Guia dos 70 Filmes Cult que Você Absolutamente Precisa Ver

Filme cult é um conceito muito flexível e abstrato, aplicado a muitos tipos de obras cinematográficas, mas que pode ser facilmente manipulado para fins comerciais. Ao olhar os anúncios dos novos filmes, parece que todos eles são filmes cult. Escritos triunfais aparecem nos trailers: aquele ou aquele crítico o chamou de obra-prima. Aquela revista disse que é um novo filme cult.

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Explore o Fenômeno Cult

O cinema cult é um vasto universo. Para ajudá-lo a navegar, dividimos nossa coleção em caminhos temáticos. Clique na categoria que deseja explorar:

Os Pais do Cult & Os Visionários Por trás de todo grande filme cult está uma mente que recusou o compromisso. Falamos de diretores como David Lynch, Alejandro Jodorowsky, ou John Waters — autores que usaram a câmera para explorar o inconsciente, o sagrado e o profano sem rede de segurança.

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A Era de Ouro: Filmes Cult dos Anos 80 Se há uma década que codificou a estética do cult moderno, graças à explosão do VHS e das sessões da meia-noite, é esta. Do neon-noir sci-fi ao horror prático, estes são os filmes que definiram uma geração.

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B-Movies & Cinema Underground Orçamento não é tudo. Frequentemente, a falta de recursos aguça o engenho (ou a loucura). Aqui celebramos os B-movies, Exploitation e aqueles filmes “tão ruins que são bons” que encontraram glória na imperfeição e no excesso.

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Horror Cult & Cinema de Terror

O horror é o gênero que gerou mais filmes cult na história. Dos monstros da Universal aos slashers dos anos 80, até o extremo Body Horror. Se você procura sangue, medo e visões perturbadoras que desafiaram a censura, esta é sua seção.

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Filmes “Amaldiçoados” & Estranhos Existem obras que desafiam qualquer classificação. Filmes experimentais, perturbadores, oníricos que exigem um espectador disposto a perder suas coordenadas racionais. Do surrealismo aos acid-westerns, esta é a zona mais extrema do catálogo.

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Nosferatu

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Quando um jovem corretor de imóveis, Thomas Hutter, vai ao castelo para fechar um negócio, Orlok é atraído pelo seu sangue e decide segui-lo até sua cidade natal. A chegada do conde provoca uma série de mortes misteriosas e espalha pânico entre os habitantes.

Murnau, por meio de imagens evocativas e atmosferas perturbadoras, cria uma obra que vai muito além da simples adaptação do romance de Stoker. O filme explora temas universais como o medo da morte, o isolamento e a perda da humanidade. A produção de Nosferatu foi marcada por algumas dificuldades legais devido aos direitos autorais do romance de Bram Stoker. Apesar disso, Murnau e sua equipe conseguiram fazer um filme de grande impacto visual. A escolha de Max Schreck para interpretar o Conde Orlok foi genial. Sua aparência cadavérica e seus movimentos não naturais fizeram do personagem Orlok um dos monstros icônicos na história do cinema. Ao longo dos anos, Nosferatu tornou-se um filme cult, influenciando gerações de cineastas e tornando-se um ponto de referência para o gênero de horror. A imagem do Conde Orlok, com suas unhas alongadas e olhos fundos, tornou-se um ícone do cinema de terror.

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Filmes Cult Que Você Absolutamente Precisa Ver

Uma seleção de filmes cult que marcaram a história do cinema, ou que por algum motivo representam obras de culto. Obras esquecidas por anos que foram depois redescobertas, fracassos de bilheteria que se tornaram fenômenos de culto. Primeiras obras e filmes menores de grandes diretores que se tornaram cult após seus autores ficarem famosos. Filmes seminais e vanguardistas que marcaram a história do cinema. Esta não é a lista habitual que mistura filmes, desde blockbusters até filmes independentes, que você encontra em sites generalistas que tratam de cinema. Não é a cesta grande habitual da qual se pesca algo ao acaso, escrita apenas para preencher uma página. Muitos provavelmente não sabem exatamente o que é um filme cult, mas agora você sabe. Esta é uma lista de verdadeiros filmes cult que todo cinéfilo de verdade deve conhecer.

Bugonia (2025)

Dois jovens teóricos da conspiração sequestram a CEO de uma poderosa corporação farmacêutica, convencidos de que ela é na verdade um alienígena enviado à Terra para destruir a humanidade. Eles a mantêm cativa em seu porão, submetendo-a a interrogatórios surreais e torturas grotescas para forçá-la a confessar o plano de invasão, enquanto a mulher tenta manipular a paranoia deles para se salvar.

Yorgos Lanthimos (A Favorita, O Lagosta) retorna com um remake do clássico cult coreano Save the Green Planet!. É material perfeito para seu cinema: uma comédia sombria, paranoica e misantrópica que explora a tênue linha entre a loucura e a verdade. Deixando para trás os figurinos de época, Lanthimos foca em uma feroz sátira contemporânea contra o corporativismo e a psicose coletiva, um dos filmes mais estranhos e perturbadores do ano.

Faust

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Terror, de F. W. Murnau, alemão, 1926.
Fausto é um estudioso idoso que perdeu a fé na vida. Ele está derrotado pela sua incapacidade de ajudar os outros e pela consciência da sua própria mortalidade. Um dia, ele encontra Mefistófeles, que lhe oferece um pacto: em troca de sua alma, Mefistófeles lhe dará juventude e poder eternos. Fausto aceita o pacto e Mefistófeles o leva a um mundo de luxo e prazer. Fausto se apaixona por Gretchen, uma jovem inocente, mas seu amor é frustrado por Mefistófeles.

Fausto é considerado um dos maiores filmes mudos já feitos. É um filme visualmente deslumbrante, com o uso de Murnau de imagens expressionistas e simbolismo para criar um mundo sombrio e atmosférico. O filme também apresenta algumas das cenas mais icônicas da história do cinema, como a sequência em que Fausto e Mefistófeles voam em um tapete mágico. Além de seus méritos artísticos, Fausto foi um dos últimos grandes filmes alemães produzidos antes da ascensão dos nazistas. O estilo sombrio e expressionista do filme influenciou posteriormente diretores como Orson Welles e Fritz Lang. É um filme visualmente impressionante e instigante que explora os temas da tentação, redenção e a condição humana.

IDIOMA: Alemão
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Português

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Uma Batalha Após a Outra (2025)

Em uma Califórnia contemporânea envolta em uma atmosfera de paranoia e decadência, um homem (Leonardo DiCaprio) se vê enredado em uma conspiração abrangente envolvendo figuras políticas corruptas, forças da lei e caos social. A trama, ainda envolta em mistério mas inspirada nas vibrações de Thomas Pynchon em Vineland, acompanha a tentativa desesperada do protagonista de proteger sua família (incluindo uma filha prodígio) enquanto o mundo ao redor parece deslizar rumo a um apocalipse político e moral.

Paul Thomas Anderson dirige o filme mais caro e “comercial” de sua carreira, reunindo um elenco monumental que inclui Sean Penn e Benicio del Toro. É um retorno ao grande estilo fresco americano de Magnolia, mas atualizado para as neuroses do presente. Filmado em formato IMAX, promete ser um thriller de ação intelectual que mistura perseguição física com uma investigação filosófica sobre o declínio do Ocidente. Não é apenas um filme aguardado; é o evento cinematográfico que visa unir o cinema autoral ao espetáculo blockbuster.

Strange Darling (2024)

O que começa como um aparentemente inocente caso de uma noite entre uma mulher (“A Dama”) e um homem (“O Demônio”) rapidamente se transforma em um brutal jogo de gato e rato pela natureza selvagem do Oregon. A narrativa é fragmentada em seis capítulos não lineares que desconstruem constantemente a percepção do espectador sobre quem é a vítima e quem é o predador, revelando um rastro de sangue deixado por um serial killer que aterroriza o estado.

Dirigido por JT Mollner e filmado inteiramente em película 35mm pelo cineasta Giovanni Ribisi, este é um thriller de horror esteticamente deslumbrante que redefine o gênero slasher. Não é o habitual filme de sobrevivência: é um quebra-cabeça psicológico com cores hipersaturadas e uma atmosfera onírica, elogiado até por Stephen King por sua estrutura engenhosa. Um clássico cult instantâneo que usa violência gráfica não para chocar, mas para explorar dinâmicas de poder e manipulação dentro de um relacionamento tóxico levado ao extremo.

Beat the Devil

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Aventura, comédia, de John Huston, Estados Unidos, 1953.
O filme começa com um grupo de personagens muito variados e ambíguos que se encontram em um porto italiano esperando um barco para ir à África. O grupo é composto por Billy Dannreuther (interpretado por Humphrey Bogart) e sua esposa Maria (interpretada por Gina Lollobrigida), Charles "O'Hara" (interpretado por Peter Lorre) e sua esposa Gwendolen (interpretada por Jennifer Jones), além de um excêntrico e rico cavalheiro britânico, Peterson (interpretado por Robert Morley). Esses personagens, junto com outros, estão todos interessados em ir a uma mina de urânio na África para explorar seus potenciais lucros. No entanto, cada um deles esconde seus segredos e motivações ocultas. Enquanto esperam pelo transporte, passam o tempo interagindo e tentando decifrar os verdadeiros objetivos uns dos outros. Durante a viagem, surgem tensões e traições entre os membros do grupo. Os Dannreuthers revelam estar tentando enganar os outros membros, Peterson tenta proteger seus próprios interesses financeiros, e O'Hara parece ter uma conexão com um misterioso diamante escondido. Enquanto isso, surge a ideia de que a mina pode ser uma fraude e que o plano pode estar condenado ao fracasso. A história torna-se cada vez mais caótica, com reviravoltas e intrigas inesperadas.

O filme é baseado em um romance homônimo de James Helvick (pseudônimo de Claud Cockburn) e é uma comédia grotesca que mistura elementos de aventura, noir e comédia, frequentemente com um tom satírico. O elenco é notável e inclui atores como Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Gina Lollobrigida, Peter Lorre e Robert Morley. O filme foi inicialmente anunciado como um thriller sério, mas no final revelou-se muito diferente das expectativas do público, com um tom mais leve e irônico. Embora tenha sido um fracasso de bilheteria e recebido críticas mistas na época de seu lançamento, ao longo dos anos tornou-se um filme cult devido ao seu estilo único e natureza extravagante. Foi elogiado por sua ousada mistura de gêneros e pelas performances excêntricas do elenco. É um filme que se destaca por sua abordagem não convencional e sua mistura de diferentes elementos. Sua

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Sasquatch Sunset (2024)

Um ano na vida de uma família de quatro Bigfoots (Sasquatch) vagando pelas florestas da América do Norte. Não há diálogo, nem narração, nem humanos visíveis. Apenas grunhidos, gestos e a luta diária para comer, acasalar e sobreviver em uma natureza moribunda. Escondidos sob pesadas e irreconhecíveis maquiagens protéticas estão atores famosos como Jesse Eisenberg e Riley Keough, que se entregam totalmente aos papéis animalísticos.

Este é o filme mais estranho, corajoso e absurdo do ano. Os irmãos Zellner criaram um documentário fictício sobre a natureza que oscila entre a comédia escatológica (arroto, sexo, vômito) e a poesia trágica sobre a solidão de uma espécie ameaçada. É um teste de resistência para o espectador mainstream, mas uma joia de originalidade para quem busca algo diferente de tudo que já viu. Cult instantâneo por sua loucura.

Stopmotion (2024)

Ella é uma animadora de stop-motion vivendo à sombra de sua mãe dominadora, uma artista lendária na área. Quando sua mãe adoece, Ella começa a trabalhar em um projeto macabro usando carne crua, animais mortos e materiais orgânicos para criar suas marionetes. À medida que o filme ganha forma, a sanidade de Ella desmorona: as marionetes parecem ganhar vida própria, e a linha entre sua arte e sua própria carne começa a se confundir em um delírio de sangue e argila.

Dirigido por Robert Morgan (um verdadeiro mestre da animação assustadora), este é um filme sobre obsessão artística que se transforma em autodestruição. É uma experiência visceral e tátil: você pode sentir o cheiro da carne podre e ouvir o som squelch das marionetes. Não há nada digital ou brilhante aqui; é um pesadelo tátil, sujo e grotesco que lembra os primeiros trabalhos de David Lynch ou Jan Švankmajer. Um clássico cult instantâneo para quem ama arte que dói.

The Red House

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Thriller, noir, de Delmer Daves, Estados Unidos, 1947.
Uma jovem chamada Meg vive com seu irmão adotivo Pete e seu pai idoso em uma fazenda isolada. A casa está cercada por uma floresta e terras aparentemente inacessíveis conhecidas como 'A Casa Vermelha'. A casa é envolta em mistério e lendas locais, e sua presença lança uma sombra ominosa sobre a vida de Meg e sua família. Quando Meg começa a frequentar a escola, ela se apaixona por Nath, um de seus colegas. As tensões aumentam quando Nath decide explorar os terrenos da Casa Vermelha e tenta descobrir os segredos escondidos ali. Isso provoca a reação preocupada e intimidadora do pai de Meg e de Pete, que parecem querer esconder algo obscuro relacionado à Casa Vermelha.

A Casa Vermelha é um thriller psicológico que explora os segredos enterrados do passado da família e seu impacto no presente. A atmosfera sombria e claustrofóbica da história cria uma sensação de suspense e mistério. À medida que a trama se desenrola, os segredos da Casa Vermelha e suas conexões com a família emergem, levando a revelações chocantes e a um clímax tenso. O filme mistura elementos de noir e suspense com elementos de drama familiar. É conhecido por sua cinematografia evocativa e pelas performances intensas do elenco, explorando temas como culpa, segredo e redenção, com um olhar psicológico sobre dinâmicas familiares complexas. É uma obra menos conhecida do gênero thriller psicológico que se tornou um filme cult ao longo dos anos por sua trama envolvente e atuações intensas.

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Filme Cult dos Anos 10

Na virada do século, o cinema ainda era um território selvagem sem regras. Nesta década pioneira, nasceram as primeiras visões que desafiavam a realidade: desde os seriados policiais franceses de Fantômas, celebrando a anarquia e o disfarce, até os primeiros experimentos expressionistas. Foi aqui que o cinema descobriu que poderia ser um sonho (ou um pesadelo) e não apenas uma gravação da vida real.

L’Inferno (1911)

No blockbuster mudo L’Inferno, vagamente inspirado na Divina Comédia de Dante Alighieri, testemunhamos uma jornada literal pelos círculos da danação eterna. Acompanhamos Dante e Virgílio enquanto encontram os condenados, demônios alados, gigantes e, finalmente, o próprio Lúcifer devorando traidores. Para a época, foi uma produção titânica que levou três anos de filmagens e centenas de figurantes para visualizar o inimaginável.

