Films d’exploitation à regarder

L’exploitation est un genre de films qui tente de faire de l’argent en utilisant des modèles actuels, des genres de niche spécifiques ou du contenu obscène. Les films d’exploitation sont normalement des films B. Certains films d’exploitation gagnent une grande popularité et deviennent parfois des films cultes. Les films d’exploitation peuvent inclure du sexe, de la violence, de la toxicomanie, de la nudité, du sang, des émeutes, du chaos et de l’étrangeté. De tels films ont été vus pour la première fois dans leur genre moderne au début des années 1920, et ont connu leur apogée dans les années 1960 et 1970, lorsque la censure et les tabous cinématographiques se sont assouplis aux États-Unis et en Europe.

En 1933, le film Ecstasy avec l’actrice autrichienne Hedy Lamarr a attiré l’attention des spectateurs de films d’exploitation qui voulaient la voir nue dans le film. Hildegard Esper et Dwain Esper sont deux réalisateurs et producteurs qui ont réalisé certains des films les plus exploitants des années 1930. La censure n’aimait aucun de leurs films. Dans les années 1930, les films d’exploitation n’étaient pas couronnés de succès. Les commissions de censure voulaient maintenir l’image d’un Hollywood « ordonné », mais les promoteurs de films d’exploitation allaient au-delà du circuit théâtral. Depuis les années 1990, cette catégorie a également attiré l’attention dans les milieux académiques, où elle est parfois appelée paracinéma.

Dans les films d’exploitation, le contenu transgressif et l’art coexistent parfois, comme en témoigne le fait que les films d’art et essai qui cessaient d’être diffusés pour passer la censure officielle des théâtres étaient souvent projetés dans les mêmes cinémas grindhouse que les films d’exploitation. Les films d’exploitation partagent le courage de réalisateurs européens transgressifs bien connus tels que Derek Jarman, Luis Buñuel et Jean-Luc Godard en abordant des sujets « non éthiques ». De nombreux films reconnus comme des classiques incluent des scènes choquantes, du sexe et de la violence généralement associés aux films d’exploitation, tels que Orange mécanique de Stanley Kubrick, inspiré du roman d’Anthony Burgess, écrivain connu pour ses textes sur la jeunesse et la contre-culture. Freaks de Tod Browning et Repulsion de Roman Polanski sont d’autres exemples de films d’art et essai contenant du contenu d’exploitation.

Comment le film d’exploitation est né

Le film d’avant-garde Un Chien andalou de Luis Buñuel contient des aspects du film splatter moderne. Si Carnival of Souls avait été réalisé en Europe, il aurait été considéré comme un film d’art, tandis que si Eyes Without a Face avait été réalisé aux États-Unis, il aurait été classé comme un film d’horreur à petit budget. On pense que les publics des films d’art et essai et des films d’exploitation ont des goûts qui rejettent les offres traditionnelles de Hollywood.

En raison du temps nécessaire pour produire un film significatif, les films d’exploitation ont souvent exploité des événements populaires à court terme et des actualités qu’un grand studio ne pouvait pas exploiter. Kid Bride (1938), par exemple, traitait du problème des garçons plus âgés épousant des filles dans les Ozarks. D’autres sujets, tels que la toxicomanie dans des films comme Reefer Madness (1936), attiraient un public que les grands studios auraient normalement empêché afin de maintenir leur parcours traditionnel.

Cependant, avec des revenus suffisants, les grands studios pouvaient finir par produire des films d’exploitation, comme Warner Bros. l’a fait en 1969 avec leur film anti-LSD et anti-contreculture The Big Cube. Le film Sex Madness (1938) montrait les risques des maladies vénériennes liées aux rapports sexuels prémaritaux. Mother and Father, un film de 1945 sur la grossesse et l’accouchement, était promu avec des messages effrayants. He Should Have Said No! (1949) intégrait les thèmes de l’abus de substances et du sexe promiscue. Aux débuts du cinéma, lorsque les films d’exploitation abordaient des sujets aussi surprenants, ils devaient fournir une perspective éthique très conservatrice pour éviter la censure. 

Certains films à petit budget, souvent des B-movies, capitalisent fréquemment sur le travail important des grands studios. Leur calendrier de production rapide leur permet de tirer parti de la promotion associée aux films des grands studios. 

Films d’exploitation, Drive-in et Grindhouse

Grindhouse est un terme américain désignant un cinéma qui diffusait principalement des films d’exploitation. Ces cinémas étaient populaires dans les années 1960, 1970 et au début des années 1980 à New York et dans d’autres centres métropolitains, généralement en Amérique du Nord, mais ils ont entamé un long déclin au milieu des années 1980 avec l’introduction de la vidéo à domicile. 

Une option pour les grindhouses était de programmer des films d’exploitation à moindre coût. Certains producteurs des années 1950 aux années 1980 réalisaient des films directement pour le marché des drive-in et des grindhouses. Beaucoup d’entre eux étaient des films d’action violents que certains qualifiaient de films « drive-in ».

Marijuana (1936)

Marihuana est un film d’exploitation de 1936 réalisé par Dwain Esper, et écrit par l’épouse d’Esper, Hildagarde Stadie. Burma est une femme qui aime faire la fête. Un jour, elle rencontre des inconnus dans un bar qui l’accueillent, elle et son groupe, à une fête. Tous les participants consomment de l’alcool et les femmes fument involontairement du cannabis, ce qui les fait rire. Burma et son petit ami font l’amour sur la plage tandis que ses amis se baignent nus. Elle le presse de l’épouser lorsque Burma lui annonce qu’elle est enceinte de leur rencontre sur la plage. La femme compte sur les inconnus de la fête pour soutenir sa future famille, et ils chargent son petit ami de décharger des drogues de contrebande d’une livraison secrète au port. 

Reefer Madness (1936)

C’est un film de propagande, qui se concentre sur les événements qui surviennent lorsque des lycéens sont attirés par des trafiquants de drogue pour essayer le cannabis : après l’avoir essayé, ils deviennent dépendants, ce qui les conduit finalement à être associés à de nombreuses activités criminelles. Pendant tout ce temps, ils souffrent d’hallucinations, sombrent dans la folie, se suicident. Le film a été réalisé par Louis J. Gasnier et mettait en scène un casting d’acteurs inconnus.

Initialement financé par un groupe religieux sous le titre Tell Your Children, le film était destiné à être montré aux parents comme un conte moral visant à leur enseigner les dangers de l’usage de la marijuana. Peu après le tournage, le film fut acquis par le producteur Dwain Esper, qui le remonta pour sa diffusion dans le circuit des films d’exploitation, utilisant des scènes transgressives pour attirer le public tout en évitant la censure sous le prétexte d’une assistance éthique. Le film fut « retrouvé » au début des années 1970 et acquit une nouvelle vie en tant que satire involontaire parmi les défenseurs de la réforme de la politique sur la marijuana. Les critiques l’ont nommé parmi les pires films jamais réalisés, et il a acquis un statut culte au sein de la culture marijuana.

Child Bride (1938)

C’est un film dramatique américain de 1938 réalisé par Harry Revier et produit par Raymond L. Friedgen. Il fut promu comme éducatif dans une tentative de mettre en lumière l’absence de lois interdisant les relations conjugales entre garçons dans de nombreux États.

Le film se déroule dans une ville isolée des Ozarks. En raison d’une scène de baignade nue de la jeune Shirley Mills, alors âgée de 12 ans, il fut véritablement scandaleux à l’époque. Le film contourna la censure sur la nudité à l’écran en prétendant être éducatif. Il fut interdit dans de nombreuses localités, sa nature controversée lui conféra une réputation morbide, et il circula pendant de nombreuses années dans le circuit d’exploitation.

Mon and Dad (1945)

C’est un long métrage de 1945 réalisé par William Beaudine et principalement produit par le réalisateur d’exploitation et conférencier Kroger Babb. Il est considéré comme le film le plus efficace dans sa catégorie de films sur la « santé sexuelle ». Il fit face à de nombreuses difficultés juridiques et fut condamné par la National Legion of Decency, puis, de manière incroyable, devint l’un des films les plus rentables des années 1940. Le film est considéré comme un film d’exploitation car il fut remonté avec du matériel choc créé pour promouvoir une valeur éducative, contournant ainsi les lois américaines sur la censure. La commercialisation du film par Babb complétait les programmes de médecine traditionnelle, qui à l’époque étaient promus par des tournées, des films, du théâtre. Ces films éducatifs formèrent un modèle pour les travaux ultérieurs et ont été imités par des cinéastes modernes. 

