Hollywood e Cinema: A Fábrica de Sonhos

Após o fim da Primeira Guerra Mundial e antes da Grande Depressão de 1929, a indústria cinematográfica de Hollywood dominava o mundo e a história dos filmes mudou radicalmente. Uma indústria que se apresenta ao público geral como uma fábrica de sonhos que propõe a realização do sonho americano. Uma série de personagens, heróis e heroínas quase sempre atraentes, com os quais o público se identifica e que frequentemente encarnam modelos a serem alcançados. 

Hollywood é uma verdadeira fábrica da imaginação, uma linha de montagem onde são feitos filmes classificados em gêneros facilmente codificáveis. Uma forma de fazer cinema muito distante daquela das vanguardas europeias. A pesquisa artística ocorre em Hollywood às vezes quase por acaso, às vezes graças ao mérito de bons diretores que são colocados para fazer filmes comerciais e também aproveitam para experimentar suas ideias mais ousadas. 

Mas o objetivo de Hollywood é essencialmente o negócio comercial e oferecer ao público mundos de escapismo em um universo de sonhos otimistas. De fato, os filmes raramente adotam um ponto de vista negativo e niilista que frequentemente encontramos no cinema europeu. Em vez disso, eles frequentemente oferecem uma visão excessivamente adoçada e positiva do mundo, tanto nas histórias quanto no estilo das imagens. 

A ascensão do cinema de Hollywood é favorecida pela crise que se seguiu ao fim da grande guerra. A economia mundial está de joelhos e os Estados Unidos se posicionam como líder mundial em vários setores-chave. Uma política de liberalismo extremo se afirma, permitindo que os produtos industriais americanos se imponham nos mercados estrangeiros. 

A década de 1920 é uma fase de grande desenvolvimento econômico e grande euforia e bem-estar geral. Alguns grupos sociais, como imigrantes camponeses e mineiros, são porém excluídos ou até penalizados por essa euforia consumista. É o que se chama de era do jazz ou os anos loucos, em que se bebe álcool contrabandeado e se busca novos sonhos e mitologias. 

O Filme Nasceu como um Produto de Consumo

O cinema de Hollywood é favorecido por uma grande disponibilidade de capital e por um público que passa de 40 para 80 milhões de espectadores em poucos anos. Além disso, há a possibilidade de exportar seus produtos cinematográficos para todo o mundo. 

O filme é essencialmente visto como um produto de consumo e sua produção é rigidamente estruturada em um sistema vertical do qual os Studios controlam todas as etapas, desde a escrita até a distribuição. Roteiristas, atores e diretores são empregados muito bem pagos a serviço do produtor, e o filme só deve existir se produzir um bom lucro. 

Muitas produtoras decidem construir seus próprios cinemas por todo o país para maximizar os lucros. Os cinemas que não pertencem aos grandes estúdios desde então foram obrigados a reservar os filmes por meio de um sistema chamado Block Booking: os exibidores são forçados a reservar pacotes inteiros de filmes dos estúdios, que incluem filmes menores junto com os grandes sucessos. Isso ainda é uma prática diária para exibidores ao redor do mundo hoje. 

Oligopólio Vertical de Hollywood

Os estúdios unem forças entre si e se tornam um verdadeiro oligopólio do setor cinematográfico, não deixando espaço para a concorrência e produções independentes, que haviam sido de fundamental importância no desenvolvimento do cinema na Europa. As salas são construídas como arquiteturas fabulosas, inspiradas por um mundo exótico, barroco e rococó, para dar ao público popular a ilusão temporária de uma viagem a um mundo rico e fantástico. Esse mundo que sempre lhe foi negado na vida cotidiana. 

O espetáculo também era enriquecido por noticiários, comédias, interlúdios musicais e outras performances ao vivo. Os três grandes estúdios eram Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer e First National. Os estúdios menores eram Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office e Warner Brothers. A eles se soma United Artists, criada em 1919 por atores e diretores como Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin e David Wark Griffith. O objetivo deles era sair do oligopólio e da dominação das grandes produtoras para continuar possibilitando a existência de uma produção de filme mais independente. 