É o primeiro verdadeiro longa-metragem da história do cinema italiano e uma obra-prima dos efeitos especiais artesanais. Por meio de sobreposições, truques de perspectiva e cenários inspirados nas ilustrações de Gustave Doré, o filme cria uma imagem gótica e grotesca que não perdeu nada de seu poder visual. Uma obra fundamental para entender como o cinema aprendeu a mostrar o invisível e o sobrenatural.

Fantômas (1913)

A série cinematográfica Fantômas traz à tela o gênio do crime e senhor do terror em cinco episódios históricos. O criminoso misterioso, mestre do disfarce, semeia pânico em Paris cometendo roubos impossíveis e assassinatos criativos, sempre perseguido pelo obsessivo Inspetor Juve. Fantômas não é um simples ladrão, mas uma entidade quase sobrenatural que desafia a ordem estabelecida e a lógica.

Dirigido por Louis Feuillade, este não é apenas um filme policial, mas o nascimento do moderno “supervilão”. Amado pelos Surrealistas (Magritte e Apollinaire o adoravam) por sua atmosfera onírica e a anarquia que exalava, é o avô de todos os thrillers psicológicos e filmes de assalto. Sua influência na cultura pop, de Diabolik ao Coringa, é incalculável.

The Brain That Wouldn't Die

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Terror, ficção científica, por Joseph Green, Estados Unidos, 1962.
O Dr. Bill Cortner salva um paciente que foi declarado morto, mas o cirurgião sênior, pai de Bill, condena os métodos e teorias não ortodoxas de transplante do filho. Enquanto dirige para a casa da família, Bill e sua atraente futura esposa Jan Compton se envolvem em um acidente de carro no qual sua esposa é decapitada. Cortner recupera a cabeça e corre para o laboratório no porão de sua casa. Ele e seu ajudante mutilado Kurt revivem a cabeça em uma bandeja cheia de líquido. A nova existência de Jan é insuportável e a mulher implora a Bill para deixá-la morrer, mas o cientista se recusa: ele quer encontrar um novo corpo para Jan. Ele procura uma mulher adequada em um clube burlesco, na rua e em um concurso de beleza.

Dirigido por Joseph Green e escrito por Green e Rex Carlton, o filme foi concluído em 1959 sob o título The Black Door, mas só foi lançado em 3 de maio de 1962, com seu novo título, em uma sessão dupla com Invasion of the Star Creatures. O dispositivo narrativo particular de um médico louco que descobre uma maneira de manter uma cabeça humana viva já foi usado antes na literatura, com várias outras versões sobre esse tema. Compartilha inúmeros elementos da história com o filme de terror alemão Ocidental The Head (1959).

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Les Vampires (1915)

Em Les Vampires, um jornalista investigativo tenta desmascarar uma poderosa organização criminosa secreta que aterroriza Paris com sequestros, gás venenoso e roubos acrobáticos. Liderando-os (ou confundindo-os) está sua musa, Irma Vep, uma femme fatale que se move pelos telhados da cidade vestida com um macacão preto justo, tornando-se um ícone de mistério e sedução perigosa.

Outra obra-prima seriada de Louis Feuillade que se aventura no delírio onírico. Apesar do título, não há sugadores de sangue sobrenaturais, mas a atmosfera é tão bizarra e alucinada que parece um pesadelo acordado. Irma Vep (um anagrama de Vampire) é a primeira verdadeira anti-heroína sombria do cinema, um símbolo de emancipação e perigo que encantou gerações de cinéfilos com sua modernidade estética.

Intolerance (1916)

Um filme cult pela grandiosidade de seu projeto e por ser um dos primeiros blockbusters que mudou a história do cinema, uma fusão de grande espetáculo e experimentação visual. David Griffith, para provar que as acusações de racismo contra ele, decorrentes de seu filme anterior, O Nascimento de uma Nação, eram infundadas, dirigiu um blockbuster sobre intolerância.

Intolerance, um drama histórico de 1916, conta quatro histórias diferentes que abrangem 2.500 anos. Guerra na antiga Babilônia, traição e a Crucificação na história bíblica, intolerância na Renascença francesa e conflitos e crimes no início do século XX nas Américas. A humanidade parece destinada, incapaz de encontrar acordo, a permanecer em conflito perpétuo. Pelo menos até que ocorra uma mudança interna global.

Broken Blossoms (1919)

No filme Broken Blossoms, ambientado nas favelas enevoadas de Londres, Cheng Huan, um idealista chinês que veio para o Ocidente para espalhar a filosofia budista mas acabou dirigindo um antro de ópio, resgata Lucy. A garota, brutalmente abusada por seu pai boxeador e alcoólatra, encontra nele um amor platônico feito de olhares e delicadeza, que floresce brevemente antes de ser esmagado pela violência racista e patriarcal de seu pai.

D.W. Griffith, após as controvérsias de seus filmes épicos, dirige este drama íntimo de “câmara” que é uma joia de atmosfera. A fotografia em foco suave e a iluminação criam uma Londres fantasmagórica e poética. É um filme de tristeza devastadora, abordando temas como abuso doméstico e preconceito racial com uma sensibilidade visual que eleva o melodrama à pura arte lírica.

Filme Cult dos Anos 20

A década de 1920 é quando a arte encontra a loucura. Enquanto Hollywood começava a construir seu império, a Europa dava à luz obras que permanecem perturbadoras até hoje. É a era do Surrealismo de Buñuel e Dalí (Un Chien Andalou), do Expressionismo Alemão que distorce perspectivas (O Gabinete do Dr. Caligari), e da ficção científica profética (Metropolis). Filmes visualmente poderosos que lançaram as bases para todo o cinema “alternativo”.

Vampyr

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Terror, de Carl Theodor Dreyer, Alemanha, 1932.
No final da noite, Allan Gray chega a uma estalagem perto da cidade de Courtempierre e aluga um quarto para dormir. Gray é subitamente perturbado por um velho, que entra no quarto e deixa um pacote quadrado sobre a mesa: "Para ser aberto na minha morte" está escrito no papel de embrulho. Gray pega o pacote e se dirige a um velho castelo onde vê uma velha e encontra outro velho. Olhando por uma das janelas, Gray vê o dono do castelo, o mesmo homem que lhe deu o pacote. O homem é subitamente morto por um tiro.

Vampyr, de Carl Theodor Dreyer, foi feito nos anos de transição entre o cinema sonoro e o mudo, usando a linguagem visual do primeiro para trazer o gênero de horror para a nova era. Em Vampyr reina uma sensação constante de angústia, um estado de espírito de pesadelo e presenças invisíveis que espreitam em cada canto. A fotografia de Rudolph Maté registra cada sutileza de luz e sombra em uma dança cativante. Cenas agora icônicas, como a de um homem com uma foice tocando um sino e a placa de uma estalagem silhuetada contra um céu escuro. Cenas antológicas como aquela em que Allan sonha ser enterrado vivo pelos capangas do vampiro, em que Dreyer usa uma visão subjetiva claustrofóbica que faz o espectador "entrar" no caixão. Assim como em seu filme anterior, A Paixão de Joana d'Arc de 1928, Dreyer usa closes intensos para enfatizar os medos que seus personagens enfrentam. A escuridão desempenha um papel importante: as sombras se movem independentemente de seus corpos e as forças do mal violam as leis da física. Vampyr é uma exploração notável dos limites entre luz e sombra, destino e sombras, noite e dia. Uma das obras-primas da história do cinema que não pode ser perdida.

IDIOMA: Alemão
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Português

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O Gabinete do Dr. Caligari (1920)

A trama de O Gabinete do Dr. Caligari gira em torno de uma feira de aldeia onde um médico misterioso exibe Cesare, um sonâmbulo que mantém sob hipnose em um caixão e que prevê o futuro. Quando uma série de assassinatos começa a atingir a cidade, a suspeita recai sobre a dupla. A história é contada através do flashback de um jovem protagonista, mas a realidade que vemos é distorcida, angustiante e talvez produto de uma mente doente.

Este é o filme que inventou o Expressionismo Alemão no cinema. Não há cenários realistas: tudo é pintado, torto, angular e deformado, para refletir a psique fragmentada dos personagens. É o pai de todo o cinema de horror psicológico, filmes de asilo e reviravoltas finais. Uma obra de arte visual onde o design do cenário é o verdadeiro protagonista, criando um mundo de pesadelo do qual não há escapatória.

Nosferatu (1922)

O corretor de imóveis Hutter viaja para os Cárpatos para fechar um negócio com o misterioso Conde Orlok, um nobre recluso que vive em um castelo dilapidado e quer comprar uma casa na Alemanha. Em Nosferatu, Hutter descobre tarde demais que o Conde não é humano, mas um morto-vivo esquelético e semelhante a um rato que traz peste e morte consigo. Enquanto Orlok viaja em direção à cidade de Wisborg escondido em um caixão cheio de terra, a esposa de Hutter sente a chegada do mal.

F.W. Murnau cria uma adaptação não autorizada de Bram Stoker em Drácula (alterando nomes para evitar o pagamento de direitos), mas criando algo único. Diferente do vampiro charmoso de Hollywood, Orlok (interpretado por Max Schreck) é um monstro repulsivo, uma personificação da doença e da sombra. Filmado em locações reais ao invés de cenários, o filme utiliza sombras alongadas e uma natureza hostil para criar uma sensação de terror gótico que ainda hoje congela o sangue.

Metrópolis (1927)

“Metrópolis” é um filme mudo alemão de 1927 dirigido por Fritz Lang. É considerado uma das obras-primas do cinema e um filme cult na história do cinema de ficção científica. O filme é famoso por seus cenários extraordinários, sua visão futurista e as questões sociais abordadas.

A trama de “Metrópolis” se passa em uma sociedade futurista dividida em duas classes sociais distintas: os trabalhadores, que laboram sob condições opressivas nas profundezas subterrâneas da cidade, e a classe dominante que vive em uma cidade luxuosa na superfície. Joh Fredersen, o chefe da cidade, descobre uma rebelião entre os trabalhadores e encontra Maria, uma jovem que os lidera. Intrigado por Maria e desejando pôr fim ao levante, Fredersen usa um androide chamado “Maschinenmensch” para manipular os acontecimentos. O que torna “Metrópolis” um filme inovador é seu design de produção visionário. Os cenários são surpreendentes, com arranha-céus imponentes, arquitetura futurista e maquinário mecânico, tudo enriquecido por efeitos especiais de ponta para a época. O filme retrata um mundo urbano complexo e detalhado, com uma estética que influenciou muitos filmes posteriores.

No entanto, “Metrópolis” não é apenas um espetáculo visual. Ele trata de questões sociais e políticas relevantes, como a desigualdade social, a luta de classes e o conflito entre capital e trabalho. O filme explora a necessidade de mediação entre os poderes da elite industrial e o bem comum da sociedade. A figura de Maria, que representa compaixão e humanidade, contrasta com a frieza e ganância dos líderes. O filme também apresenta uma reflexão sobre as implicações éticas da inovação tecnológica. O androide Maschinenmensch levanta questões sobre a natureza da identidade humana e as consequências da tecnologia desenfreada. Esses temas foram abordados de forma visionária por Lang e encontraram eco em muitas obras subsequentes de ficção científica.

A Paixão de Joana d’Arc (1928)

O filme A Paixão de Joana d’Arc foca exclusivamente nas últimas horas da vida da Santa, condensando o longo julgamento por heresia em um único confronto verbal e psicológico claustrofóbico. Joana, sozinha e analfabeta, enfrenta um tribunal de juízes eclesiásticos corruptos e grotescos que tentam manipulá-la para que renuncie à sua fé. A narrativa é uma escalada de tortura psicológica que culmina na queima final na fogueira.

Carl Theodor Dreyer faz uma escolha radical: abandona cenários caros (que ele mesmo havia construído) para filmar quase todo o filme em closes extremos nos rostos. O resultado é uma experiência emocional devastadora, carregada inteiramente pelo rosto de Renée Falconetti, oferecendo o que muitos críticos consideram a maior atuação da história do cinema. Um filme de puro sofrimento e transcendência, filmado sem maquiagem, que mergulha na alma humana como nenhum outro.

O Homem com a Câmera (1929)

Em O Homem com a Câmera, não há história, atores ou cenários. Simplesmente seguimos um cinegrafista que viaja pela cidade (uma mistura de Moscou, Kiev e Odessa) do amanhecer ao anoitecer, filmando a vida cotidiana: máquinas, multidões, trabalho, esportes, nascimentos e mortes. A cidade desperta, move-se freneticamente e descansa, tornando-se um organismo vivo.

Dziga Vertov assina o manifesto do “Olho do Cinema”. É um documentário experimental que na verdade é um tratado sobre montagem e o potencial do cinema. Vertov usa todos os truques possíveis: tela dividida, sobreposições, câmera lenta, stop motion, telas divididas. É uma explosão de energia visual, um filme que celebra a velocidade da vida moderna e a capacidade da câmera de ver a realidade melhor do que o olho humano. Uma obra de pura vanguarda.

Detour

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Thriller, noir, de Edgar G. Ulmer, Estados Unidos, 1945.
Al Roberts, um pianista desempregado, pega carona. Após conseguir uma carona, ele chega a um restaurante em Reno, Nevada. Outro cliente do restaurante toca uma música no jukebox: Al fica chateado porque isso lhe lembra sua vida em Nova York. Ele se lembra de uma época lá em que estava amargurado por sua falta de sucesso como músico, forçado a tocar em um clube pobre. Um dia, sua parceira, Sue Harvey, que é cantora no mesmo clube, vendo que não há perspectivas em seu relacionamento, vai buscar a sorte em Hollywood. Al acaba ficando deprimido. Após algumas desventuras, ele decide fazer uma viagem para a Califórnia para vê-la novamente e se casar com ela. Com pouco dinheiro, no entanto, é forçado a pegar carona pelo país. No Arizona, o agenciador Charles Haskell Jr. oferece a Al uma carona para Los Angeles. Naquela noite, Al dirige enquanto Haskell dorme. Quando uma tempestade força Al a parar para levantar o teto conversível, ele não consegue acordar Haskell. Al abre a porta do passageiro e Haskell cai no chão: ele está morto.

