100 films incontournables : les chefs-d’œuvre

Lorsqu’il s’agit de définir les chefs-d’œuvre de l’histoire du cinéma, on trouve toutes sortes de classements, destinés à tous les publics et manipulés par le marketing des grandes maisons de production. Des classements qui ont peu ou rien à voir avec l’art du cinéma. Il arrive de voir des films commerciaux inclus dans ces listes au point de se demander si ceux qui les ont rédigées voulaient se moquer des lecteurs ou s’ils croient vraiment que certains films sont de grands chefs-d’œuvre intemporels.

Si vous pensez que Star Wars, Il faut sauver le soldat Ryan, Titanic, Toy Story ou le dernier film du réalisateur intellectuel à la mode ayant remporté un prix à Cannes doivent être inclus parmi les grands chefs-d’œuvre de l’histoire du cinéma, alors arrêtez votre lecture, cet article n’est pas pour vous. Il existe des tonnes de blogs et de magazines qui vous racontent n’importe quoi pour diverses raisons commerciales ou culturelles. L’académie de classe mondiale et autoritaire de Pinco Pallino pourrait aussi inclure Jurassic Park dans la liste.

Si, en revanche, vous souhaitez clarifier et comprendre ce qui dépasse vraiment les modes du moment et vous faire une idée du véritable art cinématographique, du cinéma conçu et pensé pour transcender le temps et l’espace dans lesquels nous vivons, dans la vision de ce qui est compris et perçu comme l’art dans la Tradition millénaire, dont le cinéma est le dernier arrivé, alors cette liste de chefs-d’œuvre cinématographiques est pour vous.

Cinéma indépendant & Pépites cachées

Nous commençons ici, car c’est là que le cinéma est le plus vivant aujourd’hui. Le cinéma indépendant est l’antidote aux blockbusters formatés : ce sont des films libres, audacieux, souvent réalisés avec de petits budgets mais des idées révolutionnaires. Si vous cherchez des « films sous-estimés » ou des voix uniques ignorées par les grandes plateformes, vous êtes au bon endroit. C’est un cinéma pour ceux qui veulent découvrir, pas seulement consommer.

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Nosferatu

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Lorsqu'un jeune agent immobilier, Thomas Hutter, se rend au château pour conclure une affaire, Orlok est attiré par son sang et décide de le suivre jusqu'à sa ville natale. L'arrivée du comte provoque une série de morts mystérieuses et répand la panique parmi les habitants.

Murnau, à travers des images évocatrices et des atmosphères troublantes, crée une œuvre qui va bien au-delà de la simple adaptation du roman de Stoker. Le film explore des thèmes universels tels que la peur de la mort, l'isolement et la perte de l'humanité. La production de Nosferatu a été marquée par certaines difficultés juridiques liées aux droits d'auteur du roman de Bram Stoker. Malgré cela, Murnau et son équipe ont réussi à réaliser un film d'un grand impact visuel. Le choix de Max Schreck pour incarner le comte Orlok fut ingénieux. Son apparence cadavérique et ses mouvements non naturels ont fait du personnage d'Orlok l'un des monstres emblématiques de l'histoire du cinéma. Au fil des années, Nosferatu est devenu un film culte, influençant des générations de cinéastes et devenant une référence du genre horreur. L'image du comte Orlok, avec ses ongles allongés et ses yeux enfoncés, est devenue une icône du cinéma d'horreur.

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Cinéma d’auteur & Essai

Le cinéma d’auteur n’est pas un genre ; c’est un regard. Ici, nous rassemblons les œuvres de grands maîtres et visionnaires qui ont utilisé la caméra comme un stylo. Des films primés dans les grands festivals (Cannes, Venise, Berlin) au cinéma d’art et d’essai le plus rigoureux. Ce sont les « beaux films » qui exigent de l’attention mais récompensent par une expérience artistique profonde et indélébile.

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Films cultes & Films « inoubliables »

Il existe des films qui transcendent la critique et deviennent une religion. Le « film culte » est ce film étrange, excessif ou simplement brillant qui a créé une base de fans dévoués. Qu’ils soient des chefs-d’œuvre reconnus ou des « films de série B » devenus légendes, ce sont ces titres qui ont façonné l’imaginaire collectif. Si vous voulez comprendre la culture pop, vous devez commencer ici.

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Faust

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Horreur, par F. W. Murnau, allemand, 1926.
Faust est un érudit âgé qui a perdu foi en la vie. Il est vaincu par son incapacité à aider les autres et par la conscience de sa propre mortalité. Un jour, il rencontre Méphistophélès, qui lui propose un pacte : en échange de son âme, Méphistophélès lui offrira jeunesse éternelle et pouvoir. Faust accepte le pacte et Méphistophélès l'emmène dans un monde de luxe et de plaisir. Faust tombe amoureux de Gretchen, une jeune femme innocente, mais leur amour est contrecarré par Méphistophélès.

Faust est considéré comme l'un des plus grands films muets jamais réalisés. C'est un film visuellement époustouflant, avec l'utilisation par Murnau d'images expressionnistes et de symbolisme pour créer un monde sombre et atmosphérique. Le film présente également certaines des scènes les plus emblématiques de l'histoire du cinéma, comme la séquence où Faust et Méphistophélès volent sur un tapis magique. En plus de ses mérites artistiques, Faust fut l'un des derniers grands films allemands produits avant la montée des nazis. Le style sombre et expressionniste du film a ensuite influencé des réalisateurs tels qu'Orson Welles et Fritz Lang. C'est un film visuellement saisissant et stimulant qui explore les thèmes de la tentation, de la rédemption et de la condition humaine.

LANGUE : allemand
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, portugais

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Le Cinéma des années 80 (et Décennies d’Or)

La nostalgie est une force puissante. Les années 80 n’étaient pas seulement néons et synthétiseurs, mais une décennie de créativité explosive qui a redéfini le cinéma de genre, de l’horreur à la science-fiction. Dans cette section, nous explorons les classiques de cette époque et d’autres décennies d’or, pour ceux qui souhaitent rattraper les piliers du passé qui nous enseignent encore aujourd’hui comment se fait le divertissement.

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Bardo, fausse chronique d’une poignée de vérités (2022)

Bardo, fausse chronique d’une poignée de vérités est un film mexicain de 2022 réalisé par Alejandro G. Iñárritu. Le film met en vedette Daniel Giménez Cacho dans le rôle d’un célèbre journaliste mexicain qui se prépare à sa mort. Le film a eu sa première mondiale au 78e Festival de Venise le 2 septembre 2022, où il a remporté le Lion d’or.

Le film est un voyage à travers la mémoire et l’identité du protagoniste, qui est confronté à son passé et à son présent. Le film est une exploration de la condition humaine, de la perte et du deuil. Le film a été salué pour sa réalisation, sa cinématographie et ses performances.

Le film a été loué pour sa réalisation, sa cinématographie et ses performances. La mise en scène d’Iñárritu est magistrale. Il crée une atmosphère onirique et surréaliste qui reflète le monde intérieur du protagoniste. La photographie de Rodrigo Prieto est magnifique. Il capture la beauté du Mexique, mais aussi sa cruauté.

Les performances des acteurs sont toutes excellentes. Giménez Cacho est particulièrement remarquable dans le rôle-titre. Il parvient à transmettre la complexité du personnage et sa lutte pour trouver le sens de la vie. Bardo, fausse chronique d’une poignée de vérités est un film puissant et émouvant. C’est un film qui vous marquera longtemps après l’avoir vu.

Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo

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Comédie, drame, historique, par Sadao Yamanaka, Japon, 1935.
Un homme donne une vieille marmite à son frère, sans se rendre compte qu'il y a une carte au trésor à l'intérieur. Sa belle-sœur vend la marmite à un ferrailleur, qui à son tour la vend à un garçon nommé Yasu. Une galerie de personnages hauts en couleur est à la recherche de ce vase, et lorsque le garçon s'enfuit après avoir été grondé par Ogino, tout le monde se lance à sa poursuite.

Il ne reste que trois œuvres réalisées dans la courte mais très riche vie artistique de Sadao Yamanaka, qui est mort avant même d'avoir trente ans en Mandchourie en 1938. Parmi elles se trouve La Marmite du million de ryos, où le jeune talent de la réalisation affronte un personnage emblématique du jidaigeki, Tange Sazen, un épéiste borgne et manchot. En abordant une histoire apparemment canonique de front, Yamanaka opte pour un regard complètement personnel, tant dans l'usage de la parodie que dans la mise en scène où les plans larges et la caméra fixe dominent malgré les gros plans qui encombraient habituellement les films de la saga. Le réalisateur japonais Akira Kurosawa a cité ce film comme l'un de ses 100 films préférés. De nombreux critiques et réalisateurs japonais le considèrent comme le meilleur film japonais de tous les temps.

LANGUE : japonais
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Isle of Dogs (2018)

Isle of Dogs est un film d’animation en stop-motion de 2018 réalisé par Wes Anderson. Le film se déroule dans un futur dystopique où le maire de Megasaki City, au Japon, a déclaré que tous les chiens sont malades et les a exilés dans une décharge sur l’Île aux Chiens.

L’histoire suit un garçon de douze ans nommé Atari Kobayashi, le neveu du maire, qui s’aventure sur l’Île aux Chiens à la recherche de son chien de compagnie, Spots. Là, il rencontre un groupe de chiens errants qui l’aident dans sa quête. La bande canine comprend le chef, Rex, le berger allemand ; Boss, le bouledogue américain ; Duke, le chien errant ; King, le chien qui fut autrefois chef de cirque ; et Chief, le chien errant solitaire.

Le film se distingue par son esthétique unique et sa bande sonore, qui intègre des éléments de la culture japonaise et de l’orchestre traditionnel japonais taiko. Le casting vocal comprend des noms tels que Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton et Yoko Ono.

Le film a généralement été bien accueilli par la critique et a remporté l’Ours d’argent du meilleur réalisateur au Festival de Berlin 2018. Cependant, il a également été critiqué pour sa représentation de la culture japonaise et son utilisation de stéréotypes culturels.

Suspiria (2018)

Suspiria est un film de 2018 réalisé par Luca Guadagnino, un réalisateur italien connu pour des œuvres telles que « Call Me by Your Name » et « I Am Love ». Il s’agit d’un remake du film d’horreur de 1977 du même nom réalisé par Dario Argento. Le film est une réinterprétation moderne qui s’écarte considérablement de l’original, tant en termes d’intrigue que de style.

Suspiria se déroule dans le Berlin de 1977 et suit la jeune danseuse américaine Susie Bannion (interprétée par Dakota Johnson) qui rejoint une prestigieuse école de danse dirigée par Madame Blanc (interprétée par Tilda Swinton). Rapidement, Susie découvre que l’école est remplie de mystères, de secrets sombres et de forces surnaturelles. Pendant son séjour, des meurtres suspectés et des disparitions commencent à émerger, conduisant Susie à une vérité choquante sur son école et ses professeurs.

Contrairement à l’original, qui mettait fortement l’accent sur son esthétique colorée et expérimentale, Guadagnino a créé une atmosphère très différente dans son « Suspiria ». Le film se caractérise par un ton plus sombre, gris et oppressant, avec des scènes de danse élaborées et spectaculaires entrelacées de séquences troublantes et viscérales. La bande sonore, composée par Thom Yorke de Radiohead, contribue à l’atmosphère inquiétante et étrange.

Performances : Le casting du film est mené par Dakota Johnson, Tilda Swinton et Mia Goth, et tous livrent des performances impressionnantes. Tilda Swinton mérite une mention spéciale car elle joue non seulement Madame Blanc mais aussi d’autres personnages, y compris un personnage masculin non crédité dans le générique.

Sunrise: A Song of Two Humans

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Drame, romance, noir, par Friedrich Wilhelm Murnau, États-Unis, 1927
Une femme de la grande ville en vacances (Margaret Livingston) séjourne dans une petite ville au bord d’un lac. Après la tombée de la nuit, elle se rend dans une ferme où un homme (George O'Brien) et sa femme (Janet Gaynor) s’occupent de leur enfant. Elle appelle l’homme depuis la clôture à l’extérieur. L’homme est indécis, mais finit par s’éloigner, laissant sa femme seule. L’homme et la femme se retrouvent au clair de lune et s’embrassent passionnément. Elle veut qu’il vende sa ferme pour partir avec elle en ville. Lorsqu’elle suggère qu’il résolve son problème de femme en la noyant, il tente de l’étrangler violemment, mais change ensuite complètement d’attitude envers elle. Lorsque l’homme et sa femme partent pour une excursion en bateau sur le lac, il se prépare à la jeter à l’eau. Mais lorsqu’elle implore sa pitié, il réalise qu’il ne peut pas le faire. L’homme rame frénétiquement vers la rive, et lorsque le bateau arrive à terre, sa femme s’enfuit en panique.

Sunrise : Chanson de deux humains, réalisé par le réalisateur allemand FW Murnau dans son premier film américain, est basé sur la nouvelle de Carl Mayer « L’Excursion à Tilsit », publiée en 1917.
Murnau a choisi d’utiliser le nouveau système sonore Fox Movietone, faisant d’Aurora l’un des tout premiers longs métrages avec une bande sonore synchronisée et des effets sonores. Janet Gaynor a remporté le premier Oscar de la meilleure actrice pour son rôle dans le film. Le film est aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre, parmi les meilleurs films jamais réalisés. Beaucoup l’ont qualifié de plus grand film de l’ère du cinéma muet. Murnau, maître du cinéma expressionniste, a été invité par William Fox à réaliser un film expressionniste à Hollywood. Le langage et la photographie du film sont révolutionnaires : plans-séquences élégants, longues séquences d’action pure sans dialogue dans le style signature de Murnau. Les personnages restent anonymes, créant la perception d’une histoire universelle.

LANGUE : anglais
SOUS-T

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Histoire de fantôme sicilienne (2017)

Histoire de fantôme sicilienne est un film de 2017 réalisé par Fabio Grassadonia et Antonio Piazza. Le film s’inspire d’une histoire vraie survenue en Sicile dans les années 90. Il mêle des éléments de cinéma fantastique et de drame social, racontant l’histoire d’un amour entre deux jeunes : Luna, une fille de 13 ans, et Giuseppe, un garçon du même âge qui a mystérieusement disparu à cause de la mafia.

