El expresionismo fue uno de los movimientos fundamentales en la historia del cine. Como en otras artes, el expresionismo buscaba poner en primer plano las emociones de los personajes. La visión del mundo del expresionismo es extremadamente subjetiva, emocional y no racional. El inconsciente y sus miedos más ancestrales cobran vida en la obra.
El expresionismo nació en Europa, a principios del siglo XX, y perduró hasta finales de los años veinte. Encontró el terreno más fértil para arraigar en Alemania, un país donde reinaba una atmósfera malsana en ese momento, mientras el nazismo se afirmaba. Una atmósfera magistralmente plasmada por una película parcialmente expresionista como M, Eine Stadt sucht einen Mörder (M, una ciudad busca a un asesino), dirigida por Fritz Lang. En las ciudades alemanas se tiene la impresión de poder encontrarse con el «mal» a la vuelta de la esquina: una sensación de angustia omnipresente.
¿Qué significa el expresionismo? El expresionismo, como dice la palabra misma, es lo opuesto al impresionismo. Una forma de expresarse que saca al exterior el alma y el sentimiento subjetivo del artista. Los decorados, las luces y los personajes adoptan formas extremadamente irreales, distorsionadas, alucinatorias y grotescas. Las luces son agudas y contrastadas.
El mundo subjetivo e interior
El mundo objetivo del impresionismo y el racionalismo no existe. La realidad es el espejo del inconsciente del autor de la obra de arte, a menudo de sus miedos profundos. El inconsciente crea la realidad.
En tiempos contemporáneos podemos ver que el éxito del expresionismo fue más allá de los movimientos que creían en la objetividad de la realidad. Todos los movimientos de nueva era, el crecimiento personal, el coaching de vida están de algún modo relacionados con las teorías del expresionismo. Es decir, sostienen que la realidad objetiva no existe. Que nosotros mismos creamos el mundo que nos rodea y todos los eventos y condiciones en los que fluye nuestra vida.
El expresionismo alemán, sin embargo, nació en un período oscuro. Guerras, hambrunas, racionalidad y positivismo que aplastaban las personalidades del individuo, el ascenso al poder de regímenes totalitarios. El expresionismo de los años veinte está asociado con imágenes oscuras, sombrías y lúgubres. Sombras inquietantes que se arrastran por las paredes, como en Nosferatu de William Murnau, uno de los grandes directores influenciados por el cine expresionista.
Los padres teóricos del expresionismo son psicólogos profundos como Freud y Jung, o filósofos del tiempo interior y la conciencia como Henri Bergson. Los exponentes del expresionismo se inspiraron abiertamente en los temas del Romanticismo. Pero aunque rechazaron el simbolismo, es fácil ver las influencias que los símbolos tuvieron en el movimiento.
Expresionismo y Pintura
Los pintores simbolistas, con el uso de colores fuertes, formas y figuras dibujadas de manera aguda y a veces violenta, querían expresar su subjetividad como los expresionistas. Pero sus referencias culturales no eran fácilmente comprendidas. Una forma de trabajar que no atraía a los expresionistas, quienes la consideraban demasiado difícil para alcanzar a un público no elitista.
Entre los precursores del movimiento expresionista estuvieron los pintores Munch, Matisse, Van Gogh. Su expresividad radical del mundo interior los caracterizaba mediante colores violentos, la incisividad del signo y el uso del grabado en madera en desuso.
Entre los pintores de la escuela del Expresionismo alemán destacamos el uso de la deformación de cuerpos y paisajes, el uso de líneas agudas y el rechazo a usar la perspectiva para hacer la imagen realista. Las imágenes son planas y fragmentadas por las líneas. Lo que más les interesa es expresar la desesperación y los sentimientos violentos de los sujetos que representan. Una visión a menudo sombría y pesimista.
Después de la pintura, el Expresionismo involucra todas las artes: desde la literatura hasta el teatro, desde la música hasta el cine.
Expresionismo y Cine
Las películas expresionistas más importantes fueron producidas principalmente por la casa productora alemana Ufa. Los límites históricos del expresionismo no son precisos porque otras corrientes relacionadas siguen al expresionismo puro, como el kammerspiel y La nueva objetividad. El movimiento llega al cine especialmente entre los años 10 y 20 del siglo XX.
