Los directores más famosos de la historia

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Índice

Es difícil definir a los mejores directores de cine de todos los tiempos: cada uno tiene sus favoritos y el valor de una obra artística cambia con el paso del tiempo y con las transformaciones de la sociedad. Lo que ayer parecía extraordinario, quizá por la moda y el estilo de vida de una época pasada, hoy puede que ya no tenga el mismo valor.

No se trata en absoluto de una lista que pretenda imponer un valor objetivo y definitivo a los mejores directores, sino de una herramienta para emprender un viaje por la historia del cine. Un arte parcialmente devaluado y reducido a mero entretenimiento desde hace varias décadas, en el que el público ya no es capaz de distinguir entre los productos audiovisuales comerciales y el cine de arte y ensayo.

Por desgracia, las mujeres que han podido expresarse a través del arte cinematográfico han sido pocas: rara vez se les ha dado la posibilidad de dirigir. Pero las mujeres cineastas han hecho grandes progresos a lo largo de los años, y hemos visto algunos trabajos inspiradores y absolutamente magistrales en las últimas décadas.

Georges Méliès

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Georges Méliès (nacido Marie-Georges-Jean Méliès; 8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista, empresario, actor, cineasta, guionista y productor francés. Se le considera uno de los pioneros del cine, conocido por sus innovadores efectos especiales y el uso de la fantasía y la imaginación en sus películas.

Méliès nació en París (Francia) en 1861. De joven se interesó por el ilusionismo y se convirtió en un hábil mago. En 1888 abrió en París su propio teatro de magia, el Théâtre Robert-Houdin.

En 1895, Méliès asistió a la primera proyección pública de una película de los hermanos Lumière. Inmediatamente quedó fascinado por la nueva tecnología y empezó a experimentar con el cine.

La primera película de Méliès, Le Voyage dans la Lune (1902), está considerada una de las primeras películas de ciencia ficción. La película está basada en la novela de Julio Verne De la Tierra a la Luna.

Méliès es conocido por sus innovadores efectos especiales. A menudo utilizaba trucos fotográficos, como el montaje, las disoluciones y el stop-motion, para crear efectos especiales realistas y fantásticos.

Georges Méliès es quizás el personaje más extraordinario y legendario de los orígenes del cine. Fue él quien desarrolló las primeras técnicas cinematográficas, como los fundidos y el coloreado. Méliès está muy fascinado por la presentación de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en el «Cafè des Capucins».

Pretende utilizar el cine a toda costa. Tras la primera proyección de imágenes en movimiento de la historia, se acerca a los dos hermanos para pedirles que le compren uno de sus decorados, pero ellos se niegan.

La película que consagró el éxito de Méliès fue Viaje a la Luna. El público de la época nunca había visto nada parecido: a la entrada de los espectáculos muchos individuos suponían que se estaban burlando de ellos.

El éxito fue enorme. La película se proyectó en todo el mundo y varios directores hicieron remakes. El cine había descubierto su tarea de revelar los mundos interiores de la imaginación.

Ver las películas de Méliès

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Alice Guy-Blaché

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Alice Guy-Blaché (de soltera Guy; pronunciación francesa: [alis gi blɑʃe]; 1 de julio de 1873 – 24 de marzo de 1968) fue una pionera cineasta, guionista, productora y directora de estudio francesa. Se la considera la primera mujer cineasta. De 1896 a 1906, fue jefa de producción de la Gaumont Film Company, donde dirigió, escribió y produjo más de 2.000 cortometrajes. Sus películas se caracterizaron por el uso de innovadores efectos especiales, la exploración de temas sociales y el humor.

Alice Guy nació en Saint-Mandé, Francia, el 1 de julio de 1873. Era hija de un periodista y de una ama de casa. Guy se interesó por la fotografía desde muy joven y empezó a trabajar como secretario para Léon Gaumont, fundador de la Gaumont Film Company. En 1895, se le encargó la supervisión de la nueva cámara cinematográfica de la empresa.

Guy se hizo rápidamente experto en el uso del cinematógrafo y empezó a hacer cortometrajes. En 1896 se le concedió su propia unidad de producción y se convirtió en la responsable de dirigir, escribir y producir todos los cortometrajes de la empresa.

Las películas de Guy fueron increíblemente populares y ayudaron a establecer a Gaumont como una de las principales compañías cinematográficas. Experimentó con una gran variedad de géneros, como comedias, dramas y documentales. También fue pionera en el uso de efectos especiales, como la doble exposición y la animación stop-motion.

Ver películas de Alice Guy-Blaché

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Benjamin Christensen

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Benjamin Christensen (28 de septiembre de 1879 – 2 de abril de 1959) fue un director de cine, guionista y actor danés. Se le considera uno de los pioneros más importantes del cine danés, y sus películas son conocidas por su innovador uso de la cinematografía, el montaje y los efectos especiales.

Christensen nació en Viborg (Dinamarca) en 1879. Estudió Medicina en la Universidad de Copenhague, pero finalmente decidió dedicarse al teatro. Comenzó a actuar en 1901, y rápidamente se convirtió en una de las estrellas más populares de Dinamarca.

En 1906, Christensen debutó como director con el cortometraje Den hvide slavehandel (La trata de blancas). La película fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Christensen como uno de los principales talentos de la industria cinematográfica danesa.

Christensen continuó haciendo películas durante toda la era del cine mudo, y se hizo famoso por su innovador uso de la cinematografía, el montaje y los efectos especiales. Su película más famosa es Häxan (1922), un documental mudo sobre la historia de la brujería. La película fue pionera por su uso de la cámara lenta, las exposiciones múltiples y las imágenes superpuestas.

Otras películas notables de Christensen son Blind Justice (1916), un drama sobre la pena de muerte, y The Devil’s Circus (1926), una película de terror sobre un hombre que vende su alma al diablo.

Christensen siguió haciendo películas en la era del cine sonoro, pero nunca alcanzó el mismo nivel de éxito que en la época muda. Hizo varias películas en los años 30 y 40, pero no fueron tan bien recibidas como sus películas mudas.

Ver Haxan

Buster Keaton

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Joseph Frank Keaton, verdadero nombre de Buster Keaton, nació en Estados Unidos, en Kansas, el 4 de octubre de 1895. Como Charlie Chaplin, es hijo de una pareja de artistas, pero menos desafortunado. El padre tiene una compañía de vodevil donde actúan la famosa saxofonista Mira Keaton y el mago Houdini.

El pequeño Keaton participa en los espectáculos desde niño y a menudo se convierte en protagonista. Sus temerarias actuaciones y caídas le valieron el apodo de «Buster». Su mímica parece inmediatamente prodigiosa.

Buster Keaton descubre el cine en 1917. Según Buster, es la herramienta perfecta para dar vida a sus personajes. Deja a su familia y se traslada a Nueva York a los 22 años, donde conoce al actor Roscoe Arbuckle, especializado en lanzar tartas a la cara.

El debut de Buster Keaton como director es The High Sign: es la historia de un vagabundo en busca de fortuna en un parque de atracciones que conoce a un multimillonario y a su hija.

La carrera de Keaton empezó a declinar a finales de la década de 1920, a medida que disminuía la popularidad del cine mudo. Siguió haciendo películas en las décadas de 1930 y 1940, pero no tuvieron tanto éxito como sus primeros trabajos.

En la década de 1950, la carrera de Keaton tuvo un resurgimiento. Apareció en varias películas y programas de televisión, y en 1958 recibió un Oscar honorífico de la Academia.

Keaton está considerado uno de los mejores cómicos de todos los tiempos. Es conocido por su innovadora comedia física, su expresión estoica y su capacidad para crear personajes inolvidables. Sus películas siguen gustando al público y siguen inspirando a cineastas de todo el mundo.

Charlie Chaplin

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Charlie Chaplin (nacido Charles Spencer Chaplin, 16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977) fue un actor, cómico, cineasta, guionista, compositor y maestro de pantomima inglés. Se le considera una de las figuras más influyentes de la historia del cine. Chaplin saltó a la fama como «El Vagabundo» y está considerado uno de los mejores actores de todos los tiempos.

Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889. Era hijo de Charles Chaplin padre, artista de music-hall, y de Hannah Chaplin, cantante de music-hall. Los padres de Chaplin se separaron cuando él tenía tres años, y fue criado por su madre hasta que ésta fue internada en una institución para enfermos mentales. Chaplin pasó su infancia en asilos y orfanatos.

Chaplin empezó a actuar de niño, y debutó en el escenario profesional a los nueve años. Actuó en diversas producciones escénicas, como pantomimas, music-halls y espectáculos de vodevil. En 1910, Chaplin se trasladó a Estados Unidos para unirse a una compañía de vodevil.

Su personaje de vagabundo se vuelve mucho más desgarrador cuando te das cuenta de que el propio Charlie Chaplin era un huérfano que vivía en la calle. Todos amamos al marginado y el vagabundo debe ser coronado Rey de los marginados. Sin diálogos, Chaplin tenía la capacidad de explorar toda la gama de sentimientos humanos.

No se puede ver El chico sin bailar, no se puede disfrutar de Luces de la ciudad sin reavivar el sentimiento romántico y no se puede ver El gran dictador sin asegurarse de reflexionar y reírse de lo absurdo de la guerra y el ansia de poder.

Watch The Kid

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Fernand Leger

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Nacido en 1881, Fernand Leger comenzó en 1903 como dibujante en un estudio de arquitectura de París. Fue un músico verdaderamente ecléctico, creador de animaciones en tapiz y vidrio empañado, decorador, ceramista, escultor, dibujante, ilustrador, diseñador de vestuario, promotor establecido.

Hijo de un criador de perros normando, se trasladó a París, donde ingresó en la Escuela de Bellas Artes, además de participar en la Academia Julian y también en el Louvre. En 1911 expone el cuadro Desnudos en el bosque en el Salon des Indépendants junto con otras obras de sus colegas Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Jean Metzinger.

La discusión y también el debate que difundió el término cubismo. El desarrollo del diseño de Fernand Leger se nutre del dinámico clima creativo parisino: se inspira en él Impresionismo, los Fauves e incluso los cuadros de Paul Cézanne.

DW Griffith

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David Wark Griffith, también conocido como D.W. Griffith, fue un director de cine, productor y guionista estadounidense considerado uno de los pioneros del cine. Se le atribuye el desarrollo de muchas de las técnicas narrativas y técnicas que aún se utilizan en el cine actual, y sus películas tuvieron una profunda influencia en el desarrollo de este arte.