Le film explore des thèmes tels que la violence du crime organisé, l’innocence des enfants et le pouvoir de l’amour. La narration se déploie à travers une fusion entre réalisme magique et métaphores visuelles, offrant une perspective unique sur les conséquences d’une époque marquée par le crime et la corruption.

Le film a été salué par la critique pour sa profondeur émotionnelle et son message, ainsi que pour la maîtrise technique et visuelle des cinéastes. À notre avis, c’est l’un des meilleurs films de mafia jamais réalisés, une œuvre d’art de grande valeur méconnue des circuits grand public.

Holy Motors (2012)

Un homme mystérieux monte dans une limousine blanche pour une série de rendez-vous surréalistes à travers Paris, se transformant en divers personnages — du mendiant à l’assassin, du père à la bête. Chaque vignette se déploie dans une odyssée onirique à travers l’identité, la performance et les absurdités de l’existence.

L’audacieuse odyssée d’art et essai de Leos Carax réinvente la forme cinématographique, portée par les incarnations caméléonesques de Denis Lavant qui animent un carnaval de métamorphoses. Il pleure la mort du film analogique tout en célébrant les frontières sauvages de l’imagination, mêlant beauté, horreur et fantaisie. Ce triomphe indépendant défie les normes narratives, affirmant la magie transformative du cinéma à l’ère de la conformité numérique.

Le Cheval de Turin (2011)

Inspiré par la rencontre de Nietzsche avec un cheval, ce récit austère suit un paysan, sa fille et leur cheval affrontant des vents incessants et des ressources qui s’amenuisent dans l’isolement. Les rituels quotidiens de survie s’effritent sous des présages apocalyptiques, dépeignant la confrontation brute de l’humanité avec le destin.

Le dernier opus de Béla Tarr, co-réalisé avec Ágnes Hranitzki, distille l’existence en longs plans austères en noir et blanc et la partition obsédante de Mihály Víg. Sa rigueur ascétique explore les limites de l’endurance, évoquant des forces primales sans sentimentalisme. Sommet du cinéma d’art et essai, il impose une immersion hypnotique, récompensant la contemplation de la mortalité et de la résilience dans la vision la plus intransigeante du cinéma d’auteur.

Vampyr

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Horror, by Carl Theodor Dreyer, Germany, 1932.
Late in the evening, Allan Gray arrives at an inn near the town of Courtempierre and rents a room to sleep. Gray is suddenly disturbed by an old man, who enters the room and leaves a square package on the table: "To be opened on my death" is written on the wrapping paper. Gray takes the package and heads to an old castle where he sees an old woman and meets another old man. Looking through one of the windows, Gray sees the owner of the castle, the same man who gave him the package. The man is suddenly killed by a gunshot.

Carl Theodor Dreyer's Vampyr is made in the transition years between sound and silent cinema, using the visual language of the former to bring the horror genre into the new era. In Vampyr reigns a constant feeling of anguish, a nightmarish state of mind and invisible presences that lurk in every corner. Rudolph Maté's photography records every subtlety of light and shadow in a captivating dance. By now iconic shots, such as that of a man with a scythe ringing a bell and the sign of an inn silhouetted against a dark sky. Anthology scenes like the one in which Allan dreams of being buried alive by the vampire's henchmen, in which Dreyer uses a claustrophobic subjective view that makes the viewer "enter" the coffin. Just as in his previous film, The Passion of Joan of Arc from 1928, Dreyer uses intense close-ups to underscore the fears his characters encounter. Darkness plays an important role: the shadows move independently of their bodies and the forces of evil violate the rules of physics. Vampyr is a remarkable exploration of the boundaries between light and dark, fate and shadows, night and day. One of the masterpieces in the history of cinema that cannot be missed.

LANGUAGE: German
SUBTITLES: English, Spanish, French, Portuguese

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Copie Conforme (2010)

Dans un village toscan, une antiquaire française engage un auteur britannique dans un débat sur l’authenticité de l’art lors d’une séance de dédicace. Leur conversation d’une journée brouille les frontières entre réalité et jeu de rôle, évoluant en une exploration intime de l’amour, de l’imitation et de la connexion humaine.

Le méta-drama ingénieux d’Abbas Kiarostami déconstruit la perception et les relations à travers la performance magistrale de Juliette Binoche face à William Shimell. Passant sans effort de la fiction à l’authenticité, il interroge l’essence de l’originalité dans l’art et la romance. Ce joyau indépendant illustre la précision d’auteur, récompensant les visionnages répétés par des couches de nuances philosophiques et de profondeur émotionnelle.

No Country for Old Men (2007)

No Country for Old Men est un film adapté du roman éponyme de Cormac McCarthy. C’est un thriller néo-western qui suit l’histoire de Llewelyn Moss, un chasseur qui trouve une mallette pleine d’argent après une fusillade entre trafiquants de drogue dans le désert du Texas. Cet acte déclenchera une série d’événements violents, incluant la poursuite implacable d’Anton Chigurh, un tueur impitoyable, et la tentative du vieux shérif Ed Tom Bell de stopper une violence qui semble inexplicable et insensée.

Le film a rencontré un immense succès et a remporté quatre Oscars, dont celui du Meilleur Film, Meilleur Réalisateur et Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour la performance exceptionnelle de Javier Bardem dans le rôle d’Anton Chigurh. C’est un film acclamé par la critique, connu pour sa tension, son style visuel distinctif et les performances impeccables de la distribution.

Oldboy (2003)

Probablement le meilleur film d’horreur coréen de tous les temps, un thriller de vengeance de 2003 réalisé par Park Chan-wook, « Oldboy ». Oh Dae-su (Choi Min-sik) a été emprisonné dans un petit appartement sans fenêtres pendant 15 ans. Il n’a aucune idée de qui l’a fait ni pourquoi. Un jour, il est libéré et commence la recherche de ceux qui ont ruiné sa vie afin de se venger. En chemin, Dae-su tombe amoureux d’une femme, ce qui rend la vengeance difficile à accomplir.

C’est un film plein de rebondissements, de conspirations et de mensonges ; quand vous pensez comprendre où le film va, Park renverse vos attentes. Park est un réalisateur exceptionnellement doué et capture la subtilité et la complexité de la vengeance, un style qu’il développe dans le reste de sa Trilogie de la Vengeance, qui comprend « Sympathy for Mr. Vengeance » et « Lady Vengeance ».

Le Pianiste (2002)

En septembre 1939, Władysław Szpilman, un pianiste juif polonais, jouait en direct à la radio de Varsovie lors de l’invasion nazie de la Pologne. Espérant un succès rapide, Szpilman se réjouit avec sa famille dans la maison lorsqu’il apprend que la Grande-Bretagne et même la France ont déclaré la guerre à l’Allemagne, mais l’aide garantie ne vient pas.

Les combats ont duré un peu plus d’un mois, avec les forces armées allemandes et soviétiques envahissant simultanément la Pologne sur plusieurs fronts. Varsovie rejoint le gouvernement général contrôlé par les nazis. Les Juifs sont bientôt empêchés de travailler ou de posséder des entreprises et sont également forcés de porter des bracelets bleus avec l’étoile de David.

Un drame historique produit par la France, le Royaume-Uni, l’Allemagne et la Pologne. Le Pianiste a été présenté en première au Festival de Cannes 2002 le 24 mai 2002, où il a remporté la Palme d’Or, et a été lancé à grande échelle en septembre ; le film a reçu un large et important éloge, les critiques de cinéma saluant la réalisation de Polanski, la performance de Brody et le scénario de Harwood. Lors de la 75e cérémonie des Oscars, le film a remporté le prix du Meilleur Réalisateur (Polanski), du Meilleur Scénario Adapté (Harwood) et du Meilleur Acteur (Brody), et a été nommé dans 4 autres catégories, dont Meilleur Film.

Battleship Potemkin

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Drame, guerre, par Sergej Eisenstein, Russie, 1925.
La révolte des marins du cuirassé Potemkine et des citoyens d'Odessa contre la police impitoyable du tsar, qui réagit par des représailles et commet un massacre. Sergej Eisenstein réalise un film commandé par Goskino, l'office de la cinématographie et de la production cinématographique en Union soviétique. C'est un film de "propagande" pour la célébration de la révolution de 1905, mais Eisenstein en fait une œuvre expérimentale et grandiose, destinée à changer à jamais l'histoire du cinéma et du montage.

Sujet de réflexion
La révolution voit les choses en termes politiques, elle suppose que pour transformer l'homme, la structure de la société doit être changée. Mais aucune révolution n'a jamais réussi à transformer l'homme. Le révolutionnaire veut changer la société, le gouvernement, la bureaucratie, les lois, le système politique. Toutes les révolutions ont toujours échoué misérablement, et l'homme est toujours resté le même. Ce ne sont pas des révolutionnaires qu'il faut pour changer le monde, mais des rebelles.

LANGUE : Russe
SOUS-TITRES : Anglais, Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Mulholland Drive (2001)

Betty est surprise de découvrir une femme souffrant d’amnésie qui se fait appeler « Rita » après avoir vu une affiche du film Gilda avec Rita Hayworth. Pour aider la femme à se souvenir de son identité, Betty fouille dans le sac à main de Rita, où elle découvre une grande somme d’argent ainsi qu’un secret bleu inhabituel.

Vous pouvez voir Mulholland Drive, sans doute l’un des meilleurs thrillers psychologiques et parmi les films les plus significatifs du nouveau siècle, cent fois et toujours en retirer quelque chose de différent à chaque visionnage. Le mal de tête extravagant de Los Angeles de David Lynch est rempli de secret, de peur et même d’une sensualité troublante, des thèmes qui avaient longtemps été une constante dans l’œuvre de l’auteur, mais qui atteignent ici leur apothéose inévitable.

Le Voyage de Chihiro (2001)

Il s’agit d’un film d’animation japonais de 2001 réalisé par le légendaire réalisateur Hayao Miyazaki et produit par le Studio Ghibli. Le film suit les aventures de Chihiro, une jeune fille qui se retrouve piégée dans un monde surnaturel après que ses parents ont été transformés en cochons par une malédiction.

Chihiro doit essayer de sauver ses parents et de trouver un chemin pour rentrer chez elle, mais pour cela elle devra surmonter une série de défis et rencontrer une variété de personnages étranges et merveilleux, dont l’esprit de la rivière Haku et la mystérieuse sorcière Yubaba.

L’un des aspects les plus fascinants du film est son monde fantastique surréaliste, rempli de créatures étranges et merveilleuses, telles que des dragons, des esprits de la nature et d’autres êtres magiques. L’animation est incroyablement détaillée et les visuels sont riches en couleurs vives et en détails qui font du monde du Voyage de Chihiro un lieu à couper le souffle et enchanteur.

Le film aborde également des thèmes importants tels que l’importance de la famille, la force intérieure et la valeur de l’humanité, le tout enveloppé dans une histoire fantastique et captivante qui a été saluée par la critique et le public du monde entier. Le film a remporté de nombreux prix, dont l’Oscar du meilleur film d’animation en 2003, et est considéré comme l’un des meilleurs films d’animation de tous les temps.

Terreur sur la ligne (1991)

Martin Scorsese et Robert De Niro ont peut-être atteint leur apogée dans le thriller psychologique avec l’épique Taxi Driver en 1976, cependant le film d’horreur des années 90 Terreur sur la ligne est un autre film incontournable. En tant que Max Cady, un violeur psychopathe, De Niro fomente une vengeance contre son ancien avocat Sam Bowden (Nick Nolte) pour avoir caché des preuves qui auraient pu l’acquitter.

Cady envahit chaque aspect de la vie de Bowden comme une ombre épaisse qui couvre sa famille et son travail dans une spirale inévitable de meurtre et de cruauté. Cady séduit comme un serpent, envoûtant ses victimes, et se transforme en monstre psychopathe qui frappe la famille Bowden lors d’une tempête torrentielle. L’imprévisibilité et le sadisme de Cady font de Terreur sur la ligne un film absolument superbe dans son genre.

Goodfellas (1990)

Goodfellas est un film policier biographique américain de 1990 réalisé par Martin Scorsese et écrit par Scorsese et Nicholas Pileggi, basé sur le livre Wiseguy de Pileggi, qui retrace la vie du mafieux Henry Hill.

Le film raconte l’histoire de Hill, un jeune Italo-Américain qui grandit à Brooklyn dans les années 1950. Hill est fasciné par le monde du crime organisé, et il commence à travailler pour Paulie Cicero, un chef de la mafia locale. Hill gravit rapidement les échelons et devient ami avec Jimmy Conway et Tommy DeVito, deux gangsters impitoyables.

Les trois amis vivent une vie de luxe et de crime, mais leur amitié commence à vaciller lorsque Tommy devient de plus en plus violent et instable. Hill, quant à lui, commence à regretter sa vie de gangster, mais il est trop tard pour faire marche arrière.

Trois décennies plus tard, c’est toujours une pure adrénaline cinématographique : l’opéra gangster de Martin Scorsese est un épitaphe magnifiquement exécuté pour des héros qui se révèlent avoir des pieds d’argile et des mains ensanglantées. Il est célèbre pour beaucoup de choses : le mythique Copacabana, les mille moments d’agonie, la mort de Billy Batts, les cols de chemise de Joe Pesci, et plus encore… mais s’il n’y a qu’une seule raison pour laquelle il est un favori de tous, c’est certainement la mésaventure de l’anti-héros d’Ray Liotta, Henry Hill.

They Live (1988)

« They Live » est un film d’horreur des années 1980 réalisé par John Carpenter. Le film se déroule dans un Los Angeles dystopique, où des extraterrestres ont pris la forme d’humains et contrôlent secrètement la société.

Le protagoniste du film est Nada, un homme au chômage qui se retrouve à vivre dans la rue. Un jour, Nada trouve une paire de lunettes de soleil noires qui lui permettent de voir la réalité telle qu’elle est vraiment : les extraterrestres sont en réalité des créatures monstrueuses qui contrôlent l’esprit des gens par des messages subliminaux transmis par la télévision et la publicité.

