100 Filmes Imperdíveis: as Obras-Primas

Quando se trata de definir as obras-primas da história do cinema, encontramos rankings de todos os tipos, para todos os públicos e manipulados pelo marketing das grandes produtoras. Rankings que têm pouco ou nada a ver com a arte do cinema. Acontece de ver filmes tão comerciais incluídos nessas listas que se pergunta se aqueles que as escreveram queriam zombar dos leitores ou se realmente acreditam que certos filmes são grandes obras-primas atemporais.

Se você acha que Star Wars, O Resgate do Soldado Ryan, Titanic, Toy Story ou o último filme do diretor intelectual da moda que ganhou um prêmio em Cannes devem ser incluídos entre as grandes obras-primas da história do cinema, então pare de ler, este artigo não é para você. Existem toneladas de blogs e revistas que dizem qualquer coisa por uma variedade de razões comerciais ou culturais. A academia mundial de renome Pinco Pallino também poderia incluir Jurassic Park na lista.

Se, por outro lado, você quer esclarecer e entender o que realmente vai além das modas do momento e ter uma ideia sobre a verdadeira arte do cinema, o cinema concebido e projetado para ir além do tempo e espaço em que vivemos, na visão do que se entende e percebe como arte na Tradição milenar, na qual o cinema é o mais recente a chegar, então esta lista de obras-primas cinematográficas é para você.

Cinema Independente & Joias Escondidas

Começamos aqui, porque é onde o cinema está mais vivo hoje. O cinema independente é o antídoto para os blockbusters padronizados: são filmes livres, corajosos, muitas vezes feitos com orçamentos pequenos, mas com ideias revolucionárias. Se você está procurando por “filmes subestimados” ou vozes únicas que as grandes plataformas ignoram, este é o seu lugar. É cinema para quem quer descobrir, não apenas consumir.

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Nosferatu

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Quando um jovem corretor de imóveis, Thomas Hutter, vai ao castelo para fechar um negócio, Orlok é atraído pelo seu sangue e decide segui-lo até sua cidade natal. A chegada do conde provoca uma série de mortes misteriosas e espalha pânico entre os habitantes.

Murnau, por meio de imagens evocativas e atmosferas perturbadoras, cria uma obra que vai muito além da simples adaptação do romance de Stoker. O filme explora temas universais como o medo da morte, o isolamento e a perda da humanidade. A produção de Nosferatu foi marcada por algumas dificuldades legais devido aos direitos autorais do romance de Bram Stoker. Apesar disso, Murnau e sua equipe conseguiram fazer um filme de grande impacto visual. A escolha de Max Schreck para interpretar o Conde Orlok foi genial. Sua aparência cadavérica e seus movimentos não naturais fizeram do personagem Orlok um dos monstros icônicos na história do cinema. Ao longo dos anos, Nosferatu tornou-se um filme cult, influenciando gerações de cineastas e tornando-se um ponto de referência para o gênero de horror. A imagem do Conde Orlok, com suas unhas alongadas e olhos fundos, tornou-se um ícone do cinema de terror.

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Cinema de Arte & Cinema Ensaístico

O cinema autoral não é um gênero; é um olhar. Aqui reunimos as obras de grandes mestres e visionários que usaram a câmera como uma caneta. De filmes premiados nos principais festivais (Cannes, Veneza, Berlim) ao cinema de arte mais rigoroso. São os “filmes belos” que exigem atenção, mas recompensam com uma experiência artística profunda e indelével.

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Filmes Cult & Filmes “Inesquecíveis”

Existem filmes que transcendem a crítica e se tornam religião. O “Filme Cult” é aquele filme estranho, excessivo ou simplesmente brilhante que criou uma base de fãs devotada. Sejam obras reconhecidas ou “filmes B” que se tornaram lendas, esses são os títulos que moldaram o imaginário coletivo. Se você quer entender a cultura pop, deve começar por aqui.

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Faust

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Terror, de F. W. Murnau, alemão, 1926.
Fausto é um estudioso idoso que perdeu a fé na vida. Ele está derrotado pela sua incapacidade de ajudar os outros e pela consciência da sua própria mortalidade. Um dia, ele encontra Mefistófeles, que lhe oferece um pacto: em troca de sua alma, Mefistófeles lhe dará juventude e poder eternos. Fausto aceita o pacto e Mefistófeles o leva a um mundo de luxo e prazer. Fausto se apaixona por Gretchen, uma jovem inocente, mas seu amor é frustrado por Mefistófeles.

Fausto é considerado um dos maiores filmes mudos já feitos. É um filme visualmente deslumbrante, com o uso de Murnau de imagens expressionistas e simbolismo para criar um mundo sombrio e atmosférico. O filme também apresenta algumas das cenas mais icônicas da história do cinema, como a sequência em que Fausto e Mefistófeles voam em um tapete mágico. Além de seus méritos artísticos, Fausto foi um dos últimos grandes filmes alemães produzidos antes da ascensão dos nazistas. O estilo sombrio e expressionista do filme influenciou posteriormente diretores como Orson Welles e Fritz Lang. É um filme visualmente impressionante e instigante que explora os temas da tentação, redenção e a condição humana.

IDIOMA: Alemão
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Português

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O Cinema dos Anos 80 (e Décadas Douradas)

A nostalgia é uma força poderosa. Os anos 80 não foram apenas neon e sintetizadores, mas uma década de criatividade explosiva que redefiniu o cinema de gênero, do horror à ficção científica. Nesta seção, exploramos os clássicos daquela época e de outras décadas douradas, para quem deseja se atualizar sobre os pilares do passado que ainda nos ensinam como o entretenimento é feito hoje.

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Bardo, Falsa Crônica de um Punhado de Verdades (2022)

Bardo, Falsa Crônica de um Punhado de Verdades é um filme mexicano de 2022 dirigido por Alejandro G. Iñárritu. O filme é estrelado por Daniel Giménez Cacho como um famoso jornalista mexicano que se prepara para sua morte. O filme teve sua estreia mundial no 78º Festival de Cinema de Veneza em 2 de setembro de 2022, onde ganhou o Leão de Ouro.

O filme é uma jornada pela memória e identidade do protagonista, que é confrontado com seu passado e seu presente. O filme é uma exploração da condição humana, da perda e do luto. O filme foi elogiado por sua direção, cinematografia e atuações.

O filme foi elogiado por sua direção, cinematografia e atuações. A direção de Iñárritu é magistral. Ele cria uma atmosfera onírica e surreal que espelha o mundo interior do protagonista. A fotografia de Rodrigo Prieto é belíssima. Ele captura a beleza do México, mas também sua crueldade.

As atuações dos atores são todas excelentes. Giménez Cacho se destaca especialmente no papel principal. Ele consegue transmitir a complexidade do personagem e sua luta para encontrar o sentido da vida. Bardo, Falsa Crônica de um Punhado de Verdades é um filme poderoso e comovente. É um filme que ficará com você muito tempo depois de assisti-lo.

Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo

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Comédia, drama, histórico, de Sadao Yamanaka, Japão, 1935.
Um homem dá uma panela velha para seu irmão, sem perceber que há um mapa do tesouro dentro. Sua cunhada vende a panela para um ferro-velho, que por sua vez a vende para um garoto chamado Yasu. Um elenco colorido de personagens está procurando por esse vaso, e quando o garoto foge depois de ser repreendido por Ogino, todos saem atrás dele.

Existem apenas três obras sobreviventes dirigidas na curta, mas muito rica vida artística de Sadao Yamanaka, que morreu com menos de trinta anos na Manchúria em 1938. Entre elas está A Panela do Milhão de Ryo, onde o jovem talento diretor confronta um personagem icônico do jidaigeki, Tange Sazen, um espadachim com um olho e um braço só. Ao abordar uma história aparentemente canônica de frente, Yamanaka opta por um olhar completamente pessoal, tanto no uso da paródia quanto na encenação em que planos abertos e a câmera fixa predominam, apesar dos closes que geralmente lotavam os filmes da saga. O diretor japonês Akira Kurosawa citou este filme como um dos seus 100 filmes favoritos. Muitos críticos e diretores japoneses o consideram o melhor filme japonês de todos os tempos.

IDIOMA: japonês
LEGENDAS: inglês, espanhol, francês, alemão, português

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Ilha de Cachorros (2018)

Ilha de Cachorros é um filme de animação em stop-motion de 2018 dirigido por Wes Anderson. O filme se passa em um futuro distópico onde o prefeito da cidade de Megasaki, no Japão, declarou que todos os cães estão doentes e os exilou para um lixão na Ilha de Cachorros.

A história acompanha um garoto de doze anos chamado Atari Kobayashi, sobrinho do prefeito, que se aventura até a Ilha de Cachorros em busca de seu cão de estimação, Spots. Lá, ele encontra um grupo de cães vadios que o ajudam em sua busca. A Gangue dos Cães inclui o líder, Rex, o Pastor Alemão; Boss, o buldogue americano; Duke, o cão vira-lata; King, o cão que já foi líder de circo; e Chief, o cão vadio solitário.

O filme é notável por sua estética única e trilha sonora, que incorpora elementos da cultura japonesa e da tradicional orquestra japonesa de taiko. O elenco de vozes inclui nomes como Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton e Yoko Ono.

O filme foi geralmente bem recebido pela crítica e ganhou o Urso de Prata de Melhor Diretor no Festival de Cinema de Berlim de 2018. No entanto, o filme também foi criticado por sua representação da cultura japonesa e pelo uso de estereótipos culturais.

Suspiria (2018)

Suspiria é um filme de 2018 dirigido por Luca Guadagnino, um diretor italiano conhecido por obras como “Call me by your name” e “I am love”. É um remake do filme de terror homônimo de 1977 dirigido por Dario Argento. O filme é uma reinterpretação moderna que se desvia significativamente do original, tanto em termos de enredo quanto de estilo.

Suspiria se passa em Berlim, 1977, e acompanha a jovem bailarina americana Susie Bannion (interpretada por Dakota Johnson), que ingressa em uma prestigiada escola de dança dirigida por Madame Blanc (interpretada por Tilda Swinton). Logo, Susie descobre que a escola está cheia de mistérios, segredos obscuros e forças sobrenaturais. Durante sua estadia, suspeitas de assassinatos e desaparecimentos começam a surgir, levando Susie a uma verdade chocante sobre sua escola e seus professores.

Ao contrário do original, que focava fortemente em sua estética colorida e experimental, Guadagnino criou uma atmosfera muito diferente em seu “Suspiria”. O filme é caracterizado por um tom mais sombrio, cinza e opressivo, com cenas de dança elaboradas e espetaculares entrelaçadas com sequências perturbadoras e viscerais. A trilha sonora, composta por Thom Yorke do Radiohead, contribui para a atmosfera inquietante e sinistra.

Elenco: O elenco do filme é liderado por Dakota Johnson, Tilda Swinton e Mia Goth, e todos entregam performances impressionantes. Tilda Swinton merece uma menção especial, pois interpreta não apenas Madame Blanc, mas também outros personagens, incluindo um personagem masculino que não é creditado nos créditos.

Sunrise: A Song of Two Humans

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Drama, romance, noir, de Friedrich Wilhelm Murnau, Estados Unidos, 1927
Uma mulher da cidade grande em férias (Margaret Livingston) fica em uma pequena cidade à beira do lago. Depois do anoitecer, ela vai a uma fazenda onde o homem (George O'Brien) e sua esposa (Janet Gaynor) cuidam do filho. Ela chama o homem da cerca do lado de fora. O homem está indeciso, mas finalmente se afasta, deixando sua outra esposa sozinha. O homem e a mulher se encontram ao luar e se beijam apaixonadamente. Ela quer que ele venda sua fazenda para ir com ela para a cidade. Quando ela sugere que ele resolva o problema da esposa afogando-a, ele tenta estrangulá-la violentamente, mas então muda completamente sua atitude em relação a ela. Quando o homem e sua esposa partem para um passeio de barco no lago, ele se prepara para jogá-la na água. Mas quando ela implora por misericórdia, ele percebe que não pode fazer isso. O homem rema freneticamente para a margem, e quando o barco chega à costa, sua esposa foge em pânico.

Aurora: Uma Canção de Dois Humanos, dirigido pelo diretor alemão FW Murnau em sua estreia no cinema americano, é baseado no conto de Carl Mayer "A Excursão a Tilsit", lançado em 1917.
Murnau escolheu usar o novo sistema de som Fox Movietone, fazendo de Aurora um dos primeiros longas-metragens com trilha sonora sincronizada e efeitos sonoros. Janet Gaynor ganhou o primeiro Oscar de Melhor Atriz por sua atuação no filme. O filme é agora comumente considerado uma obra-prima, entre os melhores filmes já feitos. Muitos o chamam de o maior filme da era do cinema mudo. Murnau, mestre do cinema expressionista, foi convidado por William Fox para fazer um filme expressionista em Hollywood. A linguagem e a fotografia do filme são revolucionárias: elegantes planos-sequência, longas sequências de pura ação sem diálogo no estilo característico de Murnau. Os personagens permanecem sem nome, criando a percepção de uma história universal.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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História Fantasma Siciliana (2017)

História Fantasma Siciliana é um filme de 2017 dirigido por Fabio Grassadonia e Antonio Piazza. O filme é inspirado em uma história real que aconteceu na Sicília nos anos 90. É uma mistura de elementos do cinema fantástico e drama social, que conta a história de um romance entre dois jovens: Luna, uma garota de 13 anos, e Giuseppe, um garoto da mesma idade que desapareceu misteriosamente devido à máfia.

