Tras el final de la Primera Guerra Mundial y antes de la Gran Depresión de 1929, la industria cinematográfica de Hollywood dominó el mundo y la historia del cine cambió radicalmente. Una industria que se presenta ante el gran público como una fábrica de sueños que propone la realización del sueño americano. Una serie de personajes, héroes y heroínas casi siempre guapos, en los que el público se identifica y que a menudo encarnan modelos a alcanzar.
Hollywood es una auténtica fábrica de la imaginación, una cadena de montaje donde se hacen películas clasificadas en géneros fácilmente codificables. Una forma de hacer cine muy alejada de la de las vanguardias europeas. La investigación artística tiene lugar en Hollywood a veces casi por casualidad, a veces gracias al mérito de buenos directores que se ponen a hacer películas comerciales y aprovechan también para experimentar con sus ideas más atrevidas.
Pero el objetivo de Hollywood es esencialmente el negocio comercial y ofrecer al público mundos de evasión en un universo de sueños optimistas. De hecho, las películas rara vez adoptan el punto de vista negativo y nihilista que encontramos a menudo en el cine europeo. En cambio, a menudo ofrecen una visión del mundo excesivamente edulcorada y positiva, tanto en las historias como en el estilo de las imágenes.
El auge del cine de Hollywood se ve favorecido por la crisis que sigue al final de la gran guerra. La economía mundial está de rodillas y Estados Unidos se posiciona como líder mundial en varios sectores clave. Se afirma una política de liberalismo extremo que permite a los productos industriales estadounidenses imponerse en los mercados extranjeros.
Los años veinte son una etapa de gran desarrollo económico y de gran euforia y bienestar general. Sin embargo, algunos grupos sociales, como los inmigrantes campesinos y los mineros, se ven excluidos o incluso penalizados por esta euforia consumista. Es lo que se llama la era del jazz o los locos años 20, en los que se bebe alcohol de contrabando y se van en busca de nuevos sueños y mitologías.
El cine nació como producto de consumo
El cine de Hollywood se ve favorecido por una gran disponibilidad de capital y por un público que pasa de 40 a 80 millones de espectadores en pocos años. Además, existe la posibilidad de exportar sus productos cinematográficos a todo el mundo.
La película se considera esencialmente un producto de consumo y su producción está rígidamente estructurada en un sistema vertical en el que los estudios controlan todas las etapas, desde la escritura hasta la distribución. Los guionistas, actores y directores son empleados muy generosamente remunerados al servicio del productor, y la película sólo tiene que existir si produce un buen beneficio.
Muchas productoras deciden construir sus propios cines por todo el país para maximizar sus beneficios. Los cines que no pertenecen a los grandes estudios se ven obligados desde entonces a reservar la película con un sistema llamado Block Booking: los exhibidores se ven obligados a reservar paquetes enteros de películas de los estudios, que incluyen películas menores junto con los grandes éxitos. Esto sigue siendo una práctica cotidiana para los expositores de todo el mundo.
Oligopolio vertical de Hollywood
Los estudios se alían entre sí y se convierten en un auténtico oligopolio del sector cinematográfico, sin dejar espacio a la competencia y a las producciones independientes, que en cambio habían tenido una importancia fundamental en el desarrollo del cine en Europa. Las salas están construidas como una arquitectura fabulosa, inspirada en un mundo exótico, barroco y rococó, para dar al público popular la ilusión temporal de un viaje a un mundo rico y fantástico. Ese mundo que siempre se le negó en la vida cotidiana.
El espectáculo también se enriquecía con noticiarios, comedias, interludios musicales y otras actuaciones en directo. Los tres grandes estudios eran Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer y First National. Los estudios más pequeños eran Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office y Warner Brothers. A ellos se añade United Artists, creada en 1919 por actores y directores como Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin y David Wark Griffith. Su objetivo era salir del oligopolio y el dominio de las grandes productoras para seguir haciendo posible la existencia de una producción cinematográfica más independiente.
Las estrellas como herramienta de marketing
El cine de Hollywood nació, pues, como un organismo industrial y productivo, en un contexto laboral orientado hacia la eficacia y la calidad de los productos. Pero se encuentra operando en un contexto diferente al de la industria tradicional. Por ejemplo, es necesario controlar y romantizar la vida de las estrellas y su lado rudo. Los chismes y cotilleos se convierten en una de las principales herramientas para atraer al público a ver las películas de las estrellas, y la vida de ciertos actores empieza a estar controlada por los productores incluso fuera del plató, para convertirlos en una herramienta de marketing.
Los escándalos, los adúlteros, la vida de lujo desenfrenado y los amoríos de la vida privada de las estrellas se difunden a través de la prensa, para crear un aura de mito inalcanzable sobre el mundo del cine. Mundo de enormes riquezas y vidas aventureras que el público de clase baja puede experimentar a través de la ensoñación de la gran pantalla.
