Films de samouraï que vous devez absolument regarder

Les films de samouraïs sont un genre cinématographique japonais lié aux western et aux films de cape et d’épée. Les films de samouraïs ont produit un grand nombre de chefs-d’œuvre cinématographiques universellement reconnus. Bien que beaucoup de ces classiques aient été produits au sein du système des grands studios japonais, leur vision de réalisateur sans compromis et leur intégrité artistique en font les précurseurs spirituels du cinéma indépendant moderne. Les films de samouraïs sont appelés Chanbara au Japon et constituent une sous-catégorie du jidaigeki, qui désigne le drame historique. Le terme Chanbara décrit également un sport martial comparable à l’escrime. Alors que les premiers films de samouraïs n’étaient pas axés sur l’action, ceux produits après la Seconde Guerre mondiale sont devenus plus orientés vers l’action, avec des personnages plus sombres et plus violents. Les samouraïs légendaires de l’après-guerre avaient tendance à dépeindre des guerriers émotionnellement ou physiquement épuisés. 

Dans les films d’Akira Kurosawa, on trouve la mort, la violence et des samouraïs impressionnants. Ses samouraïs, ainsi que beaucoup d’autres personnages dépeints dans ses films, étaient des figures singulières, souvent plus préoccupées à dissimuler leurs capacités martiales qu’à les révéler. Historiquement, le genre se situe tout au long de la période Tokugawa, de 1600 à 1868. Pour cette raison, les films de samouraïs se concentrent sur la réalisation d’un mode de vie entier pour les samouraïs : certains films traitent des rōnin sans maître, ou des samouraïs qui gèrent les changements dans leur existence résultant d’une société en évolution.

Les films de samouraïs étaient produits en continu au début des années 1970, mais une surexposition à la télévision, le vieillissement des grandes stars du genre et le marché cinématographique japonais en déclin constant ont stoppé la plupart des productions dans ce genre. 

Réalisateurs de films de samouraïs

Daisuke Itō et Masahiro Makino furent les protagonistes des origines des films de samouraïs durant la période pré-guerre du cinéma muet. Akira Kurosawa est le plus connu du public occidental et a également réalisé les films de samouraïs les plus célèbres en Occident. Il a entretenu une longue collaboration avec Toshirō Mifune, sans doute la star la plus populaire du Japon. Mifune lui-même possédait une société de production qui a produit des films de samouraïs impressionnants avec lui en vedette. Deux des films de samouraïs de Kurosawa étaient basés sur les œuvres de William Shakespeare, Throne of Blood (Macbeth) et Ran (King Lear). Beaucoup de ses films ont été refaits en Italie et aux États-Unis sous forme de westerns ou de films d’action situés dans d’autres contextes. Son film Les Sept Samouraïs est l’un des exemples les plus essentiels du genre et le plus populaire hors du Japon. Il met également en lumière certaines conventions des films de samouraïs car les personnages principaux sont des rōnin, des samouraïs sans maître et sans emploi, autodéterminés par leur propre conscience. En particulier, ces hommes ont tendance à régler leurs problèmes avec leurs épées et sont très habiles à le faire. Il révèle aussi la vulnérabilité des paysans et la différence entre les deux classes.

Masaki Kobayashi a réalisé les films Harakiri et La Révolte des samouraïs, tous deux basés sur un engagement problématique envers le clan. Les films de Kihachi Okamoto se concentrent sur la violence dans un style spécifique. Notamment dans ses films Assassin samouraï, Kill! et Sword of Destiny. Ce dernier est particulièrement violent, le personnage principal s’engageant dans un combat qui dure 7 minutes à la fin du film. Ses personnages sont souvent séparés de leur environnement et leur violence est une réponse problématique à cela.

Hideo Gosha et beaucoup de ses films ont contribué à développer l’archétype du voyou samouraï. Les films de Gosha sont aussi essentiels que ceux de Kurosawa en termes d’impact et de design visuel, mais ils ne sont pas largement compris en Occident. Les films de Gosha dépeignent souvent la bataille entre le moderniste et l’idée standard et sont résolument anti-féodaux. Le réalisateur a cessé de faire des chambara, passant à la catégorie Yakuza dans les années 70. Certains de ses films les plus célèbres sont Goyokin, Hitokiri, Sanbiki no Samurai et Kedamono no Ken.