O filme explora temas como a violência do crime organizado, a inocência das crianças e o poder do amor. A narrativa se desenrola através de uma fusão entrelaçada de realismo mágico e metáforas visuais, oferecendo uma perspectiva única sobre as consequências de uma era marcada pelo crime e pela corrupção.

O filme foi aclamado pela crítica por sua profundidade emocional e mensagem, assim como pela maestria técnica e visual dos cineastas. Em nossa opinião, é um dos melhores filmes de máfia já feitos, uma obra de arte de grande valor desconhecida dos circuitos mainstream.

Holy Motors (2012)

Um homem misterioso entra em uma limusine branca para uma série de encontros surreais por Paris, transformando-se em diversos personagens — de mendigo a assassino, de pai a besta. Cada vinheta se desenrola em uma odisseia onírica através da identidade, da performance e das absurdidades da existência.

A audaciosa odisseia de arte independente de Leos Carax reinventa a forma cinematográfica, com as interpretações camaleônicas de Denis Lavant conduzindo um carnaval de metamorfoses. Lamenta a morte do filme analógico enquanto celebra as fronteiras selvagens da imaginação, mesclando beleza, horror e fantasia. Este triunfo independente desafia as normas narrativas, afirmando a magia transformadora do cinema em uma era de conformidade digital.

The Turin Horse (2011)

Inspirado no encontro de Nietzsche com um cavalo, este conto austero acompanha um camponês, sua filha e seu cavalo enfrentando ventos implacáveis e recursos escassos em isolamento. Rituais diários de sobrevivência se desgastam em meio a presságios apocalípticos, retratando o confronto cru da humanidade com o destino.

O opus valedictional de Béla Tarr, co-dirigido com Ágnes Hranitzki, destila a existência em longos planos-sequência em preto e branco e na trilha sonora assombrosa de Mihály Víg. Seu rigor ascético investiga os limites da resistência, evocando forças primordiais sem sentimentalismo. Um ápice do cinema de arte, exige imersão hipnótica, recompensando a contemplação da mortalidade e da resiliência na visão mais intransigente do cinema autoral.

Vampyr

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Horror, by Carl Theodor Dreyer, Germany, 1932.
Late in the evening, Allan Gray arrives at an inn near the town of Courtempierre and rents a room to sleep. Gray is suddenly disturbed by an old man, who enters the room and leaves a square package on the table: "To be opened on my death" is written on the wrapping paper. Gray takes the package and heads to an old castle where he sees an old woman and meets another old man. Looking through one of the windows, Gray sees the owner of the castle, the same man who gave him the package. The man is suddenly killed by a gunshot.

Carl Theodor Dreyer's Vampyr is made in the transition years between sound and silent cinema, using the visual language of the former to bring the horror genre into the new era. In Vampyr reigns a constant feeling of anguish, a nightmarish state of mind and invisible presences that lurk in every corner. Rudolph Maté's photography records every subtlety of light and shadow in a captivating dance. By now iconic shots, such as that of a man with a scythe ringing a bell and the sign of an inn silhouetted against a dark sky. Anthology scenes like the one in which Allan dreams of being buried alive by the vampire's henchmen, in which Dreyer uses a claustrophobic subjective view that makes the viewer "enter" the coffin. Just as in his previous film, The Passion of Joan of Arc from 1928, Dreyer uses intense close-ups to underscore the fears his characters encounter. Darkness plays an important role: the shadows move independently of their bodies and the forces of evil violate the rules of physics. Vampyr is a remarkable exploration of the boundaries between light and dark, fate and shadows, night and day. One of the masterpieces in the history of cinema that cannot be missed.

LANGUAGE: German
SUBTITLES: English, Spanish, French, Portuguese

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Certified Copy (2010)

Em uma vila toscana, uma negociante francesa de antiguidades envolve um autor britânico em um debate sobre a autenticidade da arte durante uma sessão de autógrafos. A conversa que dura o dia todo confunde as linhas entre realidade e interpretação, evoluindo para uma exploração íntima do amor, da imitação e da conexão humana.

Abbas Kiarostami cria um meta-drama engenhoso que desconstrói percepção e relacionamentos através da performance magistral de Juliette Binoche em contraponto a William Shimell. Alternando fluidamente entre ficção e autenticidade, questiona a essência da originalidade na arte e no romance. Esta joia independente exemplifica a precisão autoral, recompensando múltiplas exibições com camadas de nuances filosóficas e profundidade emocional.

No Country for Old Men (2007)

No Country for Old Men” é um filme baseado no romance homônimo de Cormac McCarthy. É um thriller neo-western que acompanha a história de Llewelyn Moss, um caçador que encontra uma maleta cheia de dinheiro após um tiroteio entre traficantes de drogas no deserto do Texas. Este ato desencadeará uma série de eventos violentos, incluindo a perseguição implacável de Anton Chigurh, um assassino implacável, e a tentativa do velho xerife Ed Tom Bell de deter a violência que parece inexplicável e sem sentido.

O filme alcançou enorme sucesso e ganhou quatro Oscars, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Ator Coadjuvante pelo desempenho excepcional de Javier Bardem como Anton Chigurh. É um filme aclamado pela crítica, conhecido por sua tensão, estilo visual distinto e atuações impecáveis do elenco.

Oldboy (2003)

Provavelmente o melhor filme de terror coreano de todos os tempos, o thriller de vingança de 2003 dirigido por Park Chan-wook, “Oldboy”. Oh Dae-su (Choi Min-sik) foi preso em um pequeno apartamento sem janelas por 15 anos. Ele não tem ideia de quem fez isso ou por quê. Um dia, ele é libertado e começa a busca por aqueles que arruinaram sua vida para que possa se vingar deles. Pelo caminho, Dae-su se apaixona por uma mulher, o que dificulta a execução da vingança.

Este é um filme cheio de reviravoltas, conspirações e mentiras; quando você pensa que entendeu para onde o filme está indo, Park inverte suas expectativas. Park é um diretor excepcionalmente talentoso e registra a sutileza e complexidade da vingança, um estilo que ele expande para o restante de sua Trilogia da Vingança, que consiste em “Sympathy for Mr. Vengeance” e “Lady Vengeance”.

O Pianista (2002)

Em setembro de 1939, Władysław Szpilman, um pianista judeu polonês, estava tocando ao vivo na rádio de Varsóvia durante a invasão nazista da Polônia. Esperando um sucesso rápido, Szpilman se alegra com sua família em casa ao saber que a Grã-Bretanha e até a França declararam guerra à Alemanha, mas a ajuda garantida não chega.

Os combates duraram pouco mais de um mês, com as forças armadas alemãs e soviéticas invadindo a Polônia simultaneamente em várias frentes. Varsóvia se junta ao governo geral controlado pelos nazistas. Os judeus logo são impedidos de trabalhar ou possuir empresas e também são obrigados a usar pulseiras azuis com a Estrela de Davi.

Um drama histórico produzido pela França, Reino Unido, Alemanha e Polônia. O Pianista estreou no Festival de Cinema de Cannes de 2002 em 24 de maio, onde ganhou a Palma de Ouro, e foi lançado em grande escala em setembro; o filme recebeu ampla e importante aclamação, com críticos de cinema elogiando a direção de Polanski, a atuação de Brody e o roteiro de Harwood. Na 75ª cerimônia do Oscar, o filme ganhou Melhor Diretor (Polanski), Melhor Roteiro Adaptado (Harwood) e Melhor Ator (Brody), e foi indicado a mais 4 prêmios, incluindo Melhor Filme.

Battleship Potemkin

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Drama, guerra, de Sergej Eisenstein, Rússia, 1925.
A revolta dos marinheiros do encouraçado Potemkin e dos cidadãos de Odessa contra a polícia implacável do czar, que reage com represálias e realiza um massacre. Sergej Eisenstein faz um filme encomendado pela Goskino, o escritório de cinematografia e produção de filmes na União Soviética. É um filme de "propaganda" para a celebração da revolução de 1905, mas Eisenstein o transforma em uma obra experimental e grandiosa, destinada a mudar para sempre a história do cinema e da montagem.

Para refletir
A revolução vê as coisas em termos políticos, pressupõe que para transformar o homem, a estrutura da sociedade deve ser mudada. Mas nenhuma revolução jamais conseguiu transformar o homem. O revolucionário quer mudar a sociedade, o governo, a burocracia, as leis, o sistema político. Todas as revoluções sempre fracassaram miseravelmente, e o homem sempre permaneceu o mesmo. Não são necessários revolucionários para mudar o mundo, são necessários rebeldes.

IDIOMA: Russo
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Mulholland Drive (2001)

Betty fica surpresa ao descobrir uma mulher sofrendo de amnésia que se chama “Rita” após ver um pôster do filme Gilda com Rita Hayworth. Para ajudar a mulher a lembrar sua identidade, Betty examina a bolsa de Rita, onde descobre uma grande quantia em dinheiro e também um segredo azul incomum.

Você pode assistir Mulholland Drive, sem dúvida um dos melhores thrillers psicológicos e um dos filmes mais significativos do novo século, cem vezes e ainda assim perceber algo diferente a cada exibição. A extravagante dor de cabeça de Los Angeles de David Lynch está cheia de segredo, medo e até sensualidade perturbadora, temas que há muito tempo eram constantes na obra do autor, mas que aqui alcançaram sua apoteose inevitável.

A Viagem de Chihiro (2001)

É um filme de animação japonês de 2001 dirigido pelo lendário diretor Hayao Miyazaki e produzido pelo Studio Ghibli. O filme acompanha as aventuras de Chihiro, uma jovem que se vê presa em um mundo sobrenatural após seus pais serem transformados em porcos por uma maldição.

Chihiro deve tentar salvar seus pais e encontrar um caminho de volta para casa, mas para isso terá que superar uma série de desafios e encontrar uma variedade de personagens estranhos e maravilhosos, incluindo o espírito do rio Haku e a misteriosa bruxa Yubaba.

Um dos aspectos mais fascinantes do filme é seu mundo de fantasia surreal, que está cheio de criaturas estranhas e maravilhosas, como dragões, espíritos da natureza e outros seres mágicos. A animação é incrivelmente detalhada e os visuais são repletos de cores vívidas e detalhes que tornam o mundo de A Viagem de Chihiro um lugar deslumbrante e encantador.

O filme também aborda temas importantes como a importância da família, a força interior e o valor da humanidade, tudo envolto em uma história fantástica e envolvente que foi aclamada pela crítica e pelo público ao redor do mundo. O filme ganhou inúmeros prêmios, incluindo o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003, e é considerado um dos melhores filmes de animação de todos os tempos.

Cape Fear (1991)

Martin Scorsese e Robert De Niro podem ter alcançado seu auge no thriller psicológico com o épico Taxi Driver em 1976, porém o filme de terror dos anos 90 Cape Fear é outro filme imperdível. Como Max Cady, um estuprador psicopata, De Niro trama vingança contra seu ex-representante legal Sam Bowden (Nick Nolte) por esconder provas que poderiam tê-lo absolvido.

Cady invade todos os aspectos da vida de Bowden como uma sombra densa que cobre sua família e seu trabalho em uma espiral inevitável de assassinato e crueldade. Cady seduz como uma serpente, cativando suas vítimas, e se transforma em um monstro psicopata que ataca a família Bowden durante uma tempestade torrencial. A imprevisibilidade e o sadismo de Cady fazem de Cape Fear um filme absolutamente soberbo em seu gênero.

Goodfellas (1990)

Goodfellas é um filme biográfico policial americano de 1990 dirigido por Martin Scorsese e escrito por Scorsese e Nicholas Pileggi, baseado no livro Wiseguy de Pileggi, que narra a vida do mafioso Henry Hill.

O filme conta a história de Hill, um jovem ítalo-americano que cresce no Brooklyn nos anos 1950. Hill é fascinado pelo mundo do crime organizado e começa a trabalhar para Paulie Cicero, um chefe da máfia local. Hill rapidamente sobe na hierarquia e torna-se amigo de Jimmy Conway e Tommy DeVito, dois gangsters implacáveis.

Os três amigos vivem uma vida de luxo e crime, mas a amizade deles começa a fraquejar quando Tommy se torna cada vez mais violento e instável. Hill, por sua vez, começa a se arrepender da vida de gangster, mas já é tarde demais para voltar atrás.

Três décadas depois, ainda é pura adrenalina cinematográfica: a ópera gangster de Martin Scorsese é um epitáfio gloriosamente executado para heróis que se revelam ter pés de barro e mãos ensanguentadas. Ele é famoso por muitas coisas: o icônico Copacabana, os mil momentos de agonia, a morte de Billy Batts, as golas das camisas de Joe Pesci, e muito mais… mas se há apenas uma razão pela qual é favorito de todos, certamente é a desventura do anti-herói de Ray Liotta, Henry Hill.

Eles Vivem (1988)

“Eles Vivem” é um filme de terror dos anos 1980 de John Carpenter. O filme se passa em uma Los Angeles distópica, onde alienígenas assumiram a forma de humanos e controlam secretamente a sociedade.

O protagonista do filme é Nada, um homem desempregado que se vê vivendo nas ruas. Um dia, Nada encontra um par de óculos escuros pretos que lhe permitem ver a realidade como ela realmente é: os alienígenas são na verdade criaturas monstruosas que controlam a mente das pessoas por meio de mensagens subliminares transmitidas pela televisão e publicidade.

