Os 30 Filmes Que Revelam a Verdadeira Alma de Roma

Roma. O próprio nome evoca um imaginário poderoso, esculpido na consciência coletiva por décadas de grande cinema. Pensamos em Audrey Hepburn numa Vespa em Roman Holiday, ou na beleza estatuária de Anita Ekberg em La Dolce Vita. Estes filmes, indiscutíveis obras-primas que construíram a “Roma postal”, são um magnífico cenário a céu aberto.

Mas este guia é também uma viagem a um território mais obscuro, complexo e vital. É uma exploração da cidade através do olhar de diretores que não a usaram como pano de fundo, mas a interrogaram como protagonista. É a Roma das favelas ferozes de Pasolini, das geometrias alienantes de Antonioni e das ruas manchadas de sangue do poliziottesco.

Não se trata de uma lista simples, mas de um caminho que une os filmes mais famosos ao cinema autoral mais radical. Uma narrativa alternativa que desmonta o mito para revelar a verdade crua, contraditória e infinitamente mais fascinante da Cidade Eterna.

Roma, Cidade Aberta (1945)

Filmado em meio aos escombros ainda quentes da cidade recém-liberada, este filme é o nascimento do Neorealismo. Roberto Rossellini conta a história da luta da Resistência Romana contra a ocupação nazi-fascista, entrelaçando as vidas de um engenheiro comunista, um padre corajoso e uma mulher do povo, Pina. A luta deles pela liberdade torna-se símbolo do renascimento de toda uma nação.

Uma obra-prima absoluta e um trabalho simbólico de uma nova era cinematográfica, Roma, Cidade Aberta não apenas narra a história: captura-a no exato momento em que acontece. Rossellini, com meios improvisados e película difícil de encontrar, leva a câmera às ruas reais, transformando lugares como a Via Raimondo Montecuccoli, no bairro Prenestino, no palco de uma tragédia real. A famosa e comovente corrida de Anna Magnani em direção ao caminhão que leva seu homem embora não é apenas uma cena icônica; é o cinema tornando-se testemunho, um grito, um corpo. Rossellini despede Roma de toda retórica monumental para mostrá-la como uma cidade ferida, um organismo vivo feito de gente comum elevada a heróis pela necessidade da história.

The Lost Poet

Agora disponível

Drama, de Fabio Del Greco, Itália, 2024.
Dante Mezzadri quer ver um velho amigo, apelidado de Iguana, que ele não vê há muitos anos, e que conseguiu transformar a paixão juvenil compartilhada pela poesia em um trabalho, tornando-se um escritor e poeta famoso. O homem foge de sua vida burguesa e de sua esposa para viver como sem-teto na costa romana, imprimindo e tentando vender suas coleções de poesia. À noite, ele dorme em um parque de antigos carros alegóricos de carnaval, dentro de um tanque de papel machê, e espera a oportunidade de encontrar seu velho amigo, que, no entanto, nunca aparece nos encontros nos lugares que frequentavam quando jovens, agora em ruínas. Os livros de poesia de Dante não interessam a ninguém e, para se sustentar, ele é obrigado a "mudar de produto": começa a vender a infame "pílula canibal" em nome de jovens traficantes de drogas, uma nova droga que vende como água e causa êxtase sensorial e consumista. No entanto, ele percebe que essa droga poderosa é muito perigosa para quem a consome, entra em conflito com sua consciência ética e joga todas as pílulas no mar. Contudo, os traficantes querem receber seu dinheiro.

Filmado ao longo de 2 anos, o filme é uma reflexão sobre os escombros culturais e artísticos da sociedade em que o protagonista vive, em um mundo cada vez mais mecanizado, consumista e árido. Dante Mezzadri é mais um ser humano que renunciou à sua inspiração e criatividade, mas, ao contrário de muitos, não está disposto a entregar sua vida a um sistema que o distancia de sua verdadeira identidade. O mundo físico ao seu redor, no entanto, parece construído de tal forma que parece impossível escapar dessa "gaiola invisível". O entusiasmo das pessoas que ele encontra é despertado apenas pela gratificação sensorial, por visões irreais de afirmação pessoal e sucesso, por "metaversos" que oferecem uma fuga para uma realidade ilusória e destrutiva. A casa do poeta na costa, onde ele se encontrava com seus amigos quando jovem, é apenas um monte de escombros abandonados. O que aconteceu com todos aqueles que queriam se tornar poetas e acabaram se tornando outra coisa? Existem forças internas com as quais essa casa pode ser "

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Ladrões de Bicicleta (1948)

Na Roma do pós-guerra, um cartazista desempregado, Antonio Ricci, consegue um emprego para o qual uma bicicleta é essencial. Quando ela é roubada no seu primeiro dia, ele começa uma busca desesperada pelas ruas da cidade com seu jovem filho Bruno. O que parece uma pequena desventura transforma-se numa odisséia comovente pela miséria e indiferença de uma sociedade de joelhos.