Filme independente de baixo orçamento feito por Edgar G. Ulmer, assistente do grande Murnau em "O Último Suspiro" e "Aurora", Detour é um noir inspirado no expressionismo alemão. O protagonista Al Roberts conta a história falando diretamente ao público, mas várias pistas sugerem que talvez não estejamos ouvindo o que realmente aconteceu, mas o que Al Roberts quer que pensemos que aconteceu. Às vezes, experiências terríveis podem ser remodeladas em fantasias que são menos complicadas de lidar, às vezes precisamos construir um álibi: talvez esse seja o charme ambíguo de "Detour". A interpretação de Ann Savage é fenomenal: não há uma gota de humanidade em sua representação de Vera. "Detour" é um exemplo perfeito de um filme de baixo orçamento que transforma suas limitações em um estilo forte e consistente. Um filme cult onde a escuridão do noir captura o espectador sem a necessidade de virtuosismo técnico, atores famosos ou efeitos especiais.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Um Cão Andaluz (1929)

O curta-metragem Um Cão Andaluz começa com uma das imagens mais chocantes da história do cinema: um olho humano cortado por uma navalha, editado em paralelo com uma nuvem que corta a lua. A partir desse momento, enredo, lógica e tempo deixam de existir: um homem arrasta pianos cobertos por burros mortos e padres, formigas saem de uma mão, personagens morrem e ressuscitam em um fluxo onírico e sexual de consciência.

Nascido da colaboração entre Luis Buñuel e Salvador Dalí, este é o manifesto absoluto do Surrealismo. Não é um filme para ser “entendido”, mas para ser experimentado como uma alucinação. É um ataque direto à lógica burguesa e à narrativa reconfortante. Mesmo hoje, quase um século depois, seu poder subversivo e imagens perturbadoras permanecem intactos, tornando-o o pai de todo cinema experimental e dos videoclipes modernos.

Filme Cult dos Anos 30

Com a chegada do som, o cinema cult encontrou sua voz no horror e na transgressão. Esta é a década de Tod Browning com Freaks, um filme tão chocante que foi banido por décadas, e dos grandes monstros da Universal (Frankenstein, Drácula) que definiram para sempre a iconografia gótica. Mas é também a era dos filmes “Pré-Code”, obras ousadas e cínicas que exibiam sexo e violência antes da censura de Hollywood impor seu véu moral.

M, Uma Cidade Busca um Assassino (1931)

M – O Assassino de Düsseldorf (1931) é um filme alemão dirigido por Fritz Lang. O filme é considerado um dos clássicos do gênero film noir, e influenciou inúmeros outros filmes do gênero. A história acompanha os eventos de Hans Beckert, um homem que assassina um grupo de meninas. A polícia está sob pressão do público e está empenhada em encontrar o monstro.

O filme é conhecido pela sua direção, caracterizada por uma fotografia sombria e evocativa, e pela sua representação realista do tema da violência. É um filme cult profético, que narra com incrível intuição a Alemanha pouco antes da chegada do nazismo. Dirigido por Fritz Lang na Alemanha, em 1931. A atmosfera insalubre e a raiva do povo parecem uma substância invisível que permeia toda a cidade de Düsseldorf.

O filme é inspirado nos crimes hediondos cometidos na Alemanha na década de 1920 por Fritz Haarmann e Peter Kürten, mas conta mais do que isso. Ele revela a alma da sociedade alemã profundamente corrupta e possuída pelo mal. A cena final do julgamento privado pelo monstro pelas associações criminosas é uma das mais belas da história do cinema. Uma cena que, através de rostos, expressões, diálogos e ritmo, torna-se o próprio retrato do mal, do lado sombrio do ser humano.

O Sangue de um Poeta (1932)

O Sangue de um Poeta (1932) é um filme surrealista francês dirigido por Jean Cocteau. O filme é o primeiro capítulo da Trilogia Orfista de Cocteau, que explora temas como criação artística, amor e morte.

A história acompanha um poeta (Enrique Rivero) que tenta se livrar de uma boca que foi impressa na palma da sua mão. A boca é um símbolo de sua criatividade e impulso artístico, mas também é fonte de obsessão e tormento. O poeta inicia uma jornada pelo seu subconsciente, em busca de uma solução para seu problema. Pelo caminho, encontra uma série de personagens enigmáticos, incluindo uma estátua falante, um grupo de crianças e um anjo negro.

Primeira obra na filmografia do grande poeta e diretor Jean Cocteau. Filmografia que terminará com um filme que é o epílogo do primeiro, o testamento de Orfeu. Filme cult absoluto, que mergulha no profundo inconsciente na parte mais autêntica de si mesmo, entre poesia, pensamento e visão. Um deleite para cinéfilos que também amam pintura e poesia. Um filme nascido na era de ouro do movimento surrealista. Cocteau parte do surrealismo para criar seu próprio estilo pessoal, não facilmente identificável. Poderíamos defini-lo, como quase toda a filmografia de Cocteau, como poesia que se torna cinema. Financiado pelo Visconde de Noailles, patrono dos surrealistas, que pensava que Jean Cocteau estava lhe entregando um desenho animado e repudiou o filme.

Freaks (1932)

A história de Freaks se passa em um circo itinerante, onde a bela trapezista Cleópatra seduz o anão Hans para tomar sua herança, planejando envenená-lo com a cumplicidade do forte Hércules. Mas o “código” dos freaks é rígido: “Ofenda um, e você ofende todos.” Quando a comunidade dos “outros” descobre o plano, sua vingança em uma noite tempestuosa será terrível e transformará os “normais” em algo horrível.

Tod Browning, que de fato trabalhou em circos, usa artistas reais com deficiências físicas (gêmeos siameses, mulheres barbadas, homens sem membros) não para explorá-los, mas para mostrar sua humanidade contrastada com a monstruosidade moral das “pessoas bonitas”. O filme foi tão chocante para a época que foi banido por 30 anos e destruiu a carreira do diretor. Hoje é uma obra cult sobre aceitação e crueldade, única e irrepetível.

The Hitch-Hiker

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Thriller, Noir, de Ida Lupino, Estados Unidos, 1953.
Dois amigos, Roy Collins (O'Brien) e Gilbert Bowen (Lovejoy), estão dirigindo para pescar na cidade mexicana de San Felipe, no Golfo da Califórnia. Pouco ao sul de Mexicali, eles dão carona a um caroneiro, Myers, que saca uma arma e os faz reféns. Myers os obriga a viajar por dias em estradas de terra até a península da Baja California, em Santa Rosalía, onde pretende pegar uma balsa pelo Golfo da Califórnia até Guaymas para despistar a perseguição. O criminoso aterroriza e humilha os dois homens. Numa noite, durante sua única tentativa de fuga, Collins machuca o tornozelo. Enquanto isso, as autoridades dos Estados Unidos e do México caçam Myers.

Filmado no deserto do sudoeste dos Estados Unidos, entre lugares selvagens e pequenas cidades, o filme é baseado em uma história real: a loucura assassina de Billy Cook, que em 1950 matou uma família de cinco pessoas e um vendedor ambulante. Ida Lupino era uma atriz famosa e teve a oportunidade de dirigir o filme quando o diretor Elmer Clifton adoeceu. A produtora fundada por Ida Lupino e seu marido Collier Young, "The Filmmakers", foi criada para fazer filmes independentes de baixo orçamento. A diretora conversou com os dois homens que Billy Cook havia aprisionado e recebeu informações tanto deles quanto do próprio Cook, para que pudesse integrar partes reais da vida de Cook no roteiro. Um filme exemplar pela economia de recursos: três atores habilidosos, paisagens áridas, o talento dos produtores, roteiristas e diretora. Um filme tipicamente "masculino" dirigido com audácia por uma mulher, muito bem-sucedido em sua atmosfera crua e noir, na qual a diretora nunca relaxa a tensão por um minuto. Seu nível de sensibilidade psicológica em relação aos personagens está à frente de seu tempo. Tenso, exigente e completamente desprovido de glorificações masculinas, é uma joia, com interpretações esplêndidas de seus três protagonistas.

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Vampyr (1932)

Em Vampyr, um jovem viajante fascinado pelo oculto chega a uma vila onde acontecem eventos inexplicáveis. Ele se vê imerso em um pesadelo acordado feito de sombras se desprendendo dos corpos, médicos malignos e uma velha vampira alimentando-se de uma jovem mulher. A lógica narrativa se dissolve para dar lugar a uma sucessão de imagens oníricas e fantasmagóricas.

Carl Theodor Dreyer cria não um filme de horror, mas um filme sobre um pesadelo. Filmado em grande parte através de um véu de gaze para tornar a imagem leitosa e borrada, é pura poesia visual. Famoso pela sequência subjetiva em que o protagonista imagina estar enterrado vivo em um caixão com uma janela de vidro, é uma obra surrealista que deve ser experimentada como uma transe hipnótica, e não compreendida racionalmente.

Baby Face (1933)

A protagonista de Baby Face, Lily Powers (Barbara Stanwyck), explorada pelo pai em um bar clandestino provincial, decide usar sua beleza e sexo como armas para subir na escala social. Ela se muda para Nova York e, andar por andar, cama por cama, seduz e descarta homens cada vez mais poderosos dentro de um grande banco, até chegar ao topo. É uma escalada social implacável baseada na filosofia de Nietzsche ensinada a ela por um velho.

Este é o filme símbolo da era “Pré-Code”, aquele breve período de liberdade em Hollywood antes da censura impor regras morais rígidas. É escandaloso até hoje pelo cinismo e modernidade de sua protagonista: uma mulher que não se arrepende, não pede desculpas e usa o patriarcado contra si mesmo. Um cult feminista antes do seu tempo, ousado, rápido e moralmente ambíguo.

L’Atalante (1934)

No filme L’Atalante, Juliette casa-se com Jean, o capitão de uma barca fluvial, e vai viver com ele na água, juntamente com o velho marinheiro Père Jules e seus gatos. A vida monótona do rio a leva a fugir para Paris, atraída pelas luzes da cidade, deixando Jean em desespero. A separação leva ambos a compreender a importância do seu vínculo, numa jornada onírica e sensual de retorno.

O único longa-metragem de Jean Vigo (que faleceu aos 29 anos pouco depois das filmagens) é o filme que inventou o Realismo Poético. É uma obra anárquica, erótica e incrivelmente doce que mistura a sujeira da vida a bordo com momentos de pura magia visual, como a famosa cena em que Jean mergulha no rio e “vê” sua noiva debaixo d’água. Um filme livre e inclassificável que influenciou todo o cinema autoral francês subsequente.

Filme Cult dos Anos 40

Enquanto o mundo estava em guerra, o cinema tornou-se sombrio. Os anos 1940 são o reino do Noir, onde a linha entre o bem e o mal desaparece nas sombras. O status cult aqui surge de produções de baixo orçamento (“Poverty Row”), filmes rodados em poucos dias, mas que possuem uma atmosfera única de desespero e fatalismo (como Detour). É o cinema dos anti-heróis, das femmes fatales e dos destinos condenados, perfeito para quem ama vibrações enfumaçadas e claustrofóbicas.

As Forças do Mal (1948)

“As Forças do Mal” é um filme noir americano de 1948, dirigido por Abraham Polonsky. É considerado um filme cult e uma importante obra cinematográfica da época.

O filme conta a história de Joe Morse (interpretado por John Garfield), um advogado implacável e ambicioso que tropeça em um plano intrincado para controlar apostas ilegais na loteria de números em Nova York. Joe está envolvido em um negócio criminoso com seu irmão Leo (interpretado por Thomas Gomez), um chefe do crime que administra um esquema ilegal de jogos de azar. Enquanto Joe tenta tirar o máximo proveito da exploração do sistema, ele se vê confrontado com suas próprias ambições pessoais e a corrupção que o cerca.

“As Forças do Mal” é conhecido por seu estilo visual distinto e narrativa crua. O diretor Polonsky, que também escreveu o roteiro, oferece uma crítica afiada ao capitalismo e à ganância através do contexto do mundo das apostas ilegais. O filme aborda temas como moralidade, integridade e a luta entre o bem e o mal.

“As Forças do Mal” foi elogiado pela crítica por suas performances intensas e sua capacidade de capturar a atmosfera sombria e corrupta da época. Apesar do sucesso comercial inicial limitado, o filme tornou-se com o tempo um filme cult e é frequentemente citado como um dos melhores exemplos do gênero noir.

Intolerance

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Histórico, drama, de David Wark Griffith, Estados Unidos, 1916.
O Kolossal que mudou a história do cinema ao trazer inovações engenhosas e numerosas também para a linguagem cinematográfica. Feito por Griffith como resposta às acusações de racismo por seu filme anterior, O Nascimento de uma Nação. Quatro histórias distintas ao longo de 2.500 anos contadas em paralelo sobre a intolerância da humanidade ao longo dos séculos: conflitos na antiga Babilônia, adultério e crucificação na história bíblica da Judeia, o Renascimento francês, agitação social e os crimes da história americana do início dos anos 1900.

Alimento para reflexão
O homem está perpetuamente em conflito e a causa de todo conflito existe dentro dele. Os seres humanos acumulam tanta raiva, loucura, insanidade dentro de si que não podem deixar de explodir em alguma nova guerra. O homem está dividido internamente, fala de paz e acaba criando uma nova guerra. Para resolver as manifestações externas do conflito, o conflito interno deve ser resolvido.

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Filme Cult dos Anos 50

A era de ouro dos B-Movies e da paranoia. Sob a ameaça da Bomba e do Comunismo, a ficção científica tornou-se o refúgio dos medos coletivos. É a década dos discos voadores, monstros gigantes e do cinema trash involuntário de Ed Wood (Plan 9 from Outer Space). Esses filmes, muitas vezes feitos com orçamentos inexistentes e pura ingenuidade, tornaram-se objetos cult justamente por sua encantadora “ruindade” e imaginação desenfreada.

Creature from the Black Lagoon (1954)

Creature from the Black Lagoon é um filme cult de horror e ficção científica de 1954, dirigido por Jack Arnold. É um dos clássicos do gênero de monstros e ajudou a definir a iconografia dos monstros marinhos no cinema.

A trama do filme se passa em um canto remoto da Amazônia, onde um grupo de cientistas descobre evidências da existência de uma criatura pré-histórica, uma espécie de híbrido entre homem e peixe, conhecida como o monstro da lagoa negra. A criatura se apaixona por uma das pesquisadoras, interpretada por Julie Adams, e começa a segui-la e ameaçar o grupo.

Creature from the Black Lagoon é conhecido por sua atmosfera de suspense e pelo uso habilidoso de sequências subaquáticas, que criam uma sensação de ameaça e tensão. O design da criatura foi impressionantemente elaborado, com uma aparência híbrida humano-animal, que ainda hoje é icônica no gênero de monstros do cinema.

O filme se beneficiou do uso inovador da filmagem em 3D, o que proporcionou uma experiência imersiva para o público da época. As sequências subaquáticas e os ataques do monstro foram particularmente espetaculares nesse modo de projeção. Embora hoje geralmente seja exibido em 2D, o filme deixou uma impressão duradoura graças à sua direção habilidosa e efeito visual imersivo.

Creature from the Black Lagoon inspirou vários filmes subsequentes envolvendo criaturas marinhas ou monstros semelhantes. Tornou-se um clássico do gênero de monstros e gerou várias sequências e spin-offs. A Criatura da Lagoa Negra tornou-se um ícone da cultura popular, retratado em diversos meios, e permanece como um dos monstros de cinema mais reconhecíveis.

