Meilleur film B à regarder

À l’extrémité opposée du spectre par rapport à ce que l’on considère généralement comme des films incontournables et des chefs-d’œuvre cinématographiques se trouvent les films de série B. Ces films, souvent caractérisés par des budgets modestes et un succès commercial limité, semblaient initialement manquer de l’éloge critique ou de l’impact culturel de leurs homologues à gros budget. Cependant, avec le temps, une réévaluation croissante de la signification et de l’attrait de certains films de série B s’est opérée. Progressivement, un certain nombre de ces films ont été élevés au rang de films cultes, suscitant une appréciation fervente et un public dévoué. Cette transformation souligne un changement de perception, où le charme unique, la créativité, et peut-être la crudité de ces productions ont suscité l’admiration tant chez les spectateurs que chez les critiques, redéfinissant ainsi leur place dans le paysage cinématographique.

Comment naissent les films de série B ?

Le terme film de série B vient de la définition anglaise que les studios de cinéma utilisaient pour désigner des films mineurs qui constituaient une sorte de prolongement d’un film principal plus coûteux. Tout comme la face B d’un disque s’écoute après les morceaux principaux, cela ne signifie pas pour autant qu’elle ait une moindre valeur. 

Le film de série B est né comme une stratégie pour recycler les décors, utiliser des acteurs encore sous contrat lorsque le tournage du film principal est terminé, et exploiter les matériaux d’un film à coût élevé pour en réaliser un à coût beaucoup plus bas. Le film de série B était généralement tourné en quelques jours, souvent en moins d’une semaine, puis projeté en salle en même temps que le film principal. 

L’objectif était de montrer deux films pour le prix d’un seul billet. Surtout dans les villes de province, cela était possible, et le public était heureux de voir deux spectacles au lieu d’un. Le film de série B projeté après le film principal ne bénéficiait généralement pas de sa propre campagne publicitaire, n’avait ni affiches ni communiqués de presse : il était seulement annoncé au dernier moment avec la bande-annonce. C’était comme un bonus ajouté à la séance du film principal, le film le plus coûteux. 

De cette manière, avec le même investissement, un studio de cinéma avait la possibilité d’augmenter ses revenus, parfois en les doublant. Dans certains cas, les films de série B ont même généré plus de recettes que le film principal. L’histoire du cinéma est pleine de films de série B, notamment produits par les majors hollywoodiennes dans les années 50 et 60. À partir des années 70, les films de série B sont devenus une manière de travailler pour les productions indépendantes et les micro-entreprises cinématographiques qui utilisaient un faible budget pour réaliser des films de genre à l’attrait commercial assumé.

En réalité, le film de série B diffère considérablement d’un film indépendant d’art et essai à petit budget et a souvent peu à voir avec l’art. L’esprit du film de série B est d’utiliser des matériaux de bas niveau, des acteurs inconnus issus des marges du monde du cinéma pour créer des films susceptibles d’intéresser un large public.

Spider Baby

Maintenant disponible

Horreur, comédie, par Jack Hill, États-Unis, 1967.
Spider Baby est un film d'horreur culte grotesque qui raconte l'histoire de la famille Merrye, affectée par une maladie génétique provoquant une régression mentale et un comportement sauvage à mesure qu'ils vieillissent. Dans une maison isolée vivent Baby, ses sœurs, et le gardien affectueux Bruno (Lon Chaney Jr.), qui tente de contenir leur folie lorsque des invités inattendus arrivent. Le film mêle une atmosphère gothique, un humour noir et des tonalités surréalistes, créant un monde troublant mais presque féerique, un mélange bizarre entre horreur classique et comédie morbide. Chaney offre une performance étonnamment touchante, et la réalisation parvient à transformer un petit budget en une expérience unique.

Spider Baby est une pierre angulaire importante du cinéma indépendant américain : ironique, macabre, mélancolique et non conventionnel. Spider Baby est une expérience qui ne repose pas uniquement sur la peur, mais joue avec le thème de la « famille monstrueuse » pour parler d'isolement, de diversité et de déclin, devenant au fil du temps un titre culte apprécié de ceux qui recherchent un type d'horreur différent — difforme, grotesque et dérangeant à la fois.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

REGARDER MAINTENANT

Dead Alive (1992)

Lionel est un jeune homme prisonnier de la domination de sa mère autoritaire, dont la vie prend un tournant horrifique lorsqu’elle est mordue par un singe-rat de Sumatra. Alors qu’elle se transforme en zombie vorace, Lionel tente désespérément de cacher le nombre croissant de morts-vivants dans son sous-sol, menant à une confrontation explosive et sanglante lors d’un dîner local.

Le film de Peter Jackson est une œuvre emblématique du « splatterstick », connu pour son gore caricatural et son énergie frénétique. Il détient une réputation légendaire pour la quantité impressionnante de faux sang utilisée lors de son climax, notamment dans la séquence iconique de la tondeuse à gazon. Le film équilibre une horreur corporelle extrême avec un récit doux-amer sur un jeune homme qui parvient enfin à s’émanciper de sa situation domestique toxique.

Deliria (1987)

Lors d’une répétition nocturne pour une nouvelle comédie musicale, une troupe d’acteurs se retrouve enfermée dans un théâtre avec un patient psychiatrique évadé. Le tueur, portant un masque géant de hibou, commence un massacre méthodique et artistique des membres de la troupe. La protagoniste, Alicia, doit naviguer dans les ombres du bâtiment barricadé pour survivre à la performance théâtrale et mortelle du meurtrier.

Réalisé par Michele Soavi, le film est une entrée visuellement sophistiquée dans le genre slasher italien. Il est célébré pour sa cinématographie atmosphérique et le design saisissant de son antagoniste. La production élève un scénario classique de « traque et massacre » en un exercice stylé de suspense, utilisant le décor de la scène pour brouiller les frontières entre la performance et la terreur réelle.