La censura y la moralidad del cine de Hollywood
La Iglesia y los grupos religiosos no ven con buenos ojos las noticias y las riquezas exageradas del mundo de Hollywood y empiezan a tomar partido en su contra junto con los estadounidenses de derechas de la época. Por eso Hollywood, sintiéndose en peligro, en busca de legitimidad, decide poner en marcha una política editorial moralista y controlada por la censura para sus películas.
En 1922, los principales estudios se unieron para crear Motion Picture Producers and Distributors con el objetivo de establecer una serie de normas que regularan el contenido moral de las películas. El republicano William Hays, un poderoso ministro que podía actuar como enlace con Washington, fue llamado para dirigir el MPPD. Sus reformas crearon restricciones sobre el contenido de las películas hasta que se sintetizaron en 1934 con la promulgación de una auténtica ley apodada «Código Hays». El código normalizaba y regulaba la producción de todas las películas estadounidenses, clasificadas en géneros bien definidos, dentro de estrechos límites morales inspirados por la Iglesia Católica.
Los elementos distintivos del cine de Hollywood se convirtieron así en un modelo espectacular repetitivo y fácilmente reconocible, con la presencia de excelentes cuidados técnicos y formales, contenidos moralmente correctos según la cultura dominante de la gente de pensamiento correcto. La espera del espectador antes del estreno de las películas se alimenta de campañas de marketing estudiadas al detalle y difundidas por los medios de comunicación.
El director-empresario de Hollywood
El contexto de Hollywood permitirá el ascenso al éxito de personalidades directoras y artísticas de cierto tipo. Muchos grandes directores de la vanguardia europea no habrían tenido la menor oportunidad de trabajar en una industria cinematográfica de este tipo, que funcionaba en antítesis con sus motivaciones de investigación y experimentación.
El padre del cine americano espectacular y de gran presupuesto es sin duda David Wark Griffith, que con sus colosales películas Birth of a Nation e Intolerance atrae la atención del mundo entero. Las películas de Griffith inventan nuevos códigos del lenguaje cinematográfico en un contexto de gran producción industrial.
Su discípulo continuará su tendencia, Erich Von Stroheim, con su poética del exceso de ascendencia decadente europea. El cine cómico, en cambio, se renueva profundamente con personalidades excepcionales como Charlie Chaplin y Buster Keaton. Uno de los directores que abraza plenamente la lógica industrial de la producción de Hollywood es Cecil B. De Mille, un director con indudables cualidades de empresario y productor.
Cecil B. De Mille
Sus películas se centran en la espectacularidad y en vertientes dramáticas muy concretas, como las de la comedia brillante con trasfondo erótico y la mujer fatal y sin escrúpulos interpretada a menudo por Gloria Swanson. Hasta la década siguiente, las grandes películas históricas espectaculares como Los Diez Mandamientos de 1923, que narra el episodio bíblico alternándolo con una parábola moderna. Aparentemente, la película condena el desenfreno sexual y los vicios desde todos los ángulos, de acuerdo con la estricta normativa de la censura estadounidense. Pero aprovecha para mostrar orgías y escenas pecaminosas para atraer al público en busca de transgresiones.
La brillante fórmula empresarial de De Mille se resume en sangre, sexo y la Biblia, y es la base de éxitos de taquilla posteriores como El rey de reyes y El signo de la cruz, hasta varios años después en Sansón y Dalila en 1949. De Mille es el director perfecto para Hollywood que consigue canalizar su creatividad artística en una idea rentable y de gran negocio. Otros directores, como Frank Borzage, se sienten a gusto en la política de los Estudios, que siguieron produciendo una filmografía de superproducciones ostentosas hasta los años cincuenta.
Uno de los mayores éxitos de la película Ben Hur de 1926, producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Un colosal con decenas de miles de extras, para el que hubo que construir todo el Circo Máximo de Roma como escenografía. Rodada con técnicas de filmación innovadoras, como la aplicada a las carreras de cuadrigas, que implicaba el uso simultáneo de muchas cámaras, situadas en diferentes puntos de vista.
King Vidor
Otro gran director del sistema hollywoodiense de los años veinte fue King Vidor, que creó una gran epopeya pacifista titulada El gran desfile, de 1925, en la que alternaba hábilmente escenas de conflicto bélico con situaciones sentimentales: cánones y estereotipos aún muy extendidos en el cine hollywoodiense actual.