Vittorio De Sica, com um roteiro de Cesare Zavattini, cria um fresco implacável da Roma do pós-guerra. A cidade não é um cenário pitoresco, mas um labirinto de desespero. A jornada de Antonio e Bruno nos leva do bairro operário de Val Melaina ao caótico mercado de Porta Portese, um formigueiro humano onde a bicicleta roubada é apenas um objeto entre milhares, impossível de encontrar. De Sica mostra uma cidade onde as instituições estão ausentes ou são impotentes, e a solidariedade é um luxo que ninguém pode se permitir. A bicicleta torna-se o símbolo da dignidade perdida e da esperança inalcançável, em uma obra-prima do humanismo que marcou para sempre a história do cinema.

Umberto D. (1952)

Umberto Domenico Ferrari é um idoso funcionário público aposentado que não consegue sobreviver com sua mísera pensão. Ameaçado de despejo por sua senhoria, ele vagueia por Roma com seu único amigo, seu cachorrinho Flike, tentando manter sua dignidade em um mundo que parece tê-lo esquecido. Sua luta solitária é uma acusação contra a indiferença da sociedade.

Considerado por muitos o ápice do Neorrealismo, Umberto D. é uma exploração incrivelmente comovente da solidão e marginalização. De Sica usa Roma não como uma cidade de maravilhas, mas como um espaço urbano frio e impessoal que amplifica o isolamento do protagonista. A luta de Umberto para não ceder à tentação da mendicância, seu cuidado meticuloso com a aparência apesar da pobreza, são gestos desesperados para se agarrar a uma identidade que a cidade ameaça apagar. A relação terna e comovente com Flike torna-se o único bastião de afeto contra a crueldade do mundo.

O Xeique Branco (1952)

Dois recém-casados das províncias chegam a Roma para a lua de mel. Enquanto o marido tem uma agenda rígida de visitas a parentes e uma audiência papal, a esposa, obcecada por fotonovelas, foge para encontrar seu herói, o “Xeique Branco”, apenas para descobrir a realidade desiludida por trás da fantasia.

Em seu primeiro filme solo, Fellini usa Roma como palco para o choque entre a ingenuidade provinciana e o desencanto metropolitano. A cidade não é a capital monumental, mas um lugar de mitos baratos e sonhos pré-fabricados, do mundo das fotonovelas às rígidas convenções da família petit-burguesa. É um olhar satírico sobre uma sociedade que prefere a fantasia à realidade, tema que se tornaria central em toda a obra de Fellini.   

Noites de Cabíria (1957)

Cabíria é uma prostituta tenaz e eternamente otimista que vagueia pelas noites de Roma sonhando com o amor verdadeiro. Apesar de ser constantemente enganada e humilhada, ela nunca perde sua fé infantil em um futuro melhor, levantando-se após cada queda com um sorriso comovente.

Fellini retorna à periferia romana, mas com um tom diferente do neorrealismo. A Roma de Cabíria é um mundo de excluídos, um “demi-monde” onde o sagrado e o profano coexistem. Dos cortiços sórdidos às luxuosas casas noturnas da Via Veneto, o filme pinta um retrato de uma cidade de contrastes marcantes. A caminhada final de Cabíria, onde ela encontra forças para sorrir novamente em meio a um grupo de jovens, é um hino a um espírito humano indestrutível que encontra vida mesmo nos cantos mais desolados da metrópole.

Grande Golpe em Via das Madonas (1958)

Um grupo atrapalhado de pequenos ladrões da classe trabalhadora romana tenta realizar um grande assalto: roubar uma penhoraria. Liderada por um arrombador de cofres aposentado, essa gangue desorganizada de “desconhecidos habituais” prova ser desesperadamente inepta, transformando seu plano ambicioso em uma série de falhas hilárias.

Mario Monicelli criou uma obra-prima considerada a progenitora da “Commedia all’italiana” (Comédia à Italiana). É uma brilhante paródia tanto dos filmes de assalto americanos quanto do neorrealismo italiano, retratando a pobreza da Roma do pós-guerra não com drama trágico, mas com humor cínico e profunda humanidade. Os bairros operários da cidade servem de cenário para uma história sobre a arte de sobreviver, onde o sonho do grande golpe inevitavelmente colide com uma realidade muito mais modesta: um prato de massa com grão-de-bico.