The Brain That Wouldn't Die

Maintenant disponible

Horreur, science-fiction, par Joseph Green, États-Unis, 1962.
Le Dr Bill Cortner sauve un patient déclaré mort, mais le chirurgien en chef, le père de Bill, condamne les méthodes et théories non orthodoxes de transplantation de son fils. En conduisant vers la maison familiale, Bill et sa future épouse séduisante Jan Compton sont victimes d’un accident de voiture au cours duquel sa femme est décapitée. Cortner récupère la tête et se précipite au laboratoire situé dans la cave de sa maison. Lui et son acolyte mutilé Kurt raniment la tête dans un plateau rempli de liquide. La nouvelle existence de Jan est insupportable et la femme supplie Bill de la laisser mourir, mais le scientifique refuse : il veut trouver un nouveau corps pour Jan. Il cherche une femme appropriée dans un club burlesque, dans la rue et lors d’un concours de beauté.

Réalisé par Joseph Green et écrit par Green et Rex Carlton, le film a été achevé en 1959 sous le titre The Black Door, mais n’a été distribué que le 3 mai 1962, sous son nouveau titre, en double programme avec Invasion of the Star Creatures. Le procédé narratif particulier d’un médecin fou qui découvre un moyen de maintenir une tête humaine en vie a déjà été utilisé en littérature, avec diverses autres versions sur ce thème. Il partage de nombreux éléments d’histoire avec le film d’horreur ouest-allemand The Head (1959).

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, portugais

REGARDER MAINTENANT

Demons (1985)

Un groupe d’étrangers invités à une projection mystérieuse au cinéma Metropol se retrouve en lutte pour sa survie lorsque l’intrigue du film commence à se manifester dans la réalité. Après qu’une invitée ait été griffée par un masque maudit, elle se transforme en démon vicieux, propageant une infection surnaturelle à travers le théâtre. Les survivants doivent trouver un moyen de sortir du bâtiment scellé tout en combattant une horde grandissante de monstres.

Réalisé par Lamberto Bava et produit par Dario Argento, le film est un chef-d’œuvre à haute intensité du splatter des années 1980. Il est renommé pour ses effets pratiques de transformation et sa bande-son heavy metal pulsante. Le récit sert d’exploration méta-textuelle du pouvoir du cinéma d’horreur, dépeignant le médium comme une force contagieuse qui franchit littéralement l’écran pour envahir le monde physique.

Night of the Comet (1984)

Après le passage d’une comète rare près de la Terre, la majeure partie de l’humanité est réduite en poussière rouge, ne laissant que quelques survivants dans un Los Angeles désolé. Deux sœurs, Regina et Samantha, découvrent qu’elles font partie des rares chanceuses, mais elles sont rapidement traquées par des « zombies-comètes » irradiés et un groupe de scientifiques souterrains qui veulent leur sang. Elles doivent user de leur intelligence et de leurs compétences au combat pour survivre à la fin du monde.

Ce film est un mélange unique de culture adolescente des années 1980 et d’horreur post-apocalyptique de science-fiction. Il est souvent salué pour son humour noir et pour mettre en scène des héroïnes capables et indépendantes dans un genre souvent dominé par des protagonistes masculins. Le style visuel vibrant du film et sa subversion des tropes survivalistes lui ont assuré le statut de classique culte emblématique de la décennie.

The Day The Earth Stood Still

Maintenant disponible

Science-fiction, réalisé par Robert Wise, États-Unis, 1952.
Adapté de la nouvelle Goodbye to the Master de Harry Bates, le film se déroule à Washington. Un soucoupe volante atterrit dans un parc et une foule, bien que effrayée, s'agglutine autour, tandis que des soldats avec des véhicules blindés arrivent. Un extraterrestre humanoïde nommé Klaatu sort du disque, salue et apporte un petit cadeau, mais un soldat paniqué lui tire dessus. Klaatu, après avoir été emmené à l'hôpital, échappe à la surveillance et, se faisant passer pour un simple citoyen nommé Carpenter, trouve refuge chez un propriétaire, faisant la connaissance d'Helen, une veuve de guerre, et de son fils Bobby.

Sujet de réflexion
Film portant un message éthique fondamental, aujourd'hui d'une énorme pertinence : les êtres humains doivent abandonner leur égoïsme, leurs peurs, leurs impulsions de destruction et de domination pour s'unir tous dans un grand accord, au-delà des nations, des races, des langues, des différentes religions et cultures. Aucune civilisation ne peut croître dans le conflit et le déséquilibre, allant à l'encontre du grand dessein de l'univers. Même les extraterrestres peuvent être agacés et venir sur Terre pour établir, par tous les moyens, un accord social.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

REGARDER MAINTENANT

Cette Villa dans le Parc (1982)

Une jeune femme nommée Terry se rend sur une île des Caraïbes pour enquêter sur la mort mystérieuse de sa sœur, retrouvée partiellement dévorée. Aidée par un écrivain de romans policiers, elle découvre qu’un laboratoire local a produit un mutant sauvage — un hybride entre un singe et un rat. La créature incontrôlable se cache dans les bois environnants, s’attaquant aux habitants de l’île dans une série d’attaques brutales.

Réalisé par Giuliano Carnimeo, ce film est un exemple typique de l’exploitation italienne horrifique, mettant l’accent sur la conception de créatures monstrueuses et le gore viscéral. Il a acquis une certaine renommée pour ses effets spéciaux tactiles et son atmosphère inquiétante. La production utilise efficacement son cadre tropical pour contraster la beauté naturelle de l’île avec l’horreur non naturelle de l’expérience biologique du docteur.

