Hollywood et le cinéma : la fabrique de rêves

Après la fin de la Première Guerre mondiale et avant la Grande Dépression de 1929, l’industrie cinématographique hollywoodienne dominait le monde et l’histoire du cinéma a radicalement changé. Une industrie qui se présente au grand public comme une usine à rêves proposant la réalisation du rêve américain. Une série de personnages, héros et héroïnes presque toujours séduisants, auxquels le public s’identifie et qui incarnent souvent des modèles à atteindre. 

Hollywood est une véritable fabrique de l’imaginaire, une chaîne de montage où sont réalisés des films classés en genres facilement codifiables. Une manière de faire du cinéma très éloignée de celle des avant-gardes européennes. La recherche artistique s’y fait parfois presque par hasard, parfois grâce au mérite de bons réalisateurs mis à la réalisation de films commerciaux et qui en profitent aussi pour expérimenter leurs idées les plus audacieuses. 

Mais l’objectif d’Hollywood est essentiellement commercial et vise à offrir au public des mondes d’évasion dans un univers de rêves optimistes. En effet, les films adoptent rarement un point de vue négatif et nihiliste que l’on retrouve souvent dans le cinéma européen. Au contraire, ils proposent souvent une vision excessivement édulcorée et positive du monde, tant dans les histoires que dans le style des images. 

L’essor du cinéma hollywoodien est favorisé par la crise qui suit la fin de la grande guerre. L’économie mondiale est à genoux et les États-Unis se positionnent comme un leader mondial dans plusieurs secteurs clés. Une politique de libéralisme extrême s’affirme, permettant aux produits industriels américains de s’imposer sur les marchés étrangers. 

Les années 1920 sont une phase de grand développement économique, d’euphorie et de bien-être général. Certains groupes sociaux, comme les immigrants paysans et les mineurs, sont cependant exclus voire pénalisés par cette euphorie consumériste. C’est ce qu’on appelle l’ère du jazz ou les années folles, où l’on boit de l’alcool de contrebande et où l’on part à la recherche de nouveaux rêves et mythologies. 

Le Cinéma est Né comme un Produit de Consommation

Le cinéma hollywoodien bénéficie d’une grande disponibilité de capitaux et d’un public passant de 40 à 80 millions de spectateurs en quelques années. De plus, il y a la possibilité d’exporter leurs produits cinématographiques dans le monde entier. 

Le film est essentiellement considéré comme un produit de consommation et sa production est rigoureusement structurée dans un système vertical dont les Studios contrôlent toutes les étapes, de l’écriture à la distribution. Scénaristes, acteurs et réalisateurs sont des employés très généreusement payés au service du producteur, et le film ne doit exister que s’il produit un bon profit. 

De nombreuses maisons de production décident de construire leurs propres cinémas à travers le pays afin de maximiser les profits. Les salles qui n’appartiennent pas aux grands studios ont depuis lors été contraintes de réserver les films selon un système appelé Block Booking : les exploitants sont obligés de réserver des packages entiers de films des studios, comprenant des films mineurs ainsi que les grands succès. Cela reste encore aujourd’hui une pratique quotidienne pour les exploitants du monde entier. 

Oligopole vertical d’Hollywood

Les studios s’associent entre eux et deviennent un véritable oligopole du secteur cinématographique, ne laissant aucune place à la concurrence ni aux productions indépendantes, qui avaient pourtant été d’une importance fondamentale dans le développement du cinéma en Europe. Les salles sont construites comme des architectures fabuleuses, inspirées d’un monde exotique, baroque et rococo, afin de donner au public populaire l’illusion temporaire d’un voyage dans un univers riche et fantastique. Ce monde qui lui était toujours refusé dans la vie quotidienne. 

Le spectacle était également enrichi par des actualités filmées, des comédies, des intermèdes musicaux et d’autres performances en direct. Les trois grands studios étaient Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer et First National. Les studios plus petits étaient Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office et Warner Brothers. À ceux-ci s’ajoute United Artists, créé en 1919 par des acteurs et réalisateurs tels que Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin et David Wark Griffith. Leur objectif était de sortir de l’oligopole et de la domination des grandes maisons de production afin de permettre l’existence d’une production cinématographique plus indépendante. 