Pather Panchali (1955)

Pather Panchali é um filme autobiográfico que narra o crescimento de Apu, um menino em uma vila de Bengala. Satyajit Ray reuniu uma equipe não profissional para fazer o filme. O elenco era composto por atores amadores.

Após esforços frustrados para encontrar um produtor que financiasse o trabalho, Ray começou a rodar no final de 1952 com suas próprias economias. Ray fez Pather Panchali em dois anos e meio, um período incomumente longo, baseado em quando ele ou seu gerente de produção Anil Chowdhury poderiam dispor de orçamentos adicionais.

Ele recusou financiamento de organizações e produtores que queriam alterar o roteiro. Também desconsiderou as orientações do governo federal da Índia para incluir um final feliz, no entanto, conseguiu financiamento que lhe permitiu terminar o filme.

Ray mostrou o filme ao diretor americano John Huston, que esteve nas áreas de caça da Índia para The Man Who Would Be King. Huston informou Monroe Wheeler no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) que um grande talento estava por vir.

Mr. Arkadin (1955)

“Mr. Arkadin” é um filme de 1955 escrito, dirigido e estrelado por Orson Welles, um cineasta altamente influente na história do cinema. Também conhecido como “Confidential Report”, o filme é um thriller noir cativante que gira em torno do enigmático personagem Gregory Arkadin, um bilionário com um passado oculto.

A trama de “Mr. Arkadin” acompanha a jornada de Guy Van Stratten, um investigador particular interpretado por Robert Arden, que é contratado por um homem misterioso chamado Jakob Zouk para desvendar a história oculta de Arkadin. Por meio de uma série de flashbacks e depoimentos de pessoas que cruzaram caminhos com Arkadin, Van Stratten gradualmente descobre fragmentos de seu passado sombrio.

O filme é renomado por seu estilo visual distinto, empregando iluminação evocativa e jogo de sombras característicos do gênero noir. Como roteirista e diretor, Orson Welles cria magistralmente uma atmosfera de suspense e tensão enquanto o protagonista se aprofunda no enigma que envolve Arkadin. A trama intrincada e as atuações excelentes contribuem para a experiência cativante e imersiva de “Mr. Arkadin”.

No entanto, vale notar que “Mr. Arkadin” passou por várias revisões e edições ao longo do tempo. Inicialmente, Welles entregou uma versão do filme ao produtor Louis Dolivet em 1955, mas modificações e reedições subsequentes ocorreram sem o envolvimento direto de Welles. Consequentemente, existem múltiplas versões do filme, cada uma apresentando variações sutis na estrutura narrativa e no enredo.

Diabolique (1955)

“Diabolique” é um famoso filme francês de 1955, dirigido por Henri-Georges Clouzot. Também conhecido como “Les Diaboliques” nos mercados internacionais, o filme é considerado um clássico do gênero thriller e teve um impacto significativo no cinema posterior.

A trama do filme gira em torno de duas mulheres, a esposa e a amante de um diretor opressor de escola. As duas mulheres, interpretadas respectivamente por Véra Clouzot e Simone Signoret, unem forças para planejar o assassinato do diretor. Após drogá-lo e afogá-lo na banheira, elas descartam o corpo em uma piscina vazia. No entanto, quando retornam para remover o corpo, descobrem que ele desapareceu. A tensão aumenta à medida que uma série de eventos perturbadores e ameaçadores ocorrem, lançando dúvidas sobre a sanidade delas.

“Diabolique” é conhecido pelo seu estilo visual impecável e enredo intricado, que mantém os espectadores na ponta da cadeira até a cena final. Clouzot utiliza habilmente elementos de suspense e mistério para criar uma atmosfera de angústia e medo. O filme também é famoso pelo seu desfecho impressionante, que apresenta um dos maiores reviravoltas da história do cinema.

O sucesso de “Diabolique” ajudou a consolidar Henri-Georges Clouzot como um mestre do gênero thriller. O filme influenciou inúmeros diretores subsequentes, incluindo Alfred Hitchcock, que admirava a capacidade de Clouzot de construir tensão e surpreender o público.

Battleship Potemkin

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Drama, guerra, de Sergej Eisenstein, Rússia, 1925.
A revolta dos marinheiros do encouraçado Potemkin e dos cidadãos de Odessa contra a polícia implacável do czar, que reage com represálias e realiza um massacre. Sergej Eisenstein faz um filme encomendado pela Goskino, o escritório de cinematografia e produção de filmes na União Soviética. É um filme de "propaganda" para a celebração da revolução de 1905, mas Eisenstein o transforma em uma obra experimental e grandiosa, destinada a mudar para sempre a história do cinema e da montagem.

Para refletir
A revolução vê as coisas em termos políticos, pressupõe que para transformar o homem, a estrutura da sociedade deve ser mudada. Mas nenhuma revolução jamais conseguiu transformar o homem. O revolucionário quer mudar a sociedade, o governo, a burocracia, as leis, o sistema político. Todas as revoluções sempre fracassaram miseravelmente, e o homem sempre permaneceu o mesmo. Não são necessários revolucionários para mudar o mundo, são necessários rebeldes.

IDIOMA: Russo
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Invasão dos Ultracorpóreos (1956)

Invasão dos Ultracorpóreos é um filme cult de ficção científica de 1956 dirigido por Don Siegel. Baseado no romance de 1954 ‘The Body Snatchers’ de Jack Finney, tornou-se um clássico do gênero e um dos filmes de invasão alienígena mais influentes da história do cinema.

O enredo do filme se passa em uma pequena cidade onde os habitantes começam a se comportar de maneira estranha e sem emoções. Logo se descobre que plantas alienígenas misteriosas estão crescendo nos campos ao redor e substituindo os seres humanos por cópias perfeitas, desprovidas de emoções e identidades individuais. Essas cópias, conhecidas como “pessoas vagens”, buscam converter toda a humanidade em criaturas sem sentimentos.

“Invasão dos Ultracorpóreos” aborda questões como a perda da identidade individual, conformismo social e medo da invasão estrangeira. O filme tem sido interpretado como uma metáfora para a crescente paranoia e conformismo que caracterizavam a sociedade da época, especialmente durante o período McCarthy.

Um dos elementos definidores do filme é sua atmosfera de tensão e paranoia crescente. A direção de Siegel e a trilha sonora evocativa ajudam a criar uma sensação de constante pressentimento. O filme trata do tema da duplicidade e alienação, com o protagonista interpretado por Kevin McCarthy tentando convencer os outros da ameaça iminente.

Toque de Malícia (1958)

“Toque de Malícia” é um filme noir de 1958 dirigido por Orson Welles. O filme é considerado uma das obras-primas do gênero e um ícone do film noir.

O enredo de “Toque de Malícia” se passa na cidade fronteiriça de Los Robles, na fronteira entre os Estados Unidos e o México. O filme começa com uma famosa longa sequência de plano sequência. Essa sequência inicia com uma bomba sendo colocada em um carro, seguida por uma explosão. A partir daí, a história se desenrola, entrelaçando uma série de personagens complexos e corruptos.

O protagonista do filme é o Capitão Hank Quinlan, interpretado pelo próprio Orson Welles, um detetive policial violento e corrupto. Quando um cidadão mexicano respeitado é assassinado na fronteira, Quinlan e seu parceiro, interpretado por Charlton Heston, são designados para o caso. À medida que investigam, os segredos e conexões dos vários personagens, incluindo o envolvimento de Quinlan com drogas e corrupção, gradualmente vêm à tona.

“Touch of Evil” aborda temas complexos como corrupção, justiça, moralidade e racismo. O filme é conhecido por sua trama intricada e personagens multifacetados, desafiando a tênue linha entre o bem e o mal. A atuação de Orson Welles como o cínico e perturbado Capitão Quinlan é considerada uma de suas melhores.

O filme também é renomado por seu estilo visual ousado e inovador. Welles emprega técnicas de câmera não convencionais, ângulos distorcidos e um jogo de luz e sombra para criar uma atmosfera assombrosa e claustrofóbica. A trilha sonora de “Touch of Evil” contribui ainda mais para construir uma tensão constante e realçar a atmosfera sombria do filme.

The Blob (1959)

“The Blob” é um filme de terror e ficção científica de 1958 dirigido por Irvin S. Yeaworth Jr. Tornou-se um clássico do gênero e teve um impacto significativo na cultura popular.

A trama do filme acompanha a história de uma pequena cidade que é invadida por uma criatura alienígena gelatinosa que se alimenta de carne humana e cresce cada vez que se alimenta. A criatura, chamada “The Blob”, começa a aterrorizar os habitantes e se espalha rapidamente. Um grupo de jovens protagonistas, interpretados por Steve McQueen e Aneta Corsaut, tenta deter a ameaça e alertar os outros sobre sua presença.

“Mortal Fluid” tem a marca clássica do cinema dos anos 1950, com a representação da invasão alienígena como uma metáfora para os medos da época, como o medo do comunismo e a ameaça nuclear. O filme foi influenciado pelos sucessos de “Invasion of the Body Snatchers” (1956) e “The Quatermass Xperiment” (1955), que tratavam de temas semelhantes.

Uma das características distintivas do filme é a representação visual da criatura, que aparece como uma massa gelatinosa vermelha, que engole suas vítimas e continua a crescer. Esse elemento visual tornou “Mortal Fluid” memorável e icônico no gênero de terror.

O filme também se beneficiou das atuações de Steve McQueen e de seu carisma na tela. Sua interpretação ajudou a tornar o filme mais envolvente para o público e contribuiu para sua popularidade.

Filme Cult dos Anos 60

A década da ruptura. O cinema se tinge de ácido, violência e rebeldia. Nasce o splatter (com Romero), junto com o cinema experimental e os road movies lisérgicos. Os filmes desse período não tentam agradar a todos; ao contrário, são manifestos políticos e artísticos que gritam contra o sistema. É o nascimento do moderno “Midnight Movie”.

A Máquina do Tempo (1960)

“A Máquina do Tempo” é uma adaptação cinematográfica do romance de H.G. Wells e é considerada um dos filmes cults de ficção científica mais icônicos da década de 1960. O filme foi dirigido por George Pal, um diretor conhecido por suas obras de ficção científica, e alcançou amplo reconhecimento crítico e comercial.

A trama do filme gira em torno de um inventor vitoriano chamado George, interpretado por Rod Taylor, que cria uma máquina do tempo. Através dessa máquina, George é capaz de viajar para frente e para trás no tempo. Ele decide usar sua invenção para explorar o futuro da humanidade.

O filme aborda questões como a divisão de classes, a natureza da humanidade e o mau uso da tecnologia. Também explora a fragilidade da sociedade humana e o perigo da ignorância e do egoísmo. O diretor George Pal conseguiu criar uma atmosfera futurista e envolvente, tornando o filme uma experiência visualmente cativante.

“A Máquina do Tempo” é admirado por seu roteiro sólido, efeitos especiais inovadores para a época e atuações convincentes. O filme ajudou a estabelecer o padrão para filmes posteriores sobre viagens no tempo e influenciou muitas outras obras de ficção científica.

A Page Of Madness

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Drama, horror, de Teinosuke Kinugasa, Japão, 1926.
Uma página de loucura é um filme independente filmado com um orçamento quase inexistente e depois perdido por quarenta e cinco anos. Felizmente, o diretor o redescobriu em seu arquivo em 1971. É um filme feito por um grupo de artistas japoneses de vanguarda, a Escola das novas percepções. Um movimento que tinha como objetivo superar a representação naturalista. Em um asilo do país, sob uma chuva torrencial, o zelador encontra pacientes com doenças mentais. No dia seguinte, uma jovem chega e se surpreende ao encontrar seu pai lá, que trabalha como zelador. A mãe da jovem enlouqueceu por causa do marido quando ele era marinheiro. O marido decidiu mudar de emprego para ficar perto da esposa no asilo e cuidar dela. A filha diz ao pai que vai se casar em breve, mas o pai está preocupado porque teme, segundo rumores populares da época, que a doença mental da mãe seja herdada pela filha. Se o jovem marido e sua família descobrirem a loucura da mãe, o casamento desmoronará. O zelador tenta cuidar da esposa durante seu trabalho, enquanto ela é agredida por outros internos, mas isso interfere em seu papel e ele é repreendido pelo chefe do asilo. Lentamente, o zelador perde o contato com a realidade e seus limites com o sonho. Ele começa a fantasiar sobre ganhar na loteria quando sua filha o encontra novamente para dizer que seu casamento está em apuros. O homem pensa em tirar a esposa do asilo para esconder sua existência e resolver todos os problemas. Teinosuke Kinugasa é o diretor de alguns dos melhores filmes japoneses da década de 1920. Uma página de loucura foi comparado aos grandes filmes expressionistas alemães. É um filme experimental, de vanguarda extrema, que parece antecipar as atmosferas e temas que tornariam David Lynch famoso muitos anos depois. Pesadelos, distorções, borrões, duplas exposições e deformações fotográficas: um filme que explora os limites mais distantes das imagens em movimento. Depois, há aquelas máscaras colocadas em uma sucessão eterna de barras, fechaduras e corredores que alimentam o senso de medo e perda dos vários protagonistas ao extremo. Yasunari Kawabata, o escritor da história, ganhou o Pr

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A Aldeia dos Malditos (1960)

“A Aldeia dos Malditos” é um filme de ficção científica/horror de 1960 dirigido por Wolf Rilla. O filme é baseado no romance “The Midwich Cuckoos” de John Wyndham. É considerado um clássico do gênero e teve um impacto significativo na cultura popular.

A trama do filme se passa em uma pacata vila inglesa chamada Midwich. Um dia, todos os moradores perdem a consciência por várias horas. Após esse evento estranho, descobrem que muitas mulheres da vila ficaram grávidas. Ainda mais estranho é o fato de que as crianças nascidas dessas gestações possuem olhos hipnóticos e poderes telepáticos. Essas crianças exibem inteligência acima da média e parecem estar unidas por um único propósito sinistro.

“A Aldeia dos Malditos” explora temas como o medo do desconhecido, a ameaça do outro e a natureza humana. O filme questiona a ideia de controle e luta pelo poder, examinando como os seres humanos reagem diante de uma ameaça extraordinária e inexplicável. É também uma reflexão sobre o medo do alienígena e a evolução da humanidade.

O filme é conhecido por sua atmosfera sombria e ameaçadora, sustentada por uma atuação convincente e uma direção eficaz. Influenciou inúmeros filmes posteriores sobre o tema do mal ou crianças sobrenaturais.