Possession à Amityville (1982)

La famille Montelli emménage dans une grande maison en bord de mer, sans savoir que la propriété est construite au-dessus d’une porte vers l’enfer. Le fils aîné, Sonny, tombe rapidement sous l’influence d’un esprit malveillant qui commence à manipuler son esprit et son corps. À mesure que l’influence démoniaque grandit, la famille est déchirée par la violence et des comportements tabous, forçant un prêtre local à tenter un exorcisme dangereux.

Réalisé par Damiano Damiani, ce préquel à la saga Amityville est connu pour être nettement plus sombre et plus graphique que le film original. Il explore des thèmes d’abus domestique et de corruption spirituelle, utilisant des effets de maquillage saisissants et une imagerie religieuse. Le film reste une entrée controversée et intense dans le sous-genre de la possession, apprécié des fans pour son ton implacablement sombre.

A Bucket of Blood

Maintenant disponible

Comédie, Crime, par Roger Corman, États-Unis, 1959.
Produit avec un budget de 50 000 $, il a été tourné en cinq jours par le roi des films à petit budget, Roger Corman. Une nuit, après avoir entendu les paroles de Maxwell H. Brock, un poète qui se produit au café The Yellow Door, le serveur obtus Walter Paisley rentre chez lui pour essayer de créer une sculpture du visage de l'hôtesse Carla, mais tue accidentellement le chat. Au lieu d'offrir à l'animal une sépulture appropriée, Walter recouvre le chat d'argile, laissant le couteau planté à l'intérieur. Le lendemain matin, Walter montre le chat à Carla et à son patron Leonard. Carla est enthousiaste à propos de l'œuvre et convainc Leonard de l'exposer dans son bar. Walter reçoit les éloges de Will et des autres beatniks du café.

Sujet de réflexion
L'art tue et confie la vraie vie à l'immortalité. Que sont les personnages d'un film, d'un tableau ou d'une sculpture sinon des cristallisations non humaines, des théorèmes et des représentations de personnes que nous avons vues, entendues, rêvées, rencontrées dans la vie réelle ?

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

REGARDER MAINTENANT

Pierino contre tous (1981)

Pierino est un écolier grossier et hyperactif qui passe ses journées à orchestrer des farces élaborées à sa famille, ses camarades de classe et ses professeurs. Lorsqu’il tombe amoureux d’une belle nouvelle professeure remplaçante, il entre en rivalité comique avec un collègue enseignant. Le film suit une série de gags lâches et épisodiques qui culminent dans les tentatives de Pierino pour gagner l’affection de la professeure tout en semant le chaos dans la classe.

Le film est l’œuvre fondatrice du cycle « Pierino », une série de comédies italiennes basées sur des blagues populaires de rue. Bien que critiqué pour sa vulgarité, il fut un énorme succès au box-office qui lança Alvaro Vitali au rang de star. Le personnage est depuis devenu une icône de la culture populaire italienne, représentant une époque spécifique d’humour irrévérencieux et bas de gamme qui satirisait les institutions sociales traditionnelles.

Evil Dead (1981)

Cinq amis voyageant vers une cabane isolée dans les bois découvrent un ancien texte connu sous le nom de Naturon Demonto et un magnétophone contenant des incantations. Lorsque l’enregistrement est joué, il réveille une présence démoniaque invisible qui commence à posséder le groupe un par un. Les survivants sont forcés de combattre leurs anciens amis lors d’une nuit de violence surnaturelle chaotique et implacable.

Les débuts de réalisateur de Sam Raimi sont une pierre angulaire de l’horreur à petit budget, célébrée pour son utilisation innovante de la caméra cinétique et ses effets spéciaux ingénieux. L’énergie brute du film et la performance physique de Bruce Campbell ont contribué à lancer une grande franchise. Il a démontré qu’une vision créative pouvait surmonter les limitations financières pour créer une expérience à la fois viscérale et artistiquement distincte.

Nightmare City (1980)

Un avion transportant un scientifique irradié effectue un atterrissage d’urgence, libérant un groupe de mutants rapides armés d’armes qui doivent consommer du sang humain pour régénérer leurs cellules en décomposition. Un journaliste télévisé et sa femme tentent de fuir la ville alors que les mutants submergent rapidement la police et l’armée. L’infection se propage à une vitesse terrifiante, menaçant de dévorer toute la population.

Réalisé par Umberto Lenzi, le film est une variante à grande vitesse du genre zombie, présentant des mutants suffisamment intelligents pour utiliser des outils et des armes à feu. C’est un classique culte connu pour son commentaire social sur l’énergie nucléaire et sa violence graphique assumée. La fin nihiliste du film et son focus sur la catastrophe industrielle en font un reflet sombre des angoisses de la fin du XXe siècle.

The Terror

Maintenant disponible

Horreur, par Roger Corman, États-Unis, 1963.
Le lieutenant Duvalier (Jack Nicholson), un soldat français, perd le contact avec son unité et est contraint d’errer seul près de la mer Baltique. En cherchant son régiment, il aperçoit Hélène (Sandra Knight), une mystérieuse beauté, marchant seule. Enchanté, Duvalier commence à la suivre, mais elle disparaît. Plus tard, il la rejoint et la suit dans un château, où il rencontre le bizarre baron Von Leppe (Boris Karloff), découvre des signes de sorcellerie et révèle la vérité choquante sur Hélène. Réalisé à faible coût en quelques jours par Roger Corman, profitant de décors déjà utilisés et du contrat toujours actif avec Karloff (qui avait terminé le film précédent plus tôt), The Terror comprend également des séquences tournées par de jeunes réalisateurs travaillant à la « fabrique de production ». Corman, qui deviendra un cinéaste très talentueux, a fait appel à Francis Ford Coppola, Monte Hellman. Les scènes finales ont été tournées par Jack Nicholson et Jack Hill.