Muchos críticos e historiadores coinciden en que El gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene es la única película verdaderamente expresionista. Pero también se consideran parcialmente expresionistas las películas de Murnau, Lang y Pabst. El cine expresionista tiene como característica principal la distorsión de la realidad en un universo visionario y alucinado con la ayuda de efectos especiales, y sobre todo con la luz y las sombras.
Las historias giran en torno al mundo sobrenatural, al misterio. Están llenas de atmósferas oscuras y malvadas con un estilo exasperado y emocionalmente fuerte. Ciudades fantasma o arquitecturas vertiginosas como Metropolis de Fritz Lang son ejemplos de esto. Escenografías geométricas con esquinas angulares. Rostros fuertemente maquillados de personajes demoníacos o perseguidos. Escenografía pintada o real en la que los personajes se mueven como si estuvieran presos en un laberinto.
Cine Expresionista: Películas para Ver
Aquí hay una selección esencial de películas del cine expresionista alemán, y más allá, que debes ver absolutamente.
Nosferatu
Cuando un joven agente inmobiliario, Thomas Hutter, va al castillo para cerrar un trato, Orlok se siente atraído por su sangre y decide seguirlo a su ciudad natal. La llegada del conde provoca una serie de muertes misteriosas y genera pánico entre los habitantes.
Murnau, a través de imágenes evocadoras y atmósferas perturbadoras, crea una obra que va mucho más allá de la simple adaptación de la novela de Stoker. La película explora temas universales como el miedo a la muerte, el aislamiento y la pérdida de la humanidad. La producción de Nosferatu se caracterizó por algunas dificultades legales debido a los derechos de autor de la novela de Bram Stoker. A pesar de esto, Murnau y su equipo lograron hacer una película de gran impacto visual. La elección de Max Schreck para interpretar al Conde Orlok fue ingeniosa. Su apariencia cadavérica y sus movimientos antinaturales han convertido al personaje de Orlok en uno de los monstruos icónicos en la historia del cine. Con el paso de los años, Nosferatu se ha convertido en una película de culto, influyendo en generaciones de cineastas y convirtiéndose en un punto de referencia para el género de terror. La imagen del Conde Orlok, con sus uñas alargadas y ojos hundidos, se ha convertido en un ícono del cine de horror.
El estudiante de Praga (1913)
El estudiante de Praga es una película muda dirigida por Stellan Rye en 1913. Esta película es considerada uno de los primeros ejemplos del cine de terror y representa un hito en la historia del cine.
La trama de la película es una adaptación de la famosa leyenda de Fausto y cuenta la historia de un joven estudiante, interpretado por Paul Wegener, que hace un pacto con el diablo para obtener una versión más perfecta y encantadora de sí mismo. Esta película es conocida por sus técnicas innovadoras de cámara y por ser uno de los primeros ejemplos en el uso de efectos especiales para crear la ilusión de doble exposición y la duplicación del personaje principal.
«El estudiante de Praga» fue una contribución significativa al cine expresionista alemán y es conocida por su atmósfera gótica y su estilo visualmente impresionante. Esta película ha influido en muchos directores y es considerada un clásico del cine de terror y del cine de autor.
El gabinete del Dr. Caligari (1920)
En una ciudad distorsionada y sombría, el Dr. Caligari presenta a su sonámbulo Cesare en una feria, quien comete asesinatos bajo el mando hipnótico del doctor. Narrado por un loco, el relato difumina la realidad y la alucinación, exponiendo el control malévolo del doctor sobre su sirviente sonámbulo.
Esta película seminal del Expresionismo emplea decorados angulosos, ángulos exagerados y un marcado claroscuro para exteriorizar la agitación psicológica interna, rechazando el realismo en favor de una subjetividad pesadillesca. Las imágenes estilizadas simbolizan la locura y el autoritarismo posteriores a la Primera Guerra Mundial, influyendo en el cine de terror y el cine negro. Su innovador marco narrativo cuestiona la cordura, consolidando su estatus como piedra angular del cine de autor que prioriza la distorsión emocional sobre la trama.
Faust
Terror, de F. W. Murnau, alemán, 1926.