Atônito com essa revelação, Nada embarca em uma luta implacável para libertar a humanidade do controle dos alienígenas. Um dos filmes cult de alienígenas.

A Page Of Madness

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Drama, horror, de Teinosuke Kinugasa, Japão, 1926.
Uma página de loucura é um filme independente filmado com um orçamento quase inexistente e depois perdido por quarenta e cinco anos. Felizmente, o diretor o redescobriu em seu arquivo em 1971. É um filme feito por um grupo de artistas japoneses de vanguarda, a Escola das novas percepções. Um movimento que tinha como objetivo superar a representação naturalista. Em um asilo do país, sob uma chuva torrencial, o zelador encontra pacientes com doenças mentais. No dia seguinte, uma jovem chega e se surpreende ao encontrar seu pai lá, que trabalha como zelador. A mãe da jovem enlouqueceu por causa do marido quando ele era marinheiro. O marido decidiu mudar de emprego para ficar perto da esposa no asilo e cuidar dela. A filha diz ao pai que vai se casar em breve, mas o pai está preocupado porque teme, segundo rumores populares da época, que a doença mental da mãe seja herdada pela filha. Se o jovem marido e sua família descobrirem a loucura da mãe, o casamento desmoronará. O zelador tenta cuidar da esposa durante seu trabalho, enquanto ela é agredida por outros internos, mas isso interfere em seu papel e ele é repreendido pelo chefe do asilo. Lentamente, o zelador perde o contato com a realidade e seus limites com o sonho. Ele começa a fantasiar sobre ganhar na loteria quando sua filha o encontra novamente para dizer que seu casamento está em apuros. O homem pensa em tirar a esposa do asilo para esconder sua existência e resolver todos os problemas. Teinosuke Kinugasa é o diretor de alguns dos melhores filmes japoneses da década de 1920. Uma página de loucura foi comparado aos grandes filmes expressionistas alemães. É um filme experimental, de vanguarda extrema, que parece antecipar as atmosferas e temas que tornariam David Lynch famoso muitos anos depois. Pesadelos, distorções, borrões, duplas exposições e deformações fotográficas: um filme que explora os limites mais distantes das imagens em movimento. Depois, há aquelas máscaras colocadas em uma sucessão eterna de barras, fechaduras e corredores que alimentam o senso de medo e perda dos vários protagonistas ao extremo. Yasunari Kawabata, o escritor da história, ganhou o Pr

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Conta Comigo (1986)

O autor Gordie Lachance lê uma notícia sobre uma facada fatal. Lembra um evento da juventude quando ele, seu amigo Chris Chambers e mais dois amigos, Teddy Duchamp e Vern Tessio, viajaram para descobrir o corpo de um menino desaparecido perto da comunidade de Castle Rock, Oregon, durante o fim de semana do Dia do Trabalho, em setembro de 1959.

Para muitas pessoas nascidas nos anos 70 ou 60, Stand By Me é o filme cult dos anos 80 que reuniu cinéfilos e espectadores comuns. Certamente está entre os melhores filmes da década de 1980. O filme possui uma beleza e profundidade que parecem ressoar com cada geração. Um sentimento intenso e envolvente de nostalgia juvenil que se torna uma reflexão profunda sobre o significado da vida humana.

Stand by me é uma obra-prima atemporal com um séquito de fãs leais que a celebram todos os anos, um marco nas memórias dos mais jovens para a passagem iniciática entre os anos da infância e da vida adulta, um filme incomum que sempre melhora com o passar do tempo.

Era Uma Vez na América (1984)

Era Uma Vez na América (1984) é um épico filme de gângster dirigido por Sergio Leone e estrelado por Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci e Diane Keaton. O filme é baseado no romance autobiográfico de 1952 com o mesmo nome de Harry Grey (The Hoods em inglês).

Era Uma Vez na América é considerado um dos maiores filmes de todos os tempos. O filme foi elogiado por sua direção, roteiro, cinematografia, atuações e trilha sonora.

Talvez mais. Primeiro, o filme de Leone tem 4 horas de duração. Raramente é exibido em sua forma original, e até os próprios produtores acharam que era longo demais para o público assistir integralmente.

A versão original de Leone para o filme consistia em dois filmes de 180 minutos que seriam exibidos em dias consecutivos. Após o lançamento inicial, o diretor planejou transformar as duas partes em uma única versão de quatro horas e 29 minutos. Um filme para assistir sobre amizade viril e a passagem do tempo, para entrar na dimensão do mito, típica dos filmes de Sergio Leone.

Paris, Texas (1984)

Um andarilho mudo chamado Travis emerge do deserto, reunindo-se com seu irmão no Texas. À medida que as memórias ressurgem, ele embarca em uma viagem para encontrar sua esposa afastada e seu jovem filho, desvendando uma história de perda, redenção e laços familiares fragmentados pelo sudoeste americano.

O comovente neo-oeste de Wim Wenders mistura magistralmente as sensibilidades do cinema europeu de arte com a vastidão americana, exibindo as visuais evocativas do cinegrafista Robby Müller. A atuação estoica de Harry Dean Stanton ancora um estudo íntimo de alienação e reconciliação. Seu diálogo minimalista e trilha sonora com influências de blues elevam-no ao ápice do cinema independente, capturando a dor silenciosa dos arrependimentos não expressos.

Fanny e Alexander (1982)

Fanny e Alexander (título original: “Fanny och Alexander”) é um filme de 1982 escrito e dirigido pelo famoso diretor sueco Ingmar Bergman. É uma das obras mais conhecidas e aclamadas de Bergman e é considerado um de seus mestres.

O filme se passa no início do século XX na Suécia e conta a história de dois irmãos, Fanny e Alexander, que pertencem a uma família de atores e vivem em um ambiente teatral. A trama se desenvolve em torno das experiências de vida dos dois meninos, que passam por momentos de alegria e felicidade, mas também por períodos de tristeza e dificuldade.

A família de Fanny e Alexander é composta por personagens complexos e multifacetados, incluindo o padrasto dos irmãos, o cruel e manipulador bispo Vergérus, interpretado por Jan Malmsjö, que representa uma figura sombria e autoritária na vida dos meninos.

O filme explora temas profundos e universais como infância, família, amor, espiritualidade, morte e a dimensão mágica e surreal da vida. Bergman emprega uma estética visual e narrativa extraordinariamente rica e envolvente, com atenção ao detalhe cênico e diálogos intensos.

Fanny e Alexander foi um grande sucesso internacional, ganhando quatro Oscars, incluindo Melhor Filme Estrangeiro. O filme também recebeu admiração crítica e comercial, consolidando o prestígio de Ingmar Bergman como um dos diretores mais influentes da história do cinema.

Blade Runner (1982)

Em novembro de 2019, em Los Angeles, o ex-policial Rick Deckard é detido pelo Oficial Gaff e levado por seu antigo gerente, Bryant. Deckard, cujo trabalho como “blade runner” era rastrear humanoides bioengenheirados e “aposentá-los” de forma terminal, é informado de que 4 replicantes foram encontrados ilegalmente na Terra. Os dois assistem a um vídeo de um blade runner chamado Holden realizando o teste Voight-Kampff, que serve para diferenciar replicantes de humanos com base em suas ações.

A visão de Ridley Scott de um futuro distópico é um dos filmes de ficção científica mais elegantes já feitos. Com uma estética visual inspirada no noir e uma trilha sonora marcante de Vangelis (uma grande influência para Prince), Blade Runner é icônico não apenas por seu visual definidor de época, mas também por sua reflexão filosófica profunda sobre o que significa ser humano.

Muitos tentaram imitar o cenário impressionante do filme, porém essas ruas molhadas pela chuva e vistas sombrias apresentam algo único.

Zero for Conduct

Agora disponível

Comedy, by Jean Vigo, France, 1933.
The holidays are over and it's time for the kids to return to the terrible boarding school, run by obtuse and conformist tutors, unable to encourage the growth of any spirit of freedom and creativity. The only thing these austere professors are capable of is assigning a "zero" for conduct. But the boys decide to rebel with the complicity of the new supervisor, Huguet, different from all the others. Thus a real revolution is unleashed. Jean Vigo describes the children's yearning for freedom with audacity and a subversive spirit, with a ruthless critique of the scholastic institution, which closely resembles certain memorable sequences from Fellini's cinema. Perhaps the Italian filmmaker had seen the Vigo film? It seems very, very likely. The film was banned by French censorship and did not have a public screening until 1945.

Food for thought
The conditioning of the family, the school and the mass media are probably the main causes of the existential failure of millions of people. They are unidentified enemies, from which it is difficult to defend oneself, which cause the loss of self-esteem and the creativity necessary to achieve ambitious goals. Social, cultural and religious conditioning are a fundamental theme in the life of every human being, and one of the main topics of the filmographies of masters of cinema such as Fellini, Truffaut, and many others.

LANGUAGE: French
SUBTITLES: English, Spanish, German, Portuguese

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Apocalipse Now (1979)

Durante a Guerra do Vietnã, o Coronel das Forças Especiais do Exército dos EUA, Walter E. Kurtz, enlouqueceu e está travando uma guerra de guerrilha implacável contra as forças NVA e PLAF sem o consentimento de seus comandantes. Em um posto avançado no Camboja, ele comanda tropas americanas que o veem como um semideus. O agente queimado do MACV-SOG, Capitão Benjamin L. Willard, é mobilizado na sede da I Field Force em Nha Trang.

Sua missão é “acabar com o comando de Kurtz. A Guerra do Vietnã é implacável enquanto Martin Sheen tenta eliminar o renegado Coronel Marlon Brando. Pelo caminho, há buscas, uma fantástica incursão de helicóptero, o cheiro de napalm, tigres e coelhinhas da Playboy, até que Sheen desce do barco.

Alien (1979)

A nave espacial Nostromo está retornando à Terra com uma equipe de sete tensos membros: Capitão Dallas, Oficial Executivo Kane, Oficial de Garantia Ripley, Navegadora Lambert, oficial científico Ash, os projetistas Parker e até Brett. Ao detectar uma transmissão de uma lua próxima, o computador da nave, a Mãe, deixa o pessoal em alerta. Ripley descobre o conteúdo da transmissão, identificando-a como um aviso, mas não consegue comunicar a informação aos que estão na nave abandonada.

Se tudo o que Alien fez foi introduzir um negócio de franquia focado na sobrevivente Sigourney Weaver, o padrão de horror sci-fi claustrofóbico de Ridley Scott ainda estaria cimentado no cânone do cinema. No entanto, Alien se transforma em uma obra de arte subversiva. Os efeitos especiais e a criatura de mandíbula dupla de HR Giger, uma visão horripilante, são uma das peças mais extraordinárias de puro artesanato no cinema. Um dos filmes imperdíveis do cinema de ficção científica.

Stalker (1979)

Em uma Zona desolada e misteriosa onde se diz que desejos se realizam, um escritor desiludido, um cientista e seu enigmático guia conhecido como Stalker aventuram-se em território proibido. Sua jornada testa os limites da fé, do desejo e da limitação humana em meio a paisagens inquietantes e tensão psicológica.

A obra meditativa de Tarkovsky transcende a ficção científica convencional, usando a Zona como uma tela metafísica para explorar o desespero existencial e o anseio espiritual. Seus longos planos hipnóticos e a profundidade philosófica criam uma experiência sensorial profunda, desafiando os espectadores a confrontar vazios interiores. Reverenciado por seus visuais poéticos e ritmo pausado, incorpora o poder do cinema autoral para sondar os mistérios da alma além do espetáculo narrativo.

That Obscure Object of Desire (1977)

Um amor às vezes terrível e até inútil entre Mathieu (Fernando Rey), um francês rico de meia-idade, e uma jovem e pobre bailarina de flamenco de Sevilha, Conchita, interpretada por Carole Bouquet e também por Ángela Molina. As duas atrizes aparecem inesperadamente em cenas separadas e variam não apenas fisicamente, mas também temperamentais.

A maior parte do filme é um flashback lembrado por Mathieu. O filme começa com Mathieu passando de trem de Sevilha para Paris. Ele está tentando se distanciar de sua jovem namorada Conchita. Enquanto o trem de Mathieu se prepara para partir, ele descobre que Conchita está atrás dele. Do trem, ele joga água sobre a cabeça dela, humilhando-a. Ela acredita que isso a impedirá, mas insiste e embarca.

Baseado no romance de 1898 A Mulher e o Boneco, de Pierre Louÿs. Foi o último esforço para dirigir Luis Buñuel antes de sua morte em julho de 1983. Situado na Espanha e na França, no contexto de uma revolta terrorista, o filme conta com estilo surrealista a história através de uma série de flashbacks de um idoso francês, Mathieu (interpretado por Fernando Rey), que narra o apaixonar-se de uma bela jovem espanhola, Conchita (interpretada alternadamente por duas atrizes, Carole Bouquet e Ángela Molina), que repetidamente frustra seus desejos sexuais e românticos.

Taxi Driver (1976)

Travis Bickle é um veterano da Guerra do Vietnã de 26 anos que luta contra um trauma psíquico. Ele vive sozinho na cidade de Nova York. Travis aceita um emprego como taxista no turno da noite para lidar com sua insônia persistente e isolamento. Ele frequentemente visita cinemas pornôs na 42nd Street e também mantém um diário no qual tenta conscientemente registrar seus pensamentos. Ele se rebela contra a atividade criminosa e a degeneração da cidade que testemunha, além de fantasiar sobre limpar as ruas do crime.