Sujet de réflexion
Toutes les religions, sous des termes différents, parlent de l’existence de « magiciens noirs » capables de prendre le contrôle d’un corps à l’insu de son propriétaire. Les magiciens noirs utilisent leurs pouvoirs à des fins égoïstes, pour la vengeance et d’autres desseins maléfiques. Le phénomène est décrit dans divers textes de manière assez scientifique : il se produit en détachant le pont éthérique, qui relie le corps physique de l’individu aux corps supérieurs, en y attachant le sien propre. Un mécanisme similaire à celui qui se produit dans l’hypnose et l’anesthésie totale. Le sujet, cependant, doit être attaquable : sa volonté doit être fragile, son mode de vie et son équilibre doivent être précaires. Si ces conditions ne sont pas remplies, le magicien noir ne peut pas s’en emparer.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, portugais

REGARDER MAINTENANT

La Maison au bord du lac (1980)

Un jeune homme riche invite deux exclus sociaux, Alex et Ricky, dans sa villa isolée, dans l’intention de se moquer d’eux et de les humilier pour le divertissement de ses amis. La situation tourne au drame lorsque Alex, un prédateur sexuel violent, prend le contrôle de la soirée. Lui et son compagnon mentalement handicapé, Ricky, soumettent le groupe à une série de tortures physiques et psychologiques sadiques.

Le film « viol et vengeance » de Ruggero Deodato est célèbre pour ses représentations graphiques de la violence et son ton nihiliste. Il est considéré comme un classique culte controversé qui explore les tensions de classe et la dépravation humaine. Le film utilise son cadre isolé pour créer une atmosphère claustrophobe de terreur, forçant le spectateur à assister à une rupture brutale des convenances sociales et à l’émergence d’une cruauté primitive.

La Ville déchirée : La Chasse au maniaque (1980)

Un tueur en série terrorise la ville de Rome, assassinant de jeunes femmes et laissant leurs têtes coupées dans des lieux publics emblématiques. Un inspecteur mène l’enquête, parcourant les recoins sombres de la ville et rencontrant une série de suspects tandis que la population panique. La police doit précipiter ses recherches pour trouver le meurtrier avant que sa campagne de décapitations n’atteigne son objectif final et macabre.

Umberto Lenzi réalise ce thriller « giallo », reconnu pour son atmosphère inquiétante et la partition musicale oppressante de Stelvio Cipriani. Loué pour son suspense, il a également été critiqué pour sa violence extrême et ses représentations de sadisme. Le film constitue un exemple marquant de l’orientation plus sombre prise par le genre thriller italien au début des années 1980.

Le Magicien de la vitesse et du temps (1979)

Un artiste visionnaire des effets spéciaux est mis au défi par un groupe de producteurs hollywoodiens de créer un film mettant en scène une vitesse surhumaine incroyable. Utilisant une machine à remonter le temps et sa propre maîtrise du mouvement, il voyage à travers divers environnements pour accomplir sa tâche. Le film est une démonstration de ses pouvoirs créatifs et de son refus d’être enfermé par le système traditionnel des studios.

Réalisé par et avec Mike Jittlov, ce film indépendant est une célébration des techniques d’animation et d’effets spéciaux. Il est très apprécié des passionnés pour son esprit DIY, mêlant prises de vue réelles, animation en volume et éléments dessinés à la main. L’humour autodérisoire de la production et son accent sur la pure magie visuelle en ont fait une source d’inspiration durable pour les cinéastes indépendants.

La dottoressa ci sta col colonnello (1978)

Le colonel Anacleto Punzone, médecin militaire en proie à des insécurités concernant sa masculinité, subit une greffe secrète de pénis pour conquérir le cœur de la belle Dr Eva Russell. Le donneur est un collègue doté d’un attribut exceptionnellement imposant, ce qui entraîne une série de complications physiques et sociales pour le colonel. Il doit gérer sa nouvelle anatomie tout en gardant la procédure secrète vis-à-vis de ses supérieurs militaires.

Le film est une entrée populaire dans le genre de la « comédie sexy », avec Lino Banfi dans le rôle du colonel maladroit et bien intentionné. Il utilise un slapstick appuyé et une satire sexuelle pour se moquer des notions traditionnelles de virilité et de rigidité institutionnelle. Malgré son approche populaire, il fut un énorme succès commercial, trouvant un écho auprès d’un public intéressé par la déconstruction légère des tabous sexuels.

Little Shop of Horrors

Maintenant disponible

Horreur, par Roger Corman, États-Unis, 1960.
Le brillant Roger Corman, réalisateur et producteur qui a souvent travaillé avec des budgets ridicules, permettant les débuts de Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Joe Dante, réalise le film où son style est le plus reconnaissable. Un budget de 30 000 dollars, l'exploitation d'une scénographie existante, deux jours de tournage, une contamination sans précédent entre noir, comédie, horreur, surréaliste et grotesque. Seymour est un garçon timide et maladroit, opprimé par une mère hypocondriaque, qui travaille comme employé dans la boutique de fleurs de M. Mushnick, située dans les quartiers pauvres de New York, fréquentée par des personnes plutôt étranges ; sa vie semble s'améliorer lorsqu'il commence à se consacrer avec amour à une plante étrange, qu'il appelle du même nom que la fille dont il est amoureux. Mais la plante ne s'intéresse pas à son fumier, elle aime simplement le sang humain. Inspiré de la nouvelle de 1932 Green Thoughts.

REGARDER MAINTENANT

La banda del trucido (1976)

Un commissaire de police est à la recherche d’un criminel dangereux qui a organisé un important braquage et kidnappé une jeune fille. Désespéré d’obtenir une piste, le commissaire fait appel à Sergio Marazzi, un ancien voleur terre-à-terre et grossier surnommé « Er Monnezza ». Ensemble, ils explorent le milieu criminel romain pour sauver l’otage et empêcher le casse.

