¿Cuáles son las películas de comedia más interesantes de la historia del cine? Consideradas durante mucho tiempo un género menor, algunas comedias se han convertido en obras de culto, insertadas por las principales revistas y críticos de cine entre las películas imprescindibles. Antes de llegar al cine, veamos cómo nació el género de la comedia en el teatro y la literatura antiguos.
Los orígenes de la comedia
La palabra comedia deriva del griego clásico kōmōidía, que se compone de las 2 palabras fiesta y canto, oda. Los orígenes conocidos de la comedia se remontan a la Antigua Grecia, en algunas obras de Aristóteles, como La Poética, y Aristófanes. En ellos, los autores griegos ironizaban sobre los modos de vida y las contradicciones de la sociedad ateniense.
Las comedias teatrales se escenificaban en las ciudades de la antigua Grecia para hacer sátira social y política, como ocurre en las tertulias televisivas actuales. A menudo eran actuaciones sobre un conflicto de actualidad, sobre políticos y sobre personajes conocidos de la sociedad, en las que había dos bandos enfrentados. El público podía identificarse y al mismo tiempo divertirse.
El crítico canadiense Herman Northrop Frye identificó este conflicto principal de la comedia teatral de la antigua Grecia en el choque entre las generaciones jóvenes y las viejas, entre quien aún no tiene autoridad y poder y quien no quiere renunciar al prestigioso papel que se ha ganado en la sociedad. El enfrentamiento se narraba en tonos divertidos y situaciones paradójicas.
Mientras que el héroe favorito en la tragedia era un hombre virtuoso, el protagonista de las comedias era a menudo un hombre mediocre y con defectos. Un personaje ideal para contar los defectos de la sociedad con un tono divertido.
En el antiguo mundo islámico, donde se tradujo la poética de Aristóteles, el término comedia no se asociaba al entretenimiento. Era más bien un género asociado a la poesía satírica de escritores y poetas como Abu Bishr, Al-Farabi, Avicena y Averroes.
La comedia atraviesa todas las épocas, desde la de la antigua Roma al Renacimiento, pasando por las obras de Shakespeare. En la Edad Media, el término comedia se aleja del significado de representación graciosa y se asocia a la risa y adquiere el significado de poema con final feliz. Como en el caso de La Commedia de Dante Alighieri.
La comedia en el cine mudo
La comedia es un género cinematográfico muy popular que tiene sus principales características en la ironía, la sátira y la burla de las costumbres sociales y morales. En los orígenes del cine, la comedia fue inmediatamente uno de los géneros principales, sobre todo tras la creación de la industria de Hollywood. La comedia sentimental nació en los años 10 con películas que narraban la separación de dos cónyuges y la asistencia de otras parejas.
Las películas tenían el propósito de contener la explosión de divorcios de la época. Siempre terminaban con un final moralista en el que los dos cónyuges volvían a vivir juntos.
Gracias al género de la comedia cómica y al personaje de Charlot, Charlie Chaplin se convirtió en uno de los actores y directores más famosos del mundo. Sus obras maestras son innumerables, desde la película cómica The Kid hasta la comedia amarga y dramática de Limelight.
En el final de reparto Charlie Chaplin protagoniza otro gigante de la comedia, Buster Keaton. Algunas comedias de Buster Keaton son de visita obligada, son auténticas obras maestras del género slapstick, un género propio de la época muda en la que la comedia se centraba en la acción y los gags físicos. Por ejemplo, en las películas Cómo gané la guerra o El cámara. Con la llegada del sonido, la comedia empieza a utilizar gags también a través de los diálogos.
Comedia sofisticada
En 1934 entró en vigor el código Hays y la rigidez de la censura ya no permitía la distribución de obras que hablaran de adulterio conyugal. El género de la comedia se orientó entonces hacia el subgénero de la screwball comedy, la comedia sofisticada.
Este género de comedias estaba protagonizado por personajes ricos de la alta burguesía. La comedia sofisticada fue frecuentada por grandes directores como Frank Capra en películas como Sucedió una noche, de 1934.
Película cómica estadounidense
Las comedias americanas se cuentan entre los géneros más antiguos del cine estadounidense; algunas de las primeras películas mudas eran comedias, ya que el slapstick entretenido suele basarse en la acción y la mímica, sin necesidad de sonido. Con la introducción del sonido a finales de los años veinte y treinta, las películas cómicas ganaron prestigio. En la década de 1950, la industria de la televisión se había convertido en una dura competencia para la industria cinematográfica. La década de 1960 fue testigo de un creciente número de comedias de entretenimiento repletas de estrellas de Hollywood. En los años setenta, se preferían las comedias negras. Figuras destacadas en la década de 1970 fueron Woody Allen y Mel Brooks.
Ernst Lubitsch
El maestro indiscutible de la comedia sofisticada en Hollywood fue Ernst Lubitsch. El estilo de Lubitsch era brillante, atractivo y dinámico, hecho de cambios repentinos de narración y punto de vista. Entre sus comedias más famosas para ver podemos recordar películas como El abanico de Lady Windermere, Problemas en el paraíso, Diseño para vivir, Ninotchka, rodadas entre los años 20 y 30. Entre sus obras maestras sin duda también, Ser o no ser, una memorable sátira sobre Hitler, inspirada en El gran dictador, de Charlie Chaplin.
Frank Capra
principios de los años treinta para establecerse como una comedia en Hollywood director especialmente Frank Capra con sus películas con finales felices, finales a menudo inverosímil y edulcorada.
Estamos en pleno New Deal y, tras la Gran Depresión, Estados Unidos necesita confianza. Las productoras están encantadas de producir películas que apoyen el proyecto político del gobierno de un nuevo sueño americano.
Howard Hawks
A partir de los años 40-50 llega al éxito el maestro de la comedia Howard Hawks, con películas como ¡Yo soy Susanna! (1938), His Girl Friday (1940) o Los caballeros las prefieren rubias (1953).
Son historias cinematográficas en las que el autor se centra principalmente en el conflicto entre la vida aburrida y el caos, con una dirección invisible que da relevancia objetiva a los acontecimientos que suceden en la pantalla.
Billy Wilder
La comedia, sin embargo, se vuelve amarga y se convierte en cine de autor con mayor profundidad sólo con el cine de Billy Wilder. Wilder colaboró con grandes escritores como Charles Brackett o IAL Diamond.
Sus películas son una crítica amarga de la sociedad occidental llena de humor negro, que recuerda en cierto sentido la profundidad de la gran comedia italiana.
Las obras maestras más importantes son A Foreign Affair, 1948, The Seven Year Itch, 1955, Some like it hot, 1959, Sabrina, 1954, Love in the Afternoon, 1957, Irma La Dolce, 1963.
La comedia italiana
A finales de los años 50 nació en Italia la llamada comedia italiana, un género de comedia que trata temas sociales, políticos y culturales desde un punto de vista divertido e irónico. La comedia italiana consigue ser más incisiva que muchos dramas considerados de arte y ensayo. Una de las primeras películas es I soliti ignoti, de Mario Monicelli, en 1958.
La comedia italiana describirá la sociedad italiana de los años 60 y 70 con extraordinaria precisión e ingenio, como ningún otro género podrá hacerlo. El actor Alberto Sordi será el protagonista en la gran pantalla de cientos de películas que contarán los vicios, el oportunismo, la mezquindad y la propensión a la estafa del italiano medio.
Los principales directores de la comedia italiana fueron Mario Monicelli, Ettore Scola, Dino Risi, Luigi Zampa, Steno, Vittorio De Sica y Luigi Comencini.
Todos los grandes actores italianos de la época frecuentaban el género de la comedia: eran Vittorio Gassman, Anna Magnani, Sophia Loren, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Nino Manfredi, Aldo Fabrizi, Claudia Cardinale Gastone Moschin y Adolfo Celi.
Películas de comedia francesas
Las películas cómicas francesas comenzaron a aparecer en gran número durante la época del cine mudo, de 1895 a 1930. El humor visual de la mayoría de estas películas mudas se basaba en la farsa y el burlesco. Uno de los primeros cortometrajes de entretenimiento fue Regar al jardinero (1895), de los hermanos Lumière. Max Linder fue un importante cómico y puede considerarse la verdadera celebridad del cine cómico de la época.
Cuando el sonido llegó a los cines en 1927, las películas cómicas volvieron a resurgir gracias al uso del diálogo. Tras la Segunda Guerra Mundial, la cultura francesa sufrió numerosas adaptaciones en los años 40 y 70, que ejercieron una gran influencia en las comedias de esta duración. Varios cómicos franceses tuvieron la habilidad de detectar un éxito en el mercado anglosajón durante esta época: Fernandel, Bourvil, Louis de Funès y Jacques Tati.
A principios de los años 70, jóvenes actores recién salidos de la generación del baby boom protagonizaron películas de comedia: Gérard Depardieu, Splendid, Daniel Auteuil, Daniel Prévost y Coluche.
Comedia romántica
Uno de los principales subgéneros de la comedia, que se convirtió en uno de los géneros cinematográficos más comerciales en la década de 2000, es la comedia romántica, un subgénero de las películas románticas. Famosos actores de Hollywood como Julia Roberts y Richard Gere se dedican principalmente a este tipo de películas, con mediocres resultados artísticos y extraordinarias recaudaciones en taquilla.
La comedia romántica más reciente rara vez ha encontrado su identidad artística y ha seguido siendo un fenómeno predominantemente comercial. A menudo eran el equivalente cinematográfico del fenómeno de masas de la novela romántica, carente de espesor.
La comedia negra
En cambio, la comedia negra es perfecta como punto de conexión entre el género de la comedia y el cine de autor. De la talla de Stanley Kubrick en Doctor Strangelove, Ettore Scola, Marco Ferreri en Italia, y muchos otros en diversas partes del mundo.
La comedia negra, en contraste con la brillante y melosa comedia romántica, inserta en la historia elementos divertidos pero obscenos y oscuros, a menudo relacionados con la muerte. La comedia negra es perfecta para contar de una forma más ligera los lados más oscuros del ser humano y de la sociedad.
La comedia dramática
La comedia-drama, también llamada comedia amarga, es una película que a pesar de conservar el tono de comedia explora acontecimientos dramáticos, a menudo sin final feliz.
Los personajes de la comedia dramática suelen tener mayor profundidad que los de la comedia ligera: los directores pueden insertar elementos más verosímiles y hacer que el cine se parezca más a la vida, alternando momentos divertidos y momentos dramáticos.
Muchas películas de Federico Fellini, si realmente tuviéramos que asignar un género a un autor genial e inclasificable, son comedias dramáticas, en las que el maestro del cine italiano mezcla momentos trágicos e irónicos, drama y esperpento con rara habilidad.
En los años 70, en Italia por ejemplo, la comedia italiana cambia a la vez que cambia la sociedad. El optimismo de la bonanza económica deja paso a los años de plomo y terrorismo.
La comedia se vuelve progresivamente más melancólica y dramática, a partir de películas como Todos nos queríamos tanto, de Ettore Scola. El abandono de los valores de la amistad y el amor a cambio del oportunismo y la carrera profesional se convierte en uno de los temas dominantes.
Las películas siguen teniendo ese espíritu divertido e irónico, pero está fuertemente atenuado por reflexiones más comprometidas, miradas melancólicas sobre una realidad a menudo compleja es difícil.
La comedia ya no puede permitirse ser demasiado «ligera», porque la decadencia de la sociedad empieza a ser preocupante, y la perspectiva del mundo de los directores también está cambiando.
Otros géneros de comedias
La comedia ha engendrado una miríada de subgéneros, y es probable que haya críticos de cine que identifiquen algunos nuevos en el futuro.
La comedia anárquica es un género identificado por algunos críticos de cine centrado en la burla de la autoridad y el poder. Por ejemplo, películas como las de Monty Python, o comedias americanas irreverentes como Animal House, 1978, National Lampoon y muchas de las películas de los hermanos Marx.
La comedia de baño: películas asquerosas y repugnantes rodadas con un enfoque demencial. Porky’s (1982), Dumber and Dumber (1994), American Pie (1999).
La comedia de buenas maneras como la película Desayuno con diamantes, ambientada en el conformismo de una determinada clase social.
La comedia «farsa» que exagera las situaciones rozando la paradoja como en Some like it hot. Luego está la parodia, la comedia sexual, la comedia de situación, la comedia heterosexual, la comedia surrealista.
Comedias para ver absolutamente
Tras este breve viaje por la historia de la comedia y los distintos subgéneros de los géneros cinematográficos, he aquí una lista de comedias de autor que hay que ver. Para los amantes del género que no quieren renunciar a la calidad artística y la profundidad cultural.
Charlie Chaplin – Cortometrajes
Charlie Chaplin se hace mundialmente conocido con los cortometrajes de su personaje Charlot, inspirado en su experiencia vital, inventado en 1914. Un vagabundo con zapatos enormes que añade a las películas cómicas de la época la poesía del gran cine. Los cortometrajes de Charlie Chaplin, a menudo menos conocidos que sus largometrajes más famosos, son auténticas perlas de la comedia mundial y del arte cinematográfico.
Madame DuBarry (1919)
Madame DuBarry es una película alemana muda de 1919 de comedia dramática histórica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Pola Negri. La película cuenta la historia de Jeanne Vaubernier, una joven y bella modista parisina que, tras abandonar a su verdadero amor, Armand de Foix, para mantener una relación con el conde Jean Du Barry, se convierte en la amante del rey Luis XV. Jeanne, que ahora se hace llamar Madame Du Barry, vive una vida de lujo y opulencia, pero su posición se ve cada vez más amenazada por el creciente descontento del pueblo francés.
Parcela
La película comienza con Jeanne Vaubernier trabajando como modista en París. Es una joven hermosa y vivaz, pero también muy pobre. Un día, Jeanne conoce al conde Jean Du Barry, un noble corrupto que busca una nueva amante. El conde queda inmediatamente cautivado por Jeanne y la convence para que deje su trabajo y le siga a Versalles.
Comentario
Madame DuBarry es una película compleja y polifacética que explora temas como el amor, el poder y la revolución. La película fue alabada por la crítica por su dirección, la interpretación de Pola Negri y la recreación del escenario del siglo XVIII.
La película también fue objeto de polémica, sobre todo en Francia, donde se la acusó de ser una obra de propaganda antifrancesa. Las críticas se centraron en el hecho de que la película presentaba la Francia del siglo XVIII como un país decadente y corrupto, y que Jeanne Du Barry era retratada como una mujer frívola y sin escrúpulos.
A pesar de la polémica, Madame DuBarry es una película que ha resistido el paso del tiempo y sigue siendo disfrutada por cinéfilos de todo el mundo. La película es un importante ejemplo del cine mudo alemán y representa una obra de gran valor artístico e histórico.
Más información
- La película se rodó en Alemania, y las escenas de Versalles se recrearon en los vastos estudios cinematográficos de Babelsberg.
- La interpretación de Pola Negri fue elogiada por la crítica por su sensualidad y magnetismo.
- La película fue un gran éxito comercial, y recaudó más de un millón de dólares en su momento.
El niño (1921)
The Kid es una película muda estadounidense de 1921 escrita, producida, dirigida, montada y protagonizada por Charlie Chaplin. La película está considerada una de las mejores películas de Chaplin y una de las más grandes de todos los tiempos.
Parcela
Un vagabundo (Charlot) encuentra a un bebé abandonado (Jackie Coogan) y decide criarlo como si fuera suyo. Los dos viven juntos, enfrentándose a las dificultades de la vida como personas sin hogar. Charlot cuida del niño con amor y devoción, enseñándole a vivir con dignidad y esperanza.
Temas
The Kid explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor y familia: La película es una historia de amor entre un padre y un hijo adoptivo. Charlot es un padre cariñoso y protector, y el niño es un hijo devoto.
- Pobreza y discriminación: La película aborda las dificultades de la vida de las personas sin hogar. Charlot y el niño son a menudo objeto de discriminación y prejuicios.
- Esperanza y resiliencia: La película es una historia de esperanza y resistencia. Charlot y el niño nunca se rinden, ni siquiera ante la adversidad.
Recepción
The Kid fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus interpretaciones, su conmovedora historia y su exploración de temas importantes.
Legado
The Kid está considerado un clásico del cine. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1994, por considerarse «cultural, histórica o estéticamente significativa», y está considerada una de las mejores películas de la historia.
The High Sign (1921)
The High Sign es una película muda de acción y comedia de dos rollos de 1921 protagonizada por Buster Keaton, escrita y dirigida por Keaton y Edward F. Cline. Es un cortometraje de 21 minutos. Insatisfecho con el resultado, Keaton lo archivó y la película no se lanzó. El título describe la señal secreta con la mano utilizada por la banda de los bajos fondos de la película.
Parcela
Keaton interpreta a un vagabundo que pasa el tiempo en una galería de tiro de un parque temático. Creyendo que Keaton es un francotirador, tanto la banda de asesinos Blinking Buzzards como el hombre al que desean eliminar acaban contratándole. La película termina con una salvaje persecución por una casa llena de pasadizos secretos y trampillas.
Estilo
En contraste con el «slapstick violento» de las películas que hizo con Fatty Arbuckle, este cortometraje exhibe el estilo seco, divertido y pacífico que se convirtió en el sello distintivo de Keaton. Las escenas culminantes de la persecución en el interior de la casa se desarrollan en un decorado de dos niveles, con paneles giratorios en las paredes, trampillas y pasadizos secretos.
Sherlock Jr. (1924)
Sherlock Jr. es una comedia de acción muda estadounidense de 1924 dirigida y protagonizada por Buster Keaton y escrita por Clyde Bruckman, Jean Havez y Joseph A. Mitchell. Incluye a Kathryn McGuire, Joe Keaton y Ward Crane. La película está considerada una de las mejores comedias de la historia.
Parcela
Sherlock Jr. Buster es proyeccionista y conserje. Cuando el teatro está vacío, estudia un libro sobre Cómo ser detective. Ama a una hermosa mujer pero tiene un competidor, el «jeque local». Ninguno de los dos tiene mucho dinero. Descubre un billete de un dólar en la basura que ha barrido en el vestíbulo. Lo coge y lo incluye en los 2 dólares que tiene. Una señora afirma que ha perdido un dólar. Ella se lo devuelve. Entonces ella también una anciana afirma que perdió un dólar. Un niño rebusca en la basura y descubre una cartera llena de dinero.
Legado
Sherlock Jr. está considerado un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1995, por considerarse «cultural, histórica o estéticamente significativa», y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Keaton y Joseph Mitchell.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Keaton y Carl Stalling.
El círculo matrimonial (1924)
El círculo matrimonial (1924) es una película muda de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Adolphe Menjou, Monte Blue, Marie Prevost y Florence Vidor. Se basa en la obra Sólo un sueño de Lothar Schmidt.
Parcela
La película se desarrolla en Viena, Austria, y sigue la historia de dos parejas: El Dr. Franz Braun (Monte Blue) y su esposa Charlotte (Florence Vidor), y Mitzi Stock (Marie Prevost) y su marido, el profesor Josef Stock (Adolphe Menjou).
