El cine de vanguardia: películas para ver

Qué es la Vanguardia

La vanguardia es un movimiento artístico extremo, no convencional respecto al arte, la sociedad o la cultura dominantes. La vanguardia empuja los límites de lo que se acepta como estándar, principalmente en el mundo cultural. Se considera una marca del modernismo. Numerosos artistas se han alineado con movimientos vanguardistas y continúan haciéndolo, trazando la historia desde el dadaísmo hasta los artistas situacionistas y posmodernos. La vanguardia promueve reformas sociales no aceptadas en la sociedad o que aún se perciben como utópicas. En realidad, la vanguardia, con el paso del tiempo, parece solo una corriente artística que anticipa los tiempos y lucha en la primera línea para crear lo nuevo. El poder de las artes es indudablemente el método más rápido para la reforma social, política y financiera.

El término «vanguardia» fue utilizado inicialmente por el Ejército francés para describir a un pequeño grupo de reconocimiento que avanzaba por delante. En un momento a mediados del siglo XIX, el término se vinculó al arte a través de la idea de que el arte es una herramienta para la modificación social. Hacia finales de ese siglo, la vanguardia comenzó a alejarse de su asociación con causas sociales de izquierda para alinearse más con preocupaciones creativas y culturales. Esta tendencia hacia un mayor enfoque en tales cuestiones ha continuado hasta hoy. La vanguardia hoy suele describir grupos de autores, artistas e intelectuales que dan voz a ideas y prueban métodos creativos que desafían los valores culturales existentes. Los conceptos de la vanguardia, particularmente si abordan problemas sociales, generalmente son absorbidos lentamente por las sociedades. Las vanguardias de ayer terminan convirtiéndose en corriente principal en las décadas siguientes, creando el ambiente para que emerja una nueva generación de vanguardias.

Vanguardia y Tradición

Los vanguardistas pueden poseer ciertas cualidades que se manifiestan en un estilo de vida no conformista. La cultura de masas falsa se produce constantemente replicando modelos de un mercado cultural recién emergido y aprovechando el éxito de algunas técnicas vanguardistas. Esto se ve frecuentemente en el cine, donde películas innovadoras que la industria convencional nunca habría concebido se convierten en éxitos de taquilla y luego se replican en productos comerciales. Todo el ámbito de las series de televisión populares en streaming se basa en este principio: analizar datos y reciclar obras artísticas que han ganado aprobación pública, resultando en la dilución del lenguaje a un nivel masivo y una presentación más atractiva.

Las cifras de ventas han superado a la calidad creativa como principal indicador de éxito: ahora una novela se evalúa por su estatus de best-seller; la música domina las listas con logros de discos de oro, y el cine obtiene reconocimiento a través de los Óscar y los principales festivales de cine dominados por la élite político-cultural. Este cambio ha llevado al abandono de la independencia creativa que antes valoraba la vanguardia, con las cifras de ventas convirtiéndose en la prueba definitiva del éxito. La cultura del consumidor ahora domina todas las formas de arte. La integración de la vanguardia en el capitalismo de mercado global, las economías neoliberales y lo que Guy Debord denominó La Sociedad del Espectáculo—un texto crítico del movimiento situacionista que aborda el «reinado autocrático de la economía de mercado»—plantea preguntas sobre la existencia de una verdadera vanguardia hoy. La Teoría-Muerte de la Vanguardia de Paul Mann demuestra cómo la vanguardia está ahora completamente entrelazada con los marcos institucionales.

Numerosos sectores del mercado cultural dominante han mal aplicado el término «vanguardia» dado que en los años 60 se utilizaba principalmente como una herramienta de marketing para publicitar la música industrial y el cine. De hecho, se ha vuelto habitual describir a artistas populares de rock y cineastas como «vanguardistas», y la palabra ha sido despojada de su significado propio. Desde mediados de los años 60 en adelante, la cultura vanguardista dejó de cumplir su función antagonista previa. Desde entonces ha estado flanqueada por fantasmas de la vanguardia por un lado y una cultura de masas cambiante por el otro, con la que se conecta en diversos grados.

Don Barry: A Quixotic Exploration

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Docuficción, Experimental, por Paul Smart, México, 2026.
Don Barry: Una exploración quijotesca es un largometraje debut que sitúa la biografía de un cineasta y artista experimental de ochenta años, Barry Gerson, dentro de la metanarrativa de Don Quijote de Miguel de Cervantes. Don Barry fue filmado en la ciudad de Guanajuato durante la 51ª edición del Festival Cervantino, así como durante las vibrantes celebraciones del Día de Muertos en los túneles de la ciudad, declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. La película rinde homenaje a la larga amistad del director con el artista Barry Gerson, tomando inspiración de Don Quijote de Cervantes. Las decisiones de dirección de Paul Smart crean algo nuevo que celebra la vida y va más allá de la narrativa convencional. Una búsqueda de magia en nuestras vidas reales. Una película conmovedora sobre el significado de la vida, el arte y la muerte. Imperdible.

Paul Smart es un cineasta outsider orgulloso con una larga trayectoria de exhibiciones de cine. En los años 80, emergió en la vibrante escena artística juvenil de Nueva York, trabajando en producción teatral y luego en cine, antes de retirarse al campo en el norte del estado de Nueva York, en las montañas Catskill, donde se ganaba la vida escribiendo y proyectando películas independientes en viejos salones parroquiales para audiencias rurales, muchas de las cuales nunca habían visto una película.

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Las Vanguardias Cinematográficas Europeas de los años 1920

Los años 1920 vieron el nacimiento de un vasto campo de experimentación cinematográfica europea por parte de artistas provenientes de otras disciplinas artísticas como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, quienes hicieron importantes contribuciones al desarrollo de la historia del cine durante ese período y en las décadas siguientes, hasta la actualidad: el cine de vanguardia. El cine de vanguardia nos ha dado algunas de las mejores películas independientes de todos los tiempos.

Cine de Vanguardia: Futurismo

El futurismo fue un movimiento social y artístico italiano a principios del siglo XX. Enfatizaba el dinamismo, la velocidad, la innovación, la juventud, la violencia y aspectos como el automóvil, el avión y la ciudad moderna. Figuras clave incluyeron a los italianos Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Gino Severini, Giacomo Balla y Luigi Russolo. El futurismo italiano celebraba la modernidad y buscaba liberar a Italia de la carga de su pasado. Obras esenciales del futurismo incluyeron el Manifiesto del Futurismo de Marinetti de 1909, la escultura de Boccioni de 1913 Formas Únicas de Continuidad en el Espacio, la pintura de Balla 1913-1914 Velocidad + Sonido Abstractos, y El Arte de los Ruidos (1913) de Russolo.

El futurismo fue mayormente un fenómeno italiano, pero surgieron movimientos paralelos en Rusia, donde algunos futuristas rusos formarían luego sus propios grupos. Otras naciones tuvieron pocos futuristas o movimientos inspirados en el futurismo. Los futuristas trabajaron en todos los medios artísticos: pintura, escultura, cerámica, gráfica, publicidad, decoración interior, teatro, cine, textiles, literatura, música, arquitectura e incluso cocina. En cierta medida, el futurismo influyó en los movimientos artísticos Art Deco, Constructivismo, Surrealismo y Dada, y en mayor medida en el Precisionismo, Rayonismo y Vorticismo.

Futurismo y Cine

El futurismo italiano fue notablemente entusiasta, llegando incluso a declarar que la esencia misma del cine era futurista: el ritmo y las formas abstractas debían guiar las nuevas creaciones, dejando la narrativa en un segundo plano. A pesar de ello, los futuristas produjeron solo unas pocas películas, y la mayoría se han perdido; Thaïs o Intriga Pérfida (1917) de Anton Giulio Bragaglia son las únicas películas futuristas que han sobrevivido. Sus conceptos audaces ayudaron a sentar las bases para movimientos artísticos posteriores.

