gran film noir. Entre los mejores films noir para ver.
Su chica Friday (1940)
Su chica Friday (1940) es una comedia screwball estadounidense dirigida por Howard Hawks, protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell y con la participación de Ralph Bellamy y Gene Lockhart. La película es una mirada rápida, ingeniosa y encantadora al mundo del periodismo, y presenta algunos de los diálogos más memorables en la historia del cine.
Walter Burns es editor del periódico The Morning Post que se entera de que su exesposa y también ex periodista estrella, Hildegard «Hildy» Johnson, está a punto de casarse con su aburrido asegurador Bruce Baldwin y de llevar una vida tranquila como esposa y madre en Albany, Nueva York. Walter decide impedir que esto suceda y atrae a una renuente Hildy para cubrir una última historia: la ejecución inminente de Earl Williams, un contable declarado culpable del asesinato de un policía afroamericano.
Entre las muchas películas de alto nivel dirigidas por el director Howard Hawks, Su chica Friday es la más encantadora y locuaz. El lacónico Hawks habría minimizado su protofeminismo a lo largo de su vida, la película es también su más libre; mujeres fuertes que tenían trabajos y trabajaban mejor que los reporteros masculinos eran simplemente lo que él quería ver. Una obra maestra divertida de comedia. Si amas las palabras, amarás esta película.
Fantasía (1940)
Fantasía es una película animada producida por Walt Disney Productions y estrenada en 1940. Es una obra innovadora y experimental para la época, ya que la película mezcla animación y música clásica para crear una especie de «sinestesia» entre los sentidos del oído y la vista. La película consta de ocho segmentos, cada uno acompañado por una banda sonora compuesta por grandes músicos como Beethoven, Tchaikovsky, Stravinsky y Bach. Los segmentos, animados por algunos de los mejores artistas de la época, incluyen escenas de ballet, danza de hadas, la lucha entre el bien y el mal y mucho más.
Uno de los segmentos más famosos de Fantasía es probablemente «La consagración de la primavera» de Stravinsky, que narra la evolución de la vida en la Tierra, desde el nacimiento del sol hasta la aparición de los dinosaurios. El segmento fue criticado en su momento por su brutalidad y violencia, pero se ha convertido en una piedra angular de la animación moderna. Fantasía fue un gran éxito de taquilla, pero recibió reacciones mixtas por parte de la crítica. Sin embargo, en los años siguientes se ha convertido en una película de culto, apreciada tanto por su belleza visual como por su audacia artística. La película también fue muy influyente en la cultura popular e inspiró muchas otras películas y producciones artísticas.
La hora cero (1939)
La hora cero (1939) es un drama criminal estadounidense dirigido por Sidney Salkow y protagonizado por Otto Kruger, Frieda Inescort y Adrienne Ames. La película es un remake del filme francés de 1938 La Bête Humaine (La bestia humana), dirigido por Jean Renoir y basado en la novela homónima de Émile Zola.
La película cuenta la historia de Steve Reynolds, un piloto atormentado por el recuerdo de un accidente que mató a su esposa e hijo. También lucha contra su alcoholismo y su relación con su novia, Susan. Una noche, mientras vuela de regreso de un viaje, Steve se ve obligado a realizar un aterrizaje de emergencia en una tormenta de nieve. Es ayudado por una joven llamada Linda, y pronto desarrollan una relación romántica.
La película explora temas de culpa, obsesión y el poder destructivo de la violencia. También es una historia sobre la condición humana y la lucha por superar los demonios personales. La película está realizada en un estilo oscuro y atmosférico, con un enfoque en la agitación psicológica de los personajes. Salkow utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de tensión y suspense, incluyendo iluminación tenue, primeros planos extremos y montaje rápido.
Rules of the Game (1939)
Rules of the Game es considerada una de las obras maestras del cine francés y una de las películas más importantes del siglo XX. La película fue un éxito crítico y comercial en su estreno y ha seguido siendo apreciada por críticos y audiencias de todo el mundo.
El aviador André Jurieux llega a París tras cruzar el océano en su avión. Es recibido por su amigo Octave, quien le informa que Christine, la noble austro-francesa, no ha venido a recibirlo. La relación pasada de Christine con André es aceptada por su pareja, su doncella y su amigo Octave.
Jean Renoir consolidó su maestría con esta búsqueda perfecta de las capas sociales entre los estúpidos, ociosos, a punto de ser arrasados por la Segunda Guerra Mundial. Los asuntos entre aristócratas y sirvientes florecen durante una semana de cacería en un castillo, donde el único crimen es confundir la frivolidad con la sinceridad.