Kenji Misumi a été actif dans la réalisation de films de samouraïs des années 1950 au milieu des années 1970. Il a réalisé environ 30 films dans cette catégorie, y compris certains des films Lone Wolf and Cub, ainsi qu’un certain nombre de la série Zatoichi et Sleepy Eyes of Death. Un exemple remarquable du type d’immédiateté et d’action évident dans la catégorie des films de samouraïs est le tout premier film de Gosha, Les Trois Samouraïs hors-la-loi, basé sur une série télévisée. Trois paysans kidnappent le fils du magistrat local pour attirer l’attention sur la pauvreté des paysans, un ronin apparaît pour les aider. Alors qu’ils agissent, deux autres ronin entrent dans le drame, le conflit s’intensifie, menant finalement à la trahison, à l’assassinat et à des combats entre armées de ronin mercenaires. 

Thèmes des films de samouraïs

Un film de samouraï consiste en des guerriers samouraïs, des combats à l’épée et un cadre historique. Les guerriers samouraïs, dans le film, se distinguent des autres guerriers par le code d’honneur suivi pour honorer le chef samouraï. Un samouraï doit nécessairement être compétent en guerre et en arts martiaux et prêt à protéger son honneur jusqu’à la mort. S’il est incapable de protéger son honneur, un samouraï peut choisir de s’engager dans l’auto-éviscération, seppuku, pour préserver son honneur. Ou bien, un samouraï peut prendre sa revanche en cas de perte de quelqu’un qu’il valorisait. L’habitude du samouraï est de préserver l’honneur même dans la mort et cela est perpétué par le code du bushido.

Un conflit récurrent que rencontre le samouraï est la dispute entre ninjō et giri. Le ninjō est le sentiment humain qui vous informe de ce qui est juste, et le giri est la responsabilité du samouraï envers son seigneur et son clan. Le conflit découle du contrôle frustrant du gouvernement fédéral sur les habitudes des samouraïs. Typiquement, les samouraïs questionnent la moralité de leurs actions et sont déchirés entre responsabilité et conscience. Ce conflit dépasse les âges dans les films de samouraïs et peut développer la compréhension du personnage principal comme l’outsider éthique ou le guerrier inflexible. Le guerrier samouraï est souvent associé à son épée. L’escrime est un élément essentiel de la guerre utilisé dans de nombreux films de samouraïs. 

Films de samouraïs et westerns

Les premiers films de samouraïs ont été influencés par la catégorie encore en pleine expansion du western avant et pendant la Seconde Guerre mondiale. Depuis, ces deux catégories ont en réalité eu un effet salutaire l’une sur l’autre. Deux précurseurs du genre, Akira Kurosawa et Masaki Kobayashi, ont été influencés par des réalisateurs américains tels que John Ford. Divers westerns ont en fait raconté des histoires de samouraïs dans un contexte occidental, en particulier les westerns spaghetti. Pour quelques exemples, Pour une poignée de dollars du réalisateur italien Sergio Leone et Last Man Standing de Walter Hill sont tous deux des remakes de Yojimbo. Le personnage de L’Homme sans nom de Clint Eastwood a été conçu en partie d’après le ronin errant incarné par Mifune dans plusieurs de ses films. Lorsque George Lucas a réalisé Star Wars, La Forteresse cachée l’a influencé. Les Sept Samouraïs ont été adaptés en western et en film de science-fiction, respectivement sous les titres Les Sept Mercenaires et Battle Beyond Destiny. Les Sept Samouraïs ont eu une importance capitale. Ils ont popularisé le trope du « rassemblement de la bande » au cinéma, devenu fréquent dans de nombreux films d’action. Les images, l’intrigue et les dialogues de Seven Samurai ont inspiré une grande variété de réalisateurs, de George Lucas à Quentin Tarantino. 

Le cinéma d’action hongkongais, avec ses premiers films d’arts martiaux, a été influencé par les films de samouraïs japonais des années 1940 et suivantes. Au début des années 1970, ces films étaient devenus essentiellement des films de kung-fu au corps à corps, popularisés par Bruce Lee. À leur tour, les films de kung-fu hongkongais sont devenus populaires et influents au Japon à partir des années 1970. 

Films de samouraïs à voir

Le cinéma de samouraïs a défini une esthétique mondiale. L’imaginaire collectif est marqué par l’épopée d’Akira Kurosawa, de Seven Samurai à Yojimbo, des œuvres qui ont créé un langage du duel, de l’honneur et des codes inviolables. Ces chefs-d’œuvre sont le sommet incontesté du genre, une référence qui a influencé tout, du western américain à l’action moderne.

Mais la figure du samouraï est aussi un miroir philosophique. Au-delà du spectacle de la lame, un regard plus intime existe, qui utilise le guerrier pour explorer la solitude, le nihilisme et la violence de la fin d’une époque. Ce cinéma ne célèbre pas l’action, mais interroge l’âme, trouvant le drame non dans le duel, mais dans ce qui le précède et le suit.