Les stars comme outil marketing

Le cinéma hollywoodien est donc né comme un organisme industriel et productif, dans un contexte de travail orienté vers l’efficacité et la qualité des produits. Mais il se trouve à opérer dans un contexte différent de l’industrie traditionnelle. Par exemple, il est nécessaire de contrôler et de romantiser la vie des stars ainsi que leur côté rude. Les potins et ragots deviennent l’un des principaux outils pour attirer le public à aller voir les films des stars, et la vie de certains acteurs commence à être contrôlée par les producteurs même hors plateau, afin d’en faire un outil marketing. 

Scandales, adultères, vie de luxe débridé et aventures amoureuses de la vie privée des stars se répandent dans la presse, pour créer une aura de mythe inaccessible autour du monde du cinéma. Un monde de richesse énorme et de vies aventureuses que le public des classes populaires peut expérimenter à travers le rêve éveillé de l’écran géant. 

La Censure et la Morale des Films Hollywoodiens

L’église et les groupes religieux ne voient pas d’un bon œil les reportages et les richesses exagérées du monde hollywoodien et commencent à prendre parti contre lui, aux côtés des Américains bien-pensants de l’époque. C’est pourquoi Hollywood, se sentant menacé, en quête de légitimité, décide d’instaurer une politique éditoriale moraliste et contrôlée par la censure pour ses films. 

En 1922, les principaux studios se sont réunis pour créer la Motion Picture Producers and Distributors dans le but d’établir un ensemble de règles régulant le contenu moral des films. Le républicain William Hays, un ministre influent pouvant faire office de liaison avec Washington, fut appelé à la tête de la MPPD. Ses réformes imposèrent des restrictions sur le contenu des films jusqu’à ce qu’elles soient synthétisées en 1934 avec la promulgation d’une véritable loi surnommée le « Code Hays ». Ce code standardisait et régulait la production de tous les films américains, classés en genres bien définis, dans des limites morales étroites inspirées par l’Église catholique. 

Les éléments distinctifs du cinéma hollywoodien devinrent ainsi un modèle spectaculaire répétitif et facilement reconnaissable, avec une présence d’un soin technique et formel excellent, des contenus moralement corrects selon la culture dominante des bien-pensants. L’attente du spectateur avant la sortie des films est alimentée par des campagnes marketing minutieusement étudiées et diffusées par les médias. 

Les Réalisateurs-Entrepreneurs d’Hollywood

Le contexte hollywoodien permettra l’ascension vers le succès de personnalités directoriales et artistiques d’un certain type. Beaucoup de grands réalisateurs de l’avant-garde européenne n’auraient eu aucune chance de travailler dans une industrie cinématographique de ce type, qui fonctionnait en antithèse avec leurs motivations de recherche et d’expérimentation. 

Le père du cinéma spectaculaire et à gros budget américain est assurément David Wark Griffith, qui avec ses films colossaux Birth of a Nation et Intolerance attire l’attention du monde entier. Les films de Griffith inventent de nouveaux codes du langage cinématographique dans un contexte de grande production industrielle. 

Son élève poursuivra sa tendance, Erich Von Stroheim, avec sa poétique de l’excès d’ascendance européenne décadente. Le cinéma comique, quant à lui, est profondément renouvelé par des personnalités exceptionnelles telles que Charlie Chaplin et Buster Keaton. L’un des réalisateurs qui embrasse pleinement la logique industrielle de la production hollywoodienne est Cecil B. De Mille, un réalisateur aux qualités indéniables d’entrepreneur et de producteur. 

