Historia del cine: Antes del cine
La historia del cine comienza mucho antes de los hermanos Lumière y se pierde en la noche de los tiempos. El poder de las imágenes mentales que se manifestará en su grado máximo con el cine siempre ha formado parte de la naturaleza del hombre. Desde el mito de la caverna de Platón hasta las reflexiones de otros filósofos de la antigua Grecia. Desde las pinturas rupestres de los hombres de las cavernas hasta la columna de Trajano de la antigua Roma, el hombre siempre ha intentado dar movimiento a las imágenes pintadas o esculpidas, de la forma en que las veía moverse en su mente, en sus ensoñaciones, en su sueño de actividad o en sus intuiciones cotidianas.
El precine es todo lo que ocurrió antes de la invención del cine. Ah, sólo lo inventaron los hermanos Lumière, pero había decenas de hombres en todo el mundo que ya habían patentado diferentes inventos para conseguir el mismo resultado: la proyección de imágenes en la gran pantalla.
La primera etapa del que quizá sea el mayor invento de la historia del cine y de la técnica fotográfica llegó a Leonardo da Vinci, al inventar la cámara oscura y el código atlántico para sus proyectos. Pero aún faltaba mucho para el nacimiento de la verdadera cámara.
Los inventos del precine
En el siglo XIX, los inventos y artilugios que se acercaban progresivamente al cine se sucedieron a gran velocidad.
La linterna mágica
Se inventó la linterna mágica, una caja en la que se introducía una luz que, proyectando su haz hacia el exterior, proyectaba en una pared las imágenes dibujadas en una placa de cristal entre la fuente de luz y el exterior.
Un tipo particular de Linterna Mágica que funcionaba para vistas individuales y no colectivas, muy parecido a nuestros dispositivos conectados a Internet de hoy en día, era el Nuevo Mundo. Una caja en la que era necesario mirar una persona a la vez dentro de un agujero para ver la fantasmagoría de imágenes.
El Barker
Pero la idea más emocionante parecía ser inventar algo que perfeccionara el eje del espectáculo colectivo. El pregonero era un cruce entre presentador de televisión y actor teatral que comentaba y entretenía al público durante las proyecciones de las imágenes de la linterna mágica. Su función era dar vida a los diálogos de los personajes y aportar matices emocionales al espectáculo. Esta figura profesional habría seguido existiendo incluso en los primeros años de vida del cine.
La base de todos estos inventos fue el descubrimiento del fenómeno de la persistencia retiniana, según el cual las imágenes persisten en el ojo humano durante una fracción de segundo. Este es el principio que permite al ojo humano percibir las imágenes en movimiento, y posteriormente se perfeccionó eligiendo la frecuencia óptima un fotograma cada 25 de segundo.
Otros inventos
En la primera mitad del siglo XIX se multiplican los inventos para ver imágenes en movimiento. Taumatropo kinetoscopio, zoótropo, praxinoscopio, teatro óptico. París parecía ser el centro de todos estos inventos que precedieron al Cinematógrafo de los hermanos Lumiere. El teatro óptico de Reynaud, que unía los principios del praxinoscopio y del teatro óptico mediante el deslizamiento de placas de vidrio en el interior del aparato, fue un gran éxito, pero la invención de la fotografía, que llegó poco después, determinó su fracaso. Reynaud, desesperado, destruyó todas sus creaciones en placas de vidrio y sólo 2 han llegado hasta nosotros. Pero fue una gran inspiración para la invención del cine de animación y para los hermanos Lumière.
La invención de la fotografía
La invención de la fotografía perfeccionada por Niépce y Daguerre sentó las bases del cine. La primera fotografía fue tomada en 1826 por Niépce y retrataba una ventana. Se tardaban muchas horas en revelar las placas fotográficas, que eran de metal. Daguerre mejoró enormemente el invento con sus planchas de cobre, que permitieron un revelado en tiempos mucho más rápidos.
Sin embargo, para poder ver imágenes en movimiento, era necesario impresionar rápidamente un gran número de fotografías una tras otra. Una gran contribución vino de George Eastman con la invención del rollo fotográfico de papel sensible que permitía hacer muchas fotografías sin cambiar de placa.