A Máscara do Diabo (1960)

Na Moldávia do século XVII, a Princesa Asa Vajda é condenada à morte por bruxaria pelo próprio irmão, o Grande Inquisidor. Antes que o carrasco pregue a “Máscara de Satanás” — uma máscara de bronze com espinhos internos — em seu rosto, ela lança uma terrível maldição sobre sua linhagem. Dois séculos depois, dois médicos a caminho de Moscou descobrem acidentalmente a cripta da bruxa e, inadvertidamente, a trazem de volta à vida ao derramar sangue sobre seu cadáver preservado. Asa ressuscita com um único objetivo: drenar a força vital da jovem Princesa Katia, sua descendente idêntica, para recuperar sua juventude e poder, desencadeando um reinado de terror dentro do castelo da família.

Marcando a estreia oficial de Mario Bava como diretor, A Máscara do Demônio é a obra-prima absoluta que estabeleceu o gênero gótico italiano. Bava, um mestre da cinematografia, cria um pesadelo em preto e branco de beleza visual impressionante, onde névoa, teias de aranha e iluminação em chiaroscuro importam mais que o próprio enredo. O filme é imortalizado pela presença magnética de Barbara Steele, que interpreta tanto a bruxa quanto a vítima inocente, tornando-se o primeiro verdadeiro ícone feminino do horror moderno. É uma obra onírica e macabra que influenciou profundamente diretores como Tim Burton e Francis Ford Coppola por sua combinação única de erotismo e decadência.

Sábado Negro (1963)

Apresentado pelo lendário Boris Karloff, este filme de antologia apresenta três nuances distintas de horror. Em “O Telefone”, uma mulher sozinha em seu apartamento é aterrorizada por uma série de chamadas ameaçadoras de um ex-amante que ela acreditava estar morto, construindo um crescendo de tensão erótica e paranoia. Em “O Wurdalak”, ambientado na Rússia do século XIX, um nobre viajante encontra uma família amaldiçoada por uma cruel forma de vampirismo: os mortos-vivos retornam para se alimentar exclusivamente do sangue daqueles que mais amaram em vida. Finalmente, em “A Gota d’Água”, uma enfermeira comete o erro fatal de roubar um anel do dedo de uma médium morta, apenas para ser assombrada pelo fantasma da mulher e pelo som obsessivo da água pingando.

Considerado uma das obras-primas absolutas do horror em antologia, o filme é um compêndio perfeito do gênio visual de Mario Bava, experimentando aqui com três subgêneros: o giallo psicológico, o gótico clássico e o horror sobrenatural. O uso expressionista da cor — com seus verdes ácidos, púrpuras profundos e longas sombras — cria uma atmosfera onírica e sufocante que influenciou gerações de diretores, de Tarantino a Guillermo del Toro. O segmento final (“A Gota d’Água”) é particularmente renomado, permanecendo um dos momentos mais assustadores da história do cinema por sua capacidade de gerar terror puro com meios mínimos.

Repulsa (1965)

“Repulsa” é um filme psicológico de 1965 dirigido por Roman Polanski. É considerado um filme cult do diretor e uma obra importante do cinema psicológico e de horror.

O filme acompanha a história de Carol Ledoux, interpretada por Catherine Deneuve, uma jovem que trabalha como manicure em Londres. Carol é introvertida e sofre de distúrbios mentais e sexuais. Quando sua irmã Helen sai de férias, Carol fica sozinha no apartamento que compartilha com ela, e sua psique começa a se deteriorar.

Polanski utiliza habilmente a linguagem cinematográfica para criar uma atmosfera claustrofóbica e inquietante. A fotografia em preto e branco acentua a sensação de alienação e isolamento da personagem principal. Os cômodos do apartamento tornam-se um pesadelo visual, com paredes rachando, objetos se movendo e teias de aranha se formando. A trilha sonora minimalista e os efeitos sonoros aumentam ainda mais a tensão palpável.

A atuação de Catherine Deneuve é notável. Ela consegue transmitir a fragilidade e a angústia interior de Carol de maneira extraordinária, tornando sua personagem fascinante e perturbadora ao mesmo tempo. O filme aborda temas como solidão, sexualidade reprimida, medo do contato humano e a desintegração da psique.

“Repulsa” foi aclamado pela crítica por sua narrativa experimental e perturbadora. É considerado um dos melhores filmes de Polanski e influenciou muitos diretores subsequentes no gênero do cinema psicológico e de horror. O filme oferece uma poderosa representação da instabilidade mental e seus efeitos destrutivos sobre a psique humana, permanecendo uma obra cinematográfica impactante até hoje.

2001: Uma Odisseia no Espaço (1968)

“2001: Uma Odisseia no Espaço” é um filme de ficção científica de 1968 dirigido por Stanley Kubrick. Considerado uma das obras-primas do cinema, o filme é baseado no conto de Arthur C. Clarke intitulado “The Watchman” e foi desenvolvido em colaboração com o próprio Clarke.

A trama de “2001: Uma Odisseia no Espaço” é uma jornada astral através do tempo e do espaço. O filme se desenrola em quatro atos principais, cada um situado em um momento e cenário diferentes. A abertura do filme mostra o amanhecer da humanidade, quando um grupo de hominídeos primitivos descobre um monólito negro que aparece misteriosamente na Terra. Esse monólito parece influenciar a evolução humana, estimulando a inteligência e abrindo caminho para uma nova etapa de desenvolvimento. O segundo ato se passa em 2001 e acompanha uma expedição humana a Júpiter a bordo da nave Discovery One. A bordo está a IA HAL 9000, um supercomputador com inteligência artificial. No entanto, HAL começa a apresentar comportamento errático e coloca a tripulação em perigo. O astronauta Dave Bowman permanece como único sobrevivente e descobre outro monólito na lua de Júpiter. O terceiro ato, chamado ‘Júpiter Além do Infinito’, é uma experiência visual e psicodélica que explora conceitos de espaço e tempo, ultrapassando os limites da compreensão humana. Bowman mergulha em uma jornada cósmica surreal e se transforma em uma forma de vida superior.

“2001: Uma Odisseia no Espaço” é um filme cult celebrado por suas imagens icônicas, trilha sonora impressionante (incluindo a famosa música “Also sprach Zarathustra” de Richard Strauss) e seu estilo visual revolucionário. O filme inaugurou uma nova era na cinematografia de ficção científica, exibindo uma precisão científica sem precedentes e uma abordagem reflexiva à exploração do universo. O filme explora temas profundos como a evolução humana, inteligência artificial, a presença de vida extraterrestre e a natureza do próprio universo. Kubrick criou uma narrativa enigmática aberta a múltiplas interpretações, deixando espaço para diferentes interpretações filosóficas e metafísicas.

The Day The Earth Stood Still

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Ficção científica, por Robert Wise, Estados Unidos, 1952.
Baseado no conto Goodbye to the Master, de Harry Bates, o filme se passa em Washington. Um disco voador aterrissa em um parque e uma multidão, embora assustada, se aglomera ao redor, enquanto soldados com veículos blindados chegam. Um extraterrestre humanóide chamado Klaatu sai do disco, cumprimenta e traz um pequeno presente, mas um soldado em pânico atira nele. Klaatu, após ser levado a um hospital, escapa da vigilância e, disfarçado de um homem comum chamado Carpenter, refugia-se em uma casa de aluguel, fazendo a amizade de Helen, uma viúva de guerra, e seu filho Bobby.

Para refletir
Filme que carrega uma mensagem ética fundamental, hoje de enorme relevância: os seres humanos devem abandonar seu egoísmo, seus medos, seus impulsos de destruição e dominação para unir todos em um grande acordo, além de nações, raças, línguas, religiões e culturas diferentes. Nenhuma civilização pode crescer em conflito e desequilíbrio, indo contra o grande plano do universo. Até extraterrestres podem se incomodar e vir à Terra para estabelecer, a qualquer custo, um acordo social.

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Filme Cult dos Anos 70

Se existe uma década sagrada para o cinema cult, esta é ela. Cinemas da meia-noite em Nova York e Londres exibiam filmes que desafiavam todos os tabus: El Topo, Eraserhead, The Rocky Horror Picture Show. É um cinema sujo, místico, excessivo, onde a linha entre arte e lixo desaparece completamente. Aqui, nasceram gigantes.

O Pássaro com as Penas de Cristal (1970)

Em O Pássaro com as Penas de Cristal, o escritor americano Sam Dalmas, prestes a deixar Roma para voltar para casa, testemunha acidentalmente um assalto dentro de uma galeria de arte: uma mulher luta com uma figura vestida de preto e é ferida. Preso entre as portas automáticas de vidro, Sam é forçado a assistir impotente, assombrado pela sensação de que um detalhe visual crucial do evento está escapando de sua memória. Com seu passaporte confiscado pela polícia como testemunha-chave, ele decide investigar por conta própria enquanto um assassino em série começa a persegui-lo. A chave para o mistério está em um som gravado durante uma ligação telefônica ameaçadora: o canto de um raro pássaro siberiano, o Hornitus.

Dario Argento em seu deslumbrante debut como diretor codificou definitivamente o gênero “Giallo Italiano”, transformando-o em um fenômeno internacional. Livremente baseado no romance The Screaming Mimi de Fredric Brown, o filme introduz todas as obsessões estilísticas do diretor: o assassino com luvas pretas, planos em POV, a fetichização da arma do crime e o uso hipnótico da trilha sonora (aqui por Ennio Morricone). O primeiro capítulo da “Trilogia Animal” (ao lado de O Gato de Nove Caudas e Quatro Moscas sobre Veludo Cinza), é um thriller visualmente refinado que joga com a percepção e a memória, sugerindo que a verdade está sempre bem diante de nossos olhos, mas frequentemente a interpretamos mal.

Caminhos Perigosos (1973)

Caminhos Perigosos é um filme de 1973 dirigido por Martin Scorsese, que recebeu grande atenção e reconhecimento como uma das primeiras conquistas do diretor. O filme se passa no bairro de Little Italy, em Nova York, e acompanha a vida de um jovem ítalo-americano chamado Charlie, interpretado por Harvey Keitel. Charlie está envolvido no submundo criminoso local e trabalha para seu tio mafioso. No entanto, ele também tenta equilibrar sua vida entre responsabilidades familiares, sua fé católica e a amizade com seu excêntrico amigo Johnny Boy, interpretado por Robert De Niro.

“Mean Streets” explora temas como identidade, culpa, redenção e o conflito entre o bem e o mal. O filme é conhecido pelo seu estilo de narrativa realista e áspero, que ajudou a definir o estilo característico de Scorsese como cineasta. Ele foi amplamente elogiado por suas atuações autênticas e pela representação fiel da vida nos bairros de Nova York.

O filme também marcou o início da colaboração entre Scorsese e De Niro, que se tornaria uma das mais famosas do cinema. “Mean Streets” estabeleceu Scorsese como um diretor a ser observado e abriu caminho para muitos de seus futuros sucessos. Com sua violência crua, retrato realista do submundo criminoso e temáticas complexas, “Mean Streets” tornou-se um filme cult e um marco no gênero de filmes de gângster. Ele ajudou a consolidar Martin Scorsese como um dos maiores diretores de seu tempo e deixou uma impressão duradoura no panorama cinematográfico.

O Fantasma do Paraíso (1974)

“O Fantasma do Paraíso” é um filme de 1974 dirigido por Brian De Palma. É um musical de horror que mistura elementos do romance “O Fantasma da Ópera”, de Gaston Leroux, com a cultura rock e pop da época. O filme conta a história de Winslow Leach, interpretado por William Finley, um jovem compositor talentoso que tem seu trabalho roubado por Swan, interpretado por Paul Williams, um produtor musical inescrupuloso. Após ser injustamente preso, Winslow sofre um acidente que o deixa desfigurado. No entanto, ele encontra refúgio no edifício Paradise, um local de apresentações administrado por Swan.

“O Fantasma do Paraíso” é conhecido por sua trilha sonora original, escrita e interpretada por Paul Williams, que recebeu amplo reconhecimento. O filme combina vários gêneros musicais, como rock, pop e glam rock, criando uma trilha sonora cativante e memorável.

O diretor Brian De Palma mistura habilmente elementos de sátira, comédia, horror e melodrama, oferecendo uma visão grotesca e surreal da indústria musical. O filme está repleto de referências e paródias de personalidades famosas e artistas musicais da época. Embora não tenha feito grande sucesso nas bilheterias na época de seu lançamento, “O Fantasma do Paraíso” tornou-se um filme cult ao longo dos anos, apreciado por sua originalidade e fusão única de estilos. É considerado um marco na filmografia de Brian De Palma e um ponto de referência no gênero musical de horror.

O Homem que Caiu na Terra (1976)

“O Homem que Caiu na Terra” é um filme cult de ficção científica de 1976 dirigido por Nicolas Roeg. O filme é baseado no romance homônimo de Walter Tevis. A trama acompanha um alienígena chamado Thomas Jerome Newton, interpretado por David Bowie, que chega à Terra vindo de seu planeta natal, ameaçado pela seca. Newton assume a identidade de um empresário e tenta usar sua tecnologia avançada para desenvolver uma empresa que possa fornecer o conhecimento e a tecnologia necessários para salvar seu planeta.

O filme explora temas como alienação, obsessão, ganância e isolamento. Questiona a natureza da humanidade e sua relação uns com os outros, além de criticar a sociedade consumista e capitalista. “The Man Who Fell to Earth” é uma representação austera e frequentemente melancólica da solidão e estranheza de um alienígena preso em um mundo que ele não consegue compreender completamente.

David Bowie oferece uma atuação memorável como Thomas Jerome Newton, trazendo sua aura única e magnética ao personagem. A direção de Nicolas Roeg destaca-se pelo estilo visual ousado, combinando sequências narrativas não lineares, imagens simbólicas e edição não convencional. “The Man Who Fell to Earth” tornou-se um filme cult e conquistou um público fiel ao longo dos anos. É considerado um filme que se afasta dos estereótipos convencionais da ficção científica, oferecendo uma reflexão mais íntima e filosófica sobre as experiências humanas e a condição humana.

Simon of The Desert

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Comédia, de Luis Buñuel, México, 1963
Simón, um santo de longa barba, vive em uma coluna no meio do deserto, quase em jejum total. As pessoas o adoram como um Messias. Ele realiza milagres, enfrenta tentações de Satanás, que o atormenta sob a forma de uma mulher bonita. Uma série de cenas grotescas, surreais, mágicas e picarescas. O melhor de Buñuel em apenas 45 minutos.

Para refletir
Aqueles que se retiram do mundo para encontrar uma vida espiritual estão condenados ao fracasso. As tentações o seguirão, a necessidade de se relacionar com os outros não o abandonará. Apenas seu ego será satisfeito por uma falsa espiritualidade. A verdadeira espiritualidade é encontrada na vida cotidiana, na sociedade em que vivemos, no dia a dia, entre as pessoas que encontramos todos os dias.

IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês, Francês, Alemão, Italiano, Português

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Carrie (1976)

Em Carrie, a tímida adolescente Carrie White suporta uma existência infernal, esmagada entre o bullying implacável de seus colegas do ensino médio e o fanatismo religioso de sua mãe, Margaret, que vê pecado em todo aspecto da feminilidade. Após um incidente traumático nos chuveiros da academia, Carrie descobre que possui poderes telecinéticos latentes que se manifestam sob estresse emocional. O que parece ser um momento de redenção social — um convite para o baile de formatura — transforma-se em uma armadilha cruel quando uma brincadeira humilhante a leva ao limite, desencadeando uma vingança sobrenatural apocalíptica que devastará toda a escola.

A primeira adaptação cinematográfica de um romance de Stephen King, esta obra-prima de Brian De Palma transcende o gênero de terror para se tornar uma tragédia operística sobre adolescência e alienação. De Palma aplica seu estilo barroco e hitchcockiano — utilizando telas divididas, câmera lenta onírica e cores saturadas — para construir uma tensão insuportável que culmina na famosa sequência do baile, um triunfo visual inesquecível de sangue e fogo. Sissy Spacek, com seu olhar alienígena e vulnerável, e Piper Laurie, aterrorizante como a mãe, entregam duas das performances mais poderosas do cinema dos anos 1970, estabelecendo o filme como um ícone cultural sobre o medo do corpo feminino e a repressão.

Eraserhead (1977)

“Eraserhead” é um filme de 1977 escrito e dirigido por David Lynch. É o primeiro longa-metragem de Lynch e representa uma de suas obras mais icônicas e influentes. O filme é uma experiência surreal e perturbadora, caracterizada por uma trama ambígua e uma atmosfera claustrofóbica. A história acompanha Henry Spencer, interpretado por Jack Nance, um homem solitário e alienado que vive em um ambiente industrial decadente. Sua vida é virada de cabeça para baixo com o nascimento de um filho deformado, o que o leva a um estado de paranoia e alucinações. “Eraserhead” é conhecido por sua estética em preto e branco, que cria uma atmosfera sombria e onírica. O filme apresenta um uso distintivo da fotografia e da trilha sonora, criando uma experiência sensorial única.

A trama de “Eraserhead” está aberta a muitas interpretações e pode ser vista como uma reflexão sobre os medos e ansiedades da vida moderna, alienação e desintegração familiar. O filme também aborda temas como sexualidade, isolamento e angústia existencial. Apesar de ser um projeto independente e de orçamento muito pequeno, ‘Eraserhead’ conquistou um público cult ao longo dos anos e recebeu aclamação crítica por sua originalidade e visão única. O filme influenciou vários diretores e estabeleceu o estilo característico de Lynch como um contador de histórias surreal. “Eraserhead” tornou-se um marco no cinema de vanguarda e lançou as bases para a carreira de sucesso de David Lynch, que viria a se tornar um dos diretores mais conhecidos e aclamados de sua época.

Filme Cult dos Anos 80

A tecnologia muda tudo. Com a chegada do videocassete, o cinema cult entra em casa. É a década dos efeitos práticos, do horror elástico, do cyberpunk e da ação hiper-violenta. Os filmes dessa época têm uma estética inconfundível — fumaça, neon, sintetizadores — que hoje é objeto de nostalgia sem fim.

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O Homem Elefante (1980)

Não apenas entre os melhores filmes cult dos anos 80, mas também entre as melhores obras-primas do cinema. Frederick Treves, um cirurgião do Hospital de Londres, descobre John Merrick em um espetáculo no East End de Londres, onde ele é explorado por Mr. Bytes, um feroz mestre de cerimônias, um homem ganancioso. Sua cabeça é mantida coberta, e seu “dono”, que o vê como intelectualmente incapacitado, é pago por Treves para levá-lo à unidade de saúde para uma avaliação.

Treves mostra Merrick a seus colegas e destaca sua cabeça enorme, que o obriga a dormir com a cabeça sobre os joelhos, pois se ele se deitasse, certamente asfixiaria. Ao retornar, Merrick é punido tão severamente por Bytes que precisa chamar Treves para assistência médica. Treves o leva de volta à unidade de saúde.

O filme dirigido por David Lynch cria uma síntese notável ao tratar de seu tema, além de contar com interpretações excepcionais de John Hurt e Anthony Hopkins. Hurt é realmente impressionante. Não deve ser fácil atuar sob uma máscara tão pesada… a embalagem é bela, especialmente a fotografia em preto e branco de Freddie Francis.

Bad Timing (1980)

Um dos filmes cult menos lembrados e conhecidos dos anos 1980. Na Viena da Guerra Fria, Milena Flaherty, uma jovem americana na casa dos 20 anos, é levada às pressas para a emergência após uma overdose em uma tentativa de suicídio.

Com ela está Alex Linden, um psicanalista americano que permanece na cidade como professor universitário. Enquanto médicos e enfermeiros lutam para salvar a vida de Milena, um detetive, Netusil, começa a investigar o ocorrido. Com flashbacks fragmentados, a narrativa mostra a história de Alex e a história de amor de Milena.

Nicolas Roeg é um diretor de carisma único, com a habilidade de fascinar e capturar a atenção. Em outras mãos, tudo isso poderia ser apenas engano e entretenimento, mas através desses componentes fragmentados Roeg e seu autor Yale Udoff desenvolvem uma história poderosa.

Dementia

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Terror, noir, por John Parker, Estados Unidos, 1955.
É noite. Uma mulher acorda subitamente de um pesadelo em um hotel decadente nos subúrbios de Los Angeles. Ela sai do quarto e vagueia pelo bairro. Encontra um anão que vende jornais com o título "Esfaqueamento Misterioso". Em um beco escuro, um bêbado a assedia e um policial a salva. Então, ela conhece um homem elegantemente vestido com um bigode fino. O homem lhe dá uma flor e a convence a entrar na limusine com um homem rico e gordo. Enquanto dirigem pela cidade, o homem relembra seu trauma de infância e o pai violento que o esfaqueou com uma faca depois que ele atirou em sua mãe infiel. O homem rico a leva para se divertir em vários clubes noturnos e depois para seu apartamento. Primeiro, ele ignora a mulher enquanto ela se empanturra com uma grande refeição. Ela o seduz, e ele se aproxima dela excitado.

Um pesadelo visionário e alucinatório, sem diálogos, durante a noite de uma mulher solitária em Los Angeles. Entre horror, filme noir e cinema expressionista, inicialmente concebido como um curta-metragem por Parker baseado em um sonho contado a ele por sua secretária, Barrett, que também se tornou a intérprete do filme. O filme foi bloqueado pelo Conselho de Cinema do Estado de Nova York antes de ser lançado nos cinemas em 1955. Posteriormente, Jack H. Harris o comprou e criou uma nova versão, com uma edição diferente, adicionando também uma narração e mudando o título. Esta é a versão original.

Sem diálogos

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Um Lobisomem Americano em Londres (1981)

Um dos grandes filmes cult dos anos 1980. Dois mochileiros americanos de Nova York, David Kessler e Jack Goodman, atravessam os charnecas de Yorkshire. Ao anoitecer, eles entram em uma estalagem chamada Slaughtered Lamb. Jack vê símbolos estranhos de cinco pontas na parede, mas quando pergunta aos frequentadores do bar, eles se tornam agressivos.

Ambos decidem partir, e os frequentadores do pub aconselham que fiquem na estrada, não vão para as charnecas e tomem cuidado com a lua cheia. David e Jack saem da estrada para as charnecas e são atacados por uma criatura feroz.

Divertido e aterrorizante ao mesmo tempo, a comédia de horror de John Landis atravessa categorias ao apresentar os impressionantes efeitos de maquiagem de Rick Baker. Atmosferas românticas e crepusculares, cenas inesquecíveis da transformação em lobo. Uma mistura especial de filmes de horror e paródia, comédia e drama existencial.

1997 Fuga de Nova York (1981)

“Fuga de Nova York” é um filme distópico de 1981 dirigido por John Carpenter. É um thriller de ação ambientado em um futuro distópico onde Manhattan se tornou uma prisão de segurança máxima isolada do resto do mundo.

O protagonista do filme é Snake Plissken, interpretado por Kurt Russell, um ex-soldado e criminoso de guerra condenado a cumprir pena em uma prisão de segurança máxima. Quando o avião do Presidente dos Estados Unidos é sequestrado e cai na prisão de Manhattan, Snake é recrutado para uma missão de resgate.

“Fuga de Nova York” é conhecido por sua atmosfera sombria e representação distópica de Manhattan. O filme oferece uma visão pós-apocalíptica de uma sociedade corrupta e desordenada, onde a violência é a ordem do dia e a lei se tornou ineficaz. A trama é envolvente e cheia de ação, com Snake Plissken se envolvendo em tiroteios, perseguições e lutas mortais.

“Fuga de Nova York” tornou-se um filme cult ao longo dos anos, apreciado por sua atmosfera sombria, a trilha sonora de John Carpenter e a caracterização inesquecível de Snake Plissken. Inspirou várias sequências e ajudou a consolidar o gênero de filmes de fuga e sobrevivência no cinema.

The Thing (1982)

O horror cult dos anos 80. Na Antártida, um helicóptero persegue um trenó até um laboratório de pesquisa americano. Cientistas testemunham o viajante detonando acidentalmente o helicóptero e a si mesmo. O piloto atira no cachorro e também insulta os americanos em norueguês, mas eles não o reconhecem.

Ele é baleado e morto em legítima defesa pelo comandante da estação, Garry. O piloto americano de helicóptero RJ MacReady e o Dr. Copper partem para inspecionar a base norueguesa. Entre as ruínas carbonizadas e cadáveres congelados, eles descobrem os restos queimados de um humanoide deformado que transferem para a estação americana.

Kurt Russell é o garoto-propaganda dos filmes cult dos anos 80. The Thing é um dos filmes mais amados de John Carpenter, mas não começou assim. Foi rapidamente criticado, mas depois acabou se tornando representativo dos anos 1980 após seu lançamento em vídeo doméstico e TV.

Videodrome (1983)

Max Renn é o presidente da CIVIC-TV, uma televisão de Toronto especializada em programas sensacionalistas, que transmite Videodrome, um programa sem enredo transmitido da Malásia que mostra vítimas anônimas gravemente feridas e mortas. Pensando que este é o futuro da TV, Max ordena o uso não licenciado do programa.

Nicki Brand, uma apresentadora de rádio sadomasoquista, fica empolgada com um episódio de Videodrome e provavelmente fará um teste para o programa ao descobrir que está sendo transmitido de Pittsburgh. Max contata Masha, uma produtora de pornografia softcore, e pede sua ajuda para entender a verdade sobre Videodrome.

A cantora do Blondie Debbie Harry estrelou este filme de David Cronenberg. Famoso por filmes de horror corporal, Cronenberg conseguiu apoio de grandes produções de Hollywood para fazer Videodrome. O filme conquistou um enorme público ao levar as restrições de censura a um novo nível. A visão do diretor é subversiva e grotesca. As dificuldades não impediram Videodrome de entrar no hall da fama cult.

Body Double (1984)

Body Double é um filme de 1984 dirigido por Brian De Palma. É um thriller psicológico que combina elementos de Giallo, horror e drama erótico.

O filme acompanha a história de Jake Scully, interpretado por Craig Wasson, um ator em dificuldades em Hollywood que é abandonado pela namorada e se vê sem lugar para morar. Um amigo lhe oferece a oportunidade de cuidar de um apartamento, onde Jake descobre um buraco na parede que lhe permite espionar sua vizinha, uma mulher misteriosa interpretada por Melanie Griffith, que realiza shows eróticos privados.

“Body Double” é conhecido por suas cenas de assassinato viscerais e carregadas de sexualidade, que se tornaram marcas registradas do diretor. De Palma emprega técnicas visualmente ousadas, incluindo longos planos-sequência, enquadramentos sugestivos e uma trilha sonora envolvente, para criar uma atmosfera inquietante e perturbadora.

O filme recebeu críticas mistas em seu lançamento, mas ganhou um culto ao longo dos anos. É considerado uma das obras mais distintivas de Brian De Palma, explorando temas como voyeurismo, sexualidade, perversão e obsessão.

Fear and Desire

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Guerra, drama, de Stanley Kubrick, Estados Unidos, 1953.
Medo e Desejo é o primeiro longa-metragem de Stanley Kubrick, um filme totalmente independente financiado pelo próprio diretor e por uma arrecadação entre amigos e familiares. Feito com uma pequena equipe, Kubrick também cuidou da edição e da fotografia. O filme é o primeiro sobre o tema da guerra no qual ele dirigirá outros filmes famosos em sua carreira. Durante uma guerra não identificada, uma metáfora para todas as guerras, quatro soldados sofrem um acidente de avião e se encontram atrás das linhas inimigas. Os sobreviventes tentam se salvar construindo uma jangada para subir o rio. Parece que Kubrick bloqueou a visibilidade por anos, procurando e destruindo todas as cópias do filme porque achava que era "um exercício cinematográfico ruim". Ele estava errado.

Alimento para reflexão
A raiz da guerra está dentro, o exterior então simplesmente vê seus ramos e folhas. Se o roteiro subjacente da humanidade não for transformado, se a humanidade não receber um novo programa para viver, as guerras continuarão. Não se trata de mudar ideologias políticas ou ensinar as pessoas a viverem em fraternidade: são coisas já provadas que falharam. Trata-se de curar a fratura na alma humana onde há uma constante guerra interna.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Italiano, Francês

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Depois de Horas (1985)

“Depois de Horas” é um filme cult de 1985 dirigido por Martin Scorsese. É uma comédia negra que acompanha as desventuras de um homem comum que se vê envolvido em uma noite louca e caótica na cidade de Nova York.

O protagonista do filme é Paul Hackett, interpretado por Griffin Dunne, um funcionário de escritório que decide sair para viver uma noite diferente do habitual. Após conhecer uma mulher atraente chamada Marcy, interpretada por Rosanna Arquette, Paul a segue até o bairro de SoHo.

No entanto, as coisas tomam um rumo inesperado quando Paul perde seu mapa do metrô e se vê preso no centro de Nova York, enfrentando uma série de eventos bizarros e surreais. Pelo caminho, Paul colide com uma variedade de personagens excêntricos, incluindo artistas malucos, criminosos impiedosos, uma gangue de vigilantes e um perigoso vendedor de sorvetes.

Diferente dos filmes típicos de Scorsese, “Depois de Horas” se destaca pelo tom humorístico e pela representação satírica da vida urbana. O filme explora temas como isolamento, paranoia, frustração e medo do desconhecido, destacando o absurdo e a loucura da sociedade contemporânea.

“Depois de Horas” foi aclamado pela crítica por seu roteiro inteligente e ritmo frenético, além das brilhantes atuações do elenco. Embora não tenha alcançado grande sucesso comercial em seu lançamento, o filme tornou-se um cult ao longo dos anos e é considerado uma das obras mais distintivas e subestimadas de Scorsese.