El éxito de la película dio al jefe de MGM, Irving Thalberg, confianza en Vidor: el director pudo hacer una película más comprometida e inconformista como La multitud, de 1928. Una película poco frecuente en el Hollywood de la época, que indaga en la parábola existencial de un hombre desde la infancia hasta la madurez en una gran metrópolis como Nueva York. Una reflexión sobre el conformismo y la pérdida de individualidad del hombre de aquel momento histórico en la nueva dimensión de la homologación de masas y una mirada irónica y desencantada sobre la ideología falsamente optimista del self-made man y el sueño americano.
La multitud es quizás la cumbre del cine mudo estadounidense y muestra audaces soluciones técnicas y estilísticas que representan con extraordinaria fuerza simbólica la relación entre el individuo y la multitud y la pérdida de identidad. Una película que se inspira y tiene la fuerza del expresionismo alemán utilizando los movimientos de cámara y las luces como poderosos símbolos de su contenido narrativo.
Nacimiento de un cine comercial también capaz de funcionar como herramienta de investigación social y política que continuó en los años siguientes, en 1929, con Alleluia una película sobre la difícil situación de los hombres negros en las plantaciones de algodón del Sur. Our Daily Bread, 1934, que se enfrenta a la lacra del desempleo y que relata la crisis de la gran depresión de 1929.
Vidor continuará su carrera en ese sistema de géneros clásicos que propondrá Hollywood en los años siguientes para consolidar sus estrategias de producción y que se impone en todo el mundo como codificación de los géneros a los que corresponden los diferentes públicos y negocios.
John Ford
Dentro del género nacen algunas vetas típicas de aquellos años como la veta pacifista, la película bélica, el slapstick cómico y el western. Los westerns también se hacían a bajo coste para el público de provincias. Uno de los directores que debutó precisamente con este tipo de películas baratas, John Ford, con su película de 1924 El caballo dehierro. En los años siguientes, John Ford se convertirá en el autor más importante del género del Oeste, capaz de visualizar la dimensión arquetípica de la naturaleza y el paisaje y de encarnar la mitología y la ideología del Oeste.
Los nuevos géneros cinematográficos en Hollywood
Gracias al éxito El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene, que llega a Estados Unidos en 1921, nace el interés del Estudio por el género de terror, que será tratado sobre todo por Universal. El actor Lon Chaney se especializó en el género con películas como El jorobado de Notre Dame y El fantasma de la ópera de 1925. Sin embargo, MGM firmará la famosa asociación entre Lon Chaney y el director Tod Browning con la que el actor realizará las películas más importantes como El extraño de 1927.
El cine de gángsters nació también por razones sociológicas, vinculadas al aumento de la delincuencia y el contrabando de licor en la época de la prohibición. Algunas películas como Chicago Nights (Underworld) de Joseph von Sternberg en 1927 para Paramount, Morocco en 1930 y Shanghai Express en 1932 sentaron las bases y los prototipos del género de gángsters.
Los distintos géneros reflejan los estados de ánimo y la evolución de la sociedad de los locos años veinte, a medida que el Star System se amolda para interpretar los estados de ánimo, los deseos y las aspiraciones del público de masas. Nacen divas como Rudolph Valentino, encarnación de la virilidad latina de una fotonovela. John Gilbert intérprete del gran desfile que encarna el Romanticismo más libre y sin escrúpulos. Un nuevo modelo de actrices Vamp como Gloria Swanson, lo opuesto a novias americanas como Mary Pickford en el estilo puritano y victoriano del cine de Griffith. El atlético Douglas Fairbanks, que interpretó el notable El ladrón de Bagdad Raul Walsh de 1924, que representa el empuje optimista y positivo de la década, un nuevo tipo de americano que trata con alegría y positividad la reconstrucción de la sociedad americana después de la guerra.
Por último, estrellas e intérpretes de sí mismas como Charlie Chaplin y Erich Von Stroheim, intérpretes de personajes recurrentes como el vagabundo y el oficial cínico, que expresan un estilo de cine más independiente y de gusto europeo. Mostrando las contradicciones de la sociedad americana y sus frágiles valores que pronto se verán desbordados por la gran depresión.
Hollywood y el cine clásico
El estilo clásico de Hollywood alcanzará su plena madurez con la llegada del sonido en los años 30 y 40. El sonido permitirá salir de una idea del cine como lenguaje parcial y no autosuficiente acompañado de espectáculos en vivo y actuaciones sonoras con un lenguaje totalmente autosuficiente. El mundo dentro de la gran pantalla se convertirá en un mundo sin conexión con la realidad fuera de la pantalla para ser disfrutado de forma independiente.
Muchas grandes obras del cine surgieron de esta época y se realizaron con una técnica de producción extremadamente disciplinada. Como se hacían muchas películas, no todas tenían por qué tener éxito. Un estudio podría apostar por un presupuesto medio con un gran guión y actores desconocidos. Esto ocurrió con Ciudadano Kane (1941), rodada por Orson Welles y considerada una de las mejores películas de la historia. Otros supervisores testarudos, como Howard Hawks, Alfred Hitchcock y Frank Capra, lucharon contra los estudios de Hollywood para hacer realidad sus imaginativas visiones.
