Die 30 Filme, die die wahre Seele Roms enthüllen

Rom. Der Name selbst ruft ein mächtiges Imaginaire hervor, eingraviert ins kollektive Bewusstsein durch Jahrzehnte großartigen Kinos. Wir denken an Audrey Hepburn auf einer Vespa in Ein Herz und eine Krone oder an die statueske Schönheit von Anita Ekberg in Das süße Leben. Diese Filme, unbestrittene Meisterwerke, die das „Postkarten-Rom“ erschufen, sind ein großartiges Freilicht-Set.

Doch dieser Leitfaden ist auch eine Reise in ein dunkleres, komplexeres und vitaleres Terrain. Es ist eine Erkundung der Stadt durch den Blick von Regisseuren, die sie nicht als Kulisse nutzten, sondern als Protagonistin befragten. Es ist das Rom der erbitterten Slums Pasolinis, der entfremdenden Geometrien Antonionis und der blutbefleckten Straßen des poliziottesco.

Dies ist keine einfache Liste, sondern ein Weg, der die berühmtesten Filme mit dem radikalsten Autorenkino verbindet. Eine alternative Erzählung, die den Mythos demontiert, um die rohe, widersprüchliche und unendlich faszinierendere Wahrheit der Ewigen Stadt zu offenbaren.

Rom, offene Stadt (1945)

Gedreht inmitten der noch warmen Trümmer der gerade befreiten Stadt, ist dieser Film die Geburt des Neorealismus. Roberto Rossellini erzählt die Geschichte des Kampfes der römischen Widerstandsbewegung gegen die Nazi-faschistische Besatzung und verwebt das Leben eines kommunistischen Ingenieurs, eines mutigen Priesters und einer Frau des Volkes, Pina. Ihr Kampf für Freiheit wird zum Symbol der Wiedergeburt einer ganzen Nation.

Ein absolutes Meisterwerk und ein symbolisches Werk einer neuen filmischen Ära, Rom, offene Stadt erzählt nicht nur Geschichte: Es fängt sie im Moment ihres Geschehens ein. Rossellini nimmt mit provisorischen Mitteln und schwer zu beschaffendem Filmmaterial die Kamera mit auf die echten Straßen und verwandelt Orte wie die Via Raimondo Montecuccoli im Stadtteil Prenestino in die Bühne einer realen Tragödie. Der berühmte, herzzerreißende Lauf von Anna Magnani auf den Lastwagen, der ihren Mann wegbringt, ist nicht nur eine ikonische Szene; es ist Kino, das zum Zeugnis wird, ein Schrei, ein Körper. Rossellini entkleidet Rom aller monumentalen Rhetorik, um es als verwundete Stadt zu zeigen, ein lebendiger Organismus aus einfachen Menschen, die durch die Notwendigkeit der Geschichte zu Helden erhoben werden.

The Lost Poet

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Drama, von Fabio Del Greco, Italien, 2024.
Dante Mezzadri möchte einen alten Freund sehen, der den Spitznamen Iguana trägt, den er viele Jahre aus den Augen verloren hat und der es geschafft hat, ihre gemeinsame jugendliche Leidenschaft für Poesie in einen Beruf zu verwandeln, indem er ein berühmter Schriftsteller und Dichter wurde. Der Mann entkommt seinem bürgerlichen Leben und seiner Frau, um obdachlos an der römischen Küste zu leben, wo er seine Gedichtsammlungen druckt und zu verkaufen versucht. Nachts schläft er in einem Park mit alten Karnevalswagen, in einem Pappmaché-Panzer, und wartet auf die Gelegenheit, seinen alten Freund zu treffen, der jedoch nie zu den Verabredungen an den Orten erscheint, die sie in ihrer Jugend besuchten, die jetzt in Ruinen liegen. Dantes Gedichtbücher interessieren niemanden, und um sich zu ernähren, ist er gezwungen, das „Produkt zu wechseln“: Er beginnt, im Auftrag junger Drogendealer die berüchtigte „Kannibalenpille“ zu verkaufen, eine neue Droge, die sich wie warme Semmeln verkauft und sensorische sowie konsumistische Ekstase verursacht. Doch er erkennt, dass diese starke Droge für die Konsumenten sehr gefährlich ist, gerät in Konflikt mit seinem ethischen Gewissen und wirft alle Pillen ins Meer. Die Dealer wollen jedoch ihr Geld eintreiben.

Der über einen Zeitraum von 2 Jahren gedrehte Film ist eine Reflexion über die kulturellen und künstlerischen Trümmer der Gesellschaft, in der der Protagonist lebt, in einer zunehmend mechanisierten, konsumorientierten und kargen Welt. Dante Mezzadri ist ein weiterer Mensch, der auf seine Inspiration und Kreativität verzichtet hat, aber im Gegensatz zu vielen ist er nicht bereit, sein Leben einem System zu opfern, das ihn von seiner wahren Identität entfremdet. Die physische Welt um ihn herum scheint jedoch so konstruiert zu sein, dass es unmöglich erscheint, aus diesem „unsichtbaren Käfig“ zu entkommen. Die Begeisterung der Menschen, die er trifft, wird nur durch sinnliche Befriedigung, durch unrealistische Visionen von persönlicher Bestätigung und Erfolg, durch „Metaversen“ entfacht, die eine Flucht in

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Fahrraddiebe (1948)

Im Nachkriegs-Rom bekommt ein arbeitsloser Plakatkleber, Antonio Ricci, eine Stelle, für die ein Fahrrad unerlässlich ist. Als es ihm am ersten Arbeitstag gestohlen wird, beginnt er mit seinem kleinen Sohn Bruno eine verzweifelte Suche durch die Straßen der Stadt. Was wie ein kleines Unglück erscheint, verwandelt sich in eine herzzerreißende Odyssee durch das Elend und die Gleichgültigkeit einer am Boden liegenden Gesellschaft.