Griffith nació en La Grange, Kentucky, el 22 de enero de 1875. Era hijo de un coronel del ejército confederado y creció en la pobreza tras la Guerra Civil. Griffith empezó a trabajar como reportero de prensa y dramaturgo a principios de la década de 1890, y se trasladó a Nueva York en 1900 para dedicarse al teatro.

En 1908, Griffith comenzó a trabajar como director para la American Mutoscope and Biograph Company, pionera en la producción de cortometrajes. Griffith ascendió rápidamente en la empresa y empezó a experimentar con técnicas cinematográficas innovadoras. Desarrolló el uso de primeros planos, planos largos y montajes paralelos para crear narraciones más complejas y atractivas.

Griffith ha dirigido docenas de películas, pero Birth of a Nation es su obra más conocida. A pesar de todos sus aciertos, la película también tiene algunos estereotipos raciales. Es una pena que una película histórica tan extraordinaria desde el punto de vista tecnológico tenga también una visión tan discriminatoria. Películas posteriores como Intolerancia e incluso Broken Blossoms intentarán sin duda pedir perdón y tratar estas transgresiones, pero con poco éxito.

Ver Intolerancia

FW Murnau

Murnau

Friedrich Wilhelm Murnau, también conocido como F.W. Murnau, fue un director de cine, productor y guionista alemán considerado una de las figuras más importantes de la historia del cine. Es conocido sobre todo por sus películas expresionistas, como Nosferatu (1922) y La última risa (1924), que exploran temas como la alienación, la ansiedad y la condición humana.

Primeros años y carrera

Murnau nació en Bielefeld, Alemania, el 28 de diciembre de 1888. Procedía de una familia acomodada y estudió arte y literatura en la Universidad de Münster. Tras licenciarse, trabajó como director de escena y director antes de entrar en la industria cinematográfica en 1913.

Cine expresionista

Las primeras películas de Murnau se realizaron en estilo expresionista, caracterizado por el uso de decorados distorsionados, actuaciones exageradas y un trabajo de cámara subjetivo. Su película expresionista más famosa es Nosferatu, un filme mudo de terror sobre un vampiro que se aprovecha de los habitantes de un pequeño pueblo. La película está considerada una obra maestra del cine expresionista y sigue siendo admirada por su inquietante atmósfera y su innovador uso de los efectos visuales.

FW Murnau fue otro inmigrante alemán en Hollywood, que pasó del brillo dramático del expresionismo alemán a películas comerciales algo más seguras rodadas en el periodo americano.

Fausto es una historia de principios tan terrorífica como cualquier otra de Nosferatu. Y, quizá su película de mayor éxito, Amanecer: A Song of Two Humans ganó el Oscar a la mejor película. Y una inmensa obra maestra como La última risa. Una película que llevó la historia del cine al siguiente nivel.

Ver La última risa

Carl Theodor Dreyer

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Carl Theodor Dreyer (3 de febrero de 1889 – 20 de marzo de 1968) fue un director de cine y guionista danés considerado una de las figuras más influyentes de la historia del cine. Conocido por su estilo austero e intransigente, el cine de Dreyer explora a menudo temas como la fe, la moralidad y la condición humana. Entre sus obras más célebres figuran La pasión de Juana de Arco (1928), El día de la ira (1943) y Ordet (1955).

Nacido en Copenhague (Dinamarca), Dreyer empezó a trabajar como periodista antes de entrar en la industria cinematográfica en 1913. Al principio realizó cortometrajes y documentales, pero fue con su debut en el largometraje, La viuda del párroco (1920), cuando se labró una reputación como cineasta serio.

Maestro del cine mudo

A lo largo de la década de 1920, Dreyer produjo una serie de aclamadas películas mudas que consolidaron su posición como maestro del medio. Su obra maestra, La Pasión de Juana de Arco (1928), es un retrato sobrecogedor y visualmente impresionante del juicio y ejecución de Juana de Arco. La cruda fotografía en blanco y negro de la película y el uso de primeros planos y cámara lenta crean una experiencia poderosa y conmovedora.

Carl Theodor Dreyer es uno de los directores más importantes del cine mundial. Dueño de un estilo muy riguroso, espartano y moral, aborda en sus películas temas fundamentales del espíritu humano como la confianza, el amor y la muerte. Dreyer siempre ha renegado del atajo fácil del cine industrial.

Sus películas no tuvieron un gran éxito de público y también fueron resistidas durante mucho tiempo por la censura, como en el caso de La Pasión de Juana de Arco, proscrita por la Iglesia católica. Otra asombrosa película de Dreyer es una de las mejores de terror jamás hechas: Vampyr. Varios directores modernos han declarado claramente que su diseño les influyó e inspiró.

Ida Lupino

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Ida Lupino fue una actriz, directora, guionista y productora británico-estadounidense. Fue una de las primeras mujeres en dirigir películas en Hollywood, y su obra se caracterizó a menudo por temas feministas y socialmente progresistas.

Primeros años y carrera

Lupino nació en Londres, Inglaterra, el 4 de febrero de 1914. Hija de un actor y una bailarina, empezó a actuar en teatro a los cinco años. En 1932 se trasladó a Hollywood para proseguir su carrera cinematográfica.

Carrera de actor

Lupino no tardó en triunfar como actriz, apareciendo en una serie de películas de éxito, como La luz que falló (1939), Conducen de noche (1940) y El lobo de mar (1941). Era conocida por su belleza, su talento interpretativo y su capacidad para interpretar papeles dramáticos y cómicos.

Carrera de dirección

En 1949, Lupino decidió pasarse al otro lado de la cámara y dirigir su primera película, Not Wanted. La película, que trataba de una adolescente embarazada y soltera, fue un éxito comercial y de crítica, y Lupino se convirtió en la primera mujer en ganar el Premio del Gremio de Directores de América a la Mejor Dirección.

Ida Lupino hizo un trabajo interesante. Empezó como joven actriz en los años 30 antes de cofundar una empresa de producción independiente en la que creaba, dirigía y también producía sus propias películas. Obviamente, esto no era habitual en el Hollywood de los años cincuenta.

Sus películas trataban temas tabú, del mismo modo que El autoestopista está considerada una de las mejores películas de cine negro de todos los tiempos. Terminó su trabajo de una década dirigiendo prácticamente 70 episodios de televisión para programas como The Twilight Zone, The Fugitive y Gilligan’s Island.

Fritz Lang

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Fritz Lang fue un director de cine, guionista y novelista austriaco-estadounidense. Está considerado uno de los maestros del cine mundial, y fue especialmente influyente en los géneros policíaco, negro y de ciencia ficción.

Lang nació en Viena en 1890. Tras estudiar arquitectura y derecho, se dedicó al cine. Su primera película, «Harakiri» (1919), fue un éxito comercial y de crítica.

En la década de 1920, Lang dirigió algunas de las películas más importantes del cine expresionista alemán, como «Metrópolis» (1927), «M» (1931) y «Dr. Mabuse, der Spieler» (1922).

Con el ascenso del nazismo en Alemania, Lang emigró a Estados Unidos, donde siguió dirigiendo películas de éxito, como «Furia» (1936), «La mujer de la ventana» (1944) y «El gran calor» (1953).

Fritz Lang tenía dos trabajos: uno en Alemania y otro en Hollywood. Su mejor cine es el de los años veinte y treinta mientras trabajaba en Alemania, compuesto por Metrópolis, M y El testamento del Dr. Mabuse. Cuando Hitler subió al poder, abandonó Alemania.

Trabajó en Hollywood durante los 40 años siguientes y, como muchos otros directores europeos, nunca alcanzó el mismo nivel que las obras maestras realizadas en Europa. Tuvo que adaptarse a la maquinaria industrial e impersonal del cine estadounidense. Pero también hizo grandes películas como Furia, La calle escarlata y El gran calor.

Ver M

Jean Epstein

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Jean Epstein fue un pionero francés del cine, novelista y teórico cinematográfico. Es conocido sobre todo por su película de 1928 «Cœur fidèle», considerada una obra maestra del cine de vanguardia.

Epstein nació en Varsovia (Polonia) en 1897. En 1905 se trasladó a Francia con su familia y comenzó a escribir y publicar poesía y novelas. Se interesó por el cine a principios de la década de 1910 y empezó a hacer cortometrajes en 1916.

Las primeras películas de Epstein eran experimentales y a menudo abstractas. Utilizó técnicas de cámara y estilos de montaje innovadores para crear películas que no se parecían a nada que se hubiera visto antes. Su película de 1922 «L’Auberge rouge» está considerada uno de los primeros ejemplos del cine impresionista francés.

Jean Epstein era un personaje muy ecléctico. Le interesan tanto el cine como la literatura progresista, la investigación científica, la filosofía y la psicología. Fundamental es el encuentro con Blaise Cendrars, que en 1921 promueve la revista La poesie aujourd ‘hui, un libro de conocimiento. Su película más importante es quizá Corazón fiel, así como La caída de la casa Usher.

Ernst Lubitsch

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Ernst Lubitsch nació en Berlín el 28 de enero de 1892. Fue uno de los primeros directores en acabar siendo una auténtica celebridad en Hollywood y también en tener un gran mercado objetivo sin contar siempre con la participación de estrellas en sus películas. Su estilo ligero, habitual en sus comedias, fue bautizado por Billy Wilder como el «toque Lubitsch».

Nacido en el seno de una familia pobre de judíos alemanes, Lubitsch intenta de joven llegar a fin de mes vendiendo tejidos. Entabla amistad con Max Reinhardt, supervisor del teatro alemán en Berlín, que le hace trabajar como ayudante de dirección. Entonces fue contratado como actor y también colaboró con Reinhard en varias producciones cinematográficas, donde aprendió la técnica.

En aquella época, el cine se encontraba aún en una fase pionera y exploratoria. No es difícil para Lubitsch para dirigir las primeras películas mudas de bajo presupuesto, donde también juega el papel principal.slapstick cómico.

Sergei Eisenstein

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Sergei Mikhailovich Eisenstein fue un director de cine, guionista, montador y teórico del cine soviético. Destaca sobre todo por sus películas mudas Strike (1925), El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (1928), así como por las epopeyas históricas Alexander Nevsky (1938) e Iván el Terrible (1944-1946).