Os Fatos do Assassinato (1959)

Em um elegante edifício da Via Merulana, um roubo de joias e um assassinato brutal perturbam a tranquilidade burguesa. O inspetor Ingravallo, um homem desiludido e filosófico, é designado para a investigação. Ao investigar as vidas aparentemente respeitáveis dos moradores, ele descobre um submundo de segredos, mentiras e paixões ocultas, onde ninguém é verdadeiramente inocente.

Baseado no romance Aquele Terrível Confusão na Via Merulana de Carlo Emilio Gadda, o filme de Pietro Germi é um noir atípico e uma investigação social aguda. Roma não é a cidade ensolarada da comédia, mas um lugar escuro e claustrofóbico. O filme inteiro se passa quase inteiramente dentro do edifício, que se torna um microcosmo da sociedade romana, um palco onde se representa a comédia das aparências. Germi usa a estrutura de uma história policial para realizar uma verdadeira autópsia da moral burguesa, revelando a hipocrisia e a corrupção escondidas por trás das fachadas respeitáveis.

Accattone (1961)

Vittorio, conhecido como “Accattone”, é um cafetão das favelas romanas que vive explorando sua prostituta, Maddalena. Quando ela acaba na prisão, Accattone se vê sem dinheiro e mergulha em uma crise existencial. Ele tenta se redimir através do seu amor pela pura Stella e de um trabalho honesto, mas seu mundo de violência e miséria o arrastará de volta para um vórtice trágico.

O debut como diretor de Pier Paolo Pasolini é uma obra deslumbrante e brutal, um soco no estômago que traz à tela o subproletariado das periferias romanas com força inédita. Pasolini filma as favelas de Pigneto e Testaccio não com um distanciamento documental, mas com um olhar que mistura realismo cru e sacralidade. A vida de Accattone, um “menino das ruas” sem esperança, é elevada a uma paixão crística, ressaltada pelo uso alienante da música de Bach. A Roma de Pasolini é um mundo arcaico, pré-industrial, um universo com suas próprias leis e linguagem, destinado a ser varrido pela conformidade burguesa.

L’eclisse (1962)

Vittoria, uma jovem tradutora, deixa seu parceiro e inicia um relacionamento incerto com Piero, um corretor de ações dinâmico e cínico. A história deles se desenrola em uma Roma quase irreconhecível: a do moderno e monumental bairro EUR. Seus encontros são marcados por uma incapacidade de comunicação, um vazio emocional que parece refletir-se nos espaços desolados ao redor.

O capítulo final da “trilogia da incomunicabilidade” de Michelangelo Antonioni, L’eclisse é uma obra-prima do cinema existencial. Antonioni transforma a arquitetura racionalista e metafísica do bairro EUR no verdadeiro protagonista do filme. As praças vazias, os edifícios imponentes e as linhas geométricas não são apenas um cenário, mas a manifestação visual da alienação e do vazio interior dos personagens. A famosa sequência final, na qual a câmera retorna aos lugares de seus encontros perdidos, mostrando apenas objetos e detalhes urbanos, é a declaração definitiva de como o mundo moderno e suas geometrias “eclipsaram” os sentimentos humanos.

Il Sorpasso (1962)

Em uma Roma deserta pelo feriado de Ferragosto, o exuberante e superficial Bruno Cortona, de quarenta anos, arrasta o tímido estudante de Direito Roberto Mariani em uma viagem improvisada em seu conversível Lancia Aurelia. O que começa como uma aventura despreocupada pela costa Tirrena se transforma em uma reflexão aguda e amarga sobre o boom econômico da Itália.

A obra-prima de Dino Risi é muito mais do que uma comédia: é um road movie existencial que captura o espírito de toda uma era. A jornada, que começa em Roma para fugir dela e depois faz um retorno trágico, é uma metáfora perfeita para uma sociedade que corre a toda velocidade em direção a um bem-estar material que esconde um profundo vazio moral. Bruno, com sua vitalidade malandra, encarna as ilusões e contradições de um país que confundiu consumismo com felicidade. A Roma inicial, vazia e silenciosa, é o ponto de partida para uma fuga que se provará impossível, terminando com um final tão súbito quanto devastador.

Mamma Roma (1962)

Mamma Roma, uma ex-prostituta interpretada por uma monumental Anna Magnani, tenta construir uma nova vida burguesa pelo bem de seu filho adolescente, Ettore. Deixando as ruas para trás, ela se muda para um prédio moderno do INA-Casa no bairro do Quadraro, sonhando com um futuro respeitável para o garoto. Mas seu passado, encarnado por seu antigo cafetão, volta para assombrá-la, destruindo seu sonho de redenção.

