La era del cine mudo
Directores de Cine Mudo
- Ernest Lubitsch: director alemán que dirigió varias películas mudas exitosas, como «El abanico de Lady Windermere» (1925) y «El príncipe consorte» (1927). Es conocido por su comedia sofisticada y su uso del humor visual.
- King Vidor: director estadounidense que abarcó varios géneros durante la era del cine mudo, dirigiendo películas como «The Great Trail» (1925) y «The Crowd» (1928). También tuvo una carrera exitosa en la era sonora.
- Carl Theodor Dreyer: director danés conocido por su estilo lírico y contemplativo. Su película muda más famosa es «La pasión de Juana de Arco» (1928), considerada una obra maestra del expresionismo cinematográfico.
- Cecil B. DeMille: director estadounidense que dirigió películas mudas épicas y espectaculares, como ‘Los diez mandamientos’ (1923) y ‘El rey de reyes’ (1927). También tuvo una carrera exitosa en la era sonora.
- Abel Gance: director francés conocido por su película «Napoleón» (1927), una epopeya histórica que experimentó con técnicas de montaje innovadoras y espectaculares.
- Victor Sjöström: director sueco que dirigió películas como ‘El viento’ (1928) y ‘La carga de la brigada ligera’ (1926). Es considerado uno de los grandes directores de la era del cine mudo.
- Lois Weber: pionera directora estadounidense, Weber fue una de las primeras mujeres en dirigir películas en Estados Unidos. Dirigió obras socialmente relevantes como «Zapatos» (1916) y «Hipócritas» (1915).
- Yasujirō Ozu: director japonés conocido por sus películas íntimas y contemplativas. Durante el período del cine mudo, dirigió películas como «Tokyo Chorus» (1931) y «Los niños de Tokio» (1932).
Estos cineastas contribuyeron significativamente a la cinematografía del cine mudo, dejando un legado duradero e influyendo en generaciones de cineastas posteriores.
Estrellas del Cine Mudo
Durante la era del cine mudo, muchas estrellas alcanzaron gran fama gracias a sus actuaciones en la pantalla grande. Aquí están algunas de las principales estrellas del cine mudo:
- Charlie Chaplin: considerado uno de los más grandes actores y directores del cine mudo, Chaplin es mejor conocido por su personaje El Vagabundo. Cautivó al público con su estilo cómico y conmovedor, convirtiéndose en uno de los íconos más reconocibles del cine.
- Mary Pickford: Conocida como «el amor de América,» Mary Pickford fue una de las primeras estrellas de cine. Protagonizó una serie de exitosas películas mudas, como ‘Stella Maris‘ (1918) y ‘Little Lord Fauntleroy’ (1921).
- Rudolph Valentino: El actor ítalo-estadounidense Rudolph Valentino se ha convertido en un ícono del cine mudo gracias a sus interpretaciones románticas y sensuales. Películas como ‘The Mark of Zorro’ (1920) y ‘The Son of the Sheik’ (1926) consolidaron su popularidad.
- Buster Keaton: Conocido como «el gran mudo,» Buster Keaton fue famoso por su destreza acrobática y humor físico. Protagonizó y dirigió películas como «The General» (1926) y «Sherlock Jr.» (1924).
- Greta Garbo: La actriz sueca Greta Garbo cautivó al público con su belleza e intensidad emocional. Protagonizó películas como ‘The Flesh and the Devil’ (1926) y ‘The Woman with Two Faces’ (1927).
- Douglas Fairbanks: Conocido por sus interpretaciones de héroes de acción, Douglas Fairbanks ha fascinado al público con su atletismo y carisma. Películas como ‘The Mark of Zorro’ (1920) y ‘Robin Hood’ (1922) lo convirtieron en una estrella del cine mudo.
- Clara Bow: Clara Bow, apodada «la verdadera It Girl,» fue uno de los primeros símbolos sexuales del cine. Apareció en películas como ‘It’ (1927) y ‘Wings‘ (1927), que le otorgaron gran popularidad.
- Gloria Swanson: La actriz Gloria Swanson es conocida por sus interpretaciones de mujeres de fuerte voluntad y personalidad dominante. Es famosa por su papel en la película «Sunset Boulevard» (1950), pero también protagonizó varias exitosas películas mudas como «The Smile of the Mona Lisa» (1925).
- Lillian Gish: Considerada una de las más grandes actrices del cine mudo, Lillian Gish tuvo una larga carrera que se extendió también a la era sonora. Es conocida por sus actuaciones en películas como ‘Birth of a Nation’ (1915) y ‘The Passion of Joan of Arc’ (1928).
- Harold Lloyd: Harold Lloyd fue un famoso comediante del cine mudo, conocido por sus gags físicos y acrobacias. Protagonizó y dirigió comedias exitosas, como ‘Safety Last!’ (1923), en la que realizó una escena famosa escalando un edificio alto. Lloyd se ha convertido en uno de los rostros más reconocibles del cine mudo.
- Louise Brooks: La actriz estadounidense Louise Brooks se ha convertido en un ícono del cine mudo gracias a su estilo distintivo y su corte de cabello bob. Es famosa por su papel en la película ‘Pandora’s Box’ (1929), dirigida por G.W. Pabst.
- Lon Chaney: Conocido como «el hombre de las mil caras,» Lon Chaney fue un actor notable que interpretó una gran variedad de papeles en el cine mudo. Es famoso por sus transformaciones físicas y actuaciones intensas en películas como ‘The Hunchback of Notre Dame’ (1923) y ‘Phantom of the Opera’ (1925).
- Clara Bow: Conocida como «the It Girl», Clara Bow fue una de las actrices más populares de la década de 1920. Era amada por su encanto y personalidad vivaz, y apareció en películas como ‘It’ (1927) y ‘Mantrap’ (1926).
- Pola Negri: La actriz polaca Pola Negri fue una de las primeras estrellas internacionales del cine mudo. Protagonizó varias películas exitosas, como ‘Lola’s Sin’ (1927) y ‘Passion’ (1928), y se convirtió en una de las figuras más populares del cine en esa época.
- John Gilbert: El actor estadounidense John Gilbert fue uno de los principales actores románticos del cine mudo. Es conocido por sus actuaciones en películas como ‘The Big Parade’ (1925) y ‘The Broken Barrier’ (1929), junto a estrellas como Greta Garbo.
- Colleen Moore: La actriz estadounidense Colleen Moore fue una de las flappers más famosas del cine mudo. Apareció en varias películas exitosas, como ‘Flaming Youth’ (1923) y ‘Orchids and Ermine’ (1927).
- Harold Chapin: Harold Chapin fue un actor y director británico que trabajó en el cine mudo. Es conocido por su trabajo en la película ‘A Corner in Colleens’ (1919) y otras producciones británicas de la época.
Estos son solo algunos de los actores más celebrados del cine mudo, pero hay muchos más que ayudaron a hacer inolvidable la era del cine mudo.
Películas mudas en el mundo
Durante la era del cine mudo, diferentes producciones y países jugaron un papel significativo en el cine mudo. Aquí están algunos de los más importantes:
- Hollywood (Estados Unidos de América): Hollywood se ha convertido en la meca del cine mudo y el principal centro de producción cinematográfica. Grandes estudios de cine como Paramount Pictures, Warner Bros., Universal Pictures y MGM han producido numerosas películas mudas exitosas. Hollywood dio origen a muchas estrellas del cine mudo e influyó en la cinematografía mundial.
