El renacimiento del cine independiente
En un mundo cada vez más conectado, donde las barreras geográficas y culturales se disuelven, una nueva tendencia se está imponiendo rápidamente en la industria cinematográfica mundial: el cine independiente. Estamos ante un fenómeno sin precedentes, en el que las producciones cinematográficas experimentales y originales están ganando terreno a las superproducciones tradicionales y al cine mainstream. Esta tendencia obedece a diversas motivaciones que llevan al público a buscar algo diferente y a desear una forma más auténtica de entretenimiento.
Una de las principales razones de la aparición del cine independiente es el cansancio del público ante las fórmulas preconfeccionadas y los argumentos previsibles que caracterizan a las superproducciones. La gente está ávida de novedades, historias únicas e inspiradoras que rompan los moldes convencionales. El cine independiente destaca por su audacia narrativa y por atreverse a tratar temas complejos, dando voz a diferentes perspectivas y ofreciendo una mirada más íntima de las experiencias humanas.
Además del deseo de originalidad, existe una creciente conciencia pública de las dinámicas sociales, políticas y culturales que configuran el mundo que nos rodea. El cine independiente adopta esta sensibilidad y ofrece una plataforma para debatir temas importantes y a menudo ignorados. Mediante una combinación de estética innovadora y narración atractiva, estas producciones son capaces de crear un impacto duradero en la sociedad, inspirando al público a reflexionar y considerar nuevas perspectivas.
Nuevos cineastas
Otro factor que contribuye al crecimiento de la popularidad de las películas independientes es la democratización de la producción cinematográfica. Gracias a los avances tecnológicos, el acceso a las herramientas de grabación y edición es ahora más accesible que nunca. Esto ha abierto la puerta a una nueva generación de cineastas y narradores, que pueden expresar su visión artística sin las restricciones impuestas por los grandes estudios de producción. Como resultado, el panorama cinematográfico se ha enriquecido con voces únicas, creando una variedad de opciones que satisfacen las necesidades y los gustos más diversos.
Por último, pero no por ello menos importante, existe un creciente deseo de vivir experiencias cinematográficas que vayan más allá del mero entretenimiento. El cine independiente ofrece una experiencia más profunda y envolvente que desafía al espectador y evoca emociones genuinas. Arte experimental, cinematografía innovadora y actuaciones extraordinarias se combinan para crear una experiencia que permanece en la mente del espectador
En un mundo dominado por la grandeza de los efectos especiales y las estrellas de Hollywood, se está extendiendo un cambio de perspectiva entre los espectadores de cine. La importancia de los grandes presupuestos y los espectaculares efectos especiales está desapareciendo poco a poco, sustituida por un deseo de autenticidad y conexión con el mundo real. El público de hoy busca actores reales que interpreten personajes reales, quiere historias que le lleguen al corazón y que resuenen con su propia experiencia vital. Las películas sin presupuesto, pero que consiguen transmitir emociones auténticas, son cada vez más aclamadas, ya que demuestran que la verdadera magia del cine no reside en los costes y los efectos especiales, sino en la capacidad de implicar y conmover a los espectadores con su autenticidad y profundidad.
Crecimiento mundial del cine independiente
Con esta revolución cinematográfica en marcha, el cine independiente se perfila como la moda mundial del momento. Ofrecen un refugio contra la monotonía de los previsibles éxitos de taquilla presentando historias únicas y emocionantes y explorando temas complejos. Los cineastas independientes tienen el valor de desafiar las convenciones y contar las historias que de verdad importan. Para el público cansado de las fórmulas de siempre, los clichés y el entretenimiento empaquetado, las películas independientes ofrecen una perspectiva fresca, un escaparate para el arte experimental, la narración original y las experiencias que tocan el alma. Es hora de abrazar esta tendencia mundial y descubrir la emoción y la inspiración que sólo el cine independiente puede ofrecer.
Cine independiente y documentales
No es sólo en la ficción donde el público abraza el encanto del cine independiente. Incluso en el mundo del documental, la demanda de historias auténticas y realistas está dando lugar a un increíble renacimiento del cine independiente. El género documental tiene el poder de revelar la verdad, de explorar cuestiones sociales, políticas y medioambientales que tienen un impacto directo en nuestra sociedad. Lo que importa aquí es la sustancia y la capacidad de implicar al espectador a través de una historia sincera. Los cineastas independientes son capaces de captar la realidad con una lente íntima y sin filtros, a menudo con presupuestos modestos pero con una profundidad inigualable. En este nuevo panorama cinematográfico, el documental independiente está demostrando ser una opción fascinante para quienes desean experimentar una visión auténtica del mundo y conocer historias que de otro modo permanecerían en silencio.
Con el auge de las películas independientes, tanto de ficción como documentales, está surgiendo una nueva era del cine, en la que el público busca experiencias cinematográficas que vayan más allá del mero entretenimiento de masas. Es una época de cambio y apertura a nuevas formas de expresión artística, a la originalidad y a una conexión más profunda con el mundo que nos rodea. El cine independiente y los documentales ofrecen un refugio a quienes desean transportarse a mundos nuevos y auténticos, y nos invitan a explorar la complejidad y diversidad de la condición humana. Es una oportunidad para que el público participe en esta revolución cultural, abrazando la tendencia del cine independiente y abriendo la puerta a una experiencia cinematográfica única y memorable. Pero demos un paso atrás y veamos qué es exactamente el cine independiente y cómo nace.
¿Qué es el cine independiente?
Una película independiente , también conocida como película indie , es una película producida sin la intervención de una gran productora, producida de forma totalmente independiente por todos los grandes Estudios. El cine independiente suele describirse como original y poco convencional. Pero hay innumerables ambigüedades y matices en esta definición.
El mundo del cine independiente es un mundo complejo, que refleja el desarrollo de la industria cinematográfica y de la sociedad. La independencia es, de hecho, una forma de pensar y actuar que puede encontrarse a varios niveles, tanto en el cine como en la vida. Independencia financiera, Independencia de ideas, Independencia de acción, Independencia de cánones y modas dominantes.
Cómo nace el cine indie
Casi todas las películas que han sido pioneras y han desarrollado el lenguaje cinematográfico desde los albores del cine han sido películas independientes. El cine industrial se preocupaba más de seleccionar lo que funcionaba para ofrecerlo con su poder de distribución a un público más vestido, sin arriesgar nunca grandes presupuestos para algo que no hubiera sido ya probado por el cine independiente.
Todos los pioneros del cine de fin de siglo, todas las vanguardias y movimientos que cambiaron la historia del cine fueron películas independientes de cachorros, salvo raras excepciones en el mundo mainstream más valiente. El cine independiente y artístico siempre ha explorado nuevos territorios, mientras que la industria del entretenimiento siempre ha preferido mantenerse a salvo en lugares tranquilizadores y de bajo riesgo.