Highlander (1986)

Em 1985, Connor MacLeod enfrenta um velho inimigo, Iman Fasil, no estacionamento do Madison Square Garden. Após uma luta de espadas, MacLeod decapita Fasil e uma enorme energia, chamada Quickening, atinge o local ao redor, destruindo vários veículos. Depois que Connor esconde sua katana no teto da garagem, policiais do NYPD o detêm por assassinato, mas depois o liberam por falta de provas.

Uma estrela franco-americana que interpreta um escocês (Christopher Lambert) e também um escocês que interpreta um imortal espanhol (Sean Connery) – o que poderia ser melhor? A defesa da vida eterna tanto na Escócia do século XVI quanto na Nova York dos anos 1980 realmente tocou o coração do público.

Uma trilha sonora memorável do Queen, o filme de Russell Mulcahy está repleto de lutas lendárias com espadas e um vilão assustador, The Kurgan, interpretado pela prolífica estrela Clancy Brown. 

Eles Vivem (1988)

Em Eles Vivem, John Nada é um andarilho desempregado que chega a Los Angeles em busca de trabalho, encontrando apenas uma favela miserável esmagada pela opulência midiática. Após recuperar um par de óculos de sol aparentemente normais de uma igreja abandonada, ele descobre uma realidade aterrorizante: o mundo colorido ao seu redor é apenas uma frequência de transmissão que atua como disfarce. Usando as lentes, o sinal se quebra, e os outdoors revelam comandos subliminares totalitários como “OBEDEÇA”, “CONSUMA” e “NÃO PENSE”, enquanto a elite rica é revelada como alienígenas de rosto esquelético que colonizaram a Terra, tratando-a como um negócio. Armado com uma espingarda e os óculos, Nada trava uma guerra solitária, tentando brutalmente convencer seu colega Frank a ver a verdade escondida à vista de todos.

Este clássico cult dirigido por John Carpenter não é apenas um filme de ação sci-fi, mas uma das sátiras políticas mais ferozes e inteligentes já feitas contra a era Reagan e o capitalismo desenfreado dos anos 80. Misturando estética de filmes B com filosofia subversiva, Carpenter sugere que nossa apatia social é artificialmente induzida. O filme se tornou lendário pela performance icônica do lutador “Rowdy” Roddy Piper e pela famosa luta de seis minutos em um beco — uma das mais longas e realistas da história do cinema — que simboliza metaforicamente o quão doloroso e difícil é forçar alguém a abrir os olhos e aceitar uma verdade desconfortável.

Tetsuo: O Homem de Ferro (1989)

Em Tetsuo: O Homem de Ferro, um Salaryman comum atropela acidentalmente um “Fetichista do Metal” — um homem que insere sucata metálica em seu corpo — com seu carro e, em pânico, abandona o corpo na floresta com sua namorada. A culpa e a maldição da vítima desencadeiam uma metamorfose horrível: o homem descobre um pequeno pedaço de metal saindo de sua bochecha, o começo de uma infecção biomecânica imparável. Seu corpo é gradualmente e dolorosamente colonizado por tubos, brocas, cabos e engrenagens enferrujadas, transformando-o em uma máquina de destruição movida pela raiva e luxúria, levando a um confronto final apocalíptico com o espírito do fetichista, que busca fundir-se com ele para “enferrujar o mundo inteiro”.

Filmado em 16mm com preto e branco granuloso e alto contraste, o filme de Shinya Tsukamoto é o manifesto definitivo do Cyberpunk japonês e do Body Horror extremo. É uma experiência sensorial mais do que narrativa, editada com um ritmo frenético de videoclipe e acompanhada por uma trilha industrial ensurdecedora de Chu Ishikawa. Tetsuo: O Homem de Ferro é um pesadelo sobre a fusão da carne com a tecnologia e a alienação urbana, uma obra visceral e perturbadora que influenciou todo o cinema underground subsequente com sua capacidade de transformar lixo industrial em arte cinética.

Filme Cult dos Anos 90

O cinema independente conquista o mundo. Diretores como Tarantino, Kevin Smith e os irmãos Coen provam que é possível fazer cinema cult com muito diálogo e pouco dinheiro. É a era do pulp, da ironia pós-moderna e dos filmes que falam sobre outros filmes. Cult torna-se “cool” e autoconsciente.

The Last Laugh

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Drama, de F.W. Murnau, Alemanha, 1924.
Jannings é o porteiro do hotel Atlantic em Berlim, feliz com seu papel e seu uniforme. Mas seu chefe acha que ele é velho demais para receber os clientes na entrada e o coloca para limpar os banheiros. Jannings, profundamente perturbado com o que aconteceu, fica bêbado à noite para esquecer o ocorrido e tenta esconder seu novo trabalho degradante da família e dos amigos. Mas no dia seguinte ele é descoberto. Obra-prima absoluta de Murnau, em equilíbrio entre expressionismo e kammespiel. A câmera ganha vida em um estilo incrivelmente vanguardista de experimentação visual.

Para refletir
Para o ego, trabalho uniforme e respeitável pode ser um valor absoluto. Para o ego, ser colocado para limpar banheiros pode ser a pior das humilhações. Porque o ego raciocina de acordo com as opiniões dos outros e quer que nos conformemos à sua escala de valores. Para nosso eu mais profundo, no entanto, pode ser mais divertido limpar banheiros do que ser porteiro na entrada do hotel.

IDIOMA: Alemão (legendas)
LEGENDAS: Inglês

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Twin Peaks: Fogo Camina Comigo (1992)

Twin Peaks: Fogo Camina Comigo” é um filme prelúdio da aclamada e influente série de televisão “Twin Peaks”, criada por David Lynch e Mark Frost. O filme foi escrito por Lynch e serve como uma espécie de introdução aos eventos que ocorrem antes do início da série de televisão. O filme acompanha a história de Laura Palmer, interpretada por Sheryl Lee, a jovem cujo assassinato é a investigação central na série de televisão. Fogo Camina Comigo” foca nas últimas semanas da vida de Laura e revela detalhes sobre sua vida turbulenta e os segredos obscuros que a cercam.

O filme explora temas como abuso sexual, violência, corrupção e a dualidade entre o bem e o mal, características do estranho e misterioso mundo de Twin Peaks. Enquanto a série de televisão se concentrou principalmente em desvendar o mistério da morte de Laura, o filme mergulha em sua psicologia e oferece uma visão mais crua e perturbadora dos acontecimentos. Twin Peaks: Fogo Camina Comigo” recebeu reações mistas em seu lançamento, pois divergia significativamente do tom mais leve e surreal da série de televisão. No entanto, ao longo dos anos, o filme foi reavaliado e conquistou um público cult devido ao seu poder emocional, à atuação de Sheryl Lee e à direção de Lynch, que cria uma atmosfera inquietante e surreal.

Pi (1998)

Pi” é um filme cult de 1998 dirigido por Darren Aronofsky. É um thriller psicológico com elementos de ficção científica e foca nos temas da obsessão, matemática e a busca pelo sentido da vida. A trama do filme acompanha um jovem gênio matemático chamado Max Cohen, interpretado por Sean Gullette, que vive uma vida isolada e atormentada devido à sua obsessão por números e fórmulas matemáticas. Max acredita que existe um modelo numérico universal que pode explicar todos os aspectos da vida, incluindo fenômenos naturais e movimentos financeiros.

“Pi” é um filme notável por seu estilo visual distinto, utilizando fotografia em preto e branco, edição acelerada e uma trilha sonora atmosférica para criar uma atmosfera intensa e claustrofóbica. O filme também explora temas filosóficos e metafísicos como a busca pela verdade, a natureza da obsessão e a luta do indivíduo contra o poder e o controle. ‘Pi’ foi aclamado pela crítica por sua originalidade e abordagem única na narrativa. Ganhou inúmeros prêmios e tornou-se um filme cult ao longo dos anos, reconhecido por sua visão provocativa e reflexões sobre a complexidade do universo e da mente humana.

Filme Cult dos Anos 2000

O novo milênio traz ansiedade e complexidade. Os filmes cult desta década são frequentemente enigmas mentais (Donnie Darko, Memento) que exigem três exibições para serem compreendidos. Nasce o culto da internet: filmes que fracassam nos cinemas, mas se tornam lendas graças a fóruns e ao boca a boca digital.

The Devil’s Rejects (2005)

Em The Devil’s Rejects, ambientado alguns meses após o massacre de Halloween, o xerife John Wydell lança uma brutal operação na fazenda da família Firefly para vingar a morte de seu irmão. Enquanto Mother Firefly é capturada, Otis e Baby conseguem escapar pelos campos, eventualmente se reunindo com seu patriarca, Capitão Spaulding. Assim começa uma sangrenta jornada pelas estradas poeirentas do Texas, deixando um rastro de cadáveres e tortura em um motel isolado, enquanto o xerife, agora mergulhado na loucura e no sadismo religioso, os persegue não para prendê-los, mas para torturá-los e matá-los usando seus próprios métodos brutais.

Considerado a obra-prima de Rob Zombie, esta sequência se distancia nitidamente do estilo cartunesco e onírico de seu predecessor (House of 1000 Corpses) para abraçar uma estética crua, ensolarada e realista de road movie dos anos 70, inspirada em The Texas Chain Saw Massacre e The Wild Bunch. O diretor realiza um milagre narrativo ao inverter a perspectiva: transforma três assassinos em série psicopatas em anti-heróis carismáticos e “livres”, enfrentados a um homem da lei que se torna progressivamente mais monstruoso do que os criminosos que persegue. Violento, sujo e niilista, o filme é imperdível por sua trilha sonora de Southern Rock e um dos finais mais épicos e comoventes da história do horror, embalado pelas músicas de “Free Bird”.

Filme Cult dos Anos 2010

O cult torna-se “arthouse”. Produtoras como a A24 redefinem o gênero com filmes de horror lentos, estéticos e psicológicos (Midsommar, The Witch). O objetivo não é mais o choque barato, mas a atmosfera, o desconforto e a perfeição formal. É um cinema cult refinado, visualmente deslumbrante, que atrai tanto cinéfilos quanto a geração Instagram.

Holy Motors (2012)

Do amanhecer à noite, seguimos o misterioso Monsieur Oscar (Denis Lavant) enquanto ele viaja em uma limusine branca por Paris. Ao longo do dia, Oscar assume diferentes identidades para compromissos inexplicáveis: torna-se um mendigo, um monstro que sequestra modelos, um homem de família, um assassino e um homem moribundo. Quem ele é realmente? E para quem ele atua, se não há câmeras?

Leos Carax assina uma obra anárquica e inclassificável que é uma homenagem à loucura da atuação e à morte do cinema analógico (a limusine como estúdio móvel). É um filme surreal, poético e visualmente chocante que desafia toda lógica narrativa para celebrar a beleza do gesto artístico por si só. Um verdadeiro objeto cult para quem ama o cinema que quebra a quarta parede.

Spring Breakers (2012)

Quatro estudantes universitárias entediadas roubam um restaurante para pagar suas férias de primavera na Flórida. Chegando à praia, em meio a festas, drogas e excessos, são presas, mas imediatamente libertadas mediante fiança por Alien (James Franco), um rapper e gângster local com um grill de ouro. As garotas são seduzidas pelo estilo de vida criminoso dele e se transformam em uma gangue armada de biquínis cor-de-rosa, dispostas a fazer qualquer coisa para manter as férias.

Harmony Korine pega ícones da Disney (Selena Gomez, Vanessa Hudgens) e os mergulha em um pesadelo neon-pop feito de dubstep, violência e niilismo. Mal compreendido no lançamento como um “filme adolescente”, tornou-se um clássico cult por sua crítica corrosiva ao sonho americano e à cultura MTV. É uma obra de arte hipnótica e perturbadora que usa a estética de videoclipes para contar o vazio de uma geração.

Upstream Color (2013)

Em Upstream Color, Kris é sequestrada por uma figura misteriosa conhecida como “O Ladrão”, que a infecta com um parasita colhido de orquídeas azuis, colocando-a em um transe hipnótico que a priva do livre arbítrio e de seus bens financeiros. Fisicamente libertada do parasita por um enigmático “Sampler” que transfere o organismo para um porco, Kris acorda sem memória do evento e com sua vida em ruínas. Ela conhece Jeff, um homem com uma lacuna semelhante em seu passado, e os dois começam um relacionamento intenso e desorientador onde suas memórias e identidades se misturam, eventualmente descobrindo que estão ligados psiquicamente ao destino do gado que abriga seus antigos parasitas.

Nove anos após o sucesso cult Primer, Shane Carruth retorna com uma obra de ficção científica orgânica e sensorial que troca diálogos técnicos por um fluxo puro de imagem e som, reminiscente de Terrence Malick. O filme é um devastador quebra-cabeça emocional que explora a natureza cíclica da biologia, do trauma e da luta para reconstruir a identidade após uma violação profunda. Visualmente deslumbrante e impulsionado por uma trilha hipnótica composta pelo próprio diretor (que cuidou de todos os aspectos da produção), é um filme que exige ser “sentido” em vez de logicamente decifrado, firmando-se como uma das visões mais originais do cinema independente moderno.

Climax (2018)

Um grupo de dançarinos franceses se reúne em uma escola abandonada isolada pela neve para ensaiar um espetáculo. Após a dança final, começam uma festa com sangria. Logo percebem que alguém adulterou a bebida com uma dose maciça de LSD. A festa rapidamente degenera em um inferno coletivo de paranoia, sexo, violência e psicose, filmado em longos planos-sequência que não oferecem ao espectador nenhuma fuga.

Gaspar Noé é o rei do cinema extremo, e este é talvez seu filme mais acessível e aterrorizante. É um “dance-horror” que fisicamente arrasta você para o delírio dos personagens. A primeira parte é uma celebração da beleza do corpo e do movimento; a segunda é uma descida ao inferno sem cortes. Um filme vivido como um ataque de pânico, amado por sua audácia técnica e visual.

Mandy (2018)

Em um 1983 onírico e alucinado, Red Miller (Nicolas Cage) vive uma vida pacífica na floresta com sua parceira Mandy. Sua existência é destruída quando um culto hippie desviante, auxiliado por motociclistas demoníacos convocados do inferno, sequestra e assassina Mandy diante dos olhos de Red. Sobrevivendo à tortura, Red forja um machado de batalha e embarca em uma descida à loucura para executar uma vingança sangrenta e psicodélica.

Dirigido por Panos Cosmatos, este filme tornou-se um clássico cult instantâneo por sua estética única: um banho de cores saturadas, luzes de néon roxas e vermelhas, e uma trilha sonora ensurdecedora de doom metal (a última do finado Jóhann Jóhannsson). Não é apenas um filme de vingança; é uma experiência sensorial que mistura heavy metal com cinema de arte. Nicolas Cage entrega uma performance xamânica e descontrolada que já é lendária.