Fausto es un erudito anciano que ha perdido la fe en la vida. Está derrotado por su incapacidad para ayudar a los demás y por la conciencia de su propia mortalidad. Un día, conoce a Mefistófeles, quien le ofrece un pacto: a cambio de su alma, Mefistófeles le dará juventud y poder eternos. Fausto acepta el pacto y Mefistófeles lo lleva a un mundo de lujo y placer. Fausto se enamora de Gretchen, una joven inocente, pero su amor es frustrado por Mefistófeles.
Fausto es considerado una de las mejores películas mudas jamás realizadas. Es una película visualmente impresionante, con el uso de imágenes expresionistas y simbolismo por parte de Murnau para crear un mundo oscuro y atmosférico. La película también presenta algunas de las escenas más icónicas en la historia del cine, como la secuencia en la que Fausto y Mefistófeles vuelan en una alfombra mágica. Además de sus méritos artísticos, Fausto fue una de las últimas grandes películas alemanas producidas antes del ascenso de los nazis. El estilo oscuro y expresionista de la película influyó posteriormente en directores como Orson Welles y Fritz Lang. Es una película visualmente impresionante y que invita a la reflexión, que explora los temas de la tentación, la redención y la condición humana.
IDIOMA: Alemán
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Portugués
El Golem (1920)
«El Golem» («Der Golem» en alemán) es una película muda dirigida por Paul Wegener y Carl Boese en 1920. Es un clásico del cine expresionista alemán y es conocida por su contribución al género de terror.
La trama de la película está inspirada en el folclore judío y se centra en la creación de un monstruo de arcilla, el Golem, por un rabino en la Praga medieval. Inicialmente creado para proteger a la comunidad judía, el Golem finalmente se convierte en una fuerza destructiva cuando pierde el control. La película explora temas de poder, responsabilidad y las consecuencias de jugar con fuerzas más allá del control humano.
«El Golem» es famosa por su impactante diseño de escenarios y efectos visuales, que fueron innovadores para la época. Paul Wegener, quien también interpretó el papel principal, es reconocido por su interpretación del Golem. Esta película es considerada una obra significativa en la historia del cine de terror y ha dejado un impacto duradero en el género.
Genuine (1920)
«Genuine» es una película muda dirigida por Robert Wiene en 1920. Robert Wiene es el mismo director conocido por la famosa película «El gabinete del Dr. Caligari,» y «Genuine» es otro ejemplo de su contribución al cine expresionista alemán.
La trama de «Genuine» gira en torno a una mujer misteriosa cuyo encanto tiene el poder de seducir y corromper a los hombres. La película explora temas de obsesión y manipulación mediante el uso de símbolos extravagantes e imágenes típicas del Expresionismo.
Como muchas películas expresionistas, «Genuine» es conocida por su estilo visual único y extravagante. Wiene utiliza escenarios elaborados y diseños intrincados para crear un mundo cinematográfico surrealista y inquietante. La película representa una de las muchas piezas de arte visual de la era expresionista y contribuye a su legado distintivo en el cine.
Vampyr
Horror, by Carl Theodor Dreyer, Germany, 1932.
Late in the evening, Allan Gray arrives at an inn near the town of Courtempierre and rents a room to sleep. Gray is suddenly disturbed by an old man, who enters the room and leaves a square package on the table: "To be opened on my death" is written on the wrapping paper. Gray takes the package and heads to an old castle where he sees an old woman and meets another old man. Looking through one of the windows, Gray sees the owner of the castle, the same man who gave him the package. The man is suddenly killed by a gunshot.
Carl Theodor Dreyer's Vampyr is made in the transition years between sound and silent cinema, using the visual language of the former to bring the horror genre into the new era. In Vampyr reigns a constant feeling of anguish, a nightmarish state of mind and invisible presences that lurk in every corner. Rudolph Maté's photography records every subtlety of light and shadow in a captivating dance. By now iconic shots, such as that of a man with a scythe ringing a bell and the sign of an inn silhouetted against a dark sky. Anthology scenes like the one in which Allan dreams of being buried alive by the vampire's henchmen, in which Dreyer uses a claustrophobic subjective view that makes the viewer "enter" the coffin. Just as in his previous film, The Passion of Joan of Arc from 1928, Dreyer uses intense close-ups to underscore the fears his characters encounter. Darkness plays an important role: the shadows move independently of their bodies and the forces of evil violate the rules of physics. Vampyr is a remarkable exploration of the boundaries between light and dark, fate and shadows, night and day. One of the masterpieces in the history of cinema that cannot be missed.