Las historias, los personajes, pero sobre todo los lenguajes que el cine independiente y experimental ha sabido descubrir fueron fundamentales en tiempos en los que parecía que el negocio de las imágenes en movimiento producía copias de películas todas iguales.
Las películas independientes y el fenómeno del cine independiente nacieron con la invención del cine. Varios inventores y fabricantes de los primeros proyectores de cine y sistemas de rodaje operaron a la sombra de los grandes grupos. Estos grupos, Edison, Biograph y Vitagraph, poseían el poder y las patentes necesarias para monopolizar la industria cinematográfica. En cuanto algún inventor independiente conseguía crear dispositivos mejores que los suyos, lo neutralizaban con acciones legales.
El objetivo era tener el control absoluto de la industria para maximizar sus beneficios. A principios del siglo XX, el cine independiente se convirtió así en una especie de lucha romántica contra gigantes monopolísticos como la compañía Patentes. Estas empresas monopolísticas, sin embargo, se unieron y fusionaron todas en la creación de Hollywood , que da casi un siglo es un conglomerado de Estudios que gestionan el control de las salas de cine y la distribución en Estados Unidos y en todo el mundo. & nbsp;
Las películas independientes, en los albores del cine, se dirigían al nicho de las ciudades de provincias de los estados norteamericanos al que no siempre llegaban las producciones mainstream. O dirigido a un grupo étnico específico, como el de los hombres negros. O a cierta subcultura juvenil desatendida por el cine convencional.
Varios inventos procedían de inventores independientes que operaban en cines que no estaban controlados por los Estudios. Por ejemplo, la pantalla ancha y, más tarde, en los años 50, el cine tridimensional.
A partir de las creaciones de Hollywood, la dialéctica entre películas de alto presupuesto y cine independiente se hace continua. Algunos guionistas empiezan como independientes y luego pasan a trabajar en estudios de Hollywood. Otros toman el camino opuesto y deciden tener más libertad de expresión después de las primeras películas. Incluso los actores famosos trabajan en ambos tipos de películas, que en algunos casos se confunden.
Productores como David Selznick y Sam Goldwin entienden que producir también películas independientes, contando ya con los recursos de un gran estudio, puede ser una actividad interesante. La batalla más importante contra los grandes estudios la libró United Artist, una distribuidora creada por Mary Pickford, Charlie Chaplin , Douglas Fairbanks y D. W. Griffith . El éxito del productor Selznick en el cine independiente hacía presagiar que las cosas cambiarían pronto.
El desarrollo del cine independiente
A partir de los años 50, la cadena de montaje industrial de Hollywood empieza a conceder obras a productores y directores externos independientes, dejando más espacio a la creatividad. Esta forma de trabajar dio origen a un cine independiente híbrido , creado por la colaboración entre grandes estudios y pequeñas empresas independientes. Muchos éxitos de taquilla son producidos por empresas independientes en colaboración con los estudios.
El fenómeno del cine independiente ha aumentado considerablemente en los últimos 30 años gracias al vídeo y las tecnologías digitales. Ahora es un universo sin límites que convive con el cine mainstream de Hollywood. películas anuales.
¿Qué película es ésta? ¿Cuál es el mínimo común denominador del cine independiente? Es difícil responder a esta pregunta. Cada película independiente tiene su propia personalidad. Cada director independiente tiene sus propias motivaciones creativas. El cine independiente es sin duda el espejo de la independencia en la vida cotidiana . El cine independiente surge a menudo como una crítica al sistema dominante, como un cine alternativo con mayor sensibilidad y creatividad.
Al igual que en la vida hay ciudadanos que cuestionan los dogmas y las verdades de los sistemas de información dominantes, que no bajan la cabeza ante los absurdos del poder y que quieren pensar por sí mismos, del mismo modo el cine independiente está formado por cineastas. y gente que quiere hacer algo que vaya más allá de los estándares del cine que se somete a la aprobación comercial.
Los géneros del cine independiente
Los géneros, sin embargo, pueden ser de lo más variado: está el cineasta que hace una película intimista como un diario personal que sería imposible rodar en la industria cinematográfica. Está el director que utiliza el cine independiente para dar vida a sus ideas sociales y políticas, sin seguir el tortuoso camino de encontrar grandes financiaciones.
Está el director que se siente parte de una comunidad y quiere contarla a través de su documental. Está el director que se adentra en los territorios del cine experimental y de vanguardia con la intención de deconstruir el lenguaje y renovarlo. Y también está el cine independiente que nace con intenciones puramente comerciales, el cine de explotación, o la producción de películas de serie B como las del director estadounidense que más que ningún otro ha sabido transformar el cine indie en productos rentables: Roger Corman.
En resumen, el cine independiente es una galaxia extraordinaria, mucho más compleja, heterogénea y estratificada que el cine mainstream. Podría pasarse la vida descubriendo cines independientes de varios países del mundo y a sus autores, a menudo desconocidos. Y quedaría impresionado por la calidad de las películas, a menudo no acompañada de tanta notoriedad.
Cine independiente estadounidense
En la década de 1960 nació una corriente de cine independiente artístico y vanguardista. Y la New Wave estadounidense, que tiene su movimiento correspondiente en varios países del mundo, como la Nouvelle Vague francesa y la New Wave iraní. El progenitor de este bello movimiento en Estados Unidos es John Cassavetes, que realizó su primera película de los años 60, Sombras.
La característica de este tipo de películas es la ambientación realista y la centralidad de los personajes, a menudo interpretados por gente corriente. Junto con la experimentación de un lenguaje libre y nuevo. Cineastas como Maya Deren y Stan Brakhage buscan en cambio una vía más experimental y underground, alejada de la narrativa.
Este tipo de cine contamina lentamente la mentalidad de Hollywood con el paso del tiempo. En los años 70 el sistema industrial está al borde del abismo financiero, su mecanismo de producción ya no funciona, las películas cuestan demasiado y son incapaces de recuperar el gasto con la recaudación. Es precisamente el cine independiente el que salva al cine industrial.
Películas como La noche de los muertos vivientes, Halloween, El último hombre en la Tierra y muchas otras del género de terror tuvieron un enorme éxito económico. Películas de la contracultura juvenil como Easy Rider hicieron que Hollywood comprendiera la importancia y la magnitud de estos fenómenos. El cine independiente mostró a Hollywood la fuerza de un lenguaje a menudo áspero, violento y erótico, como por ejemplo en Russ Meyer.