Stupéfait par cette révélation, Nada se lance dans une lutte acharnée pour libérer l’humanité du contrôle des extraterrestres. Un des films cultes du genre extraterrestre.

A Page Of Madness

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Drame, horreur, par Teinosuke Kinugasa, Japon, 1926.
Une page de folie est un film indépendant tourné avec un budget quasi inexistant puis perdu pendant quarante-cinq ans. Heureusement, le réalisateur l'a redécouvert dans ses archives en 1971. C'est un film réalisé par un groupe d'artistes avant-gardistes japonais, l'École des nouvelles perceptions. Un mouvement dont l'objectif était de dépasser la représentation naturaliste. Dans un asile de campagne, sous une pluie torrentielle, le gardien rencontre des patients atteints de troubles mentaux. Le lendemain, une jeune femme arrive, surprise de trouver son père là, qui travaille comme gardien. La mère de la femme est devenue folle à cause de son mari lorsqu'elle était marin. Le mari a décidé de changer de métier pour rester proche de sa femme à l'asile et s'occuper d'elle. Sa fille dit à son père qu'elle va bientôt se marier, mais le père s'inquiète car il craint, selon les rumeurs populaires de l'époque, que la maladie mentale de la mère soit héréditaire. Si le jeune marié et sa famille découvraient la folie de sa mère, le mariage tomberait à l'eau. Le gardien essaie de s'occuper de sa femme pendant son travail alors qu'elle se fait battre par d'autres pensionnaires, mais cela interfère avec son rôle et il est réprimandé par le directeur de l'asile. Peu à peu, le gardien perd le contact avec la réalité et ses frontières avec le rêve. Il commence à rêvasser de gagner à la loterie lorsque sa fille le revoit pour lui dire que son mariage est en difficulté. L'homme pense à sortir sa femme de l'asile pour cacher son existence et résoudre tous les problèmes. Teinosuke Kinugasa est le réalisateur de certains des meilleurs films japonais des années 1920. Une page de folie a été comparé aux grands films expressionnistes allemands. C'est un film expérimental, d'avant-garde extrême, qui semble anticiper les atmosphères et les thèmes qui rendraient David Lynch célèbre de nombreuses années plus tard. Cauchemars, distorsions, flous, doubles expositions et déformations photographiques : un film qui explore les limites les plus lointaines de l'image animée. Puis il y a ces

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Stand By Me (1986)

L’auteur Gordie Lachance lit un article de presse sur une agression mortelle au couteau. Il se remémore un événement de jeunesse lorsqu’il, son ami Chris Chambers, et deux autres amis, Teddy Duchamp et Vern Tessio, ont voyagé pour découvrir le corps d’un garçon disparu près de la communauté de Castle Rock, Oregon, lors du week-end de la fête du Travail. Un jour de septembre 1959.

Pour beaucoup de personnes nées dans les années 70 ou 60, Stand By Me est le film culte des années 80 qui a réuni cinéphiles et spectateurs ordinaires. Il figure certainement parmi les meilleurs films des années 1980. Le film possède une beauté et une profondeur qui semblent résonner avec chaque génération. Un sentiment intense et engageant de nostalgie juvénile qui devient une réflexion profonde sur le sens de la vie humaine.

Stand by me est un chef-d’œuvre intemporel avec un public fidèle qui le célèbre chaque année, un incontournable des souvenirs des plus jeunes pour le passage initiatique entre les années de l’enfance et de l’âge adulte, un film rare qui ne cesse de s’améliorer avec le temps.

Il était une fois en Amérique (1984)

Il était une fois en Amérique (1984) est un film épique de gangster réalisé par Sergio Leone et mettant en vedette Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci, et Diane Keaton. Le film est basé sur le roman autobiographique de 1952 du même nom de Harry Grey (The Hoods en anglais).

Il était une fois en Amérique est considéré comme l’un des plus grands films de tous les temps. Le film a été salué pour sa réalisation, son scénario, sa cinématographie, ses performances et sa bande sonore.

Peut-être plus encore. Tout d’abord, le film de Leone dure 4 heures. Il est rarement diffusé dans sa forme originale, et même les producteurs du film pensaient qu’il était trop long pour que le public le regarde en entier.

La version originale de Leone pour le film était deux films de 180 minutes qui devaient être projetés sur deux jours consécutifs. Après la sortie initiale, le réalisateur a prévu de changer les deux parties en une seule version de quatre heures et 29 minutes. Un film à regarder sur l’amitié virile et le passage du temps, pour entrer dans la dimension mythique, typique des films de Sergio Leone.

Paris, Texas (1984)

Un vagabond muet nommé Travis émerge du désert, retrouvant son frère au Texas. Alors que les souvenirs refont surface, il entreprend un voyage pour retrouver sa femme éloignée et son jeune fils, dévoilant une histoire de perte, de rédemption et de liens familiaux fracturés à travers le Sud-Ouest américain.

Le poignant néo-western de Wim Wenders mêle habilement la sensibilité européenne d’art et essai à l’immensité américaine, mettant en valeur les visuels évocateurs du directeur de la photographie Robby Müller. La performance stoïque de Harry Dean Stanton ancre une étude intime de l’aliénation et de la réconciliation. Son dialogue minimaliste et sa bande sonore imprégnée de blues l’élèvent au sommet du cinéma indépendant, capturant la douleur silencieuse des regrets tus.

Fanny et Alexandre (1982)

Fanny et Alexandre (titre original : « Fanny och Alexander ») est un film de 1982 écrit et réalisé par le célèbre réalisateur suédois Ingmar Bergman. C’est l’une des œuvres les plus connues et les plus acclamées de Bergman et est considérée comme l’un de ses chefs-d’œuvre.

Le film se déroule au début du XXe siècle en Suède et raconte l’histoire de deux frères et sœurs, Fanny et Alexander, qui appartiennent à une famille d’acteurs et vivent dans un environnement théâtral. L’intrigue se développe autour des expériences de vie des deux enfants, qui traversent des moments de joie et de bonheur, mais aussi des périodes de tristesse et de difficulté.

La famille de Fanny et Alexander est composée de personnages complexes et multifacettes, y compris le beau-père de Fanny et Alexander, l’évêque cruel et manipulateur Vergérus, joué par Jan Malmsjö, qui représente une figure sombre et autoritaire dans la vie des enfants.

Le film explore des thèmes profonds et universels tels que l’enfance, la famille, l’amour, la spiritualité, la mort et la dimension magique et surréaliste de la vie. Bergman emploie une esthétique visuelle et narrative extraordinairement riche et captivante, avec un souci du détail scénique et des dialogues intenses.

Fanny et Alexandre a rencontré un grand succès international, remportant quatre Oscars, dont celui du meilleur film en langue étrangère. Le film a également suscité l’admiration critique et commerciale, consolidant le prestige d’Ingmar Bergman en tant que l’un des réalisateurs les plus influents de l’histoire du cinéma.

Blade Runner (1982)

En novembre 2019 à Los Angeles, l’ancien policier Rick Deckard est arrêté par l’officier Gaff et emmené par son ancien supérieur, Bryant. Deckard, dont le travail de « blade runner » consistait à traquer des humanoïdes bio-ingénierés et à les « retirer » de manière définitive, est informé que 4 réplicants se trouvent illégalement sur Terre. Les deux regardent une vidéo d’un blade runner nommé Holden effectuant le test Voight-Kampff, qui sert à différencier les réplicants des humains en fonction de leurs réactions.

Ridley Scott offre une vision d’un futur dystopique qui est l’un des films de science-fiction les plus élégants jamais réalisés. Avec une esthétique visuelle inspirée du film noir et une bande sonore envoûtante signée Vangelis (une grande influence sur Prince), Blade Runner est iconique non seulement pour son esthétique marquante de son époque, mais aussi pour sa réflexion philosophique profonde sur ce que signifie être humain.

Beaucoup ont tenté de reproduire le décor époustouflant du film, mais ces rues baignées de pluie et ces paysages désolés offrent quelque chose d’unique.

Zero for Conduct

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Comedy, by Jean Vigo, France, 1933.
The holidays are over and it's time for the kids to return to the terrible boarding school, run by obtuse and conformist tutors, unable to encourage the growth of any spirit of freedom and creativity. The only thing these austere professors are capable of is assigning a "zero" for conduct. But the boys decide to rebel with the complicity of the new supervisor, Huguet, different from all the others. Thus a real revolution is unleashed. Jean Vigo describes the children's yearning for freedom with audacity and a subversive spirit, with a ruthless critique of the scholastic institution, which closely resembles certain memorable sequences from Fellini's cinema. Perhaps the Italian filmmaker had seen the Vigo film? It seems very, very likely. The film was banned by French censorship and did not have a public screening until 1945.

Food for thought
The conditioning of the family, the school and the mass media are probably the main causes of the existential failure of millions of people. They are unidentified enemies, from which it is difficult to defend oneself, which cause the loss of self-esteem and the creativity necessary to achieve ambitious goals. Social, cultural and religious conditioning are a fundamental theme in the life of every human being, and one of the main topics of the filmographies of masters of cinema such as Fellini, Truffaut, and many others.

LANGUAGE: French
SUBTITLES: English, Spanish, German, Portuguese

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Apocalypse Now (1979)

Pendant la guerre du Vietnam, le colonel des forces spéciales de l’armée américaine Walter E. Kurtz est devenu fou et mène une guerre de guérilla impitoyable contre les forces NVA et PLAF sans le consentement de ses supérieurs. Dans un avant-poste au Cambodge, il commande des troupes américaines qui le considèrent comme un demi-dieu. L’agent brûlé du MACV-SOG, le capitaine Benjamin L. Willard, est mobilisé au quartier général de la I Field Force à Nha Trang.

Sa mission est «mettre fin au commandement de Kurtz. La guerre du Vietnam est implacable alors que Martin Sheen tente d’éliminer le colonel renégat Marlon Brando. En chemin, il y a des recherches, un raid fantastique en hélicoptère, l’odeur du napalm, des tigres et des playmates de Playboy, jusqu’à ce que Sheen descende du bateau.

Alien (1979)

Le vaisseau spatial Nostromo revient sur Terre avec une équipe de sept personnes tendues : le capitaine Dallas, l’officier exécutif Kane, l’officier de garantie Ripley, la navigatrice Lambert, l’officier scientifique Ash, les concepteurs Parker et même Brett. En détectant une transmission provenant d’une lune proche, l’ordinateur du vaisseau, la Mère, met le personnel sur les nerfs. Ripley découvre le contenu de la transmission, l’identifiant comme un avertissement, mais ne peut pas communiquer l’information à ceux qui se trouvent sur le vaisseau abandonné.

Si Alien s’était contenté d’introduire une franchise centrée sur la survivante Sigourney Weaver, la norme de Ridley Scott en matière d’horreur de science-fiction claustrophobique serait déjà gravée dans le canon cinématographique. Pourtant, Alien devient une œuvre d’art subversive. Les effets spéciaux et la créature à double mâchoire de HR Giger, une vision horrifiante, constituent l’une des pièces les plus extraordinaires de pure maîtrise artisanale au cinéma. Un des films incontournables du cinéma de science-fiction.

Stalker (1979)

Dans une Zone désolée et mystérieuse où les souhaits sont censés se réaliser, un écrivain désabusé, un scientifique et leur guide énigmatique connu sous le nom de Stalker s’aventurent en territoire interdit. Leur voyage met à l’épreuve les limites de la foi, du désir et des capacités humaines au milieu de paysages étranges et d’une tension psychologique.

Le chef-d’œuvre méditatif de Tarkovsky transcende la science-fiction conventionnelle, utilisant la Zone comme une toile métaphysique pour explorer le désespoir existentiel et le désir spirituel. Ses plans longs hypnotiques et sa profondeur philosophique créent une expérience sensorielle profonde, invitant les spectateurs à affronter les vides intérieurs. Révéré pour ses images poétiques et son rythme non précipité, il incarne le pouvoir du cinéma d’auteur à sonder les mystères de l’âme au-delà du spectacle narratif.

Cet obscur objet du désir (1977)

Un amour parfois terrible et même inutile entre Mathieu (Fernando Rey), un Français riche d’âge moyen, et une jeune danseuse de flamenco pauvre de Séville, Conchita, interprétée par Carole Bouquet et aussi Ángela Molina. Les deux actrices apparaissent chacune de manière inattendue dans des scènes séparées et varient non seulement physiquement, mais aussi tempéramentale.

La majeure partie du film est un flashback raconté par Mathieu. Le film s’ouvre sur Mathieu passant en train de Séville à Paris. Il essaie de prendre ses distances avec sa jeune petite amie Conchita. Alors que le train de Mathieu s’apprête à partir, il découvre que Conchita le poursuit. Depuis le train, il lui jette de l’eau sur la tête, l’humiliant. Elle croit que cela va la décourager, mais elle insiste et monte à bord.

Basé sur le roman de 1898 La Femme et le Pantin de Pierre Louÿs. Ce fut le dernier effort de réalisation de Luis Buñuel avant sa mort en juillet 1983. Situé en Espagne et en France sur fond d’insurrection terroriste, le film raconte avec un style surréaliste l’histoire à travers une série de flashbacks d’un vieil homme français, Mathieu (interprété par Fernando Rey), qui relate la passion amoureuse d’une belle jeune Espagnole, Conchita (interprétée alternativement par deux actrices, Carole Bouquet et Ángela Molina), qui frustrera à plusieurs reprises ses désirs sexuels et romantiques.

Taxi Driver (1976)

Travis Bickle est un vétéran de la guerre du Vietnam de 26 ans qui lutte contre un traumatisme psychique. Il vit seul à New York. Travis prend un emploi de chauffeur de taxi de nuit pour gérer son insomnie persistante et son isolement. Il fréquente souvent les cinémas pornographiques de la 42e rue et tient également un journal dans lequel il essaie consciemment d’écrire ses pensées. Il se rebelle contre l’activité criminelle et la dégénérescence de la ville dont il est témoin, tout en fantasmant de nettoyer les rues du crime.

