Las 30 películas que revelan el verdadero alma de Roma

Roma. El nombre en sí evoca un imaginario poderoso, tallado en la conciencia colectiva por décadas de gran cine. Pensamos en Audrey Hepburn en una Vespa en Vacaciones en Roma, o en la belleza esbelta de Anita Ekberg en La Dolce Vita. Estas películas, indiscutibles obras maestras que construyeron la «Roma postal», son un magnífico escenario al aire libre.

Pero esta guía es también un viaje hacia un territorio más oscuro, complejo y vital. Es una exploración de la ciudad a través de la mirada de directores que no la usaron como telón de fondo, sino que la interrogaron como protagonista. Es la Roma de los barrios fieros de Pasolini, las geometrías alienantes de Antonioni y las calles manchadas de sangre del poliziottesco.

Esto no es una simple lista, sino un camino que une las películas más famosas con el cine de autor más radical. Una narrativa alternativa que desmonta el mito para revelar la verdad cruda, contradictoria e infinitamente más fascinante de la Ciudad Eterna.

Roma, ciudad abierta (1945)

Rodada entre los escombros aún tibios de la ciudad recién liberada, esta película es el nacimiento del Neorrealismo. Roberto Rossellini narra la historia de la lucha de la Resistencia romana contra la ocupación nazi-fascista, entrelazando las vidas de un ingeniero comunista, un sacerdote valiente y una mujer del pueblo, Pina. Su lucha por la libertad se convierte en símbolo del renacimiento de toda una nación.

Una obra maestra absoluta y un trabajo simbólico de una nueva era cinematográfica, Roma, ciudad abierta no solo narra la historia: la captura en el mismo momento en que sucede. Rossellini, con medios improvisados y material fílmico difícil de conseguir, lleva la cámara a las calles reales, convirtiendo lugares como la Via Raimondo Montecuccoli en el distrito Prenestino en el escenario de una tragedia real. La famosa y desgarradora carrera de Anna Magnani hacia el camión que se lleva a su hombre no es solo una escena icónica; es el cine convirtiéndose en testimonio, un grito, un cuerpo. Rossellini despoja a Roma de toda retórica monumental para mostrarla como una ciudad herida, un organismo vivo hecho de gente común elevada a héroes por la necesidad de la historia.

The Lost Poet

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Drama, de Fabio Del Greco, Italia, 2024.
Dante Mezzadri quiere ver a un viejo amigo, apodado la Iguana, a quien ha perdido de vista durante muchos años, y que ha logrado convertir su pasión juvenil compartida por la poesía en un trabajo, convirtiéndose en un escritor y poeta famoso. El hombre escapa de su vida burguesa y de su esposa para vivir sin hogar en la costa romana, imprimiendo y tratando de vender sus colecciones de poesía. Por la noche duerme en un parque de viejas carrozas de carnaval, dentro de un tanque de papel maché, y espera la oportunidad de encontrarse con su viejo amigo, que sin embargo nunca aparece en las citas en los lugares que frecuentaban cuando eran jóvenes, ahora en ruinas. Los libros de poesía de Dante no interesan a nadie y para mantenerse se ve obligado a "cambiar de producto": comienza a vender la infame "píldora caníbal" en nombre de jóvenes traficantes de drogas, una nueva droga que se vende como pan caliente y provoca éxtasis sensorial y consumista. Sin embargo, se da cuenta de que esta droga poderosa es muy peligrosa para quienes la toman, entra en conflicto con su conciencia ética y arroja todas las píldoras al mar. Sin embargo, los traficantes quieren cobrar su dinero.

Rodada durante un período de 2 años, la película es una reflexión sobre los escombros culturales y artísticos de la sociedad en la que vive el protagonista, en un mundo cada vez más mecanizado, consumista y árido. Dante Mezzadri es otro ser humano más que ha renunciado a su inspiración y creatividad, pero a diferencia de muchos, no está dispuesto a entregar su vida a un sistema que lo aleja de su verdadera identidad. El mundo físico que lo rodea, sin embargo, parece construido de tal manera que parece imposible escapar de esta "jaula invisible". El entusiasmo de las personas que conoce se enciende solo por la gratificación sensorial, por visiones irreales de afirmación personal y éxito, por "metaversos" que ofrecen una escapatoria a una realidad ilusoria y destructiva. La casa del poeta en la costa, donde se reunía con sus amigos cuando era joven, es solo un montón de escombros abandonados. ¿Qué pasó con todos aquellos que querían convertirse en poetas

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Ladrón de bicicletas (1948)

En la Roma de la posguerra, un cartelista desempleado, Antonio Ricci, consigue un trabajo para el cual es esencial una bicicleta. Cuando se la roban en su primer día, comienza una búsqueda desesperada por las calles de la ciudad junto a su joven hijo Bruno. Lo que parece una pequeña desgracia se convierte en una odisea desgarradora a través de la miseria y la indiferencia de una sociedad de rodillas.