Eisenstein nació en Riga, Letonia, el 23 de enero de 1898. Estudió arquitectura e ingeniería en el Instituto de Ingenieros Civiles de Petrogrado, pero acabó dedicándose al cine. Su primera película, Strike, era un filme de propaganda sobre una huelga de trabajadores en Rusia. Fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Eisenstein como uno de los principales cineastas de su generación.

En 1925, Eisenstein dirigió El acorazado Potemkin, una película sobre un motín en un acorazado ruso. La película está considerada una de las más importantes de la historia, y es conocida por sus innovadoras técnicas de montaje y su uso del montaje.

Sergei Eisenstein convirtió el cine en un arma. Junto con otros cineastas soviéticos, sus experimentos revelaron lo que pueden hacer las imágenes en movimiento. Dejan escapar el poder que el cine necesita para movilizar a los individuos tanto política como emocionalmente.

La huelga es un retrato inquebrantable de la disputa por el curso del trabajo. Octubre (Diez días que conmovieron al mundo) mostró toda una revolución en marcha. Y, por supuesto, como se habrá visto en todos los cursos de historia del cine, la secuencia de la escalera de Odessa en El acorazado Potemkin se considerará sin duda el mayor ejemplo de montaje y grandiosa puesta en escena cinematográfica.

Ver El acorazado Potemkin

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Dziga Vertov

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Nacido en Polonia en 1896, Dziga Vertov es uno de los directores más importantes de la vanguardia rusa. Se trasladó a Rusia, donde primero estudió medicina y luego poesía y ficción. En Moscú comienza a interesarse por el cine gracias al surrealismo.

Adopta el apodo por el que se le conoce, Dziga Vertov. Tras la Revolución Rusa, encontró trabajo en la redacción de la Semana del Cine, un rotograbado de contenido propagandístico gestionado por el Partido Socialista.

Como miembro del personal realiza su primer cortometraje, El aniversario de la Revolución , sin embargo su verdadera individualidad cinematográfica comienza a emerger con la colección de docudramas Kino Pravda, una película de 20 minutos en la que comienza a elaborar su teoría sobre el cine y la realidad, que desemboca en un manifiesto llamado Kinoglaz.

El cartel especificaba que la cámara debía filmar la realidad de la forma más auténtica posible. Su obra maestra universalmente reconocida es la película experimental Man with a Movie Camera.

Ver El hombre de la cámara de cine

Jean Vigo

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Jean Vigo fue un director de cine francés que contribuyó a instaurar el realismo poético en el cine de los años treinta. Es conocido sobre todo por sus dos películas, Zéro de conduite (1933) y L’Atalante (1934), consideradas clásicos del cine francés. Las películas de Vigo se caracterizan por su realismo poético, sus temas humanistas y el uso de técnicas de montaje innovadoras.

Vigo nació en París el 26 de abril de 1905. Su padre era periodista anarquista y su madre pintora. Vigo creció en un ambiente bohemio y estuvo expuesto al arte y la literatura desde muy joven. Empezó a hacer películas a principios de los años veinte, y pronto se hizo famoso por su estilo experimental e innovador.

Directores como Jean Renoir han trabajado en el estilo del realismo poético, con películas como La gran ilusión y La regla del juego. Julien Duvivier con El bandido de la Casbah y también Marcel Carné con El puerto de las brumas y Los amantes perdidos. A medio camino entre estas dos corrientes, con un aspecto tan progresista como realista, se encuentra la obra de Jean Vigo.

Jean Vigo rodó sus dos únicas películas, Cero por conducta y L’Atalante, en un estado febril al principio de la enfermedad que le habría llevado a la muerte. En algunos casos se vio obligado a permanecer en una cama de hospital de campaña en el plató. Amigos e incluso compañeros se sorprendieron de que quisiera seguir trabajando a pesar de su grave estado.

Sin embargo Jean Vigo no quería detenerse, para él terminar el rodaje de la película era una verdadera misión existencial. Sabía que estaba enfermo, así como comprendía que se le acababa el tiempo. ¿Es quizá esta presión, esta necesidad, lo que le permitió crear 2 obras maestras?

René Clair

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René Clair (nacido René-Lucien Chomette; 11 de noviembre de 1898 – 15 de marzo de 1981) fue un cineasta y escritor francés. Se le considera uno de los pioneros del cine, y sus películas eran conocidas por su innovador uso del sonido, las técnicas de cámara y el montaje. Clair era también un hábil narrador, y sus películas exploraban a menudo temas como el amor, la pérdida y el cambio social.

Clair nació en París (Francia) en 1898. Creció interesado por el arte y la literatura, y empezó a escribir y publicar poesía y novelas en su adolescencia temprana. A principios de los años veinte, se interesó por el cine y empezó a hacer cortometrajes. Sus primeras películas eran experimentales y a menudo abstractas, pero también muy prometedoras.

René Clair es popular en las naciones anglosajonas y en Italia. En su búsqueda de una comedia humana global entre el fondo y el progreso tecnológico, es el cineasta que une a Charlie Chaplin con De Sica, mucho antes que los jóvenes locos de la Nouvelle Vague.

El cine es la pasión esencial de toda la vida de René Clair. asiste con interés tanto a la crítica como a la producción cinematográfica. Uno de sus artículos sobre cine se titula El hijo del siglo a la espera de una película. Al mismo tiempo, se relaciona con los futuros avances del séptimo arte.

No es muy diferente intelectualmente de sus compañeros de vanguardia. Nacido y criado en el entorno de la burguesía comercial parisina, reconoce la belleza decadente de la Belle Epoque. Su primera creación, publicada en 1916, es una despedida a Emile Verhaeren.

Kenji Mizoguchi

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Kenji Mizoguchi fue un cineasta japonés considerado uno de los más importantes e influyentes de la historia del cine. Nacido en Tokio en 1898, comenzó a trabajar en el cine como ayudante de dirección en la década de 1920 y dirigió su primera película en 1923. A lo largo de su carrera, Mizoguchi dirigió más de 80 películas, de géneros tan diversos como el drama, la historia, el melodrama y el misterio.

Las películas de Mizoguchi se caracterizan por una gran atención a la condición femenina y a los temas sociales. Sus protagonistas suelen ser mujeres fuertes y decididas que luchan por imponerse en una sociedad patriarcal. Mizoguchi también es conocido por su expresivo uso de la cinematografía y el montaje, que crean atmósferas evocadoras y atractivas.

La muerte de su madre cuando Kenji tiene 17 años obliga al joven a buscar trabajo. A los 22 años entró en el cine como actor y en el breve espacio de dos años dirigió su primera película. En 1925 ya ha dirigido más de 30 películas muy diferentes: desde películas contemporáneas (gendaigheki) a películas históricas (jidaigheki), películas académicas o películas extraídas de la literatura occidental.

En años posteriores, los bombardeos de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y la humedad natural del clima causarán otros daños irreparables al patrimonio cinematográfico japonés.

Ver películas de Mizoguchi

Yasujiro Ozu

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Yasujiro Ozu fue un cineasta japonés considerado uno de los más importantes e influyentes de la historia del cine. Nacido en Tokio en 1903, comenzó a trabajar en el cine como ayudante de dirección en la década de 1920 y dirigió su primera película en 1927. A lo largo de su carrera, Ozu dirigió más de 50 películas, en géneros como el drama, la comedia y el melodrama.

Las películas de Ozu se caracterizan por un uso minimalista de la técnica cinematográfica, con especial atención a la vida cotidiana y a las relaciones entre las personas. Ozu también es conocido por su uso del «plano tatami», un plano de gran angular que encuadra a los personajes sentados en el tatami, la esterilla tradicional japonesa.

Yasujiro Ozu nació en el distrito Fukagawa de Tokio, siendo el segundo hijo de 5 hermanos. Siempre ha faltado a clase para ver películas como Quo Vadis o Los últimos días de Pompeya. En 1917 vio la película Civilization y decidió que quería ser director. A los 17 años, le echaron del dormitorio tras acusarle de escribir una carta de amor a un chico de clase baja.

Ozu fue contratado por la Shochiku Film Company, como ayudante en el departamento de cine, el 1 de agosto de 1923, en contra de los deseos de su padre. Su casa quedó destruida en el terremoto de 1923, pero ningún miembro de su familia resultó herido. El 12 de diciembre de 1924, Ozu comenzó un año de servicio en las fuerzas armadas. En 1927 se vio envuelto en una pelea en la que propinó un puñetazo a otro miembro del personal en el bar del estudio. En septiembre de 1927 dirigió su primera película, Espada de penitencia.

Ver películas de Ozu

Kaneto Shindo

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Nacido en Hiroshima en 1912, Kaneto Shindo creció en el seno de una familia terrateniente, que luego cayó en desgracia. En 1927 ingresó en los talleres cinematográficos Shinko, donde empezó a trabajar en el cine japonés, primero como ayudante de escenografía.

Trabaja como director en la famosa película La venganza de los 47 ronin, del director y también su maestro Kenji Mizoguchi. A lo largo de las décadas de 1940 y 1930, sin embargo, su principal dedicación acabó siendo la de guionista. En la década de 1940 escribió sus primeros guiones cinematográficos para cineastas de la calidad de Kon Ichikawa, Keisuke Kinoshita, Fumio Kamei, Tadashi Imai e incluso Kōzaburō Yoshimura.

Su colaboración más vital es la que mantuvo con Kozaburo Yoshimura, con quien fundó en 1951 la compañía independiente Società del Cinema Moderno. El director que más impacta en su cine, sobre todo en lo que se refiere al tema de la condición femenina y la estabilidad de sus personalidades femeninas, es sin embargo Kenji Mizoguchi, con quien el propio Shindo realiza un largo docudrama.

Ver películas de Kaneto Shindo

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John Ford

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John Martin Feeney nació el 1 de febrero de 1894 en Cape Elizabeth, Maine. Su padre era carpintero irlandés y su madre ama de casa. Ford creció en una familia católica y siempre conservó un fuerte sentido de su identidad irlandesa.

Ford comenzó su carrera en el cine como actor, guionista y ayudante de dirección. En 1917 dirigió su primera película, A Woman’s Fool. A lo largo de su carrera, Ford dirigió más de 140 películas de géneros tan variados como el western, el drama, la comedia y el cine histórico.