Vittorio De Sica, mit einem Drehbuch von Cesare Zavattini, schafft ein gnadenloses Fresko des Nachkriegs-Roms. Die Stadt ist nicht nur eine malerische Kulisse, sondern ein Labyrinth der Verzweiflung. Die Reise von Antonio und Bruno führt uns vom Arbeiterviertel Val Melaina zum chaotischen Markt von Porta Portese, einem menschlichen Ameisenhaufen, in dem das gestohlene Fahrrad nur eines von Tausenden von Gegenständen ist, das unmöglich zu finden ist. De Sica zeigt eine Stadt, in der Institutionen abwesend oder machtlos sind und Solidarität ein Luxus ist, den sich niemand leisten kann. Das Fahrrad wird zum Symbol verlorener Würde und unerreichbarer Hoffnung, in einem Meisterwerk des Humanismus, das die Filmgeschichte für immer geprägt hat.

Umberto D. (1952)

Umberto Domenico Ferrari ist ein älterer, pensionierter Beamter, der von seiner mageren Rente nicht leben kann. Von seiner Vermieterin mit Räumung bedroht, wandert er mit seinem einzigen Freund, seinem kleinen Hund Flike, durch Rom und versucht, seine Würde in einer Welt zu bewahren, die ihn zu vergessen scheint. Sein einsamer Kampf ist eine Anklage gegen die Gleichgültigkeit der Gesellschaft.

Von vielen als Höhepunkt des Neorealismus angesehen, ist Umberto D. eine unglaublich berührende Erkundung von Einsamkeit und Ausgrenzung. De Sica nutzt Rom nicht als Stadt der Wunder, sondern als kalten und unpersönlichen urbanen Raum, der die Isolation des Protagonisten verstärkt. Umbertos Kampf, der Versuchung des Bettelns nicht nachzugeben, seine sorgfältige Pflege seines Äußeren trotz Armut, sind verzweifelte Gesten, um an einer Identität festzuhalten, die die Stadt zu löschen droht. Die zärtliche und herzzerreißende Beziehung zu Flike wird zur einzigen Bastion der Zuneigung gegen die Grausamkeit der Welt.

Der weiße Scheich (1952)

Zwei Frischvermählte aus der Provinz kommen für ihre Flitterwochen nach Rom. Während der Ehemann einen strikten Zeitplan mit Besuchen bei Verwandten und einer päpstlichen Audienz hat, läuft die Ehefrau, besessen von Fotoromanen, davon, um ihren Helden, den „Weißen Scheich“, zu treffen, nur um die ernüchternde Realität hinter der Fantasie zu entdecken.

In seinem ersten Solo-Film nutzt Fellini Rom als Bühne für den Konflikt zwischen provinzieller Naivität und metropolitaner Ernüchterung. Die Stadt ist nicht die monumentale Hauptstadt, sondern ein Ort billiger Mythen und vorgefertigter Träume, von der Welt der Fotoromane bis zu den starren Konventionen der kleinbürgerlichen Familie. Es ist ein satirischer Blick auf eine Gesellschaft, die Fantasie der Realität vorzieht, ein Thema, das in Fellinis gesamtem Werk zentral werden sollte.   

Nights of Cabiria (1957)

Cabiria ist eine zähe und ewig optimistische Prostituierte, die durch die Nächte Roms wandert und von wahrer Liebe träumt. Trotz ständiger Täuschungen und Demütigungen verliert sie nie ihren kindlichen Glauben an eine bessere Zukunft und steht nach jedem Fall mit einem herzzerreißenden Lächeln wieder auf.

Fellini kehrt an den römischen Stadtrand zurück, jedoch mit einem anderen Ton als der Neorealismus. Cabirias Rom ist eine Welt der Ausgestoßenen, ein „Demi-Monde“, in dem das Heilige und das Profane nebeneinander existieren. Von den heruntergekommenen Elendsvierteln bis zu den luxuriösen Nachtclubs der Via Veneto zeichnet der Film ein Porträt einer Stadt voller scharfer Gegensätze. Cabirias letzter Spaziergang, bei dem sie die Kraft findet, wieder zu lächeln, umgeben von einer Gruppe junger Menschen, ist ein Hymnus auf einen unzerstörbaren menschlichen Geist, der selbst in den trostlosesten Ecken der Metropole Leben findet.

Big Deal in der Via Veneto (1958)

Eine Gruppe tollpatschiger, kleinbürgerlicher römischer Kleinkrimineller versucht, einen großen Coup zu landen: die Ausraubung eines Pfandhauses. Angeführt von einem pensionierten Tresorknacker erweist sich diese zusammengewürfelte Bande von „gewöhnlichen Unbekannten“ als hoffnungslos unfähig und verwandelt ihren ehrgeizigen Plan in eine Reihe urkomischer Fehlschläge.

Mario Monicellis Meisterwerk gilt als Urvater der „Commedia all’italiana“ (Italienische Komödie). Es ist eine brillante Parodie sowohl amerikanischer Heist-Filme als auch des italienischen Neorealismus, die die Armut des Nachkriegsroms nicht mit tragischem Drama, sondern mit zynischem Humor und tiefgründiger Menschlichkeit darstellt. Die Arbeiterviertel der Stadt bilden die Kulisse für eine Geschichte über die Kunst des Überlebens, in der der Traum vom großen Coup unvermeidlich mit einer viel bescheideneren Realität kollidiert: einem Teller Pasta mit Kichererbsen.