Cine de vanguardia: Abstraccionismo

El arte abstracto emplea el lenguaje visual de la forma, la línea y el color para crear una estructura que existe independientemente de referencias visuales globales. Desde el Renacimiento, el arte occidental se ha centrado en la perspectiva y la representación de la verdad aparente. A finales del siglo XIX, muchos artistas buscaron crear una nueva forma de arte que abrazara los cambios científicos e innovadores contemporáneos. Términos como arte abstracto, no figurativo, no objetivo y no representacional están relacionados, aunque no son idénticos en significado. La abstracción implica un alejamiento del realismo en la representación artística, que puede variar desde una desviación leve hasta una completa.

Incluso el arte que se esfuerza por alcanzar el verosímil al más alto grado puede considerarse abstracto, al menos en teoría, ya que la representación ideal es difícil. Se puede argumentar que una obra de arte que toma libertades, por ejemplo al cambiar el color, es en parte abstracta. La abstracción total no deja rastro de ninguna inspiración hacia algo identificable. En la abstracción geométrica, por ejemplo, es poco probable encontrar referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y metafórico a menudo consiste en abstracción parcial. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica suelen ser absolutamente abstractas. Entre los muchos movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial están, por ejemplo, el Fauvismo, en el que el color se modifica notable e intencionadamente respecto a la verdad, y el Cubismo, que modifica las entidades de la vida real ilustradas.

Abstraccionismo y Cine

El abstraccionismo abrazó el cine de vanguardia hasta el extremo, favoreciendo formas abstractas y el movimiento puro. Su pionero fue el artista ruso Vassilij Kandinsky. El cine abstracto se originó en Alemania durante el mismo período que el expresionismo y el kammerspiel. Los cineastas crearon películas sin semejanza con la realidad, con formas geométricas y abstractas que se movían rítmicamente en la pantalla. Rhytmus 21 (1921) de Hans Richter fue la película inaugural de este estilo.

La exploración del movimiento, el tiempo, el ritmo y la luz en la película refleja la investigación del director alemán sobre la esencia fundamental del cine, capturando su forma más pura y no industrial. Le siguieron Rythmus 23 (1923) y Rythmus 25 (1925). Mientras tanto, el artista sueco Viking Eggeling compitió con su contraparte alemana creando Diagonal Symphony, otra pieza seminal del cine abstracto.

Otro artista del cine abstracto de vanguardia fue Walter Ruttmann, con obras como Lichtspiel Opus I, Lichtspiel Opus II, Ruttmann Opus III y Ruttmann Opus IV, películas de luces en movimiento. Más tarde abandonaría el cine abstracto para crear documentales, como Berlín – Sinfonía de una gran ciudad (1926) y Melody of the World (1929), inspirados en las películas de Dziga Vertov.

A medio camino entre el cine abstracto y el dadaísmo está la obra de Marcel Duchamp, Anémic Cinéma (1926): 19 discos ópticos giratorios, 10 compuestos por figuras geométricas y nueve decorados con frases sin sentido. Duchamp los llamó rotorilievi. En la realización de esta película le asistió el pintor y fotógrafo Man Ray, quien había creado Retour à la raison unos años antes usando la técnica de la raigrafía que él mismo inventó: exponía objetos en contacto con papel fotográfico o película para crear imágenes sin usar cámara.

Cubismo

El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que reinventó la pintura y la escultura europeas e influyó en movimientos relacionados en la música, la arquitectura y la literatura. En las obras cubistas, los objetos son analizados, fragmentados y reensamblados de manera abstracta: en lugar de representarlos desde un solo punto de vista, el artista representa el sujeto desde una multitud de perspectivas para transmitirlo en un contexto más amplio. El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más importante del siglo XX. El término se usa ampliamente para referirse a una amplia gama de obras creadas en París durante las décadas de 1910 y 1920.

El movimiento fue concebido por Pablo Picasso y Georges Braque y respaldado por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger. Un efecto que causó el cubismo fue la representación de un estilo tridimensional en las obras posteriores de Paul Cézanne. Se realizó una retrospectiva de las pinturas de Cézanne en el Salon d’Automne de 1904, y obras existentes se exhibieron en los Salones d’Automne de 1905 y 1906, seguidos por dos retrospectivas celebratorias tras su muerte en 1907. En Francia, se establecieron movimientos similares al cubismo, consistentes en el orfismo, el arte abstracto y, más tarde, el purismo.

El impacto del cubismo fue completo y significativo. En Francia y otras naciones, el futurismo, suprematismo, dadaísmo, constructivismo, vorticismo, De Stijl y art déco se establecieron en reacción al cubismo. Las primeras pinturas futuristas conservan la fusión del pasado y el presente del cubismo, la representación de diversas visiones del sujeto, mientras que el constructivismo está influenciado por Picasso. Otros elementos típicos de estos diferentes movimientos son el facetado o simplificación de figuras geométricas y la asociación de la mecanización con la vida moderna.

Cubismo y Cine

El movimiento cubista rápidamente se interesó por el cine de vanguardia. El pintor Fernand Léger filmó Ballet Mécanique en 1924. Careciendo de trama o historia, se centró únicamente en los ritmos de cuerpos y objetos en movimiento. El cine se apartó de la realidad y de narrativas concretas. El significado de estas películas reside en la danza rítmica de imágenes, sonidos y luz a través del montaje.

Dadaísmo

El dadaísmo fue un movimiento artístico europeo de vanguardia a principios del siglo XX, con centros iniciales en Zúrich, Suiza, en el Cabaret Voltaire en 1916. El dadaísmo comenzó en la ciudad de Nueva York en 1915 y, después de 1920, se desarrolló en París. Las actividades dadaístas duraron hasta mediados de la década de 1920. Establecido en respuesta a la Primera Guerra Mundial, el movimiento dada incluyó artistas que rechazaron la razón y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, reflejando una perspectiva antiburguesa en sus obras. Los artistas dadaístas expresaron su descontento con la guerra, el nacionalismo y la violencia, y mantuvieron afinidades políticas con la izquierda radical.

Las raíces del dadaísmo se encuentran en el progresismo de la preguerra. El término antiarte, precursor del dadaísmo, fue creado por Marcel Duchamp alrededor de 1913 para definir obras que desafían los significados aceptados del arte. El cubismo y el arte abstracto dan testimonio del desapego del movimiento respecto a las limitaciones de la realidad y la convención. La obra de poetas franceses, futuristas italianos y expresionistas alemanes influyó en el rechazo dadaísta de la estrecha conexión entre palabras y significado.

En Francia, existió el movimiento dadaísta liderado por Tristan Tzara, con una estética e ideas mucho más radicales y subversivas. El dadaísmo abrazó la anarquía, el nihilismo, la búsqueda de la libertad de expresión y el rechazo de cualquier significado o propósito final. Nos legó algunas obras maestras que captaron la atención del mundo artístico de la época, incluyendo la película de René Clair «Entr’acte» (1924), un intermedio cinematográfico entre dos actos de un espectáculo de danza en vivo. Aquí también encontramos el rechazo de toda narrativa y el intento de profundizar en las raíces del arte cinematográfico: el espectador es simplemente conducido al gozo de la vida y al acto de ver.

Cine de Vanguardia: Surrealismo

La absoluta falta de reglas y el rechazo de las convenciones, sin embargo, llevaron al dadaísmo a una crisis, y el movimiento se disolvió en 1923. El surrealismo nació de sus cenizas, encontrando en el cine uno de sus medios de expresión más poderosos. André Breton, el fundador del movimiento, y todos sus colegas se interesaron en el mundo onírico, en todo lo que se manifiesta en el inconsciente y fuera de los significados ordinarios del mundo, en las asociaciones automáticas de ideas que ocurren más allá de la conciencia, en lo que sucede tras la pérdida de toda racionalidad o control del pensamiento.

