Los Directores Más Famosos en la Historia

Es difícil definir a los mejores directores de cine de todos los tiempos: cada quien tiene sus favoritos y el valor de una obra artística cambia con el tiempo y con las transformaciones de la sociedad. Lo que ayer parecía extraordinario, quizás por la moda y el estilo de vida de una época pasada, hoy puede ya no tener el mismo valor.

Esta no es en absoluto una lista que pretenda imponer un valor objetivo y definitivo para los mejores directores, sino una herramienta para emprender un viaje por la historia del cine. Un arte parcialmente devaluado y reducido a mero entretenimiento desde hace varias décadas, en el que el público ya no es capaz de distinguir entre productos audiovisuales comerciales y cine de arte.

Desafortunadamente, las mujeres que han podido expresarse a través del arte del cine han sido pocas: rara vez se les ha dado la posibilidad de dirigir. Pero las cineastas han avanzado de manera fantástica a lo largo de los años, y hemos visto trabajos inspiradores y absolutamente magistrales en las últimas décadas.

Georges Méliès

Georges Méliès (nacido Marie-Georges-Jean Méliès; 8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista, empresario, actor, cineasta, guionista y productor francés. Es considerado uno de los pioneros del cine, conocido por sus innovadores efectos especiales y el uso de la fantasía y la imaginación en sus películas. Méliès nació en París, Francia, en 1861. De joven, se interesó por el ilusionismo y se convirtió en un mago hábil. En 1888, abrió su propio teatro de magia, el Théâtre Robert-Houdin, en París.

En 1895, Méliès vio la primera proyección pública de una película de los hermanos Lumière. Quedó inmediatamente fascinado por la nueva tecnología y comenzó a experimentar con el cine. La primera película de Méliès, Le Voyage dans la Lune (1902), es considerada una de las primeras películas de ciencia ficción. La película está basada en la novela de Jules Verne De la Tierra a la Luna. Méliès es conocido por sus innovadores efectos especiales. A menudo usaba trucos fotográficos, como la edición, disolvencias y stop-motion, para crear efectos especiales realistas y fantásticos.

Georges Méliès es quizás el personaje más extraordinario y legendario de los orígenes del cine. Fue él quien desarrolló técnicas cinematográficas tempranas como los fundidos y el coloreado de películas. Méliès quedó muy fascinado por la presentación de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en el «Café des Capucins». Tenía la intención de usar el cine a toda costa. Tras la primera proyección de imágenes en movimiento de la historia, se acercó a los dos hermanos para pedir comprar uno de sus aparatos, pero ellos se negaron. La película que consagró el éxito de Méliès fue Viaje a la Luna. El público de la época nunca había visto algo así: a la entrada de las funciones, muchas personas asumían que estaban siendo objeto de burla.

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Nosferatu

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Cuando un joven agente inmobiliario, Thomas Hutter, va al castillo para cerrar un trato, Orlok se siente atraído por su sangre y decide seguirlo a su ciudad natal. La llegada del conde provoca una serie de muertes misteriosas y genera pánico entre los habitantes.

Murnau, a través de imágenes evocadoras y atmósferas perturbadoras, crea una obra que va mucho más allá de la simple adaptación de la novela de Stoker. La película explora temas universales como el miedo a la muerte, el aislamiento y la pérdida de la humanidad. La producción de Nosferatu se caracterizó por algunas dificultades legales debido a los derechos de autor de la novela de Bram Stoker. A pesar de esto, Murnau y su equipo lograron hacer una película de gran impacto visual. La elección de Max Schreck para interpretar al Conde Orlok fue ingeniosa. Su apariencia cadavérica y sus movimientos antinaturales han convertido al personaje de Orlok en uno de los monstruos icónicos en la historia del cine. Con el paso de los años, Nosferatu se ha convertido en una película de culto, influyendo en generaciones de cineastas y convirtiéndose en un punto de referencia para el género de terror. La imagen del Conde Orlok, con sus uñas alargadas y ojos hundidos, se ha convertido en un ícono del cine de horror.

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Alice Guy-Blaché

Alice Guy-Blaché (de soltera Guy; pronunciación francesa: [alis gi blɑʃe]; 1 de julio de 1873 – 24 de marzo de 1968) fue una cineasta pionera francesa, guionista, productora y directora de estudio. Es ampliamente considerada la primera mujer cineasta. Desde 1896 hasta 1906, fue jefa de producción en Gaumont Film Company, donde dirigió, escribió y produjo más de 2,000 cortometrajes. Sus películas se caracterizaban por el uso de efectos especiales innovadores, la exploración de temas sociales y su humor.

Alice Guy nació en Saint-Mandé, Francia, el 1 de julio de 1873. Fue hija de un periodista y una ama de casa. Guy desarrolló un interés por la fotografía desde joven y comenzó a trabajar como secretaria para Léon Gaumont, el fundador de Gaumont Film Company. En 1895, le asignaron la tarea de supervisar la nueva cámara cinematográfica de la compañía.

Guy rápidamente se volvió experta en el uso del cinematógrafo y comenzó a hacer cortometrajes. En 1896 le asignaron su propia unidad de producción y se hizo responsable de dirigir, escribir y producir todos los cortometrajes de la compañía.

Las películas de Guy fueron increíblemente populares y ayudaron a establecer a Gaumont como una compañía líder en el cine. Experimentó con una amplia variedad de géneros, incluyendo comedias, dramas y documentales. También fue pionera en el uso de efectos especiales, como la doble exposición y la animación stop-motion.

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Benjamin Christensen

Benjamin Christensen (28 de septiembre de 1879 – 2 de abril de 1959) fue un director de cine, guionista y actor danés. Es considerado uno de los pioneros más importantes del cine danés, y sus películas son conocidas por su uso innovador de la cinematografía, la edición y los efectos especiales. Christensen nació en Viborg, Dinamarca, en 1879. Estudió medicina en la Universidad de Copenhague, pero finalmente decidió seguir una carrera en el teatro. Comenzó a actuar en 1901 y rápidamente se convirtió en una de las estrellas más populares de Dinamarca.

En 1906, Christensen debutó como director con el cortometraje Den hvide slavehandel (El comercio de esclavas blancas). La película fue un éxito crítico y comercial, y estableció a Christensen como un talento importante en la industria cinematográfica danesa. Christensen continuó haciendo películas durante la era del cine mudo, y se hizo conocido por su uso innovador de la cinematografía, la edición y los efectos especiales. Su película más famosa es Häxan (1922), un documental mudo sobre la historia de la brujería. La película fue revolucionaria por su uso de cámara lenta, exposiciones múltiples e imágenes superpuestas.

Otras películas notables de Christensen incluyen Blind Justice (1916), un drama sobre la pena de muerte, y The Devil’s Circus (1926), una película de terror sobre un hombre que vende su alma al diablo. Christensen continuó haciendo películas en la era del cine sonoro, pero nunca alcanzó el mismo nivel de éxito que tuvo durante la era muda. Realizó varias películas en las décadas de 1930 y 1940, pero no fueron tan bien recibidas como sus filmes mudos.

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Buster Keaton

Joseph Frank Keaton, el nombre real de Buster Keaton, nació en Estados Unidos, en Kansas, el 4 de octubre de 1895. Al igual que Charlie Chaplin, es hijo de una pareja de artistas, pero menos desafortunado. El padre tiene una compañía de vodevil donde actúan el famoso saxofonista Mira Keaton y el mago Houdini. El pequeño Keaton ha participado en los espectáculos desde niño y a menudo se convierte en el protagonista. Sus actuaciones temerarias y caídas le valieron el apodo de «Buster». Su mímica aparece inmediatamente prodigiosa.

Buster Keaton descubrió el cine en 1917. Según Buster, es la herramienta perfecta para dar vida a sus personajes. Deja a su familia y se traslada a Nueva York a los 22 años, donde conoce al actor Roscoe Arbuckle, especializado en lanzar pasteles a la cara. El debut de Buster Keaton como director es The High Sign: es la historia de un vagabundo que busca su fortuna en un parque de atracciones y conoce a un multimillonario y a su hija.

La carrera de Keaton comenzó a decaer a finales de los años 1920, a medida que la popularidad de las películas mudas disminuía. Continuó haciendo películas en las décadas de 1930 y 1940, pero no tuvieron tanto éxito como sus trabajos anteriores. En los años 1950, la carrera de Keaton tuvo un resurgimiento. Apareció en varias películas y programas de televisión, y recibió un Premio Honorario de la Academia en 1958. Keaton es considerado uno de los mejores comediantes de todos los tiempos. Es conocido por su comedia física innovadora, su expresión estoica y su habilidad para crear personajes inolvidables. Sus películas aún son disfrutadas por el público hoy en día y continúan inspirando a cineastas de todo el mundo.

Charlie Chaplin

Charlie Chaplin (nacido Charles Spencer Chaplin, 16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977) fue un actor, comediante, cineasta, guionista, compositor y maestro de pantomima inglés. Es ampliamente considerado como una de las figuras más influyentes en la historia del cine. Chaplin alcanzó la fama con el personaje en pantalla «El Vagabundo» y es considerado uno de los mejores actores de cine de todos los tiempos. Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889. Fue hijo de Charles Chaplin Sr., un artista de music hall, y Hannah Chaplin, una cantante de music hall. Los padres de Chaplin se separaron cuando él tenía tres años, y fue criado por su madre hasta que ella fue internada en una institución para enfermos mentales. Chaplin pasó su infancia en hospicios y orfanatos.

Chaplin comenzó a actuar siendo niño, y debutó profesionalmente en el escenario a los nueve años. Participó en diversas producciones teatrales, incluyendo pantomimas, music halls y espectáculos de vodevil. En 1910, Chaplin se mudó a Estados Unidos para unirse a una troupe de vodevil. Su personaje del vagabundo se vuelve mucho más desgarrador cuando uno se da cuenta de que el propio Charlie Chaplin fue un huérfano que vivió en la calle. Todos amamos al marginado y el vagabundo debe ser coronado Rey de los marginados. Sin diálogo, Chaplin pudo explorar toda la gama de sentimientos humanos.

No puedes ver The Kid sin bailar, no puedes disfrutar de Luces de la ciudad sin reavivar tu sentimiento de romance y no puedes ver El gran dictador sin asegurarte de reflexionar y reírte de la absurdidad de la guerra y la lujuria por el poder.

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Fernand Leger

Nacido en 1881, Fernand Leger comenzó como dibujante para una firma de arquitectura en París en 1903. Fue un músico verdaderamente ecléctico, creador de tapices y animaciones en vidrio esmerilado, decorador, ceramista, escultor, dibujante, ilustrador, diseñador de vestuario y desarrollador establecido.

Hijo de un criador de perros normando, se trasladó a París donde fue admitido en la École des Beaux-Arts, además de participar en la Academia Julian y también en el Louvre. En 1911 expuso la pintura Desnudos en el bosque en el Salón de los Independientes junto con otras obras de sus colegas Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger.

La discusión y también el debate difundieron el término cubismo. El desarrollo del diseño de Fernand Leger se alimenta del dinámico clima creativo parisino: se inspiró en el impresionismo, los fauves e incluso en las pinturas de Paul Cézanne.

