Hollywood und Kino: Die Traumfabrik

Nach dem Ende des Ersten Weltkriegs und vor der Großen Depression von 1929 dominierte die Hollywood-Filmindustrie die Welt, und die Geschichte der Filme änderte sich radikal. Eine Industrie, die sich der breiten Öffentlichkeit als Traumfabrik präsentiert, die die Verwirklichung des amerikanischen Traums anbietet. Eine Reihe von Figuren, Helden und Heldinnen, fast immer attraktiv, mit denen sich das Publikum identifiziert und die oft Modelle verkörpern, die es zu erreichen gilt. 

Hollywood ist eine wahre Fabrik der Vorstellungskraft, eine Fließbandproduktion, auf der Filme hergestellt werden, die in leicht kodifizierbare Genres eingeteilt sind. Eine Art, Kino zu machen, die weit entfernt ist von der der europäischen Avantgarden. Die künstlerische Forschung findet in Hollywood manchmal fast zufällig statt, manchmal dank des Verdienstes guter Regisseure, die kommerzielle Filme drehen müssen und diese Gelegenheit auch nutzen, um mit ihren kühnsten Ideen zu experimentieren. 

Doch das Ziel Hollywoods ist im Wesentlichen kommerzielles Geschäft und dem Publikum Welten der Eskapismus in einem Universum optimistischer Träume anzubieten. Tatsächlich nehmen Filme selten eine negative und nihilistische Sichtweise ein, wie sie im europäischen Kino oft zu finden ist. Stattdessen bieten sie häufig eine übermäßig versüßte und positive Weltsicht, sowohl in den Geschichten als auch im Stil der Bilder. 

Der Aufstieg des Hollywood-Kinos wird durch die Krise nach dem Ende des großen Krieges begünstigt. Die Weltwirtschaft liegt am Boden, und die Vereinigten Staaten positionieren sich als Weltführer in mehreren Schlüsselbranchen. Es setzt sich eine Politik des extremen Liberalismus durch, die es amerikanischen Industrieprodukten ermöglicht, sich auf ausländischen Märkten durchzusetzen. 

Die 1920er Jahre sind eine Phase großen wirtschaftlichen Wachstums, großer Euphorie und allgemeinen Wohlstands. Einige soziale Gruppen wie bäuerliche Einwanderer und Bergleute sind jedoch von dieser konsumistischen Euphorie ausgeschlossen oder sogar benachteiligt. Es ist die sogenannte Jazz-Ära oder die Roaring Twenties, in der man Schmuggelalkohol trinkt und auf der Suche nach neuen Träumen und Mythologien ist. 

Film entstand als Konsumprodukt

Das Hollywood-Kino wird durch eine große Kapitalverfügbarkeit begünstigt und durch ein Publikum, das in wenigen Jahren von 40 auf 80 Millionen Zuschauer anwächst. Außerdem besteht die Möglichkeit, ihre Filmprodukte weltweit zu exportieren. 

Der Film wird im Wesentlichen als Konsumprodukt gesehen, und seine Produktion ist streng in einem vertikalen System strukturiert, dessen Studios alle Phasen kontrollieren, vom Schreiben bis zur Verteilung. Drehbuchautoren, Schauspieler und Regisseure sind sehr großzügig bezahlte Angestellte im Dienst des Produzenten, und der Film darf nur existieren, wenn er einen guten Gewinn abwirft. 

Viele Produktionshäuser entscheiden sich, landesweit eigene Kinos zu errichten, um den Gewinn zu maximieren. Die Theater, die nicht zu den großen Studios gehören, sind seitdem gezwungen, Filme über ein System namens Block Booking zu buchen: Die Kinobetreiber müssen komplette Pakete der Studiofilme buchen, die sowohl kleinere Filme als auch die großen Hits enthalten. Dies ist bis heute eine tägliche Praxis für Kinobetreiber weltweit. 