Cecil B. De Mille

Ses films se concentrent sur la spectaculaire et sur des fils dramatiques très spécifiques, tels que ceux de la brillante comédie à fond érotique et de la femme fatale et sans scrupules souvent incarnée par Gloria Swanson. Jusqu’à la décennie suivant les grands films historiques spectaculaires tels que Les Dix Commandements de 1923, qui narre l’épisode biblique en alternance avec une parabole moderne. Le film condamne apparemment la débauche sexuelle et les vices sous tous les angles, en accord avec la stricte régulation de la censure américaine. Mais il en profite pour montrer des orgies et des scènes peccamineuses afin d’attirer un public en quête de transgressions. 

La brillante formule entrepreneuriale de De Mille peut se résumer en sang, sexe et Bible, et constitue la base des blockbusters ultérieurs tels que Le Roi des Rois et le Signe de la Croix, jusqu’à plusieurs années plus tard avec Samson et Dalila en 1949. De Mille est le réalisateur parfait pour Hollywood, qui parvient à canaliser sa créativité artistique en une idée commerciale rentable et de grande envergure. D’autres réalisateurs comme Frank Borzage sont à l’aise dans la politique des Studios, qui continuèrent à produire une filmographie de blockbusters clinquants jusqu’aux années 1950. 

Un des plus grands succès est le film Ben Hur de 1926, produit par Metro-Goldwyn-Mayer. Un colossal avec des dizaines de milliers de figurants, pour lequel tout le Cirque Maxime de Rome dut être construit en tant que scénographie. Tourné avec des techniques de prise de vue innovantes, telles que celle appliquée aux courses de chars, qui impliquait l’utilisation simultanée de nombreuses caméras, placées à différents points de vue. 

King Vidor

Un autre grand réalisateur du système hollywoodien des années 1920 fut King Vidor qui créa une grande épopée pacifiste intitulée La Grande Parade, en 1925, dans laquelle il alternait habilement des scènes de conflit guerrier avec des situations sentimentales : canons et stéréotypes encore largement répandus dans le cinéma hollywoodien aujourd’hui. 

Le succès du film donna confiance au patron de MGM Irving Thalberg envers Vidor : le réalisateur fut capable de réaliser un film plus engagé et non conformiste comme La Foule, de 1928. Un film rare à Hollywood à l’époque, qui explore la parabole existentielle d’un homme de l’enfance à la maturité dans une grande métropole comme New York. Une réflexion sur le conformisme et la perte d’individualité de l’homme de ce moment historique dans la nouvelle dimension de l’homologation de masse et un regard ironique et désenchanté sur l’idéologie faussement optimiste de l’homme qui se fait lui-même et du rêve américain. 

La foule est peut-être le sommet du cinéma muet américain et présente des solutions techniques et stylistiques audacieuses qui représentent avec une force symbolique extraordinaire la relation entre l’individu et la foule ainsi que la perte d’identité. Un film qui s’inspire et puise sa force dans l’expressionnisme allemand en utilisant les mouvements de caméra et les lumières comme des symboles puissants de son contenu narratif. 

Naissance d’un cinéma commercial également capable de fonctionner comme un outil d’enquête sociale et politique, qui se poursuivra dans les années suivantes, en 1929, avec Alléluia, un film sur le sort des hommes noirs dans les plantations de coton du Sud. Our Daily Bread, 1934, qui aborde le fléau du chômage et raconte la crise de la grande dépression de 1929. 

Vidor poursuivra sa carrière dans ce système de genres classiques que Hollywood proposera dans les années suivantes pour consolider ses stratégies de production et qui s’impose dans le monde entier comme une codification des genres auxquels correspondent différents publics cibles et entreprises. 

John Ford

Au sein du genre naissent quelques veines typiques de ces années telles que la veine pacifiste, le film de guerre, la comédie burlesque et le Western. Des westerns étaient également réalisés à bas coût pour le public provincial. L’un des réalisateurs qui débuta avec ce type de films bon marché est John Ford avec son film de 1924 The Iron Horse. Dans les années suivantes, John Ford deviendra l’auteur le plus important du genre Western, capable de visualiser la dimension archétypale de la nature et du paysage et d’incarner la mythologie et l’idéologie de l’Ouest. 