El surrealismo es un movimiento cultural que se estableció en Europa después de la Primera Guerra Mundial, donde los artistas representaban escenas ilógicas y perturbadoras, utilizando estrategias para permitir que la mente inconsciente se revelara. Su objetivo, según el líder André Breton, era «confrontar las condiciones previamente inconsistentes del sueño y la realidad en una verdad absoluta, una superrealidad», o surrealidad. Este movimiento produjo obras en pintura, literatura, teatro, cine, fotografía y otros medios. Numerosos autores y artistas surrealistas consideran su obra una expresión del «automatismo psíquico puro» del que Breton habla en el primer Manifiesto Surrealista.

Breton fue específico al afirmar que el surrealismo era, ante todo, un movimiento innovador. En ese momento, el movimiento estaba relacionado con causas políticas como el comunismo y el anarquismo. Fue influenciado por el movimiento dadaísta de la década de 1910. El término «surrealismo» proviene de Guillaume Apollinaire en 1917. El movimiento surrealista no se desarrolló formalmente hasta después de octubre de 1924, cuando el Manifiesto Surrealista publicado por el poeta y crítico francés André Breton logró declarar al movimiento como vanguardia. El centro crucial del movimiento fue París. Desde la década de 1920 en adelante, el movimiento se extendió por todo el mundo, influyendo en las artes visuales, la literatura, el cine y la música de numerosas naciones y lenguas, junto con ideas y prácticas políticas, puntos de vista y teoría social.

Surrealismo y Cine

El director español Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí colaboraron en 1928 para crear «Un Chien Andalou», un filme destinado a marcar un punto de inflexión en la historia del cine. Es un viaje onírico y psicoanalítico hacia los meandros más incomprensibles de la psique humana que puede tener múltiples interpretaciones y significados. El surrealismo, a diferencia de otros movimientos artísticos anteriores, crea un lenguaje nuevo y personal en lugar de destruir modelos previos. El nihilismo y la anarquía dejan espacio para códigos narrativos más tradicionales, pero estos se usan con fines diferentes: no para tranquilizar y llevar al espectador a un destino específico, sino para hacerle perder cualquier punto de referencia tranquilizador.

En 1930, Buñuel y Dalí dieron vida a un nuevo filme, acercándose aún más a la narración clásica de una historia: L’âge d’or. El director español sentó las bases e inició los primeros experimentos de lo que se convertiría en su obsesión a lo largo de su carrera: el ataque a las instituciones burguesas como la iglesia, el ejército y el estado.

Otros filmes surrealistas incluyen La Coquille et le Clergyman (1928) y el primer filme de Jean Cocteau (1930). L’Atalante de Jean Vigo, quien murió ese mismo año con solo 29 años, marcó el fin del cine surrealista. Su muerte marcó el fin del cine surrealista. La mezcla de estilo vanguardista y la aceptación de reglas para subvertirlas o usarlas en direcciones opuestas hizo del cine surrealista el experimento más exitoso e interesante entre todas las vanguardias, con una influencia que perdura hasta hoy.

Películas Vanguardistas para Ver

Aquí tienes una selección de las mejores películas vanguardistas que debes ver absolutamente: un género muy prolífico con una vasta filmografía que abarca toda la historia del cine.

The Sands

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Ciencia ficción, por Noah Paganotto, Argentina, 2022.
En un lugar indeterminado del planeta Tierra, en un tiempo desconocido, Zoilo vive con su familia en un páramo rodeado de ruinas. Viven desarraigados, sin madres, sabiendo que el embarazo para las mujeres es sinónimo de muerte. Para ellos solo existe una rutina colectiva; mantener el fuego vivo. Solo Zoilo escapa de esta lógica, observando, intrigado, detalles que otros no ven y por lo tanto no aprecian. La búsqueda personal de respuestas de Zoilo aumentará las diferencias con sus familiares, revelando cada vez más un mundo vacío de interioridad.

Película vanguardista que arde lentamente en la primera parte y luego revela en la segunda los profundos conflictos de una familia prisionera de creencias arcaicas. Es una obra distópica y visionaria, con una fotografía maravillosa e imágenes de raro poder que nos permiten captar la profundidad de la historia y su potencial poético. Los rostros de los actores, especialmente el del niño protagonista, son perfectos. The Sands representa metafóricamente el mundo en que vivimos: una sociedad alienada, donde lo que nos mantiene vivos es demonizado y culpado de la muerte. En oposición al ritmo rápido del cine comercial típico, The Sands es un viaje meditativo hacia las profundidades de las imágenes. La película fue filmada en entornos naturales en la ciudad de Necochea, provincia de Buenos Aires, Argentina.

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Un Chien Andalou (1929)

Un Chien Andalou es un cortometraje mudo francés de 1929 dirigido por Luis Buñuel y escrito por Buñuel y Salvador Dalí. Fue el primer filme de Buñuel y se proyectó inicialmente en el Studio des Ursulines en París, ganando popularidad y permaneciendo en cartelera durante ocho meses. Un Chien Andalou no tiene trama en el sentido tradicional de la palabra. Con su cronología dislocada y saltos temporales, es un filme onírico surrealista basado en la asociación freudiana. Un Chien Andalou es una obra seminal en la categoría del cine surrealista.

La Caída de la Casa Usher (1928)

«La Caída de la Casa Usher» (1928) es una breve adaptación muda de horror basada en el cuento corto de 1839 «The Fall of the House of Usher» escrito por el renombrado autor Edgar Allan Poe. Esta pieza cinematográfica fue el esfuerzo colaborativo de los codirectores James Sibley Watson y Melville Webber, con actuaciones de Herbert Stern, Hildegarde Watson y el propio Melville Webber. La narrativa gira en torno a un hermano y una hermana que residen en una casa impregnada de una maldición malévola. Este filme vanguardista dura apenas 13 minutos y pone un fuerte énfasis en su narración visual, caracterizada por una serie de escenas capturadas a través de prismas, que crean distorsiones ópticas y realzan la atmósfera surrealista. Aunque el filme carece de diálogo hablado, entreteje de manera intrigante letras escritas en el aire a lo largo de la pantalla en al menos una escena, añadiendo un elemento único a su técnica narrativa.

Meshes of the Afternoon

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Cortometraje experimental, de Maya Deren, Estados Unidos, 1943.
Meshes of the Afternoon es una de las obras maestras del cine surrealista y la vanguardia estadounidense, y se ha convertido en una obra icónica en el mundo del cine experimental. La película se caracteriza por una narrativa no lineal y onírica que desafía las convenciones cinematográficas tradicionales. La trama gira en torno a una mujer, interpretada por la propia Maya Deren, que experimenta una serie de eventos extraños y surrealistas en un entorno doméstico. Los objetos y eventos en la película están cargados de simbolismo, y la película misma puede interpretarse de diversas maneras.

Meshes of the Afternoon es conocida por su uso innovador de la cinematografía, con encuadres evocadores y una edición audaz. Maya Deren utiliza el cine como forma de arte para explorar la psicología y las experiencias internas de su personaje, creando una atmósfera misteriosa y inquietante. La película ha sido influyente para muchos cineastas y artistas cinematográficos posteriores, contribuyendo a la definición del lenguaje del cine experimental y de vanguardia. Meshes of the Afternoon se estudia a menudo en cursos de cine y continúa siendo una obra de referencia en el mundo del cine de vanguardia y experimental.