Vittorio De Sica, con un guion de Cesare Zavattini, crea un fresco implacable de la Roma de posguerra. La ciudad no es un telón de fondo pintoresco, sino un laberinto de desesperación. El viaje de Antonio y Bruno nos lleva desde el barrio obrero de Val Melaina hasta el caótico mercado de Porta Portese, un hormiguero humano donde la bicicleta robada es solo un objeto entre miles, imposible de encontrar. De Sica muestra una ciudad donde las instituciones están ausentes o son impotentes, y la solidaridad es un lujo que nadie puede permitirse. La bicicleta se convierte en el símbolo de la dignidad perdida y la esperanza inalcanzable, en una obra maestra del humanismo que ha marcado para siempre la historia del cine.

Umberto D. (1952)

Umberto Domenico Ferrari es un anciano funcionario jubilado que no puede sobrevivir con su mísera pensión. Amenazado con el desalojo por parte de su casera, deambula por Roma con su único amigo, su pequeño perro Flike, intentando mantener su dignidad en un mundo que parece haberlo olvidado. Su lucha solitaria es una acusación contra la indiferencia de la sociedad.

Considerada por muchos como la cima del Neorrealismo, Umberto D. es una exploración increíblemente conmovedora de la soledad y la marginación. De Sica utiliza Roma no como una ciudad de maravillas, sino como un espacio urbano frío e impersonal que amplifica el aislamiento del protagonista. La lucha de Umberto por no sucumbir a la tentación de mendigar, su meticuloso cuidado de su apariencia a pesar de la pobreza, son gestos desesperados para aferrarse a una identidad que la ciudad amenaza con borrar. La tierna y desgarradora relación con Flike se convierte en el único bastión de afecto frente a la crueldad del mundo.

El jeque blanco (1952)

Una pareja de recién casados de provincias llega a Roma para su luna de miel. Mientras el esposo tiene un estricto calendario de visitas a familiares y una audiencia papal, la esposa, obsesionada con las fotonovelas, se escapa para encontrarse con su héroe, el «Jeque Blanco», solo para descubrir la realidad desilusionante detrás de la fantasía.

En su primer film en solitario, Fellini utiliza Roma como escenario para el choque entre la ingenuidad provincial y la desilusión metropolitana. La ciudad no es la capital monumental, sino un lugar de mitos baratos y sueños prefabricados, desde el mundo de las fotonovelas hasta las rígidas convenciones de la familia pequeña burguesa. Es una mirada satírica a una sociedad que prefiere la fantasía a la realidad, un tema que se convertiría en central en toda la obra de Fellini.   

Las noches de Cabiria (1957)

Cabiria es una prostituta tenaz y eternamente optimista que deambula por las noches de Roma soñando con el amor verdadero. A pesar de ser constantemente engañada y humillada, nunca pierde su fe infantil en un futuro mejor, levantándose tras cada caída con una sonrisa desgarradora.

Fellini regresa a la periferia romana, pero con un tono diferente al neorrealismo. La Roma de Cabiria es un mundo de marginados, un «demi-monde» donde lo sagrado y lo profano coexisten. Desde los tugurios sórdidos hasta los lujosos clubes nocturnos de la Via Veneto, la película pinta un retrato de una ciudad de contrastes marcados. La caminata final de Cabiria, donde encuentra la fuerza para sonreír de nuevo en medio de un grupo de jóvenes, es un himno a un espíritu humano indestructible que halla vida incluso en los rincones más desolados de la metrópolis.

Un día especial (1958)

Un grupo de torpes ladrones de clase trabajadora romana intenta llevar a cabo un gran robo: asaltar una casa de empeños. Liderados por un cerrajero retirado, esta banda desordenada de «desconocidos habituales» demuestra ser irremediablemente inepta, convirtiendo su ambicioso plan en una serie de fracasos hilarantes.

La obra maestra de Mario Monicelli es considerada la progenitora de la «Commedia all’italiana» (Comedia a la italiana). Es una brillante parodia tanto de las películas de robos americanas como del neorrealismo italiano, retratando la pobreza de la Roma de posguerra no con drama trágico, sino con humor cínico y profunda humanidad. Los barrios obreros de la ciudad sirven de telón de fondo para una historia sobre el arte de sobrevivir, donde el sueño del gran golpe choca inevitablemente con una realidad mucho más modesta: un plato de pasta con garbanzos.