Die Fakten des Mordes (1959)

In einem eleganten Gebäude in der Via Merulana stören ein Juwelenraub und ein brutaler Mord die bürgerliche Ruhe. Inspektor Ingravallo, ein desillusionierter und philosophischer Mann, wird mit den Ermittlungen betraut. Beim Eindringen in das scheinbar respektable Leben der Mieter entdeckt er eine Unterwelt voller Geheimnisse, Lügen und verborgener Leidenschaften, in der niemand wirklich unschuldig ist.

Basierend auf dem Roman Dieses schreckliche Durcheinander in der Via Merulana von Carlo Emilio Gadda ist Pietro Germis Film ein atypischer Noir und eine scharfsinnige Gesellschaftsuntersuchung. Rom ist nicht die sonnige Stadt der Komödie, sondern ein dunkler und klaustrophobischer Ort. Der gesamte Film spielt fast ausschließlich innerhalb des Gebäudes, das zu einem Mikrokosmos der römischen Gesellschaft wird, einer Bühne, auf der die Komödie der Erscheinungen aufgeführt wird. Germi nutzt die Struktur einer Detektivgeschichte, um eine regelrechte Autopsie der bürgerlichen Moral vorzunehmen und die Heuchelei und Korruption hinter den respektablen Fassaden aufzudecken.

Accattone (1961)

Vittorio, bekannt als „Accattone“, ist ein Zuhälter aus den römischen Slums, der von der Ausbeutung seiner Prostituierten Maddalena lebt. Als sie ins Gefängnis kommt, findet sich Accattone mittellos wieder und gerät in eine existenzielle Krise. Er versucht, sich durch seine Liebe zur reinen Stella und einen ehrlichen Job zu retten, doch seine Welt aus Gewalt und Elend zieht ihn zurück in einen tragischen Strudel.

Pier Paolo Pasolinis Regiedebüt ist ein schillerndes und brutales Werk, ein Schlag in die Magengrube, der das Subproletariat der römischen Peripherie mit ungeahnter Wucht auf die Leinwand bringt. Pasolini filmt die Slums von Pigneto und Testaccio nicht mit dokumentarischer Distanz, sondern mit einem Blick, der rohen Realismus und Heiligkeit verbindet. Das Leben des Accattone, eines hoffnungslosen „Jungen der Straße“, wird zu einer leidenschaftlichen Christusgestalt erhoben, unterstrichen durch den entfremdenden Einsatz von Bachs Musik. Pasolinis Rom ist eine archaische, vorindustrielle Welt, ein Universum mit eigenen Gesetzen und Sprache, das vom bürgerlichen Konformismus hinweggefegt werden soll.

L’eclisse (1962)

Vittoria, eine junge Übersetzerin, verlässt ihren Partner und beginnt eine unsichere Beziehung mit Piero, einem dynamischen und zynischen Börsenmakler. Ihre Geschichte entfaltet sich in einem fast unerkennbaren Rom: dem modernen und monumentalen EUR-Viertel. Ihre Begegnungen sind geprägt von Kommunikationsunfähigkeit, einer emotionalen Leere, die sich in den trostlosen Räumen um sie herum zu spiegeln scheint.

Der abschließende Teil von Michelangelo Antonionis „Trilogie der Unkommunizierbarkeit“, L’eclisse ist ein Meisterwerk des existenziellen Kinos. Antonioni verwandelt die rationalistische und metaphysische Architektur des EUR-Viertels in den wahren Protagonisten des Films. Die leeren Plätze, imposanten Gebäude und geometrischen Linien sind nicht nur Kulisse, sondern die visuelle Manifestation der Entfremdung und inneren Leere der Figuren. Die berühmte Schlusssequenz, in der die Kamera zu den Orten ihrer verpassten Begegnungen zurückkehrt und nur Objekte und städtische Details zeigt, ist die definitive Aussage darüber, wie die moderne Welt und ihre Geometrien die menschlichen Gefühle „verfinstert“ haben.

Il Sorpasso (1962)

In einem für den Ferragosto-Feiertag verlassenen Rom zieht der überschwängliche und oberflächliche Vierzigjährige Bruno Cortona den schüchternen Jurastudenten Roberto Mariani zu einem spontanen Ausflug in seinem Lancia Aurelia Cabrio mit. Was als unbeschwerte Abenteuerfahrt entlang der tyrrhenischen Küste beginnt, entwickelt sich zu einer scharfen und bitteren Reflexion über den Wirtschaftsboom Italiens.

Dino Risis

Mamma Roma (1962)

Mamma Roma, eine ehemalige Prostituierte, gespielt von der monumentalen Anna Magnani, versucht für ihren jugendlichen Sohn Ettore ein neues bürgerliches Leben aufzubauen. Sie verlässt die Straßen und zieht in ein modernes INA-Casa-Gebäude im Stadtteil Quadraro, träumt von einer respektablen Zukunft für den Jungen. Doch ihre Vergangenheit, verkörpert durch ihren ehemaligen Zuhälter, kehrt zurück, um sie zu verfolgen und zerstört ihren Traum von Erlösung.

Pasolinis zweiter Film, Mamma Roma, setzt die Erforschung des Subproletariats fort, jedoch mit einer noch intensiveren tragischen Ladung. Die neue Architektur der sich ausdehnenden Peripherie mit ihren anonymen Wohnblocks wird zum Symbol einer gewünschten, aber unerreichbaren sozialen Integration. Mamma Roma versucht verzweifelt, ein kleinbürgerliches Modell zu assimilieren, das ihr nicht gehört, doch ihre plebejische Vitalität und ihre Vergangenheit lassen sich nicht auslöschen. Das tragische Schicksal ihres Sohnes, dessen Tod mit einer expliziten Anspielung auf Mantegnas Der tote Christus gefilmt wird, erhebt die Geschichte zu einer kraftvollen Allegorie über die Niederlage der Ausgegrenzten.