As Estrelas como Ferramenta de Marketing

O cinema de Hollywood nasceu, portanto, como um organismo industrial e produtivo, em um contexto de trabalho orientado para a eficiência e qualidade dos produtos. Mas se encontra operando em um contexto diferente da indústria tradicional. Por exemplo, é necessário controlar e romantizar a vida das estrelas e seu lado áspero. Fofocas e boatos tornam-se uma das principais ferramentas para atrair o público a assistir aos filmes das estrelas, e as vidas de certos atores começam a ser controladas pelos produtores mesmo fora dos sets, para torná-los uma ferramenta de marketing. 

Escândalos, adultérios, a vida de luxo desenfreado e os casos amorosos da vida privada das estrelas se espalham pela imprensa, para criar uma aura de mito inalcançável sobre o mundo do cinema. Um mundo de enorme riqueza e vidas aventureiras que o público das classes populares pode experimentar através do devaneio da grande tela. 

A Censura e a Moralidade dos Filmes de Hollywood

A igreja e os grupos religiosos não veem com bons olhos as notícias e as riquezas exageradas do mundo de Hollywood e começam a tomar partido contra ele junto com os americanos de bom senso da época. É por isso que Hollywood, sentindo-se em perigo, em busca de legitimidade, decide iniciar uma política editorial moralista e controlada pela censura para seus filmes. 

Em 1922, os principais estúdios se uniram para criar a Motion Picture Producers and Distributors com o objetivo de estabelecer um conjunto de regras para regular o conteúdo moral dos filmes. O republicano William Hays, um ministro poderoso que poderia atuar como elo de ligação com Washington, foi chamado para chefiar a MPPD. Suas reformas criaram restrições ao conteúdo dos filmes até que foram sintetizadas em 1934 com a promulgação de uma verdadeira lei apelidada de “Código Hays“. O código padronizou e regulou a produção de todos os filmes dos EUA, classificados em gêneros bem definidos, dentro de limites morais estreitos inspirados pela Igreja Católica. 

Os elementos distintivos do cinema de Hollywood tornaram-se assim um modelo espetacular repetitivo e facilmente reconhecível, com a presença de excelente cuidado técnico e formal, conteúdos moralmente corretos segundo a cultura dominante das pessoas de bom senso. A espera do espectador antes do lançamento dos filmes é alimentada por campanhas de marketing estudadas em detalhe e disseminadas pela mídia. 

Os Diretores-Empreendedores de Hollywood

O contexto de Hollywood permitirá a ascensão ao sucesso de personalidades diretivas e artísticas de um certo tipo. Muitos grandes diretores da vanguarda europeia não teriam a menor chance de trabalhar em uma indústria cinematográfica desse tipo, que operava em antítese com suas motivações de pesquisa e experimentação. 

O pai do cinema espetacular e de grande orçamento americano é certamente David Wark Griffith, que com seus filmes colossais Birth of a Nation e Intolerance atrai a atenção do mundo inteiro. Os filmes de Griffith inventam novos códigos da linguagem cinematográfica em um contexto de grande produção industrial.

Seu discípulo continuará sua tendência, Erich Von Stroheim, com sua poética do excesso de ancestralidade decadente europeia. O cinema cômico, por outro lado, é profundamente renovado por personalidades excepcionais como Charlie Chaplin e Buster Keaton. Um dos diretores que abraça plenamente a lógica industrial da produção hollywoodiana é Cecil B. De Mille, um diretor com as inquestionáveis qualidades de empreendedor e produtor. 