DW Griffith

David Wark Griffith, también conocido como D.W. Griffith, fue un director de cine, productor y guionista estadounidense ampliamente reconocido como uno de los pioneros del cine. Se le atribuye el desarrollo de muchas de las técnicas narrativas y técnicas que aún se usan en la realización cinematográfica hoy en día, y sus películas tuvieron una profunda influencia en el desarrollo del arte.

Griffith nació en La Grange, Kentucky, el 22 de enero de 1875. Fue hijo de un coronel del Ejército Confederado y creció en la pobreza tras la Guerra Civil. Griffith comenzó a trabajar como reportero de periódicos y dramaturgo a principios de la década de 1890, y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1900 para perseguir una carrera en el teatro.

En 1908, Griffith comenzó a trabajar como director para la American Mutoscope and Biograph Company, pionera en la producción de cortometrajes. Griffith ascendió rápidamente en la compañía y comenzó a experimentar con técnicas innovadoras de realización cinematográfica. Desarrolló el uso de primeros planos, planos largos y montaje paralelo para crear narrativas más complejas y atractivas.

Griffith dirigió docenas de películas, pero El nacimiento de una nación es su obra más conocida. A pesar de todos sus éxitos, la película también contiene algunos estereotipos raciales. Es una pena que una película histórica tan extraordinaria desde el punto de vista tecnológico también tenga una visión tan discriminatoria. Películas posteriores como Intolerancia e incluso Broken Blossoms ciertamente intentarán pedir perdón y abordar estas transgresiones, pero con poco éxito.

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FW Murnau

Friedrich Wilhelm Murnau, también conocido como F.W. Murnau, fue un director de cine, productor y guionista alemán considerado una de las figuras más importantes en la historia del cine. Es mejor conocido por sus películas expresionistas, como Nosferatu (1922) y La última carcajada (1924), que exploraron temas de alienación, ansiedad y la condición humana. Murnau nació en Bielefeld, Alemania, el 28 de diciembre de 1888. Provenía de una familia adinerada y estudió arte y literatura en la Universidad de Münster. Después de graduarse, trabajó como director y encargado de escena antes de ingresar a la industria cinematográfica en 1913.

Las primeras películas de Murnau se realizaron en el estilo expresionista, caracterizado por el uso de decorados distorsionados, actuación exagerada y trabajo de cámara subjetivo. Su película expresionista más famosa es Nosferatu, un filme de terror mudo sobre un vampiro que acecha a los habitantes de un pequeño pueblo. La película es considerada una obra maestra del cine expresionista y aún se admira por su atmósfera inquietante y su uso innovador de efectos visuales.

FW Murnau fue otro inmigrante alemán a Hollywood, que atravesó el resplandor dramático del Expresionismo alemán con películas comerciales algo más seguras filmadas en el período americano. Faust es una historia de principios que es tan aterradora como cualquier otra cosa en Nosferatu. Y, quizás su obra más exitosa, Amanecer: Una canción de dos humanos ganó el Oscar a Mejor Película. Y una inmensa obra maestra como La última carcajada. Una película que llevó la historia del cine al siguiente nivel.

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Carl Theodor Dreyer

Carl Theodor Dreyer (3 de febrero de 1889 – 20 de marzo de 1968) fue un director y guionista danés ampliamente considerado como una de las figuras más influyentes en la historia del cine. Conocido por su estilo austero e inflexible, las películas de Dreyer a menudo exploraron temas de fe, moralidad y la condición humana. Sus obras más celebradas incluyen La pasión de Juana de Arco (1928), Día de ira (1943) y La palabra (1955).

Nacido en Copenhague, Dinamarca, Dreyer comenzó a trabajar como periodista antes de ingresar a la industria cinematográfica en 1913. Inicialmente realizó cortometrajes y documentales, pero fue con su debut en largometraje, La viuda del párroco (1920), que estableció su reputación como cineasta serio. A lo largo de la década de 1920, Dreyer produjo una serie de aclamadas películas mudas que consolidaron su posición como maestro del medio. Su obra maestra, La pasión de Juana de Arco (1928), es una representación inquietante y visualmente impresionante del juicio y ejecución de Juana de Arco. La cinematografía en blanco y negro austera y el uso de primeros planos y cámara lenta crean una experiencia poderosa y conmovedora.

Carl Theodor Dreyer es uno de los directores más importantes del cine mundial. Maestro de un estilo muy riguroso, espartano y moral, aborda en sus películas temas fundamentales del espíritu humano como la confianza, el amor y la muerte. Dreyer siempre negó el atajo fácil del cine industrial. Sus películas no tuvieron un gran éxito con el público y también fueron largamente resistidas por la censura, como en el caso de La pasión de Juana de Arco, que fue prohibida por la Iglesia Católica. Otra película asombrosa de Dreyer es una de las mejores películas de terror jamás hechas: Vampyr. Varios directores modernos han declarado claramente que fueron influenciados e inspirados por su diseño.

Ida Lupino

Ida Lupino fue una actriz, directora, guionista y productora británico-estadounidense. Fue una de las primeras mujeres en dirigir películas en Hollywood, y su trabajo a menudo se caracterizó por temas feministas y socialmente progresistas. Lupino nació en Londres, Inglaterra, el 4 de febrero de 1914. Fue hija de un actor y una bailarina, y comenzó a actuar en teatro a los cinco años. En 1932, se mudó a Hollywood para perseguir una carrera cinematográfica.

Lupino rápidamente encontró éxito como actriz, apareciendo en una serie de películas exitosas, incluyendo The Light That Failed (1939), They Drive by Night (1940) y The Sea Wolf (1941). Era conocida por su belleza, su talento actoral y su capacidad para interpretar tanto papeles dramáticos como cómicos. En 1949, Lupino decidió cambiar al otro lado de la cámara y dirigir su primera película, Not Wanted. La película, que trataba sobre una adolescente embarazada y soltera, fue un éxito crítico y comercial, y Lupino se convirtió en la primera mujer en ganar el premio del Directors Guild of America a la Mejor Directora.

Ida Lupino hizo un trabajo interesante. Comenzó como una joven actriz en los años 30 antes de cofundar una compañía de producción independiente en la que creó, dirigió y también produjo sus propias películas. Obviamente, esto era generalmente inusual en el Hollywood de los años 50. Sus películas abordaban temas tabú, así como The Hitch-Hiker, considerada una de las mejores películas de cine negro de todos los tiempos. Terminó su trabajo de una década dirigiendo prácticamente 70 episodios de televisión para programas como The Twilight Zone, The Fugitive y Gilligan’s Island.

Fritz Lang

Fritz Lang fue un director de cine, guionista y novelista austro-estadounidense. Es considerado uno de los maestros del cine mundial, y fue particularmente influyente en los géneros de crimen, cine negro y ciencia ficción. Lang nació en Viena en 1890. Tras estudiar arquitectura y derecho, se dedicó al cine. Su primera película, «Harakiri» (1919), fue un éxito crítico y comercial. En los años 20, Lang dirigió algunas de las películas más importantes del cine expresionista alemán, incluyendo «Metropolis» (1927), «M» (1931) y «Dr. Mabuse, der Spieler» (1922).

Con el auge del nazismo en Alemania, Lang emigró a Estados Unidos, donde continuó dirigiendo películas exitosas, incluyendo «Furia» (1936), «La mujer del cuadro» (1944) y «La gran prueba» (1953). Fritz Lang tuvo dos trabajos: uno en Alemania y también un segundo en Hollywood. Su mejor cine es el de las décadas de 1920 y 1930 mientras trabajaba en Alemania, compuesto por Metrópolis, M y El testamento del Dr. Mabuse. Cuando Hitler llegó al poder, dejó Alemania.

Trabajando en Hollywood durante los siguientes 40 años, como muchos otros directores europeos, nunca alcanzó los mismos niveles que las obras maestras hechas en Europa. Tuvo que adaptarse a la máquina industrial e impersonal del cine estadounidense. Pero aún así hizo grandes películas como Furia, La calle escarlata y también La gran prueba.

Jean Epstein

Jean Epstein fue un pionero francés del cine, novelista y teórico del cine. Es más conocido por su película de 1928 «Cœur fidèle», considerada una obra maestra del cine de vanguardia. Epstein nació en Varsovia, Polonia, en 1897. Se mudó a Francia con su familia en 1905 y comenzó a escribir y publicar poesía y novelas. Se interesó por el cine a principios de la década de 1910 y comenzó a hacer cortometrajes en 1916.

Las primeras películas de Epstein fueron experimentales y a menudo abstractas. Usó técnicas innovadoras de cámara y estilos de montaje para crear películas que no se parecían a nada visto antes. Su película de 1922 «L’Auberge rouge» es considerada uno de los primeros ejemplos del cine impresionista francés.

Jean Epstein fue un personaje muy ecléctico. Se interesó tanto por el cine como por la literatura progresista, la investigación científica, la filosofía y la psicología. Fundamental fue el encuentro con Blaise Cendrars, quien en 1921 promovió la revista La poésie aujourd’hui, un libro de conocimiento. Su película más importante es quizás Cœur fidèle, así como La caída de la casa Usher.

Ernst Lubitsch

Ernst Lubitsch nació en Berlín el 28 de enero de 1892. Fue uno de los primeros directores en convertirse en una verdadera celebridad en Hollywood y también en tener un gran público sin depender siempre de la participación de estrellas en sus películas. Su estilo ligero, común en su propia comedia cinematográfica, fue denominado el Toque Lubitsch por Billy Wilder.

Nacido en una familia pobre de judíos alemanes, Lubitsch, siendo joven, intentó ganarse la vida vendiendo textiles. Se hizo amigo de Max Reinhardt, el director del teatro alemán en Berlín, quien lo hizo trabajar como asistente de dirección. Luego fue contratado como actor y también colaboró con Reinhardt en varias producciones cinematográficas, donde aprendió la técnica. En esa época, el cine aún estaba en una fase pionera y exploratoria. No le fue difícil a Lubitsch dirigir las primeras películas mudas de bajo presupuesto, donde también interpretó el papel principal en comedias slapstick.

Sergei Eisenstein

Sergei Mikhailovich Eisenstein fue un director de cine soviético, guionista, editor de cine y teórico del cine. Es especialmente conocido por sus películas mudas Huelga (1925), Acorazado Potemkin (1925) y Octubre (1928), así como por las epopeyas históricas Alexander Nevsky (1938) e Iván el Terrible (1944–1946).

Eisenstein nació en Riga, Letonia, el 23 de enero de 1898. Estudió arquitectura e ingeniería en el Instituto de Ingenieros Civiles de Petrogrado, pero finalmente se dedicó al cine. Su primera película, Huelga, fue un film de propaganda sobre una huelga obrera en Rusia. Fue un éxito crítico y comercial, y estableció a Eisenstein como uno de los cineastas más destacados de su generación.

En 1925, Eisenstein dirigió Acorazado Potemkin, una película sobre un motín en un acorazado ruso. La película es considerada una de las más importantes jamás realizadas, y es conocida por sus técnicas innovadoras de montaje y su uso del montaje.

Sergei Eisenstein convirtió el cine en un arma. Junto con otros cineastas soviéticos, sus experimentos revelaron lo que las imágenes en movimiento pueden hacer. Dejaron ir el poder que el cine necesita para reubicar a los individuos tanto política como emocionalmente.