Die Monster (1963)

Eine Sammlung von zwanzig kurzen, satirischen Vignetten, die gnadenlos die Laster, Heucheleien und moralische Hässlichkeit der italienischen Gesellschaft während des Wirtschaftswunders aufs Korn nehmen. Vittorio Gassman und Ugo Tognazzi spielen eine Galerie grotesker Figuren, von korrupten Politikern über missbräuchliche Väter bis hin zu feigen Ehemännern.

Dino Risi schafft eine „menschliche Komödie“, in der Rom als Bühne für eine Parade moderner „Monster“ dient. Der Film ist eine scharfe und urkomische Kritik an einer Nation, die in ihrem Streben nach Modernität und Reichtum ihren moralischen Kompass verloren zu haben scheint. Jede Episode ist ein scharfzüngiges, zynisches Porträt, das zusammengenommen ein kraftvolles und nach wie vor relevantes Bild der dunklen Seite des italienischen Booms zeichnet.   

The 10th Victim (1965)

Im futuristischen 21. Jahrhundert wurde der Krieg durch „Die große Jagd“ ersetzt, ein globales, im Fernsehen übertragenes Spiel, bei dem die Teilnehmer einander zur Schau stellen und töten, um Ruhm und Reichtum zu erlangen. Eine amerikanische Jägerin kommt nach Rom, um ihr zehntes und letztes Opfer zu erlegen, einen italienischen Mann, doch ihr tödliches Spiel wird bald durch unerwartete Gefühle kompliziert.

Elio Petri nutzt Rom, insbesondere die modernistische und entfremdende Architektur des EUR-Viertels, als perfekte Kulisse für seine Pop-Art-Sci-Fi-Dystopie. Die Stadt wird zu einer eleganten, kalten und mediengesättigten Arena, in der das menschliche Leben zum Spektakel wird. Der Film ist eine scharfe Satire auf die Konsumgesellschaft, den Kult der Gewalt und den Kampf der Geschlechter und verwandelt die Ewige Stadt in einen zynischen, futuristischen Spielplatz.

Der Vogel mit der Kristallfeder (1970)

Sam Dalmas, ein amerikanischer Schriftsteller in Rom, der unter einer Schreibblockade leidet, wird Zeuge eines versuchten Mordes an einer Frau in einer Kunstgalerie. Er gerät zwischen die Glastüren und wird so zum hilflosen Zeugen der Szene. Besessen von einem Detail, das sein Gedächtnis nicht erfassen kann, beginnt er eine persönliche Untersuchung, die ihn in eine Spirale des Schreckens zieht, verfolgt von einem mysteriösen Serienmörder.

Dario Argentos Regiedebüt ist eine Revolution für den italienischen und weltweiten Thriller. Argento verwandelt Rom in ein traumhaftes und furchterregendes Labyrinth, in dem moderne Architektur und die sterilen Räume von Kunstgalerien zu Bühnen stilisierter Gewalt werden. Die Stadt ist kein realer Ort mehr, sondern ein mentaler Raum, ein Spiegelbild der verdrehten Psyche des Mörders und der fehlbaren Wahrnehmung des Protagonisten. Die Eröffnungssequenz ist eine Meisterklasse der Regie, die den urbanen Raum nutzt, um ein Gefühl von Hilflosigkeit und Voyeurismus zu erzeugen – Themen, die in seinem gesamten Werk zentral bleiben werden.

Untersuchung eines Staatsanwalts wider jeden Verdachts (1970)

Ein hochrangiger und angesehener Polizeibeamter, der gerade zum Leiter der politischen Abteilung befördert wurde, ermordet seine Geliebte in ihrer Wohnung. Statt seine Spuren zu verwischen, legt er absichtlich Hinweise, die auf ihn selbst führen. Sein Ziel ist es, sich selbst und dem System zu beweisen, dass seine Macht ihn unantastbar macht, über jeden Verdacht und das Gesetz selbst erhaben.

Elio Petris Meisterwerk und Oscar-Gewinner ist eine unerbittliche Allegorie über Macht und ihre korrumpierende Natur. In einem düsteren und bedrückenden Rom angesiedelt, nutzt der Film Machtorte – Polizeistationen, Ministerbüros – als Schauplätze eines kafkaesken Alptraums. Gian Maria Volontés Darstellung ist monumental, indem sie die Arroganz und Neurose eines Mannes verkörpert, der sowohl die Inkarnation als auch das Opfer des autoritären Systems ist, das er repräsentiert. Es ist ein grundlegendes Werk zum Verständnis der Spannungen und Paranoia der italienischen „Jahre des Bleis“.

Fellinis Roma (1972)

Federico Fellini verzichtet auf jegliche Handlung, um ein visionäres, chaotisches und zutiefst persönliches Porträt der Ewigen Stadt zu schaffen. Der Film ist ein Bewusstseinsstrom, der Erinnerungen an seine Ankunft in Rom als junger Mann aus der Provinz, Szenen des Alltags, dokumentarische Sequenzen über den Bau der U-Bahn und surreale Phantasmagorien wie eine kirchliche Modenschau vermischt.