John Ford fue uno de los pocos directores en ganar 4 Oscars. Empieza a hacer películas en la era del cine mudo. John Ford es uno de los más grandes directores de la historia del cine, reconocido como maestro por colegas como Akira Kurosawa, Martin Scorsese, Sam Peckinpah, Sergio Leone, Clint Eastwood, Wim Wenders, así como François Truffaut.

Sus películas estaban influidas por el estilo cinematográfico de John Ford. Según Orson Welles, John Ford fue el mejor director de la historia. Excelentes críticos de cine han elogiado su compleja y dilatada filmografía, desde Truffaut hasta Jean-Luc Godard.

La popularidad de John Ford, maestro del western, está ligada a la colaboración con estrellas famosas. El rostro que evocan instantáneamente las películas de John Ford es el de John Wayne, con quien rodó 21 películas, pero también el de Victor McLaglen, Henry Fonda, John Carradine y Lee Marvin.

Otto Preminger

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Otto Preminger (5 de diciembre de 1905 – 23 de abril de 1986) fue un importante director de origen austrohúngaro, también productor y actor en Hollywood y en el entorno del teatro neoyorquino de Broadway. En abril de 1935, mientras Preminger trabajaba en el teatro en Viena, recibió una invitación del productor Darryl F. Zanuck, fundador de Twentieth Century-Fox, que buscaba nuevos talentos. Preminger aceptó una invitación para trabajar para la Fox en Los Ángeles.

Su carrera artística abarcó más de 50 años. Su fama se debe principalmente a importantes películas de cine negro como Laura (1944) y Ángel caído (1945 ), así como a algunas importantes adaptaciones de novelas y obras de teatro. Muchas de sus películas tuvieron problemas en Hollywood: los temas tratados eran tabú en aquella época. La drogadicción en El hombre del brazo de oro, la violación en Anatomía de un asesinato y la homosexualidad en Tormenta sobre Washington (Advise & amp; Consent).

Su fama de hombre colérico, violento y arrogante contribuyó a hacer de él una figura autoritaria y legendaria al mismo tiempo, pero tal vez sólo fuera una actitud estratégica para llevar a cabo sus producciones y limitar el intrusismo de los ejecutivos de los Estudios. Fue elegido dos veces para el Oscar al Mejor Director.

Michael Powell

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Michael Powell, nacido el 30 de septiembre de 1905, fue un director inglés, famoso por su colaboración con Emeric Pressburger. ¡Con su productora The Archers, han desarrollado juntos una colección de películas británicas clásicas, entre las que destacan The Life and also Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944), I Know Where I’m Going! Su película de 1960 Peeping Tom fue duramente criticada, mientras que hoy se considera de culto. Fue tan vilipendiado en el primer lanzamiento que su carrera quedó seriamente dañada.

Numerosos directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola e incluso George A. Romero señalaron a Powell como maestro. En 1981 recibió el premio BAFTA Academy Fellowship junto con su compañero Pressburger, el mayor honor que la Academia de Cine británica puede ofrecer a un director.

Jean Cocteau

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Jean Cocteau fue un poeta, dramaturgo, novelista, cineasta, diseñador y artista francés. Fue una figura central de la vanguardia francesa de principios del siglo XX, y su obra contribuyó a configurar el desarrollo del arte y la literatura modernos.

Cocteau nació en Maisons-Laffitte, Francia, en 1889. Comenzó su carrera como poeta y dramaturgo, y pronto adquirió reputación por su obra experimental e innovadora. Su primera obra, Les Mariés de la Tour Eiffel (1921), fue una colaboración con Pablo Picasso y Erik Satie, y contribuyó a lanzar el movimiento Dadá en Francia.

Cocteau también trabajó como cineasta, y dirigió algunas de las películas más importantes de la vanguardia francesa. Sus películas más famosas son Le Sang d’un poète (1930), La Belle et la Bête (1946) y Orphée (1950). Estas películas se caracterizan por su uso del simbolismo, su exploración del subconsciente y su uso innovador de las técnicas cinematográficas.

La infancia de Jean Cocteau reveló rápidamente su interés por las artes plásticas y también por la poesía. En realidad, el pequeño Jean, aún delicado de salud, invierte horas en construir pequeños teatros de marionetas en el patio y en la ilustración.

Cuando ve que sus padres salen a menudo por la noche para ir al teatro, dejándole solo en casa, la necesidad de asistir a representaciones teatrales se convierte en una obsesión para él. Un interés por el arte que podrá materializar unos años más tarde. Entre sus obras maestras figuran El testamento de Orfeo y La sangre de un poeta.

Ver El Testamento de Orfeo

Alfred Hitchcock

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Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, Inglaterra. Era el menor de los tres hijos de William Alfred Hitchcock, comerciante de papel, y Emma Jane Hitchcock, ama de casa. Hitchcock asistió al St. Ignatius’ College de Londres y más tarde se matriculó en la Escuela de Ingeniería Marina y Navegación del Consejo del Condado de Londres. Sin embargo, abandonó los estudios a los 16 años para dedicarse al cine.

Hijo de una modesta familia de comerciantes, su padre era comerciante de frutas y verduras, Alfred Hitchcock estudió en un estricto internado de padres jesuitas. Se interesó por el cine cuando Famous Players-Lasky abrió una sucursal en Londres. Primero trabaja en la oficina ocupándose de los subtítulos, luego pasa a dirigir y escribir.

Mientras tanto, cambia de producción y empieza a colaborar con British International Pictures, con la que rueda su primera película sonora, Chantaje, en 1929. Fue escrita y concebida como una película muda, pero con la llegada de la nueva tecnología Hitchcock cambia el guión antes del rodaje.

A partir de entonces disfrutó apareciendo como extra en todas sus películas, para acabar convirtiéndose en una conocida personalidad televisiva unas décadas más tarde. Está considerado por todos como el mejor director del género de suspense.

Luis Buñuel

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Luis Buñuel, maestro del cine surrealista, nació en Calendula, un pequeño pueblo de Aragón, España, el 22 de febrero de 1900. Le enviaron a estudiar a una universidad jesuita. Probablemente, esta experiencia hecha de reglas rígidas y vida cotidiana aburrida contribuye a desarrollar su profunda hostilidad hacia las instituciones católicas.

Al trasladarse a Madrid para investigar en la universidad, tiene la oportunidad de ser totalmente libre para conocer lo que más le interesa: las obras literarias y la filosofía. Entre sus amigos íntimos de la época universitaria se encuentran el poeta Federico García Lorca y Salvador Dalí, pintor surrealista con el que desarrollará una larga asociación.

Descubre las películas de Buster Keaton y Fritz Lang y trabaja en París como ayudante del director Jean Epstein. Un cine fuera de la lógica narrativa, dentro del territorio del absurdo y la imaginación. Muchas de sus obras maestras imperdibles: El discreto encanto de la burguesía, El ángel exterminador, La belleza del día, El fantasma de la libertad. Y muchos otros.

Ver El ángel exterminador

Mario Monicelli

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Mario Monicelli (16 de mayo de 1915 – 29 de noviembre de 2010) fue un director de cine, guionista y actor italiano. Está considerado uno de los directores más importantes de la comedia italiana, y sus películas son conocidas por su humor mordaz y su sátira social.

Monicelli nació en Roma el 16 de mayo de 1915. Estudió Derecho en la Universidad de Roma, pero finalmente decidió dedicarse al cine. Comenzó su carrera como guionista, escribiendo para algunos de los directores italianos más importantes de la época, como Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Roberto Rossellini.

En 1948, Monicelli debutó como director con la película Totó cerca casa, una comedia protagonizada por Totó. La película fue un éxito comercial y de crítica, y marcó el inicio de la carrera de Monicelli como director.

Monicelli dirigió más de 50 películas, entre ellas algunos de los clásicos de la comedia italiana, como I soliti ignoti (1958), La grande guerra (1959), Amici miei (1975) y Amici miei atto II (1982). Sus películas se caracterizan por el humor mordaz y la sátira social, y a menudo exploran temas de clase, política y sociedad.

Monicelli trabajó con algunos de los más grandes actores italianos, como Totò, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni y Sophia Loren. Sus películas tuvieron un impacto significativo en la cultura italiana y contribuyeron a hacer de la comedia italiana uno de los géneros cinematográficos más populares del mundo.

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Chantal Akerman

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Nacida en Bruselas en 1950, Chantal Akerman es hija de padres judíos que emigraron de Polonia. Los abuelos de su madre y también su madre fueron deportados a Auschwitz.

Decide dedicarse al cine tras quedar impactada por la película El bandido de los 11, de Jean-Luc Godard, en 1965, y también tras un curso de estudios en la Escuela de Cine de Bruselas, en 1971 se traslada a Estados Unidos, a Nueva York…

En Estados Unidos realizó su primer cortometraje Saute ma ville, una película de catástrofes al estilo burlesco realizada a los 18 años sobre una chica que hace explotar su horno y acaba destruyendo también toda la ciudad.

La película recibe una atención crucial e incluso el agradecimiento del director belga André Delvaux. Actualmente de este trabajo se desprende la pasión por un cine de vanguardia, al margen de las normas y de cualquier tipo de clasificación comercial.

Orson Welles

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George Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin. Era hijo de Richard Head Welles, inventor, y Beatrice Ives Welles, concertista de piano. Welles era un niño superdotado que mostró un temprano interés por la interpretación y la dirección. Comenzó su carrera en el teatro siendo un adolescente, y rápidamente se hizo un nombre como director de talento e innovador.

En 1934, Welles se trasladó a Nueva York para hacer carrera en la radio. Rápidamente se convirtió en una popular personalidad radiofónica, y era conocido por su estilo dramático e innovador. En 1938, dirigió y narró una adaptación radiofónica de La guerra de los mundos, de H.G. Wells, que causó un pánico generalizado entre los oyentes, que creían que se estaba produciendo una invasión alienígena.

Cuando Orson Welles creó Ciudadano Kane, fue tanto una maldición como una auténtica bendición. Tras su estreno, la película no fue inmediatamente aclamada como la mejor de la historia. El camino de las películas se convirtió más tarde en una ardua batalla para Welles. Las interferencias en el trabajo le obligaron a convertirse en cineasta independiente y también pasó los 3 años siguientes terminando las películas que había dejado inacabadas.