Un voyage dans un New York disparu et un portrait d’un homme torturé, Taxi Driver est au sommet des films d’art et essai qui ont caractérisé le New Hollywood des années 70. La vision de Martin Scorsese est chargée d’une atmosphère agitée, suspendue entre drame et noir, et même le scénario du film de Paul Schrader explore les profondeurs de l’âme humaine, magnifiquement incarnées par l’interprétation mémorable de Robert De Niro.

Tokyo Story

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Drame, de Yasujirô Ozu, Japon, 1953.
Shukichi et Tomi, proches de soixante-dix ans, font un voyage à Tokyo pour rendre visite à leurs enfants avant qu'il ne soit trop tard. À leur arrivée en ville, cependant, l'accueil n'est pas celui qu'ils attendaient : le fils aîné Koichi et sa sœur Shige ont trop d'engagements professionnels et semblent considérer la visite des parents âgés plus comme une nuisance que comme une joie. Seule Noriko, veuve du deuxième fils Shoji depuis huit ans, montre une affection sincère pour les anciens beaux-parents, malgré l'absence de lien de sang qui les unit. L'un des films les plus importants de l'histoire du cinéma, il s'ouvre sur un départ et se termine par un adieu, comme beaucoup d'autres films de la maturité d'Ozu. Le réalisateur japonais raconte une histoire simple avec les thèmes principaux de sa filmographie, parvenant à créer un chef-d'œuvre. Conflit générationnel et changement dans la société, rythmes, gestes, actions quotidiennes. Une apologie morale intemporelle, comme les cycles avec lesquels les saisons se répètent.

Sujet de réflexion
À mesure que les parents vieillissent et deviennent fragiles, les enfants dévoués au travail, aux divertissements éphémères de la modernité, ne s'intéressent pas à eux, les plaçant peut-être définitivement dans un hospice et se vantant de payer une place dans une structure de haut niveau. Alors que la joute de la vie matérielle continue, la mémoire collective et les réalisations de l'esprit de l'âge de la sagesse se perdent à jamais.

LANGUE : japonais
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) est un film dramatique réalisé par Chantal Akerman. Le film raconte l’histoire de Jeanne Dielman, une veuve belge qui vit avec son fils adolescent dans un petit appartement à Bruxelles. Jeanne est une femme ordonnée et méthodique qui s’occupe de son fils et gagne sa vie comme prostituée.

Ce n’est pas seulement un film d’art et essai, mais une fenêtre sur une condition universelle, représentée dans un style structuraliste. En nous plongeant dans la routine, Akerman et l’actrice Delphine Seyrig créent une extraordinaire empathie rarement égalée par d’autres films. Jeanne Dielman représente un engagement total dans la vie d’une femme, heure par heure, minute par minute.

Vol au-dessus d’un nid de coucou (1975)

Ce film sur l’asile et la folie est basé sur le livre éponyme de 1962 de Ken Kesey, et fait partie des seuls 3 films dans l’histoire d’Hollywood à avoir remporté les 5 Oscars majeurs pour le Meilleur Film, le Meilleur Réalisateur, le Meilleur Scénario, la Meilleure Actrice et le Meilleur Acteur. Vol au-dessus d’un nid de coucou est basé sur un livre de Ken Kesey qui utilise les abus psychiatriques comme métaphore de la brutalité de l’État.

À l’automne 1963, Randle McMurphy est retrouvé dans une ferme de l’Oregon pour le viol d’une jeune fille de 15 ans. Il fait semblant d’être instable psychologiquement afin d’être transféré dans un établissement psychiatrique et d’éviter le travail forcé. Le service est contrôlé par l’infirmière en chef Mildred Ratched, une autocrate froide et passive-agressive qui effraie ses patients.

Les Dents de la mer (1975)

Dans la ville côtière d’Amity Island, en Nouvelle-Angleterre, une jeune fille, Chrissie Watkins, plonge dans la mer. En nageant, elle est attaquée par un gros poisson. Le lendemain, ses restes sont retrouvés sur la plage. Selon le médecin, la mort est due à une attaque de requin. Le chef de la police, Martin Brody, est persuadé de fermer les côtes.

Le maire Larry Vaughn le convainc de revenir sur sa décision, craignant que le tourisme de la ville ne soit détruit. Le médecin légiste accepte provisoirement la théorie du maire selon laquelle Chrissie a été tuée dans un accident de bateau. Brody accepte à contrecœur leur décision jusqu’à ce que le requin tue un jeune garçon, Alex Kintner, au large d’une plage bondée.

Le succès implacable de Steven Spielberg ne nécessite aucune prévoyance politique pour rester pertinent – c’est un film sur un grand requin qui dévore des gens. En grande partie grâce au film lui-même, cette angoisse illogique ne quitte jamais le public. Chaque fois qu’un fonctionnaire incompétent apparaît, il est difficile de ne pas penser au maire Vaughn dans sa combinaison imprimée ridicule, disant aux habitants d’Amity Island qu’il est sûr de retourner dans l’eau. Ce qui fait de Les Dents de la mer un incontournable, c’est que les requins sont terrifiants, mais la cupidité et l’incompétence sont bien plus effrayantes.

Phantom of Paradise (1974)

L’histoire suit le compositeur Winslow Leach, remarqué par le producteur infernal Swan lors de sa prestation en soutien au groupe nostalgique des années 1950 The Juicy Fruits, créé par Swan. Swan pense que les chansons de Winslow sont les meilleures pour ouvrir « The Paradise » – le nouvel auditorium très attendu de Swan – et ordonne à son bras droit Arnold Philbin d’acquérir les droits des chansons de Leach.

Un mois plus tard, Winslow se rend chez Swan à Death Records pour s’enquérir de sa musique, mais il est expulsé. Il s’introduit dans le manoir de Swan et observe des femmes répéter ses chansons pour une audition. L’une d’elles est Phoenix, une chanteuse en herbe, que Winslow considère idéale pour ses chansons. Winslow tombe amoureux de Phoenix. Il découvre le plan de Swan d’ouvrir Heaven avec ses chansons, s’introduit chez Swan Records, mais Swan ordonne à ses sbires de battre Winslow et de l’accuser de trafic de drogue.

film d’horreur culte, un incontournable pour sa folie et l’innovation que Brian De Palma a apportée au langage cinématographique. L’un des jalons de la carrière du réalisateur italo-américain.

Amarcord (1973)

Amarcord (1973) est une comédie dramatique semi-autobiographique sur le passage à l’âge adulte, réalisée par Federico Fellini et mettant en vedette Bruno Zanin, Pupella Maggio, Magali Noël, Armando Brancia et Enzo Fazioli. Le film se déroule dans la ville natale de Fellini, Rimini, en Italie, dans les années 1930, et raconte l’histoire de Titta, un jeune garçon grandissant dans une petite ville en pleine agitation politique et sociale.

Amarcord est considéré comme l’un des films les plus personnels et autobiographiques de Fellini. C’est une célébration de l’enfance, de la mémoire et de la beauté du cinéma. Le film est rempli d’humour, de pathos et de nostalgie, et il est un incontournable pour tout amateur de l’œuvre de Fellini.

Le titre du film est une univerbation de l’expression romagnole a m ‘arcôrd (« Je garde en mémoire »). Le personnage de Titta est sans doute basé sur le compagnon de jeunesse de Fellini à Rimini, Luigi Titta Benzi. Benzi est devenu avocat et est resté en contact étroit avec Fellini tout au long de sa vie. Un chef-d’œuvre plein d’humanité et de poésie, c’est un film à voir absolument pour tous, même pour ceux qui ne comprennent pas pleinement les films les plus complexes de Fellini.

Ugetsu

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Drama, fantasy, by Kenji Mizoguchi, Japan, 1953.
Japan, late 16th century: the potter Genjurō and his brother Tobei live with their wives Miyagi and Ohama in a village in the Omi region; Genjurō, convinced that he can earn a lot of money by selling his goods in the nearby city, goes to the county of Omizo with Tobei, who joins him with the sole purpose of being able to become a samurai. Back home with a good income, the two work hard to make even more money; Tobei, increasingly obsessed with the ambition of becoming a samurai, needs the money to buy an armor and a spear while Genjurō, overcome by greed, tries to cook a batch of crockery with his brother in just one night. Legend and innovation of cinematic language, a wonderful world next to a brutal and cruel world. Mystery film that opens a discourse with the invisible planes of existence, ghosts and forays into the fantastic, made by Kenji Mizoguchi in a Japan still frozen by the two atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki. Fundamental work by Mizoguchi, recognized as one of the greatest expressions of the Seventh Art. A lofty lesson in directing that creates wonder with a dramatic tale of greed and lust for possession. A woman who is a tempting demon and a wife abandoned to a fate of war and misery, Mizoguchi uses the camera to enter "another world".

Food for thought
According to ancient Eastern traditions there are other non-physical planes beyond the physical plane. The etheric plane envelops the physical body, gives it vital energy and acts as an intermediary with the higher levels. Beyond the etheric plane there is the astral plane where entities may exist that have not been able to resign themselves to the loss of their body and wander in search of sensations. They are what are commonly referred to as "ghosts". These entities are looking for bodies that have unbalanced etheric planes to "hook up" to in order to experience sense satisfaction through them.

LANGUAGE: Japanese
SUBTITLES: English, Spanish, French, German, Portuguese

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L’Exorciste (1973)

Dans le nord de l’Irak, le prêtre catholique Lankester Merrin participe à une fouille historique où il découvre un médaillon de Saint Joseph et un artefact représentant Pazuzu, un démon. Alors que Merrin se prépare à quitter l’Irak, il trouve une grande sculpture de Pazuzu et observe également deux animaux domestiques se battre dans le désert.

À Georgetown, l’actrice Chris MacNeil travaille sur un film réalisé par son ami Burke Dennings. Le prêtre de Georgetown, Damien Karras, rend visite à sa mère à New York. Chris entend des bruits dans le grenier et Regan lui parle d’un ami imaginaire nommé « Captain Howdy ».

Il y a une raison pour laquelle les spectateurs quittaient le cinéma sur des brancards lorsque William Friedkin a déchaîné son enfer cinématographique sur l’humanité, et c’est la même raison pour laquelle nous devenons des ombres tremblantes après avoir passé du temps avec Regan – c’est tout simplement incontournable. Chef-d’œuvre du cinéma et l’un des films d’horreur les plus effrayants jamais réalisés.

Le Parrain (1972)

Le Parrain (1972) est un film de gangster épique réalisé par Francis Ford Coppola et mettant en vedette Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, John Marley, Richard Conte et Diane Keaton. Le film est basé sur le roman éponyme de Mario Puzo publié en 1969.

Des essais de Goodfellas à The Sopranos, tous les empires d’activités criminelles qui ont suivi Le Parrain sont des fils des Corleone : le magnum opus de Francis Ford Coppola est l’une des œuvres maîtresses fondatrices du genre mafia. Une phrase d’ouverture significative (« Je crois en l’Amérique ») met en mouvement le drame de Mario Puzo, avant que l’épopée de Coppola ne se transforme en un récit glaçant qui détruit le rêve américain.

L’histoire, imprégnée de corruption, raconte une famille d’immigrants aux prises avec les valeurs paradoxales du pouvoir et de la religion ; ces oppositions morales se cristallisent dans une série épique de baptêmes, magnifiquement orchestrée en parallèle avec l’assassinat de quatre figures de pouvoir parmi les clans. Avec d’innombrables détails légendaires – la tête coupée d’un cheval, la voix haletante de Marlon Brando, la valse mémorable de Nino Rota – l’autorité du Parrain perdure à travers le temps.

Roma (1972)

Federico Fellini raconte sa jeunesse à Rome. Le film s’ouvre sur une foule bruyante et pittoresque accueillant le jeune homme qui descend d’un train à la gare Termini. Suivent des séquences montrant Rome sous le régime fasciste des années 1930 et 1970.

Un jeune Fellini (Gonzales) emménage dans un immense appartement romain habité par des personnages grotesques (dont un sosie de Benito Mussolini) et également dirigé par une femme obèse. Il visite deux bordels – l’un délabré et surpeuplé, l’autre plus luxueux et élégant – et semble aussi aimer une prostituée qui travaille dans ce dernier. Ensuite, il y a un théâtre de vaudeville bon marché, des rues, des tunnels, ainsi qu’une ancienne catacombe avec des fresques détruites par l’air frais peu après leur découverte par les fouilleurs.

C’est un hommage à la ville, montrée à travers une série d’épisodes vaguement liés se déroulant à la fois dans le présent et le passé de Rome. L’intrigue est très mince, et le seul « personnage » à s’affirmer considérablement est Rome elle-même. Peter Gonzales joue le jeune Fellini et le film inclut de nombreux acteurs non professionnels.

Les Larmes amères de Petra von Kant (1972)

Petra von Kant (Carstensen) est une célèbre créatrice de mode basée à Brême. Le film est presque entièrement tourné dans la chambre de son appartement, décorée d’une reconstitution significative de Midas de Poussin ainsi que de Bacchus (vers 1630), représentant des femmes et des hommes nus et partiellement vêtus. La pièce contient également plusieurs mannequins grandeur nature pour son travail.

Les relations conjugales de Petra se sont terminées par la mort ou la séparation. Son premier époux, Pierre, fut un grand amour, décédé dans un accident de voiture alors que Petra était enceinte ; le second a commencé de la même manière, mais s’est mal terminé. Petra vit avec Marlene, une autre créatrice, qu’elle traite comme une esclave, et cette relation révèle les tendances perverses de Petra.

Ce drame est probablement son plus aigu et psychologiquement complexe ; sans aucun doute, c’est son plus odieux. Il y a tant à aimer dans ce face-à-face de Fassbinder, que cela dépasse le spectacle de deux fashionistas rivales, pour devenir une profonde exploration du vieillissement et de l’obsolescence.

Solaris (1972)

Solaris est un film de science-fiction de 1972, réalisé par le cinéaste soviétique Andrei Tarkovsky. Le film est basé sur le roman de science-fiction de 1961 écrit par l’auteur polonais Stanisław Lem. Il est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma soviétique et l’un des plus grands films de science-fiction jamais réalisés.