Roma ist Fellinis Versuch, das schwer fassbare Wesen der Stadt nicht durch eine logische Erzählung, sondern durch ein vollständiges Eintauchen in ihren „offiziellen Wahnsinn“ einzufangen. Die Stadt wird als großer mütterlicher Schoß, als Freiluftzirkus, Bordell, Nekropole dargestellt. Fellini filmt nicht das Rom der Monumente, sondern das der volkstümlichen Trattorien, Varietétheater und des Grande Raccordo Anulare (der große Ring), der nachts von einer Horde Motorradfahrer durchquert wird. Es ist ein überbordendes und großartiges Werk, ein Liebesakt für eine Stadt, die nach Ansicht des Regisseurs nur durch Träume und Fantasie verstanden werden kann.

Die Gewaltprofis (1973)

Kommissar Belli, ein Polizist mit rauen Methoden und starkem Gerechtigkeitssinn, ermittelt gegen einen internationalen Drogenring, der die Straßen von Rom und Genua blutig macht. Im Konflikt mit langsamer Bürokratie und Korruption auf hoher Ebene beschließt Belli, außerhalb der Regeln zu handeln und entfesselt einen gnadenlosen Krieg gegen die organisierte Kriminalität.

Regie führte Enzo G. Castellari, mit Franco Nero in der Hauptrolle. Dies ist eines der Grundsteine des „poliziottesco“-Genres, das das italienische Kino der 1970er Jahre dominierte. Diese Filme spiegelten das Klima von Gewalt und sozialer Unsicherheit der Bleiernen Jahre wider. Rom wird dabei besonders zu einem urbanen Schlachtfeld, Schauplatz atemberaubender Verfolgungsjagden, brutaler Schießereien und einem unterschwelligen Pessimismus gegenüber einem als schwach und ineffektiv wahrgenommenen Justizsystem. Es ist ein viszerales, actiongeladenes Kino, das eine Stadt im Griff des Chaos zeigt.

Wir haben uns so sehr geliebt (1974)

Der Film zeichnet dreißig Jahre italienischer Geschichte nach, von der Resistenza bis zu den 1970er Jahren, durch die Geschichte dreier Freunde: Gianni, Antonio und Nicola. Ihre Leben, Lieben, Ideale und Kompromisse verweben sich und divergieren über die Jahrzehnte, alle verbunden durch die Frau, die sie alle liebten, Luciana.

Ettore Scola schafft ein episches und melancholisches Fresko, in dem Rom nicht nur Kulisse, sondern lebendiger Zeuge der Transformationen eines ganzen Landes ist. Von den Nachkriegs-Hoffnungen, symbolisiert durch ein schwarz-weißes Rom, bis zur bunten, aber desillusionierten Stadt des Wirtschaftswunders nutzt der Film ikonische Orte wie den Trevi-Brunnen und Arbeiterviertel wie Garbatella, um die persönliche und kollektive Reise einer Generation abzubilden, die „die Welt verändern wollte, aber die Welt hat uns verändert“.

Profondo Rot (1975)

Der englische Jazzpianist Marc Daly, beruflich in Rom, wird Zeuge des Mordes an einer Hellseherin. Überzeugt, am Tatort ein entscheidendes Detail gesehen zu haben, an das er sich nicht erinnern kann, beginnt er zusammen mit der hartnäckigen Journalistin Gianna Brezzi zu ermitteln. Seine Suche nach der Wahrheit führt ihn in einen Abgrund aus Familiengeheimnissen, Kindheitstraumata und einer Reihe immer brutalerer Morde.

Obwohl überwiegend in Turin gedreht, ist Profondo Rot die Apotheose des von Dario Argento in Rom geschmiedeten Stils und bleibt ein unverzichtbarer Bezugspunkt. Es ist ein Werk, das den Giallo übersteigt und zu einer gotischen Erzählung über den Horror wird, der im Gedächtnis lauert. Das Rom des Films ist eine nächtliche und gespenstische Stadt, in der barocke Plätze und Jugendstiltheater zur Kulisse eines Alptraums werden. Argento baut meisterhafte Spannung auf, wechselt zwischen Szenen unerträglicher Spannung und Ausbrüchen barocker Gewalt, begleitet von dem legendären Soundtrack der Band Goblin.

Dreckig und Gemein (1976)

In einer illegal errichteten Barackensiedlung am Stadtrand von Rom lebt die riesige und monströse Familie des einäugigen und tyrannischen alten Giacinto Mazzatella. Er bewacht eifersüchtig eine Million Lire, das Ergebnis einer Entschädigungszahlung, und hat nicht vor, sie mit seinen gierigen und grotesken Nachkommen zu teilen, die wiederum auf jede erdenkliche Weise planen, ihn zu bestehlen.

Ettore Scolas groteskes Meisterwerk ist ein gnadenloses und scharf komisches Porträt des römischen Subproletariats. Während Pasolini in den Slums eine heilige und tragische Dimension fand, entdeckt Scola eine säkulare Hölle, einen danteischen Kreis, bevölkert von Charakteren, die nur von den niedrigsten Instinkten getrieben werden: Gier, Lust, Gewalt. Der Film ist eine pechschwarze Komödie, die jede Sentimentalität gegenüber Armut demontiert und eine Menschheit zeigt, die in einen primitiven Zustand zurückgefallen ist, in einem Überlebenskampf ohne Moral. Die Barackensiedlung, mit der ironisch im Hintergrund silhouettierten Kuppel des Petersdoms, ist die Bühne für diese grausame und unvergessliche Farce.

Die Härtesten (1976)

Kommissar Tanzi, ein harter und gewalttätiger Polizist, kämpft gegen die grassierende Kriminalität in Rom. Sein Erzfeind ist „der Bucklige“, ein skrupelloser Verbrecher, der in der Stadt Panik verbreitet. Tanzis Fahndung wird zu einem Abstieg in die Hölle, in einem Rom, das als Asphalt-Dschungel dargestellt wird, in dem das Recht des Stärkeren das einzige Gesetz ist, das zählt.