LANGUAGE: German
SUBTITLES: English, Spanish, French, Portuguese
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De la mañana a la medianoche (1920)
Un cajero de banco roba una fortuna tras vislumbrar a una enigmática dama italiana, huyendo de Berlín en una persecución maníaca del éxtasis. Su odisea a través de los bajos fondos termina en una desilusión inútil y suicidio a medianoche.
La adaptación de Karl Heinz Martin de la obra de Georg Kaiser ejemplifica la pura abstracción expresionista con escenarios esqueléticos, diseños angulares frenéticos y un frenesí simbólico, capturando la locura existencial de la posguerra. El arco del protagonista encarna las obsesiones intelectuales del Expresionismo—locura, traición—distorsionando la realidad urbana en una crítica alucinatoria del materialismo. Este audaz experimento de cine de arte prioriza la metáfora visual sobre la narrativa, influyendo en híbridos teatrales y cinematográficos de vanguardia.
Dr. Mabuse, el jugador (1922)
«Dr. Mabuse, el jugador» («Dr. Mabuse, der Spieler» en alemán) es una película muda dirigida por Fritz Lang en 1922. Esta es una de las primeras películas significativas en la carrera de Lang y se considera un clásico del cine alemán.
La trama gira en torno al Dr. Mabuse, un brillante criminal y jugador que utiliza trucos y engaños para manipular y explotar a las personas. La película sigue sus actividades criminales y al detective que intenta detenerlo. «Dr. Mabuse, el jugador» es conocida por su trama intrincada y la caracterización de su enigmático protagonista.
Esta película fue un gran éxito en Alemania en su momento y estableció a Fritz Lang como uno de los directores más destacados de su generación. Es conocida por sus profundos temas psicológicos y sociales y su estilo visual distintivo, que influyó en muchos directores posteriores. «Dr. Mabuse, el jugador» es una contribución significativa al cine expresionista alemán y al género de cine criminal.
The Last Laugh
Drama, de F.W. Murnau, Alemania, 1924.
Jannings es el portero del hotel Atlantic en Berlín, feliz con su papel y su uniforme. Pero su jefe piensa que es demasiado viejo para recibir a los clientes en la entrada y lo asigna a limpiar los baños. Jannings, profundamente afectado por lo ocurrido, se emborracha por la noche para olvidar lo sucedido y trata de ocultar su nuevo trabajo degradante a familiares y amigos. Pero al día siguiente es descubierto. Obra maestra absoluta de Murnau, en equilibrio entre el expresionismo y el kammespiel. La cámara cobra vida en un estilo increíblemente vanguardista de experimentación visual.
Para reflexionar
Para el ego, el uniforme y un trabajo respetable pueden ser un valor absoluto. Para el ego, ser asignado a limpiar baños puede ser la peor de las humillaciones. Porque el ego razona según las opiniones de los demás y quiere que nos ajustemos a su escala de valores. Para nuestro yo más profundo, sin embargo, puede ser más divertido limpiar baños que ser portero en la entrada del hotel.
IDIOMA: alemán (subtítulos)
SUBTÍTULOS: inglés
Nosferatu (1922)
El conde Orlok, un vampiro, llega a Wisborg, propagando la peste tras ser invitado por Ellen, la esposa del agente inmobiliario Thomas Hutter, cuya sangre anhela. Lugares reales se mezclan con sombras inquietantes mientras la ciudad sucumbe al miedo y a la muerte.
La adaptación no autorizada de Drácula de Murnau fusiona magistralmente técnicas expresionistas con naturalismo romántico, usando escenarios auténticos transformados en reinos inquietantes mediante panorámicas lentas y sombras antinaturales. El terror crece a través de la decadencia simbólica y la lujuria vampírica, reflejando las ansiedades de la República de Weimar. Su horror lírico y visuales innovadores establecieron el lenguaje visual del cine de vampiros, priorizando el terror atmosférico sobre el diálogo en esta obra maestra muda de cine de arte.
La Calle (1923)
«La Calle» (Die Straße) es una película muda alemana de 1923 dirigida por Karl Grune. Esta película es reconocida como un ejemplo del cine expresionista alemán y está basada en un relato de Heinrich Zille.