She Shoulda Said No! (1949)

C’est un film d’exploitation de 1949 qui suit l’esprit des films éducatifs tels que les films de 1936 Reefer Madness et Marihuana. Réalisé par Sam Newfield (sous le pseudonyme « Sherman Scott ») et mettant en vedette Lila Leeds, il fut initialement produit pour tirer profit des arrestations de Leeds et de Robert Mitchum pour des accusations de trafic de cannabis. Le film fut distribué sous de nombreux titres ; il fut difficile de trouver un distributeur jusqu’à ce que le distributeur Kroger Babb obtienne les droits, le rééditant sous le titre The Story of Lila Leeds and Her Exposé of the Marijuana Racket. Son succès relatif survint peu après que les affiches publicitaires furent refaites et qu’une publicité annonçait que le film était réalisé en partenariat avec le Trésor des États-Unis.

The Wild One (1953)

Il s’agit d’un film d’exploitation criminelle américain de 1953 réalisé par László Benedek et produit par Stanley Kramer. Le film est connu pour le personnage de Johnny Strabler, interprété par Marlon Brando, dont le personnage est devenu une icône culturelle des années 1950. The Wild One est considéré comme le premier film sur les voyous à moto et le premier à analyser la violence des gangs de motards américains. Le casting secondaire comprend Lee Marvin dans le rôle de Chino, le chef violent du gang de motards ‘The Beetles’.

Le scénario du film est basé sur la nouvelle de Frank Rooney intitulée « Cyclists’ Raid », publiée dans Harper’s Magazine en janvier 1951. L’histoire de Rooney a été influencée par les nouvelles sensationnelles d’un rassemblement de la American Motorcyclist Association lors du week-end du 4 juillet 1947 à Hollister, en Californie. La surpopulation, les arrestations et l’augmentation de la consommation d’alcool ont attiré l’attention nationale, avec une photo publiée dans les journaux montrant un garçon ivre sur une moto. 

Motorpsycho (1965)

Il s’agit d’un film d’exploitation de 1965 de Russ Meyer sur les thèmes du sexe et de la violence qui se concentre sur un gang de motards masculins, contrairement au gang féminin de danseuses go-go inclus dans Faster, Pussycat!. Motorpsycho est important car il figure parmi les premières représentations d’un personnage de vétéran du Vietnam perturbé. L’histoire inclut un vétérinaire dont la femme est violée par un gang de motards dirigé par un vétéran du Vietnam vicieux. Après que le gang tue un vieil homme, sa femme fait équipe avec le vétérinaire pour retrouver le gang.

Hells Angels on Wheels (1967)

C’est un film d’exploitation américain de motards de 1967 réalisé par Richard Rush et mettant en vedette Adam Roarke, Jack Nicholson et Sabrina Scharf. Le film raconte l’histoire d’un employé de station-service qui découvre que la vie est plus excitante après avoir rencontré un membre du club de motards Hells Angels.

Les Angels rencontrent pour la première fois « Poet » (Jack Nicholson) après que l’un d’eux ait accidentellement endommagé sa moto et cassé son phare. Poet, avec beaucoup plus de courage que de cervelle, défie l’Angel qui a frappé sa moto. C’est un acte qui conduirait typiquement chaque angel présent à participer à une vengeance de gang contre l’agresseur. « Quand un non-angel frappe un angel, tous les angels ripostent. » Le chef des Angels, Buddy (Adam Roarke), informe Poet que les Angels vont changer le phare. En attendant, il est invité à rouler avec eux pendant qu’ils « travaillent » : ils vont dans un bar pour tabasser des membres d’un autre club qui avaient précédemment agressé un angel.

The Wild Angels (1966)

C’est un film d’exploitation de 1966 sur un motard criminel américain produit et réalisé par Roger Corman. Tourné en Californie du Sud, The Wild Angels fut le premier film à associer la star Peter Fonda à la culture contre-culturelle des Harley-Davidson et des motards des années 1960. Il a inspiré le genre du film de motards qui s’est poursuivi jusqu’au début des années 1970.

The Wild Angels met en vedette Fonda dans le rôle du personnage fictif Hells Angels San Pedro, président du club californien « Heavenly Blues » (ou « Blues »), Nancy Sinatra en tant que sa petite amie, Bruce Dern en tant que voyou condamné « le sous-champion », et la vraie épouse de Dern à l’époque, Diane Ladd, dans le rôle de la Femme du Perdant. De petits rôles secondaires sont joués par Michael J. Pollard et Gayle Hunnicutt, membres des Hells Angels de Venice, Californie. Des membres du club de motards Coffin Cheaters sont également apparus.

Les Nés Perdants (1967)

C’est un film d’exploitation de 1967 sur des motards criminels américains. Le film met en vedette Tom Laughlin dans le rôle de Billy Jack, vétéran du Vietnam à moitié indien et béret vert. Depuis 1954, Laughlin tentait de produire son propre scénario de Billy Jack sur la discrimination envers les Indiens d’Amérique. Dans les années 1960, il choisit d’intégrer le personnage de Billy Jack dans un scénario rapidement écrit, créé pour exploiter le schéma alors populaire des films sur les gangs de motards. L’histoire est basée sur un événement réel de 1964 où des membres des Hells Angels furent arrêtés pour le viol de deux adolescentes à Monterey, Californie. 

Anges de l’Enfer (1968)

C’est un film d’action d’exploitation de 1968 réalisé par Bruce Kessler et mettant en vedette Tom Stern et Arlene Martel. Ce fut le tout premier film produit par Fanfare Films de Joe Solomon, une société que Solomon avait créée avec les recettes de 3 films précédents sur les cyclistes. Le film a été tourné à Bakersfield, Californie. Le scénario du film a été écrit par Jerome Wish et la musique utilisée provient de The Peanut Butter Conspiracy et The Lollipop Shoppe. Sonny Barger, président du chapitre des Hells Angels d’Oakland, Californie, est crédité comme expert de l’histoire.

Easy Rider (1969)

C’est un film indépendant de 1969, un drame d’exploitation sur la culture de la drogue américaine écrit par Peter Fonda, Dennis Hopper et Terry Southern, produit par Fonda et réalisé par Hopper. Fonda et Hopper jouent deux motards qui entreprennent un road trip à travers le Sud-Ouest et le Sud des États-Unis, transportant les recettes d’un approvisionnement en drogue. Le succès d’Easy Rider a contribué à stimuler l’ère cinématographique du New Hollywood au début des années 70.

Film contre-culturel générationnel et fondamental qui a capté l’attention mondiale, Easy Rider explore le paysage social, les problèmes et les tensions des adolescents aux États-Unis dans les années 1960, la croissance du mouvement hippie, l’abus de drogues et le mode de vie des communes hippies. Sorti par Columbia Pictures le 14 juillet 1969, Easy Rider a rapporté 60 millions de dollars dans le monde avec un budget de tournage ne dépassant pas 400 000 dollars. Les critiques ont salué les acteurs, la réalisation, le montage, la musique et les visuels. Il a reçu 2 nominations aux Oscars pour le Meilleur scénario original et le Meilleur acteur dans un second rôle (Jack Nicholson).

Satan’s Sadists (1969)

Il s’agit d’un film d’exploitation criminelle américain de 1969 réalisé par Al Adamson et mettant en vedette Russ Tamblyn. L’intrigue tourne autour d’un gang de motards criminels appelé les « Satans », qui parcourent les déserts du Sud-Ouest américain. Le chef du gang se fait appeler Anchor, et les autres membres sont Firewater, Acid, Muscle, Willie, Romeo et Gina. Le gang rencontre deux petits amis qu’ils attaquent : ils battent l’homme et violent la femme. Ils les tuent ensuite tous les deux et jettent leur voiture, avec eux à l’intérieur, d’une falaise.