Unter der Regie von Umberto Lenzi ist dies vielleicht der emblematischste und gewalttätigste Poliziottesco. Mit dem Genre-Ikone Maurizio Merli und einem kaum wiederzuerkennenden Tomas Milian als der Bucklige ist der Film ein Konzentrat brutaler Action und Nihilismus. Das Rom des Films ist ein Theater des urbanen Krieges, ein hoffnungsloser Ort, an dem sich die Gewalt des Staates und die des Verbrechens spiegeln. Es ist das rohe und ungefilterte Porträt einer Stadt und eines Landes am Rande des Zusammenbruchs.

Ein ganz gewöhnlicher kleiner Mann (1977)

Giovanni Vivaldi, ein bescheidener und unterwürfiger Beamter kurz vor der Pensionierung, ist bereit, alles zu tun, um für seinen geliebten Sohn eine ähnliche Stelle zu sichern, sogar einer Freimaurerloge beizutreten. Doch als sein Sohn bei einem Raubüberfall durch eine Querschlägerkugel tragisch getötet wird, verwandelt sich der „ganz gewöhnliche kleine Mann“ in einen gnadenlosen Racheengel.

Mario Monicelli inszeniert einen Film, der als groteske Komödie über die italienische Bürokratie und den sozialen Aufstieg beginnt und eine schockierende Wendung in einen düsteren, gnadenlosen Thriller nimmt. Der Film zeichnet ein trostloses Bild von Rom, fernab vom Glamour des Stadtzentrums, mit Fokus auf die anonymen Vororte und das moralische Vakuum der Mittelschicht. Alberto Sordi’s meisterhafte Darstellung fängt die erschreckende Verwandlung eines gewöhnlichen Mannes in ein Monster ein und macht daraus eine kraftvolle und verstörende Kritik an einer Gesellschaft, in der Gerechtigkeit fehlt und Trauer in brutale Gewalt umschlägt. 

Ein besonderer Tag (1977)

Am 6. Mai 1938, dem Tag von Hitlers Besuch in Rom, treffen eine einsame Hausfrau und ein verfolgter homosexueller Radiomoderator zufällig in ihrem fast menschenleeren Wohnhaus aufeinander. Während die ganze Stadt die faschistische Parade feiert, teilen diese beiden marginalisierten Seelen einige Stunden unerwarteter Intimität und Verständnisses.

Scola entleert Rom seiner monumentalen Pracht, um sich auf einen einzigen häuslichen Raum zu konzentrieren, den Palazzo Federici, der zu einem Mikrokosmos der faschistischen Gesellschaft wird. Das Gebäude selbst, dessen Innenhof als Panoptikum fungiert, ist ein Protagonist, ein Symbol sozialer Kontrolle und erzwungener Konformität. Das ständige Dröhnen des Radiokommentars der Parade dient als bedrückender Soundtrack, der die Isolation der beiden Figuren hervorhebt und eine kraftvolle Gegen-Erzählung zur offiziellen Geschichte schafft, die draußen gefeiert wird.   

Die Terrasse (1980)

Eine Gruppe alternder linksgerichteter Intellektueller – ein Drehbuchautor, ein Produzent, ein Journalist, ein Politiker – versammelt sich auf einer römischen Terrasse zu einem Abendessen. Im Verlauf des Abends und in einer Reihe von Rückblenden setzen sie sich mit ihren persönlichen Misserfolgen, kreativen Krisen und politischen Ernüchterungen auseinander.

In diesem Kammerstück von Ettore Scola wird die römische Terrasse zu einem goldenen Käfig, einer isolierten Bühne, auf der eine ganze intellektuelle Klasse ihr eigenes Begräbnis inszeniert. Hoch über der realen Stadt sind diese Figuren von der sozialen Realität, die sie zu vertreten vorgeben, abgeschnitten. Rom, nur als panoramische Kulisse sichtbar, symbolisiert die Welt, zu der sie den Kontakt verloren haben, und macht die Terrasse zu einer kraftvollen Metapher für die selbstreferentielle und sterile Krise der italienischen Linken Ende der 1970er Jahre.   

Tenebrae (1982)

Peter Neal, ein amerikanischer Horror-Romanautor, kommt nach Rom, um sein neuestes Buch „Tenebrae“ zu promoten. Kurz nach seiner Ankunft beginnt eine Serie brutaler Morde, die die Stadt blutig machen, wobei die Opfer auf dieselbe Weise getötet werden, wie es in seinem Roman beschrieben ist. Neal gerät in ein perverses und tödliches Spiel, in dem er versucht, die Identität des Mörders zu enthüllen.

Mit Tenebrae trifft Dario Argento eine radikale ästhetische Entscheidung: Er verlässt die dunklen und gotischen Atmosphären seiner vorherigen Filme, um seinen Giallo in einem blendend hellen, modernen und hyperrealistischen Rom anzusiedeln. Großteils im EUR-Viertel gedreht, wird der Film von einem kalten Licht und rationalistischer Architektur dominiert, die ein Gefühl von Entfremdung und Unbehagen erzeugt. Argento will zeigen, dass Horror nicht nur im Dunkeln lauert, sondern auch am helllichten Tag explodieren kann, in den sterilsten und ordentlichsten Räumen. Die Stadt wird zu einem Labyrinth aus weißen und reflektierenden Oberflächen, ein Ort, an dem die Dunkelheit die der Seele ist.