O segundo filme de Pasolini, Mamma Roma continua a exploração do subproletariado, mas com uma carga trágica ainda mais intensa. A nova arquitetura da periferia em expansão, com seus blocos de apartamentos anônimos, torna-se o símbolo de uma integração social desejada, mas inalcançável. Mamma Roma tenta desesperadamente assimilar um modelo petit-burguês que não lhe pertence, mas sua vitalidade plebeia e seu passado não podem ser apagados. O destino trágico de seu filho, cuja morte é filmada com uma referência explícita ao Cristo Morto de Mantegna, eleva a história a uma poderosa alegoria sobre a derrota dos marginalizados.

Os Monstros (1963)

Uma coleção de vinte vinhetas curtas e satíricas que escancaram impiedosamente os vícios, hipocrisias e a feiura moral da sociedade italiana durante o milagre econômico. Vittorio Gassman e Ugo Tognazzi interpretam uma galeria de personagens grotescos, desde políticos corruptos até pais abusivos e maridos covardes.

Dino Risi cria uma “comédia humana” na qual Roma serve de palco para um desfile de “monstros” modernos. O filme é uma crítica feroz e hilariante a uma nação que, em sua pressa rumo à modernidade e à riqueza, parece ter perdido sua bússola moral. Cada episódio é um retrato afiado e cínico que, tomado em conjunto, compõe um poderoso e ainda relevante retrato do lado sombrio do boom italiano.   

A Décima Vítima (1965)

Num futurista século XXI, a guerra foi substituída pela “Grande Caçada”, um jogo global televisionado onde os participantes caçam e matam uns aos outros em busca de fama e fortuna. Uma caçadora americana chega a Roma para sua décima e última vítima, um homem italiano, mas seu jogo mortal logo se complica por sentimentos inesperados.

Elio Petri usa Roma, particularmente a arquitetura modernista e alienante do bairro EUR, como o cenário perfeito para sua distopia sci-fi em estilo pop-art. A cidade torna-se uma arena elegante, fria e saturada de mídia onde a vida humana é um espetáculo. O filme é uma sátira afiada à sociedade de consumo, ao culto da violência e à batalha dos sexos, transformando a Cidade Eterna em um playground futurista e cínico.

O Pássaro com a Pena de Cristal (1970)

Sam Dalmas, um escritor americano em Roma sofrendo de bloqueio criativo, testemunha a tentativa de assassinato de uma mulher em uma galeria de arte. Ele fica preso entre as portas de vidro, uma testemunha impotente da cena. Obcecado por um detalhe que sua memória não consegue captar, ele inicia uma investigação pessoal que o arrasta para uma espiral de terror, assombrado por um misterioso serial killer.

Dario Argento estreia na direção com uma revolução para o thriller italiano e mundial. Argento transforma Roma em um labirinto onírico e aterrorizante, onde a arquitetura moderna e os espaços estéreis das galerias de arte se tornam palcos de violência estilizada. A cidade deixa de ser um lugar real para se tornar um espaço mental, um reflexo da psique distorcida do assassino e da percepção falível do protagonista. A sequência de abertura é uma aula magistral de direção que usa o espaço urbano para criar uma sensação de impotência e voyeurismo, temas que se tornarão centrais em todo seu cinema.

Investigação de um Cidadão Acima de Qualquer Suspeita (1970)

Um alto oficial da polícia, respeitado e recém-promovido a chefe da seção política, assassina sua amante em seu apartamento. Em vez de encobrir suas pistas, ele deliberadamente planta evidências que o levam a ele mesmo. Seu objetivo é provar para si e para o sistema que seu poder o torna intocável, acima de qualquer suspeita e da própria lei.

Elio Petri cria sua obra-prima e vencedora do Oscar, uma alegoria implacável sobre o poder e sua natureza corruptora. Ambientado numa Roma sombria e opressiva, o filme usa os lugares do poder — delegacias, escritórios ministeriais — como cenários para um pesadelo kafkiano. A atuação de Gian Maria Volonté é monumental ao encarnar a arrogância e neurose de um homem que é ao mesmo tempo a encarnação e a vítima do sistema autoritário que representa. É uma obra fundamental para entender as tensões e a paranoia dos Anos de Chumbo italianos.