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La caída de la casa Usher (1929)

«La caída de la casa Usher» es una escalofriante película de terror dirigida por Jean Epstein. Destaca entre las numerosas adaptaciones cinematográficas inspiradas en la obra maestra literaria gótica de 1839 de Edgar Allan Poe, «La caída de la casa Usher». La trama gira en torno a Roderick Usher, quien invita a su amigo cercano a visitar su finca ancestral, una mansión decadente y aislada situada en el campo remoto. La atmósfera de la casa es inquietante y está impregnada de misterio, amplificando la tensión perturbadora que impregna la historia.Roderick está profundamente absorto en capturar la imagen de su difunta esposa, Madeline, a través de un retrato, consumido tanto por su dolor como por su arte. Su obsesión con la memoria de Madeline se manifiesta en la pieza inquietante que pinta, un testimonio de su amor y tristeza perdurables. Trágicamente, se cree que Madeline ha fallecido, lo que lleva a Usher a enterrarla en la cripta familiar, un lugar oscuro y ominoso que oculta más que solo a los difuntos.Sin embargo, la historia toma un giro escalofriante cuando se descubre que Madeline no estaba realmente muerta, sino que había sufrido de catalepsia, una condición que imita la muerte. Enterrada viva, ella asombrosamente despierta en su tumba y logra escapar de los confines asfixiantes de su ataúd. Su regreso milagroso al mundo de los vivos es tanto aterrador como impresionante cuando confronta a su esposo Roderick, quien queda en completo shock al ver a su esposa caminar hacia él como si resucitara de la tumba. Esta revelación deshace los últimos hilos de cordura dentro del hogar Usher, culminando en un clímax profundo que refleja la exploración de la historia sobre la locura, la mortalidad y lo sobrenatural.

L’Age d’Or (1930)

L’Age d’Or es una distintiva película satírica surrealista francesa de 1930 dirigida por Luis Buñuel, que se adentra en las absurdidades y la naturaleza caótica de la vida moderna. La película critica la rutina mundana de la existencia diaria, al tiempo que desenmascara la duplicidad inherente a la moral sexual defendida por la sociedad burguesa. Además, ofrece un examen punzante del sistema de valores respaldado por la Iglesia Católica. Gran parte de la narrativa se desarrolla mediante el uso de carteles de título que recuerdan a la era del cine mudo, añadiendo una textura única a su enfoque narrativo. El guion, una colaboración entre Buñuel y el visionario artista surrealista Salvador Dalí, entrelaza su genio creativo para desafiar y provocar la percepción del público sobre las normas sociales.

The House is Black

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Documental, de Forough Farrokhzad, Irán, 1963.
La casa es negra es una película lírica y trascendental que dirige una mirada llena de compasión y religiosidad hacia una humanidad sufriente. La única fuente de armonía se encuentra fuera de la colonia de leprosos, en la naturaleza: el sufrimiento reina en el interior. Ni siquiera la fe religiosa puede aliviarlo. Un documental sobre la vida y el sufrimiento en un hospital para leprosos en Esperan, en el distrito central del condado de Tabriz, donde el tiempo parece haberse detenido, donde la rutina diaria se repite sin fin, privada de toda esperanza. La película fusiona las imágenes con la poesía de la directora Forough Farrokhzad y con citas del Antiguo Testamento y el Corán. Durante el rodaje, la directora se encariñó con Hossein Mansouri, un niño cuyos padres padecían lepra, y decidió adoptarlo. Poco conocida en el momento de su estreno, La casa es negra se convirtió en el referente del cine iraní en los años siguientes. Puede considerarse la primera película que dio origen al movimiento de la Nueva Ola iraní. Forugh Farrokhzad, una famosa poeta feminista iraní con un estilo controvertido y modernista, fue una de las voces femeninas más importantes en la poesía y el cine iraní. Su personalidad autoritaria y carismática fue duramente puesta a prueba por el ostracismo y la desaprobación de los conservadores y el gobierno islámico, que prohibieron sus poemas más de una década después de su muerte en un trágico accidente automovilístico a los 32 años. La casa es negra es su única película. Farugh Farrokhzad utiliza su sensibilidad para acercar la cámara hacia lo que no debería ser mirado, hacia los leprosos y los marginados, con absoluto respeto. Película imperdible.

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Entusiasmo: La Sinfonía del Donbás (1931)

Entusiasmo: La Sinfonía del Donbás es una obra cinematográfica vanguardista pionera de 1931 dirigida por el cineasta soviético Dziga Vertov. Esta influyente película marcó un hito significativo en la carrera del director como su primera incursión en el cine sonoro. Para crear la experiencia auditiva del filme, Vertov elaboró una banda sonora innovadora compuesta predominantemente por los sonidos rítmicos y mecánicos que emanaban de las fábricas industriales junto con una variedad de otros ruidos ambientales. Notablemente, la incorporación del habla humana fue mínima, permitiendo intencionadamente que la sinfonía de maquinaria y sonidos del entorno tomara el protagonismo. Esta elección creativa destaca la dedicación de Vertov a explorar el potencial del sonido para realzar la narrativa y la atmósfera de su arte visual.

La Sangre de un Poeta (1931)

La Sangre de un Poeta es una película innovadora y revolucionaria perteneciente al movimiento vanguardista, magistralmente dirigida por el renombrado Jean Cocteau. Esta pieza cinematográfica única fue posible gracias al apoyo financiero de Charles de Noailles, un conocido mecenas de las artes. La película presenta una actuación convincente del actor Enrique Riveros en el papel principal. Como la primera entrega de la cautivadora Trilogía Orfica, este filme establece las bases para una exploración más profunda de temas míticos y poéticos. La trilogía se caracteriza por su narrativa artística y simbólica, continuando con Orphée en 1950, que profundiza en las líneas difusas entre la realidad y el arte, y alcanzando su conclusión profunda con Testamento de Orfeo en 1960, que reflexiona sobre la propia carrera de Cocteau y la naturaleza misma de la creatividad.

Los Corazones de la Edad (1934)

Los Corazones de la Edad es un cortometraje pionero realizado durante los inicios de la ilustre carrera del cineasta Orson Welles. Esta pieza cinematográfica de ocho minutos, creada bajo la dirección colaborativa de Welles y su estimado amigo William Vance, surgió en el año 1934. En el centro de la narrativa del filme están las actuaciones de Welles y su primera esposa, la talentosa Virginia Nicolson. Welles emprendió esta aventura creativa mientras residía como estudiante en la Todd School for Boys, ubicada en la pintoresca ciudad de Woodstock, Illinois. Con apenas 19 años, Welles inició este proyecto artístico, sembrando las semillas para su futuro en el mundo del cine.

About Nice

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Documental, de Jean Vigo, Francia, 1930.
Con una vieja cámara de cine usada comprada con el dinero prestado por el padre de su esposa, Jean Vigo realiza un documental sobre Niza. El encuentro con Boris Kaufman cambia el proyecto inicial del director francés, que será influenciado por el operador Dziga Vertov. La naturaleza y los lugares turísticos de Niza: casinos, carnavales, playas, bares con mesas al sol. La Niza de la alta burguesía se compara con los barrios pobres. No hay puesta en escena. A veces las personas filmadas son grabadas en secreto: la idea de Vigo y Kaufman es restaurar el máximo realismo anticipándose a las reglas del cine-verdad. El montaje se inspira en las teorías soviéticas y persigue asociaciones libres y significados simbólicos, con ritmo rápido y desaceleraciones repentinas. Sin diálogos, inspirado en El hombre de la cámara, es una película vanguardista.