Naked Angels, 1969

C’est un film d’exploitation américain de 1969 sur des motards voyous, réalisé par Bruce D. Clark. Avec Michael Greene dans le rôle de Mother, Jennifer Gan dans celui de Marlene, et Richard Rust dans celui de Fingers, il offre une perspective experte sur le mode de vie des cyclistes bandits. Naked Angels fut le dernier film distribué par Favorite Films. L’histoire raconte une bagarre mortelle entre deux gangs de motards rivaux. Les Angels cherchent à se venger de leur gang concurrent, les Las Vegas Hotdoggers, qui ont sévèrement battu leur chef, Mother (Michael Greene). Marlene (Jennifer Gan) est devenue la propriété de Fingers (Richard Rust), le nouveau chef du clan. Lorsque Mother revient, elle reprend rapidement la direction du gang et les droits sur la blonde Marlene.

The Sidehackers (1969)

Il s’agit d’un film d’action d’exploitation américain de 1969 sur les courses de motos. Chaque moto est équipée d’un side-car mais sans parois latérales ni siège, dans lequel un passager vole et se penche d’un côté ou de l’autre lors des virages. Les crédits remercient la « Southern California Sidehack Association » ; le sidehacking est aussi appelé sidecarcross ou « motocross avec side-car ». Le film se concentre sur Rommel, un mécanicien dans un centre de service moto qui travaille aux côtés de son partenaire Luke et pratique la course de sidehack. Lui et sa petite amie Rita essaient de se marier. Un jour au travail, elle rencontre JC, un artiste irritable, et son équipe, lorsqu’il amène sa moto pour une réparation. Il voit une moto sidehack dans l’atelier et l’apprécie. Rommel le rejoint pour un événement sidehack le week-end.

The Losers (1970)

C’est un film d’exploitation américain de guerre de 1970 réalisé par Jack Starrett. L’intrigue inclut un gang de motards de type Hells Angels appelé « The Devil’s Advocates » associé à la guerre du Vietnam. Ils sont envoyés dans la jungle cambodgienne sur des motos Yamaha pour sauver un diplomate américain / agent de la CIA, Chet Davis. Le gang de motards est dirigé par Link Thomas, un vétéran du Vietnam et frère d’un major de l’armée qui les a engagés. Son gang comprend Duke, également vétéran du Vietnam, Limpy, Speed et un autre vétéran du Vietnam, Dirty Denny. Ils sont sous les ordres du capitaine de l’armée Jackson.

CC and Company (1970)

C’est un film d’exploitation américain de 1970 sur les motards, réalisé par Seymour Robbie. Il met en vedette Joe Namath dans le rôle du cycliste CC Ryder, Ann-Margret en tant que journaliste Ann, et William Smith dans le rôle de Moon, le chef du club de cyclistes hooligans ‘Heads Company’. Le film présente également le chanteur Wayne Cochran et le groupe The CC Riders. CC Ryder rencontre un gang de motards dans le désert, puis sauve Ann des ennuis avec ce même gang. Une course de motocross a lieu ensuite. Les Chiefs perturbent l’événement, mais CC Ryder participe à la course pour gagner la faveur d’Ann. Cela le met en conflit avec Moon. Et Ryder doit revenir la sauver lorsque, après avoir quitté la course et gagné l’argent du prix, le gang kidnappe Ann.

Cotton Comes to Harlem (1970)

C’est un thriller d’exploitation américain de 1970 réalisé par Ossie Davis et mettant en vedette Godfrey Cambridge, Raymond St. Jacques et Redd Foxx. Le film, plus tard cité comme un exemple précoce de la catégorie blaxploitation, est basé sur le livre du même nom de Chester Himes. La chanson d’ouverture, « Ain’t Now But It’s Gon na Be », a été composée par Ossie Davis et interprétée par Melba Moore. Le film faisait partie des nombreux films noirs qui sont apparus dans les années 1970 et est devenu un succès lors des projections nocturnes. Il a été suivi deux ans plus tard par la suite Come Back, Charleston Blue.

Sweet Sweetback’s Baadasssss Song (1971)

C’est un film d’exploitation blaxploitation américain de 1971 écrit, coproduit, monté, réalisé et interprété par Melvin Van Peebles. Son fils Mario Van Peebles apparaît également dans un petit rôle, jouant le personnage principal enfant. Le film raconte l’histoire picaresque d’un garçon noir qui s’enfuit des policiers blancs.

Van Peebles a commencé à développer le film après avoir obtenu un contrat de trois films avec Columbia Pictures. Aucun studio n’a voulu financer le film, alors Van Peebles l’a produit lui-même, tournant pendant 19 jours, réalisant toutes ses cascades et apparaissant dans de nombreuses scènes sexuelles, certaines apparemment non simulées. Il a contracté un prêt de 50 000 $ auprès de Bill Cosby pour finaliser l’accord. Les montages frénétiques et les jump-cuts du film étaient des caractéristiques typiques du cinéma américain de l’époque. Le film a été censuré dans certains marchés et a reçu des critiques mitigées, mais il a marqué le cinéma américain.

L’arrangement musical de Baadasssss Song dans Sweet Sweetback a été réalisé par Earth, Wind & Fire. Van Peebles n’avait pas d’argent pour le marketing, alors il a lancé l’album de la bande originale avant la sortie du film pour promouvoir celui-ci. Le film n’a été projeté que dans 2 cinémas aux États-Unis. Il a ensuite rapporté 15,2 millions de dollars au box-office et a révélé à Hollywood que les films mettant en scène des Noirs « militants » pouvaient être extrêmement rentables, ce qui a conduit au développement de la catégorie blaxploitation.

Shaft (1971)

C’est un film d’exploitation américain d’action criminelle de 1971 réalisé par Gordon Parks et écrit par Ernest Tidyman et John DF Black. Il s’agit d’une adaptation du livre éponyme de Tidyman et constitue le premier volet de la série de films Shaft. L’intrigue se concentre sur un détective privé nommé John Shaft qui collabore avec un mafieux de Harlem pour sauver sa fille des gangsters italiens qui l’ont kidnappée. Le film met en vedette Richard Roundtree dans le rôle de Shaft, aux côtés de Moses Gunn, Charles Cioffi, Christopher St. John et Lawrence Pressman.

Le film aborde des thèmes liés au mouvement Black Power, à la masculinité, à la sexualité et à la race. Il a été tourné à Harlem, Greenwich Village et Times Square dans l’arrondissement de Manhattan à New York. La bande originale de Shaft, enregistrée par Isaac Hayes, a également rencontré un grand succès, remportant un Grammy Award de la meilleure musique originale écrite pour un film ainsi qu’un second Grammy pour le meilleur arrangement instrumental. Le « Theme from Shaft » a remporté l’Oscar de la meilleure chanson originale, faisant de lui le premier homme noir à recevoir cette récompense.

Super Fly (1972)

C’est un film d’exploitation criminelle néo-noir américain de 1972 réalisé par Gordon Parks Jr. et mettant en vedette Ron O’Neal dans le rôle de Youngblood Priest, un trafiquant de drogue afro-américain qui tente de quitter le milieu criminel. Le film est célèbre pour sa bande originale, composée et produite par l’artiste soul Curtis Mayfield. O’Neal a repris son rôle de Youngblood Priest dans le film de 1973 Super Fly TNT qu’il a également réalisé. Le producteur Sig Shore a réalisé une deuxième suite, The Return of Superfly, sortie en 1990, avec Nathan Purdee dans le rôle de Priest. Un remake a été lancé en 2018.

Blacula (1972)

C’est un film d’horreur américain de 1972 appartenant au sous-genre blaxploitation, réalisé par William Crain. Il met en vedette William Marshall dans le rôle principal d’un prince africain du XVIIIe siècle nommé Mamuwalde, qui est devenu un vampire dans le château du comte Dracula en Transylvanie en 1780, après que Dracula ait refusé d’aider Mamuwalde à lutter contre la traite des esclaves.

Blacula a reçu des critiques mitigées à sa sortie, mais a été l’un des films les plus rentables de l’année. Il a été le premier film à recevoir un prix du meilleur film d’horreur aux Saturn Awards. Blacula a été suivi par la suite Scream Blacula Scream en 1973 et a influencé une vague de films d’horreur à thème blaxploitation.