Roma de Fellini (1972)

Federico Fellini abandona toda aparência de enredo para criar um retrato visionário, caótico e profundamente pessoal da Cidade Eterna. O filme é um fluxo de consciência que mistura memórias de sua chegada a Roma como um jovem vindo das províncias, cenas da vida cotidiana, sequências documentais sobre a construção do metrô e fantasmagorias surreais, como um desfile de moda eclesiástico.

Roma é a tentativa de Fellini de capturar a essência elusiva da cidade, não por meio de uma narrativa lógica, mas através de uma imersão total em seu “delírio oficial”. A cidade é apresentada como um grande útero materno, um circo ao ar livre, um bordel, uma necrópole. Fellini não filma a Roma dos monumentos, mas a das trattorias populares, teatros de variedades e o Grande Raccordo Anulare (o grande anel viário) atravessado à noite por uma horda de motociclistas. É uma obra transbordante e magnífica, um ato de amor por uma cidade que, segundo o diretor, só pode ser compreendida através dos sonhos e da imaginação.

Profissionais Violentos (1973)

O comissário Belli, um policial de métodos duros e forte senso de justiça, investiga uma quadrilha internacional de tráfico de drogas que está ensanguentando as ruas de Roma e Gênova. Em choque com a burocracia lenta e a corrupção em altos níveis, Belli decide agir fora das regras, desencadeando uma guerra sem limites contra o crime organizado.

Dirigido por Enzo G. Castellari e estrelado por Franco Nero, este é um dos pilares do gênero “poliziottesco”, que dominou o cinema italiano nos anos 1970. Esses filmes refletiam o clima de violência e insegurança social dos Anos de Chumbo. Roma, em particular, torna-se um campo de batalha urbano, palco de perseguições de tirar o fôlego, tiroteios brutais e um pessimismo subjacente em relação a um sistema judiciário percebido como fraco e ineficaz. É um cinema visceral, repleto de ação, que retrata uma cidade dominada pelo caos.

Nos Amávamos Tanto (1974)

O filme traça trinta anos da história italiana, da Resistência aos anos 1970, através da história de três amigos: Gianni, Antonio e Nicola. Suas vidas, amores, ideais e compromissos se entrelaçam e divergem ao longo das décadas, todos girando em torno da mulher que todos amaram, Luciana.

Ettore Scola cria um fresco épico e melancólico no qual Roma não é apenas um cenário, mas uma testemunha viva das transformações de um país inteiro. Das esperanças do pós-guerra, simbolizadas por uma Roma em preto e branco, à cidade colorida mas desiludida do boom econômico, o filme usa locais icônicos como a Fontana di Trevi e bairros operários como Garbatella para mapear a jornada pessoal e coletiva de uma geração que “queria mudar o mundo, mas o mundo nos mudou”.

Deep Red (1975)

O pianista de jazz inglês Marc Daly, em Roma a trabalho, testemunha o assassinato de uma médium. Convencido de que viu um detalhe crucial na cena do crime que não consegue lembrar, ele começa a investigar com uma jornalista tenaz, Gianna Brezzi. Sua busca pela verdade o levará a um abismo de segredos familiares, traumas de infância e uma série de assassinatos cada vez mais brutais.

Embora filmado em grande parte em Turim, Deep Red é a apoteose do estilo que Dario Argento forjou em Roma, e permanece um ponto de referência essencial. É uma obra que transcende o giallo para se tornar um conto gótico sobre o horror que espreita na memória. A Roma do filme é uma cidade noturna e espectral, onde praças barrocas e teatros Art Nouveau tornam-se o cenário para um pesadelo. Argento constrói uma tensão magistral, alternando cenas de suspense insuportável com explosões de violência barroca, tudo acompanhado pela lendária trilha sonora dos Goblin.

Down and Dirty (1976)

Em uma favela construída ilegalmente nos arredores de Roma vive a vasta e monstruosa família de Giacinto Mazzatella, um velho tirânico e com um olho só. Ele guarda com ciúmes um milhão de liras, resultado de uma indenização, e não tem intenção de compartilhá-lo com seus filhos gananciosos e grotescos, que por sua vez conspiram de todas as formas para roubá-lo.

Ettore Scola cria uma obra-prima grotesca que é um retrato implacável e ferozmente cômico do subproletariado romano. Se Pasolini encontrou uma dimensão sagrada e trágica nas favelas, Scola encontra um inferno secular, um círculo dantesco povoado por personagens movidos apenas pelos instintos mais baixos: ganância, luxúria, violência. O filme é uma comédia negra que destrói toda sentimentalidade sobre a pobreza, mostrando uma humanidade regredida a um estado primitivo, numa luta pela sobrevivência que desconhece a moral. A favela, com a cúpula de São Pedro ironicamente silhuetada ao fundo, é o palco dessa farsa cruel e inesquecível.