Vertikales Oligopol Hollywoods

Die Studios schließen sich zusammen und bilden ein regelrechtes Oligopol im Filmbereich, das keinen Raum für Konkurrenz und unabhängige Produktionen lässt, die hingegen für die Entwicklung des Kinos in Europa von grundlegender Bedeutung gewesen waren. Die Säle werden als fabelhafte Architektur errichtet, inspiriert von einer exotischen, barocken und rokokohaften Welt, um dem breiten Publikum die vorübergehende Illusion einer Reise in eine reiche und fantastische Welt zu geben. Eine Welt, die ihm im Alltag stets verwehrt blieb. 

Das Programm wurde zudem durch Wochenschauen, Komödien, musikalische Zwischenspiele und andere Live-Darbietungen bereichert. Die großen drei Studios waren Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer und First National. Die kleineren Studios waren Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office und Warner Brothers. Hinzu kommt United Artists, gegründet 1919 von Schauspielern und Regisseuren wie Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin und David Wark Griffith. Ihr Ziel war es, dem Oligopol und der Dominanz der großen Produktionshäuser zu entkommen, um die Existenz einer mehr unabhängigen Film-Produktion weiterhin zu ermöglichen. 

Die Stars als Marketinginstrument

Das Hollywood-Kino entstand somit als industrieller und produktiver Organismus, in einem Arbeitskontext, der auf Effizienz und Qualität der Produkte ausgerichtet war. Es agiert jedoch in einem anderen Kontext als die traditionelle Industrie. So ist es beispielsweise notwendig, das Leben der Stars und ihre raue Seite zu kontrollieren und zu romantisieren. Klatsch und Tratsch werden zu einem der wichtigsten Mittel, um das Publikum anzuziehen, die Filme der Stars zu sehen, und das Leben bestimmter Schauspieler wird von Produzenten auch außerhalb des Sets kontrolliert, um sie zu einem Marketinginstrument zu machen. 

Skandale, Ehebrüche, das Leben in ungezügeltem Luxus und die Liebesaffären aus dem Privatleben der Stars verbreiten sich durch die Presse, um eine Aura eines unerreichbaren Mythos über die Welt des Kinos zu schaffen. Eine Welt von enormem Reichtum und abenteuerlichen Leben, die das Publikum der unteren Klassen durch den Tagtraum der großen Leinwand erleben kann. 

Die Zensur und Moral Hollywoodscher Filme

Die Kirche und religiöse Gruppen sehen die Nachrichtenberichte und den übertriebenen Reichtum der Hollywood-Welt nicht wohlwollend und beginnen, sich zusammen mit den rechtschaffenen Amerikanern der damaligen Zeit gegen sie zu stellen. Aus diesem Grund fühlt sich Hollywood in Gefahr und sucht nach Legitimität, weshalb es beschließt, eine moralistische und zensurkontrollierte redaktionelle Politik für seine Filme einzuführen. 

Im Jahr 1922 schlossen sich die wichtigsten Studios zusammen, um die Motion Picture Producers and Distributors zu gründen, mit dem Ziel, ein Regelwerk zur Regulierung des moralischen Inhalts von Filmen zu etablieren. Der Republikaner William Hays, ein mächtiger Minister, der als Verbindung zu Washington fungieren konnte, wurde zum Leiter der MPPD berufen. Seine Reformen führten zu Beschränkungen des Film Inhalts, die 1934 mit der Verabschiedung eines echten Gesetzes, dem sogenannten „Hays Code„, zusammengefasst wurden. Der Code standardisierte und regulierte die Produktion aller US-Filme, die in klar definierte Genres eingeteilt wurden, innerhalb enger moralischer Grenzen, die von der katholischen Kirche inspiriert waren. 

Die charakteristischen Elemente des Hollywood-Kinos wurden somit zu einem repetitiven und leicht erkennbaren spektakulären Modell mit hervorragender technischer und formaler Sorgfalt, moralisch korrekten Inhalten gemäß der dominanten Kultur der rechtschaffenen Menschen. Die Erwartung des Zuschauers vor der Veröffentlichung der Filme wird durch detailliert ausgearbeitete Marketingkampagnen genährt, die von den Medien verbreitet werden. 