Man from the Deep River (1972)

C’est un film d’exploitation cannibale italien de 1972 réalisé par Umberto Lenzi et mettant en vedette Ivan Rassimov, Me Lai et Pratitsak Singhara. Il marque le début du « boom cannibale » du cinéma d’exploitation italien à la fin des années 70 et au début des années 80. On pense que Lenzi tentait d’imiter le genre Mondo Cinema, qui avait rencontré un certain succès dans les cinémas Grindhouse depuis que Gualtiero Jacopetti et Paolo Cavara avaient réalisé Mondo Cane en 1962, bien que ce film soit basé sur une fiction. Le film et son titre ont été influencés par A Man Called Horse, qui mettait également en scène un garçon blanc intégré à un peuple qui le retenait initialement en otage.

The Mack (1973)

C’est un film d’exploitation blaxploitation américain de 1973 réalisé par Michael Campus, avec Max Julien et Richard Pryor. Le film met également en vedette la nominée aux Oscars Juanita Moore et l’acteur Anthony Williams. Tourné à Oakland, en Californie, le film suit Goldie, qui revient d’une peine de prison de cinq ans pour découvrir que son frère est associé au nationalisme noir. Goldie choisit de suivre une voie alternative, s’engageant à devenir le plus grand proxénète de la ville.

Les critiques furent faibles à la sortie, mais The Mack fut plus tard considéré par de nombreux critiques comme le meilleur film de sa catégorie. Le film est classé comme un blaxploitation, cependant Michael Campus, Max Julien et d’autres associés à sa production ont soutenu que cette étiquette de genre simplifie à l’excès le film. La bande originale du film a été enregistrée sur bande par l’artiste Motown Willie Hutch.

Willie Dynamite (1973)

C’est un film d’exploitation du sous-genre blaxploitation américain de 1973 réalisé par Gilbert Moses et mettant en vedette Roscoe Orman, Diana Sands, Thalmus Rasulala, Joyce Walker, et distribué par Universal Pictures. Le personnage éponyme Willie Dynamite est un proxénète de New York qui veut être le meilleur en ville, tandis qu’une assistante sociale nommée Cora tente de changer ses méthodes ainsi que celles des femmes qui travaillent pour lui. 

Deranged : Confessions d’un nécrophile (1974)

C’est un film d’exploitation d’horreur psychologique de 1974 réalisé par Alan Ormsby et Jeff Gillen avec Roberts Blossom en vedette. L’intrigue, vaguement basée sur les activités criminelles d’Ed Gein, suit Ezra Cobb, un homme d’âge moyen dans un quartier rural du Midwest qui commence une série de meurtres en série après la mort de sa mère, une fanatique spirituelle qui l’a élevé en misogyne. Basé sur le tueur en série Gein, le titre du film est trompeur puisque Gein n’a jamais exploré la nécrophilie. Financé par un promoteur américain avec un petit budget, la production a eu lieu à Oshawa, en Ontario, durant l’hiver 1973 avec une équipe et un casting majoritairement canadiens. Le film fut considéré comme perdu à sa sortie en 1974 ; cependant, il fut retrouvé en Floride au milieu des années 1990 et fut ensuite distribué en vidéo domestique.

Stone (1974)

C’est un film australien d’exploitation sur les motards hooligans de 1974 écrit, réalisé et produit par Sandy Harbutt. C’est un film à petit budget produit par Hedon Productions. Le détective Stone s’infiltre dans le gang de motards GraveDiggers pour découvrir qui tue leurs membres, un par un. Le film met en vedette Ken Shorter et inclut Rebecca Gilling, Bill Hunter et Helen Morse. La musique du film a été composée par Billy Green et inclut certains membres de son groupe Sanctuary. Parmi les motos présentes figure la célèbre Kawasaki Z1. Le film a été présenté dans le documentaire Not Quite Hollywood, dans lequel Quentin Tarantino fait l’éloge du film. Le cascadeur australien Peter Armstrong a établi un record du monde en sautant à moto d’une falaise de 80 pieds pour tomber tête la première dans la mer.

Foxy Brown (1974)

C’est un film américain de blaxploitation de 1974 écrit et réalisé par Jack Hill. Il met en vedette Pam Grier dans le rôle du personnage principal qui poursuit un gang de trafiquants de drogue blancs ayant tué son amant. Le film a été distribué par American International Pictures en double programme avec Truck Turner. Le film utilise la mode afro-américaine dans ses vêtements et coiffures. Grier a joué dans 6 films de blaxploitation pour American International Pictures.

Sugar Hill (1974)

C’est un film américain de blaxploitation zombie de 1974 réalisé par Paul Maslansky et mettant en vedette Marki Bey dans le rôle principal, qui utilise le vaudou pour se venger des responsables de la mort de son compagnon. Il a été lancé par American International Pictures. Selon le film, les zombies sont les corps de serviteurs amenés aux États-Unis depuis la Guinée. Le studio de production avait auparavant intégré les catégories horreur et blaxploitation avec Blacula (1972) et sa suite Scream Blacula Scream (1973).

Black Christmas (1974)

C’est un film d’exploitation slasher canadien de 1974 produit et réalisé par Bob Clark et écrit par A. Roy Moore. Au casting : Olivia Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, Andrea Martin, Lynne Griffin et John Saxon. L’histoire suit un groupe de sœurs qui reçoivent un appel menaçant et sont finalement traquées par un tueur psychopathe pendant la période de Noël.

Influencé par une série de meurtres qui ont eu lieu dans le quartier de Westmount à Montréal, Québec, Moore a écrit le scénario du film intitulé Stop Me. Les cinéastes ont apporté diverses modifications au script, principalement en le situant dans un cadre universitaire avec de jeunes personnages. Il a été tourné à Toronto en 1974 avec un budget de 620 000 $ et a été distribué par Warner Bros. en Amérique du Nord.

À sa sortie, Black Christmas a reçu des critiques mitigées, mais a en réalité bénéficié d’une réévaluation cruciale, les historiens du cinéma le saluant comme l’un des premiers films slasher. Il est également applaudi pour son impact sur Halloween (1978) de John Carpenter. En plus de devenir un film culte après sa sortie, un roman écrit par Lee Hays a été publié en 1976. C’est le tout premier film de la série Black Christmas, suivi de 2 remakes en 2006 et 2019. Le film a acquis une reconnaissance rétroactive et est en fait considéré parmi les meilleurs films d’horreur jamais réalisés.

Mandingo (1975)

C’est un film d’exploitation et un film historique centré sur la traite atlantique des esclaves dans le Sud. Le titre du film décrit les individus Mandinka, appelés « Mandingos » et considérés comme d’excellents serviteurs. Produit par Dino De Laurentiis pour Paramount Pictures, le film a été réalisé par Richard Fleischer. Le scénario du film, écrit par Norman Wexler, est adapté du roman Mandingo de 1957 de Kyle Onstott et de la pièce Mandingo de 1961 de Jack Kirkland.

Le film met en vedette Perry King dans le rôle de Hammond, le fils du terrible serviteur Warren Maxwell (James Mason). On dit que Hammond a violé les bonnes de la plantation de son père, et ce dernier lui ordonne d’épouser une femme blanche afin d’avoir des petits-enfants sans ascendance noire. Hammond épouse Blanche (Susan George), sa cousine, qui devient jalouse car il accorde plus d’attention à sa maîtresse noire Ellen (Brenda Sykes) qu’à sa femme, ce qui pousse Blanche à séduire le domestique Mandingo Mede (Ken Norton).

Mandingo a reçu des critiques défavorables à sa sortie. Avec le recul, la réception du film s’est avérée bien plus bénéfique. Il a en fait été perçu comme un film d’exploitation à gros budget produit par un grand studio, un film sombre sur l’esclavage américain, analysant les peurs historiques. Ce fut un succès au box-office et il a été suivi d’une suite, Drum (1976), avec Norton dans un rôle différent et Warren Oates dans le rôle de Hammond.