Cette sélection célèbre ces deux visions. Nous placerons les grands classiques qui ont construit le mythe aux côtés de films plus subversifs et de niche, des œuvres qui utilisent le cadre historique pour une enquête existentielle. Ce n’est pas une simple liste, mais une exploration complète de la manière dont le bushido a été interprété, des grands maîtres aux voix les plus underground.

Humanité et Ballons de Papier (1937)

C’est un film jidaigeki samouraï japonais réalisé par Sadao Yamanaka. Ce fut le dernier film de Yamanaka avant sa mort. Le film se déroule dans le Japon féodal à une époque appelée Edo. Il montre les combats et les plans de Matajuro Unno, un rōnin, ou samouraï sans maître, et de son voisin d’à côté Shinza, un coiffeur. Yamanaka est sans doute le meilleur réalisateur du nouveau jidaigeki, et Humanité et Ballons de Papier son meilleur ouvrage. Le film est un voyage extraordinaire à travers le temps dans l’ère féodale qui offre une description des conditions politiques et sociales de l’époque où il a été réalisé. Pour certains critiques et réalisateurs, il figure parmi les meilleurs films jamais réalisés.

L’histoire commence dans un quartier délabré où des familles du milieu interlope effectuent leur travail quotidien. Shinza, bien que coiffeur de métier, gagne sa vie en gérant des espaces de jeu illégaux et en mettant en gage des objets personnels. Unno est le fils de Matabei Unno, un excellent samouraï. Suite à la mort de son père, Unno a eu du mal à trouver du travail et espère que Mouri, l’ancien maître de son père, l’engagera après avoir lu une lettre de celui-ci. Mouri trouve des raisons pour ne pas lire la lettre de son père. Unno cherche Mouri chaque jour et le suit partout où il va. Mouri tente de tuer Unno en envoyant une bande d’hommes et en informant ses gardes de l’empêcher d’entrer.

Sazen Tange et le Pot d’une Million de Ryo (1935)

« Sazen Tange et le Pot d’une Million de Ryo » (japonais : « Tange Sazen Yowa: Hyakuman Ryo no Tsubo ») est un film japonais de 1935 réalisé par Sadao Yamanaka. Le film est une adaptation cinématographique d’un roman japonais du XVIIIe siècle écrit par Kyokutei Bakin.

Le scénario du film suit les aventures de Sazen Tange, un épéiste habile à une main, alors qu’il recherche un ancien vase japonais d’une valeur d’un million de ryo. Au cours de sa quête, Sazen rencontre divers personnages excentriques et affronte de nombreux ennemis, s’engageant dans des duels spectaculaires.

Le film est considéré comme un classique du cinéma japonais et a influencé de nombreux réalisateurs ultérieurs. En particulier, le personnage de Sazen Tange est devenu une icône de la culture populaire japonaise et a inspiré de nombreux films et œuvres télévisuelles.

Malheureusement, le réalisateur Sadao Yamanaka est décédé quelques années après la sortie du film pendant la Seconde Guerre mondiale, faisant de « Sazen Tange et le Pot d’une Million de Ryo » l’une de ses dernières œuvres. Cependant, son influence dans le cinéma japonais reste très forte et le film demeure une œuvre très appréciée des critiques et du public.

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Les 47 Ronin (1941)

C’est un film jidaigeki japonais en deux parties, en noir et blanc, réalisé par Kenji Mizoguchi, adapté d’une pièce de théâtre de Seika Mayama. Le film illustre les célèbres quarante-sept ronin et leur complot pour venger la mort de leur seigneur, Asano Naganori, en éliminant Kira Yoshinaka, une autorité du shogunat responsable d’avoir forcé Asano à commettre le seppuku. Le film fut un échec commercial malgré un coût de 530 000 ¥, ayant été sorti au Japon une semaine avant l’attaque de Pearl Harbor. L’armée japonaise et la majorité du public trouvèrent la première partie trop importante, cependant le studio et Mizoguchi la considéraient si cruciale que la deuxième partie fut mise en production, malgré l’accueil tiède réservé à la première partie.

L’intrigue se concentre sur les conséquences d’une attaque du seigneur Asano Naganori contre le seigneur Kira Yoshinaka, une autorité importante à la cour du shogunat Tokugawa. Après avoir entendu Kira l’insulter en public, Asano frappe Kira avec une épée dans les couloirs du château d’Edo, mais ne parvient qu’à le blesser. Puisque l’agression contre les autorités du shogunat est un crime grave, le shogun Tokugawa Tsunayoshi condamne Asano à commettre le seppuku et ordonne la confiscation des terres et richesses du clan Asano.