Die Hollywood-Regisseur-Unternehmer

Der Kontext Hollywoods ermöglichte den Aufstieg von Regie- und künstlerischen Persönlichkeiten eines bestimmten Typs. Viele große Regisseure der europäischen Avantgarde hätten in einer Filmindustrie dieses Typs, die im Gegensatz zu ihren Forschungsmotiven und Experimentierfreude operierte, nicht die geringste Chance gehabt, zu arbeiten. 

Der Vater des spektakulären und großbudgetierten amerikanischen Kinos ist sicherlich David Wark Griffith, der mit seinen kolossalen Filmen Birth of a Nation und Intolerance die Aufmerksamkeit der ganzen Welt auf sich zieht. Griffiths Filme erfinden neue Codes der filmischen Sprache in einem Kontext großer industrieller Produktion. 

Sein Schüler wird diesen Trend fortsetzen, Erich Von Stroheim, mit seiner Poetik des Übermaßes europäisch-dekadenter Herkunft. Das komische Kino hingegen wird durch außergewöhnliche Persönlichkeiten wie Charlie Chaplin und Buster Keaton tiefgreifend erneuert. Einer der Regisseure, der die industrielle Logik der Hollywood-Produktion vollumfänglich annimmt, ist Cecil B. De Mille, ein Regisseur mit den unbestreitbaren Qualitäten eines Unternehmers und Produzenten. 

Cecil B. De Mille

Seine Filme konzentrieren sich auf Spektakel und sehr spezifische dramatische Stränge, wie jene der brillanten Komödie mit erotischem Hintergrund und der fatalen und skrupellosen Frau, die oft von Gloria Swanson gespielt wird. Bis in das Jahrzehnt nach den großen spektakulären Historienfilmen wie Die Zehn Gebote von 1923, der die biblische Episode mit einer modernen Parabel abwechselt. Der Film verurteilt scheinbar sexuelle Ausschweifungen und Laster aus jeder Perspektive, im Einklang mit der strengen Regulierung der amerikanischen Zensur. Doch er nutzt dies, um Orgien und sündhafte Szenen zu zeigen, um ein Publikum anzuziehen, das nach Grenzüberschreitungen sucht. 

De Milles brillante unternehmerische Formel lässt sich in Blut, Sex und der Bibel zusammenfassen und bildet die Grundlage für spätere Blockbuster wie Der König der Könige und das Zeichen des Kreuzes, bis hin zu mehreren Jahren später in Samson und Delila von 1949. De Mille ist der perfekte Regisseur für Hollywood, der es schafft, seine künstlerische Kreativität in eine profitable und große Geschäftsidee zu lenken. Andere Regisseure wie Frank Borzage sind in der Politik der Studios zu Hause, die bis in die 1950er Jahre eine Filmografie glanzvoller Blockbuster weiterproduzierten. 

Einer der größten Erfolge war der Film Ben Hur von 1926, produziert von Metro-Goldwyn-Mayer. Ein Koloss mit Zehntausenden von Statisten, für den der gesamte Circus Maximus von Rom als Kulisse errichtet werden musste. Gedreht mit innovativen Aufnahmetechniken, wie sie beim Wagenrennen angewandt wurden, das den gleichzeitigen Einsatz vieler Kameras an verschiedenen Blickpunkten erforderte. 

King Vidor

Ein weiterer großer Regisseur des Hollywood-Systems der 1920er Jahre war King Vidor, der ein großes pazifistisches Epos mit dem Titel Der große Umzug von 1925 schuf, in dem er geschickt Kriegsszenen mit sentimentalen Situationen abwechselte: Kanonen und Stereotypen, die im Hollywood-Kino bis heute weit verbreitet sind. 

Der Erfolg des Films gab MGM-Chef Irving Thalberg Vertrauen in Vidor: Der Regisseur war in der Lage, einen engagierteren und nonkonformistischen Film wie Die Menge von 1928 zu machen. Ein seltener Film in Hollywood zu jener Zeit, der die existenzielle Parabel eines Mannes von der Kindheit bis zur Reife in einer großen Metropole wie New York untersucht. Eine Reflexion über Konformismus und den Verlust der Individualität des Menschen in jenem historischen Moment in der neuen Dimension der Massenhomologation sowie ein ironischer und ernüchternder Blick auf die falsch optimistische Ideologie des Selfmade-Man und den amerikanischen Traum. 