The Tough Ones (1976)

O comissário Tanzi, um policial duro e violento, combate o crime desenfreado em Roma. Seu inimigo é “o Corcunda”, um criminoso implacável que espalha o pânico na cidade. A caçada de Tanzi se transforma numa descida ao inferno, numa Roma retratada como uma selva de asfalto onde a lei do mais forte é a única que importa.

Dirigido por Umberto Lenzi, este é talvez o poliziottesco mais emblemático e violento. Estrelado pelo ícone do gênero Maurizio Merli e por um irreconhecível Tomas Milian como o Corcunda, o filme é um concentrado de ação brutal e niilismo. A Roma do filme é um teatro de guerra urbana, um lugar sem esperança onde a violência do Estado e a do crime se refletem mutuamente. É o retrato cru e sem filtros de uma cidade e de um país à beira do colapso.

Um Homem Pequeno e Comum (1977)

Giovanni Vivaldi, um humilde e obsequioso funcionário público prestes a se aposentar, está disposto a fazer qualquer coisa para garantir um emprego semelhante para seu amado filho, até mesmo ingressar em uma loja maçônica. Mas quando seu filho é tragicamente morto por uma bala perdida durante um assalto, o “homem pequeno e comum” se transforma em um anjo implacável da vingança.

Mario Monicelli dirige um filme que começa como uma comédia grotesca sobre a burocracia italiana e a escalada social e toma uma reviravolta chocante para um thriller sombrio e implacável. O filme oferece um retrato sombrio de Roma, longe do glamour do centro da cidade, focando nos subúrbios anônimos e no vazio moral da classe média. A magistral atuação de Alberto Sordi captura a aterrorizante transformação de um homem comum em um monstro, tornando esta uma crítica poderosa e perturbadora de uma sociedade onde a justiça está ausente e o luto se transforma em violência brutal. 

Um Dia Muito Especial (1977)

No dia 6 de maio de 1938, no dia da visita de Hitler a Roma, uma dona de casa solitária e um locutor de rádio homossexual perseguido se encontram por acaso em seu prédio quase deserto. Enquanto toda a cidade celebra o desfile fascista, essas duas almas marginalizadas compartilham algumas horas de intimidade e compreensão inesperadas.

Scola esvazia Roma de sua grandiosidade monumental para focar em um único espaço doméstico, o Palazzo Federici, que se torna um microcosmo da sociedade fascista. O próprio edifício, com seu pátio atuando como um panóptico, é um protagonista, um símbolo de controle social e conformidade forçada. O zumbido constante do comentário radiofônico do desfile serve como uma trilha sonora opressiva, destacando o isolamento dos dois personagens e criando uma contra-narrativa poderosa à história oficial que está sendo celebrada do lado de fora.   

O Terraço (1980)

Um grupo de intelectuais de esquerda envelhecidos — um roteirista, um produtor, um jornalista, um político — se reúne em um terraço romano para um jantar. Ao longo da noite e em uma série de flashbacks, eles confrontam seus fracassos pessoais, crises criativas e desilusões políticas.

Nesta peça de câmara de Ettore Scola, o terraço romano se torna uma gaiola dourada, um palco isolado onde toda uma classe intelectual encena seu próprio funeral. No alto, acima da cidade real, esses personagens estão desconectados da realidade social que afirmam representar. Roma, visível apenas como um pano de fundo panorâmico, simboliza o mundo com o qual perderam contato, fazendo do terraço uma metáfora poderosa para a crise autorreferencial e estéril da esquerda italiana no final dos anos 1970.   

Tenebrae (1982)

Peter Neal, um romancista americano de horror, chega a Roma para promover seu último livro, “Tenebrae”. Pouco depois de sua chegada, uma série de assassinatos brutais começa a ensanguentar a cidade, com as vítimas mortas da mesma maneira descrita em seu romance. Neal se vê envolvido em um jogo perverso e mortal, tentando descobrir a identidade do assassino.

Com Tenebrae, Dario Argento faz uma escolha estética radical: ele abandona as atmosferas sombrias e góticas de seus filmes anteriores para situar seu giallo em uma Roma cegantemente brilhante, moderna e hiper-realista. Filmado em grande parte no distrito EUR, o filme é dominado por uma luz fria e uma arquitetura racionalista que cria uma sensação de alienação e inquietação. Argento quer mostrar que o horror não se esconde apenas na escuridão, mas pode explodir à luz do dia, nos espaços mais assépticos e ordenados. A cidade torna-se um labirinto de superfícies brancas e refletivas, um lugar onde a escuridão é a da alma.