En los años 70, Hollywood empezó a imitar algunas películas independientes de gran éxito con versiones más caras. Como por ejemplo en el caso de El exorcista, de William Friedkin, y El tiburón, de Steven Spielberg. En aquellos años, Hollywood comprendió la demanda de películas independientes por parte del público y consiguió recuperar esa porción del mercado, dejando de nuevo las migajas a las producciones independientes.
Esto no ocurrió en el sector del arte y la vanguardia, el fenómeno del llamado Nuevo Hollywood. Directores independientes con lenguajes y estéticas originales como Martin Scorsese y Robert Altman dieron origen al Nuevo Hollywood. Sin embargo, fue un episodio efímero y quedó relegado al circuito de festivales. En los 80, Hollywood y la política de derechas se reafirmaron con arrogancia, recuperando el mercado y el consenso. Scorsese, Altman y muchos otros empezaron a trabajar para los departamentos de cine de autor de las grandes productoras de Hollywood.
Cine independiente europeo
En Europa, las cosas son diferentes. El cine indie es una definición popular sobre todo en Estados Unidos, pero el término es más ambiguo en Europa. Hay pocos grandes estudios, la televisión y la financiación estatal son los principales productores cinematográficos. Podría decirse que el 90% de las películas europeas, al igual que gran parte de las estadounidenses, son pequeñas películas independientes con presupuestos modestos que en Estados Unidos podrían llamarse fácilmente películas independientes.
Según esta definición de cine independiente, los autores europeos más famosos, y muchos estadounidenses, conocidos en todo el mundo, son directores independientes. Algunos canales de streaming, por ejemplo, incluyen nombres como Woody Allen o Martin Scorsese en la categoría de cine indie. La realidad es bien distinta. Dentro de esta categoría genérica, de la que sólo podríamos excluir las superproducciones de Hollywood, están las películas indie «verdaderamente independientes», es decir, realizadas de forma artesanal o, en el caso de las más exitosas, podríamos decir «de vanguardia» con presupuestos mínimos. y casi inexistente.
Cine independiente, la nueva frontera del cine digital
Desde los años 80, el cine independiente ha crecido enormemente gracias a la tecnología de vídeo, pero ha experimentado un aumento exponencial desde principios de los 2000 con las cámaras compactas digitales y sofisticadas que hoy garantizan una calidad similar a la de las producciones mainstream.
A esto se suman programas de edición digital como Adobe Premiere, Final Cut y otros que ofrecen la sencillez de la edición clásica e increíbles capacidades de posproducción de imagen, color, sonido y efectos especiales.
El único mercado en el que el cine independiente siempre se ha tomado muy en serio es el estadounidense, donde el ojo de las grandes producciones siempre se ha fijado en las películas de bajo presupuesto, con cazatalentos siempre a la búsqueda de nuevos proyectos potencialmente interesantes. para un público más amplio. Muchos estudios, de hecho, han creado departamentos dedicados exclusivamente al cine de autor e independiente, ampliando su objetivo a ese nicho de público.
Vea el vídeo del director Fabio Del Greco explicando su visión sobre las nuevas posibilidades de hacer y distribuir películas independientes en la era de la tecnología digital. (subtítulos con traducción automática)
El cine independiente es una empresa sostenible
El cine independiente es una empresa sostenible, pero siempre ha desempeñado un papel marginal en toda Europa. La mayoría de las películas (casi todas) que aparecen ante el público como éxitos no forman parte de este nicho, pero también son proyectos totalmente fallidos. Pongamos un ejemplo: una ópera prima anunciada como un debut extraordinario, una película sin pretensiones que parece un drama televisivo, coste de producción de 600.000 euros, coste de promoción y marketing para el estreno en salas de unos 200.000 euros (por eso el público la conoce y, en consecuencia, genera premios en festivales importantes). Taquilla: 200.000 euros. Por lo tanto, la película tiene unas pérdidas de 600.000 euros, una suma considerable para los simples mortales, menos mal que hay dinero público de los contribuyentes, como siempre, para cubrir las pérdidas.
Pero podríamos poner ejemplos de películas de autor mucho más famosas y consideradas por todos grandes éxitos que en realidad son deficitarias económicamente. Multiplique este agujero por cientos de películas cada año y 40 años de financiación pública del cine y obtendrá un gigantesco agujero lleno de dinero. Muchos responderán indignados a estas insinuaciones de que es legítimo financiar la cultura. Sin embargo, hay que precisar que la mayoría de estas películas, aunque estén financiadas con la etiqueta de película de interés cultural, no son ni cultura ni arte, y a menudo son obras mediocres, o menos que mediocres, que reciben premios y galardones. La empresa cinematográfica no es sostenible desde hace mucho tiempo y cada vez va a peor. El cine independiente existe desde los años 70, y en cierto modo siempre ha existido, pero fue a partir del año 2000 cuando, gracias al digital, se extendió en Italia y cuando sus costes de producción bajaron considerablemente.
En Estados Unidos, desde las películas de Cassavetes en adelante, el cine indie siempre ha generado un volumen de negocio millonario y ha estimulado el interés de los estudios, porque a menudo ha producido películas imprevisiblemente rentables e innovadoras. En Europa, el cine independiente siempre ha tenido un papel muy marginal al margen de cualquier interés comercial, pero desde hace unos diez años se producen películas realmente notables que se distribuyen directamente en streaming. Pero la verdadera cuestión es: El cine independiente es una empresa sostenible. Si produzco una película independiente de bajo presupuesto, mi riesgo empresarial es bajo y las posibilidades de obtener beneficios son muchas más. Pero a estas alturas el escenario está claro: con inversiones mínimas, la tecnología permite hacer películas perfectas también desde el punto de vista técnico.
No me refiero al gran cine mainstream ni a las películas de época que seguirán siendo producciones de alto presupuesto, sino a toda esa gama de cine de autor, o presunto, que todavía hoy tiene unos costes industriales estratosféricos y que en muchos países europeos pagamos subvencionándolos de nuestro bolsillo. En Europa, el cine independiente sigue envuelto en una pátina de desinterés, como algo amateur o como un peldaño hacia los mecanismos clásicos de producción industrial descritos anteriormente, los mismos mecanismos que parecen tener una vida corta. Para ser reconocidos como directores importantes hay que conseguir financiación estatal, alzar la voz, salir en la tele y coleccionar las estatuillas de hojalata con esmoquin. Esta pátina envuelve a todos: espectadores, críticos, iniciados e incluso directores. Y si hasta los autores de la película piensan así, no hay cambio posible.
Las mejores películas independientes italianas
Por definición, las películas italianas son todas independientes, simplemente porque el cine convencional y las superproducciones no existen. Con las excepciones necesarias para los cómicos más famosos de cinepanettoni y compañías. Pero para el «verdadero» cine independiente, las cosas son muy diferentes, y la producción es muy animada.