Los hechos del asesinato (1959)

En un elegante edificio de la Via Merulana, un robo de joyas y un brutal asesinato alteran la tranquilidad burguesa. El inspector Ingravallo, un hombre desencantado y filosófico, es asignado a la investigación. Al indagar en las aparentemente respetables vidas de los inquilinos, descubre un inframundo de secretos, mentiras y pasiones ocultas, donde nadie es verdaderamente inocente.

Basada en la novela Ese espantoso lío en la Via Merulana de Carlo Emilio Gadda, la película de Pietro Germi es un noir atípico y una aguda investigación social. Roma no es la ciudad soleada de la comedia, sino un lugar oscuro y claustrofóbico. Toda la película transcurre casi en su totalidad dentro del edificio, que se convierte en un microcosmos de la sociedad romana, un escenario donde se representa la comedia de las apariencias. Germi utiliza la estructura de una historia detectivesca para realizar una verdadera autopsia de la moral burguesa, revelando la hipocresía y la corrupción ocultas tras las fachadas respetables.

Accattone (1961)

Vittorio, conocido como «Accattone,» es un proxeneta de los barrios bajos romanos que vive explotando a su prostituta, Maddalena. Cuando ella termina en prisión, Accattone se queda sin un centavo y cae en una crisis existencial. Intenta redimirse a través de su amor por la pura Stella y un trabajo honesto, pero su mundo de violencia y miseria lo arrastrará de nuevo a un vórtice trágico.

El debut como director de Pier Paolo Pasolini es una obra deslumbrante y brutal, un golpe al estómago que lleva a la pantalla al subproletariado de las periferias romanas con una fuerza sin precedentes. Pasolini filma los barrios bajos de Pigneto y Testaccio no con un desapego documental, sino con una mirada que mezcla realismo crudo y sacralidad. La vida de Accattone, un «chico de la calle» sin esperanza, se eleva a una pasión semejante a la de Cristo, subrayada por el uso alienante de la música de Bach. La Roma de Pasolini es un mundo arcaico, preindustrial, un universo con sus propias leyes y lenguaje, destinado a ser barrido por la conformidad burguesa.

L’eclisse (1962)

Vittoria, una joven traductora, deja a su pareja y comienza una relación incierta con Piero, un dinámico y cínico corredor de bolsa. Su historia se desarrolla en una Roma casi irreconocible: la del moderno y monumental distrito EUR. Sus encuentros están marcados por una incapacidad para comunicarse, un vacío emocional que parece reflejarse en los espacios desolados que los rodean.

El capítulo final de la «trilogía de la incomunicación» de Michelangelo Antonioni, L’eclisse es una obra maestra del cine existencial. Antonioni transforma la arquitectura racionalista y metafísica del distrito EUR en el verdadero protagonista del film. Las plazas vacías, los imponentes edificios y las líneas geométricas no son solo un telón de fondo, sino la manifestación visual de la alienación y el vacío interior de los personajes. La famosa secuencia final, en la que la cámara regresa a los lugares de sus encuentros fallidos, mostrando solo objetos y detalles urbanos, es la declaración definitiva de cómo el mundo moderno y sus geometrías han «eclipsado» los sentimientos humanos.

Il Sorpasso (1962)

En una Roma desierta por las vacaciones de Ferragosto, el exuberante y superficial Bruno Cortona, de cuarenta años, arrastra al tímido estudiante de derecho Roberto Mariani en un viaje improvisado en su descapotable Lancia Aurelia. Lo que comienza como una aventura despreocupada a lo largo de la costa tirrena se convierte en una reflexión aguda y amarga sobre el boom económico de Italia.

La obra maestra de Dino Risi es mucho más que una comedia: es un road movie existencial que captura el espíritu de toda una época. El viaje, que comienza en Roma para alejarse de ella y luego realiza un trágico regreso, es una metáfora perfecta de una sociedad que corre a toda velocidad hacia un bienestar material que oculta un profundo vacío moral. Bruno, con su vitalidad pícaro, encarna las ilusiones y contradicciones de un país que ha confundido el consumismo con la felicidad. La Roma inicial, vacía y silenciosa, es el punto de partida para una fuga que resultará imposible, terminando con un final tan repentino como devastador.

Mamma Roma (1962)

Mamma Roma, una ex prostituta interpretada por la monumental Anna Magnani, intenta construir una nueva vida burguesa por el bien de su hijo adolescente, Ettore. Dejando atrás las calles, se muda a un moderno edificio INA-Casa en el barrio de Quadraro, soñando con un futuro respetable para el chico. Pero su pasado, encarnado por su antiguo proxeneta, regresa para atormentarla, destrozando su sueño de redención.