Les nouveaux genres cinématographiques à Hollywood

Grâce au succès de The Cabinet of Doctor Caligari de Robert Wiene arrivé aux États-Unis en 1921, l’intérêt des studios pour le genre horrifique est né et sera principalement traité par Universal. L’acteur Lon Chaney se spécialise dans ce genre en réalisant des films tels que The Hunchback of Notre Dame et The Phantom of the Opera de 1925. Cependant, MGM signera le célèbre partenariat entre Lon Chaney et le réalisateur Tod Browning avec lequel l’acteur réalisera les films les plus importants tels que The Stranger de 1927. 

Le film de gangster est né aussi pour des raisons sociologiques, liées à l’augmentation de la criminalité et de la contrebande d’alcool durant l’ère de la prohibition. Certains films tels que Chicago Nights (Underworld) de Joseph von Sternberg en 1927 pour Paramount, Morocco en 1930 et Shanghai Express en 1932 posent les fondations et les prototypes du genre gangster. 

Les différents genres reflètent les humeurs et la société en évolution des Années folles alors que le Star System se façonne pour interpréter les humeurs, désirs et aspirations du public de masse. Des divas comme Rudolph Valentino naissent, incarnant la virilité latine d’un roman-photo. John Gilbert, interprète de la grande parade qui incarne le romantisme le plus libre et le plus sans scrupules. Un nouveau modèle d’actrices Vamp comme Gloria Swanson, l’opposé des petites amies américaines comme Mary Pickford dans le style puritain et victorien du cinéma de Griffith. L’athlétique Douglas Fairbanks, qui joua dans le remarquable The Thief of Bagdad de Raul Walsh en 1924, qui représente l’élan optimiste et positif de la décennie, un nouveau type d’Américain qui aborde avec gaieté et reconstruction positive la société américaine après la guerre. 

Enfin, des stars et interprètes d’eux-mêmes tels que Charlie Chaplin et Erich Von Stroheim, interprètes de personnages récurrents comme le vagabond et l’officier cynique, qui expriment un style de cinéma plus indépendant et de goût européen. Montrant les contradictions de la société américaine et ses valeurs fragiles qui seront bientôt submergées par la grande dépression. 

Hollywood et les films classiques

Le style classique hollywoodien atteindra sa pleine maturité avec l’avènement du son dans les années 30 et 40. Le son permettra de sortir d’une idée du cinéma comme langage partiel et non autosuffisant accompagné de spectacles vivants et de performances sonores pour un langage totalement autosuffisant. Le monde à l’intérieur du grand écran deviendra un monde sans aucune connexion avec la réalité hors écran à apprécier indépendamment.

De nombreuses grandes œuvres cinématographiques issues de cette époque furent réalisées avec une technique de production extrêmement disciplinée. Puisque de nombreux films étaient produits, ils n’avaient pas tous nécessairement à être des succès. Un studio pouvait miser sur un budget moyen avec un excellent scénario et des acteurs inconnus. Ce fut le cas pour Citizen Kane (1941), tourné par Orson Welles et considéré parmi les meilleurs films jamais réalisés. Divers autres réalisateurs obstinés, tels que Howard Hawks, Alfred Hitchcock et Frank Capra, ont bataillé contre les studios hollywoodiens pour réaliser leurs visions imaginatives.

Le sommet du succès du grand système des studios hollywoodiens fut peut-être l’année 1939, qui vit le lancement des films classiques les plus célèbres de l’histoire du cinéma. La conception visuelle-narrative du cinéma hollywoodien fut fortement influencée par les concepts de la Renaissance et aussi par son concept de renaissance de la race humaine comme but principal.