La trama sigue a una joven madre, María, y a su pequeño hijo mientras luchan por sobrevivir en las calles oscuras y sucias de una ciudad sin nombre. Al intentar escapar de la pobreza, se encuentran con una variedad de personajes, algunos compasivos y otros despiadados, en su búsqueda de una vida mejor.
«La Calle» es notable por su representación de la alienación y la desesperación en la sociedad urbana de la época. Utiliza una estética expresionista para enfatizar la atmósfera sombría y opresiva de las calles de la ciudad. La película es considerada un clásico del cine mudo alemán y es valorada por su contribución al género expresionista.
Destino (1922)
«Destino» (Schicksal) es una película muda de 1921-1922 dirigida por Fritz Lang. Esta película es una adaptación de la novela «Destino» (Der Regisseur) escrita por Hans Müller-Einigen.
La trama sigue la historia de un director de teatro que enfrenta diversos desafíos personales y profesionales mientras intenta dirigir su compañía teatral. La película explora temas como el destino, la pasión y los conflictos humanos.
«Destino» es una de las primeras obras de Fritz Lang antes de su fama con películas como «Metrópolis» (1927) y «M – El vampiro de Düsseldorf» (1931). No es tan conocida como algunas de sus películas posteriores, pero muestra las habilidades iniciales de Lang como director y ofrece una mirada interesante a la evolución de su carrera.
The Cabinet of Dr. Caligari
Terror, fantasía, por Robert Wiene, Alemania, 1920.
La película simbólica del expresionismo cinematográfico. Francis le cuenta una historia a un hombre: en 1830, en un pequeño pueblo, un tipo llamado Caligari hace de pregonero en la feria para presentar la atracción de él, un sonámbulo que mantiene bajo hipnosis en un ataúd. El doctor sostiene que el sonámbulo es capaz de conocer el pasado y predecir el futuro. Atmósferas irreales y decorados deformados, actuación estilizada, personalidad dividida, confusión entre sueño y realidad.
Para reflexionar
Personalidad, del griego persona, significa máscara. Persona proviene de la palabra personalidad. La individualidad es un don de la existencia, la personalidad es impuesta por la sociedad. La personalidad sigue al rebaño de ovejas, la individualidad es un león que se mueve por sí mismo. Hasta que no dejes ir tu personalidad no podrás encontrar tu individualidad.
IDIOMA: Alemán
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Portugués
El Gabinete de las Figuras de Cera (1924)
«El Gabinete de las Figuras de Cera» («Das Wachsfigurenkabinett» en alemán) es una película muda dirigida por Paul Leni en 1924. Es un ejemplo temprano del cine alemán de horror y fantasía.
La trama consiste en varias historias separadas, cada una basada en un personaje de una figura de cera en un museo de cera. Las historias están conectadas por un hilo narrativo común que involucra al dueño del museo y su asistente. La película presenta atmósferas góticas y una serie de escenas de horror y bizarras.
«El Gabinete de las Figuras de Cera» es conocido por su estilo visual impresionante y sus representaciones inquietantes. El director Paul Leni fue un pionero en el género de películas de horror y contribuyó a definir algunas de sus convenciones. Esta película es considerada una contribución importante a la historia del cine de fantasía y horror.
La Última Risa (1924)
Un orgulloso portero de hotel es degradado a encargado de baños debido a su edad, sufriendo humillación pública y desprecio familiar. A través de imágenes sin intertítulos y una actuación exagerada, su descenso a la desesperación culmina en una improbable reversión triunfante.
El Kammerspiel de Murnau avanza la forma expresionista con una cameraturgia móvil—entrando en espacios y puntos de vista subjetivos—mientras los decorados evocan estados emocionales más que literalidad. La actuación magistral de Emil Jannings distorsiona la realidad para transmitir la subjetividad de la vergüenza, prescindiendo de títulos para una narrativa cinematográfica pura. Este hito del cine de autor critica la jerarquía social, influyendo en directores globales con su innovadora y empática representación de la tragedia proletaria.
Faust (1926)
En un pueblo azotado por la peste, un erudito anciano invoca a Mefisto, rejuvenece mediante un pacto demoníaco, seduce a Gretchen y desata la tragedia. Grandes visiones del cielo y el infierno enmarcan esta reinterpretación expresionista de la leyenda de Goethe.