La performance de Tomas Milian dans le rôle de l’anti-héros Er Monnezza est l’élément déterminant de ce film policier italien. Il représente le sous-genre « poliziottesco », mêlant action brutale et humour local romain. La popularité immense du personnage a donné lieu à plusieurs suites, faisant de lui une icône culturelle incarnant la vision cynique mais principielle de la classe ouvrière urbaine.

The Schoolgirl (1975)

Loredana est une lycéenne vive et indépendante, constamment en conflit avec ses parents conservateurs. Sa vie se complique lorsqu’elle entame une relation amoureuse avec son professeur de mathématiques, ce qui donne lieu à une série de rencontres comiques et provocantes. Le récit la suit à travers diverses aventures provinciales alors qu’elle explore sa sexualité naissante et son indépendance.

Ce film est un représentant clé du cycle de la comédie érotique italienne des années 1970. Il est crédité d’avoir établi Gloria Guida comme une grande star et pour sa représentation franche — bien que controversée — de la rébellion adolescente. Le succès de la production a mis en lumière l’appétit du public pour des histoires qui défiaient la morale sociale et religieuse rigide de l’époque par l’humour et le voyeurisme.

Il mio nome è Nessuno (1973)

Un jeune tireur insouciant qui se fait appeler « Nobody » devient obsédé par l’idée de faire entrer son héros, le légendaire chasseur de primes Jack Beauregard, dans l’histoire avec une finale spectaculaire. Nobody tente de pousser le Jack sur le point de prendre sa retraite à affronter le « Wild Bunch » — une armée de 150 hors-la-loi. L’histoire suit leur périple incertain à travers l’Ouest alors que l’ère des tireurs d’élite cède la place à un monde plus moderne et commercial.

Réalisé par Tonino Valerii et produit par Sergio Leone, le film constitue un pont magistral entre le western spaghetti sérieux et le style comique de Terence Hill. Il est accompagné d’une partition grandiose signée Ennio Morricone et d’une performance remarquable de Henry Fonda dans le rôle de la légende usée par le monde. Le film sert à la fois d’aventure palpitante et de réflexion mélancolique sur la mort de l’Ouest mythique.

La Bande du Bossu (1972)

Un criminel recherché surnommé « Le Bossu » revient en Corse après un exil pour venger la mort de son frère jumeau. Il organise un groupe de bandits pour un braquage audacieux dans un casino, mais le plan est compliqué par ses propres impulsions violentes et la poursuite par des policiers corrompus. Le récit suit sa descente dans un cycle de trahisons et d’échanges de coups de feu alors qu’il tente de régler les dettes de sa famille.

Ce film a contribué à établir Tomas Milian comme un acteur majeur du genre policier italien. Réalisé par Umberto Lenzi, il est connu pour sa performance charismatique en tête d’affiche et son intrigue cynique et pleine d’action. Le film est un exemple classique du style « poliziottesco », centré sur un protagoniste criminel complexe dont la soif de justice est aussi dangereuse que ses activités illégales.

Le Grand Silence (1968)

Au cœur d’un hiver rigoureux en 1880 dans l’Utah, un tireur muet nommé Silence est engagé par une veuve pour protéger une communauté de hors-la-loi contre un groupe de chasseurs de primes sadiques. Ces derniers, menés par le terrifiant Tigrero, opèrent dans un système légal corrompu qui leur permet de massacrer les innocents pour le profit. Silence doit s’engager dans un jeu mortel du chat et de la souris à travers ce paysage glacé.

Le western de Sergio Corbucci est renommé pour son ton sombre, sa subversion des héros traditionnels et sa célèbre fin désespérée. Le cadre hivernal offre une atmosphère désolée qui complète les thèmes du film sur l’injustice et la vengeance. Avec une partition obsédante d’Ennio Morricone et des performances intenses, il est largement considéré comme l’un des plus grands et des plus politiquement significatifs westerns italiens jamais réalisés.

Dementia 13

Maintenant disponible

Horreur, thriller, par Francis Ford Coppola, États-Unis, 1963.
Le premier film de Francis Ford Coppola produit à bas coût par Roger Corman, qui voulait un film sur le modèle du Psycho à petit budget avec des atmosphères gothiques et des crimes odieux. La famille Haloran se réunit dans leur château irlandais pour commémorer la mort prématurée de la petite Kathleen, qui s'est noyée sept ans plus tôt. Des événements mystérieux commencent à se produire, comme les apparitions de l'enfant décédée, et un tueur armé d'une hache rôde dans les lieux.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : italien

REGARDER MAINTENANT

Manos : Les Mains du Destin (1966)

Une famille voyageant à travers le désert du Texas se retrouve bloquée et trouve refuge dans un lodge isolé supervisé par un homme étrange nommé Torgo. Ils découvrent qu’ils sont retenus par une secte polygame adorant le diable, dirigée par « Le Maître ». La famille doit trouver un moyen de s’échapper avant d’être sacrifiée à la divinité de la secte, Manos, dans un rituel ancien et absurde.

Le film est célèbre comme l’une des productions les plus techniquement défaillantes et incompétentes de l’histoire du cinéma, créé par un vendeur d’engrais sur un pari. Il a acquis un immense culte en raison de son jeu d’acteur bizarre, de son rythme étrange et de son surréalisme involontaire. Malgré sa mauvaise qualité, l’étrangeté unique du film en a fait un sujet de fascination et de parodie pendant des décennies.