La historia comienza cuando Mitzi empieza a flirtear con Franz. Josef, que sospecha de la fidelidad de su mujer, contrata a un detective para que la investigue. La investigación del detective pronto empieza a centrarse en Franz, y la situación se complica cada vez más.
Mientras tanto, el mejor amigo de Charlotte, el Dr. Gustav Mueller (Creighton Hale), intenta consolarla durante su difícil momento.
La película explora temas como el amor, el matrimonio, la infidelidad y los celos. Se trata de una comedia ingeniosa y sofisticada que también es sorprendentemente perspicaz sobre las relaciones humanas.
Parcela
La película comienza con una escena en la que Franz y Charlotte son felices y están enamorados. Franz es un médico de éxito, y Charlotte, un ama de casa afectuosa.
Un día, Franz y Charlotte son invitados a una fiesta en casa de Mitzi y Josef. Mitzi es una mujer encantadora y seductora, y enseguida empieza a flirtear con Franz.
Josef está celoso de su mujer y sospecha que le engaña. Contrata a un detective para que la investigue.
El detective empieza a seguir a Mitzi y descubre que está flirteando con Franz. Josef queda destrozado y decide divorciarse de su mujer.
Análisis
El Círculo Matrimonial es una película clásica de la época muda. Es una comedia divertida e inteligente que explora temas universales como el amor, el matrimonio y la infidelidad.
La película está dirigida con maestría por Ernst Lubitsch, uno de los más grandes directores de la época muda. Lubitsch utiliza sus dotes cómicas para crear escenas divertidas y atractivas.
Las interpretaciones de los actores son excelentes. Adolphe Menjou está perfecto en el papel del marido celoso y desconfiado. Monte Blue resulta convincente en el papel del marido infiel que se da cuenta de su error. Florence Vidor es tierna y comprensiva en el papel de la esposa traicionada.
La fiebre del oro (1925)
La quimera del oro (1925) es una película cómica muda estadounidense de 1925 escrita, producida y dirigida por Charlie Chaplin. La película también está protagonizada por Chaplin en su papel de Pequeño Vagabundo, Georgia Hale, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman y Malcolm Waite. Chaplin proclamó en el momento de su estreno que ésta era la película por la que quería ser recordado.
Parcela
Un buscador de oro llamado Charlie llega al Klondike durante la fiebre del oro de 1890. Está decidido a hacerse rico, pero se enfrenta a muchos retos, como las duras condiciones meteorológicas, el terreno traicionero y la despiadada competencia de otros buscadores.
Charlie acaba haciéndose amigo de un prospector llamado Big Jim (Mack Swain). Los dos hombres trabajan juntos para encontrar oro, pero se ven constantemente frustrados por su propia incompetencia y mala suerte.
A pesar de los contratiempos, Charlie nunca renuncia a su sueño. Al final descubre una rica veta de oro y se hace millonario.
Temas
- El sueño americano
- Perseverancia
- Amistad
- Codicia
- Amor
Recepción crítica
La quimera del oro fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y música. Fue nominada a cuatro premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor guión original, y ganó el Oscar a la mejor fotografía.
Legado
La quimera del oro está considerada una de las mejores películas de Charlie Chaplin. Es un clásico del cine mudo, y ha sido conservada en el Registro Nacional de Películas de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa».
Premios
- Oscar a la mejor fotografía
- Premio Photoplay a la mejor película
- Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la mejor película
Curiosidades
- Los efectos especiales de la película fueron innovadores para su época. La escena de la ventisca se creó utilizando una combinación de sal, harina y papel.
- La escena del baile de la película es una de las más famosas de la historia del cine. La escena fue coreografiada por el propio Chaplin, y ha sido parodiada por muchos otros cineastas.
- El final de la película se cambió en el último momento. Chaplin había planeado originalmente que Charlie y Big Jim siguieran caminos separados, pero decidió terminar la película con una nota más optimista.
El General (1926)
El General es una comedia muda estadounidense de 1926 dirigida, producida y protagonizada por Buster Keaton. La película está considerada una de las mejores de Keaton y una de las mejores de todos los tiempos.
Parcela
Durante la Guerra Civil estadounidense, un ingeniero de locomotoras sureño, Johnny Gray, es rechazado del ejército porque se le considera más valioso como ingeniero que como soldado. Cuando los soldados de la Unión roban su locomotora, Johnny se propone redimirse y rescatar a su novia, Annabelle, que va en la locomotora.
Temas
El General explora una serie de temas, entre ellos:
- El amor: La película es una historia de amor entre un ingeniero y una chica.
- Heroísmo: La película explora el tema del heroísmo y el sacrificio.
- El progreso tecnológico: La película explora el impacto del progreso tecnológico en la guerra.
Recepción
El General fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su comedia física, su atractiva historia y su exploración de temas importantes.
Legado
El General está considerado un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1998, por considerarse «cultural, histórica o estéticamente significativa», y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Keaton y Clyde Bruckman.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Keaton y Carl Stalling.
Así que esto es París (1926)
Así que esto es París (1926) es una comedia muda estadounidense dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Monte Blue, Patsy Ruth Miller, Lilyan Tashman y André Beranger. Está basada en la obra teatral de 1872 Le Reveillon, de Henri Meilhac y Ludovic Halévy.
La película cuenta la historia de Paul Giraud (Monte Blue), un hombre felizmente casado que es tentado por otra mujer mientras su esposa está fuera de la ciudad. La vecina de Paul, Georgette Lalle (Lilyan Tashman), es una seductora bailarina que le invita a su apartamento para una fiesta. Paul se resiste inicialmente a los avances de Georgette, pero acaba sucumbiendo a la tentación.
Análisis
Así que Esto es París es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Paul y Georgette aparecen bailando en el apartamento de Georgette. La cámara se mueve alrededor de la pareja, creando una sensación de intimidad y excitación. Sin embargo, la cámara también revela que Paul lleva un sombrero ridículo, lo que añade un toque de humor a la escena.
La película también explora el tema de la infidelidad de forma compleja y llena de matices. Pablo no es un villano; es simplemente un hombre tentado por otra mujer. Suzanne tampoco es una víctima; es una mujer fuerte e independiente capaz de perdonar a su marido.
Más información
- La película se rodó en Berlín, Alemania.
- La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno.
- Está considerada una de las mejores películas mudas de la historia.
- La película fue rehecha en 1938 como The Shop Around the Corner, protagonizada por James Stewart y Margaret Sullavan.
Steamboat Bill (1928)
Steamboat Bill Jr. es una película estadounidense de 1928 de comedia muda dirigida por Charles Reisner con Buster Keaton. La película está considerada una de las mejores de Keaton y una de las mejores de todos los tiempos.
Parcela
William Canfield Jr., un joven dandi de la ciudad, regresa a su pueblo natal para reconquistar a su amor de la infancia, Kitty. El padre de Kitty, Steamboat Bill, es el propietario de un barco de vapor que compite con otro, propiedad de John King.
Temas
Steamboat Bill Jr. explora varios temas, entre ellos:
- El amor: La película es una historia de amor entre un joven dandi y una campesina.
- Conflicto: La película explora el conflicto entre dos generaciones y entre dos familias rivales.
- La naturaleza: La película explora el poder de la naturaleza y la vulnerabilidad del hombre.
Recepción
Steamboat Bill Jr. fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su comedia física, su atractiva historia y sus secuencias del ciclón, consideradas entre las más icónicas de la historia del cine.
Legado
Steamboat Bill Jr. está considerado un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1995, y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Charles Reisner, Carl Harbaugh y Charles Rogers.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Carl Stalling.
Luces de la ciudad (1931)
Luces de la ciudad es una película muda estadounidense de 1931, dirigida, producida, escrita, montada y protagonizada por Charlie Chaplin. La película está considerada una de las mejores películas de Chaplin y una de las más grandes de todos los tiempos.
Parcela
Charlot, un vagabundo de buen corazón, compra una flor a una florista ciega que cree erróneamente que es un hombre rico. Charlot se enamora de ella y comienza a cortejarla, con la esperanza de poder ayudarla a recuperar la vista.
Temas
City Lights explora una serie de temas, entre ellos:
- El amor: La película es una historia de amor entre un vagabundo y una florista.
- Compasión: La película explora el tema de la compasión y la bondad.
- La ciudad: La película explora el contraste entre riqueza y pobreza, entre luz y oscuridad.
Recepción
City Lights fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su conmovedora historia, su comedia física y su exploración de temas importantes.
Legado
Luces de la ciudad está considerado un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1991, y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Chaplin.
- La partitura de la película fue compuesta por Chaplin.
Consulte
En sus últimos años, Charlie Chaplin era conocido por aportar dramatismo a sus obras siempre que tenía ocasión. Luces de la ciudad es la película en la que hace ambos papeles. Aunque su estructura recuerda a la picaresca de Chaplin, hay un enfoque más intencionado, ya que el vagabundo intenta ayudar a una florista ciega, interpretada adorablemente por Virginia Cherrill. Borracho e incapaz de recordar sus actos cuando está sobrio, Harry Myers también debería ser recordado por su papel de millonario generoso en esta notable película.
Coro de Tokio (1931)
Coro de Tokio es una película muda japonesa de 1931 dirigida por Yasujirō Ozu. La película se rodó en Tokio durante la Gran Depresión y cuenta la historia de una familia de clase media que se enfrenta a dificultades económicas.
Parcela
El protagonista de la película, Shinji Okajima (Tokihiko Okada), es un empleado de una compañía de seguros que es despedido tras defender a un compañero despedido. La esposa de Okajima, Sugako (Emiko Yagumo), es un ama de casa que debe encontrar la forma de mantener a la familia. Sus dos hijos, el mayor Chounan (Hideo Sugawara) y la pequeña Chocho (Hideko Takamine), deben enfrentarse a los retos de su nueva situación.
La película es un retrato realista de la vida cotidiana en Tokio durante la Gran Depresión. Ozu muestra las dificultades económicas a las que tuvo que enfrentarse la gente, pero también su fuerza y resistencia. La película es conocida por su estilo minimalista y sus imágenes evocadoras.
Coro de Tokio está considerada una de las películas más importantes de Yasujirō Ozu. La película ha sido elogiada por su retrato realista de la vida cotidiana, su estilo minimalista y su humanidad.
Consulte
Tokyo Chorus es una película importante por varias razones. En primer lugar, es un retrato realista de la vida cotidiana en Tokio durante la Gran Depresión. La película muestra las dificultades económicas a las que tuvo que enfrentarse la gente, pero también su fuerza y resistencia.
En segundo lugar, la película es conocida por su estilo minimalista. Ozu hace un uso limitado del diálogo y del movimiento de la cámara, centrándose en cambio en las imágenes y los detalles. Este estilo minimalista contribuye a crear una sensación de realismo e intimidad.
Por último, Tokyo Chorus es una película humana. Ozu muestra compasión y comprensión por las personas que se enfrentan a dificultades. La película es un mensaje de esperanza para todos los que se enfrentan a retos en la vida.
Algunos temas importantes de la película:
- Justicia social
- Resistencia humana
- La fuerza de la familia
- El poder de la música
Algunos detalles de la película:
- La película se rodó en blanco y negro.
- La película dura 91 minutos.
- La película se estrenó en Japón el 28 de diciembre de 1931.
Nací, pero… (1932)
Yo nací, pero… (1932) es una película dramática japonesa de 1932 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Tatsuo Saitō, Hideo Sugawara y Tomio Aoki.
Parcela
Dos hermanos, uno mayor y otro menor, viven con su padre, un oficinista de bajo rango. El padre es un hombre autoritario y severo, y a menudo se burla del hijo menor, que es más tímido e introvertido que el hermano mayor.
Un día, el padre muere repentinamente. Los dos hermanos quedan huérfanos y deben aprender a valerse por sí mismos. El hermano mayor, más fuerte y emprendedor, se ocupa de las tareas domésticas e intenta encontrar un trabajo para mantener a la familia. El hermano menor, por su parte, aún está conmocionado por la muerte de su padre y se retira a la soledad.
Temas
- Familia
- Muerte
- Crecimiento
Recepción crítica
I Was Born, But… fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para contar la historia del crecimiento de dos hermanos.
La película ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 1932.
Premios
- Festival de Venecia 1932: premio a la mejor dirección
Curiosidades
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
Análisis
I Was Born, But… es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre hermanos. La película está ambientada en Japón, en un periodo de grandes cambios sociales y culturales.
El padre, interpretado por Tatsuo Saitō, es un hombre autoritario y severo, que encarna los valores tradicionales de la sociedad japonesa. Los dos hermanos, interpretados por Hideo Sugawara y Tomio Aoki, representan a las nuevas generaciones, que buscan su propia identidad.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El padre intenta imponer su autoridad a sus hijos, pero éstos se resisten a sus presiones. Al final, los dos hermanos encuentran una forma de coexistir y superar la muerte de su padre.
Problemas en el paraíso (1932)
Trouble in Paradise (1932) es una comedia romántica estadounidense Pre-Code dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Miriam Hopkins, Herbert Marshall y Kay Francis. Está considerada como una de las mejores películas de la era Pre-Code, y el público sigue disfrutando de ella hoy en día.
La película cuenta la historia de Gaston Monescu (Herbert Marshall), un elegante y sofisticado ladrón de joyas, y Lily Chevalier (Miriam Hopkins), una hermosa carterista. Ambos se conocen en un tren y se enamoran. Deciden formar equipo y utilizar sus habilidades para cometer una serie de robos de joyas.
Su primer objetivo es Madame Mariette Colet (Kay Francis), una rica y bella magnate del perfume. Gastón y Lily se infiltran en el círculo íntimo de Madame Colet y comienzan a enamorarla. Sin embargo, sus planes se complican cuando Gastón se enamora de verdad de Madame Colet.
Trouble in Paradise es una comedia ingeniosa y sofisticada, llena de dobles sentidos e insinuaciones sexuales. También es una película sorprendentemente romántica, y la relación entre Gastón y Lily es una de las relaciones románticas más creíbles y bien desarrolladas de la historia del cine.
Análisis
Trouble in Paradise es una obra maestra del cine Pre-Code. Es una película llena de ingenio, sofisticación y romanticismo. La dirección de Lubitsch es magistral, y las interpretaciones de los tres actores principales son soberbias.
La película también destaca por su tratamiento franco y abierto del sexo y la sexualidad. Esto fue posible porque la película se hizo antes de la entrada en vigor del Código de Producción, que era un conjunto de directrices morales que las películas de Hollywood debían seguir.
El Código de Producción prohibía la representación de sexo, violencia y otros temas controvertidos. Sin embargo, Trouble in Paradise se rodó antes de que se aplicara estrictamente el Código de Producción, y puede explorar libremente estos temas.
Esta libertad permite a Lubitsch crear una película a la vez divertida y provocadora. La película también es capaz de explorar la compleja relación entre el amor y el sexo de una manera que no era posible en las películas realizadas después de la entrada en vigor del Código de Producción.
Cero por conducta (1933)
Cero por conducta es una película muda francesa de 1933 dirigida por Jean Vigo. La película está considerada una de las obras maestras del cine surrealista y una de las más importantes de Vigo.
Parcela
Cuatro muchachos, Bruel, Caussat, Colin y Le Grand, son castigados con un «cero» en conducta y confinados en una escuela militar. Los chicos, sin embargo, no se rinden y organizan una revuelta contra la disciplina y la autoridad.
Temas
Cero por conducta explora una serie de temas, entre ellos:
- La adolescencia: La película es una historia de rebeldía y crecimiento personal.
- La autoridad: La película explora el conflicto entre la juventud y la autoridad.
- La libertad: La película celebra la libertad y la individualidad.
Recepción
Cero por conducta fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su originalidad, su frescura y su exploración de temas importantes.
Legado
Cero por conducta está considerado un clásico del cine. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1998, y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jean Vigo y Alexandre Astruc.
- La partitura de la película fue compuesta por Maurice Jaubert.
Consulte
Una de las grandes obras maestras de la historia del cine sobre el tema de la infancia y los condicionamientos escolares y sociales de las nuevas generaciones. Un canto a la libertad y a la creatividad, un impulso para liberarse de las prisiones invisibles en las que intentan encerrarse. Una obra fundamental que hay que ver al menos una vez en la vida. Una obra maestra del genio de Jean Vigo.
Sopa de pato (1933)
Sopa de pato es una comedia negra musical estadounidense pre-Code de 76 minutos de duración escrita por Bert Kalmar y Harry Ruby, con diálogos adicionales de Arthur Sheekman y Nat Perrin, dirigida por Leo McCareyy protagonizada por los hermanos Marx (Groucho, Harpo, Chico y Zeppo en su última aparición cinematográfica) y en la que también aparecen Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres y Edgar Kennedy. Duck Soup fue la última de las cinco películas de los Hermanos Marx estrenadas por Paramount Pictures.
Parcela
La película comienza con el nombramiento de Rufus T. Firefly (Groucho Marx), un cantante de discoteca fracasado, como presidente de la pequeña nación de Freedonia. Firefly es un político corrupto e incompetente más interesado en enriquecerse que en ayudar a su país.
La Sra. Teasdale (Margaret Dumont), una rica viuda americana, ofrece a Firefly un préstamo de 20 millones de dólares si se casa con su hija Vera (Raquel Torres). Firefly acepta el préstamo, pero no tiene intención de casarse.
Mientras tanto, el país vecino de Sylvania, dirigido por el dictador Trentino (Louis Calhern), declara la guerra a Freedonia. Firefly contrata a dos espías, Chicolini (Chico Marx) y Harpo (Harpo Marx), para que le ayuden a ganar la guerra.
Recepción crítica y comercial
Duck Soup fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su humor satírico y sus divertidísimas escenas.
La película fue nominada al Oscar a la mejor película, pero perdió frente a Cavalcade.
Trivia
- Duck Soup está considerada una de las películas más divertidas de la historia. Fue incluida en la lista de las 100 películas más divertidas de todos los tiempos del American Film Institute.
- La película se rodó en sólo seis días.
- Groucho Marx escribió la mayoría de sus propias líneas para la película.
- La escena en la que Chicolini y Harpo tocan la orquesta fue improvisada.
- Duck Soup fue una de las primeras películas en utilizar sonido sincronizado.
Sucedió una noche (1934)
Ambientada en plena Gran Depresión, «Sucedió una noche«es una comedia romántica americana dirigida por Frank Capra y protagonizada por Claudette Colbert como Ellie Andrews, una heredera mimada que se fuga con un piloto cazafortunas, y Clark Gable como Peter Warne, un cínico y recién despedido reportero que acepta ayudar a Ellie a reunirse con su marido a cambio de un reportaje exclusivo.
Parcela
Ellie Andrews, la rica hija de un dominante industrial, se casa impulsivamente con King Westley, un piloto con fama de cazafortunas. El padre de Ellie, decidido a evitar que su hija cometa un error absurdo, envía a sus detectives privados para que localicen a los recién casados y traigan a Ellie de vuelta a casa.