La segunda película de Pasolini, Mamma Roma, continúa la exploración del subproletariado, pero con una carga trágica aún más intensa. La nueva arquitectura de la periferia en expansión, con sus bloques de apartamentos anónimos, se convierte en el símbolo de una integración social deseada pero inalcanzable. Mamma Roma intenta desesperadamente asimilar un modelo pequeño-burgués que no le pertenece, pero su vitalidad plebeya y su pasado no pueden ser borrados. El destino trágico de su hijo, cuya muerte es filmada con una referencia explícita al Cristo muerto de Mantegna, eleva la historia a una poderosa alegoría sobre la derrota de los marginados.

Los monstruos (1963)

Una colección de veinte viñetas cortas y satíricas que critican sin piedad los vicios, hipocresías y fealdad moral de la sociedad italiana durante el milagro económico. Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi interpretan una galería de personajes grotescos, desde políticos corruptos hasta padres abusivos y maridos cobardes.

Dino Risi crea una «comedia humana» en la que Roma sirve de escenario para un desfile de «monstruos» modernos. La película es una crítica feroz y hilarante de una nación que, en su carrera hacia la modernidad y la riqueza, parece haber perdido su brújula moral. Cada episodio es una instantánea aguda y cínica que, tomada en conjunto, compone un retrato poderoso y aún relevante del lado oscuro del boom italiano.   

La décima víctima (1965)

En un futurista siglo XXI, la guerra ha sido reemplazada por «La Gran Caza», un juego televisado global donde los participantes se cazan y matan entre sí por fama y fortuna. Una cazadora estadounidense llega a Roma para su décima y última víctima, un hombre italiano, pero su juego mortal pronto se complica por sentimientos inesperados.

Elio Petri utiliza Roma, particularmente la arquitectura modernista y alienante del distrito EUR, como el escenario perfecto para su distopía de ciencia ficción al estilo pop-art. La ciudad se convierte en una arena elegante, fría y saturada de medios donde la vida humana es un espectáculo. La película es una aguda sátira sobre la sociedad de consumo, el culto a la violencia y la batalla de los sexos, transformando la Ciudad Eterna en un patio de juegos cínico y futurista.

El pájaro de las plumas de cristal (1970)

Sam Dalmas, un escritor estadounidense en Roma que sufre bloqueo creativo, presencia el intento de asesinato de una mujer en una galería de arte. Queda atrapado entre las puertas de cristal, un testigo impotente de la escena. Obsesionado por un detalle que su memoria no puede captar, inicia una investigación personal que lo arrastra a una espiral de terror, perseguido por un misterioso asesino en serie.

El debut como director de Dario Argento es una revolución para el thriller italiano y mundial. Argento transforma Roma en un laberinto onírico y aterrador, donde la arquitectura moderna y los espacios estériles de las galerías de arte se convierten en teatros de violencia estilizada. La ciudad deja de ser un lugar real para convertirse en un espacio mental, un reflejo de la psique retorcida del asesino y la percepción falible del protagonista. La secuencia inicial es una clase magistral de dirección que utiliza el espacio urbano para crear una sensación de impotencia y voyeurismo, temas que serán centrales en todo su cine.

Investigación de un ciudadano libre de toda sospecha (1970)

Un alto oficial de policía respetado, recién ascendido a jefe de la sección política, asesina a su amante en su apartamento. En lugar de encubrir sus huellas, planta deliberadamente pistas que lo señalan a él. Su objetivo es demostrar a sí mismo y al sistema que su poder lo hace intocable, por encima de toda sospecha y de la ley misma.

La obra maestra y ganadora del Oscar de Elio Petri es una alegoría implacable sobre el poder y su naturaleza corruptora. Ambientada en una Roma oscura y opresiva, la película utiliza los lugares del poder — comisarías, oficinas ministeriales — como escenarios de una pesadilla kafkiana. La actuación de Gian Maria Volonté es monumental al encarnar la arrogancia y neurosis de un hombre que es tanto la encarnación como la víctima del sistema autoritario que representa. Es una obra fundamental para entender las tensiones y la paranoia de los Años de Plomo en Italia.

Roma de Fellini (1972)

Federico Fellini abandona toda apariencia de trama para crear un retrato visionario, caótico y profundamente personal de la Ciudad Eterna. La película es un flujo de conciencia que mezcla recuerdos de su llegada a Roma siendo un joven de provincias, escenas de la vida cotidiana, secuencias documentales sobre la construcción del metro y fantasmagorías surrealistas, como un desfile de moda eclesiástico.