Die Menge ist vielleicht der Höhepunkt des US-Stummfilms und zeigt kühne technische und stilistische Lösungen, die mit außergewöhnlicher symbolischer Kraft die Beziehung zwischen dem Individuum und der Menge sowie den Identitätsverlust darstellen. Ein Film, der vom deutschen Expressionismus inspiriert ist und die Kraft dieses Stils nutzt, indem er Kamerabewegungen und Licht als mächtige Symbole seines erzählerischen Inhalts einsetzt. 

Die Geburt eines kommerziellen Kinos, das auch als Werkzeug sozialer Untersuchung und Politik fungieren kann, setzte sich in den folgenden Jahren fort, 1929 mit Alleluia, einem Film über das Schicksal schwarzer Männer auf den Baumwollplantagen im Süden. Our Daily Bread, 1934, der sich mit dem Übel der Arbeitslosigkeit auseinandersetzt und die Krise der großen Depression von 1929 erzählt. 

Vidor wird seine Karriere in jenem System klassischer Genres fortsetzen, das Hollywood in den folgenden Jahren vorschlagen wird, um seine Produktionsstrategien zu festigen und sich weltweit als Kodifizierung der Genres durchzusetzen, denen unterschiedliche Zielgruppen und Geschäftsmodelle entsprechen. 

John Ford

Innerhalb des Genres entstehen einige typische Strömungen jener Jahre wie die pazifistische Strömung, der Kriegsfilm, die komische Slapstick-Komödie und der Western. Western wurden auch kostengünstig für das provinziellere Publikum produziert. Einer der Regisseure, der mit genau dieser Art billiger Filme debütierte, ist John Ford mit seinem Film von 1924 The Iron Horse. In den folgenden Jahren wird John Ford zum wichtigsten Autor des Western-Genres, der in der Lage ist, die archetypische Dimension von Natur und Landschaft zu visualisieren und die Mythologie und Ideologie des Westens zu verkörpern. 

Die neuen Filmgenres in Hollywood

Dank des Erfolgs von Das Cabinet des Dr. Caligari von Robert Wiene, der 1921 in den USA ankam, entstand das Interesse der Studios am Horror-Genre, das vor allem von Universal behandelt wurde. Schauspieler Lon Chaney spezialisierte sich auf das Genre und drehte Filme wie Der Glöckner von Notre Dame und Das Phantom der Oper von 1925. MGM schloss jedoch die berühmte Partnerschaft zwischen Lon Chaney und Regisseur Tod Browning, mit der der Schauspieler die wichtigsten Filme wie The Stranger von 1927 drehte. 

Der Gangsterfilm entstand auch aus soziologischen Gründen, verbunden mit dem Anstieg von Kriminalität und Alkoholschmuggel in der Prohibitionszeit. Einige Filme wie Chicago Nights (Underworld), Joseph von Sternbergs 1927er Film für Paramount, Morocco von 1930 und Shanghai Express von 1932 legen die Grundlagen und Prototypen des Gangster-Genres fest. 

Die verschiedenen Genres spiegeln die Stimmungen und die sich wandelnde Gesellschaft der Goldenen Zwanziger wider, während sich das Star-System formt, um die Stimmungen, Wünsche und Bestrebungen des Massenpublikums zu interpretieren. Divas wie Rudolph Valentino werden geboren, die die lateinische Virilität eines Fotoromans verkörpern. John Gilbert als Interpret der großen Parade, die den freiesten und skrupellosesten Romantizismus verkörpert. Ein neues Modell von Vamp-Darstellerinnen wie Gloria Swanson, das Gegenteil der amerikanischen Freundinnen wie Mary Pickford im puritanischen und viktorianischen Stil von Griffiths Kino. Der athletische Douglas Fairbanks, der in dem bemerkenswerten Film The Thief of Bagdad von Raul Walsh aus dem Jahr 1924 spielte, der den optimistischen und positiven Schwung des Jahrzehnts repräsentiert, eine neue Art von Amerikaner, der sich mit Fröhlichkeit und positiver Wiederaufbau der amerikanischen Gesellschaft nach dem Krieg auseinandersetzt. 