Impresionar y desplazarse por las fotografías individuales en rápida sucesión fue el reto más difícil para llegar a las primeras proyecciones cinematográficas. Muybridge, por ejemplo, tuvo la idea de colocar 12 cámaras una al lado de la otra para filmar la carrera de un caballo. Étienne-Jules Marey inventa el fusil fotográfico, capaz de imprimir 12 fotografías en un segundo. Se parecía mucho a una escopeta de verdad. Sin embargo, en sus experimentos con él quedó claro que 12 fotogramas por segundo no eran suficientes y que el movimiento de sus imágenes era entrecortado.
Historia del cine y Thomas Edison
El aparato que mejor imitaba las imágenes en movimiento fue inventado por Thomas Edison en Estados Unidos y se llamaba kinetoscopio. Una gran caja en la que, introduciendo una moneda y girando una manivela, la gente podía deslizar las imágenes impresas sobre un rodillo. Edison se centró en la explotación comercial de su invento, que fue inmediatamente un gran éxito. Pero su limitación era que no estaba diseñado para proyecciones colectivas. Mientras tanto, en diversos países del mundo, otros inventores trataban de perfeccionar sus inventos para proyectar imágenes en movimiento y continuarían la historia del cine.
Los hermanos Lumière
La familia Lumière poseía una próspera industria fotográfica en Lyon. Una noche, de regreso a casa, el padre de los hermanos Lumière, Antoine, les habló del invento de Edison. Le fascinaba, pero pensaba que era imperfecta, que era necesario superar el límite del uso individual y poder obtener proyecciones colectivas.
Había nacido el cine. Los hermanos Lumière empezaron a rodar sus primeras películas a principios de 1895 y en diciembre de ese mismo año organizaron la famosa proyección que mostraba a los trabajadores saliendo de su fábrica en el café Capuchino de París, el 28 de diciembre. el estreno de los talleres Lumiere fue el primer documental de la historia, al que siguieron muchos otros.
El asombro del público en la sala y el éxito inmediato del invento hicieron famoso el cine en todo el mundo en pocos meses. Ese extraordinario dispositivo reproducía la vida. La historia del cine había comenzado. Entre el público de aquella primera proyección se encontraba un caballero llamado Georges Melies, que entusiasmado por lo que había visto, decidió preguntar a los hermanos Lumiere si era posible comprar uno de sus aparatos. Obtuvo una negativa, pero al poco tiempo, con obstinación, mandaría construir el suyo propio.
Los hermanos Lumière contrataron a muchos camarógrafos y los enviaron por todo el mundo para realizar cortos documentales para sus programas. Pero no estaban convencidos de que el Cinematógrafo fuera un invento con gran futuro y abandonaron el negocio ya en 1901, volviendo a trabajar con la fotografía y el desarrollo de las películas en color.
Historia del cine: George Méliès
George Méliès había sido un niño rebelde. Se escapó de casa debido a un padre autoritario para convertirse en comerciante y siguió su pasión por la magia y el teatro viajando a Inglaterra y otros países europeos. De vuelta en París, había empezado a trabajar en el teatro Houdini, del que más tarde se convertiría en propietario, donde representaba sus espectáculos de magia.
Fascinado por el cine, mandó construir un aparato similar a su ingeniero y empezó a utilizarlo para filmar sus espectáculos. A él se deben muchos inventos que contribuyeron a hacer del cine un espectáculo mágico: desapariciones, superposiciones, animaciones y coloreado de las películas. Méliès creía realmente en el Cinematógrafo hasta el punto de hacer construir un gran plató de sonido exclusivamente de cristal en el jardín de su villa a las afueras de París. Los rayos del sol penetraban a cualquier hora del día y en su interior podía rodar todas sus películas, en las que actuaba y cuidaba todos los detalles.
Alguien dijo que si los Lumière inventaron el cine, Méliès inventó el cine. Con él nacen el cine de ficción y los géneros fantástico, histórico y de aventuras. Sus películas, compuestas de planos fijos que se suceden como etapas de un viaje, escenifican mundos fantásticos extraordinarios y poéticos, con increíbles invenciones narrativas y visuales.
Méliès es un artesano que cuida todos los aspectos de la creación de sus películas. Incluso los tiene coloreados a mano fotograma a fotograma. Es el primer artista cinematográfico que creó verdaderas obras maestras, como «Viaje a lo imposible» y «La conquista del Polo», entre otras.
Realiza más de 500 cortometrajes, muchos de los cuales se han perdido. Desgraciadamente, al igual que otros pioneros-artistas de la historia del cine, no podrá resistir la competencia del desarrollo industrial del cine que se desarrolló muy rápidamente a principios del siglo XX, tanto en Francia con Pathè y Gaumont, como en otros países del mundo. Acabará reencontrándose con su actriz, con la que había colaborado muchos años antes de abrir un quiosco de bebidas en una estación de París, y la ayudará a gestionar el quiosco.