Sin diálogos

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Una Historia de Agua (1958)

Una Historia de Agua es un cortometraje vanguardista creado con la colaboración artística de dos cineastas revolucionarios, Jean-Luc Godard y François Truffaut. Estrenada en 1958, la película ofrece un viaje visual y narrativo único, retratando la aventura de una joven mientras intenta llegar a París, todo ello mientras navega a través de un paisaje inusualmente extenso e inundado. La urgencia de su búsqueda se iguala con la belleza surrealista de los alrededores sumergidos, reflejando un mundo transformado y envuelto por el agua. La visión creativa de Godard y Truffaut se despliega a lo largo de solo dos días de filmación, infundiendo a la pieza un sentido de espontaneidad y creatividad pura. En un guiño a los días pioneros de la comedia cinematográfica, Una Historia de Agua está dedicada con cariño a Mack Sennett, el legendario maestro del slapstick cuya influencia resuena en el espíritu juguetón e innovador del filme.

Shadows (1959)

«Shadows» es una película independiente fundamental dirigida por John Cassavetes, completada en 1959, que profundiza en las complejidades matizadas de las relaciones raciales durante la era de la Generación Beat en la ciudad de Nueva York. Con un elenco impresionante, la película protagoniza a Ben Carruthers, Lelia Goldoni y Hugh Hurd, interpretando a tres hermanos de ascendencia afroamericana. Curiosamente, solo uno de los hermanos posee un tono de piel lo suficientemente oscuro como para cumplir con las percepciones sociales de ser afroamericano, lo que hace que su historia sea única y profundamente conmovedora. Filmada inicialmente en 1957 y mostrada en 1958, la recepción inicial fue tibia, lo que llevó a Cassavetes a realizar reshoots sustanciales antes de estrenarla en 1959. Reconocidos estudiosos del cine consideran «Shadows» como un punto de inflexión monumental en la historia del cine independiente estadounidense, marcando un cambio en el estilo narrativo y de producción. La película obtuvo un reconocimiento impresionante más allá de las fronteras de Estados Unidos, ganando el prestigioso Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Venecia en 1960, afirmando su aclamación internacional y su impacto en el panorama cinematográfico.

El año pasado en Marienbad (1961)

La película de 1961 es una notable colaboración franco-italiana que se erige como una representación esencial del movimiento de cine de autor de la Rive Gauche, un cambio cinematográfico influyente que arraigó en Francia durante los años 50. Este movimiento se caracterizó por su ambición intelectual y artística, buscando expandir los límites del cine tradicional. La narrativa se centra en un hombre que encuentra a una mujer que cree haber conocido en el pasado, a pesar de que ella no tiene ningún recuerdo de ello. A medida que la historia se desarrolla, la película expande artísticamente esta premisa enigmática, explorando las dinámicas de la memoria y la identidad. Eleva y desafía el lenguaje cinematográfico a alturas sin precedentes, donde los sueños olvidados y los recuerdos indistintos de los protagonistas se entrelazan, creando un relato profundamente personal e introspectivo. Esta representación única destaca la naturaleza esquiva y fascinante de los sueños y la construcción a menudo fragmentada de la memoria, presentando un rico tapiz que invita a las audiencias a navegar entre la realidad y la imaginación.

Dog Star Man (1961-1964)

Dog Star Man es una cautivadora e innovadora serie de cortometrajes vanguardistas, meticulosamente elaborados y dirigidos por el visionario cineasta Stan Brakhage. El proyecto, lanzado en una serie de entregas que abarcan desde 1961 hasta 1964, consta de una secuencia inicial seguida por cuatro partes distintas. En el corazón de Dog Star Man se encuentra una narrativa fascinante que se despliega a través de una odisea visual experimentada por un leñador barbudo, interpretado por el propio Brakhage. Este personaje emprende un arduo viaje por una montaña cubierta de nieve, acompañado por su leal compañero canino, con el objetivo de talar un árbol. Mientras realiza esta difícil ascensión, el leñador queda hipnotizado por una serie de visiones extraordinarias, casi místicas, que se despliegan ante él. Estas visiones se caracterizan por un rico tapiz de imágenes recurrentes, incluyendo destellos de una mujer, un niño y la impresionante belleza del mundo natural. A través de su lenguaje visual vívido y surrealista, Dog Star Man invita a los espectadores a una exploración de temas metafísicos y la intrincada relación entre la humanidad y el cosmos, convirtiéndola en una pieza significativa en el ámbito del cine experimental.

Zero for Conduct

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Comedy, by Jean Vigo, France, 1933.
The holidays are over and it's time for the kids to return to the terrible boarding school, run by obtuse and conformist tutors, unable to encourage the growth of any spirit of freedom and creativity. The only thing these austere professors are capable of is assigning a "zero" for conduct. But the boys decide to rebel with the complicity of the new supervisor, Huguet, different from all the others. Thus a real revolution is unleashed. Jean Vigo describes the children's yearning for freedom with audacity and a subversive spirit, with a ruthless critique of the scholastic institution, which closely resembles certain memorable sequences from Fellini's cinema. Perhaps the Italian filmmaker had seen the Vigo film? It seems very, very likely. The film was banned by French censorship and did not have a public screening until 1945.

Food for thought
The conditioning of the family, the school and the mass media are probably the main causes of the existential failure of millions of people. They are unidentified enemies, from which it is difficult to defend oneself, which cause the loss of self-esteem and the creativity necessary to achieve ambitious goals. Social, cultural and religious conditioning are a fundamental theme in the life of every human being, and one of the main topics of the filmographies of masters of cinema such as Fellini, Truffaut, and many others.

LANGUAGE: French
SUBTITLES: English, Spanish, German, Portuguese

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La Jetée (1962)

La Jetée es posiblemente la película más popular del movimiento de la Ribera Izquierda francesa. Filmada completamente en blanco y negro, La Jetée está compuesta por una serie de imágenes fijas que cuentan una compleja historia de ciencia ficción. Un prisionero se somete a un entrenamiento para viajar al pasado con el fin de evitar un acontecimiento apocalíptico. Más tarde, es enviado al futuro, donde experimenta una civilización hiperavanzada que le proporciona métodos para salvar a las personas de su época. Mientras tanto, es atormentado por un recuerdo inusual de un niño siendo asesinado en un muelle y, al regresar al pasado, reconoce que ese recuerdo fue su propio asesinato.

Soy Cuba (1964)

Soy Cuba, conocido en inglés como I Am Cuba, es una producción cinematográfica de 1964 dirigida por Mikhail Kalatozov. Esta película surgió de un esfuerzo colaborativo entre cineastas cubanos y la Unión Soviética, simbolizando una alianza cultural significativa durante esa época. Compuesta por cuatro viñetas distintas, Soy Cuba sirve como una vívida representación de la transición de Cuba al comunismo tras la revolución de 1959. La película fue una manifestación del fortalecimiento de las relaciones entre Cuba y la URSS, celebrando sus ideologías políticas compartidas. A pesar de su posterior reconocimiento, Soy Cuba fue inicialmente recibida con poco entusiasmo por el público en su estreno, lo que llevó a su oscuridad durante muchos años. Fue solo a través de su redescubrimiento que su arte innovador recibió el reconocimiento debido. La cinematografía de la película, notable por su extraordinario uso de tomas largas extendidas, tanto aéreas como submarinas, fue notablemente pionera, estableciendo un alto estándar que estaba muy adelantado a su tiempo.

Sleep (1964)

Sleep es una película vanguardista de 1964 creada por el artista estadounidense Andy Warhol. Este film experimental tiene una duración de 5 horas y 20 minutos, presentando una secuencia continua y en bucle de John Giorno, un poeta y admirador destacado de Warhol en esa época, entregado al acto tranquilo de dormir. Entre las primeras incursiones de Warhol en el mundo del cine, la película fue concebida como un «anti-film», desafiando deliberadamente las normas y expectativas cinematográficas convencionales. Este enfoque reflejaba el espíritu innovador de Warhol y su deseo de romper límites, un tema prevalente en gran parte de su obra artística. Varias técnicas utilizadas en Sleep serían posteriormente ampliadas en los proyectos siguientes de Warhol, especialmente en su famosa película minimalista de ocho horas, Empire, que mantuvo el mismo estilo exploratorio y contemplativo pionero en Sleep. Estas películas formaron parte de la búsqueda artística más amplia de Warhol para explorar los límites del tiempo, la percepción y lo mundano, provocando que el público reconsiderara su comprensión del cine tanto como forma de arte como experiencia.