No cabe duda: el cine independiente italiano vive una temporada de gran creatividad y entusiasmo. Quizá gracias a las nuevas tecnologías digitales que han hecho posible la realización de una película indie al margen de las dinámicas clásicas de producción cinematográfica, que en Italia son exclusivas de quienes viven dentro de una casta específica.
Tal vez porque vivimos en una época en la que en nuestro país hay conflictos que generan una fuerte necesidad de expresarse, las obras del cine independiente italiano, frente a las del cine mainstream que parecen suscitar cada vez menos interés, figuran entre las más sorprendentes del panorama internacional.
Pero es necesario hacer una advertencia: No estoy seguro de las películas para aquellos que todavía piensan en el cine como un producto espectacular de alta calidad con actores conocidos, sino productos diseñados y creados de una manera profundamente diferente y nueva, a menudo realizados sin ningún presupuesto. muy lejos de lo que estamos acostumbrados a ver en los cines. Un poco como es profundamente diferente ir a un espectáculo de circo o entrar en una galería de arte moderno.
Películas independientes que debe ver
Aquí tiene una lista de películas independientes italianas e internacionales que no puede dejar de ver, ordenadas cronológicamente.
Festival de Cannes (2001)
Cannes, 1999. Alice, actriz, quiere dirigir una película independiente y busca financiadores. Conoce a Kaz, un locuaz hombre de negocios, que le promete 3 millones de dólares si utiliza a Millie, una estrella francesa que ha pasado su juventud y ya no encuentra papeles interesantes.
Alice le cuenta la historia de la película a Millie y la actriz se enamora del proyecto. Pero Rick, un importante productor que trabaja para un gran estudio de Hollywood, necesita a Millie para un pequeño papel en una película que se rodará en otoño, o de lo contrario perderá a su estrella, Tom Hanks.
Una película rodada con gran libertad estilística, como un documental, durante la edición de 1999 del festival, que se centra en las interpretaciones de los actores con un método de improvisación espontáneo y fluido, inspirado en el cine de John Cassavetes. Una comedia sentimental ligera y conmovedora, donde los conflictos y fragilidades de las estrellas del mundo del espectáculo emergen gradualmente, sacando a la superficie los temas importantes de la vida.
Sueños de Hollywood (2007)
La aspirante a actriz Margie Chizek busca el estrellato en Hollywood. Es rechazada por la escena cinematográfica, se enamora, descubre los engaños que se esconden tras el mundo de la publicidad cinematográfica y comprende mejor su identidad. Salvada de la ruina por un amable productor, Margie consigue entrar en el mundo de los ricos de Hollywood y se enamora de un joven actor, que está construyendo su carrera haciéndose pasar por gay.
Hollywood Dreams, de Henry Jaglom, es una película subversiva, una sátira de una industria basada en el engaño. Inspirada en la libertad productiva y la improvisación de los actores del cine independiente de John Cassavetes, más riguroso y emocionante que otras películas de Henry Jaglom, Hollywood Dreams se centra en una actriz sonriente que de repente se hace famosa.
Irene en el tiempo (2009)
Un padre desaparecido hace tiempo afecta a la vida de su hija Irene. Irene habla de su padre de ella, recuerda su juventud, relaciona a sus antiguos amigos e incluso sale con hombres con los que quiere llenar el vacío de su vida. Pero sus encuentros son una serie de fracasos.
«Irene en el tiempo» forma parte de la «Trilogía de la mujer» de Jaglom sobre los problemas de la mujer. Rodada con el habitual estilo de improvisación actoral del director independiente californiano, los personajes y su humanidad están en el centro de Irene In Times, una película interpretada de forma auténtica, interesante, fresca, diferente a la interpretación de las películas industriales.
Tournee (2010)
Joachim Zand, productor de televisión en crisis, regresa a Francia tras una larga estancia en Estados Unidos. Joaquín había cortado todas las relaciones en Francia: amigos, enemigos, hijos. Llega con un grupo de gorditas y bulliciosas strippers californianas que hacen espectáculos de burlesque y a las que quiere mostrar en París.
Tournee es una película de carretera en la que los espectáculos de burlesque se representaron realmente para un público en directo durante la producción de la película. La historia se inspira en el libro de Colette de 1913 sobre la experiencia de los salones de baile a principios del siglo XX, The Other Side of Music-Hall. Presentada en el Festival de Cannes de 2010, donde ganó el premio Fipresci, el galardón más importante de la crítica cinematográfica, y el premio al mejor director.
Babycall (2011)
Anna y su hijo Anders, de 8 años, huyen de un trágico pasado familiar: el padre del niño es un hombre violento y peligroso. Se mudan a una casa secreta y Anna compra un babycall para tener controlado a Anders mientras duerme. Una noche, Anna se despierta sobresaltada: llegan ruidos de la habitación de Anders, parece que se está cometiendo un asesinato.
Pero cuando la madre va a ver al bebé, parece que no ha pasado nada. Noomi Rapace interpreta brillantemente a un personaje inquieto y obsesionado con el control. Una mujer que nunca sonríe, sombría, tratando de salvar su frágil equilibrio mental. Historia de amor, maternidad y violencia, entre exteriores grises de ciudad e interiores claustrofóbicos.
Amigos adorables (2012)
Thelma, Louise y Chantal (2012) es una película francesa de comedia dirigida por Benoît Pétré. La película está protagonizada por Jane Birkin, Caroline Cellier y Catherine Jacob.
Tres amigos cincuentones son invitados a la boda de Philippe, un amigo común de la juventud, que tras muchas aventuras amorosas parece haber encontrado a la mujer adecuada, Tasha. Chantal está sola, la relación con su marido está en crisis y el extraño trabajo de promocionar el chocolate amargo es un desastre. Gabrielle es una amiga desinhibida y libertina, convencida de que practicar sexo es la única forma de no envejecer. Y luego está Nelly, deprimida y frígida, o eso parece.
La película es una comedia agridulce que explora temas como la mayoría de edad, la amistad y la libertad. Recibió críticas positivas de los críticos, que alabaron las interpretaciones de las tres actrices principales.
La quinta temporada (2012)
En un pequeño pueblo de las Ardenas vive una comunidad que está a punto de celebrar el final del invierno con una hoguera tradicional. Un chico y una chica descubren el amor y el deseo. Pol, un apicultor nómada, también llega al pueblo y se instala en el centro de la aldea en su caravana, junto con su hijo discapacitado. La alegría de la fiesta se desvanece cuando se produce un extraño suceso, interpretado por los aldeanos como un mal presagio: el fuego de la hoguera no prende.
La idea de partida es brillante. El resultado es una película antropológica y filosófica, dividida en cuatro capítulos, con una espléndida fotografía inspirada en la pintura flamenca. La nieve lo cubre todo, incluso el parloteo de los aldeanos, lo que deja lugar a largos silencios metafísicos. La quinta temporada es una película alegórica, cargada de poderosos símbolos y metáforas, en la que la naturaleza es la auténtica protagonista.