Ellie, al darse cuenta de que su matrimonio fue un error y de que Westley sólo está interesado en su dinero, huye del yate donde están de luna de miel. En una parada de autobús, se encuentra con Peter Warne, un reportero recién despedido que está desesperado por conseguir una primicia. Ellie, necesitada de ayuda, propone un trato a Peter: le pagará para que la ayude a reunirse con Westley y, a cambio, le dará una historia exclusiva sobre su escapada.
Final y temas
«Sucedió una noche» termina con Ellie y Peter juntos, listos para empezar una nueva vida juntos. La película celebra el poder del amor, la independencia y el autodescubrimiento.
Recepción crítica y legado
«Sucedió una noche» fue un éxito comercial y de crítica cuando se estrenó en 1934. La película fue elogiada por sus ingeniosos diálogos, sus memorables personajes y la magistral dirección de Frank Capra. Ganó cinco premios de la Academia, incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor para Clark Gable, mejor actriz para Claudette Colbert y mejor guión original.
«Sucedió una noche» ha mantenido su popularidad durante décadas y está considerada una de las mejores comedias románticas de la historia. Ha sido seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.
Trivia
- El título original de la película era «Tres son multitud», pero se cambió por «Sucedió una noche» a sugerencia del jefe de Columbia Pictures, Harry Cohn.
- Clark Gable tuvo que dejarse bigote para su papel en «Sucedió una noche», ya que su personaje era un reportero. Era la primera vez que Gable aparecía en pantalla con vello facial.
- La escena más famosa de la película es la de «arrastrarse por la pared», en la que Ellie y Peter se ven obligados a compartir cama en una habitación de motel abarrotada. La escena fue improvisada por Claudette Colbert y Clark Gable, y no figuraba en el guión original.
Sazen Tange y la olla que valía un millón de ryo (1935)
Parcela
Una noche en la ópera (1935)
Una noche en la ópera (1935) es una película clásica estadounidense de comedia negra musical pre-Code escrita por Bert Kalmar y Harry Ruby, con diálogos adicionales de Arthur Sheekman y Nat Perrin, dirigida por Leo McCareyy protagonizada por los hermanos Marx (Groucho, Harpo, Chico y Zeppo en su última aparición cinematográfica) y en la que también aparecen Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres y Edgar Kennedy. Una noche en la ópera fue la última de las cinco películas de los Hermanos Marx estrenadas por Paramount Pictures.
Parcela
En un restaurante de Milán, Italia, la Sra. Claypool, una viuda adinerada, ha sido aparentemente invitada a cenar por Otis B. Driftwood, su director comercial.
Entre bastidores de la ópera, el corista Ricardo Baroni contrata a su mejor amigo Fiorello para que sea su representante. Ricardo está enamorado de la soprano Rosa Castaldi, que también es cortejada por Lassparri.
Otis se acerca a la Sra. Claypool con una proposición: convencerá al mundialmente famoso tenor Rodolfo Lassparri para que cante en su fiesta, si ella invierte en su nueva compañía de ópera. La Sra. Claypool acepta y Otis viaja a Italia para reunirse con Lassparri.
Recepción crítica y legado
Una noche en la ópera fue un éxito comercial y de crítica cuando se estrenó en 1935. La película fue elogiada por su humor, su música y sus interpretaciones. Fue nominada al Oscar a la mejor película, pero perdió frente a Cavalcade.
Una noche en la ópera está considerada una de las mejores películas de los Hermanos Marx. Es una película hilarante y caótica que el público sigue disfrutando hoy en día.
Temas
Una noche en la ópera es una sátira de la alta sociedad, la ópera y la industria musical. También es una película sobre la amistad, el amor y el poder de la música.
Ninotchka (1939)
Ninotchka (1939 ) es una película de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Greta Garbo y Melvyn Douglas.
Parcela
La película cuenta la historia de Ninotchka Yakushova (Garbo), una severa y seria comisaria soviética que es enviada a París para vender tres joyas confiscadas a la aristocracia rusa. A Ninotchka se unen sus colegas Ivan Buljanoff (Sig Ruman) e Iranoff (Felix Bressart), pero el trío no tarda en dejarse seducir por los lujos y placeres de París.
La propia Ninotchka se resiste inicialmente a los encantos de París, pero acaba cayendo bajo el hechizo de Leon d’Algout (Douglas), un parisino encantador y sofisticado. Leon tiene la misión de ayudar a Ninotchka a vender las joyas, pero también trabaja en secreto para la Gran Duquesa Swana (Ina Claire), que es la legítima propietaria de las joyas.
Ninotchka es una comedia ingeniosa y sofisticada que explora temas como el amor, la risa y la importancia de la libertad individual. También es una celebración de la ciudad de París. La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno, y todavía se considera una de las mejores comedias románticas de la historia.
Análisis
Ninotchka es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Ninotchka y Leon aparecen caminando por una calle de París. La cámara se desplaza hacia arriba para revelar que Ninotchka lleva un ridículo sombrero. Esta imagen de Ninotchka con sombrero parisino es a la vez divertida y subversiva, ya que desafía el estereotipo soviético del comunista severo y serio.
La película también explora el tema del amor de forma compleja y llena de matices. El amor de Ninotchka y Leon trasciende sus diferencias políticas. Su amor es también una fuente de libertad y liberación para Ninotchka. Su relación con Leon le permite liberarse de las rígidas limitaciones de la sociedad soviética y abrazar su propia individualidad.
Ninotchka es una película que sigue estando de actualidad. Es una mirada divertida y perspicaz sobre el amor, la risa y la importancia de la libertad individual.
Su chica del viernes (1940)
His Girl Friday es una película de 1940 dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell.
Parcela
La película es una comedia romántica que sigue a la ex esposa y periodista Hildy Johnson (interpretada por Russell), que vuelve a la redacción para un último reportaje antes de abandonar el periodismo y casarse de nuevo. Sin embargo, el director del periódico (interpretado por Grant), que es también su ex marido, intenta impedir que deje el periodismo y la arrastra a encubrir un caso de asesinato que se desarrolla de forma imprevisible.
Recepción
La película es conocida por sus diálogos rápidos y cortantes y por la fuerte química entre Grant y Russell. Está considerada una de las mejores películas de su época y fue incluida en la lista del American Film Institute de las 100 mejores películas estadounidenses de todos los tiempos.
Consulte
El cinismo de doble filo de la comedia de Broadway The Front Page, de Ben Hecht y Charles MacArthur, no podría ser más contemporáneo. El director tuvo la entusiasta intuición de transformar al personaje masculino Hildy, protagonista de la novela, en una ardiente mujer interpretada por Rosalind Russell en la película, encendiendo uno de los combates bélicos entre hombre y mujer más incendiarios y divertidos de la historia del cine.
El Gran Dictador (1940)
Parcela
En el país ficticio de Tomania, Adenoid Hynkel (Charlie Chaplin), un dictador despiadado, asciende al poder mediante la manipulación y el miedo. Hynkel, una clara parodia de Adolf Hitler, cuenta con la ayuda de su ambicioso y ávido de poder jefe de gabinete, Garbitsch (Henry Daniell), que trama constantemente hacerse con el control del país para sí mismo.
Mientras tanto, en el gueto judío, un barbero (también interpretado por Chaplin) lleva una vida sencilla y no es consciente de la agitación política que le rodea. Cuando los guardias del dictador le confunden con Hynkel, le llevan a palacio y le tratan como a un alto funcionario.
El barbero, que es amable y compasivo, se horroriza ante la crueldad y la opresión de las que es testigo en palacio. Intenta utilizar su posición para ayudar a los habitantes de Tomania, pero Garbitsch y sus compinches se lo impiden constantemente.
Temas
- Dictadura
- Totalitarismo
- Opresión
- Esperanza
- Libertad
Recepción crítica y legado
«El Gran Dictador» fue un éxito comercial y de crítica en su estreno en 1940. La película fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su poderoso mensaje. Fue nominada a cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor actor, mejor guión original, mejor música y mejor partitura original.
«El Gran Dictador» está considerada una de las mejores películas de la carrera de Charlie Chaplin. Es una sátira clásica que ha seguido siendo relevante e importante durante décadas. El mensaje de esperanza y libertad de la película es tan importante hoy como cuando se estrenó.
Curiosidad
- «El Gran Dictador» fue la primera película en la que Chaplin habló en pantalla.
- Chaplin llevaba años queriendo hacer una película sobre Hitler, pero temía la reacción política. Finalmente decidió hacer la película al darse cuenta de que el mundo estaba al borde de la guerra.
- La película fue prohibida en Alemania e Italia tras su estreno.
- «El Gran Dictador» fue la película más taquillera de 1940.
Historias de Filadelfia (1940)
Historias de Filadelfia (1940 ) es una comedia romántica estadounidense de 1940 dirigida por George Cukor y protagonizada por Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. La película está basada en la obra homónima de Broadway de 1939, escrita por Philip Barry.
Parcela
Tracy Lord (Katharine Hepburn) es una rica dama de la alta sociedad que está a punto de casarse con George Kittredge (John Howard), un industrial nuevo rico. Sin embargo, la víspera de su boda, recibe la visita de su ex marido, C.K. Dexter Haven (Cary Grant), un playboy encantador pero irresponsable.
Tracy y Dexter reavivan su antiguo amor, y ella empieza a cuestionarse si realmente quiere casarse con George. También entabla una improbable amistad con Macaulay Connor (James Stewart), un cínico reportero que está cubriendo la boda.
A medida que se acerca la boda, Tracy debe decidir a quién ama de verdad y qué quiere de la vida.
Temas
- Amor
- Matrimonio
- Clase
- Estatus social
- Autodescubrimiento
Recepción crítica
Historias de Filadelfia fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y vestuario. Fue nominada a seis premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Cary Grant), Mejor Actriz (Katharine Hepburn), Mejor Actor Secundario (James Stewart) y Mejor Guión Original, y ganó dos premios, a la Mejor Actriz (Hepburn) y al Mejor Guión Original.
Premios
- Oscar a la mejor actriz (Katharine Hepburn)
- Oscar al mejor guión original
Curiosidades
- En un principio, Katharine Hepburn se mostró reacia a protagonizar la película, pero George Cukor la convenció.
- Cary Grant fue cedido a Columbia Pictures por RKO Radio Pictures para la película.
- James Stewart fue elegido originalmente para el papel de George Kittredge, pero fue sustituido por John Howard cuando se decidió que era demasiado joven para el papel.
- El vestuario de la película fue diseñado por Adrian, que fue uno de los diseñadores de vestuario más famosos de Hollywood.
La tienda de la esquina (1940)
La tienda de la esquina (1940) es una película de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por James Stewart y Margaret Sullavan. La película está basada en la obra húngara de 1937 Parfumerie, de Miklós László.
Parcela
La película cuenta la historia de Alfred Kralik (Stewart) y Klara Novak (Sullavan), dos empleados de una tienda de regalos de Budapest que discuten constantemente. Sin embargo, ambos ignoran que también son amigos por correspondencia anónimos que se han enamorado profundamente.
Un día, Alfred es despedido de su trabajo y Klara es ascendida a su puesto. Esto provoca aún más tensión entre los dos, pero también les obliga a enfrentarse a sus verdaderos sentimientos mutuos.
La película es una exploración encantadora e ingeniosa del amor, la amistad y la importancia de la comunicación. También es un testimonio de la habilidad de Lubitsch como director, ya que es capaz de crear una película que es a la vez divertida y conmovedora.
Análisis
La tienda de la esquina es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Alfred y Klara discuten en la tienda de regalos. La cámara se desplaza hacia una estantería llena de figuritas, que también aparecen discutiendo entre sí. Esta imagen de las figuritas discutiendo es a la vez divertida y simbólica, ya que refleja la tensión entre Alfred y Klara.
La película también explora el tema del amor de forma compleja y llena de matices. El amor entre Alfred y Klara se basa inicialmente en su relación anónima por correspondencia. Sin embargo, a medida que se conocen mejor en persona, su amor se hace más profundo.
La película también muestra la importancia de la comunicación en una relación. Al principio, la relación entre Alfred y Klara es tensa porque son incapaces de comunicarse sus verdaderos sentimientos. Sin embargo, una vez que son capaces de abrirse el uno al otro, su relación florece.
Ser o no ser (1942)
Ser o no ser (1942) es una película de comedia satírica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Lionel Atwill, Stanley Ridges y Sig Ruman. Considerada una de las mejores comedias de la historia, el público sigue disfrutando de ella.
Parcela
La película cuenta la historia de una compañía de actores polacos durante la ocupación nazi de Polonia. La compañía está dirigida por Joseph Tura (Jack Benny) y su esposa Maria (Carole Lombard). Es una compañía popular y de éxito, conocida por sus actuaciones satíricas.
Un día, Tura es abordado por un combatiente de la resistencia polaca que le pide ayuda para sacar de contrabando un mensaje de Polonia. Tura acepta ayudar y recluta a María y al resto de la troupe para que le ayuden.
Ser o no ser es una comedia ingeniosa y sofisticada que satiriza a los nazis y su ideología. La película es también una celebración del poder del arte y el teatro para resistir a la opresión.
Análisis
Ser o no ser es una obra maestra de la sátira cinematográfica. La dirección de Lubitsch es magistral, y las interpretaciones del reparto, soberbias. La película también está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil.
Una de las cosas que hace que To Be or Not to Be sea tan eficaz es que nunca se toma demasiado en serio a sí misma. La película se burla constantemente de los nazis, y lo hace de un modo tan inteligente como subversivo.
La película también explora el poder del arte y el teatro para resistir a la opresión. El grupo de actores de To Be or Not to Be utiliza su arte para desafiar a los nazis e inspirar esperanza al pueblo polaco.
El cielo puede esperar (1943)
El cielo puede esperar (1943) es una película de comedia sobrenatural dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Gene Tierney, Don Ameche y Charles Coburn. Considerada una de las mejores películas de Lubitsch, el público sigue disfrutando de ella.
Parcela
La película cuenta la historia de Henry Van Cleve (Ameche), un rico y exitoso hombre de negocios que muere en un extraño accidente. Van Cleve es enviado al infierno, pero se le da la oportunidad de defender su caso ante Satanás (Coburn). Van Cleve le cuenta a Satanás la historia de su vida e intenta demostrar que no es tan malvado como Satanás cree.
La historia de Van Cleve es un relato encantador e ingenioso de amor, risas y redención. También es una celebración del espíritu humano.
Análisis
El cielo puede esperar es una obra maestra del cine cómico. La dirección de Lubitsch es magistral, y las interpretaciones del reparto, soberbias. La película también está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil.
Una de las cosas que hace que El cielo puede esperar sea tan eficaz es su perspectiva única sobre el cielo y el infierno. La descripción del infierno que hace la película es sorprendentemente desenfadada y humorística. Satanás es retratado como una figura amable y razonable, y siempre está dispuesto a dar a la gente una segunda oportunidad.
La representación del cielo en la película también es única. El cielo no se presenta como un lugar de recompensa o castigo eterno. En cambio, se presenta como un lugar al que la gente puede acudir para reflexionar sobre su vida y aprender de sus errores.
Arsénico y encaje antiguo (1944)
Parcela
Mortimer Brewster (Cary Grant), un hombre a punto de casarse, descubre que sus dos ancianas tías, Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), tienen la costumbre de envenenar a viejos solitarios y enterrarlos en el sótano.
Mortimer se horroriza ante esta revelación, pero quiere a sus tías y no quiere entregarlas a la policía. Intenta averiguar cómo impedir que vuelvan a matar, pero sus excentricidades y su propia torpeza se lo impiden constantemente.
Mientras tanto, el hermano de Mortimer, Jonathan (Raymond Massey), desaparecido desde hace años, reaparece de repente. Jonathan es un psicópata asesino aún más peligroso que sus tías. Rápidamente se da cuenta de que las tías están matando gente y decide unirse a la diversión.
Temas
- Familia
- Asesinato
- Insanity
- Moralidad
- Amor
Recepción crítica y legado
«Arsénico y encaje viejo» fue un éxito comercial y de crítica en su estreno en 1944. La película fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su exploración de complejas cuestiones sociales. Fue nominada a cinco premios de la Academia, incluyendo mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor actor de reparto para Cary Grant y mejor actriz de reparto para Josephine Hull.
«Arsenic and Old Lace» ha mantenido su popularidad durante décadas y está considerada una de las mejores comedias negras de la historia. Ha sido seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.
Trivia
- La película se basó en la obra homónima de Joseph Kesselring.
- La obra tuvo un gran éxito en Broadway y se representó durante tres años y medio.
- La película iba a estrenarse originalmente en 1942, pero se retrasó debido a la guerra.
- El final de la película se modificó con respecto al de la obra de teatro para ser más optimista.
Monsieur Verdoux (1947)
«Monseiur Verdoux» es una película de 1947 dirigida por Charlie Chaplin. El propio Chaplin interpreta al protagonista, un hombre que se casa y mata a mujeres para robarles su dinero. La película es una sátira de la sociedad capitalista y los valores tradicionales estadounidenses, y representa un punto de inflexión en la carrera de Chaplin, que hasta entonces era más conocido por sus comedias mudas.
Parcela
El argumento de «Monsieur Verdoux» gira en torno al personaje interpretado por Charlie Chaplin, Henri Verdoux, un antiguo banquero que, debido a la Gran Depresión de los años 30, pierde su trabajo y se encuentra sin medios para mantenerse a sí mismo y a su familia. Para sobrevivir, decide casarse con mujeres ricas y luego matarlas para quedarse con su dinero.
La historia se desarrolla con la presentación de Verdoux como un personaje amable y simpático, pero que esconde un lado oscuro y criminal. A lo largo de la película, también se descubre que Verdoux tiene una familia, formada por una esposa y un hijo, que no saben nada de sus actividades delictivas.
La trama se complica cuando Verdoux se casa con una mujer que resulta ser una falsa viuda, lo que le hace perder todo su dinero y le obliga a trabajar como jardinero en una casa de campo. Aquí conoce a una joven, interpretada por Marilyn Nash, que simpatiza con él y le da fuerzas para redimirse y tratar de librarse de sus crímenes.
Recepción
«Monsieur Verdoux» fue un fracaso comercial en su estreno, pero se ha revalorizado con los años y se considera una de las obras maestras del director.
Consulte
En su comedia negra filmada cuando fue despedido y exiliado por sus opiniones comunistas, Charlie Chaplin pone en escena la historia de Barba Azul, utilizando su comedia con un resentimiento y un interés sin precedentes por el destino desconocido en sus películas. Es precisamente el contraste entre los tonos cómicos de Chaplin y también las despiadadas actividades de los protagonistas lo que dota a la comedia de una acción impactante e insólita.
Jour de fete (1949)
Jour de fête es una película cómica francesa de 1949 dirigida por Jacques Tati. La película está considerada una de las obras maestras de la comedia y una de las más importantes de Tati.
Parcela
François, cartero en un pequeño pueblo francés, es un hombre de buen corazón que se distrae con facilidad. El día de la feria del pueblo, François se ve envuelto en una serie de desventuras mientras intenta repartir el correo.