La última película alemana de Murnau eleva el expresionismo a través de un claroscuro épico y efectos especiales, transformando la narrativa mítica en poesía visual. El diablo travieso de Jannings y las composiciones dinámicas externalizan los conflictos internos de Fausto, mezclando realismo con estilización. Redefine la cinematografía en blanco y negro, explorando la tentación y la redención en medio de las crisis espirituales de Weimar, consolidando el legado de autor de Murnau en la fantasía de cine de autor.
Metrópolis (1927)
«Metrópolis» es una película muda revolucionaria dirigida por Fritz Lang en 1927. Es una obra maestra de ciencia ficción y una de las películas más icónicas en la historia del cine.
La trama de «Metrópolis» se sitúa en un futuro distópico donde la sociedad está dividida en dos clases: la élite adinerada que vive en el lujo sobre la superficie y los trabajadores oprimidos que laboran en duras condiciones bajo tierra. La historia sigue al hijo del gobernante de la ciudad que descubre la difícil situación de los trabajadores y busca cerrar la brecha entre las clases.
«Metrópolis» de Fritz Lang es reconocida por sus innovadores efectos especiales, impresionantes diseños de escenarios y narrativa visionaria. Ha tenido una profunda influencia en el género de ciencia ficción y sigue siendo un clásico en la historia cinematográfica. Los temas de desigualdad social y resiliencia humana del filme continúan siendo relevantes hoy en día.
M (1931)
«M» (M – Eine Stadt sucht einen Mörder) es una película dirigida por Fritz Lang en 1931. Es un importante film alemán y es conocida como una de las primeras películas sonoras.
La trama sigue la caza de un asesino en serie que aterroriza la ciudad de Düsseldorf, Alemania. El criminal, interpretado por Peter Lorre, es un abusador y asesino de niños. La comunidad decide capturar al criminal por su cuenta, lo que conduce a una cacería que involucra tanto a la policía como a los criminales de la ciudad.
«M» es una película influyente que ayudó a establecer a Fritz Lang como uno de los grandes directores del cine. Es conocida por su atmósfera oscura y la exploración de temas como la alienación social y la justicia. La actuación de Peter Lorre en el papel del criminal es particularmente aclamada. La película es un clásico del cine mundial y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
El testamento del Dr. Mabuse (1933)
«El testamento del Dr. Mabuse» (Das Testament des Dr. Mabuse) es una película dirigida por Fritz Lang en 1933. Esta película es la secuela del famoso filme mudo de Lang de 1922, «Dr. Mabuse, el jugador».
La trama sigue la investigación policial para detener a una organización criminal liderada por un enigmático cerebro, el Dr. Mabuse. Este personaje es un genio criminal que planea y orquesta una serie de actos delictivos complejos. La historia explora temas como la locura, el control mental y el conflicto entre el bien y el mal.
«El testamento del Dr. Mabuse» es notable por haberse realizado durante la emergente era del cine sonoro y por su uso creativo del sonido y los efectos visuales. Se considera un clásico del cine alemán y un ejemplo importante del género thriller psicológico. Fritz Lang creó una película que continúa influyendo en el cine negro y el cine de suspense hasta hoy.
El ángel azul (1930)
«El ángel azul» (Der blaue Engel) es una película dirigida por Josef von Sternberg en 1930. Esta película es reconocida por ser el primer filme sonoro alemán y es una de las obras maestras del cine alemán y del director Josef von Sternberg.
La trama gira en torno a un respetado profesor de secundaria, interpretado por Emil Jannings, que se enamora de una bailarina de burlesque llamada Lola, interpretada por Marlene Dietrich, quien actúa en el Ángel Azul, un decadente club nocturno. El profesor queda atrapado en su pasión por Lola y gradualmente pierde su estatus y dignidad, terminando actuando junto a ella en el club.
«El ángel azul» es conocido por lanzar la carrera de Marlene Dietrich y por su atmósfera decadente y oscura. Es una película que explora temas como la pérdida de dignidad, la obsesión y la decadencia moral. La actuación de Dietrich fue aclamada y la ayudó a convertirse en una estrella de renombre internacional. La película es un clásico del cine expresionista alemán.
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