Viramundo (2013)
La vida y el arte de Gilberto Gil, músico y hombre influyente en la historia más reciente de Brasil. De músico creador del movimiento Tropicalismo a primer negro nombrado Ministro de Cultura de Brasil. En Viramundo, documental dirigido por Pierre-Yves Borgeaud, Gilberto Gil realiza un fascinante viaje a las periferias del mundo rico y tecnologizado.
Un viaje en simbiosis con la naturaleza, que comienza en Brasil y llega a África a través de Australia. No se trata de una simple excursión, sino de una extraordinaria oportunidad de encuentro e intercambio entre etnias y culturas.
Abacuc (2015)
Abacuc (2015) es una película documental experimental italiana dirigida por Luca Ferri. La película es una exploración inquietante y poética del aislamiento, la alienación y la búsqueda de sentido en un mundo que cada vez parece menos significativo.
La película sigue a Abacuc, una figura solitaria y enigmática que vive en una casa destartalada a las afueras de una ciudad. Abacuc pasa los días vagando por las calles, observando la ciudad desde la distancia. Nunca habla, y sus únicas interacciones con los demás son a través de la llamada telefónica ocasional de un interlocutor invisible.
La película está rodada en un estilo minimalista, con tomas largas y centrada en los detalles mundanos de la vida de Abacuc. La banda sonora se compone de sonidos dispersos y atmosféricos, que crean una sensación de inquietud y misterio.
Abacuc es una película desafiante que invita a la reflexión y que desafía cualquier categorización fácil. Es una película que merece ser vista y contemplada con detenimiento. La película ha sido elogiada por su originalidad, su inquietante belleza y su exploración de profundas cuestiones filosóficas.
Abacuc es una película que no es para todo el mundo. Es una película lenta y meditativa que exige toda la atención del espectador. Sin embargo, para quienes estén dispuestos a comprometerse con ella, Abacuc es una película gratificante e inolvidable.
Una película extremadamente experimental y vanguardista que desafía al espectador con invenciones únicas a través de la vida cotidiana de un personaje surrealista que no se olvida fácilmente. Abacuc es un tipo condenado a vagar por un infierno esotérico y genial, sin vida.
Lack-Purgatory (2016)
Lack-Purgatory (2016) es una película experimental italiana de 2016 dirigida por Stefano Odoardi. La película es una obra experimental que explora el tema de la carencia y la búsqueda de la salvación.
La película está ambientada en un no-lugar inespecífico, un tiempo y un espacio suspendidos. Los personajes de la película son un grupo de humanos que vagan sin rumbo, buscando algo que no encuentran.
La película se caracteriza por un lenguaje cinematográfico poco convencional. La imagen suele ser borrosa y distorsionada, y el sonido fragmentado y discordante. Esta elección estilística contribuye a crear una atmósfera de ansiedad y misterio.
Lack-Purgatory es una película compleja y difícil de interpretar. No ofrece respuestas fáciles a las preguntas que plantea, sino que deja al espectador con una serie de interrogantes.
Imágenes insólitas e impactantes, una película enigmática, un viaje onírico entre almas medio condenadas a la espera. Inspirándose en Homero, Paul Éluard, Allen Ginsberg, Odoardi compone una Odisea llena de ecos.
Día 122 (2016)
Un grupo de supervivientes de un accidente ferroviario se encuentra aislado en los Apeninos tosco-emilianos. Tras esperar ayuda en vano, los supervivientes se adentraron en el bosque nevado en busca de comida y refugio. Pero, ¿qué son esas extrañas rayas naranjas que cruzan el cielo?
«Día 122» es una mirada al alma humana: el egoísmo, la brutalidad y los intereses personales llevan al planeta al colapso y el hombre vuelve a ser la bestia de sus orígenes.
Appennino (2017)
Appennino (2017) es una película documental italiana dirigida por Emiliano Dante. La película es un diario cinematográfico que sigue la vida del director y su familia en la ciudad de L’Aquila, tras los terremotos de 2009 y 2016.
La película se divide en dos partes. La primera parte, titulada «L’Aquila», sigue al director en su regreso a la ciudad tras el terremoto de 2009. El director se reúne con sus amigos y familiares, y documenta el progreso de la reconstrucción.
La segunda parte, titulada «S. Benedetto del Tronto», sigue al director y su familia cuando se trasladan a S. Benedetto del Tronto, ciudad de la provincia de Ascoli Piceno que ha acogido a muchas víctimas del terremoto de L’Aquila. El director documenta la vida cotidiana en un hotel para víctimas del terremoto, y las dificultades a las que se enfrenta la gente para reconstruir sus vidas.
La película fue elogiada por su estilo poco convencional, que combina elementos de documental, ficción y autoficción. El director utilizó diversas técnicas cinematográficas para crear una atmósfera de realismo y poesía.
Una historia tan íntima como paradójica, lírica y geométrica, donde la indagación de vivir en un lugar sísmico se convierte en el dispositivo para revisar la definición real de hacer cine de hecho.
Los enemigos (2017)
Durante el conflicto entre Georgia y Osetia en 2008, tras los bombardeos, dos hombres -el soldado georgiano Zaza y el anciano osetio Zaur, enfermo terminal- se encuentran atrapados en una habitación subterránea de un edificio de 5 plantas. Inmediatamente empiezan a culparse mutuamente de haber instigado la guerra, discutiendo sobre quién tiene la culpa y quién la razón.
Pero a medida que pasa el tiempo, los dos se van dando cuenta de que ambos bandos tienen su propia verdad y que todo el conflicto está impulsado por una «tercera fuerza». A través de su conversación y su comportamiento, se hace evidente que ambos son hijos de las elevadas montañas del Cáucaso, con tradiciones, creencias, leyes y herencia caucásicas no escritas, y que ambas naciones no tienen nada por lo que luchar de verdad.
Conflictos entre distintas generaciones, distintas etnias. Padres e hijos, viejos y jóvenes, georgianos y osetios luchan entre sí a causa de guerras que no acaban de comprender. El director Giorgi Ghachava nos cuenta el absurdo de la guerra a través de dos actores de talento encarcelados en un sótano, iluminados únicamente por velas, obligados a asumir sus vidas destrozadas por la guerra.
El resto con mis ojos (2017)
Claudia Cattelan, videoartista italiana, prepara una película que mezcla realidad y ficción. Tras buscar sin éxito a los actores adecuados para sus personajes, se traslada a Rotterdam, donde ambienta la historia. Allí conoce a un actor francés, Serge Coran, que es un profesional serio pero todavía relativamente desconocido. Serge está entusiasmado con la oportunidad de interpretar el papel protagonista, pero cuando lee el guión, algo le inquieta profundamente.