L’intrigue de « Solaris » tourne autour du Dr Kris Kelvin, interprété par Donatas Banionis, un cosmonaute et psychologue envoyé à une station spatiale en orbite autour de la planète extraterrestre Solaris. La station spatiale est peuplée seulement de quelques scientifiques et semble être impliquée dans des phénomènes étranges. Solaris est une planète recouverte par un océan intelligent et vaste qui semble capable de matérialiser les peurs, espoirs et souvenirs des membres de l’équipage sous forme de manifestations physiques.

Le film explore des thèmes philosophiques et psychologiques, se concentrant sur l’isolement, la solitude, l’amour, la mémoire et la nature de la réalité. « Solaris » est une œuvre lente et contemplative, caractérisée par de longs plans, des scènes évocatrices et une cinématographie époustouflante. La réalisation de Tarkovsky met en avant l’atmosphère surréaliste et onirique de la planète étrangère, tandis que les acteurs livrent des performances captivantes qui saisissent l’intensité émotionnelle de l’histoire.

The Exterminating Angel

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Drame, de Luis Buñuel, Mexique, 1962.
L'intrigue tourne autour d'un groupe de personnes réunies dans une somptueuse villa pour un dîner de gala. Cependant, après le dîner, ils découvrent qu'ils sont incapables de quitter la villa, bien que les portes et fenêtres soient barricadées et les sorties apparemment bloquées. Ce qui suit est une sorte de cauchemar surréaliste où le groupe d'invités est piégé dans la villa et leurs comportements ainsi que leurs relations sociales commencent à se dégrader de manière bizarre.

Le film traite des thèmes de la conformité sociale, de l'aliénation et de la chute des conventions sociales. Il est connu pour ses séquences surréalistes et la manière dont il remet en question la réalité et la logique traditionnelle. « L'Ange exterminateur » est souvent interprété comme une critique satirique de la haute société et des normes sociales autojustifiées. Ce film est devenu une icône du cinéma surréaliste et représente l'une des œuvres les plus distinctives et provocatrices de Luis Buñuel. Il est apprécié tant pour sa complexité conceptuelle que pour son extravagance visuelle, et a influencé le monde du cinéma par sa capacité à repousser les limites de l'art cinématographique. À l'époque, beaucoup pensaient que c'était le dernier film de la carrière de Buñuel. C'était cependant le premier d'une série de chefs-d'œuvre.

LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : anglais

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Orange mécanique (1971)

Orange mécanique (1971) est un film de science-fiction dystopique réalisé par Stanley Kubrick et mettant en vedette Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Michael Bates et Warren Clark. Le film est basé sur le roman éponyme de Anthony Burgess publié en 1962.

Les quatre voyous protagonistes du film font irruption dans un cottage, battent un vieil écrivain et violent également sa femme, qui meurt plus tard. Lorsqu’une tentative de vol tourne mal et qu’Alex tue une femme âgée avec un énorme phallus en marbre, il est condamné à 14 ans de prison.

Plongé dans une Angleterre dystopique, c’est le récit à la première personne d’un délinquant juvénile subissant une réhabilitation émotionnelle parrainée par l’État. Chef-d’œuvre cinématographique, film à voir et à revoir. Un de ces films qui change votre vie, satire incroyable sur les systèmes politiques extrêmes basés sur des versions opposées de la perfectibilité humaine.

L’Oiseau au plumage de cristal (1970)

L’Oiseau au plumage de cristal est un film de 1970 réalisé par le maître du giallo italien Dario Argento, dans son premier film en tant que réalisateur. Le film est le premier du genre thriller italien qui inaugura une longue période de succès dans cette catégorie. À sa sortie, le film connut un grand succès au box-office avec des recettes de 1 650 000 000 de lires italiennes. Il fut également un succès en dehors de l’Italie.

Sam Dalmas est un auteur américain en vacances à Rome avec sa petite amie anglaise, Julia, qui souffre d’un blocage de l’écrivain et est sur le point de retourner en Amérique. Cependant, il est témoin de l’agression d’une dame dans une galerie d’art par un étrange individu portant des gants noirs et un imperméable. En essayant de l’atteindre, Sam se retrouve piégé entre deux portes vitrées mécaniques et ne peut que regarder l’homme s’échapper.

Block Notes d’un réalisateur (1969)

Block Notes d’un réalisateur est un film documentaire de 1969 réalisé par Federico Fellini. Le film a été tourné à Cinecittà et suit Fellini alors qu’il travaille sur son film Satyricon. Le film est un mélange d’interviews, de scènes en coulisses et de moments de la vie quotidienne à Cinecittà.

Fellini parle de son processus créatif et de sa vision du cinéma. Il évoque également sa relation avec ses acteurs et sa passion pour le cinéma. Le film est un portrait intime de Fellini en tant qu’artiste et en tant qu’homme.

Block Notes d’un réalisateur est un film important dans la carrière de Fellini. C’est l’un des premiers films dans lesquels Fellini se laisse aller à un aspect plus personnel et autobiographique de lui-même. Le film fut un succès critique et commercial et contribua à consolider la réputation de Fellini comme l’un des plus grands réalisateurs du XXe siècle.

Voici quelques-unes des choses que Fellini dit dans le film : « Le cinéma est un rêve. C’est une façon d’échapper à la réalité. C’est une manière d’explorer nos peurs et nos désirs. » « Les acteurs sont mes outils. Ils m’aident à donner vie à mes histoires. » « Le cinéma est un jeu. C’est une façon de s’amuser. C’est un moyen de communiquer avec les gens. »

Block Notes d’un réalisateur est un film grandiose d’avant-garde qui parle du cinéma, mais c’est aussi un film qui parle de la vie et qui émeut profondément. C’est un chef-d’œuvre du cinéma expérimental qui nous fait réfléchir sur la nature du cinéma et la nature de la vie. C’est un film qui nous fait rêver et nous divertit. C’est un film qui nous fait penser.

2001 : L’Odyssée de l’espace (1968)

À une époque préhistorique, un peuple hominidé est repoussé de son point d’eau par une tribu rivale. Le lendemain, ils découvrent qu’un monolithe extraterrestre est apparu parmi eux ; il les aide à comprendre précisément comment utiliser un os comme arme pour chasser leurs adversaires.

Des millions d’années plus tard, le Dr Heywood Floyd, président du Conseil national américain de l’astronautique, se rend à la base Clavius, un avant-poste lunaire américain. Son objectif est d’inspecter un artefact récemment localisé, un monolithe similaire enterré quatre millions d’années plus tôt près du cratère lunaire Tycho. Lui et d’autres voyagent en Moonbus jusqu’au monolithe. 2001 : L’Odyssée de l’espace est une histoire de développement technologique et de catastrophe connexe, imprégnée d’humanité, dans toute sa gloire, sa faiblesse, sa nervosité et sa folle aspiration.

Le film de science-fiction le plus important et le plus époustouflant, un marché cible médusé par sa séquence Star Gate et l’introduction de visuels psychédéliques, l’a immédiatement établi comme l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma. La vision effrayante du futur de Kubrick – l’IA et tout le reste – paraît toujours prophétique après plus de 50 ans. Un film que vous devez absolument voir si vous aimez l’art de l’image en mouvement : une extase visuelle et sonore.

Il était une fois dans l’Ouest (1968)

Il était une fois dans l’Ouest (1968) est un western italien réalisé par Sergio Leone et mettant en vedette Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda et Jason Robards. Le film se déroule dans l’Ouest américain du XIXe siècle et raconte l’histoire d’un mystérieux tireur, Harmonica, qui arrive dans une petite ville pour venger le meurtre de sa famille.

Un homme nommé « Harmonica » cherche à se venger du criminel Frank. Ce dernier travaille comme tueur pour le magnat du chemin de fer, Morton, qui cherche à acquérir certaines terres appartenant à la famille Brett McBain. Les manteaux poussiéreux qu’ils portent font penser qu’ils sont les garçons Cheyenne. Frank laisse des preuves pour faire accuser les Cheyenne des meurtres.

Chef-d’œuvre du western spaghetti, il se déroule dans une Amérique civilisée, bien que principalement tourné à Rome ainsi qu’en Espagne. Le film se situe dans une frontière abstraite entre l’ancien et le nouveau, entre des héros de la vie qui disparaissent dans la mémoire. C’est un triomphe d’un monde disparu et un cinéma impressionnant. Le regard froid d’Henry Fonda, les guitares d’Ennio Morricone et le gigantesque Charles Bronson en ultime tireur sont seulement trois des innombrables éléments précieux.

Night of the living dead

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Horreur, de George Romero, États-Unis, 1968.
L'un des films indépendants les plus rentables de tous les temps, il a rapporté environ 250 fois son budget. Inspiré, comme d'autres films d'horreur cultes, par le roman de Richard Matheson de 1954 "Je suis une légende". Tourné comme un "film guérilla" avec un casting et une équipe composés d'amis et de membres de la famille et un budget de seulement 114 000 $, le film est le précurseur du genre inépuisable du "film de zombies".

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Rosemary’s Baby (1968)

En tant qu’agnostique, Roman Polanski a intentionnellement tissé un fil d’incertitude dans son adaptation du livre. Cette incertitude augmente l’élément d’horreur psychologique dans Rosemary’s Baby.

Lorsque un jeune couple, Rosemary (Mia Farrow) et Guy (John Cassavetes), emménage dans une maison à New York et se lie d’amitié avec un couple âgé, leurs vies commencent à prendre des chemins différents.

La profession de l’homme évolue, et en attendant, Rosemary imagine des scénarios sombres. La peur grandissante de Rosemary pourrait être due à un trouble mental ou à quelque chose de sinistre se produisant à l’intérieur de l’appartement.

Rosemary’s Baby est un chef-d’œuvre de l’horreur qui est devenu l’un des jalons du genre.

Au Hasard Balthazar (1966)

Au Hasard Balthazar (1966) est un drame français réalisé par Robert Bresson et mettant en vedette Michel Simon, Anne Wiazemsky et François Lafarge. Le film se déroule en France et raconte l’histoire d’un âne, Balthazar, qui passe de main en main, expérimentant la cruauté et la bonté de l’humanité.

Dans la campagne française près des Pyrénées, un âne est adopté par de jeunes enfants : Jacques et ses sœurs, qui vivent dans une ferme. Lorsqu’une des sœurs de Jacques meurt, sa famille quitte la ferme et la famille de Marie prend en charge l’âne. Le père de Marie s’engage dans des litiges juridiques concernant la ferme avec le père de Jacques et l’âne est relégué à une boulangerie locale pour des livraisons.

Inspiré par L’Idiot de Fyodor Dostoevsky (1868-69), le film raconte l’histoire d’un âne passant entre plusieurs propriétaires, dont beaucoup le traitent violemment. Réputé pour le style rigoureux de la réalisation de Robert Bresson, il est également considéré comme une œuvre d’un grand impact émotionnel, souvent décrit comme l’un des plus grands films de tous les temps. Un de ces films qui peut changer votre vie et vous donner une conscience plus profonde.

Persona (1966)

Alma est une jeune infirmière diplômée engagée par un médecin pour s’occuper de l’actrice Elisabet Vogler. Alma lui lit une lettre du mari d’Elisabet qui contient une photo de leur bébé, et l’actrice déchire la photo. Le médecin suppose qu’Elisabet pourrait mieux se rétablir dans une petite maison au bord de la mer, et il l’y envoie également avec Alma.

Dans le cottage, Alma informe Elisabet que personne ne lui a jamais prêté attention auparavant. Alma raconte comment, alors qu’elle était déjà en couple avec Karl-Henrik, celui-ci prenait le soleil nu avec Katarina, une femme qu’il avait rencontrée.

Ingmar Bergman a le pouvoir de transformer de simples amateurs de cinéma en drogués délirants ; Persona est un film à ne pas manquer, un psychodrame à double face qui semble avoir été tourné le week-end dernier avec deux meilleures amies (Bibi Andersson et Liv Ullmann).

Pour son intimité et son économie seules, le film donne l’impression d’un avant-goût des années difficiles à venir. Bergman, se remettant d’une pneumonie sévère, a composé le scénario dans le centre de santé, luttant contre une crise qu’il a sublimée en un art de très haut niveau.

Andrei Rublev (1966)

Andrei Rublev est un drame historique divisé en huit épisodes, avec un début et une fin qui ne se rapportent que vaguement au film principal. Le film principal retrace la vie du grand peintre symboliste à travers 7 épisodes parallèles à sa vie ou représentant des transitions anecdotiques dans son existence. L’époque est la Russie du XVe siècle, une période rude marquée par les combats entre princes rivaux et les intrusions tartares.

Le portrait épique du réalisateur soviétique Andrei Tarkovsky, à l’époque des peintres médiévaux russes les plus célèbres, met en lumière des qualités telles que le paysage, l’ambiance et les personnages. C’est l’histoire de l’effort d’un homme pour surmonter son dilemme de foi dans un monde qui semble avoir un approvisionnement sans fin de violence physique et de querelles, et c’est aussi un témoignage extraordinaire de la persévérance des artistes travaillant dans des sociétés oppressives. Un des sommets les plus élevés du cinéma d’art et d’essai, un grand film sur un plan figuratif : des images qui vous laissent sans souffle.

8½ (1963)

Guido Anselmi, un réalisateur italien bien connu, est aux prises avec le « blocage du réalisateur ». Coincé dans son tout nouveau film de science-fiction qui inclut des références autobiographiques voilées, il a en fait perdu tout intérêt pour la vie, au milieu de problèmes conjugaux et artistiques. En essayant de se remettre de ses angoisses aux thermes de Chianciano, Guido contacte un critique de cinéma célèbre pour évaluer les idées de son film, mais le critique les démolit.

Guido a des visions récurrentes d’une femme qu’il considère cruciale pour son histoire. Sa maîtresse Carla prévoit de lui rendre visite, mais Guido la loge dans un hôtel séparé. L’équipe de production du film déménage à l’hôtel de Guido dans une tentative infructueuse de le faire travailler sur le film. Guido avoue à la meilleure amie de sa femme, Rosella, qu’il voulait faire un film à la fois pur et sincère : il lutte pour dire quelque chose d’honnête.