Amor Tóxico (1983)

Um grupo de jovens viciados em heroína de Ostia vive seus dias em uma rotina desesperada de esquemas para conseguir a dose, pequenos furtos e relacionamentos instáveis. Cesare, Michela e seus amigos se movem por uma paisagem desolada, entre a costa e a periferia romana, presos em um presente sem futuro e em um amor que é apenas outro nome para o vício.

A obra cult de Claudio Caligari é um filme chocante, um soco no estômago que conta a tragédia do vício em drogas com um realismo quase documental. Herdeiro direto da lição de Pasolini, Caligari escolhe ter verdadeiros dependentes químicos atuando no filme, apagando a linha entre ficção e realidade. Sua Ostia é um lugar terminal, um não-lugar de marginalidade absoluta. A linguagem crua, o dialeto de rua e a representação sem filtros do vício fazem de Amor Tóxico uma obra única e comovente, o retrato inesquecível de uma geração perdida.

The Belly of an Architect (1987)

Stourley Kracklite, um arquiteto americano, chega a Roma com sua jovem esposa para curar uma exposição dedicada ao visionário arquiteto do século XVIII Étienne-Louis Boullée. À medida que se aprofunda no projeto, Kracklite desenvolve uma obsessão com seu próprio corpo, particularmente com sua barriga, que é atormentada por dores excruciantes. Seu declínio físico e psicológico reflete-se na grandiosidade monumental e ainda decadente da Cidade Eterna.

O filme de Peter Greenaway é uma obra visualmente suntuosa e intelectualmente complexa. O diretor inglês usa a arquitetura de Roma — do Panteão ao Vittoriano — como uma grande metáfora para o corpo humano, sua beleza e sua corrupção inevitável. A cidade torna-se um palco alegórico onde história da arte, geometria e biologia se entrelaçam. A barriga do arquiteto, que poderia conter uma nova vida ou uma doença incurável, torna-se o centro simbólico de um filme que reflete sobre criatividade, mortalidade e o peso da história.

Querido Diário (1993)

Dividido em três capítulos, o filme é um diário autobiográfico no qual Nanni Moretti interpreta a si mesmo. No primeiro, “Na Minha Vespa”, o diretor vagueia por uma Roma semi-deserta em agosto, comentando com sua ironia inconfundível sobre casas, bairros e os hábitos dos romanos. O segundo, “Ilhas”, mostra sua viagem às Ilhas Eólias. O terceiro, “Médicos”, narra sua odisseia real de saúde ao descobrir um tumor.

O primeiro capítulo de Querido Diário é uma das mais belas e originais declarações de amor já feitas a Roma. Moretti evita o centro monumental e turístico para explorar áreas menos conhecidas, da Garbatella ao Casal Palocco, criando um mapa íntimo e pessoal da cidade. Seu passeio de Vespa é uma experiência meditativa, uma forma de reivindicar o espaço urbano e observá-lo com um olhar novo, crítico, mas profundamente afetuoso. É um retrato único de Roma, longe de qualquer clichê, que captura sua beleza casual e suas contradições diárias.

Il Divo (2008)

Um retrato grotesco, pop e deslumbrante de Giulio Andreotti, uma das figuras mais poderosas e enigmáticas da história política italiana. O filme de Paolo Sorrentino foca no período de seu sétimo governo, no início dos anos 1990, reconstruindo através de um estilo visionário sua rede de poder, suas relações com a Máfia e os crimes e mistérios que marcaram a Primeira República.

Sorrentino transforma a política italiana em uma ópera barroca, e Roma em seu teatro frio e espectral. Os palácios do poder, os corredores do Parlamento, as igrejas sombrias tornam-se o cenário de uma fantasmagoria na qual máscaras perturbadoras se movem. A cidade não é um lugar vivo, mas um cenário monumental e impassível onde tramas sombrias se consumam. Il Divo é uma análise implacável do poder, usando um estilo visual hiperbólico para contar a história do vazio e da solidão de um homem que se tornou um ícone impenetrável do mistério italiano.

The Black Sheep (2010)

Nicola cresceu em um asilo, “o instituto das cem portas”, onde os loucos são protegidos do mundo e o mundo é protegido dos loucos. Através de suas memórias, que se entrelaçam com o presente, ele conta histórias de uma humanidade marginalizada, suspensa entre a loucura e uma lucidez desarmante. Sua vida é um conto coral que questiona os limites entre normalidade e insanidade.