Temas
Jour de fête explora varios temas, entre ellos:
- Comedia: La película es una divertidísima comedia que explora el tema del absurdo.
- Lo cotidiano: La película explora la vida cotidiana de un pequeño pueblo francés.
- La tecnología: La película explora la relación entre el hombre y la tecnología.
Recepción
Jour de fête fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su comedia, su observación de la vida cotidiana y su exploración de temas importantes.
Legado
Jour de fête está considerado un clásico de la comedia. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1995, y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jacques Tati y Henri Marquet.
- La partitura de la película fue compuesta por Jean Yatove.
Consulte
Aunque quizás no con tanto éxito como en sus últimos trabajos, Tati perfecciona su humor estético sin diálogos, una serie de viñetas cómicas vagamente conectadas en las que sus magistrales planos permiten que los chistes se desarrollen con naturalidad.
Todavía existen tres versiones de Jour de fête: la versión en blanco y negro de 1949; la versión totalmente editada de 1964 con la adición de colores dibujados a mano y la reedición de 1995, restaurada en la combinación de colores originalmente prevista. Las tres tienen su encanto y dan cuenta de su identidad entre los maestros del cine francés.
Primavera tardía (1949)
Primavera tardía (1949) es una película japonesa de comedia dramática de 1949 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishū Ryū, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki y Jun Usami.
Parcela
A un profesor viudo le preocupa que su hija se convierta en una solterona ridiculizada e intenta convencerla para que se case, pero la chica es feliz viviendo con su padre, y ambos saben que el hombre estaría perdido sin alguien en casa que se ocupara de él.
Temas
- Familia
- Tradición
- La sociedad japonesa
Recepción crítica
Primavera tardía fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para contar la compleja historia de las relaciones familiares.
La película ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 1950.
Legado
Primavera tardía está considerado un clásico del cine japonés. Es una película que marcó una época y que contribuyó a cambiar la forma en que el cine japonés representaba a la familia y la sociedad.
Premios
- Festival de Cannes 1950: premio a la mejor dirección
Curiosidades
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
- La película se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 1950.
Conclusión
Primavera tardía es una película conmovedora y poética. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Chishū Ryū, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki y Jun Usami.
Análisis
Primavera tardía es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre padre e hija. La película está ambientada en Japón, en una época de grandes cambios sociales y culturales. El profesor, interpretado por Chishū Ryū, es un hombre tradicional que cree que su hija, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. La hija, en cambio, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El profesor intenta convencer a su hija para que se case, pero ésta se resiste a sus presiones. Al final, ambos llegan a un compromiso: la hija seguirá viviendo con su padre, pero no se casará.
Primavera tardía es una película conmovedora y poética. La película está interpretada por dos actores extraordinarios, Chishū Ryū y Setsuko Hara, que ofrecen dos actuaciones memorables. La película está dirigida con maestría por Yasujirō Ozu, que crea una atmósfera delicada y sensible.
La película se ha interpretado como una crítica a la sociedad tradicional japonesa, que imponía a las mujeres la obligación de casarse y tener hijos. La película también se ha interpretado como una oda a la familia y al valor de las relaciones familiares.
Las vacaciones del Sr. Hulot (1953)
Les vacances de Monsieur Hulot (Las vacaciones de Monsieur Hulot) es una comedia francesa de 1953 escrita, dirigida y protagonizada por Jacques Tati. La película está considerada una de las mejores de Tati y una de las mejores comedias de todos los tiempos.
Parcela
Monsieur Hulot, un hombre educado y excéntrico, llega a un balneario para pasar sus vacaciones anuales. Sin embargo, sus intentos de relajarse y disfrutar se ven constantemente interrumpidos por una serie de contratiempos y malentendidos.
Temas
Las vacaciones del Sr. Hulot explora una serie de temas, entre ellos:
- El absurdo de la vida moderna: La película es una sátira hilarante del mundo moderno, con su énfasis en la conformidad y el consumismo.
- La importancia de la individualidad: La película celebra la importancia de ser diferente y de no encajar.
- El poder de la observación: La película está llena de observaciones ingeniosas y perspicaces sobre la naturaleza humana.
Recepción
Las vacaciones del Sr. Hulot fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su originalidad, su humor y su estilo visual único.
Legado
Las vacaciones del Sr. Hulot se considera un clásico de la comedia francesa. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en 2005, y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jacques Tati.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Alain Romans y Jean Wiener.
Consulte
Imposible hacer una lista de las mejores comedias francesas sin incluir a Jacques Tati, entre los mejores directores franceses, deslumbrante estrella del burlesque, el equivalente francés de Chaplin y Buster Keaton. Les Vacances de Monsieur Hulot es excelente. Su forma y su diseño único lo convierten en el héroe perfecto para contemplar con ligereza el dulce absurdo de las estancias veraniegas junto al mar en una costa excesivamente ventosa.
En realidad no hay historia en la película. El diálogo es mínimo y sólo se utiliza para cosas ridículas y sin sentido que dicen los turistas de la temporada de verano. Los sonidos de todo tipo acaban siendo petardos, lanzados por efecto cómico.
La película se encuentra entre la mejor colección de gags visuales hasta la fecha, sin embargo, es el contexto en el que se desarrollan y la ambientación de la película lo que la eleva a otro mundo. El personaje central es una asombrosa amalgama de desconcierto ante el mundo moderno, y todos sus esfuerzos por encajar en sus vacaciones en la playa devastan el orden de las cosas.
Flores del equinoccio (1958)
Flores de equinoccio (1958) es una película japonesa de comedia dramática de 1958 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin’ichirô Mikami.
Parcela
Wataru Hirayama, un empresario jubilado, ve cómo los hijos de sus amigos y conocidos se casan uno tras otro; esto le preocupa por el futuro de sus dos hijas, Setsuko e Hisako, ya que la primera está en edad de casarse.
Temas
- Familia
- Tradición
- Cambio social
Recepción crítica
Equinox Flowers fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para contar la compleja historia de las relaciones familiares en un periodo de grandes cambios sociales.
La película se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 1959.
Premios
- Festival de Cannes 1959: premio a la mejor dirección
Curiosidades
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
Análisis
Equinox Flowers es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre padre e hija. La película está ambientada en Japón, en un periodo de grandes cambios sociales.
Wataru Hirayama, interpretado por Chishu Ryu, es un hombre tradicional que cree que su hija, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. La hija, en cambio, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El padre intenta convencer a su hija para que se case, pero ésta se resiste a sus presiones. Al final, ambos llegan a un compromiso: la hija seguirá viviendo con su padre, pero no se casará.
Gigantes y juguetes (1958)
Gigantes y juguetes (1958) es una película cómica satírica japonesa de 1958 dirigida por Yasuzō Masumura y protagonizada por Hiroshi Kawaguchi, Hitomi Nozoe y Yûnosuke Itō.
Parcela
El fabricante de caramelos World Caramel compite con las empresas Giant y Apollo por la venta de caramelos. Goda, jefe de publicidad de World Caramel, descubre a Kyoko, una chica de clase trabajadora con mala dentadura, y la convierte en la mascota de World, vistiéndola con un traje espacial y empuñando una pistola de rayos.
Temas
- Consumismo
- Comercialismo
- Sátira social
Recepción crítica
Gigantes y juguetes (1958) fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su aguda sátira de la sociedad japonesa y su capacidad para mezclar el comentario social con el entretenimiento desenfadado.
La película fue nominada al León de Oro en el Festival de Venecia.
Premios
- Festival de Venecia: nominada al León de Oro
Curiosidades
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en una historia de Takeshi Kaikō.
Análisis
Gigantes y juguetes (1958) es una película que satiriza los excesos del consumismo y el comercialismo en Japón. El exagerado retrato que hace la película de la industria del dulce es un reflejo del creciente materialismo de la sociedad japonesa de los años cincuenta.
La película también explora el tema de la desigualdad social. Kyoko, la chica de clase trabajadora que se convierte en la mascota de World, es explotada por la empresa por su imagen, pero no recibe el respeto ni las oportunidades que merece.
El humor de la película es a menudo agudo y satírico, pero también hay una sensación de patetismo en el retrato de la situación de Kyoko. En última instancia, la película sugiere que la búsqueda de la riqueza material puede resultar vacía e insatisfactoria.
He aquí algunas de las formas específicas en que la película explora los temas del consumismo, el mercantilismo y la desigualdad social:
- El retrato que hace la película de la industria del dulce es exagerado y satírico. Las empresas se muestran obsesionadas con las ventas y los beneficios, y están dispuestas a todo para conseguir sus objetivos.
- El uso que la película hace de Kyoko como mascota es un comentario sobre el modo en que las empresas explotan a las personas para su propio beneficio. Kyoko es cosificada y convertida en mercancía, y no se le da ninguna capacidad de decisión en la situación.
Un cubo de sangre (1959)
Un cubo de sangre es una película de 1959 dirigida por Roger Corman. Se trata de una comedia negra que se inspira de forma un tanto distante en un relato escrito en 1930 por Charles Belden.
Parcela
Walter Paisley es un camarero tímido e introvertido que trabaja en el Yellow Door, un popular local beatnik. Walter es un aspirante a escultor, pero su trabajo siempre es rechazado por los críticos. Un día, Walter encuentra un cadáver en un callejón y, para ocultarlo, lo utiliza como material para una de sus esculturas. La escultura es un gran éxito y Walter empieza a ser conocido como un artista de talento. Sin embargo, su fama se basa en una mentira, y Walter se ve envuelto en una serie de asesinatos para mantener su secreto.
Personajes
- Walter Paisley: Un tímido e introvertido ayudante de camarero que se convierte en un artista de éxito gracias a una serie de asesinatos.
- Carla: Una artista que se siente atraída por Walter.
- Maxwell H. Brock: Un crítico de arte que empieza a sospechar que la obra de Walter es falsa.
- Sr. Coogan: El dueño de la Puerta Amarilla.
- Sra. Coogan: La esposa del Sr. Coogan.
- Sr. Johnson: Un artista beatnik.
- Sr. Jones: Un artista beatnik.
- Srta. Miller: Una artista beatnik.
Temas
- Sátira del mundo bohemio del arte
- Humor negro
- La naturaleza de la creatividad
Recepción crítica
«Un cubo de sangre» fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su sátira del mundo bohemio del arte, su humor negro y su eficaz dirección.
Premios
- Nominación al Globo de Oro a la mejor comedia en 1960.
- Premio del Público en el Festival de Avoriaz en 1960.
Legado
«Un cubo de sangre» está considerado un clásico del cine de terror. La película ha servido de inspiración a numerosos directores, como John Carpenter y Quentin Tarantino.
Trivia
- La película se rodó en sólo cinco días con un presupuesto de 50.000 dólares.
- El reparto está formado por actores no profesionales.
La Gran Guerra (1959)
La Gran Guerra (1959) es una película italiana dirigida por Mario Monicelli. Es una comedia dramática que cuenta la historia de dos soldados italianos, Giovanni Busacca (Alberto Sordi) y Oreste Jacovacci (Vittorio Gassman), que luchan durante la Primera Guerra Mundial.
La trama
La película comienza con Giovanni y Oreste reclutados por el ejército italiano. En principio, los dos son optimistas y esperan volver pronto a casa. Sin embargo, pronto se dan cuenta de que la guerra es una realidad muy distinta de la que esperaban.
Giovanni es un campesino milanés que fue reclutado por error. Es un hombre sencillo e ingenuo que no entiende mucho de guerra. Oreste es un portero romano que fue reclutado para evitar ir a la cárcel. Es un hombre astuto y oportunista que siempre busca la manera de evitar la batalla.
Los dos soldados son enviados a las trincheras, donde deben enfrentarse a la dura realidad de la guerra. Se ven obligados a vivir en condiciones terribles y están constantemente expuestos al peligro.
Los temas
La película explora varios temas, como la locura de la guerra, el coste humano de la guerra, la amistad y la solidaridad entre soldados y la importancia de no olvidar el pasado. La película retrata la guerra como una realidad insensata y sin sentido. Los soldados se ven obligados a matarse unos a otros por razones que no comprenden.
La película muestra el coste humano de la guerra en términos de vidas humanas, sufrimiento y destrucción. La película muestra la amistad y la solidaridad entre soldados que se ven obligados a compartir la misma experiencia. La película nos recuerda la importancia de no olvidar el coste humano de la guerra y de trabajar por la paz.
Consulte
La Gran Guerra fue la comedia en su forma más sofisticada. Su postura antiheroica ante las hazañas italianas en la Primera Guerra Mundial -que la clase dirigente quería proclamar o, mejor aún, no reseñar- inspiró la película. Sin embargo, acabó siendo popular y tuvo una repercusión excepcional, compartiendo el León de Oro del Festival de Venecia con Generale Della Rovere, de Rossellini.
Vittorio Gassman y Alberto Sordi están en su mejor momento como dos soldados cuyo único objetivo es resistir. Sus esfuerzos por evitar un destino de miedo son extraordinariamente divertidos, dadas las circunstancias -pues Monicelli y los guionistas Age y Scarpelli aciertan al crear un ambiente en el que se evoca claramente la debacle de la guerra-, pero la ironía final de su destino es desgarradora.
Con faldas y a lo loco (1959)
Con faldas y a lo loco (1959) es una comedia policíaca estadounidense de 1959 dirigida, producida y coescrita por Billy Wilder. Está protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon, con George Raft, Pat O’Brien, Joe E. Brown, Joan Shawlee y Nehemiah Persoff en papeles secundarios. El guión de Wilder e I. A. L. Diamond sigue a dos músicos que presencian una masacre en el hampa y se visten de mujer para huir de Chicago con una banda de chicas.
Parcela
El saxofonista Joe (Tony Curtis) y el contrabajista Jerry (Jack Lemmon) son músicos en apuros en Chicago. Un día son testigos de la masacre de San Valentín, un famoso tiroteo entre bandas. Temiendo por sus vidas, idean un plan para escapar de la ciudad disfrazándose de mujeres y uniéndose a una banda de chicas que se dirige a Florida.
En el tren, Joe se enamora de Sugar Kane Kowalczyk (Marilyn Monroe), la ukelelista y vocalista del grupo. Jerry, mientras tanto, atrae la atención no deseada del millonario Osgood Fielding III (Joe E. Brown), que cree que Jerry es una mujer y quiere casarse con él.
Mientras la banda viaja hacia Florida, Joe y Jerry siguen luchando con sus disfraces y sus crecientes sentimientos por Sugar y Osgood. También tienen que enfrentarse a los mafiosos que siguen buscándoles.
Temas
- Identidad de género
- Amistad
- Amor
- Delito
Recepción crítica
Some Like It Hot fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y música. Fue nominada a seis premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor guión original, y ganó el premio de la Academia al mejor diseño de vestuario.
Legado
Some Like It Hot está considerada una de las mejores comedias de todos los tiempos. Ha figurado en numerosas listas de las mejores películas de todos los tiempos, y la Biblioteca del Congreso la ha conservado en el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa».
Premios
- Oscar al mejor diseño de vestuario
- Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical
- Globo de Oro al mejor actor de musical o comedia (Tony Curtis)
- Globo de Oro a la mejor actriz de musical o comedia (Marilyn Monroe)
- Premio Writers Guild of America al mejor guión de comedia
- Premio del Sindicato de Directores de América a la Mejor Dirección Cinematográfica
Curiosidades
- El título de la película es una referencia a la canción «I Wanna Be Loved by You» de Josephine Baker.
- El título original de la película era «Some Like It Hot But Not Osgood».
- Al principio, Marilyn Monroe se mostró reacia a protagonizar la película, pero Billy Wilder la convenció.
- Tony Curtis y Jack Lemmon tuvieron que llevar sujetadores y fajas para sus papeles.
- La película se rodó en blanco y negro porque el estudio de Marilyn Monroe se negó a que apareciera en una película en color.
La pequeña tienda de los horrores (1960)
Es una comedia de terror americana de 1960 dirigida por Roger Corman. Escrita por Charles B. Griffith, la película es una farsa sobre un florista que cultiva una planta que come sangre humana.
Parcela
Gravis Mushnick es propietario de una floristería y tienda de diseño, regentada por él mismo y 2 empleados, la dulce Audrey Fulquard y el torpe Seymour Krelboined. Situada en un barrio de chabolas, la deteriorada tienda está poco organizada. Mushnick despide a Seymour cuando éste arruina una entrega de flores para el malvado dentista Dr. Farb. Seymour le informa de una planta única que cultivó a partir de semillas que obtuvo de un «aficionado a los jardines japoneses de la Avenida Central». Seymour confiesa que llamó a la planta «Audrey Jr.», lo que excita a la verdadera Audrey.
Trivia
Jack Nicholson, al describir la reacción a una proyección de la película, dijo que el público se reía tanto que apenas se oían los diálogos. El actor dijo que nunca antes había tenido una reacción tan favorable del público.
Consulte
Entre las joyas de Corman, un tema loco que se escribió en una noche. Una película de éxito, con entretenidas interpretaciones proporcionadas por el reparto y excelentes resultados de dirección por parte de Corman mientras trabajaba bajo las presiones autoimpuestas de un rodaje rápido y un plan presupuestario.
Ver La pequeña tienda de los horrores
El apartamento (1960)
Parcela
C.C. Baxter es un empleado de bajo nivel en una gran compañía de seguros de Nueva York. Para salir adelante, Baxter alquila su apartamento a sus superiores para sus aventuras extramatrimoniales.
Baxter se siente atraído por su secretaria, Fran Kubelik, pero ella está enamorada de su jefe, Jeff Sheldrake. Baxter empieza a organizar encuentros entre Fran y Sheldrake en su apartamento.
Fran y Sheldrake comienzan una relación, y Baxter empieza a desarrollar sentimientos por Fran. Cuando Fran descubre que Baxter es el responsable de los encuentros, se escandaliza y le acusa de voyeur.
Personajes
- C.C. Baxter: Un empleado de bajo nivel en una gran compañía de seguros que alquila su apartamento a sus superiores para sus aventuras extramatrimoniales.
- Fran Kubelik: Una secretaria de una gran compañía de seguros que está enamorada de su jefe, Jeff Sheldrake.
- Jeff Sheldrake: El jefe de Fran Kubelik, que tiene una relación extramatrimonial con ella.
- El Sr. J.J. Sheldrake: El padre de Jeff Sheldrake, que es un poderoso hombre de negocios.
- Srta. Kubelik: La madre de Fran Kubelik, que es ama de casa.