Huelga es un retrato inquebrantable de la disputa laboral. Octubre (Diez días que sacudieron al mundo) mostró toda una revolución en marcha. Y, por supuesto, como se puede ver en cualquier curso de la historia del cine, la secuencia de la escalera de Odessa en Acorazado Potemkin será seguramente considerada el mayor ejemplo de montaje y puesta en escena cinematográfica grandiosa.

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Dziga Vertov

Nacido en Polonia en 1896, Dziga Vertov es uno de los directores más importantes de la vanguardia rusa. Se trasladó a Rusia donde primero estudió medicina y luego poesía y ficción. En Moscú, comienza a interesarse por el cine gracias al surrealismo.

Adopta el apodo por el que se hará conocido, Dziga Vertov. Tras la Revolución Rusa, encontró trabajo en la redacción de la Semana del Cine, una rotograbado con contenido propagandístico gestionado por el Partido Socialista.

Como miembro del equipo, realizó su primer cortometraje, El aniversario de la revolución, sin embargo, su verdadera individualidad cinematográfica comenzó a emerger con la colección docudrama Kino Pravda, un film de 20 minutos en el que comienza a elaborar su teoría sobre el cine y la realidad, que conduce a un manifiesto llamado Kinoglaz.

El cartel especificaba que la cámara debía filmar la realidad de la manera más auténtica posible. Su obra maestra universalmente reconocida es el film experimental El hombre de la cámara.

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Jean Vigo

Jean Vigo fue un director de cine francés que ayudó a establecer el realismo poético en el cine en los años 30. Es más conocido por sus dos películas, Zéro de conduite (1933) y L’Atalante (1934), que ambas son consideradas clásicos del cine francés. Las películas de Vigo se caracterizan por su realismo poético, sus temas humanistas y su uso de técnicas innovadoras de montaje.

Vigo nació en París el 26 de abril de 1905. Su padre era un periodista anarquista y su madre, una pintora. Vigo creció en un ambiente bohemio y estuvo expuesto al arte y la literatura desde muy joven. Comenzó a hacer películas a principios de los años 20, y rápidamente desarrolló una reputación por su estilo experimental e innovador.

Directores como Jean Renoir trabajaron en el estilo del realismo poético, con películas como La gran ilusión y La regla del juego. Julien Duvivier con El bandido de la Casbah y también Marcel Carné con El puerto de las nieblas y Los amantes perdidos. A medio camino entre estas dos corrientes, con un aspecto tanto progresista como realista, está la obra de Jean Vigo.

Jean Vigo rodó sus únicas dos películas, Zéro de conduite y L’Atalante, en un estado febril al comienzo de la enfermedad que lo llevaría a la muerte. En algunos casos, se vio obligado a permanecer en una cama de hospital de campaña en el set. Amigos e incluso colegas se sorprendieron de que quisiera seguir trabajando a pesar de su grave estado.

Sin embargo, Jean Vigo no quiso detenerse, para él terminar el rodaje de la película era una verdadera misión existencial. Sabía que estaba enfermo y también entendía que su tiempo se agotaba. ¿Es quizás esta presión, esta necesidad, lo que le permitió crear dos obras maestras?

René Clair

René Clair (nacido René-Lucien Chomette; 11 de noviembre de 1898 – 15 de marzo de 1981) fue un cineasta y escritor francés. Es considerado uno de los pioneros del cine, y sus películas eran conocidas por su uso innovador del sonido, técnicas de cámara y montaje. Clair también fue un narrador hábil, y sus películas a menudo exploraban temas de amor, pérdida y cambio social.

Clair nació en París, Francia, en 1898. Creció interesado en el arte y la literatura, y comenzó a escribir y publicar poesía y novelas en su adolescencia temprana. A principios de los años 20, se interesó por el cine y comenzó a hacer cortometrajes. Sus primeras películas fueron experimentales y a menudo abstractas, pero también mostraban un gran potencial.

René Clair es popular en las naciones anglosajonas y en Italia. En su búsqueda de una comedia humana global entre el trasfondo y el progreso tecnológico, es el cineasta que une a Charlie Chaplin con De Sica, mucho antes que los jóvenes locos de la Nouvelle Vague.

El cine es la pasión esencial de toda la vida de René Clair. Atiende con interés tanto a la crítica como a la producción cinematográfica. Uno de sus artículos sobre cine se titula El hijo del siglo esperando una película. Al mismo tiempo, se refiere a los avances futuros del séptimo arte.

No es muy diferente intelectualmente de sus compañeros de vanguardia. Nacido y criado en el ambiente de la burguesía comercial parisina, reconoce la belleza decadente de la Belle Époque. Su primera creación publicada en 1916 es una despedida a Émile Verhaeren.

Kenji Mizoguchi

Kenji Mizoguchi fue un cineasta japonés considerado uno de los más importantes e influyentes en la historia del cine. Nacido en Tokio en 1898, comenzó a trabajar en el cine como asistente de dirección en la década de 1920 y dirigió su primera película en 1923. A lo largo de su carrera, Mizoguchi dirigió más de 80 películas, abarcando géneros como drama, historia, melodrama y misterio.

Las películas de Mizoguchi se caracterizan por un fuerte enfoque en la condición femenina y temas sociales. Sus protagonistas suelen ser mujeres fuertes y decididas que luchan por afirmarse en una sociedad patriarcal. Mizoguchi también es conocido por su uso expresivo de la cinematografía y la edición, que crea atmósferas evocadoras y envolventes.

La muerte de su madre cuando Kenji tenía 17 años obliga al joven a buscar trabajo. A los 22 años entró en el cine como actor y en el breve lapso de dos años dirigió su primera película. En 1925 ya había dirigido más de 30 películas muy diferentes: desde filmes contemporáneos (gendaigheki) hasta históricos (jidaigheki), películas académicas o filmes basados en la literatura occidental.

En los años siguientes, el bombardeo de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y la humedad natural del clima causarán daños irreparables al patrimonio del cine japonés.

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Yasujiro Ozu

Yasujiro Ozu fue un cineasta japonés considerado uno de los más importantes e influyentes en la historia del cine. Nacido en Tokio en 1903, comenzó a trabajar en el cine como asistente de dirección en la década de 1920 y dirigió su primera película en 1927. A lo largo de su carrera, Ozu dirigió más de 50 películas, abarcando géneros como drama, comedia y melodrama.

Las películas de Ozu se caracterizan por un uso minimalista de la técnica cinematográfica, con un enfoque particular en la vida cotidiana y las relaciones entre las personas. Ozu también es conocido por su uso del «plano tatami», un plano en picado que enmarca a los personajes sentados sobre el tatami, la estera tradicional japonesa.

Yasujiro Ozu nació en el distrito de Fukagawa en Tokio, siendo el segundo de cinco hermanos. Siempre evitó las clases escolares para ver películas como Quo Vadis o Los últimos días de Pompeya. En 1917 vio la película Civilization y decidió que quería convertirse en director. A los 17 años, fue expulsado del dormitorio tras ser acusado de escribir una carta de amor a un chico de clase baja.

Ozu fue contratado por la compañía Shochiku Film Company, como asistente en el departamento de cine, el 1 de agosto de 1923, en contra de los deseos de su padre. Su hogar fue destruido en el terremoto de 1923; sin embargo, ningún miembro de su familia resultó herido. El 12 de diciembre de 1924, Ozu comenzó un año de servicio en las fuerzas armadas. En 1927 se vio involucrado en una pelea en la que golpeó a otro miembro del personal en el bar del estudio. En septiembre de 1927 dirigió su primera película, Sword of Penitence.

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Sidney Lumet

Sidney Lumet dirigió más de 50 películas a lo largo de cinco décadas, destacándose en dramas urbanos tensos que diseccionaban la corrupción moral. 12 Angry Men (1957) confinó la tensión a una sala de jurado, exponiendo prejuicios. Tarde de perros (1975) humanizó el desesperado atraco de un ladrón de bancos con la intensidad cruda de Al Pacino.

El método de Lumet enfatizaba el realismo psicológico y la crítica social, filmando en locaciones de Nueva York para capturar autenticidad cruda y dinámicas de conjunto. En Network (1976), satirizó el sensacionalismo mediático a través de una ira profética, ganando cuatro Oscars. Serpico y El veredicto mostraron su habilidad con protagonistas solitarios que luchan contra la decadencia institucional, usando planos largos fluidos y actuaciones naturalistas. Los críticos elogian su versatilidad —desde thrillers judiciales hasta procedimentales policiales— marcada por un estilo sobrio que prioriza narrativas impulsadas por actores y cuestionamientos éticos. La mirada humanista de Lumet sobre el submundo estadounidense perdura, influyendo en directores como Spike Lee con sus dramas morales urgentes e implacables.

David Lean

David Lean personificó la edad de oro del cine británico con épicos visualmente opulentos que capturaron la ambición humana contra vastos paisajes. Lawrence de Arabia (1962) inmortalizó al enigmático héroe de Peter O’Toole en desiertos majestuosos, ganando siete Oscars. Antes, Encuentro en la noche (1945) retrató con emotividad un romance contenido durante la guerra.

El estilo de Lean fusionó precisión teatral con grandiosidad pictórica en pantalla ancha, usando planos largos y composiciones expansivas para evocar aislamiento y destino. En Lawrence de Arabia, contrastó magistralmente la turbulencia psicológica íntima con monumentales vistas desérticas, pionero en el espectáculo en 70mm que influyó en el cine épico. Doctor Zhivago (1965) también superpone tragedia romántica en medio de tumultos históricos mediante un detallado rigor de época y la partitura de Vasily Livanov. Los críticos celebran su evolución desde dramas íntimos como El puente sobre el río Kwai hasta sagas globetrotting, encarnando las virtudes clásicas de Hollywood de profundidad emocional y poesía visual, asegurando su legado como puente entre la narración íntima y la monumentalidad cinematográfica.

Kaneto Shindo

Nacido en Hiroshima en 1912, Kaneto Shindo creció en una familia terrateniente, que luego cayó en la ruina. En 1927 ingresó a los talleres de cine Shinko, donde comenzó a operar en el cine japonés, primero como asistente de escenografía.

Trabaja como director en la famosa película La venganza de los 47 ronin, el director y también su maestro Kenji Mizoguchi. Sin embargo, durante las décadas de 1930 y 1940, su principal compromiso terminó siendo como guionista. En los años 40 escribió sus primeros guiones para cineastas de la talla de Kon Ichikawa, Keisuke Kinoshita, Fumio Kamei, Tadashi Imai e incluso Kōzaburō Yoshimura.

Su colaboración más vital es la que mantiene con Kozaburo Yoshimura, con quien fundó en 1951 la compañía independiente Società del Cinema Moderno. El director que más impacta su cine, especialmente en lo que respecta al tema de la condición femenina y la estabilidad de sus personajes femeninos, es sin embargo Kenji Mizoguchi, con quien Shindo mismo realiza un largo docudrama.

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John Ford

John Martin Feeney nació el 1 de febrero de 1894 en Cape Elizabeth, Maine. Su padre era un carpintero irlandés y su madre ama de casa. Ford creció en una familia católica y siempre mantuvo un fuerte sentido de su identidad irlandesa. Ford comenzó su carrera en el cine como actor, guionista y asistente de dirección. En 1917 dirigió su primera película, A Woman’s Fool. A lo largo de su carrera, Ford dirigió más de 140 películas, abarcando géneros como el western, drama, comedia y cine histórico.