Cecil B. De Mille

Seus filmes focam na espetacularidade e em vertentes dramáticas muito específicas, como as da brilhante comédia com fundo erótico e a mulher fatal e inescrupulosa frequentemente interpretada por Gloria Swanson. Até a década seguinte aos grandes filmes históricos espetaculares como Os Dez Mandamentos de 1923, que narra o episódio bíblico alternando com uma parábola moderna. O filme aparentemente condena a selvageria sexual e os vícios sob todos os ângulos, em conformidade com a rigorosa regulamentação da censura americana. Mas aproveita isso para mostrar orgias e cenas pecaminosas para atrair o público em busca de transgressões. 

A brilhante fórmula empresarial de De Mille pode ser resumida em sangue, sexo e a Bíblia, e é a base de sucessos posteriores como O Rei dos Reis e o Sinal da Cruz, até vários anos depois em Sansão e Dalila em 1949. De Mille é o diretor perfeito para Hollywood que consegue canalizar sua criatividade artística em uma ideia lucrativa e de grande negócio. Outros diretores como Frank Borzage estão à vontade na política dos Estúdios, que continuaram a produzir uma filmografia de blockbusters glamorosos até os anos 1950. 

Um dos maiores sucessos foi o filme Ben Hur de 1926, produzido pela Metro-Goldwyn-Mayer. Um colosso com dezenas de milhares de figurantes, para o qual todo o Circo Máximo de Roma teve que ser construído como cenografia. Filmado com técnicas inovadoras de filmagem, como a aplicada às corridas de bigas, que envolvia o uso simultâneo de muitas câmeras, localizadas em diferentes pontos de vista. 

King Vidor

Outro grande diretor do sistema hollywoodiano dos anos 1920 foi King Vidor que criou uma grande épica pacifista intitulada The Great Parade, de 1925, na qual alternava habilmente cenas de conflito bélico com situações sentimentais: cânones e estereótipos ainda amplamente difundidos no cinema de Hollywood hoje. 

O sucesso do filme deu ao chefe da MGM Irving Thalberg confiança em Vidor: o diretor foi capaz de fazer um filme mais comprometido e não conformista como The Crowd, de 1928. Um filme raro em Hollywood na época, que investiga a parábola existencial de um homem desde a infância até a maturidade em uma grande metrópole como Nova York. Uma reflexão sobre o conformismo e a perda da individualidade do homem daquele momento histórico na nova dimensão da homologação em massa e um olhar irônico e desencantado sobre a ideologia falsamente otimista do self-made man e do sonho americano. 

A multidão é talvez o ápice do cinema mudo dos EUA e apresenta soluções técnicas e estilísticas ousadas que representam com extraordinária força simbólica a relação entre o indivíduo e a multidão e a perda da identidade. Um filme que se inspira e tem a força do expressionismo alemão usando movimentos de câmera e luzes como símbolos poderosos de seu conteúdo narrativo. 

Nascimento de um cinema comercial também capaz de funcionar como ferramenta de investigação social e política que continuou nos anos seguintes, em 1929, com Alleluia, um filme sobre a situação dos homens negros nas plantações de algodão do Sul. Our Daily Bread, 1934, que enfrenta a praga do desemprego e que narra a crise da grande depressão de 1929. 

Vidor continuará sua carreira nesse sistema de gêneros clássicos que será proposto por Hollywood nos anos seguintes para consolidar suas estratégias de produção e se impõe em todo o mundo como uma codificação dos gêneros aos quais correspondem diferentes públicos-alvo e negócios. 

John Ford

Dentro do gênero nascem algumas veias típicas daqueles anos, como a veia pacifista, o filme de guerra, o slapstick cômico e o Western. Westerns também eram feitos a baixo custo para o público provincial. Um dos diretores que estreou justamente com esse tipo de filmes baratos, John Ford com seu filme de 1924 The Iron Horse. Nos anos seguintes, John Ford se tornará o autor mais importante do gênero Western, capaz de visualizar a dimensão arquetípica da natureza e da paisagem e de incorporar a mitologia e a ideologia do Oeste.