Escuela Brighton
Mientras tanto, en Brighton (Inglaterra), George Albert Smith y James Williamson habían creado un club de directores que tuvo un gran impacto en la historia del cine. Los directores de la escuela de Brighton crearon innovaciones fundamentales en el lenguaje cinematográfico: el rodaje en movimiento, o trolley, del que tenemos un primer ejemplo en el cortometraje Un beso en el túnel y el uso del montaje dentro de la misma escena, con primeros planos de los actores y detalles del plano principal. Incluso lo subjetivo, el plano que representa el punto de vista de un personaje en una película, y el campo y el revés, códigos fundamentales del cine moderno, son novedades inventadas por ellos. La historia cinematográfica y las escenas individuales, con los registros de la escuela de Brighton, se vuelven más articuladas y estructuradas.
La historia del cine se convierte en industria
En Francia, mientras tanto, hay una gran expectación. El país es el epicentro cultural del mundo. Nacen dos grandes producciones cinematográficas con la intención de industrializar el cine y convertirlo en un producto comercial para el público de Massa: la Pathè la Gaumont. Una tercera, Les films D’art, estaba en cambio especializada en cine de autor. Fue creada y desarrollada por los actores teatrales que trabajaban en la Comèdie Francaise para hacer películas dirigidas a un público de élite, más culto y exigente.
Para hacer Pathè y Gaumont famoso en la historia del cine fueron sobre todo las películas de Ferdinand Zecca, Segundo De Chomon, Alice chico y las películas de animación de Emil Cohl. Otros directores y escritores inventaron personajes cinematográficos que se hicieron muy populares, como Fantomas y los Vampiros. Les Films D’art, por su parte, se apoyaban en gran medida en sus actores, ya conocidos en toda Francia, a los que anunciaban cuidadosamente en los carteles y el material publicitario de sus películas. Les Films D’art crearon el primer Star System, que habría condicionado el nacimiento del cine de Hollywood en Estados Unidos y que aún hoy influye en la producción de películas en todas partes.
El cine perdía su vocación artesanal y artística de los pioneros para transformarse en un fenómeno de entretenimiento comercial de masas. Una máquina de hacer sueños y ganar dinero.
Cine de vanguardia
En la década de 1920 nació un vasto panorama de experimentación del cine europeo de la mano de artistas procedentes de otras disciplinas artísticas como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, que realizaron importantes aportaciones al desarrollo de la historia del cine de la época y de las décadas siguientes, hasta nuestros días: el cine de vanguardia.
El impresionismo y las nuevas formas de investigación cinematográfica sustituyeron al cine industrial en Francia en la década de 1920. La producción de películas francesas en los años veinte desciende drásticamente. El cine se produce mucho más en Estados Unidos y Alemania.
Las películas industriales solían tener costes muy elevados y los fracasos financieros eran frecuentes. Los ejecutivos de Pathé y Gaumont comprendieron que distribuir era mucho menos arriesgado que hacer películas nuevas.
Aunque a mediados de los años veinte Francia sólo producía unos cincuenta largometrajes y Estados Unidos 729, había una gran efervescencia cultural en las calles de París y otras ciudades. Nacieron más cineclubes que en ninguna otra parte del mundo. Hubo ocasión de asistir a debates, críticas de cine, nacieron las revistas de vanguardia.
La vanguardia rusa nació tras la revolución, en el contexto del Octubre de las artes. Es una de las vanguardias más radicales. El Octubre de las Artes es una temporada rica para muchos directores poco convencionales: cubofuturismo, teatro experimental, cine. El movimiento Proletkult, del que forma parte Eisenstein, buscará la espectacularidad de la cultura ligada al proletariado.
En todo este fermento, las intenciones comunes eran acercar el arte al hombre de la calle y a las masas populares. El cine entra así en contacto con los soldados de la revolución y con todo el proletariado. Dziga Vertov procede de la música y está influido por el futurismo y el constructivismo italianos.
Andrè Breton fue el fundador del surrealismo. Todos sus colegas estaban interesados en el mundo onírico, en todo lo que se manifiesta en el inconsciente y fuera de los significados ordinarios del mundo, en las asociaciones automáticas de ideas que se producen más allá de la conciencia, en lo que ocurre tras la pérdida de cualquier racionalidad o control. de pensamiento.