Uma viagem a uma Nova York desaparecida e um retrato de um homem perturbado, Taxi Driver está no auge dos filmes de arte que caracterizaram a Nova Hollywood dos anos 70. A visão de Martin Scorsese é carregada de uma atmosfera inquieta, suspensa entre drama e noir, e até mesmo o roteiro do filme de Paul Schrader investiga as profundezas da alma humana, que foram dadas pela memorável interpretação de Robert De Niro.

Tokyo Story

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Drama, de Yasujirô Ozu, Japão, 1953.
Shukichi e Tomi, agora perto dos setenta anos, fazem uma viagem a Tóquio para visitar seus filhos antes que seja tarde demais. Quando chegam à cidade, no entanto, a recepção não é o que esperavam: o filho mais velho Koichi e sua irmã Shige têm muitos compromissos de trabalho e parecem encarar a visita dos pais idosos mais como um incômodo do que uma alegria. Apenas Noriko, viúva do segundo filho Shoji há oito anos, demonstra um afeto sincero pelos antigos sogros, apesar de não haver vínculo sanguíneo que os una. Um dos filmes mais importantes da história do cinema, começa com uma partida e termina com uma despedida, como muitos outros filmes da maturidade de Ozu. O diretor japonês conta uma história simples com os temas principais de sua filmografia, conseguindo criar uma obra-prima. Conflito geracional e mudança na sociedade, ritmos, gestos, ações diárias. Uma apologia moral atemporal, como os ciclos com que as estações se repetem.

Para refletir
À medida que os pais envelhecem e se tornam frágeis, os filhos dedicados ao trabalho, ao entretenimento efêmero da modernidade, não se interessam por eles, talvez os deixando permanentemente em algum asilo e se vangloriando de pagar uma taxa por uma estrutura de alto nível. À medida que a disputa da vida material continua, a memória coletiva e as conquistas do espírito da era da sabedoria se perdem para sempre.

IDIOMA: Japonês
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Brussels (1975)

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) é um filme dramático dirigido por Chantal Akerman. O filme conta a história de Jeanne Dielman, uma viúva belga que vive com seu filho adolescente em um pequeno apartamento em Bruxelas. Jeanne é uma mulher organizada e metódica que cuida do filho e ganha a vida como prostituta.

Este não é apenas um filme de arte, mas uma janela para uma condição universal, representada em um estilo estruturalista. Levando-nos à rotina, Akerman e a atriz Delphine Seyrig criam um extraordinário senso de simpatia raramente igualado por outros filmes. Jeanne Dielman representa um compromisso total com a vida de uma mulher, hora a hora, minuto a minuto.

Um Estranho no Ninho (1975)

Este filme sobre asilos e loucura é baseado no livro homônimo de 1962 de Ken Kesey, e está entre apenas 3 filmes na história de Hollywood a ganhar os 5 principais Oscars de Melhor Filme, Diretor, Roteiro, Atriz e Ator. Um Estranho no Ninho é baseado em um livro de Ken Kesey que usa o abuso psiquiátrico como metáfora para a crueldade do Estado.

No outono de 1963, Randle McMurphy é encontrado em uma fazenda no Oregon acusado de estuprar uma jovem de 15 anos. Ele finge estar psicologicamente instável para ser transferido para uma instituição psiquiátrica e evitar o trabalho forçado. A ala é controlada pela enfermeira-chefe Mildred Ratched, uma autocrata fria e passivo-agressiva que amedronta seus pacientes.

Tubarão (1975)

Na cidade litorânea de Amity Island, em New England, uma garota, Chrissie Watkins, mergulha no mar. Enquanto nada, ela é atacada por um grande peixe. No dia seguinte, seus restos são encontrados na praia. Segundo o médico, a morte foi causada por um ataque de tubarão. O chefe de polícia Martin Brody é persuadido a fechar as costas.

O prefeito Larry Vaughn o convence a reverter sua decisão, temendo que o turismo da cidade seja destruído. O legista aceita provisoriamente a teoria do prefeito de que Chrissie morreu em um acidente de barco. Brody aceita relutantemente a decisão até que o tubarão mata um menino, Alex Kintner, em uma praia lotada.

Steven Spielberg alcançou um sucesso implacável que não requer previsão política para permanecer relevante – é um filme sobre um grande tubarão que devora pessoas. Em grande parte graças ao próprio filme, essa ansiedade ilógica nunca abandona o público. Sempre que aparece um funcionário estatal inepto, é difícil não pensar no prefeito Vaughn, com seu macacão estampado ridículo, dizendo ao povo de Amity Island que é seguro voltar para a água. O que torna Tubarão imperdível é que os tubarões são aterrorizantes, mas a ganância e a incompetência são muito mais temíveis.

Phantom of Paradise (1974)

A história acompanha o compositor Winslow Leach, visto pelo infernal produtor musical Swan durante sua apresentação em apoio à banda nostálgica dos anos 1950 The Juicy Fruits, criada por Swan. Swan acredita que as músicas de Winslow são as melhores para abrir “The Paradise” – o tão aguardado novo auditório de Swan – e ordena que seu braço direito Arnold Philbin adquira os direitos das canções de Leach.

Um mês depois, Winslow vai à Death Records de Swan para perguntar sobre sua música, mas é expulso. Ele invade a mansão de Swan e observa enquanto mulheres ensaiam suas músicas para uma audição. Uma delas é Phoenix, uma cantora aspirante, que Winslow considera ideal para suas canções. Winslow se apaixona por Phoenix. Ele descobre o plano de Swan de abrir o Paraíso com suas músicas, invade a Swan Records, mas Swan ordena que seus capangas espancem Winslow e o incriminem por tráfico de drogas.

filme cult de horror, imperdível pela sua loucura e pela inovação que Brian De Palma trouxe para a linguagem do cinema. Um dos marcos na carreira do diretor ítalo-americano.

Amarcord (1973)

Amarcord (1973) é um filme semi-autobiográfico de comédia dramática sobre o amadurecimento dirigido por Federico Fellini e estrelado por Bruno Zanin, Pupella Maggio, Magali Noël, Armando Brancia e Enzo Fazioli. O filme se passa na cidade natal de Fellini, Rimini, Itália, na década de 1930, e conta a história de Titta, um garoto crescendo em uma pequena cidade durante um período de agitação política e social.

Amarcord é considerado um dos filmes mais pessoais e autobiográficos de Fellini. É uma celebração da infância, da memória e da beleza do cinema. O filme está repleto de humor, pathos e nostalgia, e é imperdível para qualquer fã do trabalho de Fellini.

O título do filme é uma univerbação da expressão romanhola a m ‘arcôrd (“Eu guardo na memória”). O personagem Titta é, sem dúvida, baseado no companheiro de juventude de Fellini em Rimini, Luigi Titta Benzi. Benzi acabou se tornando advogado e continuou em contato próximo com Fellini ao longo da vida. Uma obra-prima cheia de humanidade e poesia, é um filme obrigatório para todos, mesmo para aqueles que não compreendem totalmente os filmes mais complexos de Fellini.

Ugetsu

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Drama, fantasy, by Kenji Mizoguchi, Japan, 1953.
Japan, late 16th century: the potter Genjurō and his brother Tobei live with their wives Miyagi and Ohama in a village in the Omi region; Genjurō, convinced that he can earn a lot of money by selling his goods in the nearby city, goes to the county of Omizo with Tobei, who joins him with the sole purpose of being able to become a samurai. Back home with a good income, the two work hard to make even more money; Tobei, increasingly obsessed with the ambition of becoming a samurai, needs the money to buy an armor and a spear while Genjurō, overcome by greed, tries to cook a batch of crockery with his brother in just one night. Legend and innovation of cinematic language, a wonderful world next to a brutal and cruel world. Mystery film that opens a discourse with the invisible planes of existence, ghosts and forays into the fantastic, made by Kenji Mizoguchi in a Japan still frozen by the two atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki. Fundamental work by Mizoguchi, recognized as one of the greatest expressions of the Seventh Art. A lofty lesson in directing that creates wonder with a dramatic tale of greed and lust for possession. A woman who is a tempting demon and a wife abandoned to a fate of war and misery, Mizoguchi uses the camera to enter "another world".

Food for thought
According to ancient Eastern traditions there are other non-physical planes beyond the physical plane. The etheric plane envelops the physical body, gives it vital energy and acts as an intermediary with the higher levels. Beyond the etheric plane there is the astral plane where entities may exist that have not been able to resign themselves to the loss of their body and wander in search of sensations. They are what are commonly referred to as "ghosts". These entities are looking for bodies that have unbalanced etheric planes to "hook up" to in order to experience sense satisfaction through them.

LANGUAGE: Japanese
SUBTITLES: English, Spanish, French, German, Portuguese

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O Exorcista (1973)

No norte do Iraque, o padre católico Lankester Merrin participa de uma escavação histórica onde descobre um medalhão de São José e um artefato representando Pazuzu, um demônio. Enquanto Merrin se prepara para deixar o Iraque, ele encontra uma grande escultura de Pazuzu e também observa dois animais de estimação brigando no deserto.

Em Georgetown, a atriz Chris MacNeil trabalha em um filme dirigido por seu amigo Burke Dennings. O padre de Georgetown, Damien Karras, visita sua mãe em Nova York. Chris ouve ruídos no sótão e Regan conta a ela sobre um amigo imaginário chamado “Capitão Howdy”.

Há uma razão pela qual os espectadores saíam do cinema em macas quando William Friedkin desencadeou seu inferno cinematográfico sobre a humanidade, e essa é a mesma razão pela qual nos tornamos sombras trêmulas depois de passar algum tempo com Regan – simplesmente não dá para perder. Filme obra-prima e um dos filmes de horror mais assustadores de todos os tempos.

O Poderoso Chefão (1972)

O Poderoso Chefão (1972) é um épico filme de gângster dirigido por Francis Ford Coppola e estrelado por Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, John Marley, Richard Conte e Diane Keaton. O filme é baseado no romance homônimo de Mario Puzo publicado em 1969.

Dos ensaios de Goodfellas a The Sopranos, todos os impérios de atividade criminosa que seguiram O Poderoso Chefão são filhos dos Corleones: a magnum opus de Francis Ford Coppola é uma das obras-primas seminais da categoria máfia. Uma linha de abertura significativa (“Eu Acredito na América”) põe em movimento o drama de Mario Puzo, antes que o épico de Coppola se transforme em um conto arrepiante que destrói o sonho americano.

A história imersa em corrupção conta sobre uma família de imigrantes lutando com os valores paradoxais do poder e da religião; essas oposições morais se cristalizam em uma série épica de batismos, lindamente curada em paralelo com o assassinato de quatro pessoas de poder entre os clãs. Com inúmeros detalhes lendários – a cabeça de cavalo decepada, a voz ofegante de Marlon Brando, a memorável valsa de Nino Rota – a autoridade do Poderoso Chefão vive no tempo.

Roma (1972)

Federico Fellini conta sobre sua juventude em Roma. O filme começa com uma multidão barulhenta e pitoresca recebendo o jovem que desce de um trem na estação Termini. Seguem-se sequências que mostram Roma durante o regime fascista nas décadas de 1930 e 1970.

Um jovem Fellini (Gonzales) muda-se para um enorme apartamento romano habitado por pessoas grotescas (incluindo um sósia de Benito Mussolini) e também administrado por uma mulher obesa. Ele visita 2 bordéis – um decadente e superlotado e o outro mais luxuoso e elegante – e aparentemente também ama uma prostituta que trabalha no último. Depois há um teatro de vaudeville barato, ruas, túneis, assim como uma antiga catacumba com afrescos que são destruídos pelo ar fresco logo após os escavadores a descobrirem.

É uma homenagem à cidade, mostrada em uma série de episódios vagamente conectados ambientados tanto no presente quanto no passado de Roma. A trama é muito pequena, e o único “personagem” a se afirmar consideravelmente é a própria Roma. Peter Gonzales interpreta o jovem Fellini e o filme inclui muitos atores não profissionais.

As Lágrimas Amargas de Petra von Kant (1972)

Petra von Kant (Carstensen) é uma famosa estilista baseada em Bremen. O filme é quase completamente filmado no quarto de seu apartamento, decorado com uma significativa recriação de Midas de Poussin e também de Baco (c.1630), retratando mulheres e homens nus e parcialmente vestidos. O quarto também contém vários manequins em tamanho real para seu trabalho.

Os relacionamentos matrimoniais de Petra terminaram em morte ou separação. Seu primeiro cônjuge, Pierre, foi um grande amor, que morreu em um acidente de carro enquanto Petra estava grávida; o segundo começou da mesma forma, mas terminou mal. Petra vive com Marlene, outra designer, a quem trata como uma escrava, e esse relacionamento revela as tendências sadomasoquistas de Petra.

Este drama é provavelmente o mais agudo e psicologicamente complexo dele; indiscutivelmente, é o seu mais canalha. Há tanto para amar no confronto de Fassbinder, que vai além do espetáculo de duas fashionistas duelando, entrando numa profunda exploração do envelhecimento e da obsolescência.

Solaris (1972)

Solaris é um filme de ficção científica de 1972, dirigido pelo cineasta soviético Andrei Tarkovsky. O filme é baseado no romance de ficção científica de 1961 escrito pelo autor polonês Stanisław Lem. É considerado uma das obras-primas do cinema soviético e um dos maiores filmes de ficção científica já feitos.