John Ford fue uno de los pocos directores en ganar 4 Oscars. Comenzó a hacer películas en la era del cine mudo. John Ford es uno de los más grandes directores en la historia del cine, reconocido como maestro por colegas como Akira Kurosawa, Martin Scorsese, Sam Peckinpah, Sergio Leone, Clint Eastwood, Wim Wenders, así como François Truffaut. Sus películas fueron influenciadas por el estilo cinematográfico de John Ford. Según Orson Welles, John Ford fue el más grande director de todos los tiempos. Excelentes críticos de cine han elogiado su filmografía compleja y extensa, desde Truffaut hasta Jean-Luc Godard.

La popularidad de John Ford, el maestro de los westerns, está ligada a su colaboración con estrellas famosas. El rostro que las películas de John Ford evocan instantáneamente es el de John Wayne, con quien hizo 21 películas, pero también Victor McLaglen, Henry Fonda, John Carradine y Lee Marvin.

Otto Preminger

Otto Preminger (5 de diciembre de 1905 – 23 de abril de 1986) fue un importante director de origen austrohúngaro, también productor y actor en Hollywood y en el ámbito del teatro de Nueva York en Broadway. En abril de 1935, mientras Preminger trabajaba en el teatro en Viena, recibió una invitación del productor Darryl F. Zanuck, fundador de Twentieth Century Fox, quien buscaba nuevos talentos. Preminger aceptó la invitación para trabajar en Fox en Los Ángeles.

Su carrera artística abarcó más de 50 años. Su fama se debe principalmente a importantes film noir como Laura (1944) y Ángel Caído (1945), así como a algunas adaptaciones importantes de novelas y obras de teatro. Muchas de sus películas tuvieron problemas en Hollywood: los temas tratados eran tabú en esa época. La adicción a las drogas en El hombre del brazo de oro, la violación en Anatomía de un asesinato, y la homosexualidad en Tormenta sobre Washington (Advise & Consent).

Su reputación como un hombre colérico, violento y arrogante ayudó a convertirlo en una figura autoritaria y legendaria al mismo tiempo, pero quizás solo fue una actitud estratégica para llevar a cabo sus producciones y limitar la intromisión de los ejecutivos de los Estudios. Fue nominado dos veces al Oscar como Mejor Director.

Michael Powell

Michael Powell, nacido el 30 de septiembre de 1905, fue un director inglés, famoso por su colaboración con Emeric Pressburger. Con su compañía de producción The Archers, juntos desarrollaron una colección de clásicos del cine británico, destacando especialmente La vida y también la muerte del coronel Blimp (1943), Un cuento de Canterbury (1944), ¡Sé a dónde voy! Su película de 1960 Peeping Tom fue duramente criticada, mientras que hoy es considerada un film de culto. Fue tan vilipendiado en su primer lanzamiento que su carrera se vio seriamente dañada.

Numerosos directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, e incluso George A. Romero señalaron a Powell como un maestro. En 1981 recibió el BAFTA Academy Fellowship Award junto con su socio Pressburger, el mayor honor que la Academia Británica de Cine puede ofrecer a un director.

Jean Cocteau

Jean Cocteau fue un poeta, dramaturgo, novelista, cineasta, diseñador y artista francés. Fue una figura central de la vanguardia francesa a principios del siglo XX, y su obra ayudó a moldear el desarrollo del arte y la literatura modernos. Cocteau nació en Maisons-Laffitte, Francia, en 1889. Comenzó su carrera como poeta y dramaturgo, y rápidamente ganó reputación por su trabajo experimental e innovador. Su primera obra, Les Mariés de la Tour Eiffel (1921), fue una colaboración con Pablo Picasso y Erik Satie, y ayudó a lanzar el movimiento dadaísta en Francia.

Cocteau también trabajó como cineasta, y dirigió algunas de las películas más importantes de la vanguardia francesa. Sus películas más famosas incluyen Le Sang d’un poète (1930), La Bella y la Bestia (1946) y Orfeo (1950). Estas películas se caracterizan por su uso del simbolismo, su exploración del subconsciente y su uso innovador de técnicas cinematográficas.

La infancia de Jean Cocteau reveló rápidamente su interés por las artes visuales y también por la poesía. En realidad, el pequeño Jean, permaneciendo con mala salud, invierte horas en construir pequeños teatros de marionetas en el patio y en la ilustración. Cuando ve que sus padres salen a menudo por la noche para ir al teatro, dejándolo solo en casa, la necesidad de asistir a representaciones teatrales se convierte en una obsesión para él. Un interés por el arte que podrá realizar unos años más tarde. Entre sus obras maestras están El testamento de Orfeo y La sangre de un poeta.

Ver El testamento de Orfeo

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, Inglaterra. Fue el menor de tres hijos de William Alfred Hitchcock, un comerciante de papel, y Emma Jane Hitchcock, ama de casa. Hitchcock asistió al St. Ignatius’ College en Londres y luego se inscribió en la London County Council School of Marine Engineering and Navigation. Sin embargo, dejó la escuela a los 16 años para seguir una carrera en el cine.

Hijo de una familia mercantil modesta, su padre era comerciante de frutas y verduras, Alfred Hitchcock estudió en un estricto internado de padres jesuitas. Su interés por el trabajo cinematográfico surgió cuando Famous Players-Lasky abrió una sucursal en Londres. Primero trabajó en la oficina encargándose de los subtítulos, luego pasó a la dirección y la escritura.

Mientras tanto, cambia de producción, comienza a colaborar con British International Pictures con la que filma su primera película sonora, Blackmail, en 1929. Fue escrita y concebida como una película muda, pero con la llegada de la nueva tecnología, Hitchcock cambió el guion antes de rodar.

A partir de entonces disfrutó apareciendo como extra en todas sus películas, llegando a convertirse en una conocida personalidad de la televisión unas décadas después. Es considerado por todos como el mayor director del género thriller.

Luis Buñuel

Luis Buñuel, maestro del cine surrealista, nació en Calanda, un pequeño pueblo de Aragón, España, el 22 de febrero de 1900. Fue enviado a estudiar a una universidad jesuita. Probablemente, esta experiencia compuesta de reglas rígidas y una vida diaria aburrida contribuyó a desarrollar su profunda hostilidad hacia las instituciones católicas.

Al mudarse a Madrid para realizar investigaciones en la universidad, tuvo la oportunidad de ser totalmente libre para conocer lo que más le interesaba: las obras literarias y la filosofía. Entre sus amigos cercanos de la época universitaria están el poeta Federico García Lorca y Salvador Dalí, el pintor surrealista con quien desarrollará una larga asociación.

Descubre las películas de Buster Keaton y Fritz Lang y trabaja en París como asistente del director Jean Epstein. Un cine fuera de la lógica narrativa, dentro del territorio del absurdo y la imaginación. Muchas de sus obras maestras imprescindibles: El discreto encanto de la burguesía, El ángel exterminador, Belle de jour, y El fantasma de la libertad. Y muchas otras.

Ver El ángel exterminador

Mario Monicelli

Mario Monicelli (16 de mayo de 1915 – 29 de noviembre de 2010) fue un director de cine italiano, guionista y actor. Es considerado uno de los directores más importantes de la comedia italiana, y sus películas son conocidas por su agudo humor y sátira social. Monicelli nació en Roma el 16 de mayo de 1915. Estudió derecho en la Universidad de Roma, pero finalmente decidió seguir una carrera en el cine. Comenzó su carrera como guionista, escribiendo para algunos de los directores italianos más importantes de la época, incluyendo a Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Roberto Rossellini.

En 1948, Monicelli debutó como director con la película Totò cerca casa, una comedia protagonizada por Totò. La película fue un éxito crítico y comercial, y marcó el inicio de la carrera de Monicelli como director. Dirigió más de 50 películas, incluyendo algunos clásicos de la comedia italiana, como I Soliti Ignoti (1958), La grande guerra (1959), Amici miei (1975) y Amici miei atto II (1982). Sus películas se caracterizan por un humor agudo y sátira social, y a menudo exploran temas de clase, política y sociedad.

Monicelli trabajó con algunos de los actores italianos más grandes, incluyendo a Totò, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni y Sophia Loren. Sus películas tuvieron un impacto significativo en la cultura italiana y ayudaron a convertir la comedia italiana en uno de los géneros cinematográficos más populares del mundo.

Chantal Akerman

Nacida en Bruselas en 1950, Chantal Akerman nació de padres judíos que emigraron de Polonia. Los abuelos maternos y también su madre fueron deportados a Auschwitz. Decidió dedicarse al cine después de quedar impactada por la película El bandido a los 11 años, dirigida por Jean-Luc Godard en 1965 y también tras un curso de estudios en la Escuela de Cine de Bruselas en 1971 se trasladó a Estados Unidos, a Nueva York.

En Estados Unidos realizó su primer cortometraje Saute ma ville, una película de desastre al estilo burlesco hecha a los 18 años sobre una chica que hace explotar su horno y termina destruyendo toda la ciudad. La película recibió atención crítica e incluso el agradecimiento del director belga André Delvaux. Actualmente, a partir de esta obra, entendemos la pasión por el cine de vanguardia, fuera de las reglas y de cualquier tipo de clasificación comercial.

Orson Welles

George Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin. Fue hijo de Richard Head Welles, un inventor, y Beatrice Ives Welles, una pianista de concierto. Welles fue un niño prodigio que mostró un temprano interés por la actuación y la dirección. Comenzó su carrera en el teatro siendo adolescente, y rápidamente se hizo un nombre como un director talentoso e innovador.

En 1934, Welles se mudó a la ciudad de Nueva York para perseguir una carrera en la radio. Rápidamente se convirtió en una personalidad popular de la radio, y era conocido por su estilo dramático e innovador. En 1938, dirigió y narró una adaptación radiofónica de La guerra de los mundos de H.G. Wells, que causó pánico generalizado entre los oyentes que creyeron que estaba ocurriendo una invasión alienígena.

Cuando Orson Welles creó Ciudadano Kane, fue tanto una maldición como una verdadera bendición. Al estrenarse, la película no fue inmediatamente aclamada como la mejor película jamás hecha. El camino de las películas se convirtió luego en una batalla cuesta arriba para Welles. La interferencia en su trabajo lo obligó a convertirse en un cineasta independiente y también pasó los siguientes 3 años terminando las películas que había dejado inconclusas.

Welles continuó dirigiendo, actuando y produciendo películas a lo largo de su carrera. Sin embargo, nunca volvió a alcanzar el mismo nivel de éxito que tuvo con Ciudadano Kane. Realizó varias películas notables, incluyendo Los magníficos Amberson (1942), La dama de Shanghai (1958), y F for Fake (1973).

Ver The Stranger

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 en Ōimachi, distrito Ōmori de Tokio. Comenzó su carrera en el cine en 1936 como asistente de dirección para la compañía Toho Film. En 1943 dirigió su primera película, Sugata Sanshiro, un film de artes marciales que fue un éxito crítico y comercial.

En los años 50, Kurosawa dirigió algunas de sus películas más importantes, incluyendo Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958). Estas películas fueron aclamadas por la crítica y ganaron numerosos premios, incluyendo el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera por Rashomon. En los años 60, Kurosawa continuó dirigiendo películas exitosas, incluyendo Yojimbo (1961), Sanjuro (1962) y Kagemusha (1980). Estas películas exploraron temas como la violencia, la venganza y el destino.