Coonskin (1975)

C’est un film d’exploitation satirique criminel américain pour adultes de 1975, écrit et réalisé par Ralph Bakshi. La narration du film met en scène trois personnages anthropomorphes : Oncle Remus, Frère Lapin, Prêcheur Renard et Frère Ours. Ils accèdent au sommet du racket de la mafia de Harlem, aidés par la police corrompue, l’arnaque et la mafia, dans une satire à la fois du racisme au sein du système cinématographique hollywoodien et de l’Amérique elle-même. Le film met en vedette Philip Thomas, Charles Gordone, Barry White et Scatman Crothers, apparaissant à la fois dans la série animée et en prises de vues réelles.

Coonskin a suscité un débat avant sa sortie en salles lorsque le Congress of Racial Equality a affirmé que le film était raciste. Lors de sa sortie, Bryanston lui a offert une diffusion minimale et il a initialement reçu des critiques mitigées. Plus tard ressorti sous les titres Bustin’ Out et Street Fight, Coonskin a été réévalué, contextualisant le film comme une condamnation du racisme plutôt qu’une histoire raciste. 

Black Shampoo (1976)

C’est un film d’exploitation américain réalisé par Greydon Clark. Sorti en 1976, le film est considéré comme un exemple des sous-genres blaxploitation et sexploitation du film d’exploitation. Produit avec un budget de 50 000 $, le film met en vedette John Daniels dans le rôle de Jonathan Knight, un entrepreneur afro-américain et coiffeur qui couche régulièrement avec ses clientes principalement blanches, et Tanya Boyd dans le rôle de Brenda, la secrétaire et petite amie de Jonathan, qui était auparavant en couple avec un employeur mafieux blanc, lequel, par jalousie de la nouvelle maîtresse de son ex, commence à envoyer régulièrement des voyous pour vandaliser le magasin de Jonathan. La violence s’intensifie au fil du film.

Clark a délibérément choisi de ne pas réaliser un film incluant les archétypes de personnages que l’on trouve généralement dans les films blaxploitation, tels que les proxénètes, les détectives privés ou les trafiquants de drogue, et a décidé de faire un film dans lequel un entrepreneur afro-américain serait le protagoniste, au lieu de plusieurs personnages stéréotypés du blaxploitation. Le scénario du film, écrit par Clark et Alvin Fast, a été décrit par Clark comme un mélange de sexe, de violence et de divertissement. Clark a puisé sa motivation dans le film Shampoo de 1975. Ce film est un exemple de réalisation de type blaxploitation dans lequel un film populaire antérieur mettant en vedette principalement des acteurs blancs est imité par une distribution afro-américaine. 

Last Cannibal World (1977)

Il s’agit d’un film d’exploitation cannibale italien de 1977 réalisé par Ruggero Deodato et écrit par Tito Carpi, Gianfranco Clerici et Renzo Genta. Avec Massimo Foschi, Me Lai et Ivan Rassimov, l’intrigue suit un garçon qui tente de s’échapper d’une île jungle habitée par des cannibales. C’est le précurseur du célèbre Cannibal Holocaust (1980) de Deodato, cependant il était initialement prévu que le film soit réalisé par Umberto Lenzi en tant que suite de son film cannibale de 1972 Man from Deep River. Bien que non poursuivi pour obscénité, le film a été saisi au Royaume-Uni.

La Malédiction de Cathy (1977)

C’est un film d’exploitation d’horreur surnaturelle de 1977 réalisé par Eddy Matalon et mettant en vedette Alan Scarfe, Beverly Murray et Randi Allen. Le film suit une jeune fille possédée par l’esprit de sa tante décédée. Une coproduction entre le Canada et la France, il a été tourné dans le quartier de Westmount et à Montréal, Québec. Le film a été critiqué à sa sortie, avec de nombreuses scènes copiées d’autres films de ces années, notamment L’Exorciste et Carrie, avant de devenir un classique culte.

Rabid (1977)

Il s’agit d’un film d’exploitation d’horreur indépendant de 1977 écrit et réalisé par David Cronenberg. Coproduction du Canada et des États-Unis, le film met en vedette Marilyn Chambers, avec le soutien de Frank Moore, Joe Silver et Howard Ryshpan. Chambers joue le rôle d’une femme qui, après avoir été blessée dans un accident de moto et avoir subi une opération, découvre un orifice sous son aisselle cachant un dard phallique/clitoridien qu’elle utilise pour sucer le sang des gens. Ceux dont elle se nourrit sont contaminés. Leur morsure propage la maladie et déclenche d’importantes émeutes débutant dans le Québec rural pour finir à Montréal. 

The Brood (1979)

Il s’agit d’un film d’exploitation d’horreur canadien de 1979 écrit et réalisé par David Cronenberg et mettant en vedette Oliver Reed, Samantha Eggar et Art Hindle. L’intrigue suit un homme et son ex-femme souffrant de troubles mentaux, qui a été kidnappée par un psychiatre connu pour ses méthodes de traitement controversées. Une série de meurtres impitoyables non résolus forme le contexte de l’histoire principale. Écrit par Cronenberg après son divorce, le scénario du film est une méditation sur une relation brisée dans un couple partageant un enfant, avec Eggar et Hindle jouant des alter ego de lui-même et de son ex-femme. The Brood a connu un succès commercial en rapportant plus de 5 millions de dollars. Initialement bien accueilli par la critique, il est devenu un film culte au fil des années. Le film a suscité l’intérêt pour ses thèmes de troubles mentaux et de parentalité. 

Disco Godfather (1979)

C’est un film d’exploitation d’action américain de 1979 mettant en vedette Rudy Ray Moore et Carol Speed, réalisé par J. Robert Wagoner et distribué par Transvue Pictures. Souvent perçu comme un film de blaxploitation, l’intrigue se concentre sur le personnage de Moore, Tucker Williams, un policier à la retraite qui dirige une boîte de nuit et tente de faire tomber le dealer local d’angel dust après que son neveu Bucky, (Julius Carry) ait été touché par la drogue. La déclaration d’une toxicomane à l’angel dust affirmant qu’elle a cuisiné son propre bébé pour le dîner de Pâques est une variation du mythe urbain appelé « The Baby-Roast ».

Prom Night (1980)

C’est un film d’exploitation slasher de 1980 réalisé par Paul Lynch et écrit par William Gray. Avec Jamie Lee Curtis et Leslie Nielsen. L’intrigue suit un groupe d’élèves de lycée ciblés lors de leur bal de promo par un tueur masqué, cherchant à se venger de la mort accidentelle d’une fille survenue six ans plus tôt. Le film comprend des rôles secondaires de Casey Stevens, Eddie Benton, Mary Beth Rubens et Michael Tough. 

Le film est sorti le 18 juillet 1980 dans certains cinémas et a rencontré un succès immédiat, battant par la suite des records de week-end à Los Angeles, Philadelphie et en Nouvelle-Angleterre. À la fin de sa sortie en salles, le film avait rapporté 15 millions de dollars aux États-Unis et était le film d’horreur le plus rentable du Canada en 1980. La critique a été mitigée et négative en raison de ses représentations de la violence contre les filles. Prom Night a reçu plusieurs distinctions majeures, notamment des nominations aux Genie Awards pour le montage et pour le rôle principal de Jamie Lee Curtis. Certains spécialistes du cinéma ont cité Prom Night comme l’un des slashers les plus remarquables.

Cannibal Holocaust (1980)

C’est un film d’horreur cannibale italien de 1980 sur le cannibalisme réalisé par Ruggero Deodato et écrit par Gianfranco Clerici. Il met en vedette Robert Kerman dans le rôle de Harold Monroe, un anthropologue de l’Université de New York qui dirige une équipe de secours dans la jungle amazonienne pour retrouver une équipe de cinéastes. Avec Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen et Luca Barbareschi, l’équipe s’est perdue en tournant un documentaire sur les cannibales locaux. Lorsque l’équipe de secours parvient à récupérer les bobines perdues, un diffuseur américain souhaite diffuser la vidéo comme un reportage télévisé sensationnel. Après avoir visionné les bobines, Monroe est horrifié par l’intention de la télévision de diffuser le documentaire.