Welles siguió dirigiendo, actuando y produciendo películas a lo largo de su carrera. Sin embargo, nunca volvió a alcanzar el mismo nivel de éxito que con Ciudadano Kane. Realizó varias películas notables, como The Magnificent Ambersons (1942), Touch of Evil (1958) y F for Fake (1973).

Ver El desconocido

Akira Kurosawa

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Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 en Ōimachi, distrito de Ōmori, en Tokio. Comenzó su carrera en el cine en 1936 como ayudante de dirección para la Toho Film Company. En 1943 dirigió su primera película, Sugata Sanshiro, un filme de artes marciales que fue un éxito comercial y de crítica.

Años 50

En la década de 1950, Kurosawa dirigió algunas de sus películas más importantes, como Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958). Estas películas fueron aclamadas por la crítica y ganaron numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Rashomon.

Años 60

En la década de 1960, Kurosawa siguió dirigiendo películas de éxito, como Yojimbo (1961), Sanjuro (1962) y Kagemusha (1980). Estas películas exploraban temas como la violencia, la venganza y el destino.

No es necesario entender la cultura japonesa ni ser un erudito del periodo Sengoku del país para apreciar lo que indica la obra de Akira Kurosawa. La cuestión es que Kurosawa ha tomado historias que son increíblemente únicas y también las ha hecho globalmente relevantes. Sus historias tomaron motivos típicos de su propia cultura, pero también de Shakespeare, y descubrieron un mensaje que ha resonado en todo el mundo.

De todos los directores de esta lista, quizá ninguno haya tenido tanta influencia global en el cine como el Sr. Kurosawa. Desde sus impresionantes samuráis como Yojimbo y Los siete samuráis hasta sus dramatizaciones contemporáneas como Ikiru y El mal duerme bien, hay algo que todos podemos sentir de su obra.

Billy Wilder

Samuel «Billy» Wilder nació el 22 de junio de 1906 en Sucha, Austria. Comenzó su carrera como periodista en Viena, pero pronto se pasó a la escritura de guiones. En 1933, huyó a París para escapar del régimen nazi, y luego a Hollywood en 1934.

En Hollywood, Wilder se estableció rápidamente como guionista de éxito. Escribió los guiones de varias películas populares, como Ninotchka (1939), Double Indemnity (1944) y The Lost Weekend (1945).

Wilder empezó a dirigir sus propias películas a finales de la década de 1940. Debutó como director con The Major and the Minor (1942), pero su gran éxito llegó con Double Indemnity, un thriller negro que también coescribió.

Billy Wilder ha sabido trabajar dentro del sistema de estudios, sin dejar por ello de dar a sus películas un punto de vista y una personalidad propios. Le ayudó el hecho de ser también escritor, sin embargo, independientemente del tema, Billy Wilder siempre contaba sus historias con coherencia.

No podemos pensar en el cine negro sin su Indemnity , su inquietante metadrama Sunset Blvd. mostró un corazón oscuro en el centro de la popularidad, y también su divertida comedia Some Like It Hot está cerca de la obra maestra. No hay que olvidar sus dramas crudos y sinceros Días perdidos (The Lost Weekend) y también El apartamento.

Federico Fellini

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Federico Fellini nació el 20 de enero de 1920 en Rímini, Italia, en el seno de una familia modesta. Mostró un temprano interés por el dibujo y el cine, y empezó a trabajar como dibujante e ilustrador para el periódico Il Resto del Carlino.

En 1939 se trasladó a Roma para estudiar arte, pero pronto se involucró en el mundo del cine. En 1943 empezó a trabajar como ayudante de dirección para Roberto Rossellini, y en 1945 debutó como director con el cortometraje La voz de la luna.

Fellini empezó a llamar la atención con su segunda película, I Vitelloni (1953), un retrato satírico de la juventud italiana de la posguerra. La película fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Fellini como uno de los directores más prometedores de su época.

En los años siguientes, Fellini siguió realizando películas cada vez más originales y experimentales, explorando la naturaleza de la imaginación y los sueños. Entre sus películas más importantes de este periodo figuran La Strada (1954), Las noches de Cabiria (1957), La Dolce Vita (1960), (1963), Julieta de los espíritus (1965), Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973).

Fuera del movimiento neorrealista de posguerra, no hay cine italiano sin Federico Fellini. Explicar es accesorio, el adjetivo que me viene a la mente es «maravilloso». La Dolce Vita es un viaje figurativo a una época que la propia película transforma en mito y realidad, del mismo modo que al contemplar Roma parece entrar en el museo de pintura más importante.

I Vitelloni es una historia de formación juvenil, igual que 8 1/2 es un poema sobre el proceso creativo, sobre el misterioso laberinto que es la psique humana. Probablemente nadie ha creado tantas obras maestras como Federico Fellini, alcanzando una cima muy alta, donde se encuentran los grandes artistas de la historia de la humanidad.

Ingmar Bergman

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Nacido el 14 de julio de 1918 en Uppsala (Suecia), Ingmar Bergman fue uno de los cineastas más importantes de la historia del cine. Su filmografía posee una severa coherencia a la hora de explorar los tormentos del ser humano. Entre sus dramas se encuentran algunas de las obras cinematográficas más significativas de todos los tiempos.

El gran éxito de Bergman llegó en 1951 con Verano con Monika, una historia de madurez sobre el romance estival de una joven pareja. La película fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Bergman como uno de los principales talentos del cine sueco.

En los años siguientes, Bergman dirigió una serie de películas cada vez más aclamadas, como El séptimo sello (1957), Fresas salvajes (1957), Fanny y Alexander (1982) y Saraband (2003). Sus películas se caracterizan a menudo por la exploración de difíciles dilemas morales y el uso del simbolismo y la alegoría.

Ingmar Bergman es un hombre que ha vivido mucho más tiempo en la dimensión de los sueños que en la de la realidad. Exploró más los hechos que tenían lugar en su mundo interior que los del exterior. La exploración del mundo onírico le acercó mucho a Federico Fellini, de quien era buen amigo y con quien se enfrentó varias veces.

Mientras que Fellini representa el lado loco, divertido y grotesco del sueño, Bergman es el explorador del lado más oscuro y atormentado del ser humano que se hunde en la nada y en la falta de sentido e identidad.

Henri-Georges Clouzot

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Henri-Georges Clouzot (20 de noviembre de 1907 – 12 de enero de 1977) fue un director de cine, guionista y productor francés. Está considerado uno de los cineastas franceses más importantes del siglo XX, conocido por sus thrillers psicológicos y sus películas de cine negro.

Clouzot nació en Niort, Francia. Comenzó su carrera como periodista y crítico de cine, antes de dedicarse a la dirección. Debutó en el largometraje en 1943 con L’assassin habite au 21, un thriller negro que contribuyó a definir el género en Francia.

Las siguientes películas de Clouzot consolidaron su reputación como uno de los directores más importantes de Europa. Quai des orfèvres (1947) es un clásico policial que ganó el Gran Premio del Festival de Cannes. Manon (1949) es un melodrama trágico que lanzó la carrera de Brigitte Bardot. Les diaboliques (1955) es un thriller psicológico que recibió una nominación al Oscar al Mejor Guión Original.

Le salaire de la peur (1953) es la película más famosa de Clouzot. Se trata de un thriller dramático ambientado en Sudamérica que narra la historia de un grupo de hombres que se embarcan en una peligrosa misión para transportar explosivos a través de una selva en llamas. La película ganó el León de Oro en el Festival de Venecia y está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

En la década de 1960, Clouzot siguió realizando películas de éxito, como Les bonnes femmes (1960), un drama satírico, y La vérité (1960), un thriller psicológico. Sin embargo, su carrera se vio empañada por un fracaso comercial y de crítica con Le chat (1969), un thriller psicológico que recibió críticas negativas.

Clouzot siguió haciendo películas hasta su muerte en 1977. Su última película, L’enfer (1974), es un thriller psicológico que completó su hijo, Claude Clouzot.

Robert Bresson

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Robert Bresson nació el 25 de septiembre de 1901 en Bromont-Lamothe, Francia. Comenzó su carrera en el cine como guionista en los años treinta. Su primera película como director, Les Affaires publiques (Asuntos públicos), fue una comedia corta estrenada en 1934.

Tras servir en la Segunda Guerra Mundial, Bresson volvió al cine con Les Anges du péché (Los ángeles del pecado) en 1943. La película, una historia de redención y perdón, estableció el estilo cinematográfico distintivo de Bresson.

En la década de 1950, Bresson dirigió una serie de películas aclamadas, como Journal d’un curé de campagne (Diario de un cura rural ) en 1951, Un condamné à mort s’est échappé (Un condenado a muerte se escapa) en 1956, y Pickpocket (El carterista ) en 1959. Estas películas se caracterizaban por sus escasos diálogos, sus actores no profesionales y el uso que hacía Bresson del montaje elíptico y la fotografía de enfoque profundo.

Hablar de Robert Bresson, en la era de las series de televisión originales y las películas en streaming, puede ser complicado. Por suerte, Robert Bresson pudo rodar sus películas en otro contexto. No iba a ser fácil en una época de homologación masiva del lenguaje cinematográfico, en la que el público va perdiendo poco a poco la capacidad de reconocer una obra de arte.

Robert Bresson es precisamente el director que quizás mejor representa el reverso de esta homologación actual. Creador de un cine riguroso que pivota sobre sólidas estructuras reflexivas y espirituales, Bresson explora el significado más profundo de todas las partes de la producción de una película. Robert Bresson simplemente habría sentido verdadero asco ante estas películas presentadas hoy tanto por la prensa como por el gran público como «obras de arte». De hecho, Bresson rodó varias verdaderas obras de arte.

Satyajit Ray

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Satyajit Ray nació el 2 de mayo de 1921 en Calcuta, India. Su padre, Sukumar Ray, era un famoso escritor e ilustrador, y su madre, Suprabha Ray, era músico. Ray empezó a estudiar arte y dibujo a una edad temprana, y más tarde se licenció en Historia por la Universidad de Calcuta.

En 1943, Ray empezó a trabajar como ayudante de producción para el cineasta francés Jean Renoir, que estaba rodando la película The Grand Illusion en Calcuta. Esta experiencia fue fundamental en el desarrollo de Ray como cineasta y le brindó la oportunidad de aprender de uno de los maestros del cine mundial.