Roma es el intento de Fellini de capturar la esencia esquiva de la ciudad, no a través de una narrativa lógica, sino mediante una inmersión total en su «delirio oficial». La ciudad se presenta como un gran útero maternal, un circo al aire libre, un burdel, una necrópolis. Fellini no filma la Roma de los monumentos, sino la de las trattorias populares, los teatros de variedades y el Grande Raccordo Anulare (la gran vía de circunvalación) atravesada de noche por una horda de motociclistas. Es una obra desbordante y magnífica, un acto de amor por una ciudad que, según el director, solo puede entenderse a través de los sueños y la imaginación.

Los Profesionales Violentos (1973)

El comisario Belli, un policía de métodos duros y fuerte sentido de la justicia, investiga una red internacional de tráfico de drogas que está ensangrentando las calles de Roma y Génova. Enfrentándose a la burocracia lenta y a la corrupción de alto nivel, Belli decide actuar fuera de las reglas, desatando una guerra sin cuartel contra el crimen organizado.

Dirigida por Enzo G. Castellari y protagonizada por Franco Nero, esta es una de las piedras angulares del género «poliziottesco», que dominó el cine italiano en los años 70. Estas películas reflejaban el clima de violencia e inseguridad social de los Años de Plomo. Roma, en particular, se convierte en un campo de batalla urbano, escenario de persecuciones vertiginosas, tiroteos brutales y un pesimismo subyacente hacia un sistema judicial percibido como débil e ineficaz. Es un cine visceral y lleno de acción que retrata una ciudad en manos del caos.

Nos Queríamos Tanto (1974)

La película traza treinta años de historia italiana, desde la Resistencia hasta los años 70, a través de la historia de tres amigos: Gianni, Antonio y Nicola. Sus vidas, amores, ideales y compromisos se entrelazan y divergen a lo largo de las décadas, todo girando en torno a la mujer que todos amaron, Luciana.

Ettore Scola crea un fresco épico y melancólico en el que Roma no es solo un telón de fondo, sino un testigo vivo de las transformaciones de todo un país. Desde las esperanzas de la posguerra, simbolizadas por una Roma en blanco y negro, hasta la ciudad colorida pero desencantada del boom económico, la película utiliza lugares icónicos como la Fontana di Trevi y barrios obreros como Garbatella para trazar el viaje personal y colectivo de una generación que «quería cambiar el mundo, pero el mundo nos cambió a nosotros».

Profondo Rosso (1975)

El pianista de jazz inglés Marc Daly, en Roma por trabajo, presencia el asesinato de una psíquica. Convencido de que vio un detalle crucial en la escena del crimen que no puede recordar, comienza a investigar junto a una tenaz periodista, Gianna Brezzi. Su búsqueda de la verdad lo llevará a un abismo de secretos familiares, traumas infantiles y una serie de asesinatos cada vez más brutales.

Aunque filmado en gran parte en Turín, Profondo Rosso es la apoteosis del estilo que Dario Argento forjó en Roma, y sigue siendo un punto de referencia esencial. Es una obra que trasciende el giallo para convertirse en un cuento gótico sobre el horror que acecha en la memoria. La Roma del filme es una ciudad nocturna y espectral, donde plazas barrocas y teatros Art Nouveau se convierten en el escenario de una pesadilla. Argento construye una tensión magistral, alternando escenas de suspense insoportable con explosiones de violencia barroca, todo acompañado por la legendaria banda sonora de Goblin.

Sucia y Peligrosa (1976)

En un barrio de chabolas construido ilegalmente en las afueras de Roma vive la vasta y monstruosa familia de Giacinto Mazzatella, un anciano tuerto y tiránico. Guarda celosamente un millón de liras, resultado de un pago de indemnización, y no tiene intención de compartirlo con sus codiciosos y grotescos descendientes, quienes a su vez conspiran de todas las maneras para robarle.

Ettore Scola realiza en esta obra maestra grotesca un retrato despiadado y ferozmente cómico del subproletariado romano. Si Pasolini encontró una dimensión sagrada y trágica en los barrios marginales, Scola encuentra un infierno secular, un círculo dantesco poblado por personajes movidos solo por los instintos más bajos: la codicia, la lujuria, la violencia. La película es una comedia negra que demuele toda sentimentalidad sobre la pobreza, mostrando una humanidad regresada a un estado primitivo, en una lucha por la supervivencia que no conoce moral. El barrio de chabolas, con la cúpula de San Pedro irónicamente silueteada al fondo, es el escenario de esta cruel e inolvidable farsa.