Sanshiro Sugata (1943)

Un jeune homme déterminé nommé Sanshiro Sugata se rend en ville pour maîtriser le jujutsu, mais découvre à la place le judo sous la direction du maître Yano. À travers un entraînement rigoureux, des défaites humbles et des leçons spirituelles profondes, il passe d’un bagarreur impétueux à un artiste martial discipliné. Son ultime épreuve survient lors d’un duel culminant au sommet d’une colline balayée par le vent contre un rival qui incarne tout ce qu’il a cherché à transcender.

Les débuts de réalisateur d’Akira Kurosawa restent une réalisation remarquable, introduisant les thèmes de la maîtrise, de la discipline et de la croissance morale qui définiront toute sa carrière. Bien que techniquement ce ne soit pas un film de samouraï au sens strict, son éthique et son esthétique appartiennent pleinement à cette tradition. Le célèbre duel au sommet de la colline est étonnamment cinématographique pour un premier réalisateur, utilisant le vent, l’herbe et le silence pour amplifier les enjeux émotionnels. Kurosawa démontre déjà son instinct pour trouver l’histoire humaine profonde dans le cadre du combat physique.

Rashomon (1959)

C’est un film de samouraï, thriller psychologique et film policier jidaigeki de 1950, réalisé et écrit par Akira Kurosawa, en étroite collaboration avec le directeur de la photographie Kazuo Miyagawa. Avec Toshiro Mifune, Machiko Kyō, Masayuki Mori et Takashi Shimura jouant différents personnages expliquant comment un samouraï a été tué dans une forêt. L’intrigue et les personnages sont basés sur la nouvelle de Ryunosuke Akutagawa « Dans une forêt » et « Rashōmon », une autre nouvelle d’Akutagawa. Le film inclut de nombreux personnages qui fournissent des versions subjectives, incohérentes et alternatives du même événement. Rashomon fut le tout premier film japonais à obtenir une reconnaissance mondiale notable : il remporta le Lion d’or au Festival de Venise en 1951, reçut un Oscar d’honneur lors de la 24e cérémonie des Academy Awards en 1952, et est considéré comme l’un des meilleurs films jamais réalisés.

L’histoire commence à l’époque de Heian à Kyoto. Un prêtre et un bûcheron sont assis sous la porte de la ville de Rashōmon pour s’abriter pendant un orage lorsque un citoyen les rejoint et ils commencent à raconter une histoire extrêmement troublante sur une attaque et un meurtre qui ont eu lieu. Ni le prêtre ni le bûcheron ne comprennent comment ces individus ont pu donner des récits significativement différents du même événement, chacun des trois prouvant qu’il est le seul à avoir commis le meurtre.

L’histoire d’Akutagawa, la direction et le scénario percutants de Kurosawa, la performance splendide de Mifune et la cinématographie de Miyagawa atteignent une rare puissance visuelle. Au début des années 1960, les historiens du cinéma attribuent à Rashomon le mérite d’avoir lancé le mouvement mondial de la Nouvelle Vague, qui a gagné en popularité à la fin des années 1950 et au début des années 1960. 

La Porte de l’Enfer (1953)

C’est un film japonais jidaigeki de samouraï de 1953 réalisé par Teinosuke Kinugasa. Il raconte l’histoire d’un samouraï (Kazuo Hasegawa) qui tente d’épouser une femme (Machiko Kyō) qu’il sauve, pour découvrir qu’elle est déjà mariée et se détruit lui-même à cause d’une passion amoureuse incontrôlable. Tourné en Eastmancolor, La Porte de l’Enfer fut le premier film en couleur de Daiei Film et le premier film japonais en couleur à être distribué hors du Japon. Le film mêle une montée souterraine de sentiments puissants à des visuels spectaculaires. La tension et les misères des enthousiasmes violents du samouraï éclatent derrière la façade de respect de soi, de maîtrise de soi et d’une esthétique cinématographique superbe. L’essence même de la culture japonaise ancienne est transformée en stimulant dans ce film.

Le film commence pendant la rébellion de Heiji en 1159 lors de la tentative de prise du château de Sanjo dans un coup d’État. Le samouraï Endō Morito est chargé d’accompagner la dame de compagnie Kesa hors du palais une fois qu’elle se porte volontaire pour se déguiser en sœur du daimyō, laissant au père du daimyō le temps pour que la véritable sœur s’échappe secrètement. 