Faces (1968)

Faces es un drama estadounidense de 1968 que fue escrito y dirigido por el consumado cineasta John Cassavetes. La película cuenta con un talentoso elenco, incluyendo a John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel, Fred Draper y Val Avery, cada uno ofreciendo actuaciones convincentes que enriquecen la profundidad emocional del filme. Demostrando su reconocimiento crítico, Faces fue galardonada con dos premios prestigiosos en el 29º Festival Internacional de Cine de Venecia y recibió tres nominaciones en la estimada 41ª edición de los Premios de la Academia, destacando su impacto en el panorama cinematográfico de la época.

Filmada al estilo cinéma vérité, la película captura una ilustración cruda y auténtica de la relación de una pareja casada cuando llega a un punto de crisis. John Marley y Lynn Carlin interpretan a la pareja central cuyo matrimonio se ve trastornado tras una decisión inesperada: el anuncio abrupto de uno de los cónyuges de querer divorciarse. Este momento crucial impulsa la narrativa hacia adelante y, a través de una lente implacable, los espectadores son presentados a una variedad de grupos sociales e individuos con quienes la pareja se encuentra tras este anuncio. Estas interacciones subrayan las complejidades y el tumulto emocional de sus luchas matrimoniales, pintando un vívido retrato de las relaciones humanas bajo tensión.

El color de las granadas (1969)

El color de las granadas, estrenada en 1969, se erige como una pieza fundamental del cine vanguardista, magistralmente elaborada para representar la vida y los logros del estimado poeta armenio Sayat-nova. Desde su inicio, el filme invita a los espectadores a abandonar la búsqueda de una narrativa tradicional dentro de sus secuencias. En cambio, fomenta una apreciación por la esencia psicológica intrínseca y las inspiraciones poéticas que sutilmente moldean su creación. A través de una extensa serie de imágenes intensamente abstractas y simbólicas, la película plantea un desafío significativo para los espectadores, especialmente aquellos de contextos culturales occidentales, quizás poco familiarizados con un estilo no lineal e interpretativo. Esta obra cinematográfica no solo sirve como una profunda reflexión del patrimonio cultural armenio, sino que también representa una manifestación significativa, aunque tardía, del movimiento artístico vanguardista soviético, entrelazando elementos de contexto histórico con un enfoque estético audaz e innovador.

Simon of The Desert

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Comedia, de Luis Buñuel, México, 1963
Simón, un hombre santo de larga barba, vive en una columna en medio del desierto, casi en ayuno total. La gente lo adora como un Mesías. Realiza milagros, sufre tentaciones de Satanás, quien lo atormenta bajo la apariencia de una mujer hermosa. Una serie de escenas grotescas, surrealistas, mágicas y picarescas. El mejor Buñuel en solo 45 minutos.

Para reflexionar
Quienes se retiran del mundo para encontrar una vida espiritual están condenados al fracaso. Las tentaciones lo seguirán, la necesidad de relacionarse con otros no lo abandonará. Solo su ego se satisfará con una falsa espiritualidad. La verdadera espiritualidad se encuentra en la vida cotidiana, en la sociedad en la que vivimos, en el día a día, entre las personas que encontramos cada día.

IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés, Francés, Alemán, Italiano, Portugués

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El discreto encanto de la burguesía (1972)

Una pareja burguesa, François y Simone Thévenot, se encuentran en una situación divertida y algo incómoda. Acompañan al colega de François, Don Rafael Acosta, quien es el distinguido embajador de la nación sudamericana de Miranda, así como a la hermana de Simone, Florence. El grupo llega a la residencia de los Sénéchal, donde han sido invitados a lo que se suponía sería una elegante cena. Al llegar, Alice Sénéchal se sorprende visiblemente y queda desconcertada por su presencia. Ella había asumido erróneamente que su visita estaba programada para la noche siguiente y, como resultado, no había hecho preparativos para la cena de esa noche, dejándola mortificada y a los invitados en una situación bastante inesperada.

La película, dirigida por Luis Buñuel en 1972, es una obra maestra surrealista que ofrece una crítica sorprendente a la sociedad burguesa. La narrativa gira en torno a un grupo de individuos de clase media que intentan sin cesar sentarse a la mesa para comer, solo para ser continuamente frustrados por una serie de interrupciones extrañas y extraordinarias. A lo largo de esta experiencia cinematográfica, Buñuel expone hábilmente las pretensiones y absurdos de la burguesía, revelando su susceptibilidad a la hipocresía y a valores superficiales. La película critica con destreza la inclinación de las clases altas hacia la belicosidad y el consiguiente sufrimiento y angustia infligidos a las clases bajas. A través de un tapiz de secuencias surrealistas y simbólicas, destaca la futilidad y la naturaleza repetitiva de las dinámicas de poder sociales que perpetúan la desigualdad y la explotación. Cada escena está elaborada con meticulosa atención al absurdo, invitando a la audiencia a cuestionar los motivos subyacentes de los personajes y, en última instancia, de la sociedad misma. Esta película no solo entretiene; desafía a los espectadores a reflexionar sobre las normas sociales arraigadas y los patrones cíclicos de comportamiento que mantienen las jerarquías sociales.

El Fantasma de la Libertad (1974)

«El Fantasma de la Libertad» es una película surrealista vanguardista creada por el visionario cineasta Luis Buñuel en 1974, con producción a cargo de Serge Silberman. La película cuenta con un elenco talentoso, incluyendo a Adriana Asti, Julien Bertheau y Jean-Claude Brialy. Se distingue por una estructura argumental no lineal única, compuesta por una serie de episodios que están vinculados solo a través de la transición de personajes de una situación a otra. La obra de Buñuel exhibe magistralmente su estilo satírico y subversivo característico, entrelazando una variedad de eventos surrealistas y caprichosos. Estas secuencias desafían eficazmente las creencias establecidas del público respecto a las normas sociales y la moralidad, obligando a los espectadores a reconsiderar sus propias percepciones. A través de su narrativa poco convencional y sus temas que invitan a la reflexión, la película invita a la audiencia a un viaje intelectual que explora los límites de la razón y el pensamiento convencional.

Espejo (1975)

Espejo se adentra profundamente en los pensamientos, emociones y recuerdos que definen las experiencias de vida de Aleksei desde la infancia hasta su adolescencia, y luego en su vida como hombre en sus cuarenta años. Aunque la presencia del Aleksei adulto es sutil y apenas evidente, existe como un comentario reflexivo que permea ciertas escenas. Su narrativa se despliega en una estructura innovadora, evitando el orden cronológico y las convenciones tradicionales de la trama para mezclar artísticamente eventos cruciales, sueños vívidos, recuerdos preciados y noticieros significativos. La película realiza transiciones entre tres períodos históricos distintos: la era antes de la guerra, específicamente 1935, los turbulentos años de la década de 1940 durante la guerra, y los años transformadores de la posguerra que abarcan las décadas de 1960 y 1970.

Mirror de Andrei Tarkovsky, aunque no fue concebida explícitamente como una autobiografía, refleja profundamente elementos autobiográficos, capturando las intensas luchas, desafíos y profundas dificultades experimentadas por quienes crecieron en la Unión Soviética durante las turbulentas décadas de 1930 y 1940. La película es un intrincado tapiz de narrativas personales e históricas, que transmite artísticamente las experiencias colectivas e individuales de esa época. Invita a los espectadores a un viaje profundamente inmersivo que revela el desvelamiento del alma en el contexto de la agitación social y las relaciones familiares.