Temas
- Amor
- Carrera profesional
- Traición
- Cinismo
- Redención
Premios
- Oscar a la mejor película
- Oscar al mejor director
- Oscar al mejor guión original
- Oscar a la mejor actriz de reparto (Shirley MacLaine)
- Oscar a la mejor dirección artística
- Nominación al Oscar al Mejor Actor (Jack Lemmon)
- Nominación al Oscar a la mejor actriz (Faye Dunaway)
- Nominación al Oscar al mejor actor de reparto (Fred MacMurray)
- Nominación al Oscar a la mejor fotografía
- Nominación al Oscar al mejor montaje cinematográfico
- Nominación al Oscar al diseño de vestuario
- Globo de Oro a la mejor película musical o de comedia
- Globo de Oro a la mejor actriz de musical o comedia (Shirley MacLaine)
- Globo de Oro al mejor guión
- Premio de la Academia Británica de Cine a la mejor película
- Premio David di Donatello a la mejor película extranjera
Legado
El apartamento está considerada una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos. La película ha servido de inspiración a numerosos directores y guionistas.
Consulte
El Apartamento es una comedia romántica con reflexiones existenciales sobre los errores del enamoramiento, especialmente de los padres de familia. También es una comedia en la que el aparentemente buen tipo se ve afectado negativamente por todos los que actúan sobre él.
Uno de los grandes aspectos de El apartamento es su sensibilidad ante el acoso en la oficina y los hábitos negativos de los hombres en el poder. Es una de las mejores comedias románticas sobre el trabajo: una película del maestro Billy Wilder que merece la pena ver y que luce tan bien como la primera vez.
Zazie en el metro (1960)
Zazie en el metro (1960) es una película francesa de comedia de 1960 dirigida por Louis Malle y protagonizada por Catherine Deneuve.
Parcela
Zazie es una niña de diez años que llega a París desde el campo para quedarse con su tío Gabriel, un bailarín travestido. Zazie es una niña rebelde e inquieta, y está deseando ver el metro.
Sin embargo, una huelga de metro arruina sus planes. Zazie se ve obligada a vagar por París con su tío Gabriel y su amante, Mado.
Durante sus andanzas, Zazie se ve envuelta en una serie de divertidísimas aventuras, como un robo, una partida de billar y un encuentro con un grupo de beatniks.
Temas
- Libertad
- Rebelión
- Descubrimiento de la ciudad
Recepción crítica
Zazie en el metro fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor surrealista, su vibrante descripción de París y su interpretación de Catherine Deneuve.
La película fue nominada a dos premios de la Academia, incluido el de mejor película de habla no inglesa.
Premios
- Cinta de Plata al Mejor Director para Louis Malle
- Premio Louis Delluc
- Premio Jean Vigo
Curiosidades
- La película se rodó en París.
- La película está basada en la novela Zazie en el metro, de Raymond Queneau.
- La película está protagonizada por Catherine Deneuve, Philippe Noiret, Jean-Pierre Cassel y Jeanne Moreau.
Otoño tardío (1960)
Otoño tardío (1960) es una película japonesa de comedia dramática de 1960 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin’ichirô Mikami.
Parcela
Tres amigas de toda la vida, todas viudas y de edad avanzada, deciden buscar marido para la hija de Akiko, viuda de su viejo amigo. En realidad, siguen enamorados de Akiko: en su juventud, todos la cortejaron.
Temas
- Amor
- Edad
- Soledad
Recepción crítica
Late Autumn fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para contar la compleja historia de las relaciones humanas.
La película se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 1961.
Premios
- Festival de Cannes 1961: premio a la mejor dirección
Curiosidades
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
- La película se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 1961.
Más información
- La película se rodó en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin’ichirô Mikami.
Análisis
Otoño tardío es una película que explora la complejidad de las relaciones humanas, en particular el amor, la edad y la soledad. La película está ambientada en Japón, en un periodo de grandes cambios sociales y culturales.
Los tres amigos, interpretados por Chishu Ryu, Keiji Sada y Shin’ichirô Mikami, son hombres tradicionales que creen que la hija de Akiko, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. Akiko, por su parte, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. Los tres amigos intentan convencer a Akiko para que se case con uno de ellos, pero ésta se resiste a sus presiones. Al final, la hija se queda a vivir con su madre, pero no se casa.
Otoño tardío es una película conmovedora y poética. La película está interpretada por tres actores extraordinarios, Chishu Ryu, Keiji Sada y Shin’ichirô Mikami, que ofrecen tres actuaciones memorables. La película está dirigida con maestría por Yasujirō Ozu, que crea una atmósfera delicada y sensible.
Sabrina (1960)
Sabrina (1960) es una película de comedia romántica dirigida por Billy Wilder y protagonizada por Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden. Considerada una de las mejores comedias románticas de la historia, el público sigue disfrutando de ella.
Parcela
La película cuenta la historia de Sabrina Fairchild (Hepburn), la joven hija del chófer de la familia Larrabee, Thomas. Sabrina lleva toda la vida enamorada de David Larrabee (Holden). David es un playboy que nunca ha prestado atención romántica a Sabrina. Sin embargo, cuando Sabrina regresa de un viaje de dos años a París transformada en una mujer bella y sofisticada, David por fin se fija en ella.
Linus (Bogart), el hermano mayor de David, un hombre de negocios serio y responsable, también se siente atraído por Sabrina. A medida que los tres pasan más tiempo juntos, se desarrolla un triángulo amoroso.
Sabrina es una película encantadora e ingeniosa que explora temas como el amor, la clase y el estatus social. También es una celebración de la autonomía femenina y el autodescubrimiento.
Análisis
Sabrina es un ejemplo clásico del estilo cómico de Wilder. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Wilder también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Sabrina lleva un vestido de baile que le queda grande. El vestido la empequeñece y la hace parecer una niña. Esta imagen de Sabrina con un vestido de baile demasiado grande es divertida y conmovedora a la vez, ya que refleja sus sentimientos de ineptitud y duda de sí misma.
La película también explora el tema de la clase social de forma compleja y matizada. Sabrina pertenece a una familia de clase trabajadora, mientras que los Larrabee son una familia adinerada y de clase alta. La película muestra cómo la diferencia de clase entre Sabrina y los Larrabee complica sus relaciones.
Divorcio a la italiana (1961)
Divorcio a la italiana (1961) es una comedia dramática italiana dirigida por Pietro Germi y protagonizada por Marcello Mastroianni, Daniela Rocca y Stefania Sandrelli. La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Parcela
Ferdinando Cefalù es un barón siciliano casado con Rosalía, una mujer fea e insoportable. Ferdinando está enamorado de Angela, su joven prima, que le corresponde.
Para poder casarse con Angela, Ferdinando debe primero divorciarse de Rosalia. Sin embargo, el divorcio seguía siendo ilegal en Italia en aquella época. Ferdinando decide entonces matar a Rosalía para tener una excusa para divorciarse.
Personajes
- Ferdinando Cefalù: Barón siciliano casado con Rosalía y enamorado de Angela.
- Rosalia Cefalù: esposa de Ferdinando, una mujer fea e insoportable.
- Angela: prima de Ferdinando, de quien está enamorado.
- Turi: El amigo de Ferdinando que le ayuda a matar a Rosalía.
Temas
- Matrimonio
- Divorcio
- Amor
- Muerte
- Sicilia
Recepción crítica
Divorcio a la italiana fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y comedia.
La película ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y fue aclamada por la crítica internacional.
Premios
- Oscar a la mejor película de habla no inglesa
- Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa
- Premio BAFTA a la mejor película de habla no inglesa
- Premio David di Donatello a la mejor película
- Premio David di Donatello al mejor director
- Premio David di Donatello a la mejor actriz (Daniela Rocca)
- Premio David di Donatello al mejor guión
Consulte
La película de Pietro Germi, ganadora de un Oscar, cuenta una excelente historia con momentos divertidos muy inteligentes. La película está llena de movimientos de cámara realmente fenomenales, así como de una extraordinaria dirección de Germi y una excelente interpretación de Marcello Mastroianni.
A pesar de estrenarse en 1961, la película es bastante diferente de las comedias típicas de la época. Sus mejores momentos están en el papel de Mastroianni y en el diabólico proyecto de su personaje.
Una vida difícil (1961)
Una vita difficile (1961) es una película dramática italiana dirigida por Dino Risi y protagonizada por Alberto Sordi. La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó la Cinta de Plata a la Mejor Película.
Parcela
Silvio Magnozzi es un joven partisano romano que, tras la guerra, se encuentra viviendo en una Roma difícil y caótica. Silvio intenta encontrar un trabajo y construirse una vida, pero una serie de acontecimientos y circunstancias se lo impiden.
Silvio se enamora de Elena, una joven que trabaja como vendedora, pero su relación se ve obstaculizada por la familia de Elena. Silvio también está implicado en una serie de actividades ilegales, como el contrabando de cigarrillos.
Personajes
- Silvio Magnozzi: Un joven partisano romano que intenta construirse una vida después de la guerra.
- Elena: Una joven que trabaja como vendedora y está enamorada de Silvio.
- Amalia: La madre de Elena, que se opone a la relación entre Silvio y Elena.
- Simonini: Un amigo de Silvio que está involucrado en actividades ilegales.
- Bracci: Un empresario corrupto que explota a Silvio.
Temas
- La difícil vida de la posguerra
- Amor
- Amistad
- Desilusión
- Corrupción
Recepción crítica
Una vita difficile fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y fotografía.
La película ganó la Cinta de Plata a la Mejor Película y recibió elogios de la crítica internacional.
Premios
- Cinta de plata a la mejor película
- Cinta de Plata al Mejor Director (Dino Risi)
- Cinta de Plata a la Mejor Actriz (Lea Massari)
- Cinta de Plata a la mejor actriz de reparto (Lina Volonghi)
- David di Donatello a la mejor película
- David di Donatello al mejor director (Dino Risi)
- David di Donatello a la mejor actriz (Lea Massari)
- David di Donatello al mejor guión
Legado
Una vita difficile está considerada uno de los clásicos del cine italiano. La película ha sido citada como fuente de inspiración para numerosos directores y guionistas.
Una vita difficile es una película intensa y conmovedora que explora las dificultades de la vida después de la guerra. La película es un retrato realista de la sociedad italiana de la época y de sus contradicciones.
He aquí algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película se basó en la novela homónima de Alberto Moravia.
- La película se rodó en Roma.
- El título de la película hace referencia a la difícil vida que deben afrontar los protagonistas.
- La película fue una de las primeras películas italianas en tratar el tema de la desilusión de posguerra.
Uno, dos, tres (1961)
Uno, dos, tres (1961) es una comedia satírica sobre la Guerra Fría dirigida por Billy Wilder y protagonizada por James Cagney, Horst Buchholz y Pamela Tiffin.
Parcela
La película sigue las hazañas de C.R. MacNamara, el jefe estadounidense de la oficina de Coca-Cola en Berlín Occidental, mientras intenta que las operaciones de su empresa funcionen sin problemas a pesar de las tensiones políticas entre Estados Unidos y la Unión Soviética.
La película es una mirada rápida e ingeniosa a la Guerra Fría, y contiene algunos de los diálogos más memorables de Wilder. Cagney está en plena forma como MacNamara, y cuenta con el apoyo de Buchholz y Tiffin.
La película fue un éxito comercial y de crítica, y fue nominada a dos premios de la Academia, incluido el de mejor guión adaptado. Está considerada como una de las mejores películas de Wilder, y hoy en día sigue siendo un popular clásico de culto.
La trama de la película está llena de giros y de la sátira característica de Wilder. MacNamara hace malabarismos constantemente para satisfacer las exigencias de su empresa, del gobierno estadounidense y del gobierno soviético. También se enfrenta a sus propios problemas personales, incluido su interés amoroso, Lisa, que es hija de un alto funcionario soviético.
Revisión detallada
Uno, dos, tres es una comedia clásica de la Guerra Fría que sigue siendo divertida hoy en día. Cagney está en su mejor momento como MacNamara, y la película está llena del ingenio y la sátira característicos de Wilder. Si eres un fan de la obra de Wilder, o si disfrutas con las comedias bien hechas, no dudes en echarle un vistazo a Un, dos, tres.
He aquí algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película está ambientada en el Berlín Occidental de 1961, durante la construcción del Muro de Berlín.
- MacNamara es un hombre arrogante y cínico al que no le importa mucho la política. Sólo le interesa ganar dinero y satisfacer las necesidades de su empresa.
- Lisa es una joven idealista que cree en la paz y la cooperación entre Oriente y Occidente.
Il sorpasso (1962)
Il Sorpasso (1962) es una comedia dramática italiana dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó la Cinta de Plata a la Mejor Película.
Parcela
En la mañana del Ferragosto de 1962, Roberto Mariani, un joven estudiante de Derecho tímido y reservado, conoce en Roma a Bruno Cortona, un cuarentón despreocupado e inmaduro. Bruno invita a Roberto a pasar el día con él y ambos emprenden un viaje por carretera a través de Italia.
A lo largo del día, Roberto y Bruno viven una serie de aventuras y desventuras que les llevan a conocer la vida italiana en todas sus facetas. Roberto comienza a ver el mundo con nuevos ojos, y empieza a comprender que la vida es más de lo que nunca había imaginado.
Personajes
- Roberto Mariani: Un joven estudiante de Derecho tímido y reservado.
- Bruno Cortona: Un cuarentón despreocupado e inmaduro.
Temas
- Amistad
- Crecimiento personal
- Conflicto generacional
- Italia en los años sesenta
Recepción crítica
Il Sorpasso fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y fotografía.
La película ganó la Cinta de Plata a la Mejor Película y recibió elogios de la crítica internacional.
Premios
- Cinta de plata a la mejor película
- Cinta de Plata al Mejor Director (Dino Risi)
- Cinta de Plata al Mejor Actor (Vittorio Gassman)
- Cinta de Plata al Mejor Actor (Jean-Louis Trintignant)
- David di Donatello a la mejor película
- David di Donatello al mejor director (Dino Risi)
- David di Donatello al mejor actor (Vittorio Gassman)
Consulte
Es uno de los mejores ejemplos de comedia italiana, ya que revela la Italia moderna de los años sesenta, con el crecimiento financiero y también el auge de la sociedad de los «nuevos ricos», sobre todo gracias a un mercado en rápido crecimiento. El dúo Gassman y Jean-Louis Trintignant hacen de este conjunto uno de los más mágicos.
Las diferencias de individualidad de ambos personajes, que terminan con un destino desgarrador y poco deseado por el público al que va dirigida la comedia, hacen de «Il Sorpasso» una de las películas más fascinantes e insólitas.
El dúo funciona a la perfección e incluso la distinción de los personajes resplandece en una película que nos hace comprender la Italia de los años sesenta. A pesar de sus aparentemente inevitables diferencias y conflictos, acaban amándose.
Parece que a Roberto le gusta Bruno más que a Bruno él. La diferencia de individualidad es también una alegoría y una descripción de la «nueva vida» que se desarrollaba en Italia en aquella época.
Este loco, loco, loco, loco mundo (1963)
It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963) es una comedia estadounidense de 1963 dirigida por Stanley Kramer y protagonizada por Spencer Tracy, Milton Berle, Sid Caesar, Buddy Hackett, Ethel Merman y Jonathan Winters. La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó dos premios de la Academia, al mejor montaje y al mejor guión original.
Parcela
La historia sigue a cuatro hombres que, partiendo de Nueva York, se dirigen a Las Vegas para participar en un torneo de póquer. Por el camino, los cuatro conocen a una serie de excéntricos y estrafalarios personajes, que les llevarán a vivir una serie de aventuras y desventuras.
Personajes
- Oscar Madison: Un hombre desordenado y descuidado.
- Felix Unger: Un hombre pulcro y preciso.
- Virgil Starkwell: Un estafador fracasado.
- Dwayne Hoover: Un hombre mentalmente inestable.
- Judy Maxwell: Una cantante de cabaret.
- Teniente Drebin: Un oficial de policía asignado para arrestar a Virgil.
- Señorita Jones: Una mujer que Virgil intenta estafar.
- Sra. DeCarlo: la casera de Oscar y Felix.
Temas
- Amistad
- Familia
- Locura
- Amor
Recepción crítica
It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y comedia.
La película ganó dos premios de la Academia, al mejor montaje y al mejor guión original.
Premios
- Oscar al mejor montaje
- Oscar al mejor guión original
- Globo de Oro a la mejor película musical o de comedia
- Globo de Oro al mejor actor de musical o comedia (Spencer Tracy)
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA al mejor actor extranjero (Spencer Tracy)
Consulte
It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World es una película divertida, conmovedora y que invita a la reflexión. La película es una sátira de la sociedad estadounidense de los años sesenta. La película es también un comentario sobre la naturaleza de la amistad, la familia y la locura.
He aquí algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película se basó en la novela de 1961 «El mundo loco, loco, loco», de Joseph Heller.
- La película se rodó en California, entre Los Ángeles y Palm Springs.
- El título de la película hace referencia a la serie de accidentes y desventuras que ocurren a lo largo de la historia.
- La película fue una de las primeras en utilizar la técnica del montaje paralelo para crear una sensación de caos y confusión.
La Pantera Rosa (1963)
La Pantera Rosa (1963) es una película británica de 1963 de comedia y misterio dirigida por Blake Edwards y protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Capucine, Robert Wagner y Claudia Cardinale. La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó el Oscar a la mejor banda sonora original.
Parcela
La historia sigue las desventuras del inspector Clouseau, un torpe e incompetente investigador francés, al que se asigna la investigación del robo del diamante rosa más grande del mundo. El diamante ha sido robado al príncipe Dala, y Clouseau debe encontrarlo antes de que caiga en manos de un peligroso criminal.
Personajes
- Inspector Jacques Clouseau: Un torpe e incompetente investigador francés.
- Sir Charles Lytton: Un acaudalado caballero británico que es el principal sospechoso del robo del diamante rosa.
- George Lytton: El hijo de Sir Charles, que es en realidad el verdadero ladrón del diamante.
- Simone Clouseau: La esposa de Clouseau, que es una espía rusa.
- Cato: criado chino de Clouseau, experto en artes marciales.
Temas
- Misterio
- Comedia
- Investigación
- Amor
Recepción crítica
La Pantera Rosa fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y banda sonora.
La película ganó el Oscar a la mejor banda sonora original, compuesta por Henry Mancini.
Premios
- Oscar a la mejor banda sonora original
- Globo de Oro a la mejor película musical o de comedia
- Globo de Oro a la mejor canción original (The Pink Panther Theme)
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA a la mejor banda sonora original
Consulte
La primera de una colección de 5 entretenidas películas sobre el torpe detective seudofrancés infiel de Peter Sellers, el inspector jefe Clouseau, La pantera rosa es también una de las más decididas, pulidas y flojas de la franquicia. Aunque enormemente entretenido, el personaje de Sellers sólo tuvo importancia a partir de la segunda película, Un tiro en la oscuridad.
I mostri (1963)
Los monstruos (1963 ) es una película cómica italiana de 1963 dirigida por Dino Risi y protagonizada por Ugo Tognazzi y Vittorio Gassman.
Parcela
La película se compone de una serie de episodios, cada uno de los cuales narra la historia de un personaje, o grupo de personajes, que encarnan un aspecto negativo de la sociedad italiana de los años sesenta.