Produit dans le cadre du cinéma d’exploitation cannibale italien moderne, Cannibal Holocaust a été influencé par la couverture médiatique italienne du terrorisme des Brigades rouges que Deodato considérait comme mise en scène, un concept qui est devenu un élément important de l’histoire du film. Des éléments supplémentaires de l’intrigue ont été influencés par les documentaires du réalisateur de Mondo Gualtiero Jacopetti, comprenant des discussions sur les images perdues par l’équipe documentaire, qui constituent environ la moitié du film. Le traitement de cette vidéo, connue pour son réalisme visuel, a innové le style found footage au cinéma, style qui sera plus tard utilisé par The Blair Witch Project. Cannibal Holocaust a été principalement tourné dans la forêt amazonienne de Colombie avec une distribution indigène jouant aux côtés d’acteurs américains et italiens principalement non professionnels engagés à New York.

Cannibal Holocaust a acquis un prestige en raison de la violence qui a suscité de nombreux débats. Après sa sortie en Italie, il a été bloqué par un magistrat et Deodato a été arrêté pour outrage aux bonnes mœurs. Il a ensuite été accusé de plusieurs chefs de meurtre en raison de rapports selon lesquels de nombreux acteurs auraient été tués devant la caméra. Deodato a été acquitté de ces accusations, mais le film a été interdit en Italie, en Australie et dans plusieurs autres pays en raison de scènes d’abus sexuels et d’abus sur des animaux réels. La réception du film a été mitigée, bien qu’il ait en réalité acquis un statut culte. L’intrigue et la violence du film ont été considérées comme une métaphore du journalisme, de l’exploitation des pays sud-américains et de la distinction entre pays non occidentaux et occidentaux, mais ces analyses ont également été critiquées.

Cannibal Ferox (1981)

C’est un film d’horreur d’exploitation italien de 1981 écrit et réalisé par Umberto Lenzi. Lors de sa sortie, le distributeur américain du film a déclaré qu’il s’agissait du « film le plus violent jamais réalisé ». Cannibal Ferox a également été déclaré « interdit dans 31 pays », bien que cette affirmation soit douteuse. 

My Bloody Valentine (1981)

C’est un film d’exploitation slasher canadien de 1981 réalisé par George Mihalka et écrit par John Beaird. Au casting Paul Kelman, Lori Hallier et Neil Affleck. L’intrigue montre un groupe de jeunes hommes qui choisissent d’organiser une fête de la Saint-Valentin, ce qui ne fait qu’attiser la rage cruelle d’un maniaque armé d’équipements miniers qui se lance dans une série de meurtres. Le film a été tourné dans la région de Sydney Mines en Nouvelle-Écosse à l’automne 1980. Il est sorti en salles le 11 février 1981 par Paramount Pictures, en célébration de la fête de la Saint-Valentin. 

Malgré une réaction mitigée des critiques et un box-office de 5,7 millions de dollars, le film a établi un large public culte pendant de nombreuses années depuis sa sortie. My Bloody Valentine a fait face à la censure avec un total de 9 minutes coupées par la Motion Picture Association of America en raison de la quantité de violence et de gore. Le coproducteur Dunning a confirmé que la version intégrale du film existait toujours et a essayé de la proposer, mais cela s’est avéré difficile car Paramount Pictures a refusé de fournir une version non censurée. 

Cannibal Women in the Avocado Jungle of Death (1988)

C’est une comédie américaine d’exploitation réalisée par JF Lawton et mettant en vedette Shannon Tweed et Bill Maher. Le film traite de nombreux thèmes de la culture populaire et de modèles sociaux, comprenant le féminisme, les films de série B, les acteurs, les figures politiques et les écrivains, centré autour d’une satire de Heart of Darkness de Joseph Conrad datant de 1899. Ce fut le premier long métrage réalisé par le scénariste JF Lawton, également auteur de Pretty Woman, Under Siege et sa suite.

Ghostkeeper (1981) 

Il s’agit d’un film d’exploitation slasher surnaturel canadien de 1981 réalisé par James Makichuk et mettant en vedette Riva Spier, Georgie Collins et Murray Ord. L’intrigue tourne autour d’un trio de motoneigistes dans les Rocheuses canadiennes qui se retrouvent bloqués dans un hôtel désert où le vieux gardien cache une entité maléfique dans l’établissement. Le film est influencé par la légende du Windigo en Amérique du Nord.

Tourné à Banff, en Alberta, en décembre 1980, le film a rencontré une situation monétaire instable et les cinéastes ont failli arrêter la production à mi-chemin en raison de l’épuisement du budget. Le film a bénéficié d’une distribution mineure au Canada et aux États-Unis et est donc méconnu des amateurs de films d’horreur, mais a en effet acquis un statut culte au fil des années.

Highpoint (1982)

est un film d’exploitation canadien d’action, comédie et thriller de 1982 réalisé par Peter Carter et mettant en vedette Richard Harris, Christopher Plummer et Beverly D’Angelo. Le film a été tourné à Montréal et Toronto, et est mémorable pour son final au sommet de la Tour CN, où le cascadeur Dar Robinson effectue une chute libre de 700 pieds, protégé uniquement par un parachute caché.

Le film a connu une post-production difficile et prolongée. Initialement tourné en 1979 comme un thriller comique dans la veine de North by Northwest, le film a été mis de côté pendant 2 ans. Il a eu une sortie minimale en Europe en 1982. En raison d’une réception critique défavorable et d’un public qui n’a pas apprécié son intrigue complexe et son rythme, le film a été remonté par le distributeur nord-américain New World Pictures. Cette version a été diffusée en salles en 1984 et a servi de base pour les futures sorties en vidéo domestique.

Curtains (1983)

Il s’agit d’un film d’exploitation slasher canadien de 1983 réalisé par Richard Ciupka et Peter R. Simpson, écrit par Robert Guza Jr. et mettant en vedette John Vernon, Samantha Eggar, Linda Thorson et Lynne Griffin. Situé dans le monde du théâtre et du cinéma, son intrigue se concentre sur un groupe d’actrices qui auditionnent pour un rôle dans un film dans le manoir d’un réalisateur distingué, où elles sont ciblées par un tueur masqué.

Développé par le producteur Peter R. Simpson à la suite des succès au box-office de Prom Night (1980), le film était destiné à être un slasher « adulte » visant un public plus âgé, contrairement aux films grand public de l’époque qui mettaient principalement en scène des adolescents. Le tournage a commencé fin 1980 et a marqué le début d’une production difficile marquée par de nombreuses réécritures et reshoots qui ont duré près de 3 ans. La longue production du film s’est terminée avec Ciupka retirant son nom de l’œuvre.

Le film a eu sa première aux États-Unis et est sorti en salles au Canada l’année suivante, recevant des critiques très défavorables. Un échec total au box-office, le film est finalement devenu un incontournable des émissions télévisées nocturnes. Le film a acquis un statut culte autour des années 2000 grâce à la vidéo à domicile.

American Nightmare (1983)

C’est un film d’exploitation slasher canadien de 1983 réalisé par Don McBrearty et mettant en vedette Lawrence Day, Lora Staley, Lenore Zann, Michael Ironside et Alexandra Paul. Il raconte l’histoire d’un pianiste puissant qui enquête sur la disparition de sa sœur dans une métropole en déclin, tandis qu’un tueur en série cible les femmes de la rue et les prostituées. Le scénario du film de John Sheppard, basé sur une histoire de John Gault et Steven Blake, a été influencé par la montée de la criminalité dans les villes américaines des années 1970 et début 1980.

Le film a été produit par Paul Lynch, qui avait auparavant réalisé Prom Night. Le tournage a eu lieu à Toronto, en Ontario, en 1980 avec un budget de 200 000 $. Le film a d’abord eu une sortie limitée en salles en mars 1983 au Canada avant d’apparaître à la télévision aux États-Unis la même année.

Cannonball (1976)

C’est une comédie et un film d’exploitation américain de 1976 réalisé par Paul Bartel et mettant en vedette David Carradine. Le film fait partie des deux films sortis en 1976 basés sur une course illégale à travers le continent qui a eu lieu pendant plusieurs années aux États-Unis. Le même sujet a ensuite servi de base aux films The Cannonball Run, Cannonball Run II et Speed Zone. Le film a été écrit et réalisé par Paul Bartel, qui a également réalisé Death Race 2000.

Le nom de l’intrigue et du film s’inspire d’Erwin G. « Cannon Ball » Baker, qui a effectué plusieurs voyages aux États-Unis, ainsi que du Cannonball Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash, une course illégale à travers le continent organisée par Brock Yates pour protester contre la limite de vitesse de 55 MPH.