- Alemania: Durante el período del cine mudo, Alemania desempeñó un papel crucial en la innovación cinematográfica. El cine expresionista alemán, con directores como F.W. Murnau y Fritz Lang, produjo películas de gran impacto visual y temático. Obras como «El Gabinete del Dr. Caligari» (1920) y «Metrópolis» (1927) se han convertido en clásicos del cine.
- Francia: Francia ha tenido una influencia significativa en el cine mudo con el movimiento artístico del cine de vanguardia. Cineastas como Abel Gance experimentaron con técnicas visuales innovadoras y narrativas no lineales. Películas como «Napoleón» (1927) son consideradas obras maestras del cine mudo francés.
- Italia: Italia ha tenido una rica tradición de cine mudo, especialmente en el género del melodrama y peplum (películas históricas). El director italiano Giovanni Pastrone dirigió la célebre película «Cabiria» (1914), que se ha convertido en una referencia para los épicos históricos de la época.
- Unión Soviética: La cinematografía soviética desempeñó un papel importante durante el cine mudo, especialmente con directores como Sergei Eisenstein y Dziga Vertov. Películas como «Acorazado Potemkin» (1925) y «La cola» (1927) contribuyeron a la teoría del montaje y abordaron cuestiones sociales y políticas.
- Reino Unido: El Reino Unido ha producido varias películas mudas exitosas, incluyendo la comedia slapstick de Charles Chaplin y filmes de Alfred Hitchcock. El director británico Alfred Hitchcock comenzó su carrera en el cine mudo y dirigió películas como ‘The Boarder’ (1927) y ‘The Farmer’s Wife’ (1928).
- Japón: Japón también tuvo una producción significativa de películas mudas. Directores como Yasujirō Ozu realizaron obras que reflejaban la cultura y sociedad japonesa.
Estos países y sus producciones dejaron una marca indeleble en la historia del cine mudo e influyeron en el desarrollo del cine mundial.
El fin de la era del cine mudo
La era del cine mudo comenzó a declinar con la llegada del sonido al cine a finales de los años 1920. La primera película sonora exitosa, «The Jazz Singer» (1927), marcó un punto de inflexión significativo en la industria cinematográfica. La capacidad de sincronizar audio con imagen abrió nuevas posibilidades narrativas y artísticas.
La introducción del sonido provocó un cambio importante en la industria del cine. Muchos actores y directores del cine mudo tuvieron que adaptarse al nuevo medio, mientras que otros lucharon por hacerlo. Algunas estrellas mudas tenían voces que no coincidían con las expectativas del público, lo que llevó a una rápida caída en su popularidad.
La adopción del sonido también requirió un gran esfuerzo técnico. Los cines de todo el mundo tuvieron que instalar nuevos sistemas de sonido y los costos de producción se dispararon. Algunas películas mudas fueron convertidas en sonoras mediante la adición de diálogos y música grabados por separado, pero este proceso no siempre fue preciso ni efectivo.
A pesar de los cambios, algunos cineastas y actores del cine mudo lograron adaptarse con éxito a la era del sonido y continuaron trabajando en el cine. Otros, sin embargo, vieron sus carreras afectadas y desaparecieron de la escena cinematográfica.
La transición al sonido fue gradual, pero las películas mudas se volvieron cada vez más raras durante la década de 1930. El sonido se estableció como un nuevo estándar y abrió nuevas posibilidades de expresión en el cine. Sin embargo, la era del cine mudo dejó un legado duradero y muchas obras de ese período aún son consideradas obras maestras cinematográficas.
Nosferatu
Cuando un joven agente inmobiliario, Thomas Hutter, va al castillo para cerrar un trato, Orlok se siente atraído por su sangre y decide seguirlo a su ciudad natal. La llegada del conde provoca una serie de muertes misteriosas y genera pánico entre los habitantes.
Murnau, a través de imágenes evocadoras y atmósferas perturbadoras, crea una obra que va mucho más allá de la simple adaptación de la novela de Stoker. La película explora temas universales como el miedo a la muerte, el aislamiento y la pérdida de la humanidad. La producción de Nosferatu se caracterizó por algunas dificultades legales debido a los derechos de autor de la novela de Bram Stoker. A pesar de esto, Murnau y su equipo lograron hacer una película de gran impacto visual. La elección de Max Schreck para interpretar al Conde Orlok fue ingeniosa. Su apariencia cadavérica y sus movimientos antinaturales han convertido al personaje de Orlok en uno de los monstruos icónicos en la historia del cine. Con el paso de los años, Nosferatu se ha convertido en una película de culto, influyendo en generaciones de cineastas y convirtiéndose en un punto de referencia para el género de terror. La imagen del Conde Orlok, con sus uñas alargadas y ojos hundidos, se ha convertido en un ícono del cine de horror.
Las películas mudas que absolutamente no te puedes perder
The Wishing Ring (1914)
En una idílica Inglaterra antigua, un heredero malcriado fugitivo conoce a la dulce hija de un párroco, desatando romance y travesuras. La obra de Maurice Tourneur entreteje un amor tierno y una aventura ligera en pintorescos escenarios campestres.
La exuberante cinematografía de Tourneur captura la belleza pastoral sin excesos empalagosos, anclada en el encanto travieso de Vivian Martin. Esta obra temprana de autor prioriza la poesía visual y la interacción matizada entre personajes sobre la trama, influyendo en posteriores cineastas independientes. Su delicado equilibrio entre la fantasía y la humanidad la convierte en una joya del cine de arte anterior a la Primera Guerra Mundial, merecedora de ser redescubierta.
Walk Cheerfully
Drama, crime, by Yasujirō Ozu, Japan, 1930.
The plot of the film follows the story of Kenji, a low-ranking gangster, who decides to give up his life of crime and settle down. He falls in love with Yasue, a young car mechanic, and the two plan to get married. However, Kenji's past catches up with him when his former gang mates try to get him involved in a new criminal business. "Walk Cheerfully!" explore themes of redemption, love, and the struggle to break free from a life of crime. Like many of Ozu's works, the film delves into the complexities of human relationships and social norms.
It is a film that enchants the viewer with its emotional depth and visual elegance, through the winding roads of redemption and love, in a subtle ballet between past and future. Ozu's direction is masterful: through the skilful use of the characters' facial expressions and the dynamics of relationships, he captures the viewer's heart. Visual storytelling is a symphony of emotions and meanings that speaks directly to the viewer's soul without the need for words. "Walk Cheerfully!" it is a work that transcends time, as it explores universal themes such as the desire for redemption, the power of love and the struggle against one's past. Ozu reminds us that each of us has a chance to change and find happiness, even when it seems that fate has already written the script for us.