Festín (2018)
El maestro del cine poético Franco Piavoli, autor de obras maestras como «El planeta azul» y «Voces en el tiempo», vuelve a filmar la vida cotidiana de un país en un día de fiesta. Franco Piavoli, autor de la obra de arte «La tierra azul», vuelve a la dirección para grabar la «noche del día de fiesta», entre Leopardi y Pascoli.
¿Qué representa, tanto desde el punto de vista material como simbólico? No requiere ningún tipo de oropel, de fiesta, y llega directo al corazón del espectador sin estratificación, sin ningún tipo de desviación del rumbo, sin ningún añadido.
Cine de ópera y poesía de un director que siempre ha vivido y trabajado lejos de la industria cinematográfica. No hay nada más alejado del cine que el cine independiente de Franco Piavoli.
Lea el artículo sobre Franco Piavoli
Mareas (2018)
¿Puede la historia de un río revelar el sentido de una vida prisionera de la historia? A pesar del fin del conflicto, en Irlanda del Norte sigue habiendo una ciudad con dos nombres distintos: Derry, para los católicos, Londonderry para los protestantes.
En el centro de la ciudad, corre un río: El Foyle, que separándolas literalmente, se ha convertido a su pesar en su frontera física. Mareas, una historia de vidas y sueños perdidos y descubiertos, ha ganado 6 premios mundiales.
Un fascinante flujo de imágenes de deseo sobre los temas del límite, el tiempo y también los deseos. Una de las mejores películas independientes de los últimos años, imperdible, mágica, poética, donde las imágenes del director Alessandro Negrini, italiano residente en Dublín, nos transportan a los territorios de los sueños.
The Astronot (2018)
The Astronot sigue el viaje de Daniel McKovsky, un alma errante y perdida que ha pasado los últimos 30 años de su vida solo, contemplando las estrellas a través de su fiel telescopio de latón. Los recuerdos de la desaparición de su padre durante la Segunda Guerra Mundial atormentan la mente de Daniel, que sigue buscando un propósito en la vida.
Al crecer sin su madre y abandonado a su suerte en los bosques del centro de Oregón, Daniel sueña con convertirse en astronauta y explorar los vastos confines desconocidos del espacio. Sin embargo, no pierde de vista la ironía de su situación, ya que sigue atrapado en su mundo aislado.
The Astronot es una comedia romántica con estética vintage que transcurre en una remota zona rural de Estados Unidos. A pesar de su tono desenfadado, la película explora los retos que puede plantear la vida y el impacto que tienen en el viaje de Daniel.
Sus trágicas experiencias crean una profunda empatía con el público, que es testigo de cómo un personaje divertido y entrañable lucha por encontrar su lugar en el mundo. Con su mezcla de humor y drama, The Astronot es una película única y cautivadora que dejará a los espectadores apoyando el éxito de Daniel.
El misterio del empleado (2019)
Misterio de empleados (2019) es una película italiana dirigida por Fabio Del Greco. La película está protagonizada por Fabio Del Greco, Chiara Pavoni, Roberto Pensa, Lucia Batassa, Roberto Rossetti, Flavia Coffari, Umberto Canino y Giuseppe Lorin.
La película cuenta la historia de Giuseppe Russo, un empleado de mediana edad que lleva una vida aparentemente normal. Está casado, tiene una hija, un trabajo estable y un apartamento en la ciudad. Sin embargo, su vida da un vuelco cuando conoce a un misterioso vagabundo que le regala viejas cintas de vídeo suyas de cuando era niño, pero de las que no recuerda nada.
La película es un thriller psicológico que explora temas como la memoria, la identidad y el control. Recibió críticas positivas de los críticos, que alabaron las interpretaciones y la dirección.
Una película independiente que no hay que perderse, entre la ciencia ficción y el drama existencial, que trata temas importantes como el control de las masas y el uso de la tecnología con fines de control. Una película distópica inspirada en la obra «orwelliana» y en la realidad observada en los últimos años en el complejo sobre el control social digital con potentes imágenes del pasado del protagonista, interpretado por el propio director, en diversos periodos de su vida: imágenes rodadas a lo largo de los aproximadamente 30 años de cine del director Fabio Del Greco, utilizadas aquí por primera vez.
Custodia (2019)
Miriam Besson y Antoine Besson son una pareja divorciada. Tienen una hija a punto de cumplir dieciocho años, Joséphine, y un hijo de once, Julien. Miriam quiere alejar a su hijo menor de su padre, al que acusa de ser un hombre violento. Pide la custodia exclusiva de Julien: el niño está traumatizado y no quiere volver a ver a su padre.
En Custodia, Xavier Legrand cuenta los personajes con gran humanidad. Una dramática historia en la que el pequeño Julien está destinado a perder la ingenuidad de su infancia en una batalla por la supervivencia. La película, rodada con un estilo sobrio e intimista, pone de relieve una visión amarga y desesperanzada de la naturaleza humana, con hombres que, para escapar de la soledad y el fracaso, se convierten en perseguidores violentos y asesinos.
Charlie dice (2019)
Karlene Faith es una trabajadora social que trabaja en la prisión de mujeres donde están recluidas Leslie Van Houten, alias Lulu, Patricia Krenwinkel alias Katie y Susan Atkins alias Sadie. Se trata de tres «Manson’s Girls», las chicas de la secta de Charles Manson, culpables de haber participado en crímenes atroces, condenadas a la pena de muerte por el asesinato de nueve personas, entre ellas la actriz Sharon Tate.
La directora Mary Harron no describe a Charles Manson como la personificación del mal, un personaje enigmático y maldito. En su lugar, lo retrata como un hombre mediocre y racista, un fracasado que no ha logrado hacer realidad su sueño de convertirse en músico y que descarga su ira contenida y sus frustraciones humillando a los demás, en un crescendo de locura y violencia.
Dentro del espejo (2019)
Into the Mirror es una película dramática británica de 2019 escrita y dirigida por Lois Stevenson, y protagonizada por Jamie Bacon, Charles Streeter y John Sackville. La película sigue a un joven llamado Daniel que lucha con su identidad. Tras mudarse a Londres, descubre un bar de drags llamado Lost & Found y comienza a explorar su sexualidad.
Daniel siempre ha tenido la sensación de no pertenecer. No encaja con su familia ni con sus amigos, y siempre ha sentido que le falta algo en la vida. Cuando se traslada a Londres, espera empezar de cero, pero pronto se da cuenta de que sigue sintiéndose perdido.