Ugetsu (1953)

Basé sur le livre du même nom de Ueda Akinari et réalisé par le célèbre réalisateur Kenji Mizoguchi, Ugetsu fut parmi les premiers films importants à émerger du Japon alors qu’il se relevait après la Seconde Guerre mondiale. C’est un film ésotérique qui se concentre sur la lutte de deux familles paysannes et le destin qui les frappe. Absolument spécial, le film est une grande réflexion sur la morale, la spiritualité et le pouvoir des illusions. Esthétiquement exceptionnel, il fait partie des plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire du cinéma.

Dans la ville agricole de Nakanogō sur la côte du lac Biwa dans la province d’Ōmi durant l’époque Sengoku, Genjūrō, un potier, apporte ses marchandises au marché voisin d’Ōmizo. Il est accompagné de son beau-frère Tōbei, qui aspire à devenir samouraï. Cette nuit-là, l’armée de Shibata Katsuie traverse Nakanogō, détruisant les maisons de Genjūrō, Tōbei et de leurs épouses ; Genjūrō choisit alors de porter ses pots sur un autre marché. Alors que les couples traversent le lac Biwa, un bateau apparaît dans l’épaisse brume. Le voyageur solitaire leur raconte avoir été attaqué par des pirates, les met en garde puis meurt. Les hommes décident de ramener leurs épouses sur la côte, mais Ohama, l’épouse de Tōbei, refuse de partir. Miyagi demande à Genjūrō de ne pas l’abandonner, mais elle est laissée sur la côte avec leur bébé Genichi accroché à son dos.

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Les Sept Samouraïs (1954)

C’est un film japonais de samouraïs datant de 1954. Akira Kurosawa, le maître immortel du cinéma japonais, domine le genre des films de samouraïs. Choisir le meilleur film de l’auteur serait une tâche difficile, mais Les Sept Samouraïs pourrait figurer parmi les meilleurs. Lorsqu’un groupe de villageois est constamment pris pour cible par des hors-la-loi, il prend les choses en main en engageant un groupe de samouraïs pour riposter. Une histoire de luttes de classes et culturelles se déploie, chargée à ras bord de scènes d’action à couper le souffle et de rebondissements déchirants. Repris maintes fois par divers réalisateurs, l’original est tout simplement difficile à imiter.

Samurai I : Musashi Miyamoto (1954)

Adapté du roman bien-aimé d’Eiji Yoshikawa, ce film suit le jeune et sauvage Takezo qui survit à la dévastatrice bataille de Sekigahara et entame un parcours tumultueux vers la maîtrise de soi. Emprisonné par un moine sage et transformé par la souffrance et la discipline, il renaît sous le nom de Musashi Miyamoto, le plus légendaire escrimeur du Japon, entamant un chemin qui définira toute sa vie et son héritage.

La première œuvre de Hiroshi Inagaki dans sa célèbre trilogie Musashi a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, introduisant le public occidental à la grandeur du cinéma de période japonais. L’interprétation de Toshiro Mifune est extraordinairement physique et émotionnellement brute, capturant un homme en guerre avec lui-même autant qu’avec ses adversaires. La palette visuelle du film est luxuriante et picturale, chaque plan étant composé avec une grande maîtrise artistique. Il a établi une référence pour le récit initiatique de samouraï que d’innombrables films ont depuis tenté de reproduire.

Le Trône de sang (1957)

Le Macbeth de Shakespeare est transposé dans le Japon ancien dans ce film sensationnel, adapté de l’Éternel Barde d’Akira Kurosawa et mettant en vedette Toshiro Mifune dans le rôle principal. La jeune Asaji Washizu est déterminée à s’emparer du pouvoir par l’intermédiaire de son homme, et tous deux mènent un projet sanglant où les alliances sont détruites et les cadavres commencent à s’accumuler. Malgré la barrière de la langue et quelques divergences scénaristiques par rapport à l’original, c’est peut-être la meilleure adaptation shakespearienne jamais réalisée pour l’écran. Même sans comprendre l’histoire, c’est un excellent film : un film surnaturel dans lequel l’aspiration humaine et la cruauté sont aussi menaçantes qu’une force transcendante.

La Forteresse cachée (1958)

C’est un film d’aventure japonais jidaigeki de 1958 réalisé par Akira Kurosawa. Il raconte l’histoire de deux paysans qui acceptent d’escorter un homme et une femme à travers une zone de combat en échange d’or, sans réaliser que l’homme est un général et la femme une princesse. Le film met en vedette Toshiro Mifune dans le rôle du général Makabe Rokurōta et Misa Uehara dans celui de la princesse Yuki, tandis que les rôles des paysans, Tahei et Matashichi, sont joués respectivement par Minoru Chiaki et Kamatari Fujiwara.