El director español Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalì realizaron juntos en 1928 Un Chien andalou, película destinada a marcar el cine surrealista. Otras películas surrealistas son Le Sang d’un poète (1930), de Jean Cocteau, y en parte también L’Atalante, de Jean Vigo.
Fuera de las principales vanguardias hay varios directores que trabajan en otros ámbitos, como Carl Theodor Dreyer. En Italia hay una profunda crisis de producción y distribución. Ni siquiera el cine inglés tiene movimientos cinematográficos interesantes, aunque entretanto comenzara su carrera muy joven Alfred Hitchcock. Es sobre todo en el norte de Europa donde encontramos a los cineastas más importantes, como Dreyer, Sjostrom, Christensen.
Historia del cine en Japón
La historia del cine japonés también comienza con el kinetoscopio de Thomas Edison, que se exportó a Japón en 1896. Los camarógrafos de Lumière también hacen películas en Japón. La primera película japonesa data de 1897. Los fantasmas fueron el tema más popular.
El Benshi se situó junto a la pantalla y relató las silenciosas imágenes en movimiento. Los Benshi podrían ir acompañados de música, como las películas míticas de los cines occidentales. En 1908, Shōzō Makino, el director pionero del cine japonés, puso en marcha su empresa.
Onoe se convirtió en la primera estrella del cine japonés, apareciendo en más de 1.000 películas, principalmente cortometrajes, entre 1909 y 1926. El primer estudio japonés de producción cinematográfica se creó en 1909 en Tokio.
Las películas japonesas tuvieron éxito a mediados de la década de 1920, gracias al encanto de algunas estrellas. Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino han realizado películas de samuráis como Diario de viaje de Chuji y Roningai con escenas de batallas que tuvieron éxito Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie y Utaemon Ichikawa, son contratadas por Makino Film Productions y formaron su propia producción independiente con directores como Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami y Sadao Yamanaka.
Una página de locura es una de las películas japonesas de vanguardia más significativas. Es una obra cinematográfica muda del género de terror de 1926 Teinosuke Kinugasa. Durante más de 45 años la película estuvo perdida, y luego fue encontrada por casualidad por el mismo director en 1971. Se trata de una película diseñada por el Movimiento de Artistas Japoneses llamado Shinkankakuha, que significa escuela de nuevas percepciones.
Hollywood: Estrellas y géneros cinematográficos
En los años veinte domina la industria Hollywood, que se presenta como una fábrica de sueños que propone la realización del sueño americano. Una serie de personajes, héroes y heroínas casi siempre guapos, con los que el público se identifica y que a menudo encarnan modelos a alcanzar. Fábrica hollywoodiense de la imaginación donde se hacen películas clasificadas en géneros fácilmente codificables. La investigación artística tiene lugar en Hollywood gracias al mérito de directores más atrevidos, a menudo extranjeros.
Hollywood es un negocio del entretenimiento en un universo de sueños optimistas, a menudo irrealizables. Las películas rara vez adoptan un punto de vista negativo, sino más bien una visión edulcorada del mundo. El auge del cine de Hollywood se ve favorecido por la crisis de la gran guerra. La economía mundial está de rodillas y Estados Unidos se posiciona como líder mundial en varios sectores. Se establece una política de liberalismo que permite a los productos industriales estadounidenses imponerse en los mercados extranjeros.
Los géneros cinematográficos se inventaron en Hollywood en los años 30 y 40 por necesidades de marketing y para llegar al público objetivo. Los géneros cinematográficos permitían a los Estudios llegar a un público muy concreto interesado en ese tipo de películas. Para cada género, los productores siempre intentan conectar Estrellas que el público asocia instintivamente con ese género. La asociación entre un determinado sexo y un determinado rostro se convierte en un mecanismo inconsciente. La producción se organiza en unos pocos géneros y subgéneros esenciales: cada género incluye una ramificación de muchos subgéneros, actores, directores y estilos de vida del público.
Junto con los géneros, el Star System. El estrellato es uno de los principales fenómenos del cine de los años treinta y cuarenta. El cine industrial es lo contrario del cine independiente y se asegura las estrellas más atractivas y sensuales. Mientras que en las producciones independientes el protagonista es el director, en el cine mainstream el director es casi un simple empleado y permanece en la sombra detrás de las estrellas.
El cine clásico estadounidense es un sistema que controla las películas desde su concepción hasta su distribución en salas. Los grandes estudios cinematográficos poseen numerosas salas de cine en todo Estados Unidos y tienen el control total del mercado cinematográfico.