LANGUAGE: Japanese
SUBTITLES: English, Spanish, French, German, Portuguese
El Golem (1920)
Der Golem, wie er in die Welt kam» (también conocido como «El Golem») es una película muda alemana de 1920 dirigida por Paul Wegener y Carl Boese. Es una de las obras maestras del cine expresionista alemán y está basada en la leyenda judía del Golem. La película está ambientada en el siglo XVI en el gueto judío de Praga, donde la comunidad judía es perseguida y vive bajo opresión. El rabino local, Loew, interpretado por el propio Paul Wegener, intenta proteger a su pueblo judío creando un ser de arcilla llamado Golem, que puede ser animado mediante un antiguo hechizo. El Golem es una figura mítica del judaísmo, un gigante con fuerza sobrehumana, creado para defender a los judíos de amenazas externas.
Sin embargo, las cosas toman un giro oscuro cuando el Golem, una vez creado, se vuelve cada vez más incontrolable y se rebela contra el control de su creador. El Golem se enamora de una joven judía llamada Miriam y choca con aquellos que buscan dañar a la comunidad judía. En el caos que sigue, el Golem causa estragos y terror en la ciudad. La película explora temas como el poder y sus abusos, la alienación, el miedo al otro y la delgada línea entre el hombre y su creación. A través de su estilo expresionista, caracterizado por escenarios sugerentes y una iluminación particular, la película crea una atmósfera oscura y siniestra, reflejando la tensión y angustia de la época.
El gabinete del Dr. Caligari (1920)
Un hombre llamado Francis relata la aterradora historia del Dr. Caligari, un misterioso showman de carnaval que utiliza a un sonámbulo hipnotizado, Cesare, para cometer una serie de asesinatos en un pequeño pueblo. El mundo de la película es una pesadilla de escenarios retorcidos y pintados y perspectivas distorsionadas, que culmina en un impactante giro final.
Esta película es una piedra angular del cine independiente y de la toma de riesgos. Producida por la pequeña compañía Decla-Film antes de su fusión con el gigante UFA, su estética radical fue posible precisamente gracias a esta libertad de producción. Su mise-en-scène no es mera decoración sino la externalización de la psique fracturada del narrador, una representación visual del trauma posterior a la Primera Guerra Mundial y la desconfianza hacia la autoridad. El espíritu independiente de Caligari es lo que le permitió convertirse en «la primera verdadera película de terror», definiendo un género a través del terror psicológico en lugar de monstruos sobrenaturales.
Sunrise: A Song of Two Humans
Drama, romance, noir, de Friedrich Wilhelm Murnau, Estados Unidos, 1927
Una mujer de la gran ciudad de vacaciones (Margaret Livingston) se queda en un pequeño pueblo junto al lago. Después del anochecer, va a una granja donde el hombre (George O'Brien) y su esposa (Janet Gaynor) cuidan a su hijo. Ella llama al hombre desde la cerca afuera. El hombre está indeciso, pero finalmente se aleja, dejando sola a su otra esposa. El hombre y también la mujer se encuentran a la luz de la luna y se besan apasionadamente. Ella quiere que él venda su granja para ir con ella a la ciudad. Cuando ella sugiere que él resuelva el problema de su esposa ahogándola, él intenta estrangularla violentamente, pero luego cambia completamente su actitud hacia ella. Cuando el hombre y su esposa salen para un paseo en bote por el lago, él se prepara para arrojarla al agua. Pero cuando ella suplica por su misericordia, él se da cuenta de que no puede hacerlo. El hombre rema frenéticamente hacia la orilla, y cuando el bote llega a tierra, su esposa huye presa del pánico.
Amanecer: Una canción de dos humanos, dirigido por el director alemán FW Murnau en su debut cinematográfico en Estados Unidos, está basado en el cuento corto de Carl Mayer "La excursión a Tilsit", publicado en 1917.
Murnau eligió usar el nuevo sistema de sonido Fox Movietone, haciendo de Amanecer una de las primeras películas con banda sonora sincronizada y efectos de sonido. Janet Gaynor ganó el primer Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su interpretación en la película. La película es ahora comúnmente considerada una obra maestra, entre las mejores películas jamás hechas. Muchos la han llamado la mejor película de la era del cine mudo. Murnau, maestro del cine expresionista, fue invitado por William Fox para hacer una película expresionista en Hollywood. El lenguaje y la fotografía de la película son revolucionarios: elegantes planos secuencia, largas secuencias de pura acción sin diálogo en el estilo característico de Murnau. Los personajes permanecen sin nombre, creando la percepción de una historia universal.
IDIOMA: Inglés
SUBTÍTULOS: Español, Francés, Alemán, Portugués
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Within Our Gates (1920)
Sylvia Landry, una mujer afroamericana de piel clara con un pasado traumático, viaja al Norte para recaudar fondos para una escuela en dificultades para niños negros en el Sur. La película utiliza flashbacks para revelar el brutal linchamiento de su familia y confronta las realidades de las leyes de Jim Crow, la violencia racial y las complejidades de la identidad negra.
Este es el film más antiguo que se conserva dirigido por un afroamericano, una obra seminal del cine independiente estadounidense, y un poderoso acto de resistencia política. Su independencia no fue una elección estilística sino una necesidad para contar una historia que Hollywood nunca tocaría. Micheaux utiliza el formato melodramático para montar una crítica ardiente a la supremacía blanca, representando directamente el horror del linchamiento desde una perspectiva negra. La compleja representación de personajes afroamericanos — héroes, villanos y traidores a la raza — representa una ruptura radical con los estereotipos unidimensionales prevalentes en el cine mainstream.
Almas en el Camino (1921)
Los primeros films mudos japoneses eran conocidos por su excesiva narración benshi y su imaginería simplista. Se dice que esto cambió con la película emblemática del cine mudo japonés, «Almas en el Camino» (Rojo no reikion). El director Minoru Murata ha sido celebrado como uno de los pioneros que modernizó el cine mudo japonés. Desafortunadamente, gran parte de su obra se ha perdido y murió a los 43 años en 1937. «Almas en el Camino», una de las pocas películas sobrevivientes de Murata, fue realizada con la intención de abandonar las influencias altamente teatrales del kabuki.
«Almas en el Camino» presenta cuatro tramas entrelazadas. Principalmente narra el destino de un hijo sin un centavo que regresa a casa con su familia y el sufrimiento de dos fugitivos bondadosos. Basada en «Slum Shop» de Maxim Gorky y en una novela alemana de Wilhelm August Schmidtbonn, es una historia de bondad cristiana ambientada en un paisaje invernal hostil. El director Murata alterna erráticamente entre las diferentes tramas, lo que puede confundir inicialmente al espectador sobre los personajes. Esto también podría deberse a que es una versión montada y no la versión completa.
Probablemente Murata se inspiró en la técnica de montaje de D.W. Griffith en «Intolerance» (1916), que cubría eventos que ocurrían en cuatro períodos históricos diferentes. Pero a pesar de los cortes caóticos en «Almas en el Camino», hay mucho que admirar: desde técnicas narrativas (incluyendo flashbacks y disolvencias) hasta filmaciones en locación y actuaciones relativamente naturalistas.
Intolerance
Histórico, drama, por David Wark Griffith, Estados Unidos, 1916.
El Kolossal que cambió la historia del cine al aportar innovaciones ingeniosas y numerosas también al lenguaje cinematográfico. Realizado por Griffith como respuesta a las acusaciones de racismo por su película anterior, El nacimiento de una nación. Cuatro historias distintas a lo largo de 2,500 años contadas en paralelo sobre la intolerancia de la humanidad a lo largo de los siglos: conflictos en la antigua Babilonia, adulterio y crucifixión en la historia bíblica de Judea, el Renacimiento francés, disturbios sociales y los crímenes de la historia estadounidense de principios del siglo XX.