Baseado em suas performances teatrais, o filme de Ascanio Celestini é uma obra poética e surreal que explora o mundo da doença mental. O asilo, localizado nos arredores de Roma, torna-se um microcosmo onde a lógica do mundo exterior é invertida. Celestini, com seu estilo narrativo e profunda empatia, dá voz aos que não têm voz, mostrando como por trás do rótulo de “loucura” existem histórias de dor, amor e sabedoria surpreendente. É um filme que usa a periferia física e existencial para uma reflexão universal sobre a condição humana.

A Grande Beleza (2013)

Jep Gambardella, jornalista social e crítico teatral, é um ícone da alta sociedade romana. Após seu 65º aniversário, uma crescente insatisfação o leva a vagar por uma Roma magnífica e espectral, entre festas decadentes em terraços com vista para os Fóruns, encontros com personagens grotescos e epifanias repentinas e deslumbrantes de beleza. Sua é uma busca melancólica por um sentido perdido.

O filme vencedor do Oscar de Paolo Sorrentino é uma homenagem explícita à Roma de Fellini, mas reinterpretada com a sensibilidade desencantada do novo milênio. A cidade é uma protagonista absoluta, uma concha de beleza pungente que esconde um vazio abismal. Sorrentino contrapõe a magnificência dos palácios históricos, jardins secretos e ruínas antigas com a superficialidade e o cinismo de seus habitantes. É o retrato de uma cidade e de uma humanidade perdida “em meio a vícios e vida dissoluta em busca de uma beleza perdida”.

Sacro GRA (2013)

Um documentário que explora o mundo desconhecido que pulsa ao longo do Grande Raccordo Anulare (GRA) de Roma, a maior via urbana da Itália. Longe do centro monumental, o diretor Gianfranco Rosi descobre uma humanidade surpreendente e invisível: um nobre decadente vivendo em um apartamento de estúdio, um pescador de enguias no Tibre, um botânico estudando palmeiras infestadas por um parasita.

O primeiro documentário a ganhar o Leão de Ouro em Veneza, Sacro GRA revela uma Roma que ninguém jamais contou. A via anelar não é o tema do filme, mas o fio que conecta histórias de marginalidade, solidão e poesia inesperada. Rosi transforma um “não-lugar” por excelência em um território rico de vida e contos surreais. É um olhar antropológico que descobre um universo paralelo, outra cidade que existe nas margens da conhecida, provando que as histórias mais incríveis muitas vezes se encontram onde ninguém para para olhar.

Me Chiamano Jeeg (2015)

Enzo Ceccotti é um pequeno criminoso solitário que vive na favela de Tor Bella Monaca. Um dia, fugindo da polícia, ele mergulha no Tibre e acidentalmente cai em um barril de material radioativo. Ele emerge com força sobre-humana. Inicialmente, usa seus novos poderes para fins egoístas, mas seu encontro com Alessia, uma garota frágil obcecada pelo anime japonês Jeeg Robot, o impulsionará a se tornar o herói que Roma precisa.

O filme de Gabriele Mainetti é uma verdadeira revolução para o cinema italiano, capaz de enxertar o gênero americano de quadrinhos de super-heróis no tecido social da periferia romana. Me Chiamano Jeeg não imita os modelos de Hollywood, mas os reinterpreta de forma local, crua e autêntica. Tor Bella Monaca, com suas torres de concreto e sua humanidade sofrida, torna-se um cenário crível e poderoso para o nascimento de um super-herói relutante e profundamente humano. É uma obra inovadora que combina magistralmente ação, drama e cultura pop.

Não Seja Mau (2015)

Ostia, anos 1990. Cesare e Vittorio são amigos para sempre, “irmãos da rua”. A vida deles é um turbilhão de noites na discoteca, carros velozes, álcool, drogas sintéticas e tráfico. Vittorio, porém, cansado dessa vida, tenta se salvar encontrando um emprego e se afastando de Cesare. Mas o vínculo entre os dois é forte demais, e o chamado daquele mundo autodestrutivo é uma tentação constante.

Testamento espiritual de Claudio Caligari, concluído postumamente graças aos esforços de Valerio Mastandrea, Não Seja Mau é digno herdeiro de Toxic Love e da poética de Pasolini. O filme é um relato poderoso e comovente sobre a amizade masculina, a dificuldade de mudar e a periferia como lugar da alma e da condenação. Caligari filma Ostia com um olhar participativo e nunca julgador, extraindo uma poesia crua e desesperada da vida à margem. É uma obra intensa e necessária, o ato final de um diretor que sempre deu voz aos últimos.