Parmi les meilleurs films d’action et d’aventure jamais réalisés, c’est un film de samouraïs frénétique, esthétiquement spectaculaire et divertissant, qui ne dédaigne pas les mécanismes des blockbusters hollywoodiens. Les prestations musclées de Toshiro Mifune dans les scènes audacieuses de charge à cheval et la bataille minutieusement chorégraphiée qui suit s’inscrivent dans la meilleure tradition de Douglas Fairbanks. Il y a un sens du pur cinéma dans ce film qui le place parmi les grandes expériences cinématographiques telles que Gunga Din, Le Voleur de Bagdad et le célèbre diptyque de Fritz Lang Le Tigre d’Eschnapur et Le Tombeau hindou. Un peu éclipsé par la perfection de Sept Samouraïs, c’est un film intense soigneusement mis en scène, parmi les meilleures œuvres d’art de Kurosawa.

Yojimbo (1961)

C’est un film de samouraï japonais de 1961. Kurosawa revient une fois de plus avec une histoire entraînante d’un samouraï renégat entraîné dans une guerre acharnée entre clans rivaux, qui provoque à son tour le chaos dans une petite ville. Le rōnin prend les choses en main et choisit de faire preuve de débrouillardise, trompant les deux camps pour s’assurer qu’ils se punissent mutuellement. Plus que tout, le film est formidable grâce à l’incomparable Toshiro Mifune, dont le charme et la physicalité dominent ce film explosif. Mifune a remporté la Coupe Volpi du meilleur acteur au Festival de Venise de 1961.

Harakiri (1962)

Situé à la fin de l’ère Tokugawa, ce film captivant raconte l’histoire de Tsugumo Hanshiro (interprété par le fantastique Tatsuya Nakadai), un samouraï qui perd sa position respectable dans la société. N’ayant nulle part où aller, il tente de se réintégrer dans le monde et de concilier son passé courageux avec les dures vérités d’aujourd’hui. Hymne à l’esprit humain et réflexion sur l’inconscience de la mort, le film est aussi une vaste méditation sur la fin d’une époque, ainsi qu’un regard sur les éléments les plus terribles de l’appartenance à la classe des samouraïs dans le Japon ancien.

Sanjuro (1962)

Il s’agit d’un film japonais de samouraïs de 1962. Kurosawa et Toshiro Mifune se retrouvent pour cette suite de Yojimbo. Lorsque le rōnin de Mifune entend neuf jeunes samouraïs élaborer des stratégies pour lutter contre leur superviseur corrompu, il prend une fois de plus les choses en main, choisissant de les diriger et de défendre la justice. L’action culmine dans le climax du film, avec le meilleur combat de samouraïs du cinéma japonais, où Sanjuro affronte sa chute dans une bataille fatale. Tout au long du film, un sous-texte évoque la futilité de la violence et de la guerre. Une réplique du film résume tout cela : « Les plus belles épées sont celles qui restent dans leur fourreau. »

Kill! (1968)

Deux vagabonds arrivent dans une ville féodale en pleine lutte de pouvoir violente : un ancien fermier qui désespère de devenir samouraï, et un samouraï désabusé qui aspire à abandonner l’épée pour devenir fermier. Leurs destins s’entrelacent alors qu’ils sont tous deux entraînés dans un conflit mortel impliquant des vassaux corrompus, des fonctionnaires manipulateurs, et un groupe de jeunes ronins idéalistes qui pourraient n’être que des pions dans un jeu beaucoup plus vaste.

Le film d’une énergie folle et étonnamment incisive de Kihachi Okamoto fonctionne à la fois comme une aventure chambara palpitante et une déconstruction astucieuse de la mythologie samouraï. L’ironie centrale de deux hommes aspirant à échanger leurs identités confère au film une énergie tragicomique qui le distingue de ses contemporains. Tatsuya Nakadai est magnétique en samouraï sardonique et las du monde, s’opposant parfaitement à l’attachant fermier sincère interprété par Etsushi Takahashi. Okamoto gère avec une confiance remarquable les changements de ton entre la comédie large et la violence brutale soudaine, façonnant un film constamment surprenant et profondément divertissant.

Goyokin (1969)

Un samouraï rongé par la culpabilité affronte son beau-frère corrompu, qui a massacré un village entier pour dissimuler le vol d’or gouvernemental. Trois ans plus tard, découvrant que le stratagème est sur le point d’être répété, l’épéiste réticent doit surmonter sa propre paralysie et sa honte pour empêcher un nouveau massacre. Sur fond de paysages hivernaux époustouflants du nord du Japon, le film construit une confrontation brutale et moralement impitoyable.