Os novos gêneros cinematográficos em Hollywood

Graças ao sucesso de The Cabinet of Doctor Caligari de Robert Wiene, que chegou aos EUA em 1921, nasceu o interesse dos estúdios pelo gênero de horror, que será tratado principalmente pela Universal. O ator Lon Chaney se especializa no gênero fazendo filmes como The Hunchback of Notre Dame e The Phantom of Opera de 1925. No entanto, a MGM firmará a famosa parceria entre Lon Chaney e o diretor Tod Browning, com a qual o ator fará os filmes mais importantes, como The Stranger de 1927.

O filme de gângster nasceu também por razões sociológicas, ligadas ao aumento do crime e do contrabando de bebidas na era da proibição. Alguns filmes como Chicago Nights (Underworld), de Joseph von Sternberg, 1927, feito para a Paramount, Morocco em 1930 e Shanghai Express em 1932 abalam os fundamentos e protótipos do gênero gângster.

Os vários gêneros refletem os humores e a sociedade em evolução dos Loucos Anos Vinte, enquanto o Sistema de Estrelas se molda para interpretar os humores, desejos e aspirações do público em massa. Divas como Rudolph Valentino nascem, incorporando a virilidade latina de um fotonovela. John Gilbert, intérprete da grande parada que personifica o Romantismo mais livre e inescrupuloso. Um novo modelo de atrizes Vamp como Gloria Swanson, o oposto das namoradas americanas como Mary Pickford no estilo puritano e vitoriano do cinema de Griffith. O atlético Douglas Fairbanks, que atuou no notável The Thief of Bagdad de Raul Walsh de 1924, que representa o ímpeto otimista e positivo da década, um novo tipo de americano que lida com alegria e reconstrução positiva da sociedade americana após a guerra. 

Finalmente, estrelas e intérpretes de si mesmos como Charlie Chaplin e Erich Von Stroheim, intérpretes de personagens recorrentes como o vagabundo e o oficial cínico, que expressam um estilo de cinema mais independente e de gosto europeu. Mostrando as contradições da sociedade americana e seus valores frágeis que logo serão esmagados pela grande depressão. 

Hollywood e filmes clássicos

O estilo clássico de Hollywood atingirá sua plena maturidade com o advento do som nas décadas de 30 e 40. O som possibilitará sair da ideia do cinema como uma linguagem parcial e não autossuficiente acompanhada por shows ao vivo e performances sonoras para uma linguagem totalmente autossuficiente. O mundo dentro da grande tela se tornará um mundo sem qualquer conexão com a realidade fora da tela para ser apreciado de forma independente.

Muitas grandes obras do cinema surgiram dessa era e foram feitas com uma técnica de produção extremamente disciplinada. Como muitos filmes estavam sendo feitos, nem todos necessariamente precisavam ser bem-sucedidos. Um estúdio podia apostar em um orçamento médio com um grande roteiro e atores desconhecidos. Isso aconteceu com Citizen Kane (1941), dirigido por Orson Welles e considerado entre os melhores filmes já feitos. Vários outros diretores obstinados, como Howard Hawks, Alfred Hitchcock e Frank Capra, batalharam contra os estúdios de Hollywood para realizar suas visões imaginativas.

O auge do sucesso do grande sistema dos estúdios de Hollywood pode ter sido o ano de 1939, que viu o lançamento dos filmes clássicos mais famosos da história do cinema. O design visual-narrativo do cinema de Hollywood foi fortemente influenciado pelos conceitos do Renascimento e também pelo seu conceito de renascimento da raça humana como objetivo principal.