A trama de “Solaris” gira em torno do Dr. Kris Kelvin, interpretado por Donatas Banionis, um cosmonauta e psicólogo enviado a uma estação espacial em órbita ao redor do planeta alienígena Solaris. A estação espacial é habitada apenas por alguns cientistas e parece estar envolvida em fenômenos estranhos. Solaris é um planeta coberto por um vasto oceano inteligente que parece ser capaz de materializar os medos, esperanças e memórias dos membros da tripulação na forma de manifestações físicas.

O filme explora temas filosóficos e psicológicos, focando no isolamento, solidão, amor, memória e na natureza da realidade. “Solaris” é uma obra lenta e contemplativa, caracterizada por longos planos, cenas evocativas e uma cinematografia impressionante. A direção de Tarkovsky enfatiza a atmosfera surreal e onírica do planeta alienígena, enquanto os atores entregam performances envolventes que capturam a intensidade emocional da história.

The Exterminating Angel

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Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
A trama gira em torno de um grupo de pessoas que se reúnem em uma villa suntuosa para um jantar de gala. No entanto, após o jantar, eles descobrem que não conseguem deixar a villa, apesar de as portas e janelas estarem trancadas e as saídas aparentemente bloqueadas. O que se segue é uma espécie de pesadelo surreal onde o grupo de convidados fica preso na villa e seus comportamentos e relações sociais começam a se degradar de maneira bizarra.

O filme aborda temas como conformidade social, alienação e a queda das convenções sociais. É conhecido por suas sequências surreais e pela forma como desafia a realidade e a lógica tradicional. "O Anjo Exterminador" é frequentemente interpretado como uma crítica satírica à classe alta e às normas sociais autojustificadoras. Este filme tornou-se um ícone do cinema surrealista e representa uma das obras mais distintivas e provocativas de Luis Buñuel. É valorizado tanto por sua complexidade conceitual quanto por sua extravagância visual, e tem sido influente no mundo do cinema por sua capacidade de ultrapassar os limites da arte cinematográfica. Na época, muitos pensaram que seria o último filme da carreira de Buñuel. No entanto, foi o primeiro de uma série de obras-primas.

IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês

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Laranja Mecânica (1971)

Laranja Mecânica (1971) é um filme de ficção científica distópico dirigido por Stanley Kubrick e estrelado por Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Michael Bates e Warren Clark. O filme é baseado no romance homônimo de Anthony Burgess, publicado em 1962.

Os quatro delinquentes protagonistas do filme invadem uma cabana, espancando um velho escritor e também estuprando sua esposa, que posteriormente morre. Quando uma tentativa de roubo dá errado e Alex mata uma mulher idosa com um enorme falo de mármore, ele é condenado a 14 anos de prisão.

Imerso numa Inglaterra distópica, é o relato em primeira pessoa de um delinquente juvenil submetido a uma reabilitação emocional patrocinada pelo Estado. Obra-prima cinematográfica, filme para assistir e revisitar. Um daqueles filmes que mudam sua vida, uma sátira incrível sobre sistemas políticos extremos baseados em versões opostas da perfectibilidade humana.

O Pássaro com a Pena de Cristal (1970)

O Pássaro com a Pena de Cristal é um filme de 1970 dirigido pelo mestre do cinema italiano Giallo, Dario Argento, em sua estreia como diretor. O filme é o primeiro do gênero thriller italiano que inaugurou um longo período de sucesso na categoria. Após seu lançamento, o filme foi muito bem-sucedido nas bilheterias, arrecadando 1.650.000.000 de liras italianas. Também foi um sucesso fora da Itália.

Sam Dalmas é um autor americano de férias em Roma com sua namorada inglesa, Julia, que está enfrentando um bloqueio criativo e está prestes a voltar para a América, porém ele testemunha o ataque a uma senhora em uma galeria de arte por um estranho usando luvas pretas e um sobretudo. Tentando alcançá-lo, Sam fica preso entre duas portas de vidro operadas mecanicamente e pode apenas assistir o homem escapar.

Block Notes di un regista (1969)

Block Notes de um Diretor é um documentário de 1969 dirigido por Federico Fellini. O filme foi rodado em Cinecittà e acompanha Fellini enquanto ele trabalha em seu filme Satyricon. O filme é uma mistura de entrevistas, cenas dos bastidores e momentos da vida cotidiana em Cinecittà.

Fellini fala sobre seu processo criativo e sua visão do cinema. Ele também fala sobre seu relacionamento com seus atores e sua paixão pelo cinema. O filme é um retrato íntimo de Fellini como artista e como homem.

Block Notes de um Diretor é um filme importante na carreira de Fellini. É um dos primeiros filmes em que Fellini se entrega ao lado mais pessoal e autobiográfico de si mesmo. O filme foi um sucesso crítico e comercial e ajudou a consolidar a reputação de Fellini como um dos maiores diretores do século XX.

Aqui estão algumas das coisas que Fellini diz no filme: “O cinema é um sonho. É uma forma de escapar da realidade. É uma maneira de explorar nossos medos e desejos.” “Os atores são minhas ferramentas. Eles me ajudam a dar vida às minhas histórias.” “O cinema é um jogo. É uma forma de se divertir. É uma maneira de comunicar com as pessoas.”

Block Notes de um Diretor é um filme grandioso e vanguardista que fala sobre cinema, mas também é um filme que fala sobre a vida e emociona profundamente. É uma obra-prima do cinema experimental que nos faz refletir sobre a natureza do cinema e a natureza da vida. É um filme que nos faz sonhar e nos entretém. É um filme que nos faz pensar.

2001: Uma Odisseia no Espaço (1968)

Em uma era pré-histórica, um povo hominídeo é expulso de seu poço de água por uma tribo rival. No dia seguinte, eles descobrem que um monólito alienígena apareceu entre eles; ele os ajuda a entender exatamente como usar um osso como arma e a expulsar seus oponentes.

Milhões de anos depois, o Dr. Heywood Floyd, Presidente do Conselho Nacional de Astronáutica dos EUA, faz uma viagem à Base Clavius, um posto avançado lunar dos EUA. Seu objetivo é inspecionar um artefato recentemente localizado, um monólito semelhante enterrado quatro milhões de anos antes perto da cratera lunar Tycho. Ele e outros viajam em um Moonbus até o monólito. 2001: Uma Odisseia no Espaço é uma história de desenvolvimento tecnológico e desastre relacionado, imersa na humanidade, em toda sua glória, fraqueza, nervosismo e louca aspiração.

O filme de ficção científica mais importante e mais impressionante, um mercado atordoado, maravilhado com sua sequência Star Gate e a introdução de visuais psicodélicos, estabeleceu-o imediatamente como um dos maiores filmes da história do cinema. A visão assustadora do futuro de Kubrick – IA e tudo mais – ainda parece profética após mais de 50 anos. Um filme que você absolutamente deve ver se ama a arte das imagens em movimento: êxtase visual e sonoro.

Era Uma Vez no Oeste (1968)

Era Uma Vez no Oeste (1968) é um filme western italiano dirigido por Sergio Leone e estrelado por Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda e Jason Robards. O filme se passa no Oeste Americano do século XIX e conta a história de um pistoleiro misterioso, Harmonica, que chega a uma pequena cidade para vingar o assassinato de sua família.

Um homem chamado “Harmonica” busca vingança contra o criminoso Frank. Em segundo lugar, Frank trabalha como assassino para o magnata da ferrovia, Morton, que está procurando adquirir certas terras pertencentes à família Brett McBain. Os duster que eles usam fazem com que pensem que são os garotos Cheyenne. Frank deixa evidências para culpar os Cheyenne pelos assassinatos.

Obra-prima do spaghetti western, está ambientada em uma América civilizada, embora filmada principalmente em Roma e também na Espanha. O filme se passa em uma fronteira abstrata entre o velho e o novo, dos heróis da vida que desaparecem na memória. É um triunfo de um mundo desaparecido e um cinema impressionante. O olhar frio de Henry Fonda, as guitarras de Ennio Morricone e o enorme Charles Bronson como o pistoleiro supremo são apenas três fatores entre um milhão de preciosidades.

Night of the living dead

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Terror, de George Romero, Estados Unidos, 1968.
Um dos filmes independentes mais lucrativos de todos os tempos, arrecadou cerca de 250 vezes seu orçamento. Inspirado, como outros filmes de terror cult, no romance de 1954 de Richard Matheson, "Eu Sou a Lenda". Filmado como um "filme guerrilha" com um elenco e equipe de amigos e familiares e um orçamento de apenas US$ 114.000, o filme é o precursor do inesgotável gênero de "filmes de zumbis".

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O Bebê de Rosemary (1968)

Como agnóstico, Roman Polanski intencionalmente teceu um fio de incerteza em sua adaptação do livro. Essa incerteza aumenta o elemento do horror psicológico em O Bebê de Rosemary.

Quando um jovem casal, Rosemary (Mia Farrow) e Guy (John Cassavetes), se muda para uma casa em Nova York e faz amizade com um casal idoso, suas vidas começam a tomar caminhos diferentes.

A profissão do homem está evoluindo, e enquanto isso Rosemary imagina cenários sombrios. O medo crescente de Rosemary pode ser devido a um transtorno mental ou pode ser causado por algo sinistro acontecendo dentro do apartamento.

O Bebê de Rosemary é uma obra-prima do horror que acabou se tornando um dos marcos do gênero.

Au Hasard Balthazar (1966)

Au Hasard Balthazar (1966) é um drama francês dirigido por Robert Bresson e estrelado por Michel Simon, Anne Wiazemsky e François Lafarge. O filme se passa na França e conta a história de um burro, Balthazar, que passa de mão em mão, experimentando a crueldade e a bondade da humanidade.

No campo francês próximo aos Pirineus, um burro é adotado por crianças pequenas: Jacques e suas irmãs, que vivem em uma fazenda. Quando uma das irmãs de Jacques morre, sua família deixa a fazenda e a família de Marie assume o burro. O pai de Marie se envolve em disputas legais sobre a fazenda com o pai de Jacques e o burro é relegado a uma padaria local para trabalhos de entrega.

Inspirado em O Idiota (1868-69) de Fyodor Dostoevsky, o filme narra a trajetória de um burro passando por vários donos, muitos dos quais o tratam com violência. Lembrado pelo estilo rigoroso da direção de Robert Bresson, também é considerado uma obra de grande impacto emocional, frequentemente descrito como um dos maiores filmes de todos os tempos. Um daqueles filmes que podem mudar sua vida e lhe dar maior consciência.

Persona (1966)

Alma é uma jovem enfermeira registrada contratada por um médico para cuidar da atriz Elisabet Vogler. Alma lê para ela uma carta do marido de Elisabet que contém uma foto do bebê deles, e a atriz rasga a foto. O médico especula que Elisabet pode se recuperar melhor em uma pequena casa à beira-mar, e também a envia para lá com Alma.

Na casa de campo, Alma informa Elisabet que ninguém jamais prestou atenção nela antes. Alma conta a história de como, já em um relacionamento com Karl-Henrik, ele tomou sol nu com Katarina, uma mulher que ele havia conhecido.

Ingmar Bergman tem o poder de transformar meros seguidores de cinema em viciados delirantes; Persona é um filme que você não pode perder, um psicodrama de dupla face que de alguma forma parece ter sido filmado no último fim de semana com duas das melhores amigas (Bibi Andersson e Liv Ullmann).

Só pela sua intimidade e economia, o filme parece uma prévia dos anos difíceis que viriam. Bergman, recuperando-se de uma pneumonia severa, compôs o roteiro no centro de saúde, lutando contra uma crise que sublimou em arte do mais alto nível.

Andrei Rublev (1966)

Andrei Rublev é um drama histórico dividido em oito episódios, com um começo e um fim que se relacionam apenas vagamente com o filme principal. O filme principal traça a vida do grande pintor de ícones através de 7 episódios que são paralelos à sua vida ou representam transições anedóticas em sua trajetória. A era é a Rússia do século XV, um período difícil identificado pelas lutas entre príncipes rivais e intrusões tártaras.

O retrato épico do diretor soviético Andrei Tarkovsky da época dos mais famosos pintores medievais russos destaca qualidades como paisagem, atmosfera e personagens. É a história do esforço de um homem para superar seu dilema de fé em um mundo que parece ter um suprimento infinito de violência física e disputas, e também é um testemunho extraordinário da perseverança de artistas trabalhando em sociedades opressivas. Um dos maiores picos do cinema de arte, um grande filme em nível figurativo: imagens que deixam você sem fôlego.

8½ (1963)

Guido Anselmi, um renomado diretor de cinema italiano, está enfrentando o “bloqueio do diretor”. Preso em seu novo filme de ficção científica que inclui referências autobiográficas veladas, ele na verdade perdeu o interesse pela vida, em meio a problemas conjugais e artísticos. Enquanto tenta se recuperar de suas ansiedades no spa de Chianciano, Guido contata um famoso crítico de cinema para avaliar as ideias para seu filme, mas o crítico as destrói.

Guido tem visões recorrentes de uma mulher que considera crucial para sua história. Sua amante Carla planeja visitá-lo, mas Guido a coloca em um hotel separado. A equipe de produção do filme se muda para o hotel de Guido numa tentativa fracassada de fazê-lo trabalhar no filme. Guido confessa à melhor amiga de sua esposa, Rosella, que queria fazer um filme que fosse puro e sincero: ele está lutando para dizer algo honesto.