Debido a su compleja y estratificada narrativa, Mirror requiere múltiples visionados para captar toda su profundidad y apreciar las sutiles matices incrustadas en su relato. Con cada visionado, la audiencia descubre nuevas percepciones y texturas emocionales que antes pasaban desapercibidas, revelando la maestría de Tarkovsky al entrelazar cine y memoria.

La cinematografía presentada en pantalla es simplemente extraordinaria, con cada plano meticulosamente compuesto para evocar una conexión visceral con el público. Cada escena está elaborada con precisión excepcional, contribuyendo a una poesía visual que trasciende las técnicas tradicionales del cine.

En su estreno inicial, los críticos se mostraron divididos en sus opiniones, algunos desconcertados por su estructura poco convencional y su narrativa abstracta. A pesar de esta recepción mixta inicial, la película ha cultivado a lo largo de los años un seguimiento de culto sustancial y devoto. Muchos cinéfilos y académicos la consideran ahora como uno de los mayores logros cinematográficos en la historia del cine. Para quienes abrazan sus capas intrincadas y su profunda resonancia emocional, Mirror se erige como una obra maestra sin igual que continúa inspirando y provocando una reflexión profunda.

Eraserhead (1977)

Spencer llega a su casa con una colección de víveres, solo para encontrar el lugar en desorden, lleno de montones de tierra y los restos de plantas que hace mucho tiempo se marchitaron y murieron. Al caer la noche, Spencer se encuentra en la casa de X, intentando entablar una conversación incómoda con la madre de X. Sentado en la mesa del comedor, se le confía la tarea de trinchar un pollo que el padre de X había preparado. Para su total sorpresa, el ave se estremece y espasmea en el plato, liberando un torrente de sangre una vez que el cuchillo perfora su carne. La comida concluye, y Spencer es repentinamente atrapado en un abrazo confrontacional por la madre de X, quien hace un avance inesperado e intenta besarlo. Durante su encuentro, ella revela que X ha dado a luz a un hijo. Sin embargo, X alberga incertidumbre y temor, ya que cuestiona si la entidad que ha traído al mundo es realmente un niño humano.

David Lynch es posiblemente el cineasta vanguardista contemporáneo más renombrado, y su película de 1977 Eraserhead se erige como un ejemplo emblemático del cine de vanguardia. Esta obra pretende ilustrar la manera en que el estrés, las ansiedades y las preocupaciones se manifiestan en el ámbito de los sueños. Eraserhead sirve como una exploración de las emociones turbulentas e inquietantes que tienen la capacidad de infiltrarse y contaminar el subconsciente. A través de su estilo visual y narrativo único, la película ofrece a la audiencia un viaje que invita a la reflexión y que se adentra profundamente en la naturaleza caótica de los pensamientos y emociones perturbadores a medida que emergen en los paisajes surrealistas de la mente.

Ese oscuro objeto del deseo (1977)

Ese oscuro objeto del deseo es una película surrealista de comedia dramática de 1977 dirigida por el renombrado Luis Buñuel. Esta obra cinematográfica es una adaptación de la novela de 1898 de Pierre Louÿs, «La mujer y el pelele». Cabe destacar que esta película marcó el último proyecto de Buñuel como director, ya que falleció en julio de 1983. La ambientación alterna entre España y Francia, desarrollándose en medio de la atmósfera tensa y caótica de un levantamiento terrorista. La narrativa se cuenta a través de una serie de flashbacks pertenecientes a Mathieu, un anciano francés interpretado por Fernando Rey. Mathieu queda fascinado por Conchita, una joven y enigmática mujer española. De manera intrigante, el personaje de Conchita es interpretado alternativamente por dos actrices, Carole Bouquet y Ángela Molina, lo que añade capas a su misterioso atractivo. A lo largo de la película, Conchita obstaculiza persistentemente las aspiraciones románticas y sexuales de Mathieu, creando una exploración compleja y a menudo desconcertante del deseo y la obsesión. La yuxtaposición del conflicto político y una saga personal intrincada otorga a la película una profundidad única, convirtiéndola en una pieza seminal en la ilustre carrera de Buñuel.

Dementia

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Terror, noir, por John Parker, Estados Unidos, 1955.
Es de noche. Una mujer se despierta de repente de una pesadilla en un hotel de mala muerte en los suburbios de Los Ángeles. Sale de la habitación y deambula por el vecindario. Se encuentra con un enano que vende periódicos con el titular "Apunalamiento misterioso". En un callejón oscuro, un borracho la acosa y un policía la rescata. Luego conoce a un hombre elegantemente vestido con un delgado bigote. El hombre le da una flor y la convence para que suba a la limusina con un hombre rico y gordo. Mientras conducen por la ciudad, el hombre recuerda su trauma infantil y al padre violento que lo apuñaló con un cuchillo después de que él disparara a su madre infiel. El hombre rico la lleva a divertirse a varios clubes nocturnos y luego a su apartamento. Primero ignora a la mujer mientras ella se atiborra con una gran comida. Ella lo seduce y él se acerca a ella emocionado.

Una pesadilla visionaria y alucinatoria, sin diálogo, durante una noche de una mujer solitaria en Los Ángeles. Entre el horror, el cine noir y el cine expresionista, inicialmente concebida como un cortometraje por Parker basado en un sueño que le contó su secretaria, Barrett, quien también se convirtió en la intérprete del film. La película fue bloqueada por la Junta de Cine del Estado de Nueva York antes de ser estrenada en cines en 1955. Más tarde Jack H. Harris la compró y creó una nueva versión, con un montaje diferente, añadiendo también una voz en off y cambiando el título. Esta es la versión original.

Sin diálogo

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Wax, o el descubrimiento de la televisión entre las abejas (1991)

Wax o el descubrimiento de la televisión entre las abejas es una intrigante película independiente que marca el debut del director y artista estadounidense David Blair. Esta pieza cinematográfica destaca no solo por su narrativa inventiva, sino también por contar con Blair en el papel principal y una aparición especial del legendario escritor William Burroughs. La película combina hábilmente una variedad de técnicas visuales, incluyendo animación digital pionera, imágenes de video sin adornos y secuencias de acción en vivo, creando una narrativa visual única y atractiva. Wax es emblemática de las innovaciones creativas y las críticas políticas agudas de su época, ofreciendo perspectivas y reflexiones que continúan resonando en los debates contemporáneos. La película no solo empuja los límites del arte visual experimentando con estilos variados, sino que también critica astutamente la atmósfera política de su tiempo, convirtiéndola en una pieza perdurable de la historia cinematográfica.

Interpretada por muchos como una respuesta cinematográfica para contrarrestar el inicio de la Guerra del Golfo, esta película destaca como un ejemplo excepcional de arte vanguardista. Se desarrolla de manera única en torno a la vida de un apicultor, quien está profundamente convencido de que su colmena de abejas ha incrustado un cristal místico en su frente. Este fenómeno extraordinario le otorga la inquietante habilidad de conversar con los espíritus de los difuntos, permitiendo un vistazo al reino etéreo. La película utiliza magistralmente efectos generados por computadora impresionantes e innovadores, que manipulan artísticamente las imágenes en pantalla, creando distorsiones visuales que se apartan de las normas del cine tradicional. A través de este enfoque visionario, la película ofrece una experiencia asombrosa y estimulante, llevando los límites de la narración visual a un nivel pocas veces explorado en el cine convencional.

Film Socialisme (2010)

Film Socialisme es una película francesa de vanguardia de 2010 dirigida por el renombrado Jean-Luc Godard. Esta innovadora y estimulante película debutó en la prestigiosa sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes de 2010 antes de estrenarse en Francia apenas dos días después. La película está artísticamente dividida en tres actos distintivos, cada uno ofreciendo una perspectiva única y una exploración temática.