Entre 1930 y 1945 la industria de Hollywood comienza a producir películas clásicas. En 1929, el hundimiento de la bolsa de Wall Street abruma a Estados Unidos y comienza el periodo de la gran depresión. La crisis se prolonga hasta finales de los años treinta, reanudándose a principios de los cuarenta con la Segunda Guerra Mundial.
El dominio cultural en el mercado cinematográfico estadounidense se debe al poder que adquirió tras la Segunda Guerra Mundial. La victoria permitirá exportar películas clásicas estadounidenses a todo el mundo y aumentar espectacularmente el público de pago. El Presidente Roosevelt crea incentivos para fomentar el control de diversos sectores con monopolios verticales y oligopolios.
Neorrealismo italiano
El Neorrealismo fue un movimiento cinematográfico que se originó en Italia a finales de la década de 1940, tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento representa un punto de inflexión importante en la historia del cine italiano e internacional, ya que ha intentado representar la realidad de la vida cotidiana italiana después de la guerra, con una mirada atenta a la vida de los estratos más pobres de la sociedad.
Las películas neorrealistas se caracterizaban por un enfoque realista de la vida cotidiana, con gran atención al detalle y la verosimilitud. Las películas se rodaban a menudo en localizaciones reales, con actores aficionados y con un argumento que trataba de evitar la artificialidad y el melodrama.
Entre los principales directores del movimiento neorrealista italiano podemos citar a Vittorio De Sica, Roberto Rossellini y Luchino Visconti. Entre sus películas más famosas se encuentran «Ladrones de bicicletas» de De Sica, «Roma, ciudad abierta» de Rossellini y «La tierra tiembla» de Visconti.
El Neorrealismo tuvo un impacto significativo en la cinematografía mundial, influyendo en cineastas y movimientos posteriores. Contribuyó a dar relevancia internacional al cine italiano y representó un importante paso adelante en la historia del cine, sobre todo por su atención a la vida cotidiana y la realidad social.
Cine en los años 50
En la década de 1950, el cine experimentó una serie de cambios significativos que lo llevaron a ser uno de los medios de comunicación más importantes del mundo. Durante este periodo, el cine comenzó a convertirse en una industria global, con películas producidas en diferentes países que se exportaban a todo el mundo.
En Estados Unidos, las películas se habían convertido en una actividad comercial de masas y se producían en grandes cantidades para satisfacer la creciente demanda de un público cada vez más numeroso. Algunas de las películas más famosas de esta década son Cantando bajo la lluvia (1952) de Stanley Donen y Gene Kelly, El tesoro de África (1951) de John Huston, Los caballeros las prefieren rubias (1953) de Howard Hawks y «Sabrina» (1954) de Billy Wilder.
En Europa, el cine seguía influido por la Segunda Guerra Mundial y la reconstrucción de posguerra. En Francia, la Nouvelle Vague surgía como movimiento cinematográfico, con directores como Jean-Luc Godard y François Truffaut que cambiaban radicalmente la forma de hacer cine con un enfoque más experimental e innovador.
En Italia, el cine neorrealista siguió teniendo un fuerte impacto, con directores como Vittorio De Sica que continuaron produciendo películas como «Umberto D.» (1952), que narraban las dificultades de la vida cotidiana en la Italia de posguerra.
Incluso en Asia, el cine adquiría cada vez más importancia, con la aparición de directores como Akira Kurosawa en Japón, que estaba creando algunas de sus películas más famosas, como «Los siete samuráis» (1954) y «Trono de sangre» (1957 ).
En general, la década de 1950 fue una época de grandes innovaciones y cambios para el cine, en la que los cineastas exploraban nuevas técnicas e historias que captaban la imaginación del público de todo el mundo.
La nueva ola
La Nouvelle Vague, que significa «nueva ola» en francés, fue un movimiento cinematográfico francés que surgió a finales de la década de 1950 y se desarrolló en la de 1960. El movimiento estaba compuesto principalmente por jóvenes cineastas, entre ellos François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer y Jacques Rivette.
La Nouvelle Vague se caracterizó por un enfoque innovador del cine, en el que los cineastas trataban de desafiar las convenciones tradicionales del cine francés de la época. Entre los rasgos distintivos del movimiento estaba el uso de técnicas como la improvisación, el montaje discontinuo, el empleo de actores no profesionales, la libertad en la elección de las localizaciones y el rechazo de los guiones preempaquetados.