No es necesario entender la cultura japonesa ni ser un estudioso del período Sengoku del país para apreciar lo que indica la obra de Akira Kurosawa. La cuestión es que Kurosawa tomó historias que son increíblemente únicas y también las hizo globalmente relevantes. Sus historias tomaron motivos típicos de su propia cultura pero también de Shakespeare y descubrieron un mensaje que ha resonado en todo el mundo.

De todos los directores en esta lista, quizás nadie haya tenido tanta influencia global en el cine como el Sr. Kurosawa. Desde sus impresionantes samuráis como Yojimbo y Los siete samuráis hasta su dramatización contemporánea como Ikiru y El malvado duerme bien, hay algo que todos podemos sentir en su obra.

Billy Wilder

Samuel «Billy» Wilder nació el 22 de junio de 1906 en Sucha, Austria. Comenzó su carrera como periodista en Viena, pero pronto cambió a escribir guiones. En 1933, huyó a París para escapar del régimen nazi y luego a Hollywood en 1934. En Hollywood, Wilder se estableció rápidamente como un guionista exitoso. Escribió los guiones de varias películas populares, incluyendo Ninotchka (1939), Perdición (1944) y Días sin huella (1945).

Wilder comenzó a dirigir sus propias películas a finales de los años 40. Debutó como director con El mayor y la menor (1942), pero su película revelación fue Perdición, un thriller noir que también coescribió. Billy Wilder logró trabajar dentro del sistema de estudios, al mismo tiempo que daba a sus películas un punto de vista y personalidad distintivos. Ayudó que también fuera escritor; sin importar el tema, Billy Wilder siempre contó sus historias con coherencia.

No podemos pensar en el Film Noir sin su Perdición, su inquietante metadrama Sunset Blvd. mostró un corazón oscuro en el centro de la popularidad, y su divertida comedia Con faldas y a lo loco está cerca de la obra maestra. No olvidemos sus dramas crudos y sinceros Días sin huella y también El apartamento.

Federico Fellini

Federico Fellini nació el 20 de enero de 1920 en Rimini, Italia, en una familia modesta. Mostró un interés temprano por el dibujo y el cine y comenzó a trabajar como dibujante e ilustrador para el periódico Il Resto del Carlino. En 1939, se mudó a Roma para estudiar arte, pero pronto se involucró en el mundo del cine. En 1943, comenzó a trabajar como asistente de dirección para Roberto Rossellini, y en 1945 debutó como director con el cortometraje La voz de la luna.

Fellini comenzó a ganar atención con su segundo filme, I Vitelloni (1953), un retrato satírico de la juventud italiana en la posguerra. La película fue un éxito crítico y comercial y estableció a Fellini como uno de los directores más prometedores de su época. En los años siguientes, Fellini continuó haciendo películas cada vez más originales y experimentales, explorando la naturaleza de la imaginación y los sueños. Entre sus filmes más importantes de este período están La strada (1954), Las noches de Cabiria (1957), La dolce vita (1960), 8½ (1963), Julieta de los espíritus (1965), Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973).

Fuera del movimiento neorrealista de posguerra, no existe cine italiano sin Federico Fellini. Explicar es accesorio, el adjetivo que viene a la mente es «maravilloso». La Dolce Vita es un viaje figurado a una época que el propio filme transforma en mito y realidad, justo como si Roma pareciera entrar en el museo de pintura más importante.

I Vitelloni es una historia de formación juvenil, así como 8 1/2 es un poema sobre el proceso creativo, sobre el misterioso laberinto que es la psique humana. Probablemente nadie ha creado tantas obras maestras como Federico Fellini, alcanzando una cumbre muy alta, donde se encuentran los grandes artistas de la historia humana.

Ingmar Bergman

Nacido el 14 de julio de 1918 en Uppsala, Suecia, Ingmar Bergman fue uno de los cineastas más importantes de la historia del cine. Su filmografía tiene una coherencia severa en la exploración de los tormentos del ser humano. Entre sus dramas, se encuentran algunas de las obras cinematográficas más significativas de todos los tiempos. La película que lo lanzó al estrellato fue en 1951 con Summer with Monika, una historia de madurez sobre el romance veraniego de una joven pareja. La película fue un éxito crítico y comercial, y estableció a Bergman como un nuevo talento importante en el cine sueco.

En los años siguientes, Bergman dirigió una serie de películas cada vez más aclamadas, incluyendo The Seventh Seal (1957), Wild Strawberries (1957), Fanny and Alexander (1982) y Saraband (2003). Sus películas se caracterizaban a menudo por la exploración de dilemas morales difíciles y su uso de simbolismo y alegoría. Ingmar Bergman es un hombre que ha vivido mucho más tiempo en la dimensión de los sueños que en la realidad. Exploró más los hechos que ocurrían en su mundo interior que los del exterior. La exploración del mundo onírico lo acercó mucho a Federico Fellini, con quien fue buen amigo y con quien se enfrentó en varias ocasiones.

Mientras Fellini representa el lado loco, divertido y grotesco del sueño, Bergman es el explorador del lado más oscuro y atormentado del ser humano que se hunde en la nada y la falta de sentido e identidad.

Henri-Georges Clouzot

Henri-Georges Clouzot (20 de noviembre de 1907 – 12 de enero de 1977) fue un director de cine, guionista y productor francés. Es considerado uno de los cineastas franceses más importantes del siglo XX, conocido por sus thrillers psicológicos y sus películas noir. Clouzot nació en Niort, Francia. Comenzó su carrera como periodista y crítico de cine, antes de pasar a la dirección. Su debut en largometrajes fue en 1943 con L’assassin habite au 21, un thriller noir que ayudó a definir el género en Francia.

Las películas posteriores de Clouzot consolidaron su reputación como uno de los directores más importantes de Europa. Quai des orfèvres (1947) es un clásico procedimiento policial que ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes. Manon (1949) es un melodrama trágico que lanzó la carrera de Brigitte Bardot. Les Diaboliques (1955) es un thriller psicológico que recibió una nominación al Premio de la Academia al Mejor Guion Original.

Le salaire de la peur (1953) es la película más famosa de Clouzot. Es un thriller dramático ambientado en Sudamérica que narra la historia de un grupo de hombres que emprenden una peligrosa misión para transportar explosivos a través de una selva en llamas. La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

En los años 60, Clouzot continuó haciendo películas exitosas, incluyendo Les bonnes femmes (1960), un drama satírico, y La vérité (1960), un thriller psicológico. Sin embargo, su carrera se vio empañada por un fracaso comercial y crítico con Le Chat (1969), un thriller psicológico que recibió críticas negativas. Clouzot continuó haciendo películas hasta su muerte en 1977. Su última película, L’enfer (1974), es un thriller psicológico que fue completado por su hijo, Claude Clouzot.

Robert Bresson

Robert Bresson nació el 25 de septiembre de 1901 en Bromont-Lamothe, Francia. Comenzó su carrera en el cine como guionista en los años 30. Su primera película como director, Les Affaires publiques (Asuntos Públicos), fue una comedia corta estrenada en 1934. Tras servir en la Segunda Guerra Mundial, Bresson regresó a la realización cinematográfica con Les Anges du péché (Los Ángeles del Pecado) en 1943. La película, una historia de redención y perdón, estableció el estilo distintivo de Bresson en la realización cinematográfica.

En los años 50, Bresson dirigió una serie de películas aclamadas, incluyendo Journal d’un curé de campagne (Diario de un cura rural) en 1951, Un condamné à mort s’est échappé (Un condenado a muerte se ha escapado) en 1956, y Pickpocket en 1959. Estas películas se caracterizan por su diálogo escaso, actores no profesionales y el uso que hace Bresson de la edición elíptica y la cinematografía de enfoque profundo.

Hablar de Robert Bresson, en la era de las series originales de TV y las películas en streaming, puede ser complicado. Afortunadamente, Robert Bresson pudo filmar sus películas en otro contexto. No iba a ser fácil en un período de homologación masiva del lenguaje cinematográfico, en el que el público está perdiendo lentamente la capacidad de reconocer una obra de arte.

Robert Bresson es precisamente el director que quizás mejor representa la inversión de esta presente homologación. Creador de un cine riguroso que se apoya en sólidas estructuras reflexivas y espirituales, Bresson explora el significado más profundo de todas las partes de la producción de una película. Robert Bresson simplemente se habría sentido realmente disgustado con esas películas que hoy presenta la prensa así como el público general como «obras de arte». Bresson en realidad filmó varias verdaderas obras de arte.

Sergio Leone

Sergio Leone inventó el género Spaghetti Western, revolucionando el mito del vaquero americano con violencia operática y arquetipos míticos. Por un puñado de dólares (1964) lanzó al Hombre sin nombre de Clint Eastwood, mientras que El bueno, el feo y el malo (1966) perfeccionó los enfrentamientos épicos y las partituras de Ennio Morricone.

El estilo operático de Leone estiraba el tiempo mediante primeros planos extremos, paisajes panorámicos y un ritmo pausado, transformando los westerns en ballets viscerales de tensión. Su Trilogía del Dólar subvirtió las convenciones del género con antihéroes moralmente ambiguos y violencia irónica, mezclando el mito americano con la grandiosidad italiana. Érase una vez en el Oeste (1968) elevó la forma con la escalofriante villanía de Henry Fonda y un encuadre arquitectónico. Los críticos aplauden la fusión de influencias de Kurosawa, los leitmotivs de Morricone y la bravura visual de Leone como fundamentales para el cine de acción moderno, influyendo en Tarantino y Nolan. Su obra magna Érase una vez en América (1984) extendió esto a una elegía gangsteril, afirmando su genio para la revisión mítica.

Satyajit Ray

Satyajit Ray nació el 2 de mayo de 1921 en Kolkata, India. Su padre, Sukumar Ray, fue un famoso escritor e ilustrador, y su madre, Suprabha Ray, era música. Ray comenzó a estudiar arte y dibujo desde joven y luego se graduó en historia por la Universidad de Calcuta. En 1943, Ray empezó a trabajar como asistente de producción para el cineasta francés Jean Renoir, quien rodaba la película La gran ilusión en Kolkata. Esta experiencia fue fundamental en el desarrollo de Ray como cineasta y le permitió aprender de uno de los maestros del cine mundial.

La ópera prima de Ray, Pather Panchali (Canción del camino), se estrenó en 1955. Ambientada en Bengala en los años 20, la película narra la historia de una familia pobre. Pather Panchali fue un éxito internacional y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Considerado el padre del cine indio, Satyajit Ray creó un cine humano y poderoso. Al igual que sus contemporáneos del Neorrealismo italiano, Ray trabajó con presupuestos mínimos, equipos inexpertos y sin actores profesionales.

Es su trilogía de Apu por la que Ray es más conocido: Pather Panchali, Aparajito y Apur Sansar, tres películas que se han convertido en obras fundamentales en la historia del cine. El trabajo de dirección de Ray apenas comenzaba y continuó realizando películas igualmente magistrales durante los siguientes 40 años.