Temas
- Corrupción
- Hipocresía
- Violencia
- Consumismo
Recepción crítica
Los Monstruos fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su mordaz sátira, su aguda comedia y su capacidad para contar la realidad de la Italia de la época. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Gassman). Ganó el David di Donatello a la mejor película.
Premios
- Premio David di Donatello a la mejor película
Curiosidades
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2.000 millones de liras.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 20.000 millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y recibió elogios por su dirección, guión, interpretaciones y sátira.
Dr. Strangelove (1964)
Dr. Strangelove (1964) es una película estadounidense de 1964 de comedia negra satírica dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Peter Sellers, Sterling Hayden, Keenan Wynn, George C. Scott, Peter Bull, Tracy Reed, James Earl Jones, Slim Pickens y Frederick Forrest. La película está basada en la novela de 1962 Alerta roja, de Peter George.
Parcela
La película cuenta la historia de un general de las Fuerzas Aéreas estadounidenses, Jack D. Ripper, que está convencido de que la Unión Soviética planea un ataque nuclear contra Estados Unidos. Ripper ordena un ataque preventivo con su escuadrón de bombarderos B-52, que se dirigen a la Unión Soviética.
Personajes
- El Presidente de los Estados Unidos: Un hombre tranquilo y racional que intenta evitar una guerra nuclear.
- General Jack D. Ripper: Un paranoico general estadounidense que ordena un ataque preventivo contra la Unión Soviética.
- Coronel Buck Turgidson: Un general de los EE.UU. que está a favor de una guerra nuclear.
- General Thomas B. «Leper» Hapgood: Un general estadounidense que intenta detener el ataque nuclear.
- Dr. Strangelove: Un antiguo científico nazi que ahora es asesor del Presidente de los Estados Unidos.
Temas
- Guerra nuclear
- Paranoia
- Locura
- Potencia
Recepción crítica
Dr. Strangelove fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y sátira.
La película está considerada uno de los clásicos del cine satírico.
Premios
- Oscar al mejor guión original
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA al mejor guión original
Consulte
La película está considerada un clásico del cine y una brillante sátira de la política internacional y la carrera armamentística nuclear durante la Guerra Fría. La llamada telefónica entre los presidentes sería sin duda suficiente para certificar esta comedia negra como una de las películas más oscuras y divertidas de la historia, alcanzando picos de humor entre lo torpe y lo esencial. Algunas escenas, como la secuencia de la guerra, siguen estando entre las más locas jamás vistas.
Fantomas (1964)
Fantomas (1964) es una comedia policíacafrancesa dirigida por André Hunebelle y protagonizada por Jean Marais en el doble papel de Fantômas y Jérôme Fandor, y Louis de Funès como el comisario Paul Juve. La película está basada en la serie de novelas Fantômas de Marcel Allain y Pierre Souvestre.
Parcela
La historia de Fantômas comienza cuando el periodista Jérôme Fandor publica una entrevista ficticia con el misterioso criminal Fantômas. Fantômas, ofendido, secuestra a Fandor y le obliga a vestirse como él para cometer un crimen. Fandor escapa y, junto con el comisario Juve, comienza a investigar a Fantômas.
Los dos descubren que Fantômas es un maestro del disfraz y de la evasión. Es capaz de asumir cualquier identidad y escapar de la captura con facilidad. Fandor y la Juve se enfrentan a un adversario que parece invencible.
Temas
Fantomas es una película que explora varios temas, entre ellos:
- El bien contra el mal: Fantômas representa el mal, mientras que Fandor y Juve representan el bien. La historia es una lucha entre dos polos opuestos.
- La identidad: Fantômas es un maestro del disfraz, lo que le permite ocultar su verdadera identidad. La película explora el concepto de identidad y cómo puede manipularse.
- Humor: Fantomas es una película divertida, y el humor se utiliza a menudo para aliviar la tensión de la historia.
Análisis
Fantomas es una película bien hecha y entretenida. Está lleno de acción, suspense y humor.
Las interpretaciones de Jean Marais y Louis de Funès son excelentes. Marais está perfecto en el papel del misterioso y encantador Fantômas. De Funès también está excelente en el papel del Comisario Juve, un hombre capaz pero a menudo torpe.
La película también destaca por sus escenas de acción, bien coreografiadas y entretenidas. La huida de Fandor del castillo de Fantômas es particularmente memorable.
Simón del desierto (1965)
Simón del desierto (1965) es un cortometraje surrealista mexicano dirigido por Luis Buñuel y protagonizado por Claudio Brook y Silvia Pinal. Se basa libremente en la historia del santo sirio del siglo V Simeón Estilita, que vivió 39 años en lo alto de una columna.
Parcela
La película cuenta la historia de Simón, un asceta que vive sobre un pilar en el desierto. Simón está obsesionado con el pecado y la tentación, y continuamente es tentado por el diablo en diversas formas.
Temas
La película explora temas como la fe, la religión, la espiritualidad y la naturaleza del ascetismo. Buñuel utiliza el surrealismo para explorar estos temas de forma provocadora e irónica.
Recepción
La película recibió críticas positivas de la crítica, que alabó su originalidad, su visión y sus interpretaciones. La película ganó el León de Plata en el Festival de Venecia de 1965.
Comentario
Simón del desierto es una película compleja que invita a la reflexión y ofrece una visión provocadora de la fe y la religión. La película es un clásico del cine surrealista y una de las mejores películas de Buñuel.
Detalles adicionales:
- La película se desarrolla en un desierto imaginario que es una mezcla de paisajes reales y surrealistas.
- La película está rodada en blanco y negro, con un uso frecuente de efectos especiales surrealistas.
- La película está protagonizada por Claudio Brook en el papel de Simon y Silvia Pinal como el diablo.
Comedia surrealista y crítica del más alto nivel y refinamiento a los dogmas religiosos por el genio surrealista de Luis Buñuel. Nacido como un proyecto de cortometraje, Simón se ha convertido en uno de los personajes más icónicos del gran director español. En la versión original española, la forma de hablar del santón es realmente graciosa y grotesca, algo que se pierde por completo en el doblaje.
Señores y Señoras (1965)
Señores y señoras (1965) es una película cómica italiana de 1965 dirigida por Pietro Germi y protagonizada por Virna Lisi, Gastone Moschin, Franco Fabrizi, Olga Villi, Beba Lončar y Gigi Ballista.
Parcela
La trama se centra en las vidas de un grupo de comerciantes y profesionales de clase media que, tras una impecable fachada de respetabilidad, esconden una densa red de traiciones mutuas.
Temas
- Hipocresía
- La clase media
- Sociedad italiana
Recepción crítica
Gentlemen & Ladies fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su sátira mordaz, su comedia mordaz y su capacidad para contar la realidad de la Italia de la época. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Moschin). Ganó el premio David di Donatello a la mejor película.
Premios
- Premio David di Donatello a la mejor película
Curiosidades
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 3.000 millones de liras.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 20.000 millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y recibió elogios por su dirección, guión, interpretaciones y sátira.
La grande vadrouille (1966)
La grande vadrouille es una película cómica francesa de 1966 dirigida por Gérard Oury y protagonizada por Bourvil y Louis de Funès. La película cuenta la historia de dos franceses corrientes, Augustin Bouvet, pintor de casas, y Stanislas Lefort, director de la Ópera de París, que ayudan a salvar a un grupo de pilotos británicos derribados sobre el París ocupado por los nazis.
Parcela
La historia de La grande vadrouille comienza en 1942, en el París ocupado por los nazis. Augustin Bouvet, pintor, y Stanislas Lefort, director de orquesta de la Ópera de París, son dos franceses corrientes en su vida cotidiana.
Un día, un grupo de pilotos británicos es derribado sobre París. Se lanzan en paracaídas a la ciudad y se encuentran escondidos en las alcantarillas. Augustin y Stanislas son los primeros en encontrarlos y deciden ayudarles a escapar.
Los dos franceses les ayudan a disfrazarse de mujeres y a esconderse en un teatro. También les ayudan a encontrar una salida de París.
Augustin y Stanislas se enfrentan a muchos obstáculos a lo largo de su viaje. Deben evitar a los alemanes, encontrar comida y dinero, y conseguir ropa y documentos de identidad.
Temas
La grande vadrouille es una película que explora varios temas, entre ellos:
- Heroísmo ordinario: Augustin y Stanislas son personas corrientes que se convierten en héroes al ayudar a los pilotos británicos. Demuestran que cualquiera puede marcar la diferencia, incluso en las circunstancias más difíciles.
- Amistad: Augustin y Stanislas entablan una improbable amistad durante su viaje. Aprenden a apreciarse y a apoyarse mutuamente.
- Humor: La grande vadrouille es una comedia, y es muy divertida. La película utiliza el humor para abordar temas serios, como la Segunda Guerra Mundial.
Análisis
La grande vadrouille es una película bien hecha y entretenida. Está lleno de humor, acción y emoción.
Las interpretaciones de Bourvil y de Funès son excelentes. Bourvil está perfecto en el papel del sencillo y simpático personaje de Augustin. De Funès también está excelente en el papel del excéntrico y autoritario personaje de Stanislas.
La película también destaca por sus escenas de acción, bien coreografiadas y emocionantes. La persecución en bicicleta por las calles de París es especialmente memorable.
Consulte
La grande vadrouille es una película imprescindible para todos los aficionados al cine francés. Se trata de una comedia hilarante y conmovedora que ofrece una perspectiva única de la Segunda Guerra Mundial.
La película está bien hecha y es entretenida. Las interpretaciones de Bourvil y de Funès son excelentes, y las escenas de acción están bien coreografiadas.
La grande vadrouille es un clásico del cine francés que sigue divirtiendo a públicos de todas las edades.
Trivia
- La película se rodó en las calles de París, algo inusual para la época.
- Bourvil y de Funès eran amigos en la vida real, y su química es evidente en la pantalla.
- La película fue un éxito comercial y de crítica, y fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1967.
Los productores (1967)
Los productores (1967) es una película de comedia satírica estadounidense de 1967 dirigida por Mel Brooks y protagonizada por Zero Mostel, Gene Wilder, Kenneth Mars, Dick Shawn y Marty Feldman.
Parcela
Max Bialystock es un productor de Broadway venido a menos que no para de producir fracasos y perder dinero. Leo Bloom, un contable que ha descubierto una laguna en el sistema de inversión de Broadway, se pone en contacto con él.
Bloom explica que si un espectáculo de Broadway pierde dinero, los productores pueden quedarse con todo el dinero que se invirtió en él. Bialystock y Bloom deciden producir un fracaso deliberado para hacer fortuna. Eligen un musical satírico sobre Adolf Hitler llamado «Primavera para Hitler», creyendo que es tan malo que seguramente fracasará.
Temas
- Codicia
- Ambición
- El sueño americano
- Sátira
Recepción crítica
The Producers fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su aguda sátira y las interpretaciones de sus estrellas. Fue nominada a 10 premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Mostel). Ganó el Oscar al mejor guión original.
Premios
- Oscar al mejor guión original
- Globo de Oro a la mejor película musical o de comedia
- National Board of Review Award al mejor actor de reparto (Kenneth Mars)
- Premio Writers Guild of America al mejor guión original
Curiosidades
- Zero Mostel basó su interpretación de Max Bialystock en el productor de Broadway David Merrick.
- Gene Wilder fue elegido originalmente para el papel de Max Bialystock, pero se le convenció para que interpretara a Leo Bloom.
- La producción original de «Primavera para Hitler» se representó en el Playhouse Theatre de Nueva York.
- La canción principal de la película fue escrita por Stephen Sondheim.
Coge el dinero y corre (1969)
Es una película de 1969 escrita, dirigida e interpretada por Woody Allen. Se trata de una comedia surrealista que sigue la vida de Virgil Starkwell, un delincuente torpe y chapucero que intenta en vano llevar a cabo robos. La película utiliza un narrador omnisciente para burlarse de la vida y los fracasos de Virgilio, y es conocida por su humor visual y su narrativa experimental. «Toma el dinero y corre» está considerada una de las primeras películas taquilleras de Allen y ha tenido un impacto duradero en la cultura popular.
La trama sigue la vida de Virgil Starkwell, interpretado por Woody Allen, desde la infancia hasta la edad adulta, centrándose en su carrera criminal. Virgil es un torpe y patoso ladronzuelo que intenta atracar bancos y otros lugares, pero siempre es atrapado por las autoridades. A pesar de ser un criminal, Virgil es retratado como un personaje cómico y desventurado cuyas acciones siempre acarrean consecuencias imprevisibles y divertidas. A lo largo de la película, el personaje se casa dos veces, entra y sale de la cárcel y se ve envuelto en situaciones cada vez más extrañas.
La narración se apoya en un narrador omnisciente que comenta y bromea sobre la vida de Virgil, y la película cuenta también con algunos elementos experimentales, como el uso de pantallas en blanco y negro para representar las acciones del personaje.
Le Distrait (1970)
Le Distrait (1970) es una comedia francesa dirigida por Pierre Richard. La película está protagonizada por Pierre Richard, Marie-Christine Barrault y Bernard Blier.
Parcela
La película cuenta la historia de Pierre Malaquet, un joven que vive con su madre, Glycia. Glycia es una mujer controladora y manipuladora que domina la vida de Pierre.
Pierre es un hombre distraído y descuidado que no encuentra un trabajo estable. Su madre le encuentra un trabajo como ingeniero civil, pero Pierre es incapaz de desempeñar sus funciones.
Pierre empieza a salir con Lisa Gastier, una mujer de éxito. Lisa se siente atraída por Pierre, pero también le irrita su falta de ambición.
Pierre y Lisa se casan, pero su matrimonio es difícil. Glycia sigue interfiriendo en sus vidas, y Pierre es incapaz de encontrar su lugar en el mundo.
Temas
La película explora temas como la influencia de los padres, la identidad y la dificultad de crecer. La película es una sátira de la sociedad francesa de los años 70 y un retrato divertido y conmovedor de la vida de un hombre corriente.
Recepción
La película recibió críticas positivas de la crítica, que alabó su originalidad, humor e interpretación de Pierre Richard. La película está considerada una de las mejores de Pierre Richard y un clásico de la comedia francesa.
Comentario
«Le Distrait» es una película compleja que invita a la reflexión y ofrece una visión satírica y conmovedora de la vida. La película es un clásico de la comedia francesa y una obra importante de Pierre Richard.
Detalles adicionales:
- La película es en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Pierre Richard como Pierre Malaquet, Marie-Christine Barrault como Lisa Gastier y Bernard Blier como Alexandre Guiton.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 10 millones de francos franceses.
He aquí algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película fue dirigida por Pierre Richard, que también la protagoniza.
- La película fue escrita por Pierre Richard y Jean-Marie Poiré.
- La película se rodó en París y en la campiña francesa.
Consulte
Antes de convertirse en una gran estrella en los años 80 formando dúo con Gérard Depardieu en las películas de Francis Veber, Pierre Richard reveló su capacidad cómica en películas más particulares en las que brilló con el humor natural que le identifica. Algo que no se puede describir siempre implica la famosa torpeza del personaje, que alcanza una medida poética tras su potencia cómica. Lo mismo ocurre con Le Distrait, que la estrella dirigió ella misma.
Plátanos (1971)
«Bananas» es una película de 1971 escrita, dirigida y protagonizada por Woody Allen. Es una comedia satírica que sigue las aventuras de un hombre inseguro llamado Fielding Mellish, interpretado por Allen, que se une a la revolución en una pequeña república ficticia de América Latina.
Parcela
La trama de «Bananas» sigue la historia de Fielding Mellish (interpretado por Woody Allen), un neurótico productor de documentales que intenta conquistar el corazón de su amada Nancy (Louise Lasser), una activista política comprometida con la causa de los pobres y los oprimidos.
Después de que Nancy le abandone, Fielding experimenta una crisis existencial y decide viajar a una pequeña república ficticia de América Latina. Allí conoce a un grupo de rebeldes que intentan derrocar al régimen gobernante y acaba convirtiéndose en su líder.
Posteriormente, la situación política del país se vuelve cada vez más caótica y surrealista, y Fielding se ve envuelto en una serie de situaciones cómicas y absurdas, como un partido de baloncesto con reglas extravagantes, un juicio rocambolesco en el que se le acusa de traición y un golpe de estado que le convierte en el nuevo dictador del país.
Consulte
Junto a esta trama principal, la película presenta también una serie de escenas humorísticas y gags que satirizan diversos aspectos de la sociedad estadounidense y de la política internacional, manteniendo siempre un estilo cómico surrealista y paradójico. La película es conocida por su humor estrafalario, sus giros y su estilo de comedia surrealista, característico de la filmografía de Allen.
Harold y Maude (1971)
Harold y Maude (1971) es una comedia negra estadounidense de 1971 dirigida por Hal Ashby y protagonizada por Ruth Gordon y Bud Cort. En la película también aparecen Vivian Pickles, Charles Tyner, Ellen Geer, Cyril Cusack y John Pearce. El guión de Colin Higgins comenzó como su tesis de máster para la escuela de cine.
Parcela
Harold Chasen (Bud Cort) es un adolescente taciturno de familia adinerada obsesionado con la muerte. Asiste a funerales de gente que no conoce y escenifica falsos suicidios para llamar la atención de su indiferente madre (Vivian Pickles).
En uno de los funerales, Harold conoce a Maude (Ruth Gordon), una excéntrica mujer de 79 años con ganas de vivir. Maude enseña a Harold a apreciar la belleza de la vida y a vivir cada día al máximo.
Harold y Maude entablan una improbable amistad y empiezan a pasar mucho tiempo juntos. Viven aventuras, hablan de la vida y la muerte y se enamoran.
La madre de Harold está horrorizada por la amistad de Harold con Maude e intenta separarlos. Sin embargo, Harold está decidido a estar con Maude, piense lo que piense su madre.
Temas
- El sentido de la vida
- Muerte
- Amor
- No conformidad
- Familia
Recepción crítica
Harold y Maude fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y música. Fue nominada a tres Globos de Oro, entre ellos los de mejor película musical o de comedia, mejor actor de película musical o de comedia (Cort) y mejor actriz de película musical o de comedia (Gordon).
Legado
Harold y Maude está considerada una de las películas de culto de la década de 1970. Ha sido elogiada por su visión única y subversiva de la vida, la muerte y el amor. La película ha sido citada como influencia por numerosos cineastas, entre ellos Wes Anderson y David Lynch.
Premios
- Premio BAFTA a la actriz revelación más prometedora (Cort)
- National Board of Review Award a la mejor actriz de reparto (Gordon)
- Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles a la mejor actriz de reparto (Gordon)
Curiosidades
- La banda sonora de la película fue compuesta por Cat Stevens, y contiene algunas de sus canciones más populares, como «Cat Stevens», «Where Do the Lonely Go?» y «Father and Son».
- El personaje principal de la película, Maude, estaba basado en la propia madre de Gordon.
- La película se rodó en sólo 26 días.
- El final original de la película era mucho más oscuro, pero se cambió en el último minuto por uno más esperanzador.