Après le succès de La Dolce Vita, Fellini sort d’une impasse créative avec ce chef-d’œuvre autobiographique sur un réalisateur en plein blocage créatif. Tirant son titre du nombre de films que Fellini avait effectivement achevés jusqu’à ce moment (y compris quelques courts segments pour des films anthologiques), Otto e mezzo met en scène Guido assiégé par les flatteurs et collaborateurs alors qu’il lutte pour démarrer un film de science-fiction laborieux.

Carnival of souls

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Horreur, par Herk Harvey, États-Unis, 1962.
Mary Henry sort indemne d’un accident de voiture qui a tué ses deux compagnons, et se lance dans une étrange aventure à Salt Lake City, où elle se sent attirée par un pavillon délabré au bord du lac et hantée par une silhouette fantomatique (interprétée par le même réalisateur). Un chef-d’œuvre d’horreur à petit budget (30 000 $) qui est passé inaperçu lors de sa sortie, il est devenu un film culte aux États-Unis depuis la fin des années 1980. Des sons et des images qui ont inspiré des réalisateurs tels que George Romero et David Lynch (l’homme masqué de « Lost Roads »).

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : italien

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Les Oiseaux (1963)

Les Oiseaux (1963) est un film d’horreur psychologique américain psychologique réalisé par Alfred Hitchcock et mettant en vedette Tippi Hedren, Rod Taylor et Jessica Tandy. Le film est basé sur une nouvelle de Daphne du Maurier publiée en 1952.

Le film raconte l’histoire de Melanie Daniels, une femme riche et sophistiquée qui suit un jeune expert en oiseaux, Mitch Brenner, dans une petite ville de Californie. Lorsque Melanie se rapproche de Mitch, les oiseaux de la ville commencent à attaquer les humains de manière inexpliquée.

L’un des chefs-d’œuvre parmi les films d’horreur basés sur des histoires vraies, réalisé par Alfred Hitchcock, Les Oiseaux se concentre sur une petite ville californienne terrifiée par un immense groupe d’oiseaux agressifs. Il est basé sur la nouvelle de Daphne Du Maurier, mais le film s’inspire également d’une histoire vraie, lorsque les habitants de Capitola, en Californie, se sont réveillés face à une scène tout droit sortie d’un film d’horreur. C’était un mystère complet à l’époque, mais les scientifiques pensent maintenant que l’acide domoïque et ses neurotoxines étaient la cause du comportement bizarre des oiseaux.

I Mostri (1963)

I mostri est l’un des sommets de la comédie italienne, tourné en 1963 par le réalisateur Dino Risi. Le film a rencontré un succès notable en Italie et a été l’un des plus gros succès de l’année. Il a été censuré en Espagne pour des situations vulgaires et embarrassantes.

Presque inconnu hors d’Italie, il n’a été distribué qu’en 1968 aux États-Unis et en 1977 une suite a été tournée, absolument pas à la hauteur du premier, qui avait même été nommé pour un Oscar, intitulée The new monsters.

Les principaux protagonistes sont Ugo Tognazzi et Vittorio Gassman, les principaux interprètes avec des personnages qui deviennent un symbole des vices de la plupart des Italiens des années soixante, dans une longue galerie de 20 épisodes hilarants.

Sans aucun doute, les personnages et circonstances comiques sont mis en scène de manière à toucher les limites extrêmes de la satire. La satire des épisodes vise des personnages de toutes sortes et classes sociales, des politiciens et policiers abusant de leur pouvoir ainsi que la classe moyenne.

L’Éclipse (1962)

L’Éclipse est un film réalisé par le cinéaste italien Michelangelo Antonioni, sorti en 1962. Comme je l’ai mentionné précédemment, L’eclisse fait partie de la célèbre « trilogie de la solitude » d’Antonioni, avec L’avventura et La notte. Le film est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma d’auteur italien et a reçu les éloges de la critique pour sa vision innovante et son style cinématographique unique.

L’intrigue de L’eclisse suit l’histoire d’une jeune femme, Vittoria (interprétée par Monica Vitti), qui traverse une phase de transition émotionnelle après la fin d’une relation. Au cours du film, Vittoria rencontre un jeune homme ambitieux nommé Piero (interprété par Alain Delon), et une relation ambiguë se développe entre eux. Le film explore les thèmes de l’aliénation, de l’isolement et de l’insatisfaction face à la vie moderne.

Antonioni utilise son style visuel distinctif, avec de longs plans et un cadrage précis, pour créer une atmosphère d’incertitude et de désolation émotionnelle. Le réalisateur examine la difficulté de la communication entre les individus et le vide existentiel dans leurs relations. L’Éclipse est également célèbre pour sa conclusion emblématique, où une scène d’amour se transforme en une scène d’abandon et de perte.

Accattone (1961)

Vittorio (Franco Citti), surnommé « Accattone », mène une vie de fainéant jusqu’à ce que sa prostituée, Maddalena, soit exploitée par ses rivales et condamnée. Sans revenu stable, il tente d’abord de s’installer avec la mère de son fils, mais est chassé par ses parents ; il rencontre ensuite la naïve Stella et essaie de la pousser à se prostituer pour lui.

Elle est prête à essayer, mais lorsque son premier client commence à la battre, elle pleure et sort même de la voiture. Accattone tente de la soutenir, mais abandonne après avoir eu, en plus d’une vision inhabituelle de sa propre mort, une escapade à voler avec ses amis.

Qu’il ait été tourné à partir d’un scénario ou non, Accattone est généralement perçu comme une adaptation cinématographique des premiers récits de Pasolini, notamment Ragazzi di vita et aussi Una vita violenta. C’était le premier film de Pasolini en tant que réalisateur, et il utilise des visages qui deviendront sûrement plus tard des attributs de la marque Pasolini : des acteurs non professionnels issus du lieu où se déroule le film. C’est l’un des grands chefs-d’œuvre cinématographiques à voir absolument sur des individus affectés par la pauvreté.

La Notte (1961)

La Notte est un film de 1961 réalisé par le cinéaste italien Michelangelo Antonioni. Il fait partie de la célèbre « trilogie de la solitude » du réalisateur, avec L’avventura et L’Éclipse. Le film est un exemple significatif du cinéma d’auteur italien et a eu un impact durable sur l’histoire du cinéma.

Le scénario de « La Nuit » suit une journée dans la vie d’un intellectuel romain, Giovanni Pontano (interprété par Marcello Mastroianni), et de sa femme Lidia (interprétée par Jeanne Moreau), lors d’une soirée où ils assistent à une fête élégante puis confrontent les problèmes de leur relation. Le film explore les thèmes de l’aliénation, de l’insatisfaction existentielle et de la difficulté de communication entre les individus.

« La Nuit » est connu pour son style visuel distinctif, avec de longs plans-séquences et un cadrage précis qui capturent la solitude des personnages et l’atmosphère surréaliste des scènes urbaines. Antonioni utilise souvent le paysage urbain comme un élément central de ses œuvres, transmettant un sentiment de déconnexion entre les individus et la ville.

Le film a été salué par la critique pour son analyse psychologique profonde des personnages et sa réflexion subtile mais puissante sur la condition humaine. « La Nuit » est une œuvre cinématographique complexe et immersive qui continue d’être appréciée pour sa belle cinématographie et son impact culturel. Si vous êtes intéressé par le cinéma d’auteur, ce film est définitivement un choix incontournable.

La Dolce Vita (1960)

La Dolce Vita (1960) est un film dramatique satirique italien réalisé et co-écrit par Federico Fellini. Le film met en vedette Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, et Anouk Aimée.

Le film raconte l’histoire de Marcello Rubini, un journaliste de scandales vivant à Rome. Marcello est un homme cynique et désabusé, qui tente de trouver un sens à sa vie dans un monde qui lui semble vide et artificiel.

La Dolce Vita est un film complexe et fascinant qui explore les thèmes du vide, de la superficialité et de la perte des valeurs. Le film est caractérisé par une atmosphère décadente, et par la réalisation magistrale de Fellini.

Paradoxalement, la représentation de cet environnement comme un hédonisme corrosif pour l’âme est stupéfiante. Car Fellini filme tout avec un tel verve cinématographique et une telle finesse que l’on a souvent du mal à ne pas se laisser emporter par les événements illusoires à l’écran. Une grande partie de notre vision de la célébrité remonte encore à ce film ; il nous a même offert le mot paparazzi. Définitivement, La Dolce Vita est l’un de ces films qui changent la vie.

L’Avventura (1960)

L’Avventura (1960) est un film dramatique italien réalisé par Michelangelo Antonioni. Le film met en vedette Monica Vitti, Gabriele Ferzetti, et Lea Massari.

Le film raconte l’histoire d’un groupe d’amis qui partent en vacances en Sicile. Lors d’une excursion en bateau, l’une des filles, Anna (Lea Massari), disparaît mystérieusement. L’Avventura est un film complexe et fascinant qui explore les thèmes de l’incommunicabilité, de l’aliénation et de la quête de sens. Le film est caractérisé par une atmosphère suspendue et onirique, et par la réalisation magistrale d’Antonioni.

Né d’une histoire d’Antonioni écrite avec les co-scénaristes Elio Bartolini et Tonino Guerra, un film d’art et d’essai sur la disparition d’une jeune fille (Lea Massari) lors d’une excursion en bateau en Méditerranée, et aussi sur la trahison ultérieure de son amant (Gabriele Ferzetti) avec son amie (Monica Vitti).

À bout de souffle (1960)

Michel est un criminel vif qui aime le risque et qui s’inspire du personnage de film de Humphrey Bogart. Après avoir volé une voiture et un camion à Marseille, Michel élimine un policier qui tente de le traquer. Affligé par la pauvreté et en fuite devant la police, il trouve une liaison avec une Américaine, Patricia, étudiante et aspirante journaliste, qui vend le New York Herald Tribune sur les boulevards de Paris. Patricia le cache à son insu dans son appartement tandis qu’il essaie de la séduire et cherche de l’argent pour leur fuite en Italie.

Les débuts de réalisateur sismiques du critique de cinéma Jean-Luc Godard pourraient être qualifiés de drame avec des influences de film de gangsters et de romance, mais c’est en réalité une œuvre qui échappe à tout genre : c’est un film d’avant-garde révolutionnaire. Il présente des coupes cubistes, des plans agités à main levée, des prises de vue en extérieur, un rythme décalé, ainsi que des digressions inattendues sur la peinture, le vers, la société pop, la littérature, et même le cinéma. Une aventure attrayante entre le petit voleur Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg se transforme en une réflexion existentielle étrangement touchante. C’est une fiction populaire, mais alchimiquement profonde.

Psychose (1960)

Psychose (1960) est un film d’horreur psychologique américain réalisé par Alfred Hitchcock et mettant en vedette Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, et Martin Balsam. Il est basé sur le roman éponyme de 1959 de Robert Bloch. Le film est connu pour son montage innovant, sa musique et sa cinématographie, ainsi que pour sa scène de douche emblématique, qui a été largement imitée et parodiée.

Le film raconte l’histoire de Marion Crane, une jeune femme qui détourne 40 000 $ de son employeur et prend la route pour commencer une nouvelle vie. Elle s’arrête au Bates Motel, qui est tenu par le perturbé Norman Bates. Marion est assassinée sous la douche par la mère de Norman, qui la considère comme une menace pour le bonheur de son fils.

Alfred Hitchcock voulait tourner son prochain film après Psychose à Disneyland, mais Walt Disney a refusé, qualifiant Psychose de « révoltant ». Psychose est crédité par certains comme l’un des premiers exemples de films slasher, cependant, bien qu’il ait certainement eu un impact sur le sous-genre slasher, il est en réalité parmi les meilleurs films d’horreur psychologique de tous les temps.

Le Printemps de la vierge (1960)

Le Printemps de la vierge est un film suédois de 1960 réalisé par Ingmar Bergman. Il est basé sur la ballade médiévale suédoise « Töre’s döttrar i Wänge ». L’histoire se déroule dans la Suède médiévale et raconte l’histoire d’une jeune fille nommée Karin qui est violée et assassinée par trois bergers. Les bergers, ignorants de ce qu’ils ont fait, trouvent refuge dans la maison du père de Karin. Le père, Tore, cherche à se venger et tue les bergers.

Le film est une exploration des thèmes de la culpabilité, du pardon et de la foi. Bergman utilise cette histoire pour explorer la nature de l’humanité et les questions existentielles que nous nous posons tous. Le film a connu un succès critique et commercial et a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1961.

Le Printemps de la vierge est un film complexe et symbolique. Bergman utilise cette histoire pour explorer la nature de l’humanité et les questions existentielles que nous nous posons tous.

Sueurs froides (1958)

Sueurs froides (1958) est un thriller psychologique réalisé par Alfred Hitchcock. Le film met en vedette James Stewart et Kim Novak.

Le film raconte l’histoire de Scottie Ferguson, un policier à la retraite souffrant d’acrophobie. Scottie est engagé par son ami Gavin Elster pour suivre sa femme Madeleine, qu’il croit possédée par l’esprit de son ancêtre.

Sueurs froides est un film complexe et fascinant qui explore les thèmes de l’amour, de la perte et de la folie. Le film se caractérise par une atmosphère obsédante et pleine de suspense, ainsi que par la maîtrise de la réalisation d’Hitchcock.

Un bouleversement mental freudien généralement considéré comme le chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock, Sueurs froides évolue dans un monde existentiel et plein de suspense. Changée par les costumes d’Edith Head, Kim Novak se retrouve dans deux rôles : Madeleine Elster et Judy Barton, tous deux désirs de l’ex-policier joué par James Stewart. Pour conclure ce brillant thriller psychologique, la musique de Bernard Herrmann s’impose en un final imposant.