John Cassavetes

Cassavetes nació en la ciudad de Nueva York el 9 de diciembre de 1929, en una familia grecoamericana. Comenzó su carrera en el teatro, trabajando como actor y director. A principios de los años 50, empezó a aparecer en películas y rápidamente ganó reputación por sus interpretaciones intensas y naturalistas. Cassavetes debutó como director con la película de 1959 Sombras. La película, realizada con bajo presupuesto y actores no profesionales, fue un éxito crítico y comercial. Estableció a Cassavetes como un nuevo talento importante en el cine estadounidense.

En los años que siguieron, Cassavetes dirigió una serie de películas cada vez más aclamadas, incluyendo Too Late Blues (1961), Faces (1968), Husbands (1970), A Woman Under the Influence (1974) y Opening Night (1977). Sus películas se caracterizaban a menudo por su realismo crudo, su exploración de dilemas morales difíciles y su uso del simbolismo y la alegoría.

Su arte cinematográfico se centra principalmente en la actuación, sin embargo, John Cassavetes terminó siendo también un director de cine excepcional desde el punto de vista de las imágenes, la edición y todo lo demás. Generalmente se le atribuye a Cassavetes haber abierto una nueva era del cine independiente.

Encontrarás obras crudas con imágenes tomadas a mano como Sombras y Faces junto con historias devastadoras como Husbands, Minnie y Moskowitz. Y si quieres ver algunas de las actuaciones más desgarradoras de una actriz, mira a Gena Rowlands en A Woman Under the Influence, quien no parece tan perdida como fue registrada.

Jean-Luc Godard

Godard nació en París el 3 de diciembre de 1930. Estudió derecho y filosofía en la Universidad de París, pero finalmente abandonó para seguir una carrera en el cine. Comenzó su carrera como crítico de cine, escribiendo para Cahiers du Cinéma, una revista que estaba a la vanguardia de la Nouvelle Vague francesa.

En 1959, Godard hizo su debut como director con el cortometraje À bout de souffle. La película, que protagonizaron Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, fue un éxito crítico y comercial. Estableció a Godard como un nuevo talento importante en el cine francés. La Nouvelle Vague francesa fue un movimiento cinematográfico que surgió en Francia a finales de los años 50. El movimiento se caracterizó por su rechazo a las técnicas tradicionales de filmación y su adopción de la experimentación y la innovación. Godard fue una de las figuras principales de la Nouvelle Vague, y sus películas estuvieron entre las más influyentes del movimiento.

Mientras Hollywood ha invertido años tratando de perfeccionar el «cine imperceptible», Jean-Luc Godard se ha propuesto como objetivo personal hacer explotar todo. Como los rusos de los años 20 que usaron la edición, Godard utilizó su cine para traer innovaciones. Para él, «el cine como entretenimiento doméstico» no solo es aburrido, es insultante. En el corazón del movimiento de la Nouvelle Vague francesa, Godard comenzó a reformular el tesauro del lenguaje cinematográfico. Sus obras destacadas consisten en Sin aliento, El desprecio, Alphaville, Pierrot le Fou y también Weekend.

Roman Polansky

Roman Polanski (nacido Raymond Roman Thierry Polański; 18 de agosto de 1933) es un director de cine, guionista, productor y actor franco-polaco. Es considerado uno de los directores más importantes e influyentes del cine contemporáneo. Polanski ha ganado numerosos premios, incluyendo un Premio de la Academia, dos Premios de la Academia Británica de Cine, diez Premios César, dos Globos de Oro, así como el Oso de Oro y una Palma de Oro.

Polanski nació en París, Francia, en 1933. Sus padres regresaron a Polonia desde Francia en 1936, tres años antes de que comenzara la Segunda Guerra Mundial. La infancia de Polanski estuvo marcada por la ocupación nazi de Polonia. Fue obligado a vivir en un gueto judío y luego escapó al campo. La primera película de Roman Polanski, The Knife in the Water, es un film espectacular y un thriller ajustado. El director continuó en esta línea con una inquietante destreza en Repulsion, Cul-de-sac y The Tenant.

Las obras más grandes de Polanski son Rosemary’s Baby y Chinatown, dos películas que lo han consagrado entre los cineastas más famosos de todos los tiempos. Con Rosemary’s Baby, logra tender ese fino hilo entre la tranquilidad mental y la locura. Chinatown es un regreso al Film Noir que aborda todos los temas y estilos del género. A pesar de su incómoda vida personal, Polanski trajo consigo una gran innovación a Hollywood.

Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola (nacido el 7 de abril de 1939) es un cineasta estadounidense. Es considerado uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos. Las películas de Coppola se caracterizan por su belleza visual, su exploración de temas complejos y su uso de técnicas cinematográficas innovadoras. Ha ganado numerosos premios, incluidos cinco premios Óscar, seis Globos de Oro y dos Palmas de Oro.

Coppola nació en Detroit, Michigan, el 7 de abril de 1939. Es hijo de Carmine Coppola, compositor y director de orquesta, e Italia Coppola, una aspirante a actriz. Coppola creció en Queens, Nueva York, y asistió a escuelas católicas. Desarrolló un interés por el cine a una edad temprana y comenzó a hacer sus propios cortometrajes en la escuela secundaria. Después de graduarse, Coppola asistió a la Universidad Hofstra, donde estudió cine. Se trasladó a UCLA después de dos años y se graduó en 1963 con una licenciatura en Bellas Artes en cine.

La primera película de Coppola, Dementia 13 (1963), fue una película de terror de bajo presupuesto que él escribió, dirigió y produjo. La película fue un fracaso crítico y comercial, pero ayudó a Coppola a establecerse como un cineasta talentoso. El gran avance de Coppola llegó en 1969 con el estreno de Finian’s Rainbow. La película fue una comedia musical que tuvo éxito tanto crítico como comercial. Ganó dos premios Óscar, incluido Mejor Banda Sonora Original para John Williams.

Coppola continuó haciendo películas exitosas durante las décadas de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más notables de este período incluyen El Padrino (1972), El Padrino Parte II (1974), La Conversación (1974), Apocalypse Now (1979), The Cotton Club (1984) y Peggy Sue Got Married (1986). Estas películas fueron todas aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. También exploraron temas complejos como la familia, la lealtad y el poder.

Coppola continuó haciendo películas en los años 90 y 2000, pero no tuvo el mismo nivel de éxito que en las décadas de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más destacadas de este período incluyen New York Stories (1989), Dracula (1992), Jack (1996) y The Tetrology (2001-2009).

Ver Dementia 13

Andrei Tarkovsky

Tarkovsky nació el 4 de abril de 1932 en Zavrazhye, Óblast de Kirov, RSFS de Rusia. Su padre, Arseny Tarkovsky, era poeta, y su madre, Maria Ivanova Vishnyakova, era profesora. Tarkovsky estudió música y árabe en la Universidad Estatal de Moscú antes de inscribirse en el Departamento de Dirección del Instituto Estatal de Cinematografía (VGIK) en 1957.

La primera película de largometraje de Tarkovsky, Ivan’s Childhood (1962), fue un éxito crítico y comercial, ganando el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. La película, ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, narra la historia de un niño que busca vengar la muerte de su familia.

Las películas posteriores de Tarkovsky, incluyendo Andrei Rublev (1966), Solaris (1972), Stalker (1979), Nostalgia (1983) y The Sacrifice (1986), consolidaron aún más su reputación como uno de los cineastas más importantes de su generación. Sus películas se caracterizan por su ritmo lento, planos largos y uso del simbolismo. Las películas de Tarkovsky a menudo exploran temas de espiritualidad, religión y la condición humana.

En la lista de Sight & Sound de las 100 mejores películas de todos los tiempos, Andrei Tarkovsky aparece con tres de sus películas: Andrei Rublev, El Espejo y Stalker. Tarkovsky es uno de los principales directores de cine de Rusia y, aunque su filmografía es un poco más corta que la de muchos otros en esta lista, lo que ha logrado en esas pocas películas es suficiente para consagrarlo como uno de los mejores directores de todos los tiempos.

Francois Truffaut

Truffaut nació en una familia trabajadora en París el 6 de febrero de 1932. Sus padres se divorciaron cuando él era joven, y fue criado por su madre y su novio. Truffaut fue un niño problemático y fue expulsado de la escuela a los 14 años. Comenzó a trabajar como obrero, pero también desarrolló una pasión por el cine. Empezó a escribir críticas cinematográficas para varias publicaciones y se convirtió en una figura prominente del movimiento de la Nueva Ola francesa. Fue uno de los directores más influyentes del cine francés. Además de su actividad como director, se unió a la de crítico de cine en la redacción de Cahier du Cinema.

La obra de Francois Truffaut en el cine abarca treinta años, desde los años 50 hasta los 80, y también se une a la de varios otros amigos-directores del cine francés como Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer, Jacques Rivette. Este grupo de jóvenes, bajo la dirección del crítico André Bazin, desarrolló uno de los movimientos cinematográficos más cruciales en la historia del cine, La Nouvelle Vague, la nueva ola francesa que ha generado nuevas olas en varias otras partes del mundo.

Entre estas naciones se encuentran los Estados Unidos de América y también el movimiento de New Hollywood. Scorsese, Coppola, De Palma y otros directores estadounidenses que terminarían volviéndose muy famosos comienzan sus primeros pasos impulsados por la Nouvelle Vague francesa, un cine conocido en todo el mundo. El primer largometraje de Truffaut fue Los 400 golpes. Tuvo un gran éxito en el Festival de Cine de Cannes en 1959.

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick nació en Nueva York, Manhattan, el 26 de julio de 1928, hijo de Jacob Leonard Kubrick, un médico estadounidense nacido en una familia judía de ascendencia austríaca, polaca y rumana, así como de Sadie Gertrude Perveler, ama de casa estadounidense, también de ascendencia judía. De niño, se apasionó por la antigua Grecia y también por los cuentos de hadas nórdicos, el ajedrez y las canciones de jazz. Temporalmente se ganaba la vida con partidas de ajedrez y también tocaba la batería.

En 1945, sus padres le regalaron a Stanley una cámara y el joven comenzó a tomar fotografías de un vendedor de periódicos entristecido por la noticia de la muerte del presidente Roosevelt, ofreciéndosela a Look para su publicación. En esos mismos años, siguió los estudios de investigación creativa sobre fotografía (que afectaron su rendimiento escolar) y comenzó a entusiasmarse por la poesía y la filosofía, lo que lo llevó a estudiar la ideología de Nietzsche.

En 1949 dirigió el cortometraje Día de la pelea, un docudrama sobre el boxeador Walter Cartier realizado por solo 3,900 dólares con la ayuda de amigos y familiares, y que revendió a RKO por 4,000 dólares. El siguiente docudrama, hecho para RKO por 1,500 dólares, fue Flying Padre, sobre un sacerdote de Nuevo México que viaja por la vasta área de su parroquia usando un pequeño avión de viaje.

Ver Miedo y Deseo

Michael Cimino

Cimino nació en la ciudad de Nueva York el 3 de febrero de 1939. Estudió arquitectura y artes dramáticas en la Universidad de Yale y luego trabajó como director comercial y guionista. En 1974, debutó en el largometraje con Thunderbolt and Lightfoot, un thriller criminal protagonizado por Clint Eastwood. La película fue un éxito crítico y comercial, y ayudó a establecer a Cimino como un cineasta importante.

La siguiente película de Cimino, El cazador (1978), fue un triunfo crítico y comercial, y ganó cinco premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. La película cuenta la historia de tres amigos de un pequeño pueblo de Pensilvania que son enviados a luchar en la Guerra de Vietnam. El cazador es ampliamente considerada una de las mejores películas jamás hechas, y es conocida por su retrato sin concesiones de los horrores de la guerra.