En nombre del pueblo italiano (1971)
En nombre del pueblo italiano (1971) es una película italiana de comedia y drama de 1971 dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Yvonne Furneaux, Renato Baldini, Ely Galleani y Michele Cimarosa.
Parcela
Mariano Bonifazi (Vittorio Gassman) es un magistrado incorruptible, amargado por la corrupción que percibe, principalmente en la administración pública. Un día Bonifazi descubre que el industrial Lorenzo Santenocito (Ugo Tognazzi), arquetipo del capitán de industria deshonesto, podría estar implicado en la muerte de Silvana Lazzorini, una joven drogadicta.
Comienza un duelo jurídico e ideológico sin cuartel entre ambos. En el curso de la investigación, Bonifazi descubre la inocencia del sospechoso, pero decide golpear a través de la figura del empresario la podredumbre de una sociedad irremediablemente corrupta.
Temas
- Corrupción
- Justicia
- Sociedad italiana
Recepción crítica
En nombre del pueblo italiano fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y su mensaje social. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Gassman). Ganó el premio David di Donatello al mejor actor (Gassman).
Legado
En nombre del pueblo italiano está considerado un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y que contribuyó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba la justicia y la sociedad.
Premios
- Premio David di Donatello al mejor actor (Vittorio Gassman)
Curiosidades
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2.000 millones de liras.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 20.000 millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y recibió elogios por su dirección, guión, interpretaciones y mensaje social.
Todos nos queríamos tanto (1974)
Nos queríamos tanto es una película italiana de comedia y drama de 1974 dirigida por Ettore Scola. La película está protagonizada por Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Stefano Satta Flores, Giovanna Ralli y Aldo Fabrizi.
Parcela
La película cuenta la historia de tres amigos, Nicola, Giovanni y Antonio, que se conocen durante la guerra partisana. Después de la guerra, los tres amigos siguen viéndose, pero sus vidas toman caminos diferentes. Nicola se convierte en un político de éxito, Giovanni en un actor luchador y Antonio en un obrero.
La película sigue a los amigos a lo largo de treinta años, mientras afrontan los retos de la vida y la política. La película es un retrato realista y conmovedor de la amistad, el amor y el cambio.
Temas
La película explora temas como la amistad, el amor, la política y el cambio. La película es un retrato realista y conmovedor de la Italia de la posguerra y de los retos a los que se enfrentaba la gente.
Recepción
La película recibió críticas positivas de la crítica, que alabó su guión, dirección e interpretaciones. La película está considerada una de las mejores de Ettore Scola y un clásico del cine italiano.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Italia, entre Roma, Milán y Nápoles.
- La película fue protagonizada por Vittorio Gassman, que interpreta a Nicola, Nino Manfredi, que interpreta a Giovanni, Stefania Sandrelli, que interpreta a Lina, Stefano Satta Flores, que interpreta a Antonio, Giovanna Ralli, que interpreta a Giuliana, y Aldo Fabrizi, que interpreta a Romolo.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 2.000 millones de liras italianas.
- La película ha ganado numerosos premios, entre ellos:
- León de Plata al Mejor Director en el Festival de Venecia
- David di Donatello a la mejor película
- Nastro d’argento a la mejor película
- Copa Volpi al mejor actor para Vittorio Gassman
Obra maestra de Ettore Scola, esta comedia de culto sigue a 3 amigos a lo largo de 30 años. Una comedia romántica de personajes cínicos que se corrompen fácilmente, con un sabor amargo y melancólico sobre el paso del tiempo y cómo cambian las vidas con las presiones sociales y la incapacidad de mantener la propia coherencia. Es una de esas comedias que se revuelcan en el drama existencial y que en un momento dado, con la intensidad de las emociones que transmite, puede mancharte la cara de lágrimas.
Frankenstein Junior (1974)
Parcela
Frederick Frankenstein, neurocirujano y nieto del infame Dr. Victor Frankenstein, es invitado a Transilvania para heredar el castillo de su abuelo. Al llegar, Frederick descubre el laboratorio de su abuelo y su trabajo inacabado sobre la creación de un ser humano a partir de partes de cadáveres. Con la ayuda de su jorobado ayudante Igor y del ama de llaves Frau Blücher, Frederick se propone completar la obra de su abuelo. Sin embargo, Frederick implanta accidentalmente el cerebro de un hombre anormal en lugar del de un genio, lo que provoca consecuencias hilarantes e inesperadas.
Temas
La película es una parodia del género de terror clásico, en particular de la película de 1931 Frankenstein, y se burla del tropo del científico loco y de los clichés del cine de terror. También explora temas como la ambición, la obsesión y la naturaleza de la humanidad.
Recepción
Frankenstein Junior fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su fiel recreación de la estética de las películas de terror de Universal Studios. La película fue nominada a dos premios de la Academia: Mejor Guión Adaptado y Mejor Canción Original por «The Name of the Game».
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Mel Brooks y protagonizada por Gene Wilder como Frederick Frankenstein, Marty Feldman como Igor, Cloris Leachman como Frau Blücher y Teri Garr como Inga.
- La película fue nominada a dos Globos de Oro: Mejor Película Musical o de Comedia y Mejor Actor de Película Musical o de Comedia para Gene Wilder.
- La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en 2008 por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa».
Consulte
Frankenstein Junior es una película de Mel Brooks de 1974 es una comedia de terror atemporal con increíbles actores que alcanzan la cima de su interpretación: Gene Wilder, Madeline Kahn, Teri Garr, Marty Feldman, Peter Boyle, Cloris Leachman y Gene Hackman.
El guión humorístico de Brooks y Wilder, nominado al Oscar, parodia a la perfección la película de terror Frankenstein, de James Whale, de 1931. La dirección de Brooks crea la sensación de esas películas de monstruos atemporales tan bien que tienes la impresión de que esta es una película que realmente pertenece a los clásicos como Drácula y El hombre lobo. Esta es la mejor y también la más loca película de Brooks, entre las mejores parodias de terror para ver absolutamente.
Fantozzi (1975)
Fantozzi (1975) es una película cómica italiana dirigida por Luciano Salce y protagonizada por Paolo Villaggio, Liù Bosisio, Gigi Reder, Milena Vukotic, Anna Mazzamauro, Duilio Del Prete, Franco Diogene y Cesare Barbetti.
Parcela
La película cuenta la historia de Ugo Fantozzi, un manso, torpe y desafortunado contable que trabaja para una gran empresa industrial llamada Megaditta. Fantozzi sufre el acoso constante de sus superiores y colegas.
La película sigue las desventuras de Fantozzi a lo largo de un año, desde Nochebuena hasta la Navidad siguiente. A Fantozzi le asignan tareas absurdas y peligrosas, como llevar un elefante a la oficina o participar en una carrera con su Fiat 500. También se ve obligado a soportar una serie de humillaciones, como verse obligado a comer un pastel de mierda o a llevar un traje de pingüino.
Temas
Fantozzi es una sátira de la sociedad italiana de los años setenta y, en particular, del mundo laboral. La película explora temas como la alienación, la opresión y la desesperanza.
Recepción
Fantozzi fue un éxito comercial y de crítica desde su estreno. La película fue elogiada por su humor, su sátira y la interpretación de Paolo Villaggio.
Comentario
Fantozzi es un clásico de culto de la comedia italiana. El personaje de Fantozzi se ha convertido en un icono de la cultura popular, y la película sigue considerándose una de las mejores comedias italianas de todos los tiempos.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Paolo Villaggio y Sergio Amidei.
- La película fue producida por Mario Cecchi Gori y Vittorio Cecchi Gori.
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de mil millones de liras italianas.
Consulte
Las películas de Fantozzi son algunas de las comedias italianas más importantes de la historia y, de hecho, están cargadas de modismos y palabras que actualmente forman parte de la lengua italiana. Escenas de culto en grandes cantidades: Fantozzi y su compañero Filini jugando al tenis, Fantozzi que se tira desde el balcón para coger el autobús y llegar a tiempo a la oficina, la proyección del Acorazado Potemkin…
Amici miei (1975)
Mis amigos (1975) es una película cómica italiana de 1975 dirigida por Mario Monicelli y protagonizada por Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin, Duilio Del Prete y Adolfo Celi.
Parcela
Cuatro amigos florentinos, Lello Mascetti (Tognazzi), Rambaldo Melandri (Moschin), Giorgio Perozzi (Noiret) y Guido Necchi (Del Prete), llevan una vida tranquila como jubilados. Para hacer frente a la crisis de los cuarenta, deciden organizar «zingarate», o escapadas basadas en bromas y bravuconadas.
Su zingarate les llevará a vivir divertidísimas aventuras, pero también a reflexionar sobre la vida, la amistad y el amor.
Temas
- Amistad
- Crisis de mediana edad
- Vida
Recepción crítica
Mis amigos fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su comedia, su frescura y su capacidad para contar una historia moderna y relevante. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Tognazzi). Ganó el premio David di Donatello a la mejor película.
Legado
Mis amigos está considerado un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y que contribuyó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba la amistad y la vida.
Premios
- Premio David di Donatello a la mejor película
Curiosidades
- La película se rodó en Florencia y alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2.000 millones de liras.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 20.000 millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y recibió elogios por su dirección, guión, interpretaciones y comedia.
Feo, sucio y malo (1976)
Feos, sucios y malos es una película italiana de comedia y drama de 1976 dirigida por Ettore Scola y protagonizada por Nino Manfredi, Marcella Michelangeli, Marcella Battisti, Claudio Botosso, Silvia Ferluga, Zoe Incrocci y Giuliana Calandra.
Parcela
La película está ambientada en un barrio marginal de las afueras de Roma. La historia sigue la vida de Giacinto Mazzatella, un hombre alcohólico y violento que vive con su numerosa familia. Giacinto ha recibido un millón de liras de indemnización por perder un ojo en un accidente laboral, pero no quiere compartirlo con nadie.
La familia de Giacinto está formada por su mujer, diez hijos, un número indeterminado de parientes y un cerdo. Todos los miembros de la familia son pobres y están desatendidos. Viven en condiciones miserables y sucias, y luchan constantemente con problemas económicos y sociales.
Temas
La película explora temas como la pobreza, la miseria, la violencia doméstica y la marginación social. Es una descripción despiadada pero realista de la vida de las clases bajas en Italia.
Recepción
Feo, sucio y malo fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por la interpretación de Nino Manfredi, la dirección de Ettore Scola y el guión de Ruggero Maccari.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- La película fue producida por Franco Cristaldi.
- La película ganó numerosos premios, entre ellos:
- David di Donatello a la mejor película
- Nastro d’argento a la mejor película
- Globo de Oro a la mejor película italiana
- Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes
Consulte
Es una película extraordinaria, no sólo por sus momentos humorísticos, sino también por su estilo grotesco con un contenido impactante y un lenguaje fuerte. A menudo se la califica de comedia grotesca, ya que se aparta de las comedias dramáticas que aún estaban en fase de rodaje. Al igual que Fantozzi, ésta también surgió en la segunda mitad de los años setenta, desarrollando un nuevo tipo de comedia italiana, construyendo una trama con elementos cómicos llenos de significado.
Es, con diferencia, el papel más duro de Nino Manfredi, que interpreta a un hombre grotesco y grosero con un solo ojo. «Feo, sucio y malo» hace uso de muchas blasfemias y escenas relacionadas con el sexo. Él mismo se refiere a sus hijas como prostitutas, al igual que a sus hijos los llama cerdos, ladrones y asesinos que sólo desean robarle su dinero. La película es una obra maestra que cambió el panorama de la comedia italiana.
Casotto (1977)
Casotto (1977) es una película italiana de comedia de 1977 dirigida por Sergio Citti y protagonizada por Jodie Foster, Ugo Tognazzi, Gigi Proietti, Franco Citti, Ninetto Davoli, Catherine Deneuve y Clara Algranti.
Parcela
En un caluroso domingo de agosto, en una espaciosa cabaña colectiva, o casetta, en la playa libre de Ostia, se entrecruzan las historias de una variopinta galería de personajes que muestran, con sus propias historias, el contraste entre la rígida moral oficial italiana de finales de los setenta y la revolución sexual.
Entre estos personajes encontramos:
- Maria (Jodie Foster), una joven americana de vacaciones en Italia con sus padres, que se enamora de un joven y encantador hombre de origen romano;
- Ugo (Ugo Tognazzi), un cura rural que ha perdido la fe y que acude a la playa para intentar reencontrarla;
- Gigi (Gigi Proietti) y Franco (Franco Citti), dos amigos de Ugo que buscan aventuras;
- Clara (Clara Algranti), una mujer madura que se enamora de Ugo;
- Catherine Deneuve, famosa actriz francesa que rueda una película en Italia.
Temas
- La revolución sexual
- El conflicto entre la moral oficial y la realidad
- Amor
Recepción crítica
Casotto fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su frescura y su capacidad para contar una historia moderna y relevante. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor (Tognazzi). Ganó el premio David di Donatello al mejor guión.
Legado
Casotto está considerado un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y que contribuyó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba el amor y la sexualidad.
Premios
- Premio David di Donatello al mejor guión
Curiosidades
- La película se rodó en Ostia y sus alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2.000 millones de liras.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 20.000 millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y recibió elogios por su dirección, guión, interpretaciones y humor.
Annie Hall (1977)
Annie Hall (1977) es una película de comedia romántica dirigida por Woody Allen y protagonizada por Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane y Paul Simon.
Parcela
Alvy Singer es un cómico neurótico e inseguro que se enamora de Annie Hall, una chica con aspiraciones artísticas. Ambos salen durante un año, pero su relación se ve enturbiada por sus problemas personales y sus diferencias.
Alvy es un hombre que tiene problemas para relacionarse con los demás. Annie es una mujer independiente y libre que no quiere atarse a una relación.
Al final, los dos rompen, pero Alvy no puede olvidarla.
Temas
La película explora temas como el amor, la pérdida, la comunicación y la alienación. Es un retrato realista y conmovedor de una relación que termina.
Recepción
Annie Hall fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su guión, sus interpretaciones y su dirección.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Woody Allen y Marshall Brickman.
- La película fue producida por Charles H. Joffe.
- La película se rodó en Nueva York.
- La película ganó cuatro premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Guión Original, Mejor Actriz Protagonista (Diane Keaton) y Mejor Director.
Consulte
Annie Hall, es una película de arte y ensayo enmarcada en el género de la comedia romántica de 1977. Annie Hall es Woody Allen por dentro, desde su narrativa hasta sus personajes femeninos. La película tiene una magia particular: un dulce sabor nostálgico en sus líneas que se han hecho famosas, una melancólica añoranza de un tiempo menos complicado y de un lugar donde todo parecía posible con amor.
Les bronzés (1978)
Les bronzés (1978) es una película francesa de comedia dirigida por Patrice Leconte y protagonizada por Josiane Balasko, Gérard Jugnot, Michel Blanc, Marie-Anne Chazel y Christian Clavier. La película cuenta la historia de un grupo de amigos que se van de vacaciones al Club Med, en Costa de Marfil.
Parcela
Bernard Morin (Gérard Jugnot), Jean-Claude Dusse (Michel Blanc), Jérôme (Christian Clavier) y Popeye (Thierry Lhermitte) son cuatro amigos que trabajan en una empresa de ingeniería de París. Cansados de su rutina diaria, deciden irse de vacaciones al Club Med, en Costa de Marfil.
En el Club Med, los cuatro amigos se encuentran en un mundo completamente distinto al que están acostumbrados. Están rodeados de gente de todas las edades y de todo el mundo. Juntos viven una experiencia inolvidable, llena de diversión, risas y nuevas amistades.
Temas
Les bronzés es una película que explora varios temas, entre ellos:
- La amistad: La historia se centra en la amistad entre los cuatro protagonistas. Juntos, superan los retos y viven una experiencia inolvidable.
- Autodescubrimiento: Los cuatro protagonistas se enfrentan a sí mismos y a sus miedos. Las vacaciones en el Club Med son una oportunidad para crecer y aprender a conocerse mejor.
- El poder del humor: La película está llena de humor. El humor sirve para aliviar la tensión y hacer más amena la historia.
Análisis
Les bronzés es una película bien hecha y divertida. Es una película que ha hecho historia en el cine francés.
Las interpretaciones de los cuatro protagonistas son excelentes. Gérard Jugnot está perfecto en el papel de Bernard, un hombre ingenuo y simpático. Michel Blanc también está excelente en el papel de Jean-Claude, un hombre tímido y torpe.
La película también destaca por sus escenas cómicas, que están bien hechas y son agradables. La escena en la que los cuatro protagonistas son seguidos por los niños del pueblo es especialmente memorable.
Amor a la fuga (1979)
L’amour en fuite (1979) es una comedia dramática dirigida por François Truffaut y protagonizada por Jean-Pierre Léaud, Marie-France Pisier, Claude Jade, Julien Dubois y Daniel Mesguich.
Parcela
Antoine Doinel, protagonista de la saga cinematográfica de Truffaut, es un hombre de 35 años que acaba de divorciarse de Christine. Antoine es un hombre inseguro y problemático al que le cuesta encontrar la felicidad.
Tras el divorcio, Antoine inicia una relación con Sabine, una joven oficinista. La relación es inicialmente feliz, pero pronto se revela problemática. Antoine sigue enamorado de Christine, y Sabine es una mujer insegura y posesiva.
Al final, Antoine y Sabine rompen y Antoine se encuentra solo y abatido.
Temas
La película explora temas como el amor, la pérdida, la madurez y la soledad. Es un retrato realista y conmovedor de un hombre que intenta encontrar la felicidad.
Recepción
L’amour en fuite fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, sus interpretaciones y su guión.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por François Truffaut y Jean-Pierre Léaud.
- La película fue producida por Claude Berri.
- La película se rodó en París y sus alrededores.
- La película ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes.
Consulte
Truffaut cierra la serie dedicada a Antoine Doinel con Fugas de amor. Una comedia sentimental para ver absolutamente. Alegre y melancólica, apasionada y distante al mismo tiempo, la película propone el estilo único de Truffaut. Uno de los directores que mejor ha sabido describir el amor en la gran pantalla de los cines.
Blues Brothers (1980)
Blues Brothers (1980) es una película estadounidense de comedia de acción musical dirigida por John Landis y protagonizada por John Belushi como «Joliet» Jake Blues y Dan Aykroyd como su hermano Elwood Blues. Los personajes, desarrollados a partir del recurrente sketch musical «The Blues Brothers» de la serie de variedades de la NBC Saturday Night Live, son liberados con la misión de Dios de reunir a su antigua banda de R&B para actuar en una recaudación de fondos benéfica con el fin de salvar el orfanato en el que se criaron.
Parcela
Jake y Elwood Blues salen de la cárcel con la misión divina de reunir a su antigua banda de R&B y actuar en un bar y asador de Chicago para pagar la fianza de 5.000 dólares que les ha impuesto su orfanato, que se enfrenta a una ejecución hipotecaria. Por el camino, son perseguidos por la policía, la Milicia de Illinois y una banda de nazis, todos ellos decididos a detenerlos.