Los Duros (1976)

El comisario Tanzi, un policía duro y violento, combate la delincuencia desenfrenada en Roma. Su némesis es «el Jorobado», un criminal despiadado que siembra el pánico en la ciudad. La cacería de Tanzi se convierte en un descenso al infierno, en una Roma representada como una jungla de asfalto donde solo vale la ley del más fuerte.

Dirigida por Umberto Lenzi, esta es quizás la poliziottesco más emblemática y violenta. Protagonizada por el ícono del género Maurizio Merli y un irreconocible Tomas Milian como el Jorobado, el filme es un concentrado de acción brutal y nihilismo. La Roma del filme es un teatro de guerra urbana, un lugar desesperanzado donde la violencia del estado y la del crimen se reflejan mutuamente. Es el retrato crudo y sin filtros de una ciudad y un país al borde del colapso.

Un Hombre Pequeño y Promedio (1977)

Giovanni Vivaldi, un humilde y servil funcionario público cercano a la jubilación, está dispuesto a hacer cualquier cosa para asegurar un trabajo similar para su amado hijo, incluso unirse a una logia masónica. Pero cuando su hijo es trágicamente asesinado por una bala perdida durante un robo, el «hombre pequeño y promedio» se transforma en un implacable ángel de la venganza.

Mario Monicelli dirige una película que comienza como una comedia grotesca sobre la burocracia italiana y el ascenso social y da un giro impactante hacia un thriller oscuro y despiadado. La película ofrece un retrato sombrío de Roma, lejos del glamour del centro de la ciudad, enfocándose en los suburbios anónimos y el vacío moral de la clase media. La magistral actuación de Alberto Sordi captura la aterradora transformación de un hombre común en un monstruo, haciendo de esta una crítica poderosa y perturbadora de una sociedad donde la justicia está ausente y el dolor se convierte en violencia brutal. 

Un Día Especial (1977)

El 6 de mayo de 1938, el día de la visita de Hitler a Roma, una ama de casa solitaria y un locutor de radio homosexual perseguido se encuentran por casualidad en su edificio de apartamentos casi desierto. Mientras toda la ciudad celebra el desfile fascista, estas dos almas marginadas comparten unas horas de intimidad y comprensión inesperadas.

Scola vacía Roma de su grandiosidad monumental para centrarse en un único espacio doméstico, el Palazzo Federici, que se convierte en un microcosmos de la sociedad fascista. El propio edificio, con su patio que actúa como un panóptico, es un protagonista, un símbolo de control social y conformidad forzada. El zumbido constante del comentario radiofónico del desfile sirve como una banda sonora opresiva, destacando el aislamiento de los dos personajes y creando una poderosa contra-narrativa a la historia oficial que se celebra afuera.   

La Terraza (1980)

Un grupo de intelectuales de izquierda envejecidos—un guionista, un productor, un periodista, un político—se reúne en una terraza romana para una cena. A lo largo de la noche y en una serie de flashbacks, confrontan sus fracasos personales, crisis creativas y desilusiones políticas.

En esta obra de cámara de Ettore Scola, la terraza romana se convierte en una jaula dorada, un escenario aislado donde toda una clase intelectual representa su propio funeral. Muy por encima de la ciudad real, estos personajes están desconectados de la realidad social que dicen representar. Roma, visible solo como un telón de fondo panorámico, simboliza el mundo con el que han perdido contacto, haciendo de la terraza una metáfora poderosa de la crisis autorreferencial y estéril de la izquierda italiana a finales de los años setenta.   

Tenebrae (1982)

Peter Neal, un novelista estadounidense de horror, llega a Roma para promocionar su último libro, «Tenebrae». Poco después de su llegada, una serie de brutales asesinatos comienza a teñir de sangre la ciudad, con las víctimas muertas de la misma manera descrita en su novela. Neal se ve envuelto en un juego perverso y mortal, intentando descubrir la identidad del asesino.

Con Tenebrae, Dario Argento hace una elección estética radical: abandona las atmósferas oscuras y góticas de sus películas anteriores para situar su giallo en una Roma cegadoramente brillante, moderna e hiperrealista. Filmada en gran parte en el distrito EUR, la película está dominada por una luz fría y una arquitectura racionalista que crea una sensación de alienación e inquietud. Argento quiere mostrar que el horror no solo se oculta en la oscuridad, sino que puede explotar a plena luz del día, en los espacios más asépticos y ordenados. La ciudad se convierte en un laberinto de superficies blancas y reflectantes, un lugar donde la oscuridad es la del alma.