Después de The Deer Hunter, la carrera de Cimino comenzó a decaer. Su siguiente película, Heaven’s Gate (1980), fue un desastre crítico y comercial, y se considera uno de los mayores fracasos en la historia del cine. Las películas posteriores de Cimino, como Year of the Dragon (1985) y The Sicilian (1987), también fueron fracasos comerciales y críticos.

Cimino continuó haciendo películas durante las décadas de 1990 y 2000, pero nunca recuperó el éxito crítico y comercial de sus primeros años. Su última película, Big Bad Love (2007), fue un fracaso crítico y comercial. Cimino falleció el 2 de julio de 2016, a los 77 años. Fue una figura compleja y contradictoria, pero también un cineasta talentoso que realizó algunas de las películas más importantes de los años 70.

John Boorman

Boorman nació en Lee-on-the-Solent, Hampshire, Inglaterra, el 17 de enero de 1933. Estudió inglés y literatura en la Universidad de Oxford y comenzó su carrera como documentalista para la BBC. En 1965, hizo su debut en el cine de ficción con Catch Us If You Can, una comedia negra de crimen y suspenso. La película fue un éxito crítico y comercial que lanzó la carrera de Boorman.

La siguiente película de Boorman, Point Blank, fue un thriller criminal neo-noir protagonizado por Lee Marvin. La película fue un éxito crítico y comercial y se considera una de las mejores películas neo-noir jamás realizadas. El gran éxito de Boorman llegó con Deliverance, un thriller de suspenso sobre cuatro amigos que hacen un viaje en canoa por la naturaleza salvaje de Georgia y son atacados por un grupo de campesinos. La película fue un éxito crítico y comercial y fue nominada a tres premios Óscar, incluyendo Mejor Película.

Boorman continuó con Deliverance con una serie de películas exitosas, incluyendo Zardoz (1974), una película de ciencia ficción protagonizada por Sean Connery; Exorcist II: The Heretic (1977), una secuela de la película de terror de 1973 The Exorcist; y Excalibur (1981), una película de fantasía sobre la leyenda artúrica.

En las décadas de 1980 y 1990, Boorman continuó haciendo películas, pero no alcanzó el mismo nivel de éxito crítico o comercial que tuvo en los años 70. En años recientes, Boorman ha dirigido varios documentales, incluyendo Stolen Seas (2009), una película sobre la sobrepesca; y Seahorse (2016), una película sobre el declive de la población de caballitos de mar.

Martin Scorsese

Martin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942, en el área de Flushing del distrito de Queens en la ciudad de Nueva York. Su familia se mudó a Little Italy en Manhattan antes de que comenzara la escuela. Tanto la madre como el padre de Scorsese, Charles Scorsese y Catherine Scorsese, trabajaban en el Distrito de la Confección de Nueva York. Ambos eran de origen italiano.

Cuando era adolescente en el Bronx, Scorsese alquilaba regularmente películas de Pressburger y Powell como Los cuentos de Hoffmann (1951) en una tienda que tenía una réplica del carrete. Fue uno de los únicos 2 individuos que la alquilaban continuamente; el otro fue el futuro director de cine George A. Romero. Después de graduarse de la escuela secundaria, Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, donde estudió cine. Se graduó en 1968 con una licenciatura en artes en cine.

El primer largometraje de Scorsese, ¿Quién llama a mi puerta?, se estrenó en 1967. La película fue un fracaso crítico y comercial, pero ayudó a Scorsese a establecerse como un cineasta talentoso. El gran avance de Scorsese llegó en 1972 con el estreno de Boxcar Bertha. La película fue un éxito crítico y comercial, y estableció a Scorsese como un director importante en Hollywood. Scorsese continuó haciendo películas exitosas durante las décadas de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más notables de este período incluyen Calles peligrosas (1973), Taxi Driver (1976), Toro salvaje (1980) y El rey de la comedia (1983).

Estas películas se caracterizaron por su violencia, humor negro y la exploración de temas como la religión, la culpa y la redención. También fueron todas aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. Scorsese continuó haciendo películas exitosas en los años 1990 y 2000. Algunas de sus películas más notables de este período incluyen Buenos muchachos (1990), Casino (1995), Pandillas de Nueva York (2002), Los infiltrados (2006) y Hugo (2011). Estas películas fueron todas aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. También continuaron explorando temas que habían sido centrales en la obra de Scorsese a lo largo de su carrera, como la violencia, la religión y la culpa.

Wim Wenders

Wim Wenders es uno de los directores más importantes e influyentes del cine alemán e internacional. Nacido en Düsseldorf en 1945, comenzó su carrera cinematográfica en 1967 con el cortometraje «Scenari». Durante las siguientes décadas, dirigió una serie de películas que exploraron temas como la soledad, la alienación, el amor y la búsqueda de un sentido de pertenencia.

Sus películas más conocidas incluyen: Alicia en las ciudades (1974), un road movie con Bruno Ganz y Rüdiger Vogler que narra el encuentro entre dos hombres en busca de un sentido de pertenencia. París, Texas (1984), un drama protagonizado por Harry Dean Stanton y Nastassja Kinski que cuenta la historia de un hombre que intenta encontrar a su esposa e hijo desaparecidos. Las alas del deseo (1987), una película fantástica con Bruno Ganz y Otto Sander que relata la historia de dos ángeles que observan las vidas de los seres humanos.

Wenders es un director ecléctico que ha experimentado con diferentes géneros, desde la comedia hasta el drama, desde el documental hasta el musical. Sus películas se caracterizan por un uso expresivo de la fotografía y una fuerte atención a temas existenciales.

Franco Piavoli

Franco Piavoli nació en Pozzolengo, cerca de Brescia, en 1933. Asistió a la escuela secundaria y en 1956 se graduó en derecho en Pavía. Completó su formación dedicándose al estudio de la horticultura así como de la ecología. Apasionado por la pintura y la fotografía, se hace amigo del joven fotógrafo local Ugo Mulas.

También se convirtió en abogado y luego en profesor de derecho y administración de empresas en escuelas secundarias. Sigue sus pasiones con tenacidad, creando un cine poético independiente de rara belleza: una vida y también una poética madurada en estrecho contacto con el territorio de origen, el hermoso pueblo de Brescia, el anfiteatro de las colinas morrénicas, una fuente constante de ideas. Las películas de Piavoli se caracterizan por sus planos largos, panorámicas lentas y uso de luz natural. A menudo utiliza cámaras en mano, y sus películas tienen un aspecto áspero y sin pulir. Esto es intencional, ya que Piavoli quiere crear películas que se sientan reales e inmediatas.

Las películas de Piavoli a menudo exploran temas como el tiempo, la memoria y la relación entre el hombre y la naturaleza. Le interesa la manera en que el tiempo puede distorsionar nuestra percepción de la realidad, y a menudo utiliza flashbacks y cámara lenta para crear una atmósfera onírica. Piavoli también está interesado en cómo la naturaleza puede reflejar nuestro estado interior, y sus películas a menudo presentan paisajes impresionantes y primeros planos de detalles naturales.

Brian De Palma

Brian De Palma (nacido el 11 de septiembre de 1940) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Es considerado uno de los directores más importantes e influyentes del cine contemporáneo. De Palma nació en Newark, Nueva Jersey, en 1940. Estudió cine en la Universidad de Nueva York, donde realizó varios cortometrajes, incluyendo The Wedding Party (1963), que fue su primer film en recibir un amplio estreno.

En 1968, De Palma dirigió su primer largometraje, Murder à la mod, un film noir protagonizado por una joven Angie Dickinson. La película fue un éxito crítico y lanzó la carrera de De Palma como director. Las películas de Brian De Palma son controvertidas, no solo por sus temas sino también por su estilo. En otras palabras, es difícil aceptar pasivamente una película de Brian De Palma. Es una obra interesante que a menudo explora el lado tabú y oscuro de la experiencia humana, en algunos casos.

Su impacto hitchcockiano es evidente en Sisters, Dressed to Kill y Body Double, pero la filmografía de De Palma es mucho más matizada que eso. Otros destacados incluyen The Untouchables, Blow Out y una de las adaptaciones más efectivas de Stephen King, Carrie. Brian De Palma ha innovado el lenguaje cinematográfico con secuencias donde la organización del tiempo y el espacio es asombrosa. Quizás la película más extraordinaria de su filmografía sea la que marcó el inicio de su carrera: The Phantom of Paradise.

Steven Spielberg

Steven Spielberg revolucionó el cine estadounidense de grandes éxitos, comenzando con su película de éxito Jaws, a la que se le atribuye en parte la invención del formato moderno de blockbuster. A lo largo de cinco décadas, ha demostrado una versatilidad notable, transitando sin esfuerzo entre aventuras espectaculares de acción y dramas históricos reflexivos, estableciéndose como una de las figuras más influyentes del cine.

La filmografía de Spielberg abarca desde el escapismo emocionante de Indiana Jones y Jurassic Park hasta la gravedad moral de Schindler’s List y Saving Private Ryan, mostrando su capacidad para equilibrar el entretenimiento con la profundidad artística. Sus dramas íntimos como Catch Me if You Can y Bridge of Spies revelan a un director igualmente cómodo con estudios de personajes más pequeños. Con una recaudación mundial que supera los 10.7 mil millones de dólares, Spielberg nunca se ha dormido en los laureles, encontrando continuamente enfoques innovadores tanto para el espectáculo como para la narración, manteniendo la integridad artística que define su legado.

Michael Mann

Michael Mann (nacido el 5 de febrero de 1943) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Es conocido principalmente por sus dramas criminales estilizados, que a menudo exploran temas de obsesión, violencia y ambigüedad moral. Las películas de Mann también son conocidas por su meticulosa atención al detalle, su realismo crudo y el uso de técnicas cinematográficas innovadoras.

Michael Mann estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin–Madison y luego trabajó como periodista para The Miami Herald. A principios de los años 70, se trasladó a Los Ángeles para perseguir una carrera en televisión. Mann comenzó su carrera como guionista y productor de televisión. Creó la serie de televisión Miami Vice (1984–1989), que fue un éxito crítico y comercial. También dirigió varios episodios de la serie, y su trabajo en el programa ayudó a establecer su reputación como director de dramas de acción estilizados y llenos de suspenso. Mann debutó en el cine con Thief (1981), un thriller criminal neo-noir protagonizado por James Caan. La película fue un éxito crítico y comercial, y estableció el estilo característico de Mann de realismo crudo y violencia estilizada.

Las películas posteriores de Mann incluyen The Last of the Mohicans (1992), un épico drama histórico de acción protagonizado por Daniel Day-Lewis; Heat (1995), un thriller criminal neo-noir protagonizado por Al Pacino y Robert De Niro; The Insider (1999), un drama biográfico protagonizado por Russell Crowe y Al Pacino; Collateral (2004), un thriller criminal neo-noir protagonizado por Tom Cruise y Jamie Foxx; Miami Vice (2006), una adaptación cinematográfica de la serie de televisión de Mann; Public Enemies (2009), un drama criminal biográfico protagonizado por Johnny Depp; Blackhat (2015), un thriller de ciberdelincuencia protagonizado por Chris Hemsworth; y Luck (2011–2012), una serie de televisión sobre carreras de caballos.