Into the Mirror es una película poderosa y conmovedora sobre la identidad y la aceptación. Es una historia que resonará en cualquiera que alguna vez haya sentido que no encaja. La película está muy bien rodada y cuenta con una gran interpretación de Jamie Bacon.
La película ha sido elogiada por la crítica por sus interpretaciones, dirección y guión. Rotten Tomatoes otorga a la película una puntuación del 92% basada en 23 críticas. El consenso crítico del sitio web reza: «Into the Mirror es una película poderosa y conmovedora sobre la identidad y la aceptación. Es una historia que resonará en cualquiera que alguna vez haya sentido que no encaja».
El año del perro (2019)
«El año del perro» es un cortometraje visionario y surrealista que llega a Estados Unidos en 2019. El director, Jeremy Johnson, nos guía a través de una historia intrigante y bastante inquietante.
En el centro de la trama, un hombre solitario, posiblemente aquejado de trastornos mentales, se embarca en un comportamiento obsesivo hacia una mujer joven y atractiva. Su obsesión se manifiesta a través de la compulsión de seguirla y fotografiarla incesantemente. Consigue descubrir que la mujer trabaja como prostituta, observándola seducir a un hombre por las calles de Los Ángeles y conducirlo posteriormente a su morada.
«El año del perro» adopta elementos estilísticos que recuerdan al magistral David Lynch y evoca en ocasiones la profunda soledad existencial del protagonista Travis de «Taxi Driver». Inicialmente, parece una película orientada hacia el misterio y la obsesión erótica, pero su trayectoria narrativa da un giro sorprendente en el final, culminando en un clímax impactante que deja al público sin palabras.
La guerra en Cuba (2019)
La guerra en Cuba (2019) es una película italiana de drama dirigida por Renato Giugliano y protagonizada por Elisabetta Cavallotti, Younes El Bouzari, Marco Mussoni y Luigi Monfredini. La película está ambientada en una pequeña ciudad italiana y cuenta la historia de cinco personajes cuyas vidas se entrecruzan en la semana previa a un tiroteo masivo en las fiestas patronales de la ciudad.
A medida que avanza la película, los personajes se enfrentan a una serie de retos, tanto personales como sociales. María se enfrenta a la muerte y a la soledad, Mohammed lucha por encontrar su lugar en el mundo, Marco se siente impotente ante la violencia, Luigi se enfrenta a la bancarrota y Laura se siente abrumada por la responsabilidad de la maternidad.
La guerra en Cuba es una poderosa película que explora temas como la violencia, la inmigración, la identidad y la crisis económica. La película fue aclamada por la crítica y ganó varios premios, entre ellos el de Mejor Director en el Festival de Cine de Ischia.
2 Below 0 (2019)
Rusty, un poeta atormentado por la pérdida de su amada Alice, busca consuelo en los paisajes desolados y nevados de un remoto pueblo estadounidense.
Tras vender todo lo que poseía en su antiguo hogar, Rusty compra una caravana y se embarca en un viaje de autodescubrimiento, con la esperanza de encontrar la paz en medio de la vasta extensión del desierto helado. Sin embargo, su confusión interior persiste y le cuesta aceptar la marcha de Alice de su vida. Su recuerdo le persigue, y se aferra a su presencia a través de un maniquí femenino que mantiene cerca.
En la única tienda del tranquilo pueblo, Rusty se encuentra con Babs, Fran y Ruth-Ann, un trío de mujeres que se reúnen regularmente en su entrada. La presencia de Rusty despierta sus deseos y ambiciones, sobre todo en el caso de una aspirante a escritora que sueña con publicar su primera novela con su ayuda.
Tim Cash entreteje con maestría humor y elementos grotescos en este relato, que tiene como telón de fondo un paisaje cubierto de nieve. El abandono de la protagonista por parte de Alice, un drama oculto enterrado en lo más profundo de la narración, se desarrolla gradualmente. Este planteamiento narrativo, que recuerda al de la anterior película de Cash, «The Astronot», en la que el repentino paso de la comedia a la tragedia coge al espectador por sorpresa, resulta cautivador una vez más.
El espejo y el granuja (2020)
Director, guionista a la vez que escenógrafo, compositor de la banda sonora, montador y editor, y finalmente también protagonista, De Filippis realiza una película mística que es una reinterpretación de Ricardo III. El espejo y el granuja es una película experimental basada en la obra de William Shakespeare «Ricardo III».
Narra el delirio del poder contemporáneo en la reinterpretación de un autor de cine, videoclip art e incluso música. El protagonista, Ricardo Duque de Gloucester, hermano del rey Eduardo IV, con una larga serie de crímenes remueve todos los obstáculos que le separan del trono de Inglaterra.
Valerio de Filippis es un conocido pintor que lleva tiempo investigando la relación entre la luz, la corporeidad y la mente. El espejo y el pícaro es el equivalente cinematográfico de la pintura de Valerio De Filippis, su dibujo figurativo en realidad queda muy claro viendo sus cuadros.
Nika (2020)
La película «Nika» sigue la historia de una joven de Los Ángeles que perdió a sus dos padres en un accidente de coche. Aunque ha emprendido una carrera como modelo, Nika siente un vacío en la existencia y el peso del tiempo que pasa.
Aunque ha estudiado en varios campos artísticos, no ha logrado el éxito que esperaba y su amiga, que se ha convertido en una popular estrella, no parece contenta. Nika, desesperada económicamente, se enfrenta a una decisión vital que podría hacerla triunfar o fracasar: convertirse en acompañante.
La película representa un mundo de fragilidad y personajes que buscan sentido en una sociedad que parece hostil. La directora Leilani Amour Arenzana, a través de inspiraciones surrealistas y oníricas, cuenta la historia de unos personajes presos en una trampa «occidental», donde los vicios, la fragilidad psicológica y el materialismo se imponen. Nika es una película que mezcla drama y romance, narrando un periodo de transformación y redención de la protagonista.
Gira por Hollywood (2020)
The Hollywood Tour es una película de 2020 dirigida por Austin Spies. La película cuenta la historia de un joven sin hogar que conoce a un guía turístico en Hollywood Blvd. La película se rodó en Los Ángeles, California. El reparto de la película incluye a John Davenport, Hannah Fournier y Sean Spies.
Gus es un joven estadounidense que huye de casa tras discutir con sus padres. Se encuentra viviendo en la calle, sin hogar, y empieza a fumar hierba y a dormir en un parque. Un día conoce a Cedar, un chico mayor que él que vende entradas a turistas para visitas guiadas a Hollywood.
La película «The Hollywood Tour» es un ejemplo de cine verite. Está rodada exclusivamente con un smartphone, sin actores profesionales, sin fotografía ni ningún tipo de artificio. El director se limita a filmar rigurosamente lo que sucede y a montar las escenas interfiriendo lo menos posible en los acontecimientos que fluyen.