Goyokin de Hideo Gosha est l’un des films de samouraïs les plus visuellement magnifiques et moralement complexes jamais réalisés. Le paysage austère, couvert de neige, n’est pas simplement un décor, mais une métaphore active de la conscience figée du protagoniste. Tatsuya Nakadai et Tetsuro Tamba livrent un affrontement de titans, leur opposition idéologique aussi tranchante que n’importe quelle lame. Gosha refuse l’héroïsme facile — l’inaction du héros est aussi condamnable que les crimes du méchant. Goyokin mérite une reconnaissance bien plus large en tant que pierre angulaire du genre.

Shogun Assassin (1980)

C’est un film japonais de samouraïs de 1980. Parmi les films les plus sanglants de cette liste, Shogun Assassin est une version abrégée des films Lone Wolf and Cub des années 1970, adaptés du manga du même nom. Un bourreau samouraï est trahi par son maître, qui envoie des ninjas pour l’éliminer. Ils tuent sa femme, le laissant seul pour s’occuper de lui-même et de son enfant en bas âge. Un classique du grindhouse qui a eu un grand impact sur Quentin Tarantino, c’est un carnage pur mais extrêmement divertissant du début à la fin. 

Kagemusha (1980)

C’est un film japonais de samouraïs de 1980. Kagemusha a failli ne pas être réalisé. Les coûts de production élevés menaçaient le projet lorsque les studios Toho ne purent réunir suffisamment de fonds, mais une aide vint des réalisateurs George Lucas et Francis Ford Coppola. Tous deux étaient de grands admirateurs de Kurosawa et convainquirent la 20th Century Fox de financer le film en échange des droits de distribution mondiaux hors Japon. L’histoire se concentre sur un criminel de bas étage engagé pour se faire passer pour un seigneur de guerre décédé afin de repousser les attaques des clans rivaux. Il convient de mentionner la bataille culminante de Nagashino, basée sur un événement réel survenu en 1575 et qui fit plus de 10 000 morts. Plus de 5 000 figurants y participèrent et le résultat est la scène de combat la plus extraordinaire de Kurosawa.

Ran (1985)

C’est un film japonais de samouraïs de 1985. Ran fut à sa sortie le film japonais le plus coûteux jamais produit, avec un budget de plus de 12 millions de dollars. Film baroque inspiré du Roi Lear de Shakespeare, il raconte l’histoire du roi Hidetora Ichimonji, qui choisit de diviser son royaume entre ses trois fils. Kurosawa approfondit encore davantage ce film monstrueux qui figure parmi les meilleurs films de guerre de tous les temps. Les scènes de combat ont mobilisé 200 chevaux et plus de 1 400 uniformes et armures furent fabriqués à la main par des artisans pour la production. Le réalisateur obtint une autorisation exceptionnelle pour filmer dans les anciens châteaux de Meiji et Kumamoto et construisit même un château sur les pentes du mont Fuji, qu’il fit brûler lors de la dernière scène du film. Le résultat est majeur dans le cinéma mondial, avec des scènes de bataille si réalistes que l’on peut presque sentir le sang, la poudre et la sueur.

L’Ombre du Shogun (1989)

C’est un film japonais de samouraï de 1989. Un souffle d’air frais dans le cinéma samouraï, L’Ombre du Shogun rompt significativement avec la convention stylistique dans sa représentation des batailles féodales. Un jeune garçon, qui est le successeur du shogun, voit sa vie menacée lorsqu’il devient la cible d’un complot politique. Le garde du corps du garçon est chargé de le protéger, et il entreprend un voyage légendaire à travers le Japon pour assurer la sécurité du garçon, poursuivi par des hordes de guerriers hostiles. Le réalisateur Yasuo Furuhata s’est inspiré du cinéma d’action occidental, avec des scènes d’action extrêmes et une bande sonore rock. C’était l’un des films les plus coûteux jamais réalisés au Japon à sa sortie. Un film au rythme rapide qui ne ralentit jamais.

Ghost Dog (1999)

Ghost Dog : La Voie du Samouraï est un film thriller d’arts martiaux de 1999 de Jim Jarmusch. Forest Whitaker incarne le personnage principal, le mystique « Ghost Dog », un tueur à gages au service de la mafia, qui suit l’ancien code samouraï tel que décrit dans le manuel de phrases de Yamamoto Tsunetomo, Hagakure. Les critiques ont noté des similitudes avec le film de Jean-Pierre Melville de 1967, Le Samouraï. C’est un mélange ingénieux de films de samouraïs et de film de gangsters avec d’excellentes performances des acteurs. Ghost Dog est complètement désemparé et a perdu tout contact avec la réalité. Son malheur découle de son aliénation de la société humaine, de son isolement, de son effort pour valider des habitudes inhumaines telles que le meurtre avec des croyances du code samouraï qui n’ont aucun lien avec sa vie ou son monde.