Toxische Liebe (1983)

Eine Gruppe junger Heroin-Süchtiger aus Ostia lebt ihre Tage in einer verzweifelten Routine aus Beschaffungstouren, Kleinkriminalität und instabilen Beziehungen. Cesare, Michela und ihre Freunde bewegen sich durch eine trostlose Landschaft zwischen Küste und römischem Stadtrand, gefangen in einer Gegenwart ohne Zukunft und in einer Liebe, die nur ein anderer Name für Sucht ist.

Claudio Caligaris Kultwerk ist ein schockierender Film, ein Schlag in die Magengrube, der die Tragödie der Drogensucht mit fast dokumentarischem Realismus erzählt. Als direkter Erbe von Pasolinis Lehre wählt Caligari echte Drogensüchtige als Darsteller, wodurch die Grenze zwischen Fiktion und Realität verwischt wird. Sein Ostia ist ein terminaler Ort, ein Nicht-Ort absoluter Marginalität. Die rohe Sprache, der Straßenslang und die unverfälschte Darstellung der Sucht machen Toxische Liebe zu einem einzigartigen und herzzerreißenden Werk, dem unvergesslichen Porträt einer verlorenen Generation.

Der Bauch eines Architekten (1987)

Stourley Kracklite, ein amerikanischer Architekt, kommt mit seiner jungen Frau nach Rom, um eine Ausstellung über den visionären Architekten des 18. Jahrhunderts Étienne-Louis Boullée zu kuratieren. Während er sich in das Projekt vertieft, entwickelt Kracklite eine Obsession mit seinem eigenen Körper, insbesondere seinem Bauch, der von unerträglichen Schmerzen gequält wird. Sein körperlicher und psychischer Verfall spiegelt sich in der monumentalen und doch verfallenden Pracht der Ewigen Stadt wider.

Peter Greenaways Film ist ein visuell üppiges und intellektuell komplexes Werk. Der englische Regisseur nutzt die Architektur Roms – vom Pantheon bis zum Vittoriano – als große Metapher für den menschlichen Körper, seine Schönheit und seine unvermeidliche Korruption. Die Stadt wird zu einer allegorischen Bühne, auf der Kunstgeschichte, Geometrie und Biologie miteinander verwoben sind. Der Bauch des Architekten, der neues Leben oder eine unheilbare Krankheit beherbergen könnte, wird zum symbolischen Zentrum eines Films, der über Kreativität, Sterblichkeit und das Gewicht der Geschichte reflektiert.

Lieber Tagebuch (1993)

In drei Kapitel unterteilt, ist der Film ein autobiografisches Tagebuch, in dem Nanni Moretti sich selbst spielt. Im ersten Kapitel, „Auf meiner Vespa“, wandert der Regisseur durch ein halbverlassenes Rom im August und kommentiert mit seiner unverkennbaren Ironie Häuser, Viertel und die Gewohnheiten der Römer. Das zweite Kapitel, „Inseln“, zeigt ihn auf Reisen zu den Äolischen Inseln. Das dritte, „Ärzte“, erzählt seine reale gesundheitliche Odyssee bei der Entdeckung eines Tumors.

Das erste Kapitel von Lieber Tagebuch ist eine der schönsten und originellsten Liebeserklärungen, die je an Rom gemacht wurden. Moretti vermeidet das monumentale und touristische Zentrum, um die weniger bekannten Gegenden zu erkunden, von Garbatella bis Casal Palocco, und schafft so eine intime und persönliche Karte der Stadt. Seine Vespa-Fahrt ist eine meditative Erfahrung, eine Art, den urbanen Raum zurückzuerobern und ihn mit einem neuen, kritischen, aber tief liebevollen Blick zu betrachten. Es ist ein einzigartiges Porträt Roms, fernab jeglicher Klischees, das seine beiläufige Schönheit und die täglichen Widersprüche einfängt.

Il Divo (2008)

Ein groteskes, poppiges und schillerndes Porträt von Giulio Andreotti, einer der mächtigsten und rätselhaftesten Figuren der italienischen politischen Geschichte. Paolo Sorrentinos Film konzentriert sich auf die Zeit seiner siebten Regierung Anfang der 1990er Jahre und rekonstruiert durch einen visionären Stil sein Machtgefüge, seine Beziehungen zur Mafia sowie die Verbrechen und Geheimnisse, die die Erste Republik prägten.

Sorrentino verwandelt die italienische Politik in eine barocke Oper und Rom in ihr kaltes und gespenstisches Theater. Die Paläste der Macht, die Korridore des Parlaments, die düsteren Kirchen werden zur Kulisse einer Phantasmagorie, in der verstörende Masken sich bewegen. Die Stadt ist kein lebendiger Ort, sondern ein monumentales und unbeteiligtes Setting, in dem dunkle Intrigen ihren Lauf nehmen. Il Divo ist eine gnadenlose Analyse der Macht, die mit einem hyperbolischen visuellen Stil die Geschichte von Leere und Einsamkeit eines Mannes erzählt, der zur undurchdringlichen Ikone des italienischen Geheimnisses geworden ist.

The Black Sheep (2010)

Nicola wuchs in einer Anstalt auf, dem „Institut der hundert Tore“, wo die Verrückten vor der Welt geschützt werden und die Welt vor den Verrückten. Durch seine Erinnerungen, die sich mit der Gegenwart verweben, erzählt er Geschichten einer marginalisierten Menschheit, schwebend zwischen Wahnsinn und einer entwaffnenden Klarheit. Sein Leben ist eine chorische Erzählung, die die Grenzen zwischen Normalität und Wahnsinn hinterfragt.