Após o sucesso de La Dolce Vita, Fellini recuperou-se de um impasse criativo com esta obra-prima autobiográfica sobre um diretor vivendo um bloqueio criativo. Tomando seu título do número de filmes que Fellini havia realmente terminado até aquele momento (incluindo alguns curtas para filmes de antologia), Otto e mezzo apresenta Guido cercado por bajuladores e colaboradores enquanto luta para iniciar um complicado filme de ficção científica.

Carnival of souls

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Terror, de Herk Harvey, Estados Unidos, 1962.
Mary Henry sai ilesa de um acidente de carro que matou seus dois companheiros e parte para uma estranha aventura em Salt Lake City, onde se vê atraída por um pavilhão à beira do lago em ruínas e assombrada por uma figura fantasmagórica (interpretada pelo mesmo diretor). Uma obra-prima do terror de baixo orçamento (30.000 dólares) que passou despercebida na época de seu lançamento, tornou-se um filme cult nos Estados Unidos desde o final dos anos 1980. Sons e imagens que inspiraram diretores como George Romero e David Lynch (o homem mascarado de "Lost Roads").

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Os Pássaros (1963)

Os Pássaros (1963) é um filme americano de terror psicológico dirigido por Alfred Hitchcock e estrelado por Tippi Hedren, Rod Taylor e Jessica Tandy. O filme é baseado em um conto de Daphne du Maurier publicado em 1952.

O filme conta a história de Melanie Daniels, uma mulher rica e sofisticada que segue um jovem especialista em pássaros, Mitch Brenner, para uma pequena cidade na Califórnia. Quando Melanie se aproxima de Mitch, os pássaros da cidade começam a atacar os humanos de maneira inexplicável.

Uma das obras-primas entre os filmes de terror baseados em histórias reais, dirigido por Alfred Hitchcock, Os Pássaros centra-se em uma pequena cidade da Califórnia aterrorizada por um enorme bando de pássaros agressivos. É baseado no conto de Daphne Du Maurier, mas o filme também é baseado em uma história real, quando os moradores de Capitola, Califórnia, acordaram para uma cena saída diretamente de um filme de terror. Na época era um mistério completo, mas os cientistas agora acreditam que o ácido domoico e suas neurotoxinas foram a causa do comportamento bizarro dos pássaros.

I Mostri (1963)

I mostri está entre os maiores picos da comédia italiana, e foi filmado em 1963 pelo diretor Dino Risi. O filme foi um sucesso notável na Itália e esteve entre os de maior bilheteria do ano. Foi censurado na Espanha por situações vulgares e embaraçosas.

Quase desconhecido fora da Itália, só foi lançado em 1968 nos Estados Unidos e em 1977 foi filmada uma sequência, absolutamente inferior à primeira, que chegou a ser indicada ao Oscar, intitulada The new monsters.

Os protagonistas principais são Ugo Tognazzi e Vittorio Gassman, que interpretam personagens que se tornam símbolo dos vícios da maioria dos italianos nos anos sessenta, em uma longa galeria de 20 episódios hilariantes.

Sem dúvida, os personagens e circunstâncias engraçadas são encenados de uma forma que toca os limites extremos da sátira. A sátira dos episódios atinge personagens de todos os tipos e classes sociais, políticos e policiais que abusam de seu poder e as classes médias.

O Eclipse (1962)

O Eclipse” é um filme dirigido pelo cineasta italiano Michelangelo Antonioni, lançado em 1962. Como mencionei anteriormente, “L’eclisse” faz parte da famosa “trilogia da solidão” de Antonioni, junto com “L’avventura” e “La notte”. O filme é considerado uma das obras-primas do cinema autoral italiano e recebeu elogios da crítica por sua visão inovadora e estilo cinematográfico único.

A trama de “L’eclisse” acompanha a história de uma jovem, Vittoria (interpretada por Monica Vitti), que está em uma fase de transição emocional após o fim de um relacionamento. Durante o curso do filme, Vittoria conhece um jovem ambicioso chamado Piero (interpretado por Alain Delon), e uma relação ambígua se desenvolve entre os dois. O filme explora temas como alienação, isolamento e insatisfação com a vida moderna.

Antonioni utiliza seu estilo visual característico, com longos planos e enquadramentos precisos, para criar uma atmosfera de incerteza e desolação emocional. O diretor examina a dificuldade da comunicação entre as pessoas e o vazio existencial em seus relacionamentos. “O Eclipse” também é conhecido por sua conclusão icônica, na qual uma cena de amor se transforma em uma cena de abandono e perda.

Accattone (1961)

Vittorio (Franco Citti), apelidado de “Accattone”, leva uma vida de vagabundo até que sua prostituta, Maddalena, é explorada por suas rivais e condenada. Sem uma renda fixa, ele primeiro tenta se estabelecer com a mãe de seu filho, mas é expulso pelos pais; depois disso, encontra a ingênua Stella e tenta induzi-la a se prostituir para ele.

Ela está disposta a tentar, mas quando seu primeiro cliente começa a agredi-la, ela chora e até sai do carro. Accattone tenta apoiá-la, mas desiste depois que, além de ter uma visão incomum da própria morte, sai para roubar com seus amigos.

Independentemente de ter sido filmado a partir de um roteiro, Accattone é geralmente percebido como uma versão cinematográfica dos primeiros contos de Pasolini, especialmente Ragazzi di vita e também Una vita violenta. Foi o primeiro filme de Pasolini como diretor, e ele utiliza rostos que certamente seriam vistos mais tarde como atributos da marca Pasolini: atores não profissionais do local onde o filme se passa. É uma das grandes obras-primas do cinema a serem absolutamente vistas sobre indivíduos afetados pela pobreza.

A Noite (1961)

A Noite” é um filme de 1961 dirigido pelo cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Faz parte da famosa “trilogia da solidão” do diretor, junto com “A Aventura” e “O Eclipse”. O filme é um exemplo significativo do cinema autoral italiano e teve um impacto duradouro na história do cinema.

A trama de “A Noite” acompanha um dia na vida de um intelectual romano, Giovanni Pontano (interpretado por Marcello Mastroianni), e sua esposa Lidia (interpretada por Jeanne Moreau), durante uma noite em que eles participam de uma festa elegante e depois enfrentam os problemas em seu relacionamento. O filme explora temas como alienação, insatisfação existencial e a dificuldade de comunicação entre as pessoas.

“A Noite” é conhecido por seu estilo visual distinto, com longos planos e enquadramentos precisos que capturam a solidão dos personagens e a atmosfera surreal das cenas urbanas. Antonioni frequentemente usa a paisagem urbana como um elemento central de suas obras, transmitindo uma sensação de desconexão entre os indivíduos e a cidade.

O filme foi elogiado pela crítica por sua profunda análise psicológica dos personagens e sua reflexão sutil, porém poderosa, sobre a condição humana. “A Noite” é uma obra cinematográfica complexa e imersiva que continua a ser apreciada por sua fina cinematografia e impacto cultural. Se você se interessa por cinema autoral, este filme é definitivamente uma escolha indispensável.

La Dolce Vita (1960)

La Dolce Vita (1960) é um filme italiano de drama satírico dirigido e coescrito por Federico Fellini. O filme é estrelado por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg e Anouk Aimée.

O filme conta a história de Marcello Rubini, um jornalista de escândalos que vive em Roma. Marcello é um homem cínico e desiludido, que tenta encontrar sentido em sua vida em um mundo que lhe parece vazio e artificial.

La Dolce Vita é um filme complexo e fascinante que explora os temas do vazio, superficialidade e perda de valores. O filme é caracterizado por uma atmosfera decadente e pelo domínio magistral da direção de Fellini.

Paradoxalmente, a representação desse ambiente como um hedonismo corrosivo para a alma é impressionante. Porque Fellini filma tudo com tanto vigor cinematográfico e sagacidade que muitas vezes é difícil não se deixar envolver pelos eventos delirantes na tela. Muito do modo como vemos a fama ainda remonta a este filme; ele até nos presenteou com a palavra paparazzi. Definitivamente, La Dolce Vita é um daqueles filmes que mudam sua vida.

A Aventura (1960)

L’avventura (1960) é um filme italiano de drama dirigido por Michelangelo Antonioni. O filme é estrelado por Monica Vitti, Gabriele Ferzetti e Lea Massari.

O filme conta a história de um grupo de amigos que vão passar férias na Sicília. Durante um passeio de barco, uma das garotas, Anna (Lea Massari), desaparece misteriosamente. L’avventura é um filme complexo e fascinante que explora os temas da incomunicabilidade, alienação e busca por sentido. O filme é caracterizado por uma atmosfera suspensa e onírica, e pela direção magistral de Antonioni.

Nascido de uma história de Antonioni escrita com os co-roteiristas Elio Bartolini e Tonino Guerra, um filme de arte sobre o desaparecimento de uma garota (Lea Massari) durante uma viagem de barco no Mediterrâneo, e também sobre a subsequente traição de seu amante (Gabriele Ferzetti) com sua amiga (Monica Vitti).

Acossado (1960)

Michel é um criminoso vivaz que adora o risco e é inspirado no personagem cinematográfico de Humphrey Bogart. Após roubar um carro e um caminhão em Marselha, Michel elimina um policial que tenta persegui-lo. Aflito pela pobreza e fugindo da polícia, ele encontra um romance com uma americana, Patricia, uma estudante e aspirante a jornalista, que vende o New York Herald Tribune nas avenidas de Paris. Patricia o esconde inconsciente em seu apartamento enquanto ele tenta seduzi-la e procura dinheiro para a fuga deles para a Itália.

A estreia sísmica na direção do crítico de cinema Jean-Luc Godard poderia ser chamada de um drama com influências de filme de gângster e romance, mas na verdade é uma obra que escapa a qualquer gênero: é um filme de vanguarda revolucionário. Apresenta cortes cubistas, tomadas agitadas com câmera na mão, filmagens em locação, ritmo peculiar, bem como digressões inesperadas sobre pintura, verso, sociedade pop, literatura e até cinema. Uma aventura atraente entre o pequeno ladrão Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg se transforma em uma estranha e tocante reflexão existencial. É uma ficção pulp, mas alquimicamente profunda.

Psicose (1960)

Psicose (1960) é um filme americano de horror psicológico dirigido por Alfred Hitchcock e estrelado por Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin e Martin Balsam. Foi baseado no romance homônimo de 1959 de Robert Bloch. O filme é conhecido por sua edição inovadora, música e cinematografia, bem como pela icônica cena do chuveiro, que foi amplamente imitada e parodiada.

O filme conta a história de Marion Crane, uma jovem que desvia $40.000 de seu empregador e parte para começar uma nova vida. Ela para no Bates Motel, que é administrado pelo perturbado Norman Bates. Marion é assassinada no chuveiro pela mãe de Norman, que a vê como uma ameaça à felicidade do filho.

Alfred Hitchcock queria filmar seu próximo filme após Psicose na Disneylândia, mas Walt Disney ainda recusou, chamando Psicose de “repugnante”. Psicose é creditado por alguns como um dos primeiros exemplos de filmes slasher, no entanto, embora certamente tenha impactado o subgênero slasher, é na verdade um dos melhores filmes de horror psicológico de todos os tempos.

A Primavera de uma Virgem (1960)

A Primavera de uma Virgem é um filme sueco de 1960 dirigido por Ingmar Bergman. Baseia-se na balada medieval sueca “Töre’s döttrar i Wänge”. A história se passa na Suécia medieval e narra a história de uma jovem chamada Karin, que é estuprada e assassinada por três pastores. Os pastores, sem saber o que fizeram, buscam refúgio na casa do pai de Karin. O pai, Tore, busca vingança e mata os pastores.

O filme é uma exploração dos temas culpa, perdão e fé. Bergman usa a história para explorar a natureza da humanidade e as questões existenciais que todos nós nos fazemos. O filme foi um sucesso crítico e comercial e ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1961.

A Primavera de uma Virgem é um filme complexo e simbólico. Bergman usa a história para explorar a natureza da humanidade e as questões existenciais que todos nós nos fazemos.

Um Corpo que Cai (1958)

Um Corpo que Cai (1958) é um thriller psicológico dirigido por Alfred Hitchcock. O filme é estrelado por James Stewart e Kim Novak.

O filme conta a história de Scottie Ferguson, um policial aposentado que sofre de acrofobia. Scottie é contratado por seu amigo Gavin Elster para seguir sua esposa Madeleine, que ele acredita estar possuída pelo espírito de sua ancestral.

Um Corpo que Cai é um filme complexo e fascinante que explora os temas do amor, perda e loucura. O filme é caracterizado por uma atmosfera inquietante e suspense, e pela direção magistral de Hitchcock.

Um turbilhão mental freudiano que é geralmente considerado a obra-prima de Alfred Hitchcock, Um Corpo que Cai vive em um mundo existencial e cheio de suspense. Mudando através dos figurinos de Edith Head, Kim Novak encontra-se em dois papéis: Madeleine Elster e Judy Barton, ambos desejos do ex-policial de James Stewart. Para concluir este brilhante thriller psicológico, há a música de Bernard Herrmann, que se transforma em um final imponente.