Para reflexionar
El hombre está perpetuamente en conflicto y la causa de todo conflicto existe en su interior. Los seres humanos acumulan tanta ira, locura, demencia dentro de sí mismos que no pueden evitar explotar en alguna nueva guerra. El hombre está dividido internamente, habla de paz y termina creando una nueva guerra. Para resolver las manifestaciones externas del conflicto, debe resolverse el conflicto interno.
IDIOMA: Inglés
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Dr. Mabuse (1922)
«Dr. Mabuse» es una película muda alemana de 1922 dirigida por Fritz Lang. Es una de las obras maestras del cine expresionista alemán y dio origen a una serie de películas basadas en el personaje del brillante y manipulador criminal, Dr. Mabuse.
La película está ambientada en el Berlín de los años 20 y sigue las hazañas del Dr. Mabuse, un cerebro criminal que manipula y controla a las personas mediante sus habilidades psicológicas. Mabuse utiliza diversas identidades y métodos para llevar a cabo sus crímenes, incluyendo la hipnosis y la manipulación mental. La trama se desarrolla en torno a la lucha entre Mabuse y el comisionado de policía von Wenk, quien intenta desenmascarar y detener sus actividades criminales.
La película aborda temas como la locura, la corrupción, el poder y la manipulación. Lang explora la oscuridad del alma humana y la fragilidad de la sociedad ante el mal y los individuos sin escrúpulos. La narrativa es atrapante y llena de suspense, con una tensión constante que se acumula hasta el clímax final.
Técnicamente, «Dr. Mabuse» es conocida por su estilo visual distintivo e innovador. Lang utiliza la iluminación, los ángulos de cámara y la edición para crear una atmósfera de inquietud y extrañamiento. Las escenas oníricas y las secuencias de hipnosis son particularmente impresionantes y ayudan a transmitir el aura de misterio y poder de Mabuse.
Salomé (1923)
Alla Nazimova protagoniza como la tentadora bíblica de Oscar Wilde en esta adaptación vanguardista, bailando para la cabeza de Juan el Bautista en medio de una opulenta intriga cortesana y deseo prohibido.
Nazimova y Natacha Rambova crean una Gesamtkunstwerk de visuales inspirados en Aubrey Beardsley, trajes extraños y decadencia poética. Audazmente artística, prioriza la experimentación estética sobre la narrativa, encarnando el vanguardismo de la era muda. Cada cuadro estalla en exceso simbólico, consolidando su estatus como un hito del cine independiente y autoral.
Waxworks (1924)
«Waxworks» es una película muda alemana de 1924 dirigida por Paul Leni. Es una obra del género de horror/fantasía que mezcla elementos de cuento de hadas y surrealismo.
La película está dividida en tres episodios conectados por un hilo narrativo principal. Cada episodio se desarrolla en un escenario diferente de «Waxworks» y presenta una historia única. En el primer episodio, «El poeta y la muerte», un poeta se encuentra en un reino de pesadillas donde intenta enfrentarse a la Muerte. En el segundo episodio, «La calumnia», un calumniador es transportado al mundo de sus mentiras, donde enfrenta criaturas horribles. En el tercer episodio, «Las fantásticas aventuras de Harun al-Rashid», el protagonista es catapultado al antiguo mundo árabe y enfrenta aventuras y peligros.
«Waxworks» es conocido por su impresionante diseño escénico y su estilo visual único. Paul Leni explota las posibilidades expresivas del escenario y el vestuario para crear un mundo fantástico y onírico. La película utiliza un uso magistral de la luz, la sombra y las perspectivas distorsionadas para crear una atmósfera inquietante y surrealista.
El elenco de la película incluye a Conrad Veidt, un famoso actor alemán del cine mudo, en el papel principal. Su actuación magnética añade un elemento de emotividad y drama a las historias.
Battleship Potemkin
Drama, guerra, por Sergej Eisenstein, Rusia, 1925.
La revuelta de los marineros del acorazado Potemkin y los ciudadanos de Odessa contra la despiadada policía del zar, que reacciona con represalias y lleva a cabo una masacre. Sergej Eisenstein realiza una película encargada por Goskino, la oficina de cinematografía y producción cinematográfica en la Unión Soviética. Es una película de "propaganda" para la celebración de la revolución de 1905, pero Eisenstein la convierte en una obra experimental y grandiosa, destinada a cambiar para siempre la historia del cine y la edición.
Para reflexionar
La revolución ve las cosas en términos políticos, presupone que para transformar al hombre, debe cambiarse la estructura de la sociedad. Pero ninguna revolución ha logrado transformar al hombre. El revolucionario quiere cambiar la sociedad, el gobierno, la burocracia, las leyes, el sistema político. Todas las revoluciones siempre han fracasado estrepitosamente, y el hombre siempre ha permanecido igual. No se necesitan revolucionarios para cambiar el mundo, se necesitan rebeldes.
IDIOMA: Ruso
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Los Nibelungos (1924)
«Los Nibelungos» (Die Nibelungen) es una saga épica alemana de 1924, dirigida por Fritz Lang. La película está basada en la épica medieval alemana conocida como «El ciclo de los Nibelungos» y narra una historia de amor, venganza, coraje y tragedia. La saga está dividida en dos partes: «La muerte de Siegfried» (Siegfrieds Tod) y «El tesoro de los Nibelungos» (Kriemhilds Rache). La primera parte sigue las aventuras del legendario héroe Siegfried, mientras que la segunda se centra en la venganza de su esposa, Kriemhild. La trama involucra dragones, magos, traiciones, luchas de poder y batallas épicas.
«Los Nibelungos» es conocido por su espectacular diseño escénico y sus elaborados escenarios. Fritz Lang crea un mundo fantástico y atmosférico, lleno de detalles y simbolismo. Los escenarios son suntuosos, con majestuosos castillos, bosques oscuros y reinos míticos, resultando en una visión épica de la historia. La película utiliza técnicas innovadoras para la época, como el uso de efectos especiales, montaje dinámico y el uso de imágenes simbólicas. Lang experimenta con la iluminación, los ángulos de cámara y el movimiento de cámara para crear una atmósfera dramática e inmersiva.
«Los Nibelungos» también es conocido por sus actuaciones memorables. Paul Richter interpreta a Siegfried, aportando al personaje coraje y fortaleza en pantalla, mientras que Margarete Schön da vida a Kriemhild, encarnando la venganza y la determinación. Las actuaciones de los actores ayudan a hacer que los personajes legendarios sean vívidos e inolvidables.
El ladrón de Bagdad (1924)
«El ladrón de Bagdad» es una película de 1924 dirigida por Raoul Walsh y producida por Douglas Fairbanks. Es una aventura épica muda que combina elementos de magia, romance y acción. La trama sigue las hazañas de Ahmed, interpretado por Douglas Fairbanks, un ladrón de buen corazón que se enamora de la princesa de Bagdad, interpretada por Julanne Johnston. Ahmed se ve envuelto en un conflicto entre el malvado visir Jaffar (interpretado por Snitz Edwards) y el joven califa (interpretado por Sojin Kamiyama), y debe superar diversas pruebas y obstáculos para salvar a la princesa y ganar su amor.