Además, la Nouvelle Vague se vio influida por las teorías cinematográficas del crítico francés André Bazin, que proponía la idea de un enfoque realista y la naturalidad en la interpretación de los actores. Los directores de la Nouvelle Vague intentaron plasmar la realidad y la vida cotidiana en sus películas.
Entre las películas más famosas de la Nouvelle Vague se encuentran «Los 400 golpes» de François Truffaut, «Sin aliento» de Jean-Luc Godard, «Hiroshima mon amour» de Alain Resnais.
La Nouvelle Vague tuvo un impacto significativo en la historia del cine e influyó en numerosos cineastas y movimientos posteriores. Su legado sigue presente en la cinematografía contemporánea y ha contribuido a modelar la cultura francesa e internacional.
Cine en los años 60
Los años sesenta fueron una época de grandes innovaciones y cambios en el mundo del cine. Esta década fue testigo de la aparición de nuevos estilos cinematográficos, nuevas tecnologías y nuevos cineastas que desafiaron las convenciones del cine clásico.
En los años sesenta, el cine europeo alcanzó su apogeo con el movimiento de la Nouvelle Vague en Francia. En Estados Unidos, el cine de los 60 vio surgir una nueva generación de cineastas, llamados los «Movie Brats», entre los que se encontraban Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg. Estos directores introdujeron un nuevo tipo de cine comercial, más personal y de gran impacto emocional. Sus películas han tratado temas como la violencia, la corrupción y la rebelión juvenil.
En Japón, el cine experimentó un cambio radical con la aparición de la Nueva Ola Japonesa, con directores como Akira Kurosawa, Yasujirō Ozu y Nagisa Oshima. Estos cineastas desafiaron la forma tradicional japonesa de narración cinematográfica, creando obras muy estilizadas y experimentales.
El cine italiano vio surgir el género del Spaghetti Western, con directores como Sergio Leone y Clint Eastwood creando un nuevo tipo de cine del oeste violento y visualmente atractivo.
Además, los años sesenta fueron una época de grandes cambios tecnológicos en el mundo del cine, con la introducción del color, la pantalla panorámica y el sonido estereofónico. Estas innovaciones han permitido a los cineastas explorar nuevas formas de contar historias y atraer al público.
La década de 1960 fue una época de grandes innovaciones y cambios en el mundo del cine, con la aparición de nuevos estilos cinematográficos, nuevas tecnologías y nuevos directores que desafiaron las convenciones del cine clásico.
Nuevo cine americano
El Nuevo Cine Americano, o New American Cinema, fue un movimiento cinematográfico que despegó en las décadas de 1960 y 1970 en Estados Unidos. Este movimiento se caracterizó por el uso de técnicas innovadoras, una mayor libertad creativa y una actitud crítica hacia la sociedad estadounidense de la época.
Entre los directores más representativos del Nuevo Cine Americano figuran Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Arthur Penn y Brian De Palma. Estos directores crearon películas que desafiaban las convenciones del cine tradicional, utilizando técnicas como el uso de objetivos gran angular, el enfoque selectivo y una fotografía más realista.
El Nuevo Cine Americano también se centró en los problemas sociales y políticos de la época, como la guerra de Vietnam, la lucha por los derechos civiles y las tensiones raciales. Las películas del Nuevo Cine Americano eran a menudo violentas, descarnadas y realistas, y representaban un desafío a la moralina y la censura que caracterizaban al cine estadounidense de la época.
Algunos ejemplos de películas del Nuevo Cine Americano son «Easy Rider» de Dennis Hopper, «Taxi Driver» de Martin Scorsese, «El Padrino» de Francis Ford Coppola, «MASH» de Robert Altman y «Bonnie and Clyde» de Arthur Penn.
En general, el Nuevo Cine Americano ha tenido un impacto significativo en el cine mundial, influyendo en generaciones de cineastas y abriendo nuevas vías para la innovación y la expresión creativa en el cine.
Free Cinema en inglés
El Free Cinema inglés fue un movimiento cinematográfico surgido en Gran Bretaña a finales de la década de 1950. Estaba formado por un grupo de directores, entre ellos Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson, que pretendían desafiar las convenciones del cine británico de la época.
El movimiento tomó su nombre de una serie de proyecciones gratuitas de películas organizadas por los propios directores en el National Film Theater de Londres, a partir de febrero de 1956. Estas películas, a menudo realizadas con presupuestos muy reducidos, se caracterizaban por un fuerte enfoque en el realismo social y el documental, y trataban de retratar la vida ordinaria inglesa con una sensibilidad auténtica y no estereotipada.