O Sétimo Selo (1957)

O cavaleiro Antonius Block e seu escudeiro Jöns retornam das Cruzadas para descobrir o país devastado pela peste. O cavaleiro encontra a Morte, a quem desafia para uma partida de xadrez, acreditando que pode sobreviver enquanto o jogo continuar. O jogo que iniciam continua ao longo da narrativa. O cavaleiro e seu escudeiro passam por uma caravana de atores: Jof e sua esposa Mia, com seu bebê Mikael, e também o ator-diretor Jonas Skat. Ao acordar cedo, Jof tem uma visão de Maria e Jesus — um grande drama sobre a morte de Ingmar Bergman não é apenas um filme qualquer, mas é um dos filmes fundamentais na história do cinema. É uma obra de profundo pensamento filosófico a ser vista absolutamente pelo menos uma vez. Mas também 3, 4, 5, 6…

Um Homem Fugiu (1956)

A caminho da prisão, Fontaine, um membro da Resistência Francesa, aproveita uma chance para escapar de seus captores alemães quando o carro que o transporta é forçado a parar, no entanto, ele é rapidamente preso, espancado pela tentativa de fuga, algemado e levado para a prisão.

Ele é inicialmente encarcerado em uma cela onde pode conversar com três jovens franceses que treinam no pátio. Os homens conseguem um alfinete de segurança para Fontaine, o que lhe dá a capacidade de destrancar suas algemas.

Baseado nas memórias de André Devigny, um participante da Resistência Francesa detido na prisão de Montluc pelos alemães ocupantes durante a Segunda Guerra Mundial. O protagonista do filme se chama Fontaine. O próprio Bresson foi preso pelos alemães por sua participação na Resistência Francesa. A segunda parte do título tem origem na Bíblia.

Obra-prima imperdível: quase tudo filmado dentro de uma cela, com apenas um ator, sem cenários. Rigor absoluto, cinema absoluto. O melhor de Bresson junto com Au hasard Balthasar.

A Trilogia Apu (1955)

Os 3 filmes compõem uma narrativa de bildungsroman; são três dramas sobre iniciação e formação que narram os anos da infância, educação e também a primeira maturação de um jovem bengali chamado Apu (Apurba Kumar Roy) na primeira metade do século XX.

Canto da Pequena Estrada

As primeiras experiências de Apu em Bengala são apresentadas como filho de uma família de alta casta. O pai de Apu, Harihar, um brâmane, luta para sustentar sua família. Após a morte da irmã de Apu, Durga, a família se muda para a cidade divina de Benares.

O Invencível

Os recursos financeiros da família ainda são escassos. Após a morte do pai, Apu e sua mãe Sarbajaya também retornam a uma cidade em Bengala. Apesar da pobreza implacável, Apu recebe uma educação formal e acaba sendo um brilhante interno. Ele se muda para Calcutá em busca de sua educação e aprendizado. Gradualmente, distancia-se de suas origens camponesas e de sua mãe, que não estava bem na época.

O Mundo de Apu

Tentando se tornar autor, Apu de repente se vê forçado a casar com uma garota cuja mãe rejeitou seu marido mentalmente doente no dia da celebração do casamento. O casamento termina com a morte dela no parto. Desesperado, Apu abandona seu filho, mas eventualmente retorna para aceitar suas responsabilidades.

Estamos trapaceando ao incluir os três filmes (Pather Panchali, Aparajito e The World of Apu), mas, na verdade, como separar os episódios da magnífica trilogia de amadurecimento de Satyajit Ray? Alguns dos melhores filmes indianos já feitos são também plenamente reconhecíveis, seja você de Calcutá, Roma ou Nova York.

Os Sete Samurais (1954)

Em 1587, uma gangue fora da lei conversa sobre invadir uma aldeia montanhosa, mas seu líder decide esperar até depois da colheita. Os aldeões ouvem isso e confiam em Gisaku, o ancião da cidade e moleiro, que afirma que eles devem contratar samurais para protegê-los. Como não têm dinheiro e só podem usar comida, Gisaku sugere que localizem samurais famintos. Vários aldeões viajam até a cidade e eventualmente encontram Kambei, um rōnin idoso, mas experiente, que eles veem resgatar uma criança feita refém por um ladrão encurralado.

Um jovem samurai chamado Katsushiro pede para se tornar devoto de Kambei. Filme de arte, 207 minutos de grande cinema. Toshiro Mifune está soberbo como o samurai meio louco autoproclamado, mas é também Takashi Shimura quem dá ao filme seu entusiasmo.

Sansho, o Feitor (1954)

Um governador virtuoso é banido por um senhor feudal em uma província distante. Sua esposa, Tamaki, e seus filhos, Zushiō e Anju, são enviados por seu irmão. Antes de se separarem, o pai de Zushiō lhe diz: “Sem graça, o homem parece um monstro. Mesmo que seja duro consigo mesmo, seja misericordioso com os outros.” O cinema japonês tinha a capacidade de filmar histórias impressionantes de fantasmas (Ugetsu) e dramas dos bastidores (The Story of the Last Chrysanthemums), porém sua maior característica era uma compaixão profunda e inabalável pelas mulheres, deprimidas pelo patriarcado e dilaceradas em seu sofrimento. Um tema que percorre grande parte da obra de Kenji Mizoguchi.

Esta é uma de suas obras-primas. Essas mulheres são as protagonistas de Sansho, o feitor, um drama histórico sobre a dissolução familiar que certamente o impactará, tanto do ponto de vista do cinema autoral, quanto pela intensidade da história contada. Não se desculpe por suas emoções.

Umberto D. (1952)

Umberto D. é um drama italiano de 1952, dirigido por Vittorio De Sica, estrelado por Carlo Battisti como Umberto Domenico Ferrari, um aposentado tentando sobreviver em uma Roma pós-guerra. O filme conta a comovente história de um homem idoso que tenta lidar com as dificuldades do cotidiano: aluguel, pensão insuficiente, isolamento social. Umberto D. vive com seu fiel cachorro, Flike, e tenta manter seu apartamento apesar das constantes cobranças do proprietário. Apesar de seus esforços, Umberto D. não consegue encontrar um emprego que lhe permita manter seu estilo de vida. Ele tenta vender seus bens valiosos, mas é forçado a abandonar a ideia devido aos preços muito baixos que lhe são oferecidos.

Umberto D. é considerado uma das obras-primas do neorrealismo italiano, um movimento cinematográfico que se desenvolveu após a Segunda Guerra Mundial e que se caracterizou pela representação realista da vida cotidiana e das dificuldades econômicas e sociais da Itália do pós-guerra. O filme foi apreciado por sua delicadeza e profunda humanidade, o que fez de Umberto D. um ícone do cinema italiano e mundial.

Rashomon (1950)

Rashomon (1950) é um filme dramático japonês dirigido por Akira Kurosawa. O filme se passa no Japão feudal e conta a história de um assassinato e estupro de uma mulher, narrada a partir das perspectivas de quatro testemunhas: um lenhador, um monge, um vagabundo e o espírito da mulher.

A história começa na era Heian em Kyoto. Um lenhador e um sacerdote estão sentados sob o portão da cidade de Rashōmon para se proteger da chuva quando um plebeu (Kichijiro Ueda) se junta a eles e começam a contar uma história extremamente perturbadora sobre um estupro e assassinato. Nem o pastor nem o lenhador reconhecem que todos os envolvidos podem ter fornecido relatos substancialmente diferentes da mesma história exata.

Não é exagero dizer que Rashomon, de Akira Kurosawa, redefiniu a narrativa cinematográfica e que é um dos filmes imperdíveis na história do cinema. Com sua estrutura narrativa mutável e não confiável – na qual 4 indivíduos oferecem relatos diferentes de um assassinato – o filme é extremamente ousado e também atua como um indicador de como exatamente cada um pode nos enganar.

Ladrões de Bicicleta (1948)

Ladrões de Bicicleta (1948) é um filme dramático italiano dirigido por Vittorio De Sica. O filme se passa na Roma do pós-guerra e conta a história de Antonio Ricci, um homem que tem sua bicicleta roubada, uma ferramenta essencial para seu trabalho como afixador de cartazes. Na comunidade romana de Val Melaina, após a Segunda Guerra Mundial, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) está sem esperança de trabalho para sustentar sua esposa Maria (Lianella Carell), o filho Bruno (Enzo Staiola) e o pequeno filho. Como o trabalho exige uma bicicleta, ele informa Maria que não pode comprá-la.

A obra-prima neorrealista de Vittorio de Sica se passa em um mundo onde possuir uma bicicleta é a chave para trabalhar, mas poderia igualmente se passar em um mundo onde a ausência de um carro, ou de creche acessível, ou de uma casa, ou de seguridade social são barreiras intransponíveis para colocar comida na mesa. É isso que o torna um filme tanto para a Itália do pós-guerra quanto para os dias atuais em qualquer lugar.

Roma, Cidade Aberta (1945)

Roma, Cidade Aberta (1945) é um filme de drama e guerra dirigido por Roberto Rossellini. O filme se passa durante a ocupação nazista de Roma e conta a história de três personagens que se opõem ao regime: Don Pietro, um padre, Manfredi, um operário, e Pina, uma jovem mulher.

Tropas alemãs da SS tentam prender Giorgio Manfredi, engenheiro comunista e chefe da Resistência contra os nazistas e fascistas italianos. Inicialmente ele acredita que Giorgio é um policial, porém, quando deixa claro que é um confederado, Giorgio pede que ele transfira mensagens e até dinheiro para um grupo de combatentes da Resistência fora da cidade, pois agora ele é reconhecido pela Gestapo e não pode fazer isso sozinho.

Poucos movimentos cinematográficos podem se orgulhar da taxa de sucesso do neorrealismo italiano, uma onda pós-Segunda Guerra Mundial engajada na luta da classe trabalhadora que parece ser composta apenas por obras-primas. Roberto Rossellini foi responsável por filmes dramáticos, incluindo Alemanha Ano Zero e também este drama de repressão e resistência, que ostenta não uma, mas duas das cenas de morte mais extraordinárias de todo o cinema.

Indenização Dupla (1944)

Indenização Dupla (1944) é um filme noir dirigido por Billy Wilder e estrelado por Fred MacMurray, Barbara Stanwyck e Edward G. Robinson. O filme é uma adaptação do conto homônimo de James M. Cain.

Em 1938, o vendedor de seguros Walter Neff retorna ao seu escritório no centro de Los Angeles com um ferimento de bala no ombro e grava uma confissão em um ditafone. Segue-se um flashback. Neff conhece a charmosa Phyllis Dietrichson durante uma visita domiciliar para aconselhar o marido dela a renovar a apólice de seguro do veículo. Phyllis pede para adquirir um plano de seguro contra acidentes para seu parceiro.

O gênero deliciosamente sombrio e elegante do filme noir simplesmente não existiria sem Indenização Dupla. Este realmente tem tudo: memórias, assassinatos, sombras e muitos cigarros e, claro, uma femme fatale ardilosa (Barbara Stanwyck). Um dos excelentes diretores da era de ouro de Hollywood, Billy Wilder destacou-se em uma ampla gama de gêneros cinematográficos, porém esta joia hard-boiled é sua obra mais influente.

Cidadão Kane (1941)

Cidadão Kane (1941) é um filme dirigido por Orson Welles, seu primeiro longa-metragem. O filme conta a história de Charles Foster Kane, um magnata dos jornais, através das memórias de seus amigos e conhecidos. Em um castelo chamado Xanadu, parte de uma enorme propriedade na Flórida, o idoso Charles Foster Kane está em seu leito de morte. Segurando um objeto que representa uma paisagem nevada em sua mão, ele pronuncia uma palavra, “Rosabella”, e morre.

Um obituário em noticiário conta a história de vida de Kane, um magnata da imprensa e industrial enormemente rico. A morte de Kane torna-se uma notícia surpreendente ao redor do mundo, enquanto o produtor do noticiário instrui o jornalista Jerry Thompson a descobrir o significado de “Rosabelle.

Um drama existencial – interpretado com talento inesgotável pelo prodigioso ator e diretor Orson Welles – de uma criança desprezada a um barão da imprensa. Você pode se imergir nos métodos revolucionários do filme, como a fotografia de foco profundo de Gregg Toland, o gênio de sua encenação, bem como seu exame do capitalismo americano. É também simplesmente uma história muito boa que você definitivamente não deve perder.

O Falcão Maltês (1941)

O Falcão Maltês (1941) é um filme noir dirigido por John Huston e estrelado por Humphrey Bogart. O filme é uma adaptação do romance homônimo de Dashiell Hammett. Em São Francisco, em 1941, os detetives particulares Sam Spade e Miles Archer encontram a potencial cliente Ruth Wonderly. Mais tarde naquela noite, Spade é acordado por uma ligação da polícia informando que Archer foi morto. Dundy sugere que Spade teve a oportunidade e o motivo para matar Thursby, que provavelmente matou Archer.

Na manhã seguinte, Spade encontra sua cliente, que confessa ter inventado a história e agora atende pelo nome de Brigid O’Shaughnessy. Em seu escritório, Spade conhece Joel Cairo, que inicialmente lhe oferece $5.000 para encontrar uma “figura negra de um pássaro” em nome de seu suposto legítimo proprietário. Quando Cairo retorna, ele contrata Spade. O filme estreou em Nova York em 3 de outubro de 1941 e foi indicado a três Oscars. Foi citado pelo Panorama du Film Noir Américain como o primeiro grande filme noir. Entre os melhores filmes noir para assistir.

A Noiva de Frankenstein (1940)

His Girl Friday (1940) é uma comédia screwball americana dirigida por Howard Hawks, estrelada por Cary Grant e Rosalind Russell e com a participação de Ralph Bellamy e Gene Lockhart. O filme é uma visão rápida, espirituosa e charmosa do mundo do jornalismo, e apresenta alguns dos diálogos mais memoráveis da história do cinema.