La cima del éxito del sistema de grandes estudios de Hollywood puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de las películas clásicas más famosas de la historia del cine. El diseño visual-narrativo del cine de Hollywood estuvo muy influido por los conceptos del Renacimiento y también por su concepción del renacimiento de la raza humana como objetivo principal.
Producción cinematográfica en Hollywood
El estilo clásico de Hollywood se diferencia en 3 grados básicos: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas. Las herramientas más fundamentales del cine clásico de Hollywood son las de la relación entre el espectador y la escena en la pantalla. La regla de los 180 grados mantiene el encuadre de la escena filmada al producir un eje imaginario de 180 grados entre la escena y el público, lo que permite a los espectadores orientarse claramente dentro del escenario y las acciones de una escena. Según la regla de los 30 grados, los cortes de edición desde los que se ve la siguiente toma tendrían que ajustarse para que el espectador reconociera un ajuste del punto de vista. Deben evitarse los cortes que no respeten la pauta de los 30 grados para mantener la impresión de conexión temporal entre las imágenes en movimiento. Las directrices de 30 y 180 grados son normas fundamentales en el cine que se inventaron en el cine primitivo, como se ve en la película francesa de 1902 de George Melies Un viaje a la Luna. Estas reglas servían para ayudar a mantener la conexión, como en el corte transversal, que desarrolla la secuencia de acciones en diferentes lugares. Se permiten los cortes de inmersión del tipo del corte axial, que no altera todo el ángulo de toma, pero tiene el claro objetivo de revelar un punto de vista más detallado o más lejano del sujeto, y por lo tanto también en consecuencia no interfiere con la conexión temporal.
La narración de las películas de Hollywood
La narración clásica de las películas de Hollywood avanza constantemente a través de la psicología de los personajes, es decir, por la voluntad de una personalidad humana y al hacer frente a los obstáculos en la dirección de un objetivo específico. Este componente narrativo suele consistir en una historia clave (como una historia de amor) vinculada a una o más historias adicionales. Esta historia está estructurada con un principio, un nudo y un desenlace bien definidos, y suele tener una resolución bien definida. El uso de actores, acontecimientos, acciones causales, giros narrativos principales y secundarios son atributos fundamentales de la película clásica de Hollywood. Los personajes del cine clásico de Hollywood tienen características claramente definidas, son enérgicos y muy orientados a objetivos. Su motivación es más psicológica que social. La Historia es una cadena de efectos dominó con agentes causales: En una película clásica de Hollywood, las ocasiones no suceden arbitrariamente.
Tiempo y espacio de las películas de Hollywood
El tiempo de las películas de Hollywood es lineal, sin saltos temporales, por la razón de que la no linealidad llama la atención sobre la artificialidad del medio cinematográfico. La única manipulación temporal aceptable en las películas clásicas de Hollywood es el flashback. Se utiliza principalmente para presentar una serie de recuerdos de un personaje, como en Casablanca.
La regla temporal más importante del cine clásico es la duración de los temas filmados: el público debe creer que la escena existe fuera del fotograma de la película para mantener el aspecto realista de la historia. La técnica de gestión del espacio en el Hollywood clásico pretende ocultar la bidimensionalidad de las pantallas de proyección y además está muy centrada en el cuerpo de los personajes. La mayoría de los planos de una película clásica se centran en el movimiento o en los rostros y son planos medios y planos medios-largos. Una película clásica de Hollywood se parece a una obra de teatro filmada en que los acontecimientos parecen durar lo suficiente y los planos nos ofrecen el ángulo de visión ideal de toda la obra. Así, las reglas del cine clásico de Hollywood chocan fuertemente con la visión del cine de autor, experimental y vanguardista, en el que el director busca ángulos de cámara subjetivos e imprevisibles.
Esta regla del espacio contiene 4 elementos principales: enfoque, profundidad, equilibrio y frontalidad. Los sujetos o cosas importantes se encuentran principalmente en la parte central de la imagen y siempre son claramente visibles, están bien iluminados y perfectamente enfocados. El equilibrio es la regla según la cual los personajes y objetos filmados se distribuyen por igual en todo el encuadre. La acción se filma en dirección al espectador, frontalmente, es el decorado de la escena, la luz y el vestuario se crean para dividir el primer plano del fondo de la imagen. La fotografía utiliza principalmente la técnica de iluminación de tres puntos, especialmente la iluminación de clave alta, bastante libre de sombras oscuras, suave y difusa. Es un tipo de luz que sugiere un estado de ánimo optimista. El tiempo y el espacio están siempre subordinados al componente narrativo.