Production cinématographique à Hollywood

Le style classique hollywoodien se différencie en 3 degrés fondamentaux : dispositifs, systèmes et relations des systèmes. Les outils les plus essentiels pour le cinéma classique hollywoodien sont ceux de la relation entre le spectateur et la scène à l’écran. La règle des 180 degrés maintient le cadrage de la scène filmée en produisant un axe imaginaire de 180 degrés entre la scène et le public, permettant aux spectateurs de s’orienter clairement dans le décor et les actions d’une scène. Selon la règle des 30 degrés, les coupes de montage à partir desquelles le plan suivant est vu doivent être ajustées pour que le spectateur reconnaisse un changement de point de vue. Les coupes qui ne respectent pas la règle des 30 degrés doivent être évitées afin de maintenir l’impression de continuité temporelle entre les images en mouvement. Les règles des 30 et 180 degrés sont des normes fondamentales du cinéma inventées au début du cinéma, comme on le voit dans le film français de 1902 de George Melies Le Voyage dans la Lune. Ces règles servaient à aider à maintenir la connexion, comme dans la coupe transversale, qui développe la séquence d’actions dans différents lieux. Les coupes immersives du type coupe axiale sont autorisées, car elles n’altèrent pas l’angle de prise de vue global, mais ont pour objectif clair de révéler un point de vue plus détaillé ou plus éloigné du sujet, et par conséquent n’interfèrent pas non plus avec la continuité temporelle.

La narration des films hollywoodiens

La narration classique des films hollywoodiens progresse régulièrement à travers la psychologie des personnages, c’est-à-dire par la volonté d’une personnalité humaine et la gestion des obstacles vers un objectif précis. Cette composante narrative consiste typiquement en une histoire principale (comme une histoire d’amour) liée à une ou plusieurs histoires secondaires. Cette histoire est structurée avec un début, un milieu et une fin distincts, et il y a généralement une résolution bien définie. L’utilisation d’acteurs, d’événements, d’actions causales, de tournants narratifs principaux et secondaires sont des attributs fondamentaux du film classique hollywoodien. Les personnages dans le cinéma classique hollywoodien ont des caractéristiques clairement définies, sont énergiques et très orientés vers un but. Ils sont motivés par des motivations psychologiques plutôt que sociales. L’histoire est une chaîne d’effets domino avec des agents causaux : dans un film classique hollywoodien, les événements ne se produisent pas arbitrairement.

Temps et espace des films hollywoodiens

Le temps dans les films hollywoodiens est linéaire, sans sauts temporels, car la non-linéarité attire l’attention sur l’artificialité du médium cinématographique. La seule manipulation temporelle acceptable dans les films classiques hollywoodiens est le flashback. Il est principalement utilisé pour présenter une série de souvenirs d’un personnage, comme dans Casablanca.

La règle temporelle la plus importante des films classiques est la durée des sujets filmés : le spectateur doit croire que la scène existe en dehors du cadre du film pour maintenir l’aspect réaliste de l’histoire. La technique de gestion de l’espace dans le Hollywood classique vise à cacher la bidimensionnalité des écrans de projection et est également très centrée sur le corps des personnages. La plupart des plans dans un film classique se concentrent sur le mouvement ou les visages et sont des plans moyens et des plans moyens à longs. Un film hollywoodien classique ressemble à une pièce de théâtre filmée en ce que les événements semblent durer suffisamment longtemps et les plans nous donnent l’angle de vue idéal de l’ensemble de la pièce. Les règles du cinéma hollywoodien classique sont donc fortement en opposition avec la vision du cinéma d’art et essai, expérimental et avant-gardiste, dans lequel le réalisateur cherche des angles de caméra subjectifs et imprévisibles.

Cette règle de l’espace contient 4 éléments principaux : la mise au point, la profondeur, l’équilibre et la frontalité. Les sujets ou objets importants se trouvent principalement dans la partie centrale de l’image et sont toujours clairement visibles, bien éclairés et parfaitement nets. L’équilibre est la règle selon laquelle les personnages et objets filmés sont également répartis dans tout le cadre. L’action est filmée dans la direction du spectateur, frontalement, c’est l’ensemble de la scène, la lumière et les costumes sont créés pour séparer le premier plan de l’arrière-plan de l’image. La photographie utilise principalement la technique d’éclairage à trois points, en particulier l’éclairage high-key, assez dépourvu d’ombres sombres, doux et diffus. C’est un type de lumière qui suggère une ambiance optimiste. Le temps et l’espace sont toujours subordonnés à la composante narrative.