O Farol (2019)

Dois guardiões de farol (Willem Dafoe e Robert Pattinson) tentam manter a sanidade enquanto vivem isolados em uma ilha remota e misteriosa da Nova Inglaterra na década de 1890. Em meio ao alcoolismo, tempestades implacáveis, visões de sereias e uma tensão homoerótica latente, os dois homens lentamente escorregam para uma espiral de loucura, lutando pela dominação um sobre o outro e pelo acesso à luz proibida da lanterna.

Robert Eggers filma este filme em um formato quadrado (1.19:1) e preto e branco expressionista que remete aos primeiros filmes mudos e à fotografia de época. É um filme claustrofóbico, sujo e mitológico, cheio de diálogos arcaicos em inglês e simbolismo freudiano. Uma obra-prima atmosférica que tem obsessinado cinéfilos por sua indecifrável complexidade e pelas performances titânicas de seus dois protagonistas.

Filme Cult dos Anos 2020

Hoje, um filme se torna um sucesso cult em velocidade relâmpago. Graças ao TikTok e às redes sociais, obras bizarras ou extremas (Titane, Everything Everywhere All At Once) tornam-se fenômenos globais em dias. É uma era de total hibridização, onde o cinema autoral se mistura com a linguagem dos memes e da videoarte.

Possessor (2020)

Tasya Vos é uma assassina corporativa que usa tecnologia de implante cerebral para habitar os corpos de outras pessoas, usando-os para cometer assassinatos por contrato, e depois fazendo-os “cometer suicídio” para retornar ao seu próprio corpo. Mas durante sua última missão, o hospedeiro (um homem chamado Colin) começa a resistir, prendendo Tasya em uma luta mental pelo controle que confunde os limites de suas identidades.

Brandon Cronenberg (filho de David) prova que tem o talento do pai, mas com uma crueldade digital ainda mais fria. É um thriller sci-fi hiper-violento e alucinatório que explora a perda de identidade e a vigilância. O uso de cores, edição subliminar e efeitos práticos gore torna a experiência visual perturbadora e inesquecível. Um clássico cult moderno para quem ama sci-fi cerebral e implacável.

Mad God (2021)

Um personagem conhecido como “O Assassino” desce a um submundo de pesadelo povoado por monstros grotescos, tortura sem fim e paisagens de ruínas industriais, com a missão de plantar uma bomba. Não há diálogo, apenas uma sucessão de horrores visuais mostrando um ciclo eterno de destruição e criação, onde todo ser vivo é alimento para engrenagens superiores.

O lendário mestre dos efeitos especiais Phil Tippett (Star Wars, Jurassic Park) passou 30 anos fazendo este filme em stop-motion em sua garagem. É uma obra-prima de artesanato insano, um trabalho “sujo”, textural e perturbador que parece ter saído diretamente de um inferno de Bosch. Não é um filme para todos, mas para amantes da animação e do macabro, é um texto sagrado.

Memória (2021)

Jessica (Tilda Swinton), uma botânica escocesa que vive na Colômbia, é despertada uma noite por um som alto, como um baque surdo, que só ela parece ouvir. Obcecada por esse som, ela inicia uma jornada por Bogotá e pela selva amazônica para entender sua origem. Seu caminho a leva a encontrar um engenheiro de som e um homem misterioso que lembra de tudo, tocando os limites entre memória pessoal, história coletiva e presença alienígena.

Dirigido pelo mestre tailandês Apichatpong Weerasethakul, este não é um filme; é uma sessão hipnótica. É Slow Cinema em sua forma mais pura: planos estáticos, silêncios, natureza. É um filme sci-fi que não mostra nada, mas faz você “sentir” tudo através de um design de som incrível. Tornou-se um objeto cult por sua distribuição radical (nos EUA foi exibido “apenas nos cinemas, para sempre”, nunca em DVD/streaming por anos) e por sua capacidade de alterar a percepção do tempo do espectador.

Cult, Significado?

O que significa filme cult? Um filme cult é uma obra que, independentemente do seu sucesso comercial e crítico na época do seu lançamento, resistiu ao tempo para se tornar o objeto cult de um grupo de fãs fiéis, a ponto de se tornar o emblema de uma subcultura, de uma moda ou de um estilo de vida.

Às vezes acontece que um grupo de pessoas se identifica completamente com o conteúdo, as imagens e as histórias de um filme cult. Elas vestem as roupas usadas pelos personagens do filme, usam seus objetos, querem viver como eles, às vezes beirando o fanatismo.

Filme Cult Mainstream

Um filme mainstream pode ser cult? No seu sentido mais comercial de filme cult, Star Wars, por exemplo, é definitivamente um deles. Gerações de nerds, crianças e adultos que sempre permaneceram crianças sempre colecionaram e adoraram os gadgets do filme.

Eu realmente não concordo com isso: Star Wars é mais um filme da moda, uma tendência criada com grandes recursos comerciais, do que um filme cult. Mas é fácil encontrar, especialmente em revistas americanas, alguém que diga exatamente o contrário.

Muitos produtores de cinema contestariam a afirmação de que um filme cult não pode ser planejado à mesa. Caso contrário, os grandes estúdios gostariam que todo filme que distribuem se tornasse um filme cult de sucesso. Eu discordo porque há uma diferença entre um filme cult e um filme que cria uma moda.

Os Filmes Cult de Sucesso

Um filme de horror indie como Paranormal Activity, feito por um grupo de jovens cineastas com orçamento zero e que arrecadou 250 milhões de dólares, é um fenômeno cult? Do meu ponto de vista, não. Uma das principais características de um filme cult deve ser durar no tempo, por muito tempo, e estabelecer um vínculo especial, muito especial e profundo com o espectador.

O significado de cult não deve ser confundido com o sucesso inesperado de um filme independente de popularidade viral ou underground extraordinária. Não é apenas um horror que multidões de pessoas formaram filas para ver em sessões à meia-noite. Um filme cult é uma conexão profunda: ele transforma seus conteúdos, que são ícones de um certo período histórico, de um movimento, de uma subcultura, de um sentimento geracional, em conteúdos atemporais.

Filmes Malditos?

Existem centenas de filmes malditos que são chamados de cult apenas porque seu conteúdo é fora do comum, como alguns filmes de horror excepcionalmente violentos, mas eles não criam uma conexão duradoura e profunda com seus fãs. Embora tenham proporcionado entretenimento excepcional, não alcançam seu interior, e depois de um tempo evaporam.

Filme cult: Fracassos Depois Redescobertos

Depois, há filmes cult que tiveram um fracasso dramático de bilheteria e foram redescobertos muitos anos depois. Ou obras de estreia ou segunda obra de diretores desconhecidos na época que depois se tornaram muito famosos. Um filme cult deve necessariamente ser “amaldiçoado”. Não.

Eles podem definitivamente ser chamados de filmes cult porque esses diretores são de fato objetos de culto para seus fãs, e seus primeiros filmes ainda mais do que os filmes subsequentes que foram bem-sucedidos. Como se fossem reservados para um pequeno círculo de pessoas iluminadas, verdadeiros adoradores do mestre.

Por exemplo, dois mestres como David Lynch e Brian De Palma fizeram filmes de baixo custo que se tornaram estrelas cult no início de suas carreiras: Eraserhead e Phantom of the Paradise. Esses filmes representam algo mais do que os seguintes.

É como encontrar grandes diretores em sua juventude, um encontro entre estudantes universitários, tendo uma relação simples e amigável com eles. Ou, em alguns casos, pode significar conhecer seu lado obscuro ou o período de sua carreira criativa quando ainda tinham um estilo bruto e ingênuo. Filmes menos bem-sucedidos e menos conhecidos, mas que os fãs adoram para mostrar que sua adoração é maior do que a de todos os outros fãs do mestre.

Em suma, entendemos que nos filmes cult há uma relação quase religiosa entre discípulo e mestre. Nesses filmes, o mestre-diretor transmite algo único ao discípulo, o discípulo o valoriza. O maestro foi capaz de cristalizar seu fã em seu filme, o grupo para o qual ele sente um senso de pertencimento, talvez um período histórico inteiro.

Porque ele sabe que algo não é para todos. É algo que nem todos podem compreender plenamente. Portanto, o significado que atribuo à definição de filme cult não pode ser aplicado a Star Wars ou Indiana Jones.

Cult é uma Obra-Prima?

Enquanto um filme cult é um termo geral que pode se referir a qualquer tipo de filme, mesmo comercial, especialmente nos Estados Unidos, cinéfilos, e mais geralmente europeus, preferem o termo filme cult. Um filme cult para amantes do cinema, cinéfilos, cineastas aspirantes e profissionais, no entanto, pode ainda ser algo diferente: talvez seja simplesmente um filme que permaneceu na história do cinema porque é uma obra-prima.

Talvez poucos tenham percebido isso na época de seu lançamento nos cinemas. Talvez sua linguagem inovadora que o tornou uma obra-prima tenha feito com que fosse confundido com um filme medíocre. É algo recorrente na história do cinema. Público e críticos não hesitam em esmagar filmes diferentes, inovadores, que não estão alinhados com as preferências dominantes.

Podemos, portanto, dizer que a grande ambiguidade na interpretação do termo filme cult deve-se a isto: é o amor e a fé que criam os filmes cult. Se um homem ama andar de sua Harley Davidson, seu filme cult será Easy Rider. Para o estudioso do cinema neorrealista, o filme cult será Roma, cidade aberta, de Rossellini. Se você ama as histórias de artistas manipulados pelo poder, então será Phantom, de Brian De Palma.

Não existe uma definição objetiva de filme cult porque cada um tem seu próprio filme cult, que toca as cordas mais íntimas de sua alma. Se eu fosse realmente forçado a dar um significado definitivo para filme cult, diria isto: um filme cult é um filme que toca profundamente o coração de muitas pessoas e, ao mesmo tempo, marca um momento histórico e a história do cinema.

Dessa forma, o círculo dos filmes cult é drasticamente reduzido. Um filme pode tocar nossa alma. Mas quantos ao mesmo tempo marcaram um momento histórico, um movimento, uma geração, e as obras-primas cinematográficas também foram reconhecidas? Poucos. Muito poucos.

Donnie Darko, por exemplo, é um filme cult? Sim, porque nele, mesmo que não haja uma referência precisa a um momento histórico ou a uma subcultura, reconhece-se um público específico: adolescentes, e adultos que permaneceram adolescentes, que experimentam as mesmas sensações atormentadas, sombrias e inexplicáveis, retratadas no filme. Um filme cult consegue criar um vínculo emocional e espiritual misterioso com um certo público que o assiste.

Um filme cult frequentemente representa uma subcultura. O que não é o paradoxo da subcultura se tornar mainstream, como a Geração Beat. É uma subcultura pequena, restrita, que marcou apenas um curto período, mas que se tornou atemporal naquele filme.

Podemos definir as obras-primas populares da história do cinema como filmes cult? Alguns sim, outros não, porque lhes falta essa característica: influenciar um grupo limitado de pessoas pertencentes a uma subcultura, um estilo de vida, uma moda, uma época. Garantindo que esse estilo, essa moda, essa cultura sejam encontradas para viver para sempre no filme, sem tempo.

Então, o que significa cult? A característica do filme cult é, portanto, transcender o tempo para se tornar um ícone de um certo fenômeno, pelo qual um grupo de pessoas sente um vínculo especial, um verdadeiro culto. Esse fenômeno e esse vínculo têm variáveis infinitas e isso explica a ambiguidade do termo filme cult.

The Cabinet of Dr. Caligari

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Terror, fantasia, por Robert Wiene, Alemanha, 1920.
O filme simbólico do expressionismo cinematográfico. Francis conta uma história a um homem: em 1830, em uma pequena cidade, um sujeito chamado Caligari atua como apresentador na feira para mostrar a atração dele, um sonâmbulo que ele mantém sob hipnose em um caixão. O médico argumenta que o sonâmbulo é capaz de conhecer o passado e prever o futuro. Atmosferas irreais e cenários deformados, atuação estilizada, personalidade dividida, confusão entre sonho e realidade.

Para refletir
Personalidade, do grego person, significa máscara. Pessoa vem da palavra personalidade. Individualidade é um dom da existência, personalidade é imposta pela sociedade. Personalidade segue o rebanho de ovelhas, individualidade é um leão que se move sozinho. Até que você se liberte da sua personalidade, não será capaz de encontrar sua individualidade.

IDIOMA: Alemão
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Português

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Man with a Movie Camera

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Documentário, de Dziga Vertov, Rússia, 1929.
Após alguns anos dedicados à realização de documentários de propaganda, Dziga Vertov realiza sua obra-prima, inspirada nas teorias sobre o cinema da realidade e Kinoglaz. Uma sinfonia visual experimental com raízes futuristas. Um dia comum de um cinegrafista vagando pela cidade sem propósito aparente em busca da vida a ser filmada. A câmera desencadeia uma explosão de criatividade que é uma nova visão da realidade: cinema puro aprimorado com invenções de montagem engenhosas. Um filme tão inspirado e moderno que ainda é um tema infinito de discussão e novas ideias hoje.

Para refletir
Certas obras de arte, certos filmes possuem uma qualidade artística objetiva. Na arte subjetiva, o artista não considera quem está olhando a obra de arte, ele apenas expressa seu próprio mundo interior. A obra de arte objetiva, por outro lado, possui uma qualidade inerente que pode ser transmitida por milhares de anos. A obra de arte objetiva não está vinculada a nenhuma ideologia, cultura social ou época: pode emocionar qualquer pessoa, em qualquer latitude e em qualquer época.

Sem diálogos

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The Exterminating Angel

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Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
A trama gira em torno de um grupo de pessoas que se reúnem em uma villa suntuosa para um jantar de gala. No entanto, após o jantar, eles descobrem que não conseguem deixar a villa, apesar de as portas e janelas estarem trancadas e as saídas aparentemente bloqueadas. O que se segue é uma espécie de pesadelo surreal onde o grupo de convidados fica preso na villa e seus comportamentos e relações sociais começam a se degradar de maneira bizarra.

O filme aborda temas como conformidade social, alienação e a queda das convenções sociais. É conhecido por suas sequências surreais e pela forma como desafia a realidade e a lógica tradicional. "O Anjo Exterminador" é frequentemente interpretado como uma crítica satírica à classe alta e às normas sociais autojustificadoras. Este filme tornou-se um ícone do cinema surrealista e representa uma das obras mais distintivas e provocativas de Luis Buñuel. É valorizado tanto por sua complexidade conceitual quanto por sua extravagância visual, e tem sido influente no mundo do cinema por sua capacidade de ultrapassar os limites da arte cinematográfica. Na época, muitos pensaram que seria o último filme da carreira de Buñuel. No entanto, foi o primeiro de uma série de obras-primas.

IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês

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