«El ladrón de Bagdad» es conocido por su espectacular diseño escénico y efectos especiales innovadores para la época. La película utiliza la técnica de pintura mate, que permite la creación de fondos fantásticos y escenas de vuelo impresionantes. Es una de las primeras películas en presentar de manera tan extensa el uso de efectos visuales especiales para crear un mundo imaginario. La película también es famosa por las acrobacias y actuaciones atléticas de Douglas Fairbanks. Su personaje Ahmed es un héroe aventurero y encantador que demuestra ser valiente e ingenioso en sus hazañas. Las secuencias de acción son espectaculares e inmersivas, con Fairbanks desafiando la gravedad y superando obstáculos imposibles.
Entr’acte (1924)
Una serie caótica y lúdica de non-sequiturs, Entr’acte encarna el espíritu dadaísta de la irracionalidad y el antiarte. La película presenta un cañón disparando al público, una bailarina vista desde abajo, una procesión fúnebre surrealista que se convierte en una loca persecución, y objetos que se transforman inesperadamente, todo desafiando la lógica narrativa.
Dirigida por René Clair a partir de una idea de Francis Picabia para ser proyectada durante el intermedio del ballet dadaísta Relâche, esta película es la encarnación cinematográfica de la anarquía alegre del Dadaísmo. A diferencia del horror psicológico del Surrealismo, la independencia de Entr’acte se utiliza para celebrar el movimiento puro y sin sentido y los gags visuales. La obra es una sátira de los rituales sociales, particularmente el funeral, que es ridiculizado mediante el uso de slapstick al estilo de los Keystone Cops. Su contexto como parte de un evento multimedia más amplio subraya su independencia del modelo del cine comercial, posicionándola como una pieza de arte performativo.
Ballet Mécanique (1924)
Una película rítmica y no narrativa que crea una «danza» a partir de la interacción de máquinas, objetos cotidianos y formas humanas fragmentadas. Pistones, engranajes, utensilios de cocina y primeros planos de ojos y bocas se editan en un collage cinético y caleidoscópico que celebra la belleza geométrica y el movimiento incesante de la era de la máquina.
Una colaboración entre el pintor cubista Fernand Léger y el director Dudley Murphy, Ballet Mécanique es un puente entre el Cubismo y el cine. Su independencia radica en su temática radical: reemplaza actores e historias por objetos y ritmos. La película traduce la fascinación de Léger posguerra por la estética de la máquina, la «magia de la luz sobre el metal blanco», en imágenes en movimiento. Es una «sinfonía urbana» de objetos, un intento deliberado de crear un nuevo lenguaje visual libre de influencias teatrales y literarias, un hito del movimiento «cinéma pur».
A Page Of Madness
Drama, horror, dirigido por Teinosuke Kinugasa, Japón, 1926.
Una página de locura es una película independiente filmada con un presupuesto casi inexistente y luego perdida durante cuarenta y cinco años. Afortunadamente, el director la redescubrió en su archivo en 1971. Es una película realizada por un grupo de artistas japoneses de vanguardia, la Escuela de nuevas percepciones. Un movimiento que tenía como objetivo superar la representación naturalista. En un asilo del país, bajo una lluvia torrencial, el cuidador se encuentra con pacientes con enfermedades mentales. Al día siguiente llega una joven que se sorprende al encontrar a su padre allí, quien trabaja como cuidador. La madre de la mujer se volvió loca primero por su esposo cuando él era marinero. El esposo ha decidido cambiar de trabajo para quedarse cerca de su esposa en el asilo y cuidarla. Su hija le dice a su padre que pronto se casará, pero el padre está preocupado porque teme, según los rumores populares de la época, que la enfermedad mental de la madre se herede a su hija. Si el joven esposo y su familia se enteraran de la locura de su madre, el matrimonio se desmoronaría. El cuidador intenta cuidar a su esposa durante su trabajo mientras ella es golpeada por otros internos, pero esto interfiere con su rol y es reprendido por el director del asilo. Poco a poco, el cuidador pierde contacto con la realidad y sus límites con el sueño. Comienza a soñar despierto con ganar la lotería cuando su hija vuelve a encontrarse con él para decirle que su matrimonio está en problemas. El hombre piensa en sacar a su esposa del asilo para ocultar su existencia y resolver todos los problemas. Teinosuke Kinugasa es el director de algunas de las mejores películas japonesas de la década de 1920. Una página de locura ha sido comparada con las grandes películas expresionistas alemanas. Es una película experimental, de vanguardia extrema, que parece anticipar las atmósferas y temas que harían famoso a David Lynch muchos años después. Pesadillas, distorsiones, desenfoques, dobles exposiciones y deformaciones fotográficas: una película que explora los límites más lejanos de las imágenes en movimiento. Luego están esas máscaras situadas en una sucesión eterna de barras, cerraduras y
Orochi (1925)
![Buntaro Futagawa [1925] - Orochi (The Serpent)](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2F35y5S5_V-cE%2F0.jpg)
Buntara Futagara Orochi es uno de los primeros melodramas de acción samurái. Narra la historia atemporal de un hombre con un temperamento irascible pero justo, aplastado por una sociedad prejuiciosa y dividida por clases. Ambientada en el Japón del siglo XVIII, el personaje central, Heizaburo, es interpretado por Tsumasburo Bando, quien se convirtió en una estrella icónica del cine mudo japonés. Heizaburo es un samurái noble y confiable, pero es repetidamente malinterpretado por una sociedad de mente estrecha. Excluido del mundo, se convierte en el villano que dicen que es.
Como la mayoría de las películas mudas de la época, Orochi incluye la actuación del Benshi, un intérprete que proporciona voz y comentario de manera teatral. Aunque la tradición del Benshi fue una parte integral de la era del cine mudo japonés, Orochi es aún más poderoso cuando se ve sin el comentario de audio. En particular, para apreciar las cautivadoras secuencias de acción y el diseño de producción de Futagara. Además, Bando como antihéroe ofrece una actuación apasionada y envolvente.
Madre (1926)
«Madre» es una película de 1926 dirigida por Vsevolod Pudovkin. Está basada en la novela homónima de Maxim Gorky y es considerada una de las obras maestras del cine mudo soviético. La película está ambientada durante la Revolución Rusa de 1905 y sigue la historia de una madre (interpretada por Vera Baranovskaya) que se une al movimiento revolucionario después de que su hijo es asesinado durante una manifestación pacífica. La madre se ve involucrada en la lucha por la justicia social y se convierte en un símbolo de resistencia y coraje.
«Madre» es conocida por su narrativa emocional y envolvente. Pudovkin utiliza el lenguaje cinematográfico para mostrar las emociones y experiencias de la madre, revelando su conflicto interno y su desarrollo como líder revolucionaria. La película también es notable por sus técnicas innovadoras de montaje, que se han convertido en un sello distintivo del cine de Pudovkin. Mediante el uso de montaje paralelo y la superposición de imágenes, Pudovkin crea una sensación de tensión y drama, acentuando el mensaje político del filme.