La ópera prima de Ray, Pather Panchali (Canción del camino), se estrenó en 1955. Ambientada en Bengala en la década de 1920, la película cuenta la historia de una familia pobre. Pather Panchali fue un éxito internacional y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Satyajit Ray, padre del cine indio, ha creado un cine tan humano como poderoso. Al igual que sus contemporáneos del Neorrealismo italiano, Ray trabajó con presupuestos mínimos, equipos inexpertos y sin actores.

Es por su trilogía de Apu por la que Ray es más conocido: Pather Panchali, Aparajito y Apur Sansar, tres películas que se han convertido en obras fundamentales de la historia del cine. El trabajo de Ray como director no había hecho más que empezar y siguió realizando películas igualmente magistrales durante los 40 años siguientes.

John Cassavetes

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Cassavetes nació en Nueva York el 9 de diciembre de 1929, en el seno de una familia greco-americana. Comenzó su carrera en el teatro, trabajando como actor y director. A principios de la década de 1950 empezó a aparecer en películas, y rápidamente se ganó una reputación por sus interpretaciones intensas y naturalistas.

Cassavetes debutó como director con la película Shadows (Sombras), de 1959. La película, de bajo presupuesto y rodada con actores no profesionales, fue un éxito comercial y de crítica. La película consagró a Cassavetes como uno de los principales talentos del cine estadounidense.

En los años siguientes, Cassavetes dirigió una serie de películas cada vez más aclamadas, como Too Late Blues (1961), Faces (1968), Husbands (1970), A Woman Under the Influence (1974) y Opening Night (1977). Sus películas se caracterizaban a menudo por su crudo realismo, la exploración de difíciles dilemas morales y el uso del simbolismo y la alegoría.

Su arte cinematográfico se centra principalmente en la interpretación, sin embargo John Cassavetes acabó siendo un director de cine excepcional también desde el punto de vista de las imágenes, del montaje, de todo. A Cassavetes se le suele atribuir la apertura de una nueva era del cine independiente.

Encontrará obras descarnadas con imágenes tomadas a mano como Sombras y rostros junto a historias devastadoras como Maridos, Minnie y Moskowitz. Y si lo que quiere es ver algunas de las interpretaciones más desgarradoras de una actriz, eche un vistazo a Gena Rowlands en Una mujer bajo la influencia, que no parece muy rodada tal y como la grabaron.

Jean-Luc Godard

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Godard nació en París el 3 de diciembre de 1930. Estudió Derecho y Filosofía en la Universidad de París, pero acabó abandonando para dedicarse al cine. Comenzó su carrera como crítico de cine, escribiendo para Cahiers du Cinéma, una revista que estuvo a la vanguardia de la Nueva Ola francesa.

En 1959, Godard debutó como director con el cortometraje À bout de souffle. La película, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, fue un éxito comercial y de crítica. Godard se consagró como uno de los nuevos talentos del cine francés.

La Nouvelle Vague francesa fue un movimiento cinematográfico surgido en Francia a finales de la década de 1950. El movimiento se caracterizó por su rechazo a las técnicas cinematográficas tradicionales y su apuesta por la experimentación y la innovación. Godard fue una de las principales figuras de la Nouvelle Vague francesa, y sus películas figuran entre las más influyentes del movimiento.

Mientras Hollywood ha invertido años tratando de perfeccionar el «cine imperceptible», Jean-Luc Godard se ha fijado como objetivo personal hacerlo saltar todo por los aires. Como los rusos de los años veinte, que utilizaban el montaje, Godard utilizó su cine para aportar innovaciones. Para él, «el cine como entretenimiento doméstico» no es sólo aburrido, sino insultante.

En el corazón del movimiento de la Nouvelle Vague francesa, Godard comenzó a reformular el tesauro del lenguaje cinematográfico. Sus obras más destacadas son Sin aliento, Desprecio, Alphaville, Pierrot le Fou y también Fin de semana.

Roman Polansky

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Roman Polanski (nacido Raymond Roman Thierry Polański; 18 de agosto de 1933) es un director de cine, guionista, productor y actor franco-polaco. Está considerado uno de los directores más importantes e influyentes del cine contemporáneo. Polanski ha ganado numerosos premios, entre ellos un Óscar, dos premios de cine de la Academia Británica, diez premios César, dos Globos de Oro, así como el Oso de Oro y una Palma de Oro.

Polanski nació en París, Francia, en 1933. Sus padres regresaron a Polonia desde Francia en 1936, tres años antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. La infancia de Polanski estuvo marcada por la ocupación nazi de Polonia. Fue obligado a vivir en un gueto judío y más tarde escapó al campo.

El primer largometraje de Roman Polansky, El cuchillo en el agua, es una película espectacular y un ajustado thriller. El director continuó en este modo de nuevo con espeluznante destreza en Repulsión, Cul-de-sac y El inquilino.

Las mayores obras de Polanski son El bebé de Rosemary y Chinatown, dos películas que le han consagrado entre los cineastas más famosos de todos los tiempos. Con El bebé de Rosemary consigue salvar esa delgada línea que separa la tranquilidad de la locura. Chinatown es un retroceso del cine negro que toca todos los temas y estilos del género. Independientemente de su incómoda vida personal, Polanski trajo consigo una gran innovación a Hollywood.

Francis Ford Coppola

Coppola

Francis Ford Coppola (nacido el 7 de abril de 1939) es un cineasta estadounidense. Se le considera uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos. Las películas de Coppola se caracterizan por su belleza visual, la exploración de temas complejos y el uso de técnicas cinematográficas innovadoras. Ha ganado numerosos premios, entre ellos cinco Oscar, seis Globos de Oro y dos Palmas de Oro.

Coppola nació en Detroit, Michigan, el 7 de abril de 1939. Es hijo de Carmine Coppola, compositor y director de orquesta, y de Italia Coppola, aspirante a actriz. Coppola creció en Queens, Nueva York, y asistió a escuelas católicas. Se interesó por el cine desde muy joven y empezó a hacer sus propios cortometrajes en el instituto.

Tras graduarse en el instituto, Coppola asistió a la Universidad de Hofstra, donde estudió cine. Se trasladó a la UCLA al cabo de dos años y se licenció en Bellas Artes cinematográficas en 1963.

El primer largometraje de Coppola, Dementia 13 (1963), fue una película de terror de bajo presupuesto que escribió, dirigió y produjo. La película fue un fracaso comercial y de crítica, pero ayudó a Coppola a consolidarse como un cineasta de talento.

Coppola saltó a la fama en 1969 con el estreno de Finian’s Rainbow. La película era una comedia musical que fue un éxito comercial y de crítica. Ganó dos premios de la Academia, incluido el de mejor banda sonora original para John Williams.

Coppola siguió haciendo películas de éxito durante las décadas de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más notables de este periodo son El Padrino (1972), El Padrino Parte II (1974), La conversación (1974), Apocalypse Now (1979), The Cotton Club (1984) y Peggy Sue se casó (1986).

Todas estas películas fueron aclamadas por la crítica y tuvieron éxito comercial. También exploraron temas complejos como la familia, la lealtad y el poder.

Coppola siguió haciendo películas en las décadas de 1990 y 2000, pero no tuvo el mismo éxito que en las de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más destacadas de este periodo son Historias de Nueva York (1989), Drácula (1992), Jack (1996) y La Tetrología (2001-2009).

Ver Demencia 13

Andrei Tarkovski

Tarkovski nació el 4 de abril de 1932 en Zavrazhye, Kirov Oblast, SFSR rusa. Su padre, Arseny Tarkovsky, era poeta, y su madre, Maria Ivanova Vishnyakova, profesora. Tarkovski estudió música y árabe en la Universidad Estatal de Moscú antes de ingresar en el Departamento de Dirección del Instituto Estatal de Cinematografía (VGIK) en 1957.

El primer largometraje de Tarkovski, La infancia de Iván (1962), fue un éxito comercial y de crítica, y ganó el León de Oro en el Festival de Venecia. La película, ambientada en la Segunda Guerra Mundial, cuenta la historia de un joven que busca venganza por la muerte de su familia.

Las siguientes películas de Tarkovski, como Andrei Rublev (1966), Solaris (1972), Stalker (1979), Nostalgia (1983) y El sacrificio (1986), consolidaron aún más su reputación como uno de los cineastas más importantes de su generación. Sus películas se caracterizan por su ritmo lento, las tomas largas y el uso del simbolismo. Las películas de Tarkovski exploran a menudo temas de espiritualidad, religión y condición humana.

En la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos de Sight & Sound, Andrei Tarkovsky figura con tres de sus películas: Andrei Rublev, El espejo y Stalker. Tarkovski es uno de los principales directores de cine rusos y, a pesar de que su filmografía es algo más corta que la de muchos otros de esta lista, lo que ha conseguido en esas pocas películas basta para consagrarlo como uno de los mejores directores de todos los tiempos.

François Truffaut

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Truffaut nació en París el 6 de febrero de 1932 en el seno de una familia obrera. Sus padres se divorciaron cuando era joven, y fue criado por su madre y el novio de ésta. Truffaut fue un niño problemático, y fue expulsado de la escuela a los 14 años. Empezó a trabajar como obrero, pero también se apasionó por el cine. Comenzó a escribir crítica cinematográfica para diversas publicaciones y se convirtió en una figura destacada del movimiento de la Nouvelle Vague francesa.

Fue uno de los directores más influyentes del cine francés. A su actividad como director se une la de crítico cinematográfico en la redacción del Cahier du Cinema.

La obra cinematográfica de François Truffaut abarca treinta años, de los cincuenta a los ochenta, y se une a la de varios otros amigos-directores del cine francés como Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer, Jacques Rivette.

Este equipo de jóvenes, bajo la dirección del crítico André Bazin, ha desarrollado uno de los movimientos cinematográficos más cruciales de la historia del cine, La Nouvelle Vague, la nueva ola francesa que ha desarrollado nuevas olas en varias otras partes del mundo.

Entre estas naciones se encuentran también los Estados Unidos de América y el movimiento de Nuevo Hollywood. Scorsese, Coppola, De Palma y otros directores estadounidenses que acabarían siendo muy famosos comienzan sus primeros pasos impulsados por la Nouvelle Vague francesa, un cine conocido en todo el mundo. El primer largometraje de Truffaut fue Los 400 disparos. Tuvo un gran éxito en el Festival de Cannes de 1959.