Schließlich Stars und Interpretationen ihrer selbst wie Charlie Chaplin und Erich Von Stroheim, Darsteller wiederkehrender Figuren wie des Landstreichers und des zynischen Offiziers, die einen Stil des Kinos ausdrücken, der unabhängiger und europäisch geprägt ist. Sie zeigen die Widersprüche der amerikanischen Gesellschaft und ihrer fragilen Werte, die bald von der großen Depression überwältigt werden.

Hollywood und klassische Filme

Der klassische Hollywood-Stil erreicht seine volle Reife mit dem Aufkommen des Tons in den 30er und 40er Jahren. Der Ton ermöglicht es, aus der Vorstellung eines Kinos als teilweiser und nicht selbstgenügsamer Sprache, begleitet von Live-Shows und Tonaufführungen, auszubrechen und eine völlig selbstgenügsame Sprache zu schaffen. Die Welt auf der großen Leinwand wird zu einer Welt ohne jegliche Verbindung zur Realität außerhalb der Leinwand, die unabhängig genossen werden kann.

Viele großartige Werke des Kinos entstanden in dieser Ära und wurden mit einer äußerst disziplinierten Produktionstechnik hergestellt. Da viele Filme produziert wurden, mussten nicht alle zwangsläufig erfolgreich sein. Ein Studio konnte mit einem durchschnittlichen Budget, einem großartigen Drehbuch und unbekannten Schauspielern ein Risiko eingehen. So geschah es bei Citizen Kane (1941), gedreht von Orson Welles und gilt als einer der besten Filme aller Zeiten. Verschiedene andere hartnäckige Regisseure wie Howard Hawks, Alfred Hitchcock und Frank Capra kämpften gegen die Hollywood-Studios, um ihre fantasievollen Visionen zu verwirklichen.

Der Höhepunkt des Erfolgs des großen Hollywood-Studio-Systems war möglicherweise das Jahr 1939, das den Start von klassischen Filmen markierte, die zu den berühmtesten in der Geschichte des Kinos zählen. Das visuell-narrative Design des Hollywood-Kinos wurde stark von den Konzepten der Renaissance und auch von ihrem Konzept der Wiedergeburt der Menschheit als Hauptziel beeinflusst.

Filmproduktion in Hollywood

Der klassische Hollywood-Stil wird in 3 grundlegende Ebenen unterteilt: Geräte, Systeme und Systembeziehungen. Die grundlegendsten Werkzeuge für das klassische Hollywood-Kino sind jene der Beziehung zwischen Zuschauer und Szene auf der Leinwand. Die 180-Grad-Regel erhält die Bildkomposition der gefilmten Szene, indem sie eine imaginäre 180-Grad-Achse zwischen der Szene und dem Publikum erzeugt, die es den Zuschauern ermöglicht, sich klar innerhalb des Settings und der Handlungen einer Szene zu orientieren. Nach der 30-Grad-Regel müssten die Schnittwechsel, von denen aus die nächste Einstellung betrachtet wird, so angepasst werden, dass der Zuschauer eine Anpassung des Blickwinkels erkennt. Schnitte, die nicht der 30-Grad-Richtlinie entsprechen, sollten vermieden werden, um den Eindruck einer zeitlichen Verbindung zwischen den bewegten Bildern aufrechtzuerhalten. Die 30- und 180-Grad-Richtlinien sind grundlegende Standards im Kino, die bereits im frühen Kino erfunden wurden, wie im französischen Film von George Melies A Trip to the Moon aus dem Jahr 1902 zu sehen ist. Diese Regeln dienten dazu, die Verbindung aufrechtzuerhalten, wie beim transversalen Schnitt, der die Abfolge von Handlungen an verschiedenen Orten entwickelt. Immersive Schnitte vom Typ des Achsenschnitts sind erlaubt, da dieser den gesamten Aufnahmewinkel nicht verändert, sondern das klare Ziel verfolgt, einen detaillierteren oder weiter entfernten Blickwinkel auf das Subjekt zu offenbaren und folglich auch die zeitliche Verbindung nicht beeinträchtigt.