El método Kempinsky (2020)
La carretera está hecha de agua, el destino es falsamente desconocido: las imágenes de la atípica road movie de Federico Salsano capturan la mirada y seducen la mente. Un viaje a través del océano que se convierte en la metáfora del viaje de la vida. Un flujo de pensamientos obsesivo, irónico e íntimo que es una confesión de las dudas y las tramas sin resolver de toda una existencia.
El desembarco en Cuba como náufrago, desnudo, huyendo de los conflictos de Occidente. Y la búsqueda final de ese sentido que parece escaparse continuamente. Pero, ¿existe realmente un sentido? Una película metafísica y espiritual construida como una corriente de conciencia con espléndidas imágenes oníricas, que no se toma demasiado en serio a sí misma pero que no rechaza enfrentarse al drama de la existencia humana. Una de las mejores películas independientes italianas de 2020, quizá de la década.
Días de Corona (2020)
Made during the lockdown es una película indie rodada en contacto directo con la realidad, en parte ficción, en parte documental, con un alto grado de construcción de cine de caja china, genuino e instintivo, una especie de «cinediario» sobre la soledad y sobre la pérdida, que se convierte también en una reflexión sobre la libertad personal.
El protagonista, interpretado por el propio director Fabio Del Greco, se encuentra encerrado en casa solo durante el encierro. Es un momento de reflexión interior sobre su propia vida, sobre la pérdida de su padre, sobre los cambios en la sociedad que le rodea.
Un momento también de salidas transgresoras para dar paseos por el pinar de detrás de casa que parecen acechos de una película de acción, una búsqueda imposible de un bar abierto para tomar un café, símbolo de la sociabilidad perdida.
Oro y plomo (2020)
Oro y plomo (2020) es una película italiana del oeste dirigida por Emiliano Ferrera. La película está protagonizada por Yassmin Pucci, Piero Olivieri, Tiziano Carnevale, Benny Lo Monaco, Alessandro Ostili, Philippe Boa, Claudio Gregori, Sofia Ferrera, Valerio Rota Vega, Renny Zapato.
Clare Peralta es una mujer joven y valiente que vive en un pequeño pueblo del oeste italiano. Su vida da un vuelco cuando su familia es asesinada durante un robo. Clare decide vengarlos y emprende un viaje para encontrar a los culpables.
Una película independiente tan espectacular como una de un gran estudio es algo poco frecuente. Un sentido homenaje al cine de Sergio Leone con un reparto excepcional, una excelente fotografía y una reconstrucción escenográfica que nada tiene que envidiar a los westerns más famosos.
Casa ocupada (2020)
Una gran habitación, un pianista solitario, una presencia misteriosa y el mundo exterior, dentro de calles solitarias, alrededor de una piscina, a lo largo de un río, todavía ella, todavía ella. Recuerdos huecos de una historia de amor. Al hombre le espera un asiduo juego de espejos, cuando una extraña mujer que llama a su puerta se parece demasiado al alma que habita en su casa.
Una obra poética con una estructura linealmente inteligible que remite a la imaginería de las películas gótico-románticas, la vida después de la muerte y el amor más allá de cualquier obstáculo concreto para vivir, con el centro su misterio indisoluble y la fugacidad del amor terrenal, el sentimiento de pertenencia al propio hogar y el deseo de escapar de los recuerdos atormentadores del pasado que aún te atan al presente.
Más allá de nuestras vidas (2021)
Más allá de nuestras vidas (2021) es una película italiana dirigida por Fabio Martorana y protagonizada por Francesca Aledda, Paola Lavini, Ketty Roselli, Domenico Rolando Astone, Cristiano Mariani, Arianna Piattelli, Marzia Pichi y Riccardo D’Acunto. La película se estrenó en los cines italianos el 1 de enero de 2021 y fue distribuida por Running TV.
La historia sigue a Alex y Claire, dos personas que tienen algo en común: ambos tienen sueños recurrentes y recuerdos inquietantes. Ambos se conocen por casualidad y entre ellos comienza a florecer una historia de amor. Sin embargo, sus sueños y recuerdos parecen estar conectados de alguna manera, y esto comienza a ponerlos en peligro.
La película es un thriller psicológico que explora los temas de los sueños, la memoria y la realidad. La dirección de Martorana es eficaz a la hora de crear una atmósfera de suspense y misterio, y las interpretaciones de los actores son convincentes.
Alex es un psicoanalista que tiene una pesadilla recurrente en la que ve cómo asesinan a una mujer. Claire es una joven atormentada por los recuerdos de una infancia difícil. Ambos se conocen por casualidad y entre ellos comienza a florecer una historia de amor. Sin embargo, sus sueños y recuerdos parecen estar conectados de alguna manera, y esto comienza a ponerlos en peligro.
The Offline (2022)
Italia, durante la duración de Covid-19. Matteo Rovere tiene más de cuarenta años, es paranoico, hipocondríaco y reside en un pequeño apartamento con su anciana madre, afrontando sus aburridos días de forma compulsiva. Sale muy poco, e incluso cuando va de compras o a comprar cigarrillos, descontamina cada producto un determinado número de veces.
No entra en casa a menos que se haya quitado los zapatos y esté completamente desvestido. Ni siquiera se toca la cara sin antes lavarse completamente las manos. En resumen, su vida se ha convertido en una pesadilla.
Ganadora de numerosos premios en festivales de todo el mundo The Offline es una producción totalmente independiente de bajo presupuesto realizada gracias al entusiasmo y la dedicación de un equipo de jóvenes artistas, una película honesta y realista, fuera de la lógica del mercado cinematográfico comercial. Una pequeña joya independiente, rodada íntegramente en Ischia, con un reparto mayoritariamente local.
El ardor de los tímidos (2022)
El ardor de los tímidos es una película de conjunto, en la que se entrecruzan diferentes historias del interior napolitano, representadas en una curiosa suspensión entre la tragedia y la boutade. Cinco historias, cinco pequeños universos: Mario, la niña, el vagabundo, la luz, el mar, las colinas, Sergio el periodista, las soledades de Eugenia, Cristiana y Alessandra, una familia que se enfrenta a la tierra, al trabajo y a la propia historia. Lelio y Sandra se enfrentan por la visión de un futuro revolucionario.
El Ardor del Tímido tiene una mirada esbelta en un horizonte que pasa por alto el ego. Los tímidos no están en el candelero, están en un rincón del encuadre, viven un poco fuera del tiempo, no son noticia, pero cuando se dejan llevar por su ardor siembran semillas de vitalidad que presagian algo bueno, y quizá nos hagan redescubrir la ruta perdida en este mundo donde a menudo sólo cuentan la forma y la apariencia y el contenido tiene poco peso.