Django (1966)

Un mystérieux vagabond nommé Django arrive dans une ville frontalière boueuse en traînant un cercueil derrière lui. Il se retrouve pris entre un gang révolutionnaire mexicain et un groupe d’anciens soldats confédérés racistes. Après avoir révélé une mitrailleuse Gatling cachée dans le cercueil, Django se lance dans une croisade sanglante de vengeance et de vol, tentant de sauver une femme locale du chaos environnant.

Réalisé par Sergio Corbucci, le film est une pierre angulaire du genre western spaghetti, célèbre pour sa violence stylisée et son protagoniste sombre. La performance de Franco Nero a créé un archétype iconique qui a influencé d’innombrables suites et imitations. L’esthétique brute du film et son focus sur un héros imparfait, mû par la vengeance, ont redéfini le genre western pour un public international.

Plan 9 from Outer Space (1959)

Des extraterrestres préoccupés par le développement nucléaire de l’humanité tentent de conquérir la Terre en mettant en œuvre le « Plan 9 », qui consiste à ressusciter les morts pour en faire une armée d’invasion. Un groupe de militaires et de pilotes tente d’arrêter les extraterrestres à leur base dans un cimetière en périphérie de Los Angeles tandis que les cadavres ressuscités commencent à terroriser les habitants locaux.

Réalisé par Ed Wood, le film est souvent cité comme l’un des pires jamais réalisés en raison de ses faibles moyens de production et de son scénario absurde. Cependant, le dévouement sincère de Wood et la valeur camp du film en ont fait un classique culte adoré. Il demeure un témoignage de l’esprit persévérant du cinéma indépendant et reste un sujet d’intérêt historique et comique intense.

The Killer Shrews (1959)

Une équipe de recherche sur une île isolée expérimente des hormones de croissance pour lutter contre la crise alimentaire mondiale, créant accidentellement une race de musaraignes géantes et carnivores. Lorsqu’un ouragan frappe, un groupe de visiteurs se retrouve piégé dans un complexe avec ces monstres affamés. Les survivants doivent élaborer un plan désespéré pour atteindre leur bateau alors que les musaraignes tentent de creuser leur chemin dans le bâtiment.

Ce film à petit budget est un classique de l’ère des drive-in, connu pour son utilisation créative — quoique absurde — de chiens déguisés pour incarner les monstres. Le film exploite la peur de la radiation et des manipulations scientifiques propre au milieu du XXe siècle. Malgré ses limites, il maintient une narration tendue, centrée sur la survie, qui en a fait un incontournable pour les amateurs d’horreur vintage de série B.

The Blob (1958)

Une petite ville est plongée dans la panique lorsqu’une créature extraterrestre gélatineuse tombe du ciel et commence à tout dévorer sur son passage. La créature grandit et devient plus agressive à chaque victime absorbée. Un groupe d’adolescents, mené par un jeune homme nommé Steve, doit trouver un moyen de convaincre les adultes locaux du danger avant que la créature ne dévore toute la communauté.

Le film est une œuvre fondatrice du cycle des créatures des années 1950, avec Steve McQueen dans son premier grand rôle principal. Ses effets spéciaux pratiques, utilisant du silicone teinté, ont créé un monstre iconique et mémorable. La narration capture la fracture générationnelle de l’après-guerre, avec la jeunesse comme seul groupe capable de reconnaître et de réagir à une menace croissante et invisible.

The Fly (1958)

Un scientifique brillant découvre un moyen de téléporter la matière, mais lors d’un test sur lui-même, une mouche domestique commune entre dans la cabine de téléportation. Leurs structures atomiques fusionnent, provoquant la transformation progressive du scientifique en un hybride monstrueux d’homme et d’insecte. Sa femme tente désespérément de l’aider à inverser le processus alors que sa conscience humaine commence à s’effacer.

Adapté d’une nouvelle de George Langelaan, le film est un mélange sophistiqué de science-fiction et d’horreur psychologique. Il est célébré pour son usage efficace du suspense et son exploration des dangers de l’ambition scientifique débridée. Les scènes de transformation choquantes et son noyau émotionnel tragique en ont fait un classique durable du genre.

Attack of the Crab Monsters (1957)

Une équipe de scientifiques arrive sur une île isolée du Pacifique pour enquêter sur la disparition d’une expédition précédente. Ils découvrent que les essais nucléaires ont muté les crabes locaux en monstres géants télépathes qui absorbent les connaissances et les voix de ceux qu’ils dévorent. Alors que l’île commence à s’effondrer dans la mer, les survivants doivent trouver un moyen de détruire ces créatures avant d’être eux-mêmes capturés.

Réalisé par Roger Corman, ce film est un B-movie à concept élevé qui construit efficacement la tension avec des ressources limitées. Il reflète la peur omniprésente de la Guerre froide face aux radiations et aux retombées environnementales. Le concept unique du film — où les monstres possèdent les personnalités de leurs victimes — ajoute une couche d’angoisse psychologique qui le distingue des autres films de « gros insectes » de l’époque.

Them! (1954)

Dans le désert du Nouveau-Mexique, une série de disparitions mystérieuses et un enfant traumatisé conduisent les enquêteurs à un nid de fourmis géantes mutantes créées par les retombées des premiers essais de la bombe atomique. Lorsque deux jeunes reines fourmis s’échappent du désert pour établir de nouveaux nids dans des centres urbains, l’armée doit lancer une campagne désespérée pour les trouver et les détruire avant que la civilisation humaine ne soit submergée.

Le film est largement considéré comme l’un des meilleurs exemples du genre « gros insectes », salué pour son ton documentaire et son design sonore efficace. Il utilise la peur de la technologie nucléaire pour créer une allégorie sérieuse et effrayante de l’ère atomique. L’utilisation de maquettes à l’échelle et les séquences d’enquête tendues ont établi une norme élevée pour les films d’horreur de science-fiction ultérieurs.