Stanley Kubrick

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Stanley Kubrick nació en Nueva York, Manhattan, el 26 de julio de 1928, hijo de Jacob Leonard Kubrick, médico estadounidense nacido en el seno de una familia judía de ascendencia austriaca, polaca y rumana, y de Sadie Gertrude Perveler, ama de casa estadounidense, también de ascendencia judía.

De niño se apasionó por la antigua Grecia y también por los cuentos de hadas nórdicos, el ajedrez y las canciones de jazz. Temporalmente se ganaba la vida con partidas de ajedrez y también tocaba la batería.

En 1945, sus padres regalan una cámara a Stanley y el joven comienza a fotografiar a un quiosquero entristecido por la noticia de la muerte del presidente Roosevelt, ofreciendo a Look publicarla. En los mismos años sigue los estudios de investigación creativa sobre fotografía (lo que repercutirá negativamente en su rendimiento escolar) y comienza a entusiasmarse por la poesía y también por la filosofía, lo que le llevará a estudiar la ideología de Nietzsche.

En 1949 dirige el cortometraje Day of the Fight, un docudrama sobre el boxeador Walter Cartier realizado por sólo 3.900 dólares por amigos y familiares, y que revende a la RKO por 4.000 dólares. El siguiente docudrama, realizado para la RKO por 1.500 dólares, es Flying Padre, sobre un sacerdote de Nuevo México que recorre la extensa zona de su iglesia utilizando una pequeña avioneta de viaje.

Ver Miedo y deseo

Michael Cimino

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Cimino nació en Nueva York el 3 de febrero de 1939. Estudió arquitectura y arte dramático en la Universidad de Yale, y más tarde trabajó como director comercial y guionista. En 1974, debutó en el largometraje con Thunderbolt and Lightfoot, un thriller policíaco protagonizado por Clint Eastwood. La película fue un éxito comercial y de crítica, y ayudó a consolidar a Cimino como un cineasta importante.

La siguiente película de Cimino, El cazador (1978), fue un triunfo comercial y de crítica, y ganó cinco premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor director. La película cuenta la historia de tres amigos de un pequeño pueblo de Pensilvania que son enviados a luchar en la guerra de Vietnam. El cazador de ciervos está considerada una de las mejores películas de la historia, y es conocida por su inquebrantable retrato de los horrores de la guerra.

Después de El cazador, la carrera de Cimino empezó a tambalearse. Su siguiente película, Heaven’s Gate (La puerta del cielo, 1980), fue un desastre comercial y de crítica, y se considera uno de los mayores fracasos de la historia del cine. Las siguientes películas de Cimino, como El año del dragón (1985) y El siciliano (1987), también fueron fracasos comerciales y de crítica.

Cimino siguió haciendo películas durante las décadas de 1990 y 2000, pero nunca recuperó el éxito comercial y de crítica de los comienzos de su carrera. Su última película, Big Bad Love (2007), fue un fracaso comercial y de crítica.

Cimino falleció el 2 de julio de 2016, a los 77 años. Fue una figura compleja y contradictoria, pero también un cineasta de talento que realizó algunas de las películas más importantes de la década de 1970.

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John Boorman

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Boorman nació en Lee-on-the-Solent, Hampshire, Inglaterra, el 17 de enero de 1933. Estudió inglés y literatura en la Universidad de Oxford y comenzó su carrera como director de documentales para la BBC. En 1965, debutó en el largometraje con Atrápanos si puedes, una comedia negra de suspense y crimen. La película fue un éxito comercial y de crítica y lanzó la carrera de Boorman.

La siguiente película de Boorman, Point Blank, era un thriller policíaco neo-noir protagonizado por Lee Marvin. La película fue un éxito comercial y de crítica y está considerada como una de las mejores películas neo-noir de la historia.

El gran éxito de Boorman llegó con Deliverance, un thriller de suspense sobre cuatro amigos que hacen un viaje en canoa por los bosques de Georgia y son atacados por un grupo de forajidos. La película fue un éxito comercial y de crítica y fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de mejor película.

Después de Deliverance, Boorman rodó una serie de películas de éxito, como Zardoz (1974), un filme de ciencia ficción protagonizado por Sean Connery; El exorcista II: el hereje (1977), secuela de la película de terror de 1973 El exorcista; y Excalibur (1981), una película fantástica sobre la leyenda artúrica.

En las décadas de 1980 y 1990, Boorman siguió haciendo películas, pero no alcanzó el mismo nivel de éxito crítico o comercial que en la década de 1970. En los últimos años, Boorman ha dirigido varios documentales, entre ellos Stolen Seas (2009), una película sobre la sobrepesca; y Seahorse (2016), una película sobre el declive de la población de caballitos de mar.

Martin Scorsese

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Martin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en el barrio de Flushing del distrito de Queens, en Nueva York. Su familia se trasladó a Little Italy, en Manhattan, antes de que empezaran las clases. Tanto la madre como el padre de Scorsese, Charles Scorsese y Catherine Scorsese, trabajaban en el Garment District de Nueva York. Ambos eran de origen italiano.

De adolescente en el Bronx, Scorsese alquilaba regularmente películas de Pressburger y Powell, como Los cuentos de Hoffmann (1951), en una tienda que tenía una réplica del carrete. Fue uno de los dos únicos individuos que la alquilaron de forma continuada; el otro fue el futuro director de cine George A. Romero.

Tras graduarse en el instituto, Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, donde estudió cine. En 1968 se licenció en cine.

El primer largometraje de Scorsese, Who’s That Knocking at My Door, se estrenó en 1967. La película fue un fracaso comercial y de crítica, pero ayudó a Scorsese a consolidarse como cineasta de talento.

Scorsese saltó a la fama en 1972 con el estreno de Boxcar Bertha. La película fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Scorsese como uno de los principales directores de Hollywood.

Scorsese siguió haciendo películas de éxito durante las décadas de 1970 y 1980. Algunas de sus películas más notables de este periodo son Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976), Toro salvaje (1980) y El rey de la comedia (1983).

Todas estas películas se caracterizaban por su violencia, humor negro y exploración de temas como la religión, la culpa y la redención. Además, todos fueron aclamados por la crítica y tuvieron éxito comercial.

Scorsese siguió haciendo películas de éxito en las décadas de 1990 y 2000. Algunas de sus películas más destacadas de este periodo son Goodfellas (1990), Casino (1995), Gangs of New York (2002), Infiltrados (2006) y Hugo (2011).

Todas estas películas fueron aclamadas por la crítica y tuvieron éxito comercial. También siguieron explorando temas que habían sido centrales en la obra de Scorsese a lo largo de su carrera, como la violencia, la religión y la culpa.

Franco Piavoli

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Franco Piavoli nació en Pozzolengo, cerca de Brescia, en 1933. Cursó el bachillerato y en 1956 se licenció en Derecho en Pavía. Completó su formación dedicándose al estudio de la horticultura y la ecología. Apasionado de la pintura y la fotografía, entabla amistad con el joven fotógrafo local Ugo Mulas.

También se hizo abogado y luego profesor de Derecho y Administración de Empresas en institutos de enseñanza secundaria. Sigue sus pasiones con tenacidad, creando un cine poético independiente de rara belleza: una vida y también una poética maduradas en estrecho contacto con el territorio de origen, la bella aldea de Brescia, el anfiteatro de las colinas morrénicas, fuente constante de ideas.

Las películas de Piavoli se caracterizan por sus largas tomas, sus lentos panoramas y el uso de la luz natural. A menudo utiliza cámaras en mano, y sus películas tienen un aspecto áspero y sin pulir. Esto es intencionado, ya que Piavoli quiere crear películas que parezcan reales e inmediatas.

Las películas de Piavoli exploran a menudo temas como el tiempo, la memoria y la relación entre el hombre y la naturaleza. Le interesa el modo en que el tiempo puede distorsionar nuestra percepción de la realidad, y a menudo utiliza flashbacks y cámara lenta para crear una atmósfera onírica. A Piavoli también le interesa el modo en que la naturaleza puede reflejar nuestro estado de ánimo interior, y sus películas a menudo presentan impresionantes paisajes y primeros planos de detalles naturales.

Brian De Palma

Brian De Palma (nacido el 11 de septiembre de 1940) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Está considerado uno de los directores más importantes e influyentes del cine contemporáneo.

De Palma nació en Newark, Nueva Jersey, en 1940. Estudió cine en la Universidad de Nueva York, donde realizó varios cortometrajes, entre ellos The Wedding Party (1963), que fue su primera película en recibir un amplio estreno.

En 1968, De Palma dirigió su primer largometraje, Murder à la mod, una película de cine negro protagonizada por una joven Angie Dickinson. La película fue un éxito de crítica y lanzó la carrera de De Palma como director.

Las películas de Brian De Palma son controvertidas, no sólo por su temática, sino también por su estilo. En otras palabras, es difícil aceptar pasivamente una película de Brian De Palma. Es una obra interesante que a menudo explora el lado tabú y oscuro de la experiencia humana, en algunos casos.

Su impacto hitchcockiano es evidente en Hermanas, Vestida para matar y Doble de cuerpo, pero la filmografía de De Palma es mucho más matizada que eso. Otras películas destacadas son Los intocables, Blow Out y una de las adaptaciones más eficaces de Stephen King, Carrie. Brian De Palma ha innovado el lenguaje cinematográfico con secuencias en las que la organización del tiempo y el espacio es asombrosa. Quizá la película más extraordinaria de su filmografía sea la que allanó su carrera: El fantasma del paraíso.

Michael Mann

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Michael Mann (nacido el 5 de febrero de 1943) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Es más conocido por sus estilizados dramas policíacos, que a menudo exploran temas de obsesión, violencia y ambigüedad moral. Las películas de Mann también son conocidas por su meticulosa atención al detalle, su realismo descarnado y el uso de técnicas cinematográficas innovadoras.

Michael Mann estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin-Madison y luego trabajó como periodista en The Miami Herald. A principios de la década de 1970, se trasladó a Los Ángeles para dedicarse a la televisión.

Mann comenzó su carrera como guionista y productor de televisión. Creó la serie de televisión Corrupción en Miami (1984-1989), que fue un éxito comercial y de crítica. También dirigió varios episodios de la serie, y su trabajo en ella contribuyó a consolidar su reputación como director de dramas de acción con estilo y suspense.