Walter Burns é editor do jornal The Morning Post que descobre que sua ex-esposa e também ex-jornalista de destaque, Hildegard “Hildy” Johnson, está prestes a se casar com seu monótono segurador Bruce Baldwin e a levar uma vida tranquila como esposa e mãe em Albany, Nova York. Walter decide impedir que isso aconteça e atrai uma relutante Hildy para cobrir uma última história: a iminente execução de Earl Williams, um contador condenado pelo assassinato de um policial afro-americano.

Entre os muitos filmes de alto nível dirigidos pelo diretor Howard Hawks, His Girl Friday é o mais encantador e verboso. O lacônico Hawks teria minimizado seu proto-feminismo ao longo da vida, mas o filme é também o seu mais livre; mulheres fortes que tinham empregos e trabalhavam melhor do que os repórteres homens eram simplesmente o que ele queria ver. Uma obra-prima divertida da comédia. Se você ama palavras, vai adorar este filme.

Fantasia (1940)

Fantasia é um filme de animação produzido pela Walt Disney Productions e lançado em 1940. É uma obra inovadora e experimental para a época, pois o filme mistura animação e música clássica para criar uma espécie de “sinestesia” entre os sentidos da audição e da visão. O filme é composto por oito segmentos, cada um acompanhado por uma trilha sonora composta por grandes músicos como Beethoven, Tchaikovsky, Stravinsky e Bach. Os segmentos, animados por alguns dos melhores artistas da época, incluem cenas de balé, dança das fadas, a luta entre o bem e o mal e muito mais.

Um dos segmentos mais famosos de Fantasia é provavelmente “The Rite of Spring” de Stravinsky, que narra a evolução da vida na Terra, desde o nascimento do sol até o aparecimento dos dinossauros. O segmento foi criticado na época por sua brutalidade e violência, mas tornou-se um marco da animação moderna. Fantasia foi um grande sucesso de bilheteria, mas recebeu reações mistas dos críticos. No entanto, nos anos seguintes, tornou-se um filme cult, apreciado tanto por sua beleza visual quanto por sua audácia artística. O filme também foi muito influente na cultura popular e inspirou muitos outros filmes e produções artísticas.

The Zero Hour (1939)

The Zero Hour (1939) é um filme americano de drama policial dirigido por Sidney Salkow e estrelado por Otto Kruger, Frieda Inescort e Adrienne Ames. O filme é um remake do filme francês de 1938 La Bête Humaine (A Besta Humana), dirigido por Jean Renoir e baseado no romance homônimo de Émile Zola.

O filme conta a história de Steve Reynolds, um piloto assombrado pela memória de um acidente que matou sua esposa e filho. Ele também luta contra o alcoolismo e seu relacionamento com sua namorada, Susan. Numa noite, enquanto voava para casa após uma viagem, Steve é forçado a fazer um pouso de emergência durante uma tempestade de neve. Ele é ajudado por uma jovem chamada Linda, e logo eles desenvolvem um relacionamento romântico.

O filme explora temas como culpa, obsessão e o poder destrutivo da violência. É também uma história sobre a condição humana e a luta para superar os demônios pessoais. O filme é feito em um estilo sombrio e atmosférico, com foco na turbulência psicológica dos personagens. Salkow utiliza uma variedade de técnicas para criar uma sensação de tensão e suspense, incluindo iluminação de baixo contraste, closes extremos e edição rápida.

Rules of the Game (1939)

Rules of the Game é considerado uma das obras-primas do cinema francês e um dos filmes mais importantes do século XX. O filme foi um sucesso crítico e comercial no momento de seu lançamento e continua a ser apreciado por críticos e públicos ao redor do mundo.

O aviador André Jurieux chega a Paris após cruzar o oceano em seu avião. Ele é recebido por seu amigo Octave, que informa André que Christine, a nobre austro-francesa, não veio saudá-lo. O relacionamento passado de Christine com André é aceito por seu parceiro, sua criada e seu amigo Octave.

Jean Renoir consolidou sua maestria com esta busca perfeita pelas camadas sociais entre os estúpidos, ociosos, prestes a serem dizimados pela Segunda Guerra Mundial. As relações entre aristocratas e servos florescem durante uma caçada de uma semana em um castelo, onde o único crime é confundir frivolidade com sinceridade.

La Bête Humaine (1938)

La Bête Humaine (1938), dirigido por Jean Renoir, é um thriller romântico francês baseado no romance homônimo de Émile Zola. O filme conta a história de Jacques Lantier, um maquinista de locomotiva a vapor que é levado à violência por seus próprios demônios interiores.

O filme se passa no final do século XIX. Jacques Lantier é um maquinista de locomotiva a vapor casado com Flore. No entanto, ele também é atraído por Séverine, esposa de Roubaud, o chefe da estação em Le Havre. Jacques e Séverine começam um caso e planejam assassinar Roubaud. Eles o atraem para um trem e o empurram para fora dos trilhos. Contudo, o plano deles dá errado, e Jacques é o único que sobrevive.

O filme explora temas como paixão, obsessão e o lado sombrio da natureza humana. É também uma história sobre o poder destrutivo da violência. O filme é feito em um estilo realista, com foco nos personagens e suas motivações. Renoir utiliza diversas técnicas para criar uma sensação de realismo, incluindo filmagens externas e uso de câmera na mão.

La Grande Illusion (1937)

La Grande Illusion (1937), dirigido por Jean Renoir, é um filme francês de drama de guerra amplamente considerado um dos maiores filmes já feitos. O filme é uma história de amizade e lealdade entre dois oficiais franceses capturados durante a Primeira Guerra Mundial.

O filme acompanha os Capitães Maréchal e de Boëldieu, dois oficiais franceses capturados pelos alemães. Os dois homens são transferidos para um campo de prisioneiros de guerra, onde fazem amizade com outros oficiais franceses. Os prisioneiros planejam uma fuga, mas o plano falha e os dois capitães são transferidos para uma fortaleza de alta segurança. Na fortaleza, os dois homens conhecem o Capitão von Rauffenstein, um oficial alemão que também é um homem de honra.

O filme explora temas como amizade, lealdade e a natureza da guerra. É também uma história sobre a importância da compaixão e do respeito mútuo, mesmo entre inimigos. O filme é feito em um estilo realista, com foco na humanidade dos personagens. Renoir usa uma variedade de técnicas para criar uma sensação de realismo, incluindo filmagens em locação, câmera na mão e cinematografia de foco profundo.

Tempos Modernos (1936)

Tempos Modernos (1936) é um filme de comédia-drama dirigido por Charlie Chaplin. É considerado uma das obras-primas de Chaplin e um dos filmes mais importantes e influentes da história do cinema. O filme conta a história de Charlie, um operário em uma linha de montagem em uma siderúrgica. Charlie é um trabalhador diligente, mas a linha de montagem é tão rápida que o deixa louco. Charlie é demitido da fábrica e se vê vagando pelas ruas de uma cidade industrial. Ele encontra trabalho como vendedor de jornais, mas até esse emprego é cansativo e mal remunerado.

O filme explora temas de alienação, exploração e luta de classes. É também uma história sobre a importância do amor e da solidariedade. O filme é feito em um estilo de comédia-drama, com foco na humanidade dos personagens. Chaplin usa uma variedade de técnicas para criar uma sensação de comédia e pathos, incluindo gags físicas, pantomima e música.

L’Atalante (1934)

L’Atalante é um filme de 1934 dirigido pelo cineasta francês Jean Vigo. É considerado uma das obras-primas do cinema autoral e teve grande impacto na história do cinema. O filme conta a história de um jovem casal recém-casado, Juliette e Jean, que se casam e começam sua vida juntos a bordo de uma barca chamada “L’Atalante”, navegando pelos canais franceses.

“L’Atalante” é um exemplo de cinema poético, caracterizado por uma narração onírica e uma profunda reflexão sobre a vida e as emoções humanas. Jean Vigo utiliza uma abordagem inovadora na direção, combinando elementos realistas e fantásticos. O filme é conhecido por suas sequências deslumbrantes a bordo do barco, a representação da vida dos marinheiros e o retrato de um amor jovem e conflituoso.

Infelizmente, Jean Vigo faleceu aos 29 anos pouco depois da realização de “L’Atalante”, e nunca pôde ver sua obra reconhecida como uma obra-prima do cinema. No entanto, ao longo dos anos, o filme foi reavaliado e admirado por críticos e entusiastas do cinema ao redor do mundo, estabelecendo-se como uma obra seminal da cinematografia. Se tiver a oportunidade, recomendo assistir a “L’Atalante” para se imergir em sua experiência visual poética e única.

M (1931)

M (1931) é um filme alemão dirigido por Fritz Lang. Conta a história de um assassino em série de crianças que aterroriza a cidade de Düsseldorf. O filme é considerado um dos precursores do gênero noir e teve uma influência significativa no cinema posterior. A história do filme é simples, mas eficaz. Um assassino em série de crianças, apelidado de “M”, começa a aterrorizar a cidade de Düsseldorf. A polícia está impotente para detê-lo, e a população entra em pânico. Um grupo de criminosos decide tomar a situação em suas próprias mãos e capturar o assassino por conta própria.

O filme se passa na Alemanha pré-nazista, e a história reflete os medos e inseguranças da sociedade alemã da época. O filme também é uma exploração da natureza do mal e da justiça. Um daqueles filmes emblemáticos – existem apenas alguns – que se situam na fronteira entre o cinema mudo e a era do som, mas que aproveitam as virtudes de ambos; o filme do assassino em série arde com uma profunda escuridão visual enquanto agrada os ouvidos com seu assobio “In the Hall of the Mountain King” (interpretado pelo próprio Lang com os lábios franzidos; sua estrela, Peter Lorre, não sabia assobiar).

Luzes da Cidade (1931)

Luzes da Cidade (1931) é um filme mudo de comédia-drama dirigido por Charlie Chaplin. O filme conta a história de um vagabundo que se apaixona por uma florista cega. Ele decide ajudá-la a recuperar a visão, mesmo que isso signifique sacrificar sua própria felicidade.

City Lights é considerado um dos maiores filmes de Chaplin. É uma história comovente e emocionante que foi elogiada por seu humor, pathos e comentário social. O filme foi um sucesso crítico e comercial no momento de seu lançamento, e permaneceu popular desde então.

Chaplin, relutante em abandonar as técnicas visuais que havia aprendido, insistiu em fazer sua nova comédia um filme mudo, mesmo que os espectadores quisessem filmes sonoros. Como sempre, a estrela deu a última risada: não só o filme foi um enorme sucesso comercial, como também terminou com o close-up mais comovente da história do cinema, o auge da emoção, sem necessidade de diálogo.

A Paixão de Joana d’Arc (1928)

A Paixão de Giovanna d’Arco (1928), dirigida por Carl Theodor Dreyer, é um filme dramático histórico dinamarquês considerado um dos filmes mais importantes e influentes já feitos. O filme é uma interpretação realista e intensa do processo e da morte de Giovanna d’Arco.

O filme é feito em um estilo realista, com uso mínimo de efeitos especiais. Dreyer optou por concentrar-se na interpretação dos atores e na narração da história. O diretor Carl Theodor Dreyer demonstra rigor na ambientação e edição; o filme foca amplamente nas idas e vindas entre Joana e seus inquisidores. Produzido no final da era do cinema mudo, é um grandioso drama histórico porque estabeleceu novos padrões na atuação cinematográfica, porque antecipou o cinema de vanguarda dos anos 1930. E por mais 100 outras razões.

A Multidão (1928)

A Multidão (1928), dirigido por King Vidor, é um filme americano mudo de drama romântico amplamente considerado um dos maiores filmes mudos já feitos. O filme conta a história da luta de um jovem para alcançar o Sonho Americano.

O filme acompanha John Sims, um jovem ambicioso que se muda para a cidade de Nova York com sua esposa Mary em busca de uma vida melhor. John trabalha duro para subir de um emprego humilde a uma posição bem remunerada, mas nunca parece conseguir alcançar a felicidade e o sucesso que deseja.

O filme explora temas como ambição, desilusão e a natureza do Sonho Americano. Também é uma história sobre a importância da família e do amor. O filme é feito em um estilo naturalista, com foco no realismo e no comentário social. Vidor utiliza várias técnicas para criar uma sensação de realismo, incluindo filmagens em locação, câmera na mão e cinematografia com foco profundo.

Metropolis (1927)

Metropolis (1927) é um filme mudo de ficção científica expressionista alemão dirigido por Fritz Lang. É considerado um marco do cinema e um dos filmes mais influentes já feitos.

Metropolis se passa em um futuro distópico onde a classe trabalhadora labuta no subsolo, enquanto a elite rica vive em uma cidade de arranha-céus luxuosos. O filme conta a história de Freder Fredersen, filho do governante da cidade, que se apaixona por Maria, uma líder dos trabalhadores. Maria está espalhando uma mensagem de paz e igualdade, que ameaça o poder da classe dominante. O braço direito de Fredersen, Rotwang, cria um androide que se parece exatamente com Maria, para semear a discórdia entre os trabalhadores.

Metropolis foi um sucesso comercial e crítico em seu lançamento. Foi elogiado por suas inovações técnicas, seus cenários e figurinos altamente estilizados, e pela exploração de temas importantes como classe, tecnologia e o espírito humano. O filme também foi controverso por sua representação da classe trabalhadora. Alguns críticos acusaram o filme de ser anti-socialista e de promover a ideia de que a classe trabalhadora é ignorante e facilmente manipulável.