Creature from the Black Lagoon (1954)

Une expédition scientifique en Amazonie découvre un humanoïde amphibien préhistorique vivant dans une lagune isolée. La créature devient obsédée par l’assistante féminine de l’équipe, ce qui conduit à une série d’affrontements violents alors que le monstre tente de défendre son territoire et d’enlever l’objet de sa fascination. Les scientifiques doivent lutter pour survivre aux attaques aquatiques de la créature et s’échapper de la forêt tropicale.

Le film a introduit le Gill-man, la dernière entrée dans la liste classique des Monstres Universal. Il est renommé pour sa photographie sous-marine pionnière et son design iconique de créature. Le récit est notable pour son utilisation efficace du suspense et pour susciter une certaine sympathie envers la créature, dépeinte comme un être primordial dont l’environnement a été envahi par l’homme moderne.

La Chose d’un autre monde (1951)

Le personnel d’une station de recherche arctique isolée découvre un OVNI écrasé et un pilote extraterrestre congelé dans la glace. Lorsque l’entité — une forme de vie végétale hautement avancée — est accidentellement réanimée, elle commence à se nourrir du sang des habitants de la base. Les scientifiques et les soldats doivent trouver un moyen de contenir et de détruire cette créature résistante avant qu’elle ne puisse se reproduire et menacer la planète entière.

Adapté de l’histoire « Who Goes There? », le film est une leçon magistrale de tension claustrophobique et de dialogues d’ensemble entrecroisés. Il reflète la paranoïa du début de la Guerre froide ainsi que le conflit entre le pragmatisme militaire et la curiosité scientifique. Le choix de la production de garder le monstre principalement dans l’ombre a créé un sentiment de malaise qui en fait une œuvre fondatrice pour tout le cinéma d’invasion extraterrestre ultérieur.

Analyse

Le film de série B américain

Le film de série B américain s’est répandu dans les années 1940 et 1950 dans les genres western, horreur et science-fiction. L’acteur principal, sous un seul contrat et une seule rémunération, jouait à la fois dans les films de série A et de série B. L’usage du film de série B s’est également étendu à d’autres genres : n’importe quel genre pouvait convenir et la double séance rencontrait un franc succès. 

Avec l’assouplissement de la censure dans les années 1960, les films de série B se sont multipliés, jusqu’à devenir un genre autonome avec des sorties médiatisées comme les films de série A. Leurs contenus étaient parfois outrageusement violents et obscènes, comme dans le genre grindhouse, qui était distribué en dehors des circuits de distribution à grande échelle, lors d’événements spéciaux. 

Les stratégies publicitaires des films grindhouse sont devenues très efficaces, grâce aux techniques de saturation psychologique : slogans accrocheurs bombardant le public et bandes-annonces évoquant le contenu morbide, jusqu’à ce que la curiosité de voir le film devienne irrésistible. 

Un autre phénomène américain concernant le film de série B est celui des séances de minuit : des films d’horreur, événements spéciaux dédiés à un public plus jeune souhaitant passer la nuit à regarder des films effrayants entre amis. Des événements qui ont conduit à des succès extraordinaires de petits films d’horreur à faible coût, tels que Halloween de John Carpenter, ou plus récemment The Blair Witch Project. 

Les films d’arts martiaux de Bruce Lee, le cinéma dit hongkongais, d’abord distribué en Orient puis diffusé en Occident, ont également rencontré un succès notable aux États-Unis. 

Les films de série B de Roger Corman

L’un des réalisateurs américains qui a su le mieux interpréter la logique du film de série B est sans doute Roger Corman. Avec des astuces et des effets spéciaux souvent grotesques et de qualité médiocre, Corman a su réaliser et produire des films qui se sont révélés de grands succès commerciaux et des œuvres de bonne valeur artistique. La filmographie de Roger Corman, à la fois comme réalisateur et producteur de films de série B, est très longue.

Un autre représentant bien connu du film de série B américain fut Ed Wood, le réalisateur célèbre pour avoir réalisé certains des films les plus laids de l’histoire du cinéma. Le film Plan 9 from outer space, un classique du film de science-fiction-horreur de série B, est sorti en salles en 1959 mais fut ignoré par la critique, jusqu’à ce qu’en 1978, deux critiques américains le qualifient de pire film de tous les temps. Le film devint alors incroyablement populaire. L’intrigue folle du film, un mélange chaotique entre zombies, vampires et OVNIs, est en réalité particulièrement drôle, et le film est l’un des objets les plus étranges de la histoire du cinéma qu’il faut voir au moins une fois dans sa vie. 

Aux États-Unis, le phénomène des films de série B a également touché le western. Les westerns américains étaient conçus comme des produits commerciaux à bas coût sans particularité d’inspiration artistique et créative. Leur grand succès suscita l’intérêt de l’industrie cinématographique italienne qui produisit des westerns de série B bien connus tels que Django et Unnamed man. De ce groupe de petits films de série B modestes naquit cependant l’une des branches du grand cinéma d’auteur italien : le western de Sergio Leone. 

Dans les années 1980, le phénomène du b-movie commença à décliner. Le public américain s’habituait de plus en plus aux films spectaculaires et aux grandes productions avec effets spéciaux. Cependant, la production de B Movie continua avec la distribution en vidéo à domicile. Les producteurs de b-movies vendaient leurs produits directement à des chaînes telles que Blockbuster, ou à des chaînes câblées diffusant 24 heures sur 24 et ayant également besoin de contenus pour remplir les grilles de l’après-midi et de la nuit. 