El canadiense (1926)
Una mujer inglesa de clase alta se traslada a la granja canadiense de su hermano y entra en un matrimonio por contrato con un trabajador agrícola. Juntos enfrentan dificultades, forjando un vínculo improbable a través del trabajo compartido y la comprensión mutua.
La dirección sutil de William Beaudine extrae actuaciones hábiles en este drama centrado en los personajes, un clásico de festivales por su autenticidad. Explorando choques de clases y la evolución matrimonial sin melodrama, prefigura relatos como The Wind. La artesanía del autor subestimado brilla en una narrativa contenida y un realismo rural, haciéndola esencial para los aficionados a los independientes mudos introspectivos.
Metropolis (1927)
«Metropolis» es una película muda alemana de 1927 dirigida por Fritz Lang. Se considera una de las obras maestras del cine de vanguardia y un ícono del género de ciencia ficción. La película es conocida por su visión futurista, su diseño de producción innovador y sus temas sociales y emocionales. «Metropolis» está ambientada en una ciudad futurista dividida en dos clases sociales: los industriales que viven en la elegante ciudad alta y los trabajadores que pasan sus vidas en condiciones opresivas en la ciudad subterránea. La trama gira en torno a la rebelión de los trabajadores liderada por un joven revolucionario llamado Freder contra el sistema dominante.
La película destaca por su extraordinaria escenografía y su visión arquitectónica. Las estructuras imponentes, las calles bulliciosas y las imágenes futuristas han convertido a «Metropolis» en un referente para la representación de ciudades del futuro en el cine. Lang crea un mundo visualmente impactante e inspirador donde la tecnología avanza a expensas de la humanidad. Además del aspecto visual, «Metropolis» aborda temas sociales y emocionales profundos. Explora las desigualdades sociales, el conflicto de clases y la lucha por el cambio social. La película también presenta una historia de amor complicada y conmovedora entre Freder y María, una joven comprometida con la paz y la igualdad.
La película también utiliza la técnica innovadora de montaje y efectos especiales para crear secuencias visualmente impresionantes. Una de las secuencias más famosas es la del androide femenino, que es creado para personificar a María y sembrar discordia entre los trabajadores. Esta secuencia influyó en muchas películas de ciencia ficción posteriores. «Metropolis» ha tenido un impacto significativo en la cinematografía y la cultura popular. Su estilo visual y sus temas aún influyen en el cine contemporáneo y la cultura visual hoy en día. La película ha sido restaurada y completada a lo largo de los años, permitiendo que una nueva generación de espectadores aprecie su grandeza y su mensaje atemporal.
Napoleón (1927)
«Napoleón» es una película épica dirigida por Abel Gance en 1927. Se considera una de las obras maestras del cine mudo y una de las películas más ambiciosas jamás realizadas para su época. La película narra la vida de Napoleón Bonaparte, desde su juventud como oficial militar hasta su ascenso como general y líder político. La película es conocida por sus técnicas cinematográficas innovadoras, como el uso de planos gran angular, pantalla ancha (Polyvision) y la técnica de montaje rápido. Abel Gance intentó experimentar con el lenguaje cinematográfico, utilizando diferentes ángulos de cámara, movimientos de cámara y efectos visuales para crear una experiencia visual única.
La versión original de «Napoleón» tenía una duración de aproximadamente 5 horas, dividida en varias partes. La trama abarca muchos de los eventos clave en la vida de Napoleón, como la Revolución Francesa, la campaña italiana, la batalla de Austerlitz y muchos más. La película también explora el ascenso de Napoleón como una figura carismática y su impacto en la historia europea. «Napoleón» recibió una recepción crítica positiva tras su estreno, pero también enfrentó algunas dificultades financieras. A pesar de ello, la película ha permanecido como un hito en la historia del cine por sus innovaciones técnicas y su estilo visual distintivo. En los años siguientes, «Napoleón» pasó por varias versiones y restauraciones. En 1980, el director Kevin Brownlow realizó una versión restaurada del film, intentando recrear el montaje original de Gance. Esta versión se mostró en todo el mundo y reavivó el interés por la película de Gance.
The Last Laugh
Drama, de F.W. Murnau, Alemania, 1924.
Jannings es el portero del hotel Atlantic en Berlín, feliz con su papel y su uniforme. Pero su jefe piensa que es demasiado viejo para recibir a los clientes en la entrada y lo asigna a limpiar los baños. Jannings, profundamente afectado por lo ocurrido, se emborracha por la noche para olvidar lo sucedido y trata de ocultar su nuevo trabajo degradante a familiares y amigos. Pero al día siguiente es descubierto. Obra maestra absoluta de Murnau, en equilibrio entre el expresionismo y el kammespiel. La cámara cobra vida en un estilo increíblemente vanguardista de experimentación visual.
Para reflexionar
Para el ego, el uniforme y un trabajo respetable pueden ser un valor absoluto. Para el ego, ser asignado a limpiar baños puede ser la peor de las humillaciones. Porque el ego razona según las opiniones de los demás y quiere que nos ajustemos a su escala de valores. Para nuestro yo más profundo, sin embargo, puede ser más divertido limpiar baños que ser portero en la entrada del hotel.
IDIOMA: alemán (subtítulos)
SUBTÍTULOS: inglés
La multitud (1928)
![[Great Film Scenes] The Crowd (1928) - Introduction to New York](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FEr7kOfPGbmQ%2F0.jpg)
«La multitud» es una película de 1928 dirigida por King Vidor. Es un drama que explora la vida de un hombre común y su lucha por encontrar la felicidad y el éxito en la metrópolis de la ciudad de Nueva York. El protagonista de la película es John Sims (interpretado por James Murray), un joven ambicioso que sueña con la autorrealización y el éxito en la vida. Sin embargo, la realidad resulta ser mucho más difícil de lo que imaginaba, y John se encuentra atrapado en un trabajo mediocre y una vida diaria monótona.
«La multitud» aborda temas como la alienación, la soledad y la presión social. La película explora el desafío de ser un individuo único en medio de una sociedad anónima e impersonal. John lucha por encontrar su lugar en el mundo y hacer realidad sus sueños, pero se ve constantemente frenado por las circunstancias y las expectativas de la sociedad. La película es conocida por su representación realista de la vida urbana y las técnicas innovadoras de cámara utilizadas por Vidor. Introdujo el uso de planos largos y complejos, que permiten al público sumergirse en la vida agitada de la ciudad y experimentar las emociones del protagonista de manera intensa.
La pasión de Juana de Arco (1928)
«La pasión de Juana de Arco» es una película muda francesa de 1928, dirigida por Carl Theodor Dreyer. Se considera una de las obras maestras del cine y una de las películas más influyentes y aclamadas de todos los tiempos. La película está basada en el juicio histórico de Juana de Arco, la joven campesina francesa que lideró tropas durante la Guerra de los Cien Años y que posteriormente fue juzgada y condenada por herejía. El enfoque de la película está principalmente en el juicio y en los sufrimientos emocionales y físicos de Juana.
Una de las características distintivas de «La Pasión de Juana de Arco» es la actuación intensa y excepcional de Maria Falconetti en el papel de Juana de Arco. Falconetti ofrece una interpretación conmovedora, que se centra principalmente en las expresiones faciales, capturando bellamente la angustia, la determinación y la espiritualidad del personaje. Visualmente, la película es conocida por su uso de primeros planos intensos y detallados, que resaltan las emociones de los personajes. Dreyer también utiliza una iluminación y ángulos de cámara inusuales para crear una atmósfera de tensión y drama. La edición es rápida e incisiva, ayudando a crear un ritmo ágil y envolvente.