Produção Cinematográfica em Hollywood

O estilo clássico de Hollywood é diferenciado em 3 graus básicos: dispositivos, sistemas e relações de sistemas. As ferramentas mais fundamentais para o cinema clássico de Hollywood são aquelas da relação entre espectador e cena na tela. A regra dos 180 graus mantém o enquadramento da cena filmada ao produzir um eixo imaginário de 180 graus entre a cena e o público, permitindo que os espectadores se orientem claramente dentro do cenário e das ações em uma cena. De acordo com a regra dos 30 graus, os cortes de edição a partir dos quais o próximo plano é visto devem ser ajustados para que o espectador reconheça uma mudança de ponto de vista. Cortes que não aderem à diretriz dos 30 graus devem ser evitados para manter a impressão de conexão temporal entre as imagens em movimento. As diretrizes dos 30 e 180 graus são padrões fundamentais no cinema que foram inventados no cinema primitivo, como visto no filme francês de 1902 de George Melies Viagem à Lua. Essas regras serviram para ajudar a manter a conexão, como no corte transversal, que desenvolve a sequência de ações em diferentes locais. Cortes de imersão do tipo corte axial são permitidos, pois não alteram todo o ângulo de filmagem, mas têm o objetivo claro de revelar um ponto de vista mais detalhado ou mais distante do sujeito, e portanto também consequentemente não interferem na conexão temporal.

A Narrativa dos Filmes de Hollywood

A narrativa clássica dos filmes de Hollywood avança de forma constante através da psicologia dos personagens, ou seja, pela vontade de uma personalidade humana e no enfrentamento de obstáculos em direção a um objetivo específico. Esse componente narrativo tipicamente consiste em uma história principal (como uma história de amor) ligada a uma ou mais histórias adicionais. Essa história é estruturada com um começo, meio e fim distintos, e geralmente há uma resolução bem definida. O uso de atores, eventos, ações causais, reviravoltas narrativas principais e secundárias são atributos fundamentais do filme clássico de Hollywood. Personagens no cinema clássico de Hollywood possuem características claramente definidas, são enérgicos e muito orientados para objetivos. Eles são motivados por motivações psicológicas em vez de sociais. A história é uma cadeia de efeitos dominó com agentes causais: em um filme clássico de Hollywood, as ocasiões não acontecem arbitrariamente.

Tempo e Espaço dos Filmes de Hollywood

O tempo dos filmes de Hollywood é linear, sem saltos temporais, pois a não linearidade chama atenção para a artificialidade do meio cinematográfico. A única manipulação temporal aceitável nos filmes clássicos de Hollywood é o flashback. Ele é usado principalmente para apresentar uma série de memórias de um personagem, como em Casablanca.

A regra temporal mais importante dos filmes clássicos é a duração dos sujeitos filmados: o público deve acreditar que a cena existe fora do quadro do filme para manter o aspecto realista da história. A técnica de gestão do espaço no clássico Hollywood visa esconder a bidimensionalidade das telas de projeção e também é muito centrada no corpo dos personagens. A maioria dos planos em um filme clássico foca no movimento ou nos rostos e são planos médios e planos médios a longos. Um filme clássico de Hollywood assemelha-se a uma peça filmada, pois os eventos parecem durar tempo suficiente e os planos nos dão o ângulo ideal de visualização de toda a peça. As regras do cinema clássico de Hollywood estão, portanto, fortemente em desacordo com a visão do cinema de arte, experimental e vanguardista, no qual o diretor busca ângulos de câmera subjetivos e imprevisíveis.

Essa regra do espaço contém 4 elementos principais: foco, profundidade, equilíbrio e frontalidade. Os sujeitos ou objetos importantes estão principalmente na parte central da imagem e sempre claramente visíveis, bem iluminados e perfeitamente focados. O equilíbrio é a regra segundo a qual os personagens e objetos filmados são distribuídos igualmente por todo o quadro. A ação é filmada na direção do espectador, frontalmente; é o cenário da cena, a luz e os figurinos são criados para dividir o primeiro plano do fundo da imagem. A fotografia utiliza principalmente a técnica de iluminação de três pontos, especialmente a iluminação high-key, bastante livre de sombras escuras, suave e difusa. É um tipo de luz que sugere um humor otimista. Tempo e espaço estão sempre subordinados à componente narrativa.