Mann debutó en el largometraje con Thief (1981), un thriller policíaco neo-noir protagonizado por James Caan. La película fue un éxito comercial y de crítica, y estableció el estilo característico de Mann de realismo descarnado y violencia estilizada.

Entre las películas posteriores de Mann figuran El último mohicano (1992), un épico drama de acción histórica protagonizado por Daniel Day-Lewis; Heat (1995), un thriller policíaco neo-noir protagonizado por Al Pacino y Robert De Niro; The Insider (1999), drama biográfico protagonizado por Russell Crowe y Al Pacino; Collateral (2004), un thriller policíaco neo-noir protagonizado por Tom Cruise y Jamie Foxx; Corrupción en Miami (2006), una adaptación cinematográfica de la serie de televisión de Mann; Enemigos públicos (2009), un drama criminal biográfico protagonizado por Johnny Depp; Blackhat (2015), un thriller de ciberdelincuencia protagonizado por Chris Hemsworth; y Luck (2011-2012), una serie de televisión sobre carreras de caballos.

Danny Boyle

Danny-Boyle

Danny Boyle es un cineasta inglés ganador de un Oscar, dos BAFTA, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Directores de América. Es conocido por su trabajo en películas como Shallow Grave, Trainspotting, 127 Hours y Slumdog Millionaire.

Boyle nació en Radcliffe, Greater Manchester, Inglaterra, el 20 de octubre de 1956. Estudió inglés y cine en la Universidad de Salford y comenzó su carrera realizando documentales para televisión. En 1994, debutó en el largometraje con Shallow Grave, una comedia negra de suspense y crimen. La película fue un éxito comercial y de crítica y lanzó la carrera de Boyle.

La siguiente película de Boyle, Trainspotting (1996), fue una adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh. La película fue un éxito comercial y de crítica y está considerada una de las mejores películas británicas de todos los tiempos. Trainspotting fue nominada al Oscar al mejor guión adaptado y ganó el premio BAFTA a la mejor película.

Luc Besson

Luc-Besson

Luc Besson es un reputado cineasta francés que ha cautivado al público de todo el mundo con sus películas visualmente impresionantes y llenas de acción. Nacido en París el 18 de marzo de 1959, Besson desarrolló su pasión por el cine a una edad temprana, faltando a menudo a la escuela para ver películas en los cines locales. Su carrera cinematográfica despegó en la década de 1980 con una serie de películas aclamadas por la crítica, entre ellas «Le Dernier Combat» (1983), una película de acción postapocalíptica, y «Subway» (1985), un elegante thriller ambientado en el metro parisino.

Besson saltó a la fama internacional con «El gran azul» (1988), un drama submarino de gran impacto visual que cautivó al público con su impresionante fotografía y la historia de la obsesión de dos amigos por la apnea. El éxito de la película propulsó a Besson a Hollywood, donde siguió dejando huella con películas como «La Femme Nikita» (1990), un thriller de acción sobre una asesina, y «Léon: El profesional» (1994), un clásico de culto sobre un asesino a sueldo y una joven.

La versatilidad de Besson como cineasta queda patente en su variada filmografía, que abarca géneros que van desde la acción y la ciencia ficción hasta las epopeyas históricas y los dramas románticos. También se ha aventurado a producir y escribir, demostrando su talento entre bastidores. Entre sus producciones destacan «Taxi» (1998), una comedia de acción de alto octanaje, y «District 9» (2009), una película sudafricana de acción y ciencia ficción.

Joel y Ethan Coen

Los hermanos Coen

Joel y Ethan Coen son cineastas estadounidenses conocidos por sus películas extravagantes, oscuras y a menudo violentas. Han escrito y dirigido algunas de las películas más aclamadas por la crítica y de mayor éxito comercial de los últimos 30 años, como Fargo (1996), El gran Lebowski (1998), No es país para viejos (2007) y True Grit (2010).

Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954 en St. Louis Park, Minnesota. Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957 en St. Louis Park, Minnesota. Los hermanos crecieron en Minneapolis y asistieron al Simon’s Rock del Bard College de Great Barrington, Massachusetts. Tras licenciarse, se trasladaron a Nueva York, donde trabajaron como redactores y guionistas de cine.

En 1984, los hermanos Coen debutaron como directores con la comedia policíaca Sangre fácil. La película fue un éxito de crítica y consagró a los hermanos Coen como una voz única e innovadora en el cine estadounidense.

Los hermanos Coen han seguido escribiendo y dirigiendo una gran variedad de películas, como comedias, dramas, thrillers y westerns. Han sido elogiados por sus agudos diálogos, sus personajes memorables y su capacidad para mezclar géneros y estilos.

Los hermanos Coen han ganado cuatro premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor guión adaptado por No es país para viejos. También han ganado tres Globos de Oro y dos premios BAFTA.

David Lynch

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David Lynch (nacido el 20 de enero de 1946) es un cineasta, pintor, músico y fotógrafo estadounidense. Es conocido por sus películas surrealistas, a menudo inquietantes y cargadas de psicología. Sus películas exploran temas como la alienación, la obsesión y el lado oscuro de la naturaleza humana.

Estudió cine en la Universidad de Kansas, donde realizó varios cortometrajes, entre ellos La abuela (1967) y Cabeza borradora (1977). Eraserhead, un biopic oscuro y perturbador sobre el descenso a la locura de un hombre, fue el primer largometraje de Lynch y estableció su estilo único e inquietante.

Entre las películas posteriores de Lynch figuran Elephant Man (1980), drama biográfico sobre Joseph Merrick, Terciopelo azul (1986), un misterio neo-noir sobre un joven que descubre un oscuro secreto en su barrio, Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), una precuela de su serie de televisión de culto Twin Peaks, Mulholland Drive (2001), un thriller psicológico neo-noir, y Imperio interior (2006), una película experimental y lynchiana sobre una actriz de Hollywood que se pierde cada vez más en un mundo surrealista y de pesadilla.

Si ha leído su publicación sobre la Meditación Trascendental, sabrá que David Lynch tiene tendencia a «capturar» sus ideas en algún lugar de las profundidades de su propio subconsciente. Al ver sus películas, rápidamente queda claro que esto es completamente correcto.

Lo que Lynch nos muestra son sueños, inexplicables y oscuros. Cabeza borradora es un desafío, Terciopelo azul es un dolor de cabeza suburbano, al igual que Carretera perdida es un rompecabezas doppelgänger para acabar con todas las películas de este género. La tercera temporada de Twin Peaks son casi 18 horas de televisión emocionante y atrevida. Lo más probable es que su obra cumbre acabe siendo Mulholland Dr., considerada una de las mayores obras maestras de todos los tiempos. ¿Y se puede olvidar la increíble El hombre elefante? Una filmografía increíble, llena de hitos del cine.

Matteo Garrone

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Matteo Garrone es un director de cine, guionista y productor italiano. Nació en Roma el 15 de octubre de 1968.

Garrone comenzó su carrera como cortometrajista, ganando el David di Donatello al Mejor Cortometraje en 1996 con Terra di mezzo. Debutó en el largometraje en 2000 con L’imbalsamatore, una película negra ambientada en Roma que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia.

La siguiente película de Garrone, Gomorra (2008), es una adaptación de la novela homónima de Roberto Saviano. La película es un retrato realista de la Camorra napolitana y fue un éxito comercial y de crítica, ganando el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

Garrone ha seguido dirigiendo películas de éxito, como Reality (2012), un filme satírico sobre la televisión italiana que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia, y Dogman (2018), un drama ambientado en Roma que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

Garrone es un maestro a la hora de crear sensación de realismo en sus películas. Sus películas suelen estar ambientadas en lugares reales y cuentan con personajes sacados de la vida real. Garrone también es un maestro a la hora de captar la atmósfera de un lugar o un periodo histórico.

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Paolo Sorrentino

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Paolo Sorrentino es un director de cine, guionista y productor italiano. Nació en Nápoles (Italia) el 31 de mayo de 1970.

Sorrentino comenzó su carrera como cortometrajista, ganando el David di Donatello al Mejor Cortometraje en 2001 con Un paradiso. Debutó en el largometraje en 2001 con L’uomo in più, un drama que ganó el David di Donatello al Mejor Director Novel.

La siguiente película de Sorrentino, Le conseguenze dell’amore (2004), es un drama ambientado en Nápoles que ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes. La película fue un éxito comercial y de crítica y lanzó la carrera internacional de Sorrentino.

Sorrentino ha seguido dirigiendo películas de éxito, entre ellas El divo (2008), un biopic sobre Giulio Andreotti que ganó el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, La grande bellezza (2013), una película satírica sobre la sociedad italiana que ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y È stata la mano di Dio (2021), una película semiautobiográfica que ganó el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Sorrentino es un director versátil que ha explorado diversos géneros, como el drama, la comedia, el biopic y el musical. Sus películas se caracterizan por una dirección elegante y refinada, guiones inteligentes y un enfoque centrado en la belleza y la melancolía.

Darren Aronofsky

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Aronofsky nació en Brooklyn, Nueva York, el 12 de febrero de 1969. Estudió cine en la Universidad de Harvard y posteriormente en el American Film Institute (AFI). Tras graduarse en el AFI, Aronofsky realizó varios cortometrajes, entre ellos Supermarket Sweepstakes (1991) y Pi (1998).

Aronofsky saltó a la fama con su película Requiem por un sueño(2000), un drama oscuro e inquietante sobre cuatro personajes que luchan contra la adicción. La película fue un éxito comercial y de crítica, y consagró a Aronofsky como un nuevo gran talento del cine estadounidense.

A continuación realizó una serie de aclamadas películas, entre ellas La fuente (2006), una epopeya visualmente impresionante sobre el amor y la inmortalidad; El luchador (2008), un drama descarnado y realista sobre un luchador profesional; Cisne negro (2010), un thriller psicológico sobre una bailarina que se obsesiona con la perfección; Noah (2014), una epopeya bíblica sobre la historia del Arca de Noé; y ¡Madre! (2017), una película de terror psicológico sobre una mujer atormentada por una serie de extraños visitantes en su casa.

Las mejores películas de Aronofsky están ancladas en antihéroes obstinados y desgarradores, llevados a la autodestrucción por su encanto. Otro aspecto destacable de su filmografía es su capacidad para oscilar entre la lo-fi de 16 mm (Cisne negro, El luchador) y la preciosidad e incluso la exuberancia (La fuente, Noé).

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