La Bête Humaine (1938)
La Bête Humaine (1938), dirigida por Jean Renoir, es un thriller romántico francés basado en la novela homónima de Émile Zola. La película narra la historia de Jacques Lantier, un maquinista de locomotoras que es impulsado a la violencia por sus propios demonios internos.
La película está ambientada a finales del siglo XIX. Jacques Lantier es un maquinista de locomotoras casado con Flore. Sin embargo, también se siente atraído por Séverine, la esposa de Roubaud, el jefe de estación en Le Havre. Jacques y Séverine comienzan un romance y planean asesinar a Roubaud. Lo atraen a un tren y lo empujan fuera de las vías. Sin embargo, su plan fracasa y Jacques es el único que sobrevive.
La película explora temas de pasión, obsesión y el lado oscuro de la naturaleza humana. También es una historia sobre el poder destructivo de la violencia. La película está realizada en un estilo realista, con un enfoque en los personajes y sus motivaciones. Renoir utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de realismo, incluyendo rodaje en locaciones y cámara en mano.
La Gran Ilusión (1937)
La Gran Ilusión (1937), dirigida por Jean Renoir, es un drama bélico francés ampliamente considerado como una de las mejores películas jamás realizadas. La película narra una historia de amistad y lealtad entre dos oficiales franceses capturados durante la Primera Guerra Mundial.
La película sigue a los capitanes Maréchal y de Boëldieu, dos oficiales franceses capturados por los alemanes. Los dos hombres son trasladados a un campo de prisioneros de guerra, donde hacen amistad con otros oficiales franceses. Los prisioneros planean una fuga, pero el plan fracasa y los dos capitanes son trasladados a una fortaleza de alta seguridad. En la fortaleza, los dos hombres conocen al capitán von Rauffenstein, un oficial alemán que también es un hombre de honor.
La película explora temas como la amistad, la lealtad y la naturaleza de la guerra. También es una historia sobre la importancia de la compasión y el respeto mutuo, incluso entre enemigos. La película está realizada en un estilo realista, con un enfoque en la humanidad de los personajes. Renoir utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de realismo, incluyendo rodaje en locaciones, cámara en mano y cinematografía de enfoque profundo.
Tiempos Modernos (1936)
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Tiempos Modernos (1936) es una comedia dramática dirigida por Charlie Chaplin. Se considera una de las obras maestras de Chaplin y una de las películas más importantes e influyentes en la historia del cine. La película cuenta la historia de Charlie, un obrero de fábrica en una línea de montaje en una acería. Charlie es un trabajador diligente, pero la línea de montaje es tan rápida que lo vuelve loco. Charlie es despedido de la fábrica y se encuentra vagando por las calles de una ciudad industrial. Encuentra trabajo como vendedor de periódicos, pero incluso este empleo es agotador y mal pagado.
La película explora temas de alienación, explotación y lucha de clases. También es una historia sobre la importancia del amor y la solidaridad. La película está realizada en un estilo de comedia dramática, con un enfoque en la humanidad de los personajes. Chaplin utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de comedia y patetismo, incluyendo gags físicos, pantomima y música.
L’Atalante (1934)
«L’Atalante» es una película de 1934 dirigida por el director francés Jean Vigo. Se considera una de las obras maestras del cine de autor y ha tenido un gran impacto en la historia del cine. La película cuenta la historia de una joven pareja casada, Juliette y Jean, quienes se casan y comienzan su vida juntos a bordo de una barcaza llamada «L’Atalante», navegando por los canales franceses.
«L’Atalante» es un ejemplo de cine poético, caracterizado por una narración onírica y una profunda reflexión sobre la vida y las emociones humanas. Jean Vigo utiliza un enfoque innovador en su dirección, combinando elementos realistas y fantásticos. La película es conocida por sus impresionantes secuencias a bordo del barco, la representación de la vida de los marineros y la retrato de un amor joven y conflictivo.
Desafortunadamente, Jean Vigo murió a los 29 años poco después de la realización de «L’Atalante», y nunca pudo ver su obra reconocida como una obra maestra del cine. Sin embargo, con el paso de los años, la película ha sido revaluada y admirada por críticos y aficionados al cine de todo el mundo, estableciéndose como una obra seminal de la cinematografía. Si tienes la oportunidad, te recomiendo ver «L’Atalante» para sumergirte en su experiencia visual poética y única.
M (1931)
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M (1931) es una película alemana dirigida por Fritz Lang. Narra la historia de un asesino en serie de niños que aterroriza la ciudad de Düsseldorf. La película es considerada uno de los precursores del género noir y ha tenido una influencia significativa en el cine posterior. La historia es simple pero efectiva. Un asesino en serie de niños, apodado «M», comienza a aterrorizar la ciudad de Düsseldorf. La policía es incapaz de detenerlo y la población está en pánico. Un grupo de criminales decide tomar la justicia por su mano y capturar al asesino ellos mismos.