El primer acto, Des choses comme ça («Cosas así»), transporta a los espectadores a la cubierta de un crucero, donde se desarrolla la narrativa. Este acto es notable por el uso de diálogos en múltiples idiomas, reflejando la diversidad y complejidad de la comunicación global. El escenario proporciona un rico telón de fondo para un examen de las interacciones culturales y sociales entre pasajeros de todo el mundo, invitando a la audiencia a reflexionar sobre las complejidades de la conexión humana en un espacio confinado.

Luego, la película se traslada al segundo acto, Notre Europe («Nuestra Europa»), que tiene lugar en un entorno inesperado: una estación de servicio. Aquí, el enfoque se centra en un grupo de niños, acompañados por una mujer y su hermano menor, quienes se enfrentan a sus padres. Convocan lo que se asemeja a un «tribunal de su juventud», exigiendo a sus mayores explicaciones críticas sobre los principios de igualdad, fraternidad y libertad. Este acto profundiza en la división generacional y la búsqueda de responsabilidad en un mundo que cambia rápidamente.

El acto final, Nos humanités («Nuestras Artes Liberales»), amplía nuevamente el alcance visitando seis lugares históricamente y culturalmente significativos: Egipto, Palestina, Odessa, Grecia, Nápoles y Barcelona. Cada destino sirve como un lienzo para explorar el rico tapiz de la historia y cultura humanas, así como las corrientes políticas y filosóficas que moldean nuestro pasado y presente colectivos. A través de estos diversos escenarios, Godard continúa su exploración de la humanidad, invitando a los espectadores a reflexionar sobre su propia comprensión de la civilización y el legado perdurable de los logros culturales e intelectuales.

Adiós al lenguaje (2014)

La obra tardía de Jean-Luc Godard emplea tecnología 3D para deconstruir el lenguaje cinematográfico mismo. La película fragmenta la narrativa, el sonido y la imagen en elementos deliberadamente desconectados que desafían la manera en que los espectadores procesan el significado a través de la gramática cinematográfica convencional.

La experimentación formal de Godard rechaza la coherencia mientras mantiene un rigor filosófico sobre la relación del cine con la comunicación. La obra ejemplifica cómo el cine de vanguardia puede interrogar los medios tecnológicos al tiempo que cuestiona supuestos fundamentales sobre las estructuras lingüísticas del cine.

El amor es el mensaje, el mensaje es la muerte (2016)

Arthur Jafa realiza una obra emblemática que entrelaza metraje de archivo, imágenes contemporáneas y elementos sonoros para explorar la experiencia negra y el trauma histórico. La película funciona simultáneamente como crítica cultural, poema visual e invocación espiritual mediante un ensamblaje fragmentado pero intencional.

La síntesis innovadora de Jafa entre teoría materialista y expresión poética crea nuevos marcos para comprender la representación y la agencia. La película amplía fundamentalmente la capacidad del cine experimental para abordar preocupaciones sociales e históricas urgentes manteniendo la complejidad formal.

The Grand Bizarre (2018)

La obra exuberante basada en collage de Jodie Mack superpone colores vivos, imágenes encontradas y edición rítmica en una experiencia visual hipnótica. La película combina animación, fotografía y patrones textiles en configuraciones en constante cambio que desafían la percepción convencional.

La estética digi-maximalista de Mack crea una experiencia sensorial inmersiva que rechaza la narrativa lineal en favor de una pura orquestación visual. La obra demuestra cómo el cine experimental puede alcanzar una resonancia emocional profunda mediante la manipulación formal abstracta y composiciones de campos de color.

The Holy Mountain

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Ciencia ficción, drama, de Alejandro Jodorowsky, 1973, México.
Un hombre, apodado El ladrón, que representa la carta del Loco en el Tarot, yace inconsciente en un desierto, entre enjambres de moscas. Cuando despierta, encuentra a un enano sin pies ni manos que representa el Cinco de Espadas. Los dos se hacen amigos y van al pueblo más cercano donde ganan dinero entreteniendo a los turistas. El ladrón se parece a Jesucristo, y después de una pelea con un sacerdote, se come la cara de una estatua de cera de Cristo, simbólicamente comiéndose su cuerpo y ofreciéndose "a sí mismo" al Cielo. Tras muchas desventuras, llega a la cima de una torre que es el laboratorio de un misterioso alquimista. Participando en varios ritos de iniciación, el alquimista lo presenta a las siete personas más poderosas de la Tierra, que trabajan en las industrias del bienestar, las armas, el arte, el entretenimiento, la aplicación de la ley, la construcción y la economía. Juntos deberán llegar a la Montaña Sagrada, una montaña legendaria en una isla inexistente, donde hay nueve sabios que conocen el secreto de la inmortalidad. Su objetivo es eliminarlos y tomar su lugar.

Para reflexionar
En India llaman Maya a la realidad del mundo que nos rodea, que significa ilusión. La verdad está oculta: es como una pantalla de cine en la que proyectas tus sueños y deseos. Los físicos han investigado qué es la materia y han llegado a la conclusión de que no existe. Entonces, ¿de qué está hecha la materia de las cosas? Es solo energía condensada, que vibra a muy alta velocidad, apariencia. A un nivel profundo, la materia no existe.

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Man with a Movie Camera

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Documental, de Dziga Vertov, Rusia, 1929.
Después de algunos años dedicados a realizar documentales de propaganda, Dziga Vertov realiza su obra maestra, inspirada en las teorías sobre el cine de la realidad y Kinoglaz. Una sinfonía visual experimental con raíces futuristas. Un día común de un camarógrafo que deambula por la ciudad sin un propósito aparente en busca de la vida para ser filmada. La cámara desencadena una explosión de creatividad que es una nueva visión de la realidad: cine puro potenciado con ingeniosas invenciones de montaje. Una película tan inspirada y moderna que aún hoy es un tema inagotable de discusión y nuevas ideas.

Para reflexionar
Ciertas obras de arte, ciertas películas tienen una calidad artística objetiva. En el arte subjetivo, el artista no considera quién está mirando la obra de arte, simplemente expresa su propio mundo interior. La obra de arte objetiva, en cambio, tiene una cualidad inherente que puede transmitirse durante miles de años. La obra de arte objetiva no está vinculada a ninguna ideología, cultura social o época: puede emocionar a cualquiera, en cualquier latitud y en cualquier época.

Sin diálogo

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The Exterminating Angel

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Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
La trama gira en torno a un grupo de personas que se reúnen en una suntuosa villa para una cena de gala. Sin embargo, después de la cena, descubren que no pueden salir de la villa, a pesar de que las puertas y ventanas están cerradas con rejas y las salidas aparentemente bloqueadas. Lo que sigue es una especie de pesadilla surrealista donde el grupo de invitados queda atrapado en la villa y sus comportamientos y relaciones sociales comienzan a degradarse de manera extraña.

La película aborda temas como la conformidad social, la alienación y la caída de las convenciones sociales. Es conocida por sus secuencias surrealistas y la forma en que desafía la realidad y la lógica tradicional. "El ángel exterminador" suele interpretarse como una crítica satírica a la clase alta y a las normas sociales autojustificadas. Esta película se ha convertido en un ícono del cine surrealista y representa una de las obras más distintivas y provocativas de Luis Buñuel. Es valorada tanto por su complejidad conceptual como por su extravagancia visual, y ha sido influyente en el mundo del cine por su capacidad para romper los límites del arte cinematográfico. En su momento, muchos pensaron que sería la última película de la carrera de Buñuel. Sin embargo, fue la primera de una serie de obras maestras.

IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés

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