Ghost Dog se considère comme un serviteur de Louie, un mafieux local, qui a sauvé la vie de Ghost Dog des années auparavant. Tout en vivant comme un tireur pour la mafia américaine, il respecte le code samouraï et utilise les connaissances et l’analyse du Hagakure. Louie fait tuer par Ghost Dog un gangster, Handsome Frank, qui couche avec la fille du chef de la mafia locale, Vargo. Ghost Dog élimine le gangster et découvre que la femme est aussi dans la maison, il la laisse vivante. Pour éviter d’être impliqués dans le meurtre, Vargo et son partenaire Sonny Valerio choisissent d’éliminer Ghost Dog. Louie ne sait absolument rien de Ghost Dog, car le tueur n’interagit qu’avec un pigeon voyageur. Les mafieux commencent à le chercher en traquant tous les nids de pigeons dans la ville. 

Le Samouraï du Crépuscule (2002)

C’est un film dramatique écrit et réalisé par Yoji Yamada et mettant en vedette Hiroyuki Sanada et Rie Miyazawa. Situé dans le Japon du milieu du XIXe siècle, quelques années avant la restauration Meiji, il suit la vie de Seibei Iguchi, un samouraï de bas rang employé comme bureaucrate. Pauvre, mais pas démuni, il parvient néanmoins à mener une vie matérielle et heureuse avec ses enfants et sa mère, qui souffre de démence.

Le film s’inspire de la nouvelle « L’Épée de bambou » de Shuhei Fujisawa. Le Samouraï à l’aube a remporté 12 prix de l’Académie japonaise et a été nommé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère lors de la 76e cérémonie des Oscars. Film de samouraï impressionnant et en même temps drame émouvant, l’histoire de Seibei est racontée par le réalisateur Yoji Yamada avec des tons et des couleurs douces, recréant parfaitement une ville féodale qui conserve encore son architecture, ses valeurs anciennes, même si l’économie rend son mode de vie obsolète.

Zatoichi (2003)

C’est un film d’action samouraï Jidaigeki japonais de 2003, réalisé, écrit, co-monté et interprété par Takeshi Kitano dans sa onzième réalisation. Kitano joue le rôle du sabreur aveugle. Le film est un remake de la série intemporelle Zatoichi de films et séries télévisées samouraï. Il a été présenté en première au Festival international du film de Venise 2003, où il a remporté le prestigieux Lion d’argent du meilleur réalisateur, et a remporté de nombreux autres prix tant au Japon qu’à l’étranger. Avec également Tadanobu Asano, Michiyo Okusu, Yui Natsukawa, Guadalcanal Taka, Daigoro Tachibana, Yuko Daike, Ittoku Kishibe, Saburo Ishikura et Akira Emoto.

Zatoichi est un sabreur aveugle qui défend les citoyens pris dans une guerre de gangs yakuza locale. Zatoichi se lie d’amitié avec un fermier et son neveu joueur, et aide deux sœurs geishas qui cherchent à venger le meurtre de leurs parents. Les sœurs sont les seules survivantes d’une effraction et d’un massacre survenus chez elles dix ans plus tôt. Elles découvrent que les responsables des meurtres sont les mêmes yakuza qui ravagent le village.

13 Assassins (2010)

C’est un film de samouraï de 2010 réalisé par Takashi Miike et mettant en vedette Kōji Yakusho, Takayuki Yamada, Sōsuke Takaoka, Hiroki Matsukata, Kazuki Namioka et Gorō Inagaki. Il s’agit d’un remake du film dramatique japonais de 1963 d’Eiichi Kudo, situé en 1844, vers la fin de l’ère Edo, dans lequel un groupe de treize assassins, douze samouraïs et un chasseur, complotent pour assassiner Lord Matsudaira Naritsugu, le chef meurtrier du clan Akashi, afin d’empêcher sa visite au puissant Conseil du Shogunat.

Le film marque la troisième collaboration entre Yamada et Takaoka, qui ont joué ensemble dans Crows Zero et Crows Zero 2, tous deux réalisés par Miike. Le tournage principal a duré 2 mois, de juillet à septembre 2009, à Tsuruoka, Yamagata, dans le nord du Japon. Le film est sorti au Japon le 25 septembre 2010 et aux États-Unis le 29 avril 2011. Il a reçu un accueil critique très favorable de la part des critiques occidentaux.