Danny Boyle

Danny Boyle es un cineasta inglés que ha ganado un Premio de la Academia, dos premios BAFTA, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Directores de América. Es conocido por su trabajo en películas como Shallow Grave, Trainspotting, 127 Hours y Slumdog Millionaire.

Boyle nació en Radcliffe, Greater Manchester, Inglaterra, el 20 de octubre de 1956. Estudió inglés y cine en la Universidad de Salford y comenzó su carrera haciendo documentales para televisión. En 1994, debutó en el cine con Shallow Grave, una comedia negra de crimen y suspenso. La película fue un éxito crítico y comercial que lanzó la carrera de Boyle.

La siguiente película de Boyle, Trainspotting (1996), fue una adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh. La película fue un éxito crítico y comercial y se considera una de las mejores películas británicas de todos los tiempos. Trainspotting fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Guion Adaptado y ganó el premio BAFTA a la Mejor Película.

Ridley Scott

Ridley Scott es un maestro de la narración visual que ha demostrado una excepcional versatilidad a lo largo de su prolífica carrera en múltiples géneros. Conocido por crear mundos inmersivos con meticulosa atención al diseño y la atmósfera, Scott ha construido una filmografía que combina sin esfuerzo el éxito comercial con la ambición artística, convirtiéndolo en uno de los arquitectos visuales más respetados del cine contemporáneo.

El trabajo de Scott abarca épicas de ciencia ficción, dramas históricos y estudios íntimos de personajes, cada uno marcado por una cinematografía impresionante y una construcción detallada de mundos. Sus películas muestran a un director dispuesto a tomar riesgos estilísticos mientras mantiene el atractivo para el público general, logrando un total mundial en taquilla que supera los 5 mil millones de dólares. Desde proyectos ambiciosos hasta narrativas de menor escala, la visión directorial de Scott demuestra un compromiso inquebrantable con la artesanía y la excelencia visual que ha influido en generaciones de cineastas.

Luc Besson

Luc Besson es un renombrado cineasta francés que ha cautivado a audiencias de todo el mundo con sus películas visualmente impresionantes y llenas de acción. Nacido en París el 18 de marzo de 1959, Besson desarrolló una pasión por el cine desde joven, a menudo faltando a la escuela para ver películas en los cines locales. Su carrera cinematográfica despegó en los años 80 con una serie de películas aclamadas por la crítica, incluyendo «Le Dernier Combat» (1983), una película de acción post-apocalíptica, y «Subway» (1985), un thriller estilizado ambientado en el metro parisino.

El gran salto internacional de Besson llegó con «The Big Blue» (1988), un drama submarino visualmente impresionante que cautivó a las audiencias con su cinematografía impresionante y la historia de la obsesión de dos amigos por el apnea. El éxito de la película impulsó a Besson a Hollywood, donde continuó dejando su huella con películas como «La Femme Nikita» (1990), un thriller de acción sobre una asesina, y «Léon: The Professional» (1994), un clásico de culto sobre un sicario y una niña.

La versatilidad de Besson como cineasta es evidente en su diversa filmografía, que abarca géneros desde la acción y la ciencia ficción hasta épicos históricos y dramas románticos. También se ha aventurado en la producción y la escritura, mostrando su talento detrás de cámaras. Sus producciones más destacadas incluyen «Taxi» (1998), una comedia de acción de alta intensidad, y «District 9» (2009), una película de ciencia ficción y acción sudafricana.

Joel y Ethan Coen

Joel y Ethan Coen son cineastas estadounidenses conocidos por sus películas excéntricas, oscuras y a menudo violentas. Han escrito y dirigido algunas de las películas más aclamadas por la crítica y comercialmente exitosas de los últimos 30 años, incluyendo Fargo (1996), The Big Lebowski (1998), No Country for Old Men (2007), y True Grit (2010).

Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954 en St. Louis Park, Minnesota. Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957 en St. Louis Park, Minnesota. Los hermanos crecieron en Minneapolis y asistieron a Simon’s Rock of the Bard College en Great Barrington, Massachusetts. Tras graduarse, se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde trabajaron como editores y guionistas de cine. En 1984, los hermanos Coen hicieron su debut como directores con la comedia criminal Blood Simple. La película fue un éxito crítico y estableció a los hermanos Coen como una voz única e innovadora en el cine estadounidense.

Los hermanos Coen han continuado escribiendo y dirigiendo una amplia variedad de películas, incluyendo comedias, dramas, thrillers y westerns. Han sido elogiados por sus diálogos agudos, sus personajes memorables y su habilidad para mezclar géneros y estilos. Los hermanos Coen han ganado cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Guion Adaptado por No Country for Old Men. También han ganado tres Globos de Oro y dos premios BAFTA.

David Lynch

David Lynch (nacido el 20 de enero de 1946) es un cineasta, pintor, músico y fotógrafo estadounidense. Es conocido por sus películas surrealistas, a menudo perturbadoras y cargadas psicológicamente. Sus películas exploran temas de alienación, obsesión y el lado oscuro de la naturaleza humana. Estudió cine en la Universidad de Kansas, donde realizó varios cortometrajes, incluyendo The Grandmother (1967) y Eraserhead (1977). Eraserhead, un biopic oscuro y perturbador sobre la caída en la locura de un hombre, fue el primer largometraje de Lynch y estableció su estilo único y desconcertante.

Las películas posteriores de Lynch incluyen Elephant Man (1980), un drama biográfico sobre Joseph Merrick, Blue Velvet (1986), un misterio neo-noir sobre un joven que descubre un oscuro secreto en su vecindario, Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), una precuela de su serie de culto Twin Peaks, Mulholland Drive (2001), un thriller psicológico neo-noir, y Inland Empire (2006), una película experimental y lynchiana sobre una actriz de Hollywood que se pierde cada vez más en un mundo surrealista y de pesadilla.

Si has leído su publicación sobre la Meditación Trascendental, sabes que David Lynch tiene la tendencia a «capturar» sus ideas en algún lugar en las profundidades de su propio subconsciente. Al ver sus películas, rápidamente queda claro que esto es completamente cierto.

Lo que Lynch nos muestra son sueños, inexplicables y oscuros. Eraserhead es un desafío, Blue Velvet es un dolor de cabeza suburbano, así como Lost Highway es un rompecabezas de doppelgänger para poner fin a todas las películas de este género. La tercera temporada de Twin Peaks son casi 18 horas de televisión emocionante y audaz. Su obra cumbre probablemente terminará siendo Mulholland Dr., considerada una de las mayores obras maestras de todos los tiempos. ¿Y cómo olvidar la increíble El hombre elefante? Una filmografía increíble, llena de hitos del cine.

Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson representa las ambiciones y posibilidades radicales del cine moderno, demostrando que la cinematografía contemporánea puede alcanzar la profundidad y complejidad del cine clásico. Emergió como uno de los grandes autores del cine antes de los treinta años con Whiplash, Anderson demuestra un compromiso por empujar los límites narrativos y visuales mientras mantiene una sofisticación temática y resonancia emocional.

El enfoque directorial de Anderson combina maestría técnica con profundidad psicológica, creando películas que desafían la narrativa convencional mientras permanecen emocionalmente atractivas. Su obra ejemplifica la posibilidad de un cine que es simultáneamente ambicioso, radical e intelectualmente riguroso, apelando tanto a críticos como a audiencias exigentes. Como cineasta que obtuvo reconocimiento antes de cumplir los treinta, Anderson representa una nueva generación de directores que rechazan el compromiso entre integridad artística e impacto cinematográfico, estableciéndose como una voz crucial en el cine del siglo XXI.

Matteo Garrone

Matteo Garrone es un director de cine, guionista y productor italiano. Nació en Roma el 15 de octubre de 1968. Garrone comenzó su carrera como realizador de cortometrajes, ganando el David di Donatello al Mejor Cortometraje en 1996 con Terra di Mezzo. Su debut en largometrajes llegó en 2000 con L’imbalsamatore, un film noir ambientado en Roma que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia.

La siguiente película de Garrone, Gomorra (2008), es una adaptación de la novela homónima de Roberto Saviano. La película es un retrato realista de la Camorra napolitana y fue un éxito crítico y comercial, ganando el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes. Garrone ha continuado dirigiendo películas exitosas, incluyendo Reality (2012), una sátira sobre la televisión italiana que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, y Dogman (2018), un drama ambientado en Roma que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes.

Garrone es un maestro en crear una sensación de realismo en sus películas. Sus filmes suelen estar ambientados en lugares reales y presentan personajes extraídos de la vida real. Garrone también es un maestro en capturar la atmósfera de un lugar o de un período histórico.

Paolo Sorrentino

Paolo Sorrentino es un director de cine, guionista y productor italiano. Nació en Nápoles, Italia, el 31 de mayo de 1970. Sorrentino comenzó su carrera como realizador de cortometrajes, ganando el David di Donatello al Mejor Cortometraje en 2001 con Un Paradiso. Su debut en largometrajes llegó en 2001 con L’uomo in più, un drama que ganó el David di Donatello al Mejor Director Novel.

La siguiente película de Sorrentino, Le conseguenze dell’amore (2004), es un drama ambientado en Nápoles que ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes. La película fue un éxito crítico y comercial y lanzó la carrera internacional de Sorrentino. Sorrentino ha continuado dirigiendo filmes exitosos, incluyendo Il Divo (2008), un biopic sobre Giulio Andreotti que ganó el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera, La Grande Bellezza (2013), una película satírica sobre la sociedad italiana que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera, y È stata la mano di Dio (2021), un filme semi-autobiográfico que ganó el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Sorrentino es un director versátil que ha explorado una variedad de géneros, incluyendo drama, comedia, biopic y musical. Sus películas se caracterizan por una dirección elegante y refinada, guiones inteligentes y un enfoque en la belleza y la melancolía.

Darren Aronofsky

Aronofsky nació en Brooklyn, Nueva York, el 12 de febrero de 1969. Estudió realización cinematográfica en la Universidad de Harvard y más tarde en el American Film Institute (AFI). Tras graduarse en el AFI, Aronofsky realizó varios cortometrajes, incluyendo Supermarket Sweepstakes (1991) y Pi (1998). El gran salto de Aronofsky llegó con su película de 2000 Requiem for a Dream, un drama oscuro y perturbador sobre cuatro personajes que luchan contra la adicción. La película fue un éxito crítico y comercial, y estableció a Aronofsky como un nuevo talento importante en el cine estadounidense.

Continuó con una serie de filmes aclamados, incluyendo The Fountain (2006), una épica visualmente impresionante sobre el amor y la inmortalidad; The Wrestler (2008), un drama crudo y realista sobre un luchador profesional; Black Swan (2010), un thriller psicológico sobre una bailarina obsesionada con la perfección; Noah (2014), una épica bíblica sobre la historia del Arca de Noé; y Mother! (2017), una película de terror psicológico sobre una mujer atormentada por una serie de extraños visitantes en su hogar.

Las mejores películas de Aronofsky están ancladas en antihéroes tercos y desgarradores, impulsados hacia la autodestrucción por su encanto. Otro punto notable a considerar sobre su filmografía es su capacidad para oscilar entre el lo-fi en 16mm (Cisne Negro, El luchador) y lo hermoso e incluso exuberante (La fuente de la vida, Noé).