Dead End Drive-In (1986)

C’est un film d’exploitation dystopique sur un couple d’adolescents piégés dans un drive-in qui est en réalité un camp de prisonniers pour le déclin social. Les prisonniers, dont beaucoup arborent un style punk, sont soumis à un régime composé de nourriture malsaine, de musique new age, de drogues et de films d’exploitation. Le film a été réalisé par Brian Trenchard-Smith et met en vedette Ned Manning et Natalie McCurry dans le rôle du couple captif, ainsi que Peter Whitford dans celui du gestionnaire du drive-in. Le cascadeur de Mad Max 2, Guy Norris, a effectué certaines cascades. La bande sonore est composée de musique moderne interprétée par des groupes tels que Kids in the Kitchen et Collectors and Hunters. La chanson des crédits de fin est « Playing With Fire » de Lisa Edwards.

La Fille qui en savait trop (1963)

C’est un film thriller réalisé par le réalisateur italien Mario Bava, avec John Saxon dans le rôle du Dr Marcello Bassi et Letícia Román dans celui de Nora Davis. L’intrigue se concentre sur une jeune fille nommée Nora, qui fait un voyage à Rome et est témoin d’un meurtre. Les policiers et le Dr Bassi ne la croient pas car aucune trace n’est découverte. S’ensuit une série d’autres meurtres de victimes choisies dans l’ordre alphabétique. C’est le premier film de crime, une catégorie cinématographique mêlant sexploitation, thriller et conventions de l’horreur.

Un Lézard dans la peau d’une femme (1971)

C’est un film d’exploitation jaune de 1971 réalisé par Lucio Fulci et produit par Edmondo Amati et Robert Dorfmann. Au casting : Florinda Bolkan, Stanley Baker, Jean Sorel, Leo Genn et Anita Strindberg. Le film est une coproduction italo-espagnole-française. Situé à Londres, le film suit Carol Hammond (Bolkan), fille d’un leader politique réputé, qui traverse une série d’expériences psychédéliques incluant des orgies sexuelles promiscues et l’usage de LSD. Dans un rêve, elle commet le meurtre d’une voisine qu’elle envie.

La Lame du Ripper (1971)

C’est un film mystère réalisé par Sergio Martino et mettant en vedette Edwige Fenech, George Hilton, Ivan Rassimov et Alberto de Mendoza. L’intrigue suit la compagne d’un diplomate qui se retrouve poursuivie par son ancien amant abusif à Vienne. La lettre « h » a été ajoutée au nom « Ward » lorsqu’une Italienne nommée Mme Ward a menacé d’une action en justice, craignant que le titre initial ne détruise sa réputation, juste avant la sortie du film. Le film a été initialement distribué sous le titre Blade of the Ripper aux États-Unis. Il a également été lancé sous les titres alternatifs Next! et The Next Victim.

Le Monstre de Piedras Blancas (1959)

C’est un film de science-fiction américain en noir et blanc de 1959 réalisé par Irvin Berwick, avec Jeanne Carmen, Les Tremayne, John Harmon, Don Sullivan, Forrest Lewis et Pete Dunn. Le Monstre de Piedras Blancas a été influencé par Creature from the Black Lagoon (1954). Kevan, qui avait en fait supervisé la production du costume du Gill-man et s’était occupé des vêtements des Mole People chez Universal-International, a produit le costume du monstre de Piedras Blancas. Kevan a utilisé plusieurs de ses anciens collaborateurs d’Universal sur ce film, notamment l’ingénieur du son Joe Lapis et le maître des accessoires Eddie Keys.

L’Homme qui sauva le monde (1982)

C’est un film d’aventure d’arts martiaux turc de 1982 réalisé par Çetin Inanç, avec l’acteur / artiste martial Cüneyt Arkın. Le film est connu à l’étranger sous le nom de Turkish Star Wars, en raison de son utilisation non autorisée notoire de vidéos, musiques et effets sonores provenant de Star Wars et d’autres films de science-fiction. Ce film, faisant partie d’une vague de films de super-héros turcs à petit budget produits dans les années 1970 et au début des années 1980, combine des thèmes de science-fiction avec les arts martiaux, ayant plus en commun avec les films d’arts martiaux qu’avec ceux de Hong Kong des années 70, tout comme Star Wars. Le film a été critiqué sévèrement par la critique et est considéré comme l’un des pires films jamais réalisés.

Dog World (1962)

C’est un documentaire de 1962 réalisé par le trio Gualtiero Jacopetti, Paolo Cavara et Franco E. Prosperi, avec la narration de Stefano Sibaldi. Le film comprend plusieurs scènes de carnet de voyage qui offrent un aperçu des pratiques culturelles à travers le monde, destinées à choquer ou surprendre les spectateurs occidentaux. Ces scènes ont peu de lien entre elles, car elles sont présentées comme un matériau kaléidoscopique stupéfiant plutôt que comme un argument structuré. Malgré ses prétentions à montrer des scènes réelles, de nombreuses séquences sont artistiquement mises en scène ou contrôlées pour renforcer cet effet.

Le film a connu un grand succès au box-office mondial et a influencé toute une catégorie de « mondo movies » sous forme de documentaires d’exploitation, dont beaucoup portent également le mot « mondo » dans leur titre. L’arrangement musical de Riz Ortolani et Nino Oliviero a rencontré un grand succès au-delà du film lui-même. Sa chanson principale, « More », a remporté un Grammy Award et a été nominée aux Oscars pour la meilleure chanson originale, et a été reprise par des artistes tels que Frank Sinatra, Andy Williams et Roy Orbison.

Africa Addio (1966)

C’est un documentaire d’exploitation italien de type mondo de 1966, co-réalisé, co-écrit et co-monté par Gualtiero Jacopetti et Franco Prosperi avec une musique de Riz Ortolani. Jacopetti et Prosperi s’étaient fait connaître comme réalisateurs de Mondo Cane en 1962. Africa Addio documente la fin de l’ère coloniale en Afrique, ainsi que la violence et le chaos qui ont suivi. Le film a rencontré un grand succès, confirmant la popularité de la catégorie des « Mondo movies », un cycle de « shockumentaires », des documentaires incluant des sujets choquants. Le film a reçu des critiques en raison de son contenu controversé, mais il est considéré comme un film extrêmement important dans l’histoire du cinéma documentaire.

Faces of Death (1978)

Il s’agit d’un film d’horreur d’exploitation américain de 1978 écrit et réalisé par John Alan Schwartz, crédité respectivement sous les pseudonymes « Conan Le Cilaire » et « Alan Black. Le film, tourné dans un style documentaire, se concentre sur le pathologiste Francis B. Gröss, interprété par l’acteur Michael Carr. Le narrateur offre au public une série de vidéos révélant diverses méthodes macabres de mourir provenant de différentes sources. 

Certaines des scènes les plus célèbres ont été fabriquées pour le film, tandis que la majeure partie du film est constituée d’images préexistantes de morts réelles ou de leurs conséquences. Faces of Death a reçu des critiques négatives, mais a été un grand succès au box-office, rapportant plus de 35 millions de dollars dans le monde. Il a acquis un statut culte, a fini par être considéré comme créativement notable, et a également engendré de nombreuses suites, dont la première, Faces of Death II, est sortie en 1981.

Piranha (1978)

Il s’agit d’un film d’horreur d’exploitation américain de 1978 réalisé et co-monté par Joe Dante, avec Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, Barbara Steele et Dick Miller. Le film raconte l’histoire d’une rivière peuplée de piranhas génétiquement modifiés et mortels, menaçant la vie des habitants de la région et des visiteurs d’une station estivale voisine.

Produit par Roger Corman, Piranha est le premier d’une série de films B à petit budget inspirés par le film Les Dents de la mer (1975). Universal avait en fait envisagé de déposer une injonction pour empêcher la sortie de Piranha, surtout qu’ils avaient lancé Les Dents de la mer 2 la même été, mais ils ont abandonné après que Spielberg lui-même ait donné une critique favorable au film. Sorti le 3 août 1978, le film fut un succès commercial et est devenu par la suite un film culte. Piranha a eu une suite, Piranha II: The Spawning (1982), ainsi que deux remakes, un en 1995 et un autre en 2010, qui a engendré une suite en 2012.