La película está ambientada en la Alemania previa al nazismo, y la historia refleja los miedos e inseguridades de la sociedad alemana de la época. También es una exploración de la naturaleza del mal y la justicia. Una de esas películas emblemáticas —hay muy pocas— que se sitúa en la frontera entre el cine mudo y la era del sonido, pero que aprovecha las virtudes de ambos; la película del asesino en serie arde con una profunda oscuridad visual mientras deleita los oídos con su silbido de «In the Hall of the Mountain King» (interpretado por el propio Lang con los labios fruncidos; su estrella, Peter Lorre, no sabía silbar).
Luces de la ciudad (1931)
Luces de la ciudad (1931) es una comedia dramática muda dirigida por Charlie Chaplin. La película cuenta la historia de un vagabundo que se enamora de una florista ciega. Él decide ayudarla a recuperar la vista, aunque eso signifique sacrificar su propia felicidad.
Luces de la ciudad es considerada una de las mejores películas de Chaplin. Es una historia conmovedora y emotiva que ha sido elogiada por su humor, pathos y comentario social. La película fue un éxito crítico y comercial en su estreno, y ha permanecido popular desde entonces.
Chaplin, reacio a renunciar a las técnicas visuales que había aprendido, insistió en hacer su nueva comedia como una película muda, incluso si los espectadores querían películas sonoras. Como siempre, la estrella tuvo la última risa: no solo la película fue un gran éxito comercial, sino que también terminó con el primer plano más desgarrador en la historia del cine, el culmen de la emoción, sin necesidad de diálogo.
La pasión de Juana de Arco (1928)
La pasión de Giovanna d’Arco (1928), dirigida por Carl Theodor Dreyer, es una película dramática histórica danesa que se considera una de las más importantes e influyentes jamás realizadas. La película es una interpretación realista y conmovedora del proceso y la muerte de Giovanna d’Arco.
La película está hecha en un estilo realista, con un uso mínimo de efectos especiales. Dreyer eligió concentrarse en la interpretación de los actores y la narración de la historia. El director Carl Theodor Dreyer muestra rigor en la ambientación y edición; la película se centra en gran medida en los intercambios entre Juana y sus inquisidores. Realizada al final de la era muda, es un grandioso drama histórico porque estableció nuevos estándares en la actuación cinematográfica, porque anticipó el cine de vanguardia de los años 30. Y por 100 otras razones.
La multitud (1928)
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La multitud (1928), dirigida por King Vidor, es una película estadounidense muda de drama romántico que es ampliamente considerada una de las mejores películas mudas jamás hechas. La película narra la lucha de un joven por alcanzar el Sueño Americano.
La película sigue a John Sims, un joven ambicioso que se muda a la ciudad de Nueva York con su esposa Mary en busca de una vida mejor. John asciende desde un trabajo humilde hasta un puesto bien remunerado, pero nunca parece poder alcanzar la felicidad y el éxito que desea.
La película explora temas como la ambición, la desilusión y la naturaleza del Sueño Americano. También es una historia sobre la importancia de la familia y el amor. La película está hecha en un estilo naturalista, con un enfoque en el realismo y el comentario social. Vidor utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de realismo, incluyendo filmaciones en locación, cámara en mano y cinematografía de enfoque profundo.
Metropolis (1927)
Metropolis (1927) es una película muda alemana de ciencia ficción expresionista dirigida por Fritz Lang. Se considera un hito del cine y es una de las películas más influyentes jamás realizadas.
Metropolis está ambientada en un futuro distópico donde la clase trabajadora labora bajo tierra, mientras que la élite adinerada vive en una lujosa ciudad de rascacielos. La película narra la historia de Freder Fredersen, el hijo del gobernante de la ciudad, quien se enamora de María, una líder obrera. María difunde un mensaje de paz e igualdad, que amenaza el poder de la clase dominante. El hombre de confianza de Fredersen, Rotwang, crea un androide que se parece exactamente a María, con el fin de sembrar discordia entre los trabajadores.
Metropolis fue un éxito comercial y de crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus innovaciones técnicas, sus escenarios y vestuarios altamente estilizados, y su exploración de temas importantes como la clase social, la tecnología y el espíritu humano. La película también fue controvertida por su representación de la clase trabajadora. Algunos críticos acusaron al filme de ser antisocialista y de promover la idea de que la clase trabajadora es ignorante y fácilmente manipulable.
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