Le Septième Sceau (1957)

Le chevalier Antonius Block et son écuyer Jöns reviennent des Croisades pour découvrir un pays ravagé par la peste. Le chevalier rencontre la Mort, qu’il défie à une partie d’échecs, croyant pouvoir survivre tant que la partie continue. La partie qu’ils entament se poursuit tout au long du récit. Le chevalier et son écuyer croisent une caravane d’acteurs : Jof et sa femme Mia, avec leur bébé Mikael ainsi que l’acteur-directeur Jonas Skat. Se réveillant tôt, Jof a une vision de Marie et Jésus. Ce grand drame sur la mort d’Ingmar Bergman n’est pas un film comme les autres, mais l’un des films fondamentaux de l’histoire du cinéma. C’est une œuvre de pensée philosophique profonde à voir absolument au moins une fois. Mais aussi 3, 4, 5, 6…

Un condamné à mort s’est échappé (1956)

En route vers la prison, Fontaine, membre de la Résistance française, tente sa chance pour échapper à ses geôliers allemands lorsque la voiture qui le transporte est contrainte de s’arrêter, mais il est rapidement arrêté, battu pour sa tentative d’évasion, menotté et conduit en prison.

Il est d’abord incarcéré dans une cellule où il peut parler à trois jeunes Français qui s’entraînent dans la cour. Les hommes procurent une épingle de sûreté à Fontaine, ce qui lui permet de déverrouiller ses menottes.

Le film est basé sur les mémoires d’André Devigny, un participant à la Résistance française détenu à la prison Montluc par les Allemands occupants durant la Seconde Guerre mondiale. Le protagoniste du film s’appelle Fontaine. Bresson lui-même fut emprisonné par les Allemands en tant que membre de la Résistance française. La seconde partie du titre provient de la Bible.

Chef-d’œuvre incontournable : presque entièrement tourné dans une cellule de prison, avec un seul acteur, sans décors. Rigueur absolue, cinéma absolu. Le meilleur de Bresson avec Au hasard Balthazar.

La Trilogie d’Apu (1955)

Les 3 films composent un récit de type roman d’apprentissage ; ce sont trois drames d’initiation et de formation qui racontent les années d’enfance, d’éducation et aussi la première maturation d’un jeune Bengali nommé Apu (Apurba Kumar Roy) au début du XXe siècle.

Chant de la petite route

Les premières expériences d’Apu au Bengale sont présentées en tant que fils d’une famille de haute caste. Le père d’Apu, Harihar, un Brahmane, lutte pour subvenir aux besoins de sa famille. Après la mort de la sœur d’Apu, Durga, la famille déménage dans la ville divine de Bénarès.

Le Invaincus

Les ressources financières de la famille restent limitées. Après la mort de son père là-bas, Apu et sa mère Sarbajaya retournent également dans une ville du Bengale. Malgré une pauvreté implacable, Apu reçoit une éducation formelle et finit par être un brillant interne. Il déménage à Calcutta pour poursuivre ses études et son apprentissage. Il s’éloigne progressivement de ses origines paysannes et de sa mère qui n’était pas bien à l’époque.

Le Monde d’Apu

Tentant de devenir auteur, Apu se retrouve soudainement contraint d’épouser une jeune fille dont la mère a rejeté son mari mentalement malade le jour de la célébration du mariage. Leur union se termine par sa mort en couches. Désespéré, Apu abandonne son fils, mais finit par revenir pour assumer ses devoirs.

Nous trichons en incluant les trois films (Pather Panchali, Aparajito et The World of Apu), mais en réalité, comment distinguer les volets de la magnifique trilogie initiatique de Satyajit Ray ? Certains des meilleurs films indiens jamais réalisés sont également pleinement reconnaissables, que vous veniez de Calcutta, de Rome ou de New York.

Les Sept Samouraïs (1954)

En 1587, une bande de hors-la-loi parle de s’introduire dans un village de montagne, mais leur chef décide d’attendre après la récolte. Les villageois entendent cela et comptent sur Gisaku, l’aîné du village et meunier, qui affirme qu’ils doivent engager des samouraïs pour les protéger. Comme ils n’ont pas d’argent et ne peuvent offrir que de la nourriture, Gisaku suggère de trouver des samouraïs affamés. Plusieurs villageois se rendent en ville et finissent par retrouver Kambei, un rōnin âgé mais expérimenté, qu’ils voient sauver un enfant retenu en otage par un voleur acculé.

Un jeune samouraï nommé Katsushiro demande à devenir un disciple de Kambei. Film d’auteur, 207 minutes de grand cinéma. Toshiro Mifune est superbe en samouraï à moitié fou autoproclamé, mais c’est aussi Takashi Shimura qui donne au film son intensité.

Sansho le Bâtard (1954)

Un gouverneur vertueux est banni par un seigneur féodal dans une province lointaine. Sa femme, Tamaki, et ses enfants, Zushiō et Anju, sont envoyés par son frère. Avant de se séparer, le père de Zushiō lui dit : « Sans grâce, l’homme ressemble à un monstre. Même si tu es dur envers toi-même, sois miséricordieux envers les autres. » Le cinéma japonais avait la capacité de filmer des histoires de fantômes impressionnantes (Ugetsu) et des drames en coulisses (The Story of the Last Chrysanthemums), mais sa plus grande qualité était une compassion profonde et inébranlable pour les femmes, déprimées par le patriarcat et déchirées dans leur souffrance. Un thème qui traverse une grande partie de l’œuvre de Kenji Mizoguchi.

C’est l’un de ses chefs-d’œuvre. Ces femmes sont les protagonistes de Sansho le bâtard, un drame historique sur la dissolution familiale qui vous marquera sûrement, tant du point de vue du cinéma d’auteur que pour l’intensité de l’histoire racontée. Ne vous excusez pas pour vos émotions.

Umberto D. (1952)

Umberto D. est un drame italien de 1952, réalisé par Vittorio De Sica, avec Carlo Battisti dans le rôle d’Umberto Domenico Ferrari, un retraité tentant de survivre dans un Rome d’après-guerre. Le film raconte l’histoire poignante d’un vieil homme qui essaie de faire face aux difficultés de la vie quotidienne : le loyer, une pension insuffisante, l’isolement social. Umberto D. vit avec son fidèle chien, Flike, et tente de garder son appartement malgré les appels incessants du propriétaire. Malgré ses efforts, Umberto D. ne parvient pas à trouver un emploi lui permettant de maintenir son mode de vie. Il essaie de vendre ses objets de valeur, mais doit abandonner l’idée à cause des prix trop bas qui lui sont proposés.

Umberto D. est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du néoréalisme italien, un mouvement cinématographique qui s’est développé après la Seconde Guerre mondiale et qui se caractérisait par la représentation réaliste de la vie quotidienne ainsi que des difficultés économiques et sociales de l’Italie d’après-guerre. Le film a été apprécié pour sa délicatesse et sa profonde humanité, ce qui a fait d’Umberto D. une icône du cinéma italien et mondial.

Rashomon (1950)

Rashomon (1950) est un film dramatique japonais réalisé par Akira Kurosawa. Le film se déroule dans le Japon féodal et raconte l’histoire d’un meurtre et d’un viol d’une femme, racontés du point de vue de quatre témoins : un bûcheron, un moine, un vagabond et l’esprit de la femme.

L’histoire commence à l’époque Heian à Kyoto. Un bûcheron et un prêtre sont assis sous la porte de la ville de Rashōmon pour se protéger de la pluie torrentielle lorsqu’un roturier (Kichijiro Ueda) les rejoint et ils commencent à raconter une histoire extrêmement troublante concernant un viol et un meurtre. Ni le berger ni le bûcheron ne reconnaissent que tous les protagonistes peuvent avoir fourni des récits substantiellement différents de la même histoire exacte.

Il n’est pas exagéré de dire que Rashomon d’Akira Kurosawa a redéfini la narration cinématographique et qu’il est l’un des films incontournables de l’histoire du cinéma. Avec sa structure narrative changeante et peu fiable – dans laquelle 4 individus offrent des versions différentes d’un meurtre – le film est extrêmement audacieux et agit également comme un indicateur de la manière dont chacun peut nous tromper.

Le Voleur de bicyclette (1948)

Le Voleur de bicyclette (1948) est un film dramatique italien réalisé par Vittorio De Sica. Le film se déroule dans la Rome d’après-guerre et raconte l’histoire d’Antonio Ricci, un homme dont le vélo, outil essentiel pour son travail d’afficheur, est volé. Dans la communauté romaine de Val Melaina après la Seconde Guerre mondiale, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) est sans espoir de trouver du travail pour subvenir aux besoins de sa femme Maria (Lianella Carell), de son fils Bruno (Enzo Staiola) et du petit garçon. Comme le travail nécessite un vélo, il informe Maria qu’il ne peut pas l’acheter.

Le chef-d’œuvre néoréaliste de Vittorio De Sica se déroule dans un monde où posséder un vélo est la clé pour travailler, mais il pourrait tout aussi bien se situer dans un monde où l’absence d’une voiture, ou d’une garderie abordable, ou d’un logement, ou de la sécurité sociale sont des barrières insurmontables pour mettre de la nourriture sur la table. C’est ce qui en fait à la fois un film pour l’Italie d’après-guerre et pour le présent partout dans le monde.

Rome, ville ouverte (1945)

Rome, ville ouverte (1945) est un drame et un film de guerre réalisé par Roberto Rossellini. Le film se déroule pendant l’occupation nazie de Rome et raconte l’histoire de trois personnages qui s’opposent au régime : Don Pietro, un prêtre, Manfredi, un ouvrier, et Pina, une jeune femme.

Des troupes allemandes de la SS tentent d’arrêter Giorgio Manfredi, ingénieur communiste et chef de la Résistance contre les nazis et fascistes italiens. Au début, ils croient que Giorgio est un policier, mais lorsqu’il leur fait clairement comprendre qu’il est un membre de la Confédération, Giorgio leur demande de transmettre des messages et même de l’argent à un groupe de résistants en dehors de la ville, car il est désormais reconnu par la Gestapo et ne peut plus agir seul.

Peu de mouvements cinématographiques peuvent se targuer d’un taux de réussite comparable à celui du néoréalisme italien, une vague d’après-guerre engagée dans la lutte de la classe ouvrière qui semble n’avoir produit que des chefs-d’œuvre. Roberto Rossellini fut responsable de films dramatiques, notamment Allemagne année zéro, ainsi que ce drame de répression et de résistance, qui compte non pas une mais deux des scènes de mort les plus extraordinaires de tout le cinéma.

Assurance sur la mort (1944)

Assurance sur la mort (1944) est un film noir réalisé par Billy Wilder et mettant en vedette Fred MacMurray, Barbara Stanwyck et Edward G. Robinson. Le film est une adaptation de la nouvelle du même nom de James M. Cain.

En 1938, l’agent d’assurance Walter Neff revient à son bureau dans le centre-ville de Los Angeles avec une blessure par balle à l’épaule et enregistre une confession sur un dictaphone. Un flashback suit. Neff rencontre la charmante Phyllis Dietrichson lors d’une visite à domicile pour conseiller son mari de renouveler sa police d’assurance automobile. Phyllis demande à souscrire un contrat d’assurance accident pour son partenaire.

Le genre délicieusement sombre et élégant du film noir n’existerait tout simplement pas sans Assurance sur la mort. Ce film a vraiment tout : souvenirs, meurtres, ombres et cigarettes à profusion et, bien sûr, une femme fatale rusée (Barbara Stanwyck). L’un des excellents réalisateurs de l’âge d’or hollywoodien, Billy Wilder s’est distingué dans une large gamme de genres cinématographiques, mais ce joyau hard-boiled est son œuvre la plus influente.

Citizen Kane (1941)

Citizen Kane (1941) est un film réalisé par Orson Welles, son premier long métrage. Le film raconte l’histoire de Charles Foster Kane, un magnat de la presse, à travers les souvenirs de ses amis et connaissances. Dans un château appelé Xanadu, partie d’un immense domaine en Floride, le vieil Charles Foster Kane est sur son lit de mort. Tenant un objet représentant un paysage enneigé dans sa main, il prononce un mot, « Rosabella », puis meurt.

Un film d’actualités raconte la vie de Kane, un éditeur de journaux et magnat industriel extrêmement riche. La mort de Kane devient une nouvelle stupéfiante dans le monde entier, alors que le producteur du film d’actualités charge le journaliste Jerry Thompson de découvrir la signification de « Rosabelle ».

Un drame existentiel – joué avec un talent inépuisable par le prodigieux acteur et réalisateur Orson Welles – d’un enfant méprisé à un baron de la presse. Vous pouvez vous immerger dans les méthodes révolutionnaires du film, telles que la photographie à profondeur de champ de Gregg Toland, le génie de sa mise en scène ainsi que son examen du capitalisme américain. C’est aussi tout simplement une sacrée bonne histoire que vous ne devriez absolument pas manquer.

Le Faucon maltais (1941)

Le Faucon maltais (1941) est un film noir réalisé par John Huston et mettant en vedette Humphrey Bogart. Le film est une adaptation du roman éponyme de Dashiell Hammett. À San Francisco en 1941, les détectives privés Sam Spade et Miles Archer rencontrent la cliente potentielle Ruth Wonderly. Plus tard dans la nuit, Spade est réveillé par un appel de la police l’informant qu’Archer a été tué. Dundy suggère que Spade avait l’opportunité et le motif de tuer Thursby, qui a probablement tué Archer.

Plus tard ce matin-là, Spade rencontre sa cliente, qui avoue avoir inventé l’histoire et se fait désormais appeler Brigid O’Shaughnessy. Dans son bureau, Spade rencontre Joel Cairo, qui lui offre d’abord 5 000 $ pour retrouver une « figure noire d’un oiseau » au nom de son prétendu propriétaire légitime. Lorsque Cairo revient, il engage Spade. Le film a été présenté en première à New York le 3 octobre 1941 et a été nommé pour trois Oscars. Il a été cité par Panorama du Film Noir Américain comme le premier grand film noir. Parmi les meilleurs films noirs à voir.

Sa petite amie Friday (1940)

Sa petite amie Friday (1940) est une comédie américaine screwball réalisée par Howard Hawks, avec Cary Grant et Rosalind Russell, et mettant en vedette Ralph Bellamy et Gene Lockhart. Le film est un regard rapide, spirituel et charmant sur le monde du journalisme, et il contient certains des dialogues les plus mémorables de l’histoire du cinéma.