Amor Tóxico (1983)

Un grupo de jóvenes adictos a la heroína de Ostia vive sus días en una rutina desesperada de artimañas para conseguir su dosis, pequeños robos y relaciones inestables. Cesare, Michela y sus amigos se mueven por un paisaje desolado, entre la costa y la periferia romana, atrapados en un presente sin futuro y en un amor que es solo otro nombre para la adicción.

La obra de culto de Claudio Caligari es una película impactante, un golpe al estómago que narra la tragedia de la adicción a las drogas con un realismo casi documental. Heredero directo de la lección de Pasolini, Caligari elige que actúen en la película verdaderos drogadictos, borrando la línea entre ficción y realidad. Su Ostia es un lugar terminal, un no-lugar de absoluta marginalidad. El lenguaje crudo, la jerga callejera y la representación sin filtros de la adicción hacen de Amor Tóxico una obra única y desgarradora, el retrato inolvidable de una generación perdida.

El Vientre de un Arquitecto (1987)

Stourley Kracklite, un arquitecto estadounidense, llega a Roma con su joven esposa para curar una exposición dedicada al visionario arquitecto del siglo XVIII Étienne-Louis Boullée. Mientras se sumerge en el proyecto, Kracklite desarrolla una obsesión con su propio cuerpo, particularmente con su vientre, que es atormentado por dolores insoportables. Su declive físico y psicológico se refleja en la grandeza monumental y a la vez decadente de la Ciudad Eterna.

La película de Peter Greenaway es una obra visualmente suntuosa e intelectualmente compleja. El director inglés utiliza la arquitectura de Roma—desde el Panteón hasta el Vittoriano—como una gran metáfora del cuerpo humano, su belleza y su inevitable corrupción. La ciudad se convierte en un escenario alegórico donde la historia del arte, la geometría y la biología se entrelazan. El vientre del arquitecto, que podría contener una nueva vida o una enfermedad incurable, se convierte en el centro simbólico de una película que reflexiona sobre la creatividad, la mortalidad y el peso de la historia.

Querido diario (1993)

Dividida en tres capítulos, la película es un diario autobiográfico en el que Nanni Moretti se interpreta a sí mismo. En el primero, «En mi Vespa,» el director deambula por una Roma semi-desierta en agosto, comentando con su inconfundible ironía sobre casas, barrios y las costumbres de los romanos. El segundo, «Islas,» lo muestra viajando a las Islas Eolias. El tercero, «Doctores,» narra su odisea real de salud al descubrir un tumor.

El primer capítulo de Querido diario es una de las declaraciones de amor más bellas y originales jamás hechas a Roma. Moretti evita el centro monumental y turístico para explorar las zonas menos conocidas, desde Garbatella hasta Casal Palocco, creando un mapa íntimo y personal de la ciudad. Su paseo en Vespa es una experiencia meditativa, una forma de reclamar el espacio urbano y observarlo con una mirada nueva, crítica pero profundamente afectuosa. Es un retrato único de Roma, alejado de cualquier cliché, que captura su belleza casual y sus contradicciones cotidianas.

Il Divo (2008)

Un retrato grotesco, pop y deslumbrante de Giulio Andreotti, una de las figuras más poderosas y enigmáticas de la historia política italiana. La película de Paolo Sorrentino se centra en el período de su séptimo gobierno, a principios de los años 90, reconstruyendo a través de un estilo visionario su red de poder, sus relaciones con la Mafia y los crímenes y misterios que marcaron la Primera República.

Sorrentino transforma la política italiana en una ópera barroca, y Roma en su frío y espectral teatro. Los palacios del poder, los pasillos del Parlamento, las iglesias sombrías se convierten en el telón de fondo de una fantasmagoría en la que se mueven máscaras inquietantes. La ciudad no es un lugar vivo, sino un escenario monumental e impasible donde se consumen tramas oscuras. Il Divo es un análisis implacable del poder, usando un estilo visual hiperbólico para contar la historia del vacío y la soledad de un hombre que se ha convertido en un icono impenetrable del misterio italiano.

The Black Sheep (2010)

Nicola creció en un manicomio, «el instituto de las cien puertas,» donde los locos están protegidos del mundo y el mundo está protegido de los locos. A través de sus recuerdos, que se entrelazan con el presente, narra historias de una humanidad marginada, suspendida entre la locura y una lucidez desarmante. Su vida es un relato coral que cuestiona los límites entre la normalidad y la locura.