Las películas del Free Cinema se centraban a menudo en las clases trabajadoras, en temas como la pobreza, la soledad, la monotonía de la vida cotidiana y la exclusión social. Representaban un contrapunto a las comedias ligeras y los melodramas que dominaban el cine británico de la época.
El movimiento Free Cinema ha tenido una gran influencia en el cine británico y ha inspirado a muchos cineastas posteriores, como Ken Loach y Mike Leigh. Su legado puede verse en películas como «Kes» (1969), de Ken Loach, que trata de la vida de un joven de una familia de clase trabajadora, o «Naked» (1993), de Mike Leigh, que explora la soledad y la desesperación de la vida urbana moderna.
En resumen, el Free Cinema inglés fue un importante movimiento que desafió las convenciones del cine británico de la época, ofreciendo una representación auténtica y no estereotipada de la vida de los ingleses de a pie. Su influencia aún puede apreciarse en el cine británico contemporáneo.
Nueva ola iraní
La Nueva Ola iraní es un movimiento cinematográfico que se originó en Irán a finales de la década de 1980 y alcanzó su máxima popularidad en la de 1990. Este movimiento ha producido una amplia gama de películas, a menudo de temática social y política, que han obtenido reconocimiento internacional por su innovación formal y su poderoso mensaje.
La nueva ola iraní se vio impulsada por una serie de factores, como el declive de la industria cinematográfica tradicional, la creciente libertad artística tras la revolución de 1979 y la disponibilidad de nuevas tecnologías de producción que facilitaron y abarataron la producción de películas. Además, muchos de los directores iraníes de la Nueva Ola habían estudiado cine en el extranjero y trajeron a Irán ideas y técnicas innovadoras.
Entre los directores más conocidos de la Nueva Ola iraní figuran Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf, Jafar Panahi, Majid Majidi y Asghar Farhadi. Estos cineastas han contado a menudo historias sencillas que exploran temas complejos como la pobreza, la opresión de la mujer, el islamismo y la lucha por la libertad y la justicia. Sus películas se centraban en el realismo y la sinceridad, utilizando a menudo actores no profesionales y escenarios naturales.
La Nueva Ola iraní ha obtenido un amplio reconocimiento internacional y ha ganado numerosos premios en festivales de cine de todo el mundo. Sin embargo, los cineastas iraníes de la Nouvelle Vague han luchado a menudo contra la censura del gobierno iraní, que ha intentado limitar su libertad de expresión. A pesar de las dificultades, la Nueva Ola iraní ha dejado una huella indeleble en la cinematografía iraní e internacional, inspirando a generaciones de cineastas de todo el mundo.
Cine en los años 70
Los años 70 fueron una década importante para el cine, caracterizada por un cambio de paradigma que propició la aparición de nuevos estilos y géneros cinematográficos. Durante estos años, el cine empezó a ser más audaz y experimental, abandonando las convenciones del pasado para abrazar nuevas formas de expresión.
Entre las películas más representativas de los años 70 se encuentran «Easy Rider» (1969), dirigida por Dennis Hopper, «El graduado» (1967), dirigida por Mike Nichols, y «Taxi Driver» (1976), dirigida por Martin Scorsese . Estas películas dieron a conocer a actores de gran talento, como Robert De Niro y Jack Nicholson, que se convertirían en iconos del cine de los setenta.
La década de 1970 fue también la época en la que el cine de género alcanzó la cima de su popularidad. Películas de terror como «El exorcista» (1973), de William Friedkin, y «Halloween» (1978), de John Carpenter, cautivaron al público con su tensión y gore, mientras que filmes de ciencia ficción como «La guerra de las galaxias» (1977), de George Lucas, y «Alien» (1979), de Ridley Scott, llevaron el cine al futuro, con escenarios futuristas y tecnologías nunca vistas.
Además, la década de 1970 vio el nacimiento de un nuevo movimiento de cine de autor, con directores como Francis Ford Coppola, Woody Allen y Federico Fellini aportando una nueva sensibilidad artística al cine. Películas como «El Padrino» (1972), de Coppola, «Annie Hall» (1977), de Allen, y «Amarcord» (1973), de Fellini, tuvieron un impacto significativo en la cultura popular e inspiraron a muchos otros cineastas.