Basierend auf seinen Theateraufführungen ist Ascanio Celestinis Film ein poetisches und surreales Werk, das die Welt der psychischen Erkrankungen erforscht. Die Anstalt, am Stadtrand von Rom gelegen, wird zu einem Mikrokosmos, in dem die Logik der Außenwelt auf den Kopf gestellt wird. Celestini verleiht mit seinem Erzählstil und tiefem Einfühlungsvermögen den Stimmlosen eine Stimme und zeigt, wie hinter dem Etikett „Wahnsinn“ Geschichten von Schmerz, Liebe und überraschender Weisheit verborgen liegen. Es ist ein Film, der die physische und existenzielle Peripherie für eine universelle Reflexion über die menschliche Existenz nutzt.

Die große Schönheit (2013)

Jep Gambardella, Gesellschaftsjournalist und Theaterkritiker, ist eine Ikone der römischen High Society. Nach seinem 65. Geburtstag führt ihn eine wachsende Unzufriedenheit durch ein prächtiges und gespenstisches Rom, zwischen dekadenten Partys auf Terrassen mit Blick auf die Foren, Begegnungen mit grotesken Gestalten und plötzlichen, blendenden Epiphanien der Schönheit. Seine Suche ist melancholisch und gilt einem verlorenen Sinn.

Paolo Sorrentinos Oscar-prämierter Film ist eine explizite Hommage an Fellinis Rom, jedoch mit der desillusionierten Sensibilität des neuen Jahrtausends neu interpretiert. Die Stadt ist eine absolute Protagonistin, eine Hülle von ergreifender Schönheit, die eine abgründige Leere verbirgt. Sorrentino kontrastiert die Pracht historischer Paläste, geheimer Gärten und antiker Ruinen mit der Oberflächlichkeit und dem Zynismus ihrer Bewohner. Es ist das Porträt einer Stadt und einer Menschheit, die „mitten in Lastern und ausschweifendem Leben auf der Suche nach einer verlorenen Schönheit“ verloren ist.

Sacro GRA (2013)

Eine Dokumentation, die die unbekannte Welt entlang des Grande Raccordo Anulare (GRA) von Rom, Italiens größter Stadtautobahn, erkundet. Weit entfernt vom monumentalen Zentrum entdeckt Regisseur Gianfranco Rosi eine überraschende und unsichtbare Menschlichkeit: einen dekadenten Adligen, der in einem Studio lebt, einen Aal-Fischer am Tiber, einen Botaniker, der Palmen untersucht, die von einem Parasiten befallen sind.

Als erster Dokumentarfilm, der den Goldenen Löwen in Venedig gewann, enthüllt Sacro GRA ein Rom, das niemand je erzählt hat. Die Ringstraße ist nicht das Thema des Films, sondern der Faden, der Geschichten von Randständigkeit, Einsamkeit und unerwarteter Poesie verbindet. Rosi verwandelt einen „Nicht-Ort“ par excellence in ein von Leben und surrealen Erzählungen reiches Territorium. Es ist ein anthropologischer Blick, der ein Paralleluniversum entdeckt, eine andere Stadt, die am Rande der bekannten existiert, und beweist, dass die unglaublichsten Geschichten oft dort zu finden sind, wo niemand stehen bleibt, um hinzusehen.

Sie nennen mich Jeeg (2015)

Enzo Ceccotti ist ein kleiner, einsamer Krimineller, der im Slum Tor Bella Monaca lebt. Eines Tages, während er vor der Polizei flieht, taucht er in den Tiber und fällt versehentlich in ein Fass mit radioaktivem Material. Er taucht mit übermenschlicher Stärke wieder auf. Anfangs nutzt er seine neuen Kräfte für egoistische Zwecke, doch seine Begegnung mit Alessia, einem zerbrechlichen Mädchen, das vom japanischen Anime Jeeg Robot besessen ist, wird ihn dazu bringen, der Held zu werden, den Rom braucht.

Der Film von Gabriele Mainetti ist eine wahre Revolution für das italienische Kino, da er das amerikanische Superhelden-Comic-Genre in das soziale Gefüge der römischen Peripherie einpflanzt. Sie nennen mich Jeeg imitiert nicht die Hollywood-Modelle, sondern interpretiert sie auf eine lokale, rohe und authentische Weise neu. Tor Bella Monaca mit seinen Betontürmen und seiner leidenden Menschlichkeit wird zu einem glaubwürdigen und kraftvollen Schauplatz für die Geburt eines widerwilligen und zutiefst menschlichen Superhelden. Es ist ein innovatives Werk, das meisterhaft Action, Drama und Popkultur verbindet.

Sei nicht böse (2015)

Ostia, 1990er Jahre. Cesare und Vittorio sind schon immer Freunde, „Brüder der Straße“. Ihr Leben ist ein Wirbelsturm aus Nächten in der Disco, schnellen Autos, Alkohol, synthetischen Drogen und Dealerei. Vittorio jedoch, müde von diesem Leben, versucht sich zu retten, indem er einen Job sucht und sich von Cesare distanziert. Doch die Bindung zwischen den beiden ist zu stark, und der Ruf dieser selbstzerstörerischen Welt ist eine ständige Versuchung.

Claudio Caligaris geistiges Testament, posthum vollendet dank der Bemühungen von Valerio Mastandrea, ist Sei nicht böse ein würdiger Erbe von Toxic Love und Pasolinis Poetik. Der Film ist eine kraftvolle und bewegende Erzählung über männliche Freundschaft, die Schwierigkeit der Veränderung und die Peripherie als Ort der Seele und der Verdammnis. Caligari filmt Ostia mit einem teilnehmenden und niemals wertenden Blick und zieht eine rohe und verzweifelte Poesie aus dem Leben am Rande. Es ist ein intensives und notwendiges Werk, der letzte Akt eines Regisseurs, der stets den Letzten eine Stimme gab.