Basado en sus actuaciones teatrales, el film de Ascanio Celestini es una obra poética y surrealista que explora el mundo de la enfermedad mental. El manicomio, ubicado en las afueras de Roma, se convierte en un microcosmos donde la lógica del mundo exterior se invierte. Celestini, con su estilo narrativo y profunda empatía, da voz a los sin voz, mostrando cómo detrás de la etiqueta de «locura» se esconden historias de dolor, amor y sorprendente sabiduría. Es una película que utiliza la periferia física y existencial para una reflexión universal sobre la condición humana.

La Gran Belleza (2013)

Jep Gambardella, periodista de sociedad y crítico teatral, es un ícono de la alta sociedad romana. Tras su cumpleaños número 65, una creciente insatisfacción lo lleva a deambular por una Roma magnífica y espectral, entre fiestas decadentes en terrazas con vistas a los Foros, encuentros con personajes grotescos y epifanías repentinas y deslumbrantes de belleza. Su búsqueda es melancólica, en pos de un sentido perdido.

La película ganadora del Oscar de Paolo Sorrentino es un homenaje explícito a la Roma de Fellini, pero reinterpretada con la sensibilidad desencantada del nuevo milenio. La ciudad es una protagonista absoluta, una concha de belleza conmovedora que oculta un vacío abismal. Sorrentino contrapone la magnificencia de palacios históricos, jardines secretos y ruinas antiguas con la superficialidad y el cinismo de sus habitantes. Es el retrato de una ciudad y una humanidad perdida «entre vicios y vida disoluta en busca de una belleza perdida.»

Sacro GRA (2013)

Un documental que explora el mundo desconocido que pulsa a lo largo del Grande Raccordo Anulare (GRA) de Roma, la autopista urbana más grande de Italia. Alejado del centro monumental, el director Gianfranco Rosi descubre una humanidad sorprendente e invisible: un noble decadente que vive en un apartamento estudio, un pescador de anguilas en el Tíber, un botánico que estudia palmas infestadas por un parásito.

El primer documental en ganar el León de Oro en Venecia, Sacro GRA revela una Roma que nadie había contado. La circunvalación no es el sujeto de la película, sino el hilo que conecta historias de marginalidad, soledad y poesía inesperada. Rosi transforma un «no-lugar» por excelencia en un territorio rico en vida y relatos surrealistas. Es una mirada antropológica que descubre un universo paralelo, otra ciudad que existe en los márgenes de la conocida, demostrando que las historias más increíbles a menudo se encuentran donde nadie se detiene a mirar.

Me llaman Jeeg (2015)

Enzo Ceccotti es un pequeño delincuente solitario que vive en el barrio marginal de Tor Bella Monaca. Un día, mientras huye de la policía, se lanza al Tíber y accidentalmente cae en un barril de material radiactivo. Sale con una fuerza sobrehumana. Inicialmente, usa sus nuevos poderes para fines egoístas, pero su encuentro con Alessia, una chica frágil obsesionada con el anime japonés Jeeg Robot, lo impulsará a convertirse en el héroe que Roma necesita.

La película de Gabriele Mainetti es una verdadera revolución para el cine italiano, capaz de injertar el género del cómic de superhéroes americano en el tejido social de la periferia romana. Me llaman Jeeg no imita los modelos de Hollywood sino que los reinterpreta en una clave local, cruda y auténtica. Tor Bella Monaca, con sus torres de concreto y su humanidad sufriente, se convierte en un escenario creíble y poderoso para el nacimiento de un superhéroe renuente y profundamente humano. Es una obra innovadora que combina magistralmente acción, drama y cultura pop.

No seas malo (2015)

Ostia, años 90. Cesare y Vittorio han sido amigos para siempre, «hermanos de la calle». Su vida es un torbellino de noches en la discoteca, coches rápidos, alcohol, drogas sintéticas y tráfico. Vittorio, sin embargo, cansado de esa vida, intenta salvarse encontrando un trabajo y distanciándose de Cesare. Pero el vínculo entre ambos es demasiado fuerte, y el llamado de ese mundo autodestructivo es una tentación constante.

El testamento espiritual de Claudio Caligari, completado póstumamente gracias a los esfuerzos de Valerio Mastandrea, No seas malo es un digno heredero de Toxic Love y de la poética de Pasolini. La película es un relato poderoso y conmovedor sobre la amistad masculina, la dificultad de cambiar y la periferia como lugar del alma y de la condena. Caligari filma Ostia con una mirada participativa y nunca juzgadora, extrayendo una poesía cruda y desesperada de la vida en los márgenes. Es una obra intensa y necesaria, el acto final de un director que siempre dio voz a los últimos.