Por último, la década de 1970 estuvo marcada por el nacimiento del cine de explotación, con películas centradas en la violencia, el sexo y la crueldad. Estas películas se consideraron a menudo de mal gusto y suscitaron numerosas críticas, pero también tuvieron un gran impacto en la cultura popular y la moda de la época.
Los años 70 fueron una década crucial en la historia del cine, que vio nacer nuevos géneros y movimientos cinematográficos. Gracias a estas películas, el cine se convirtió en un medio más audaz y experimental, allanando el camino a nuevas formas de expresión e inspirando a generaciones de cineastas y espectadores.
Cine en los 80
Los años 80 fueron una década muy importante para el cine, tanto por el número de películas producidas como por las tendencias que caracterizaron a la industria cinematográfica durante ese periodo. En particular, la década de los 80 fue testigo de películas de gran éxito comercial, como las superproducciones de Steven Spielberg y George Lucas, pero también de películas independientes que marcaron un importante punto de inflexión en la historia del cine.
Entre los géneros más populares de los 80 se encuentran el cine de acción y aventuras, como la serie «Indiana Jones», «Predator» o «Terminator», pero también comedias, como «Cazafantasmas» y «Beverly Hills Cop». Además, los años 80 vieron el auge del género de terror, con películas como «Halloween», «Viernes 13» y «Pesadilla en Elm Street», pero también de ciencia ficción, como «Blade Runner» y «Aliens».
El cine de los ochenta también vio surgir a grandes directores como Martin Scorsese, Steven Spielberg, John Hughes y James Cameron, que ayudaron a definir el cine de la época. Además, muchos actores dieron el salto a la fama en los 80, como Tom Cruise, Eddie Murphy y Michael J. Fox.
Entre las obras maestras de los 80 destaca la película de 1984 «Érase una vez en América», dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld y Joe Pesci. La película está basada en la novela «Los encapuchados», de Harry Gray, que narra la historia de un grupo de judíos estadounidenses implicados en el crimen organizado en el barrio judío de Nueva York durante las décadas de 1920 y 1930.
Cine en los años 90
La década de 1990 fue testigo de numerosos cambios tecnológicos, como la introducción de los primeros ordenadores para la edición de vídeo y el nacimiento del cine digital.
El cine de los 90 vio nacer muchas tendencias y géneros nuevos, como el cine independiente, el cine de acción de gran presupuesto y las películas de animación por ordenador. Además, muchos directores emergentes hicieron su aparición, como Quentin Tarantino, Kevin Smith y Spike Lee.
La década de 1990 fue también una época de grandes innovaciones en la tecnología cinematográfica, con la aparición de nuevos efectos especiales y la introducción de nuevos formatos como DTS y Dolby Digital.
Además, los años 90 se caracterizaron por un gran interés por la cultura popular, y muchas películas reflejaron este interés, como Wayne’s World, Clueless y 56th Street.
El cine de la década de 2000
El cine de la década de 2000 se caracterizó por una gran variedad de películas, géneros y estilos. Muchos directores prometedores empezaron a darse a conocer en esta época. El cine comercial dominó la taquilla.
Uno de los mayores éxitos de la década fue el género de superhéroes, con películas como «Spider-Man» (2002), «Batman Begins» (2005) y «Iron Man» (2008), que arrasaron en taquilla. El cine de animación también ha cosechado un gran éxito, con películas como «Shrek» (2001) y «Ratatouille» (2007), que han sido muy bien acogidas por el público.
El cine independiente también experimentó un renovado interés durante la década de 2000, gracias a la difusión de las tecnologías de filmación digital y a la creciente popularidad de los festivales de cine. Directores como Wes Anderson, Sofia Coppola, Richard Linklater y Noah Baumbach han recibido especial atención por sus obras independientes.
Además, la década de 2000 vio el resurgimiento de algunos géneros clásicos como el terror y el cine bélico, con películas como «The Ring» (2002), «Los otros» (2001), «Black Hawk derribado» (2001) y «Cartas desde Iwo Jima» (2006).
El cine de la década de 2000 también fue testigo de la continuación de algunas sagas cinematográficas comerciales, como «La guerra de las galaxias» y «El señor de los anillos». Pero la década también vio nacer nuevas sagas como «Harry Potter» y «Crepúsculo», que atrajeron a un público adolescente de todo el mundo.
En general, la década de 2000 fue una década de gran creatividad e innovación en el cine indie, pero también cimentó el éxito de algunas de las grandes franquicias comerciales cargadas de estereotipos y clichés.