Die Erzählweise der Hollywood-Filme

Die klassische Erzählweise der Hollywood-Filme schreitet stetig durch die Psychologie der Figuren voran, das heißt durch den Willen einer menschlichen Persönlichkeit und den Umgang mit Hindernissen auf dem Weg zu einem bestimmten Ziel. Diese narrative Komponente besteht typischerweise aus einer Hauptgeschichte (wie einer Liebesgeschichte), die mit einer oder mehreren zusätzlichen Geschichten verknüpft ist. Diese Geschichte ist mit einem klaren Anfang, einer Mitte und einem Ende strukturiert, und es gibt in der Regel eine wohl definierte Auflösung. Der Einsatz von Schauspielern, Ereignissen, kausalen Handlungen sowie Haupt- und Nebenhandlungen sind grundlegende Merkmale des klassischen Hollywood-Films. Figuren im klassischen Hollywood-Kino haben klar definierte Charaktereigenschaften, sind energisch und sehr zielorientiert. Sie werden eher von psychologischen als von sozialen Motivationen angetrieben. Geschichte ist eine Kette von Dominoeffekten mit kausalen Agenten: In einem klassischen Hollywood-Film geschehen Ereignisse nicht willkürlich.

Zeit und Raum der Hollywood-Filme

Die Zeit in Hollywood-Filmen ist linear ohne Zeitsprünge, da Nicht-Linearität die Künstlichkeit des filmischen Mediums betont. Die einzige akzeptable Zeitmanipulation in klassischen Hollywood-Filmen ist der Rückblick (Flashback). Er wird hauptsächlich verwendet, um eine Reihe von Erinnerungen einer Figur darzustellen, wie in Casablanca.

Die wichtigste Zeitregel klassischer Filme ist die Dauer der gefilmten Motive: Das Publikum muss glauben, dass die Szene außerhalb des Filmrahmens existiert, um den realistischen Aspekt der Geschichte aufrechtzuerhalten. Die Raumverwaltungs-Technik im klassischen Hollywood zielt darauf ab, die Zweidimensionalität der Projektionsflächen zu verbergen und konzentriert sich zudem stark auf den Körper der Figuren. Die meisten Einstellungen in einem klassischen Film fokussieren Bewegung oder Gesichter und sind Aufnahmen in Halbnahen und mittleren bis langen Einstellungen. Ein klassischer Hollywood-Film ähnelt einem gefilmten Theaterstück, insofern als die Ereignisse lang genug zu dauern scheinen und die Einstellungen uns den idealen Blickwinkel auf das gesamte Stück geben. Die Regeln des klassischen Hollywood-Kinos stehen daher in starkem Gegensatz zur Vision des Arthouse-Kinos, experimentellen und avantgardistischen, in dem der Regisseur nach subjektiven und unvorhersehbaren Kamerawinkeln sucht.

Diese Raumregel enthält vier Hauptelemente: Fokus, Tiefe, Balance und Frontalität. Die wichtigen Motive oder Dinge befinden sich hauptsächlich im zentralen Bereich des Bildes und sind stets klar sichtbar, gut beleuchtet und perfekt fokussiert. Balance ist die Regel, nach der die gefilmten Figuren und Objekte gleichmäßig im Bild verteilt sind. Die Handlung wird in Richtung des Betrachters frontal gefilmt, das Bühnenbild, das Licht und die Kostüme sind so gestaltet, dass Vordergrund und Hintergrund des Bildes klar getrennt sind. Die Fotografie verwendet hauptsächlich die Drei-Punkt-Beleuchtungstechnik, insbesondere High-Key-Beleuchtung, die weitgehend frei von dunklen Schatten, weich und diffus ist. Es handelt sich um eine Lichtart, die eine optimistische Stimmung suggeriert. Zeit und Raum sind stets der narrativen Komponente untergeordnet.