La dirección de Dreyer se enfoca en lo esencial, evitando escenas de acción o reconstrucciones históricas elaboradas. La película se rodó principalmente en interiores, utilizando ambientes minimalistas y simbólicos que destacan la psicología de los personajes. Este enfoque resalta el conflicto interno de Juana y su lucha con su fe e identidad. La Pasión de Juana de Arco fue una película controvertida en el momento de su estreno. Su intensa representación de la fe y sus poderosas imágenes generaron reacciones encontradas entre el público y las autoridades religiosas. Sin embargo, con el paso de los años, la película ha adquirido una reputación cada vez más alta como una obra maestra cinematográfica atemporal.
El Viento (1928)
«El Viento» es una película de 1928 dirigida por Victor Sjostrom, basada en la novela homónima de Dorothy Scarborough. Se considera una de las obras maestras del cine mudo y uno de los primeros trabajos en explorar el aspecto psicológico y el aislamiento de las mujeres en la sociedad rural norteamericana. La trama sigue a la joven y vulnerable Letty Mason (interpretada por Lillian Gish), quien se traslada de la ciudad al campo para vivir con familiares en el Salvaje Oeste texano. Letty se enfrenta a las dificultades de la vida en una tierra inhóspita, azotada por fuertes vientos y la soledad.
«El Viento» explora temas como la alienación, la sexualidad reprimida y la lucha por la supervivencia. El personaje de Letty está constantemente bajo presión externa del entorno salvaje y la comunidad, lo que la obliga a conformarse con las normas sociales y a reprimir sus deseos personales. La película destaca por su poderosa cinematografía, que captura eficazmente la fuerza y opresión del viento mediante ángulos inusuales y tomas sugestivas. Lillian Gish ofrece una actuación asombrosa como Letty, transmitiendo una amplia gama de emociones a través de sus expresiones faciales y lenguaje corporal.
El caballo se comió el sombrero (1928)
«El caballo se comió el sombrero» es una película de 1928 dirigida por Rene Clair. Es una comedia brillante y juguetona basada en la obra teatral homónima de Eugène Labiche y Marc-Michel. La película es conocida por su humor visual y su representación satírica de la sociedad burguesa francesa de la época. La trama gira en torno a Fadinard (interpretado por Albert Préjean), un novio que, en el día de su boda, pierde su sombrero de paja. Este incidente desencadena una serie de eventos cómicos y situaciones fuera de control, involucrando personajes excéntricos y situaciones improbables.
«El caballo se comió el sombrero» es notable por su dirección animada y el uso de gags visuales y slapstick. René Clair utiliza el lenguaje cinematográfico para crear un ritmo frenético y una comedia visual cautivadora. La película también hace uso creativo de la edición y los efectos especiales, que contribuyen a su atmósfera lúdica. La película fue bien recibida por la crítica y consolidó la reputación de René Clair como uno de los grandes directores del cine francés de la época. Se considera un ejemplo clásico de la comedia del período, que explota situaciones absurdas y personajes excéntricos para provocar la risa en el espectador.
El camarógrafo (1928)
«El camarógrafo» es una película de 1928 dirigida por Buster Keaton. Es una comedia muda que sigue las aventuras de un camarógrafo novato interpretado por Buster Keaton. La trama gira en torno al personaje de Buster, un joven ambicioso que decide convertirse en camarógrafo para una productora cinematográfica. Conoce a una hermosa secretaria (interpretada por Marceline Day) y se enamora de ella, intentando conquistarla y demostrar su valía como camarógrafo.
«El camarógrafo» es conocido por sus ingeniosas secuencias cómicas y el uso de gags visuales. Buster Keaton, reconocido por su estilo de comedia física, ofrece una actuación destacada, combinando habilidades acrobáticas con un impecable sentido del tiempo cómico. La película también es una oportunidad para mostrar el detrás de cámaras del mundo del cine en esa época. Representa el proceso de producción de una película, mostrando los decorados, los equipos y los desafíos que enfrentaban los camarógrafos para capturar imágenes. La película también representa un hito en la carrera de Buster Keaton, quien demostró sus extraordinarias habilidades como actor y director. «El camarógrafo» es una de sus películas más accesibles y entretenidas, consolidándolo como uno de los grandes comediantes del cine mudo.
The Cabinet of Dr. Caligari
Terror, fantasía, por Robert Wiene, Alemania, 1920.
La película simbólica del expresionismo cinematográfico. Francis le cuenta una historia a un hombre: en 1830, en un pequeño pueblo, un tipo llamado Caligari hace de pregonero en la feria para presentar la atracción de él, un sonámbulo que mantiene bajo hipnosis en un ataúd. El doctor sostiene que el sonámbulo es capaz de conocer el pasado y predecir el futuro. Atmósferas irreales y decorados deformados, actuación estilizada, personalidad dividida, confusión entre sueño y realidad.
Para reflexionar
Personalidad, del griego persona, significa máscara. Persona proviene de la palabra personalidad. La individualidad es un don de la existencia, la personalidad es impuesta por la sociedad. La personalidad sigue al rebaño de ovejas, la individualidad es un león que se mueve por sí mismo. Hasta que no dejes ir tu personalidad no podrás encontrar tu individualidad.
IDIOMA: Alemán
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Portugués
El circo (1928)
«El circo» es una película de 1928 escrita, dirigida e interpretada por Charlie Chaplin. Es una comedia muda que narra las aventuras de un vagabundo que se encuentra trabajando en un circo. La trama gira en torno al personaje del vagabundo (interpretado por Charlie Chaplin), quien involuntariamente se convierte en una estrella del circo gracias a su torpeza cómica. Mientras tanto, se enamora de una amazona (interpretada por Merna Kennedy) y trata de superar obstáculos para conquistar su corazón.
«El circo» es conocido por su humor físico y los numerosos gags visuales que se han convertido en un sello distintivo de Chaplin. La película también presenta una de las secuencias más memorables de Chaplin, donde el vagabundo realiza un número acrobático con los monos, sin saber que han sido liberados. Además de la risa, «El circo» ofrece momentos de ternura y emoción. Chaplin es famoso por su talento para expresar emociones humanas genuinas a través de su actuación. La película aborda temas universales como el amor, la esperanza y la lucha contra las dificultades de la vida.
La Concha y el Sacerdote (1928)
Un sacerdote atormentado es consumido por alucinaciones eróticas y violentas que involucran a la hermosa esposa de un general. Su psique fragmentada se visualiza a través de una cascada de imágenes disueltas, superpuestas e ilógicas que desafían la coherencia narrativa, representando su lucha interna entre el deseo y la represión.
Considerada la primera película verdaderamente surrealista, incluso anterior a la más famosa Un Chien Andalou, esta obra de Germaine Dulac es un texto fundamental del modernismo cinematográfico. Su producción independiente permitió una exploración sin precedentes de la psicología freudiana en pantalla. Dulac utiliza técnicas visuales pioneras no como simples efectos especiales, sino como un lenguaje directo para el inconsciente. La película es también un texto feminista crucial: una directora mujer que critica las instituciones patriarcales (iglesia, ejército) y la sexualidad masculina, una perspectiva que provocó una reacción hostil del entonces movimiento surrealista dominado por hombres.