Walter Burns est le rédacteur en chef du journal The Morning Post qui apprend que son ex-femme et ancienne journaliste vedette, Hildegard « Hildy » Johnson, est sur le point d’épouser son ennuyeux assureur Bruce Baldwin et de mener une vie tranquille de femme au foyer à Albany, New York. Walter décide d’empêcher cela et attire une Hildy réticente pour couvrir une dernière histoire : l’exécution imminente de Earl Williams, un comptable reconnu coupable du meurtre d’un policier afro-américain.

Parmi les nombreux films de haut niveau réalisés par le réalisateur Howard Hawks, His Girl Friday est son plus enchanteur et verbeux. Le laconique Hawks aurait minimisé son proto-féminisme tout au long de sa vie, le film est aussi son plus libre ; des femmes fortes qui avaient des emplois et travaillaient mieux que les journalistes masculins étaient simplement ce qu’elle voulait voir. Un chef-d’œuvre amusant de comédie. Si vous aimez les mots, vous aimerez ce film.

Fantasia (1940)

Fantasia est un film d’animation produit par Walt Disney Productions et sorti en 1940. C’est une œuvre innovante et expérimentale pour l’époque, car le film mêle animation et musique classique pour créer une sorte de « synesthésie » entre les sens de l’ouïe et de la vue. Le film se compose de huit segments, chacun accompagné d’une bande sonore composée par de grands musiciens tels que Beethoven, Tchaïkovski, Stravinsky et Bach. Les segments, animés par certains des meilleurs artistes de l’époque, incluent des scènes de ballet, la danse des fées, le combat entre le bien et le mal et bien plus encore.

Un des segments les plus célèbres de Fantasia est probablement Le Sacre du printemps de Stravinsky, qui retrace l’évolution de la vie sur Terre, de la naissance du soleil à l’apparition des dinosaures. Le segment fut critiqué à l’époque pour sa brutalité et sa violence, mais est devenu une pierre angulaire de l’animation moderne. Fantasia fut un grand succès au box-office, mais suscita des réactions mitigées de la part des critiques. Cependant, au fil des années, il est devenu un film culte, apprécié tant pour sa beauté visuelle que pour son audace artistique. Le film a également eu une grande influence sur la culture populaire et a inspiré de nombreux autres films et productions artistiques.

The Zero Hour (1939)

The Zero Hour (1939) est un film policier américain réalisé par Sidney Salkow et mettant en vedette Otto Kruger, Frieda Inescort et Adrienne Ames. Le film est un remake du film français de 1938 La Bête Humaine, réalisé par Jean Renoir et basé sur le roman éponyme de Émile Zola.

Le film raconte l’histoire de Steve Reynolds, un pilote hanté par le souvenir d’un crash qui a tué sa femme et son enfant. Il lutte également contre son alcoolisme et sa relation avec sa petite amie, Susan. Une nuit, alors qu’il rentre chez lui après un voyage, Steve est contraint de faire un atterrissage d’urgence lors d’une tempête de neige. Il est aidé par une jeune femme nommée Linda, et ils développent bientôt une relation amoureuse.

Le film explore les thèmes de la culpabilité, de l’obsession et du pouvoir destructeur de la violence. C’est aussi une histoire sur la condition humaine et la lutte pour surmonter ses démons personnels. Le film est réalisé dans un style sombre et atmosphérique, avec un accent sur le tumulte psychologique des personnages. Salkow utilise diverses techniques pour créer un sentiment de tension et de suspense, notamment un éclairage tamisé, des gros plans extrêmes et un montage rapide.

La Règle du Jeu (1939)

La Règle du Jeu est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma français et l’un des films les plus importants du XXe siècle. Le film a rencontré un succès critique et commercial à sa sortie et continue d’être apprécié par les critiques et le public du monde entier.

L’aviateur André Jurieux arrive à Paris après avoir traversé l’océan en avion. Il est accueilli par son ami Octave, qui informe André que Christine, la noble austro-française, n’est pas venue le saluer. La relation passée de Christine avec André est acceptée par son partenaire, sa servante et leur ami Octave.

Jean Renoir a confirmé sa maîtrise avec cette quête parfaite des strates sociales parmi les stupides, les oisifs, sur le point d’être anéantis par la Seconde Guerre mondiale. Les relations entre aristocrates et domestiques s’épanouissent lors d’une semaine de chasse dans un château, où le seul crime est de confondre la frivolité avec la sincérité.

La Bête Humaine (1938)

La Bête Humaine (1938), réalisé par Jean Renoir, est un thriller romantique français basé sur le roman éponyme d’Émile Zola. Le film raconte l’histoire de Jacques Lantier, un mécanicien de locomotive à vapeur poussé à la violence par ses propres démons intérieurs.

Le film se déroule à la fin du XIXe siècle. Jacques Lantier est mécanicien de locomotive à vapeur et marié à Flore. Cependant, il est aussi attiré par Séverine, l’épouse de Roubaud, le chef de gare du Havre. Jacques et Séverine entament une liaison et prévoient de tuer Roubaud. Ils le piègent en le faisant monter dans un train puis le poussent sur les rails. Cependant, leur plan tourne mal et Jacques est le seul à survivre.

Le film explore les thèmes de la passion, de l’obsession et du côté sombre de la nature humaine. C’est aussi une histoire sur le pouvoir destructeur de la violence. Le film est réalisé dans un style réaliste, avec un accent sur les personnages et leurs motivations. Renoir utilise diverses techniques pour créer un sentiment de réalisme, notamment des prises de vue en extérieur et une caméra à main.

La Grande Illusion (1937)

La Grande Illusion (1937), réalisé par Jean Renoir, est un film dramatique de guerre français largement considéré comme l’un des plus grands films jamais réalisés. Le film raconte une histoire d’amitié et de loyauté entre deux officiers français capturés pendant la Première Guerre mondiale.

Le film suit les capitaines Maréchal et de Boëldieu, deux officiers français capturés par les Allemands. Les deux hommes sont transférés dans un camp de prisonniers de guerre, où ils se lient d’amitié avec d’autres officiers français. Les prisonniers prévoient une évasion, mais le plan échoue et les deux capitaines sont transférés dans une forteresse à haute sécurité. Dans la forteresse, les deux hommes rencontrent le capitaine von Rauffenstein, un officier allemand qui est aussi un homme d’honneur.

Le film explore les thèmes de l’amitié, de la loyauté et de la nature de la guerre. C’est aussi une histoire sur l’importance de la compassion et du respect mutuel, même entre ennemis. Le film est réalisé dans un style réaliste, avec un accent sur l’humanité des personnages. Renoir utilise diverses techniques pour créer un sentiment de réalisme, notamment le tournage en extérieur, la caméra à main et la profondeur de champ.

Les Temps modernes (1936)

Les Temps modernes (1936) est une comédie dramatique réalisée par Charlie Chaplin. Il est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Chaplin, et comme l’un des films les plus importants et influents de l’histoire du cinéma. Le film raconte l’histoire de Charlie, un ouvrier d’usine sur une chaîne de montage dans une aciérie. Charlie est un travailleur assidu, mais la chaîne de montage est si rapide qu’elle le rend fou. Charlie est renvoyé de l’usine et se retrouve à errer dans les rues d’une ville industrielle. Il trouve un emploi de vendeur de journaux, mais même ce travail est épuisant et mal payé.

Le film explore les thèmes de l’aliénation, de l’exploitation et de la lutte des classes. C’est aussi une histoire sur l’importance de l’amour et de la solidarité. Le film est réalisé dans un style de comédie dramatique, avec un accent sur l’humanité des personnages. Chaplin utilise diverses techniques pour créer un sentiment de comédie et de pathos, notamment les gags physiques, la pantomime et la musique.

L’Atalante (1934)

L’Atalante est un film de 1934 réalisé par le cinéaste français Jean Vigo. Il est considéré comme un des chefs-d’œuvre du cinéma d’auteur et a eu un grand impact sur l’histoire du cinéma. Le film raconte l’histoire d’un jeune couple marié, Juliette et Jean, qui se marient et commencent leur vie ensemble à bord d’une péniche appelée « L’Atalante », naviguant le long des canaux français.

« L’Atalante » est un exemple de cinéma poétique, caractérisé par une narration onirique et une profonde réflexion sur la vie et les émotions humaines. Jean Vigo adopte une approche innovante dans sa réalisation, combinant des éléments réalistes et fantastiques. Le film est connu pour ses séquences époustouflantes à bord du bateau, la représentation de la vie des marins et le portrait d’un amour jeune et conflictuel.

Malheureusement, Jean Vigo est décédé à l’âge de 29 ans peu après la réalisation de « L’Atalante », et n’a jamais pu voir son œuvre reconnue comme un chef-d’œuvre du cinéma. Cependant, au fil des années, le film a été réévalué et admiré par les critiques et les cinéphiles du monde entier, s’imposant comme une œuvre fondatrice de la cinématographie. Si vous en avez l’occasion, je vous recommande de voir « L’Atalante » pour vous immerger dans son expérience visuelle poétique et unique.

M (1931)

M (1931) est un film allemand réalisé par Fritz Lang. Il raconte l’histoire d’un tueur en série d’enfants qui terrorise la ville de Düsseldorf. Le film est considéré comme l’un des précurseurs du genre noir et a eu une influence significative sur le cinéma ultérieur. L’histoire du film est simple mais efficace. Un tueur en série d’enfants, surnommé « M », commence à terroriser la ville de Düsseldorf. La police est impuissante à l’arrêter, et la population est en panique. Un groupe de criminels décide de prendre les choses en main et de capturer eux-mêmes le tueur.

Le film se déroule dans l’Allemagne pré-nazie, et l’histoire reflète les peurs et les insécurités de la société allemande à cette époque. Le film est aussi une exploration de la nature du mal et de la justice. L’un de ces films emblématiques – il n’y en a que quelques-uns – qui se situent à la frontière entre le cinéma muet et l’ère du parlant, mais qui tirent parti des vertus des deux. Le film de tueur en série brûle d’une profonde obscurité visuelle tout en réjouissant les oreilles avec son sifflement « In the Hall of the Mountain King » (joué par Lang lui-même avec les lèvres pincées ; sa star, Peter Lorre, ne savait pas siffler).

Les Lumières de la ville (1931)

Les Lumières de la ville (1931) est une comédie dramatique muette réalisée par Charlie Chaplin. Le film raconte l’histoire d’un vagabond qui tombe amoureux d’une fleuriste aveugle. Il entreprend de l’aider à retrouver la vue, même si cela signifie sacrifier son propre bonheur.

Les Lumières de la ville est considéré comme l’un des plus grands films de Chaplin. C’est une histoire réconfortante et émouvante qui a été saluée pour son humour, son pathos et son commentaire social. Le film a rencontré un succès critique et commercial à sa sortie, et il est resté populaire depuis.

Chaplin, réticent à abandonner les techniques visuelles qu’il avait apprises, a insisté pour faire de sa nouvelle comédie un film muet même si les spectateurs souhaitaient des films sonores. Comme toujours, la star a eu le dernier mot : non seulement le film a été un énorme succès commercial, mais il s’est aussi terminé par le gros plan le plus déchirant de l’histoire du cinéma, le sommet de l’émotion, sans qu’aucun dialogue ne soit nécessaire.

La Passion de Jeanne d’Arc (1928)

La Passion de Giovanna d’Arco (1928), réalisée par Carl Theodor Dreyer, est un film dramatique historique danois considéré comme l’un des films les plus importants et influents jamais réalisés. Le film offre une interprétation réaliste et poignante du procès et de la mort de Giovanna d’Arco.

Le film est réalisé dans un style réaliste, avec un usage minimal d’effets spéciaux. Dreyer a choisi de se concentrer sur l’interprétation des acteurs et la narration de l’histoire. Le réalisateur Carl Theodor Dreyer fait preuve de rigueur dans la mise en scène et le montage ; le film se concentre largement sur les allées et venues entre Jeanne et ses inquisiteurs. Réalisé à la fin de l’ère du muet, ce grandiose drame historique a établi de nouvelles normes dans le jeu cinématographique, car il a anticipé le cinéma d’avant-garde des années 1930. Et pour cent autres raisons.

La Foule (1928)

La Foule (1928), réalisé par King Vidor, est un film romantique dramatique muet américain largement considéré comme l’un des plus grands films muets jamais réalisés. Le film raconte la lutte d’un jeune homme pour atteindre le rêve américain.

Le film suit John Sims, un jeune homme ambitieux qui déménage à New York avec sa femme Mary en quête d’une vie meilleure. John gravit les échelons, passant d’un emploi subalterne à un poste bien rémunéré, mais il semble incapable d’atteindre le bonheur et le succès qu’il désire.

Le film explore les thèmes de l’ambition, de la désillusion et de la nature du rêve américain. C’est aussi une histoire sur l’importance de la famille et de l’amour. Le film est réalisé dans un style naturaliste, avec un accent sur le réalisme et le commentaire social. Vidor utilise diverses techniques pour créer un sentiment de réalisme, notamment le tournage en extérieur, la caméra à main et la cinématographie à grande profondeur de champ.

Metropolis (1927)

Metropolis (1927) est un film muet de science-fiction expressionniste allemand réalisé par Fritz Lang. Il est considéré comme une œuvre phare du cinéma et est l’un des films les plus influents jamais réalisés.

Metropolis se déroule dans un futur dystopique où la classe ouvrière travaille dans les souterrains, tandis que l’élite riche vit dans une ville de gratte-ciels luxueux. Le film raconte l’histoire de Freder Fredersen, le fils du dirigeant de la ville, qui tombe amoureux de Maria, une cheffe ouvrière. Maria diffuse un message de paix et d’égalité, ce qui menace le pouvoir de la classe dirigeante. Le bras droit de Fredersen, Rotwang, crée un androïde qui ressemble exactement à Maria, afin de semer la discorde parmi les ouvriers.

Metropolis fut un succès commercial et critique à sa sortie. Il fut salué pour ses innovations techniques, ses décors et costumes très stylisés, ainsi que pour son exploration de thèmes importants tels que la classe sociale, la technologie et l’esprit humain. Le film suscita également la controverse pour sa représentation de la classe ouvrière. Certains critiques accusèrent le film d’être anti-socialiste et de promouvoir l’idée que la classe ouvrière est ignorante et facilement manipulable.