Dans les années 1990, le coût de production d’un film aux États-Unis augmenta de manière spectaculaire. Le phénomène du b-movie américain fut progressivement remplacé par des films indépendants qui privilégiaient un style plus intellectuel, d’art et essai et moins commercial. Un cinéma indépendant souvent aussi citationniste et pulp comme le phénomène Quentin Tarantino, qui explosa à cette époque avec les projets à petit budget Reservoir Dogs et Pulp Fiction. 

Avec l’arrivée du numérique et de la distribution sur internet, les films indépendants et de genre à bas coût se sont multipliés : on estime que plus de 5 000 petits films à petit budget sont produits chaque année dans le monde. Depuis le début des années 2000, le concept de B Movie a disparu, remplacé par celui de film indépendant, sans distinction claire entre films d’art et essai et films commerciaux.

Le réalisateur indépendant du nouveau millénaire dispose en effet de tous les outils nécessaires pour réaliser un film avec très peu de moyens, grâce aux caméras numériques qui génèrent des images de très haute qualité comparables au film 35 mm, et aux logiciels de montage non linéaire qui permettent un contrôle total de la vidéo et du son. Certains réalisateurs indépendants choisissent la voie des films de genre en quête de succès commercial et professionnel, inspirés par ce qui fonctionne dans la distribution cinématographique à grande échelle. 

D’autres utilisent la possibilité de réaliser de petits films à faible coût pour créer de véritables œuvres d’art, également différentes de la conception précédente des films d’art et essai. Ce sont des films qui se libèrent de la structure typique du produit cinématographique et de la perception du divertissement pour croiser l’art vidéo, la réflexion philosophique et la poésie. La technologie numérique et la distribution underground sur Internet sont aujourd’hui le terrain le plus fertile pour la création de films expérimentaux, en quête de nouveaux langages d’avant-garde. 

Films de Série B italiens

Le cinéma italien de Série B à bas coût a été aussi prolifique que le cinéma américain. De la comédie érotique « pecoreccia » des années 60, destinée à un public en quête d’excitation érotique, jusqu’au genre policier de la série B défini comme « poliziottesco », où le policier, bourreau ou anti-héros, lutte pour rétablir l’ordre dans une ville violente, généralement Naples, Rome ou Milan. 

La comédie sexy interprétée par des acteurs tels que Lino Banfi, Renzo Montagnani et Alvaro Vitali, et par de belles et jeunes actrices telles que Edwige Fenech, Barbara Bouchet, Lory Del Santo, Nadia Cassini, était réalisée comme une série de gags comiques et bizarres, avec une saveur absurde et grotesque. Bien que ces films aient été faits avec une obsession de montrer continuellement le corps de l’actrice principale, la qualité des acteurs et de l’écriture a rendu certains d’entre eux véritablement hilarants, avec un certain attrait cinématographique. 

Dans le polar de la série B, il faut certainement rappeler la contribution de l’acteur Tomas Milian dans divers rôles récurrents, repris dans de nombreux films au fil des années : de l’inspecteur Giraldi au prolétaire voleur des banlieues romaines surnommé « Er Monnezza » (l’homme des ordures). 

Un autre phénomène italien qui a rempli les salles dans les années 1980 fut celui de Pierino. Interprété par Alvaro Vitali, il s’inspirait d’un personnage de bande dessinée d’Antonio Rubino, qui avait lui-même inspiré une innombrable série de blagues populaires. Pierino a trente ans mais il est petit tant physiquement que psychologiquement, et il va encore à l’école. Il est toujours excité par les professeurs attirants et les autres femmes qu’il rencontre dans ses aventures, et il essaie toujours de les espionner dans leur intimité, alors qu’elles se déshabillent, à travers les trous de serrure. 

Les films de série B rapportaient beaucoup d’argent et remplissaient les cinémas. Quelqu’un a alors pensé à faire des copies, c’est-à-dire le revers de la médaille des films de série B. Les westerns spaghetti à bas coût, les films policiers et les comédies sexy se sont multipliés avec des imitations embarrassantes de personnages à succès. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles il vaut la peine de regarder des films de série B, même s’ils n’ont pas les mêmes valeurs de production ou budget que les gros blockbusters. Voici quelques raisons :

1. Pure divertissement : Les films de série B se concentrent souvent sur un divertissement simple sans trop de prétentions. Ce sont des films agréables à regarder sans la pression d’attentes élevées.
2. Originalité : Les films de série B ont tendance à être plus audacieux et créatifs que les films grand public. Ne disposant pas de budgets importants, les réalisateurs et scénaristes sont souvent contraints de penser de manière innovante et de trouver des solutions créatives pour raconter leurs histoires.
3. Culture pop : Beaucoup de films de série B, notamment ceux des années 1950 et 1960, sont devenus des icônes de la culture pop. Ils ont influencé la musique, la mode et le cinéma, et ont construit au fil des années un public fidèle.
4. Camp et ironie : Certains films de série B sont tellement mal réalisés qu’ils deviennent involontairement drôles. Cela a donné naissance à une culture du « culte de la daube » où les gens se réunissent pour rire des défauts et bizarreries de ces films.
5. Expérimentation : Les films de série B sont souvent un terrain fertile pour les réalisateurs émergents et les nouveaux talents. Certains réalisateurs à succès ont commencé leur carrière en travaillant sur des films de série B avant de passer à des productions plus importantes.
6. Histoires uniques : Puisque les films de série B ne sont pas soumis aux attentes du grand public, ils peuvent explorer des thèmes et genres inhabituels ou tabous que les films grand public évitent souvent. Cela peut conduire à des histoires uniques et surprenantes.

Regarder des films de série B peut être une expérience amusante et enrichissante pour ceux qui s’intéressent au cinéma en dehors des limites des productions à gros budget. Chaque film a sa propre histoire et un charme unique, et vous pourriez découvrir des pépites cachées ainsi que de nouvelles perspectives sur le monde du cinéma.