Tentacules (1977)

Il s’agit d’un film d’horreur d’exploitation italo-américain de 1977 réalisé par Ovidio G. Assonitis (crédité dans la version américaine sous le nom d’Oliver Hellman) et mettant en vedette John Huston, Shelley Winters, Bo Hopkins et Henry Fonda. Lorsque plusieurs personnes disparaissent dans une ville côtière, un journaliste découvre qu’un énorme poulpe terrorise la côte. Alors qu’un biologiste marin tente d’arrêter le poulpe, il apparaît qu’une société pourrait être liée aux habitudes meurtrières du céphalopode. Le film était destiné à surfer sur le succès des Dents de la mer, et présente également plusieurs similitudes avec le film d’horreur de science-fiction de 1955 It Came from Beneath the Sea.

Ilsa, la louve des SS (1975)

Il s’agit d’un film d’exploitation canadien de 1975 sur Ilsa, une commandante de camp de prisonniers nazie sexuellement vorace et féroce. Le film est réalisé par le réalisateur américain Don Edmonds et produit par David F. Friedman pour Cinépix Film Properties à Montréal. Le film met en vedette Dyanne Thorne dans le rôle-titre, qui est vaguement inspiré d’Ilse Koch, une condamnée de guerre et surveillante du camp de prisonniers de Buchenwald.

À sa sortie au début de 1975, le film a immédiatement suscité la controverse et la dérision des critiques qui l’ont qualifié de film dégénéré. Des critiques spécifiques ont été adressées à la violence explicite du film ; qui inclut des représentations de castration, de flagellation, d’expérimentation humaine et de nombreux autres types d’abus. Le bouche-à-oreille s’est rapidement répandu, et le film a connu un grand succès commercial, devenant finalement un classique des grindhouses et des cinémas drive-in.

L’attrait du film a conduit à la production de 3 suites, dans chacune desquelles Thorne a repris son rôle. La notoriété du film s’est finalement transformée en un important culte, le personnage d’Ilsa devenant une icône de la culture pop avec une autorité féminine « forte et agressive ». Le film est parmi les plus populaires du sous-genre Nazisploitation et, dans une moindre mesure, du sous-genre sexploitation.

SS Experiment Camp (1976)

Il s’agit d’un film d’exploitation nazi de 1976 réalisé par Sergio Garrone. L’intrigue se concentre sur la sexualité des détenus d’un camp de prisonniers dirigé par le colonel von Kleiben (Giorgio Cerioni), un officier nazi qui a besoin d’une greffe de testicule après avoir été castré par une femme russe. Il a acquis une mauvaise réputation dans les années 1980 en raison de ses thèmes discutables et d’une campagne publicitaire publique comprenant des affiches scandaleuses et controversées. Le film a été interdit dans certains pays, dont le Royaume-Uni. 

Pas tout à fait Hollywood : L’histoire sauvage et méconnue de l’Ozploitation ! (2008)

Il s’agit d’un documentaire australien de 2008 sur la Nouvelle Vague australienne des cinémas à petit budget des années 70 et 80. Le film a été composé et réalisé par Mark Hartley, qui a interrogé plus de quatre-vingts stars, réalisateurs, producteurs et scénaristes australiens, britanniques et américains, dont Quentin Tarantino, Brian Trenchard-Smith, Jamie Lee Curtis, Dennis Hopper, George Lazenby, George Miller, Barry Humphries, Stacy Keach, John Seale et Roger Ward.

Hartley a investi de nombreuses années dans une étude approfondie, qui a servi en partie de scénario pour le film, sur la période de la Nouvelle Vague du cinéma australien. Il s’est concentré sur les films typiquement ignorés de l’« Ozploitation », principalement remplis de violence, de peur et de sexe, que les critiques et historiens du cinéma trouvaient offensants et répugnants, généralement exclus de l’histoire officielle du cinéma australien.

Hartley s’est adressé à Quentin Tarantino, un fan de longue date de l' »Ozploitation » qui avait en fait dédié son film de 2003 Kill Bill à cette catégorie d’exploitation, et Tarantino a accepté d’aider à lancer le projet. Hartley a ensuite investi cinq années supplémentaires à discuter des sujets et à monter les 250 heures combinées d’interviews et de vidéos d’archives initiales en un film de 100 minutes. Not Quite Hollywood, qui a été présenté en première au Festival international du film de Melbourne en 2008, n’a pas rencontré le succès lors de sa sortie en Australie, mais a reçu des critiques généralement favorables et a été élu « Meilleur documentaire » aux Australian Film Institute Awards 2008.

Je crache sur vos tombes (1978)

C’est un film d’horreur américain de 1978 sur le viol et la vengeance, monté, écrit et réalisé par Meir Zarchi. Le film raconte l’histoire de Jennifer Hills (Camille Keaton), une écrivaine à New York qui se venge de chacun de ses agresseurs après un viol collectif perpétré par quatre hommes.

Le film est mémorisé pour sa représentation controversée de la violence, en particulier les scènes prolongées de viol collectif, qui occupent 30 minutes du temps de projection. Lors de sa sortie plus large, il a été soumis à la censure par les organismes de classification cinématographique au Royaume-Uni. Qualifié de « déchet répugnant », le film reste extrêmement controversé à ce jour, considéré comme l’un des pires films jamais réalisés. Pour certains, c’est ce débat qui en a fait un film culte. Malgré des critiques défavorables, la performance de Camille Keaton a été saluée par les critiques.

La Dernière Maison sur la Gauche (1972)

C’est un film d’horreur américain de 1972 écrit, réalisé et monté par Wes Craven lors de ses débuts en tant que réalisateur. Le film suit Mari Collingwood (Sandra Peabody), une adolescente hippie qui est kidnappée, violée et torturée le jour de ses 17 ans. Lorsque les tueurs cherchent refuge sans le savoir dans sa maison, ils font face à la vengeance de ses parents.

Craven s’est inspiré du film suédois de 1960 La Source des vierges, réalisé par Ingmar Bergman, lui-même une adaptation de la ballade suédoise « Töres döttrar i Wänge ». Craven a produit le film avec le producteur Sean S. Cunningham après avoir travaillé avec lui sur Together (1971). Craven a écrit un scénario axé sur l’aspect choc de l’histoire, souhaitant dépeindre explicitement la violence. 

Le film a initialement nui à la carrière de Craven et a été controversé pour son marketing, avec le slogan « Un film peut-il aller trop loin ? », mettant en avant sa violence. Bien qu’il n’ait pas été un grand succès dans les drive-in, il a rapporté 3 millions de dollars contre un budget inférieur à 90 000 dollars. Les critiques ont raillé le film pour sa violence frontale et l’utilisation par Craven de scènes issues de comédie noire entrecoupées de scènes de viol. Le film a été particulièrement éprouvant pour la vedette principale Peabody, qui a rappelé avoir eu des difficultés à tourner en raison d’un scénario en constante évolution et d’abus de la part de ses co-acteurs masculins. De nombreux autres acteurs du film ont exprimé des remords pour leur participation des années après sa sortie.

Le Monde des Vampires (1965)

Il s’agit d’un film de science-fiction italo-espagnol de 1965, produit par Fulvio Lucisano, réalisé par Mario Bava, avec Barry Sullivan et Norma Bengell. Le scénario du film, écrit par Bava, Alberto Bevilacqua, Callisto Cosulich, Antonio Roman et Rafael J. Salvia, est basé sur une histoire de science-fiction italienne, « Une nuit de 21 heures » de Renato Pestriniero. 

L’histoire suit les terribles expériences des membres d’une équipe de deux vaisseaux spatiaux qui se sont écrasés et sont arrivés dans un monde hostile et inexploré. Les résidents désincarnés de ce monde possèdent les corps des membres de l’équipe morts dans le crash et utilisent les cadavres pour traquer et tuer les survivants restants. Des années après sa sortie, certains critiques ont estimé que le film de Bava avait eu un impact significatif sur Alien (1979) et Prometheus (2012) de Ridley Scott, tant sur le plan narratif que visuel.