Un Chien Andalou (1929)
Este cortometraje rechaza la narrativa a favor de una serie de viñetas impactantes y oníricas. Desde la infame escena inicial de un ojo siendo cortado por una navaja, hasta hormigas emergiendo de una mano y pianos arrastrando burros putrefactos, la película presenta una exploración psicoanalítica visceral y rica sobre el deseo reprimido, el anticlericalismo y las convenciones burguesas.
Auto-producida por Luis Buñuel con un préstamo, y escrita junto a Salvador Dalí basada en sus sueños, Un Chien Andalou es la declaración definitiva de independencia frente a la lógica narrativa. El análisis va más allá del famoso «corte de ojo» para diseccionar la película como un ataque directo a la psique del espectador. Se exploran motivos recurrentes, como manos amputadas como símbolos de ansiedad de castración y fetichismo, y la crítica a la Iglesia, representada por sacerdotes atados a pianos, a través de una lente freudiana. La independencia de la película es el medio para crear una visión puramente personal e intransigente, una obra que aún conserva su poder para perturbar y fascinar hoy en día.
Asfalto (1929)
Un rígido policía de tráfico berlinés se encuentra con una seductora ladrona de joyas que lo atrae hacia su mundo de crimen y pasión. Su encuentro fatídico se convierte en obsesión, celos y tragedia en medio de las sombras de la ciudad.
El estudio de personajes estilizado de Joe May combina magistralmente imágenes expresionistas con profundidad psicológica, mostrando actuaciones sutiles de Betty Amann y Gustav Fröhlich. Lejos de la grandiosidad de Murnau o Lang, destaca en la tensión íntima y la ambigüedad moral, elevando una simple historia de crimen a una exploración profunda del deseo y la caída. Subestimada pero esencial por su realismo atmosférico berlinés y su contención emocional.
Un perro andaluz (1929)
«Un perro andaluz», también conocido como «Un chien andalou», es un film experimental de 1929 dirigido por Luis Buñuel en colaboración con Salvador Dalí. Es un cortometraje de aproximadamente 16 minutos de duración, conocido por su naturaleza surrealista y provocativa. La película no tiene una trama lineal ni narrativa tradicional, sino que está compuesta por una serie de imágenes y escenas extrañas y perturbadoras. «Un perro andaluz» desafía las convenciones cinematográficas y trata de estimular el inconsciente del espectador mediante el uso de imágenes y símbolos oníricos.
El cortometraje está abierto a múltiples interpretaciones y a menudo se considera una obra de arte visual abstracta. Contiene una serie de secuencias surrealistas y perturbadoras, como la imagen de un ojo siendo cortado con una cuchilla de afeitar y una mano siendo atravesada por una hoja. Buñuel y Dalí quisieron romper con las convenciones del cine tradicional y provocar reacciones fuertes en el espectador. La película se realizó con un presupuesto pequeño y sacó el máximo provecho de la imaginación y creatividad de los dos artistas.
Three Songs about Lenin
Documental, de Dziga Vertov, Rusia, 1934.
La película más famosa durante la vida del director Dziga Vertov, un gran éxito del cine documental socialista. Un documental experimental que celebra a Lenin con el uso de sonido y canciones populares. La liberación de las mujeres musulmanas en Uzbekistán, imágenes del funeral de Lenin, sus apariciones públicas y uno de sus discursos grabado en vivo.
IDIOMA: Ruso
SUBTÍTULOS: Inglés, Italiano, Español, Francés, Alemán, Portugués
El ángel azul (1930)
«El ángel azul» es una película de 1930 dirigida por Josef von Sternberg y protagonizada por Marlene Dietrich y Emil Jannings. Es un drama que narra la historia de un respetable profesor que se enamora de una stripper y cae en la ruina. La película transcurre en la Alemania de los años 30 y se centra en el personaje del Profesor Immanuel Rath (interpretado por Emil Jannings), un hombre rígido y moralista que cae bajo el hechizo de Lola Lola (interpretada por Marlene Dietrich), una seductora cantante de cabaret. Rath abandona su carrera académica y se adentra en el mundo del burlesque para seguir a Lola.
«El ángel azul» es conocida por ser la película que lanzó la carrera internacional de Marlene Dietrich y estableció su estatus como un ícono de sensualidad y misterio. La película es una representación conmovedora de la degradación moral y la obsesión amorosa. También representa una reflexión sobre el poder destructivo del amor y las pasiones irracionales. El Profesor Rath, inicialmente un hombre respetable y autoritario, se transforma en un hombre degradado y humillado por su obsesión con Lola. El tema del sacrificio personal por un amor imposible está en el centro de la trama y ofrece un análisis crítico de las dinámicas de poder en las relaciones.
Tokyo Chorus (1931)
«Tokyo Chorus» es una película japonesa de 1931 dirigida por Yasujirō Ozu. Se considera una de las obras maestras del director y una obra importante del cine mudo japonés. La trama de «Tokyo Chorus» gira en torno a un empleado llamado Shinji Okajima, interpretado por Tokihiko Okada, que trabaja en una compañía de seguros. Shinji es un hombre dedicado a su familia y un empleado diligente, pero su vida se trastorna cuando es despedido por un acto impulsivo defendiendo a un colega.
Sin trabajo y con una familia que mantener, Shinji enfrenta diversas dificultades para encontrar un nuevo empleo. Mientras tanto, también debe lidiar con problemas financieros y presiones sociales. La película explora las tensiones y luchas diarias de una familia en el Tokio de los años 30, ofreciendo un retrato realista de la clase trabajadora de la época. «Tokyo Chorus» aborda temas como la dignidad humana, la responsabilidad familiar, las dificultades económicas y las dinámicas sociales. La película es conocida por su sensibilidad hacia los personajes y su representación humana de la clase trabajadora. Ozu explora la tensión entre los deseos individuales y las expectativas sociales, creando una historia conmovedora e íntima.
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The ten commandments
Drama, Historia, por Cecil B. De Mille, Estados Unidos, 1923.
Clásico del cine mudo, es la primera versión de "Los Diez Mandamientos" dirigida y producida por Cecil B. De Mille. Una película que, para la época, fue un colosal de enormes proporciones. De Mille gastó 1.4 millones de dólares construyendo una ciudad egipcia cerca de Guadalupe, California. Colosales estatuas, pirámides, templos y otras construcciones representaban una verdadera maravilla de la ficción cinematográfica. Para evitar que un set tan rico fuera utilizado por otros directores, De Mille prefirió destruir todo al final del rodaje.
The Kid
Por Charlie Chaplin, Comedia, Estados Unidos, 1921.
Charlie Chaplin escribe, produce de forma independiente, dirige e interpreta su primer largometraje, una obra maestra en la historia del cine que después de un siglo mantiene su encanto perfectamente intacto. Una mujer pobre abandona a su hijo en un coche de lujo con la esperanza de que el rico propietario cuide al bebé. Pero será el vagabundo Charlot quien lo encuentre. Remasterizado en alta definición.