Temas
La película es una celebración de la música blues y la cultura estadounidense. También es una historia sobre la familia, la redención y el poder de la música para unir a la gente.
Recepción
Blues Brothers fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su humor, su acción y su música. Fue nominada a dos premios de la Academia: Mejor Guión Adaptado y Mejor Canción Original por «The Name of the Game».
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Dan Aykroyd y John Landis.
- La película fue producida por Robert K. Weiss.
- La película se rodó en Chicago y Los Ángeles.
- La banda sonora de la película fue un éxito comercial, alcanzando el número dos en la lista Billboard 200.
Consulte
The Blues Brothers es una película divertida con una historia de ritmo maravilloso, un guión contundente y un alboroto de coches para mantenerte ocupado cada vez que los atracos de Belushi y Aykroyd son un poco demasiado. Por supuesto, el corazón de la película sigue siendo su música: Cab Calloway, Ray Charles y James Brown. Es «Respect» de Aretha Franklin la que te hace temblar en el asiento.
Tootsie (1982)
Tootsie (1982) es una película estadounidense de comedia y drama dirigida por Sidney Pollack y escrita por Larry Gelbart, Barry Levinson (sin acreditar), Elaine May (sin acreditar) y Murray Schisgal a partir de una historia de Gelbart y Don McGuire. La película está protagonizada por Dustin Hoffman en el papel de Michael Dorsey, un actor con talento pero difícil que adopta la personalidad de una mujer llamada Dorothy Michaels para conseguir un papel en una telenovela. La película también cuenta con Jessica Lange, Charles Durning, Bill Murray, George Segal y Teri Garr.
Parcela
Michael Dorsey es un actor conocido por su talento, pero también por ser difícil trabajar con él. Es tan difícil de complacer que ha sido incluido en la lista negra de la mayoría de los directores de casting.
Desesperado por encontrar trabajo, a Michael se le ocurre una idea descabellada: se disfrazará de mujer y se presentará a una audición para un papel en una telenovela. Crea el personaje de Dorothy Michaels, una viuda de mediana edad amable, compasiva y deseosa de agradar.
Michael consigue el papel de Dorothy y rápidamente se convierte en una figura popular de la telenovela. También tiene éxito en su vida personal, pues se enamora de Julie, una actriz que interpreta al interés amoroso de su personaje.
Sin embargo, la doble vida de Michael es cada vez más difícil de mantener. Le preocupa constantemente que le descubran y se esfuerza por cumplir las exigencias de interpretar a dos personajes distintos.
Recepción crítica y legado
«Tootsie» fue un éxito comercial y de crítica cuando se estrenó en 1982. La película fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su exploración de complejas cuestiones sociales. Fue nominada a diez premios de la Academia, entre ellos el de mejor película, mejor actor y mejor actriz de reparto para Jessica Lange. Ganó los premios al mejor actor de reparto para George Segal y al mejor guión original.
Curiosidades
- El título de la película es una referencia al personaje de Dorothy Gale de «El mago de Oz».
- Dustin Hoffman pasó horas con un coach dialectal para perfeccionar su voz femenina.
- Jessica Lange fue elegida originalmente para interpretar el interés amoroso de Michael Dorsey, pero resultó tan convincente como hombre que fue cambiada al papel de Julie.
- El director de la película, Sydney Pollack, también dirigió «Some Like It Hot», otra película clásica sobre un hombre que se disfraza de mujer.
El rey de la comedia (1982)
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Rupert Pupkin (Robert De Niro) es un aspirante a cómico con una obsesión enfermiza por Jerry Langford (Jerry Lewis), un presentador de éxito. Rupert cree que si consigue aparecer en el programa de Jerry, por fin será reconocido como el gran cómico que cree ser.
Rupert empieza a acosar a Jerry, y finalmente consigue entrar en su camerino después de un espectáculo. Le ruega a Jerry que le dé una oportunidad en su programa, pero Jerry se niega. Rupert tiene el corazón roto, pero no se rinde.
Rupert idea un plan para secuestrar a Jerry y obligarle a darle un puesto en su programa. Consigue la ayuda de su amiga Masha (Sandra Bernhard), y juntos secuestran a Jerry y lo llevan al sótano de la madre de Rupert.
Al principio Jerry está aterrorizado, pero al final empieza a ver a Rupert como un patético perdedor desesperado por llamar la atención. Jerry intenta apelar a la mejor naturaleza de Rupert, pero éste está demasiado ido.
Rupert obliga a Jerry a escribirle un monólogo para su debut en un programa de entrevistas. Jerry escribe un monólogo sobre cómo Rupert es un loco perdedor, pero Rupert no lo entiende. Cree que Jerry lo está elogiando.
Rupert lleva a Jerry a su debut en un programa de entrevistas, pero el público se vuelve rápidamente contra él. Jerry desenmascara a Rupert como el loco acosador que es, y Rupert es arrestado.
Temas
- Obsesión
- Fama
- El lado oscuro de la comedia
Recepción crítica y legado
«El rey de la comedia» fue un éxito comercial y de crítica cuando se estrenó en 1982. La película fue elogiada por su humor negro, sus interpretaciones y su exploración de complejas cuestiones sociales. Fue nominada a dos Globos de Oro: Mejor Película – Musical o Comedia y Mejor Actor – Musical o Comedia para De Niro.
«El rey de la comedia» ha mantenido su popularidad durante décadas y está considerada una de las mejores películas de Martin Scorsese. Es una película inquietante que invita a la reflexión y que plantea importantes cuestiones sobre la naturaleza de la fama y la celebridad.
Broadway Danny Rose (1984)
Broadway Danny Rose es una película de 1984 dirigida por Woody Allen.
Parcela
Broadway Danny Rose es un desventurado agente de talentos que, por ayudar a su cliente, un cantante de salón, con su amante, se ve arrastrado a un triángulo amoroso en el que está implicada la mafia.
Temas
La película es una parodia del género clásico de gángsters, y se burla del estereotipo del tipo duro y de los clichés de las películas de gángsters. También explora temas como la ambición, la obsesión y la naturaleza de la lealtad.
Recepción
Broadway Danny Rose fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su fiel recreación de la estética de las películas de gángsters de Universal Studios. La película fue nominada a dos premios de la Academia: Mejor Guión Adaptado y Mejor Canción Original por «The Name of the Game».
Detalles adicionales:
- La película fue escrita y dirigida por Woody Allen.
- La película está protagonizada por Woody Allen en el papel del personaje titular, así como por Mia Farrow y Nick Apollo Forte.
- La película fue nominada a dos Globos de Oro: Mejor Película Musical o de Comedia y Mejor Actor de Película Musical o de Comedia para Gene Wilder.
- La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en 2008 por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa».
Consulte
La película es una comedia desenfadada ambientada en el mundo del vodevil y el cabaret neoyorquinos de los años cincuenta. Broadway Danny Rose ha sido muy apreciado por la crítica por su ironía, su capacidad para captar el lado cómico de las situaciones más dramáticas y la interpretación de Woody Allen.
Woody Allen se preocupa tanto de enterrar como de alabar a su héroe Danny Rose en este retrato lírico de la Gran Vía Blanca. Optimista perspicaz y soñador de toda la vida, el ingenuo representante escénico Danny adora a su triste cuadra de xilofonistas ciegos, bailarines profesionales de claqué y pingüinos patinadores sobre hielo vestidos, normalmente, de rabinos jasídicos.
Sin embargo, todos los demás tienen tan claro que una época está pasando rápidamente. Aunque no deja de ser un mero personaje cómico, Allen le da una mirada compasiva, apesadumbrada y cariñosa.
Nada queda por hacer salvo llorar (1984)
Nothing Left to Do But Cry (1984) es una comedia italiana de ciencia ficción de 1984 dirigida por Massimo Troisi y Roberto Benigni. La película está protagonizada por los propios actores, que interpretan a dos amigos, Saverio y Mario, que se encuentran en 1492, en Palos de la Frontera, España.
Parcela
Saverio es profesor de primaria, mientras que Mario es conserje. Ambos son amigos desde siempre y comparten su pasión por la ciencia ficción.
Un día, mientras atraviesan la campiña toscana, los dos amigos se encuentran con una extraña tormenta. Cuando amaina la tormenta, se encuentran en 1492, en Palos de la Frontera, España.
Al principio, Saverio y Mario están asustados y desorientados. No saben cómo volver a su tiempo y no saben cómo comportarse en una época tan diferente a la suya.
A lo largo de la película, los dos amigos conocerán a personajes históricos como Cristóbal Colón, Isabel de Castilla y Fernando II de Aragón. Vivirán aventuras espeluznantes y aprenderán a conocer un mundo completamente nuevo.
Recepción
Non ci resta che piangere fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su frescura y la interpretación de los dos protagonistas.
Análisis
Nothing Left to Do But Cry es una película que explora temas como la amistad, los viajes en el tiempo y las diferencias culturales. La película es una comedia divertidísima, pero también es una película que te hace pensar.
La película muestra cómo la amistad puede superar las diferencias culturales y temporales. Saverio y Mario son dos hombres muy diferentes, pero su amistad es fuerte e inquebrantable.
La película también explora el tema de los viajes en el tiempo. Saverio y Mario se encuentran en un mundo completamente nuevo y deben aprender a adaptarse. La película muestra cómo viajar en el tiempo puede ser una experiencia fascinante, pero también peligrosa.
Por último, la película pone de relieve la diferencia cultural entre el presente y el pasado. Saverio y Mario están acostumbrados a vivir en un mundo moderno y tecnológico. Cuando se encuentran en 1492, deben enfrentarse a un mundo completamente distinto. La película muestra cómo la diferencia cultural puede ser fuente de malentendidos y conflictos.
Consulte
Nothing Left to Do But Cry es un clásico del cine italiano que ha resistido el paso del tiempo. Es una película que sigue gustando al público de hoy en día.
La película está bien hecha y cuenta con interpretaciones magistrales de los dos protagonistas. Saverio y Mario son personajes divertidísimos y simpáticos. Sus aventuras son espeluznantes y entretenidas.
La película es también una película que hace pensar. Muestra cómo la amistad puede superar las diferencias culturales y temporales. También pone de relieve la diferencia cultural entre el presente y el pasado.
La rosa púrpura de El Cairo (1985)
La rosa púrpura de El Cairo (1985) es una película de comedia romántica y fantástica de 1985 dirigida por Woody Allen y protagonizada por Mia Farrow y Jeff Daniels. La película cuenta la historia de Cecilia, un ama de casa frustrada y desilusionada que, mientras ve una película muda de 1930, ve cómo el protagonista, Tom Baxter, sale de la pantalla y entra en su vida.
Parcela
Cecilia es un ama de casa frustrada y desilusionada de Nueva Jersey que, mientras ve una película muda de los años 30, «La rosa púrpura de El Cairo», ve cómo el protagonista, Tom Baxter, sale de la pantalla y entra en su vida. Tom es un encantador héroe romántico que es todo lo que Cecilia siempre ha deseado.
Cecilia y Tom se enamoran y comienzan una relación secreta. Sin embargo, su relación se complica al saber que Tom es un personaje de ficción. Tom se ve obligado a volver a la película, pero Cecilia no está dispuesta a dejarle marchar.
Temas
La película explora temas como la realidad y la ficción, el amor y la ilusión, y el poder del cine. Es una historia romántica y conmovedora que explora el deseo humano de evasión y amor.
Recepción
La rosa púrpura de El Cairo fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por su guión, sus interpretaciones y su dirección. La película ganó el Oscar al mejor guión original.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Woody Allen.
- La película fue producida por Robert Greenhut.
- La película se rodó en Nueva York.
- La película fue nominada a cuatro premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Actriz Protagonista (Mia Farrow).
Consulte
Woody Allen ha dicho varias veces que La rosa púrpura de El Cairo está entre sus películas favoritas que ha dirigido, y no es de extrañar: es su película más creativa y compasiva. Entregando su mejor interpretación de las 13 películas que ha hecho con el director, Mia Farrow interpreta a una mujer solitaria que va al cine a vivir sus sueños a través de sus estrellas favoritas.
Incluso cuando el precipitado Tom Baxter (un joven Jeff Daniels) sale de la pantalla y entra en su vida, mantiene sus sentimientos y expectativas bajo control. La película avanza caprichosamente hacia un último acto desgarrador y elegíaco que sugiere, por extraordinario que parezca, por qué vamos al cine.
She’s Gotta Have It (1986)
She’s Gotta Have It es una película estadounidense en blanco y negro de 1986 escrita, dirigida, producida y montada por Spike Lee.
Parcela
Lola Darling, una mujer de Brooklyn de carácter fuerte e independiente, hace malabarismos con tres amantes: Greer Childs, un rico y arrogante hombre de negocios; Jamie Overstreet, un carpintero estable y protector; y Mars Blackmon, un tímido y empollón aspirante a director de cine. Nola es incapaz de elegir entre sus tres pretendientes, y disfruta de la libertad de tener tres hombres diferentes en su vida.
Temas
La película explora temas como el empoderamiento femenino, la libertad sexual y la dificultad de tomar decisiones. Es una celebración de la feminidad negra y el retrato de una mujer decidida a vivir su vida en sus propios términos.
Recepción
She’s Gotta Have It fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su estilo único. La película supuso un gran avance para Spike Lee, que se convirtió en un destacado cineasta en la década de 1990.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita, dirigida, producida y montada por Spike Lee.
- La película está protagonizada por Tracy Camilla Johns, Tommy Redmond Hicks, John Canada Terrell y Spike Lee.
- La película se rodó con un presupuesto mínimo de 175.000 dólares.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 7 millones de dólares en taquilla.
Consulte
Spike Lee debuta en la dirección con esta película independiente de bajo presupuesto y en blanco y negro, que acabó siendo una de las más cruciales de los 80 para fomentar la producción indie. Lee aporta a la pantalla una voz y una verosimilitud nunca vistas en una película sabia, aventurera y entretenida. El tema principal de las libertades de la mujer sigue siendo pertinente 30 años después.
El gran Lebowski (1998)
El gran Lebowski (1998) es un clásico de culto de la comedia negra policíaca estadounidense escrita, producida y dirigida por Joel y Ethan Coen, y protagonizada por Jeff Bridges en el papel de Jeff «The Dude» Lebowski, un holgazán de mediana edad en paro que es confundido con un millonario del mismo nombre. La película también cuenta con John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, David Thewlis y Philip Seymour Hoffman.
Parcela
The Dude es un viejo porrero que lleva una vida despreocupada en Los Ángeles. Su rutina se ve alterada cuando dos matones irrumpen en su apartamento creyendo que es el millonario Jeff Lebowski. Orinan en su alfombra, una preciada posesión, y le exigen que pague una deuda contraída por la esposa del millonario, Bunny.
El Dandy acude a la mansión del millonario en busca de una compensación por su alfombra arruinada. La esposa del millonario, Maude (Moore), le dice que su marido ha desaparecido y le exige que lo encuentre. El Dandy acepta a regañadientes y pronto se ve envuelto en una trama de secuestro, confusión de identidades y petición de rescate.
Por el camino, el Dandy se encuentra con un elenco de excéntricos personajes, como su compañero de bolos Walter Sobchak (Goodman), un veterano de Vietnam con inclinación por la violencia; el novio nihilista alemán de Bunny, Jesús Quintana (Buscemi); y el abogado del millonario, Barry Sonnenfeld (Thewlis), que está secretamente enamorado de Maude.
La búsqueda del millonario desaparecido le lleva de boleras a mansiones y a bares de mala muerte, y se ve sobrepasado al intentar navegar por el complejo mundo de los ricos y los criminales.
Recepción crítica
El Gran Lebowski recibió críticas dispares en su estreno. Algunos críticos alabaron su humor y sus personajes, mientras que otros la encontraron farragosa e incoherente. Sin embargo, la popularidad de la película ha crecido con los años y ahora se considera un clásico de culto.
Temas
El Gran Lebowski es una película sobre la identidad, el error de identidad y lo absurdo de la vida. También es una película sobre bolos, ya que el Dandy y sus compañeros de bolos aparecen constantemente en la bolera.
Más información
- La película se rodó en Los Ángeles.
- La película está llena de referencias a los bolos, incluida la característica bola de bolos del Dandy, que lleva grabadas las palabras «the dude abides».
- La banda sonora de la película fue compuesta por Carter Burwell e incluye música de Bob Dylan, Creedence Clearwater Revival y The Eagles.
- La película fue nominada a dos Independent Spirit Awards: Mejor Director y Mejor Actor Masculino de Reparto para Goodman.
Mortacci (1989)
Mortacci es una comedia dramática italiana de 1989 dirigida por Sergio Citti. La película está ambientada en una pequeña ciudad italiana, donde los difuntos se reúnen cada noche en un cementerio.
Parcela
En el cementerio de una pequeña ciudad italiana, los difuntos se reúnen todas las noches. Están condenados a no entrar en la siguiente fase de la otra vida hasta que fallezca el último ser humano vivo que los recuerde.
La narración se interrumpe con la llegada de Lucillo (Sergio Rubini), un soldado dado por muerto en una misión militar en Líbano y al que sus paisanos obligan a morir de verdad, ya que construyeron un gran negocio sobre su condición de héroe y su fama.
Temas
La película explora temas como la vida, la muerte, la memoria y la necesidad humana de conexión. Es una mirada humorística y conmovedora al más allá y a las formas en que recordamos a los muertos.
Recepción
Mortacci fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su humor, sus interpretaciones y su singular perspectiva de la muerte.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Sergio Citti.
- La película está protagonizada por Sergio Rubini, Angela Betti, Franco Citti y Maurizio Mattioli.
- La película fue nominada a dos premios David di Donatello: Mejor Director y Mejor Actor Secundario (Franco Citti).
Maestro borracho (1994)
Drunken Master (1994) es una película de acción y comedia de Hong Kong escrita y dirigida por Jackie Chan y Lau Kar-leung. Es una secuela de la película de 1978 Drunken Master y está protagonizada por Chan en el papel de Wong Fei-hung, un legendario artista marcial chino.
Parcela
Wong Fei-hung es un joven y talentoso artista marcial conocido también por su afición al vino. Es expulsado de la escuela de su padre y enviado a vivir con su tío, maestro del estilo Puño Borracho. Al principio, Fei-hung se muestra reacio a aprender este estilo poco ortodoxo, pero finalmente llega a dominarlo y lo utiliza para derrotar a sus enemigos.
Temas
La película es una celebración de la cultura china y las artes marciales. También explora temas como la autodisciplina, la redención y la importancia de la familia.
Recepción
Drunken Master fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento. Fue elogiada por sus secuencias de acción, su humor y la interpretación de Chan. La película supuso un gran avance para Chan en el mercado internacional y le ayudó a consolidarse como estrella.
Detalles adicionales:
- La película fue producida por Golden Harvest.
- La película se rodó en China.
- La película fue nominada a tres Premios del Cine de Hong Kong: Mejor Película, Mejor Coreografía de Acción y Mejor Actor (Jackie Chan).
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Una película de acción asombrosa que establece una especie de estándar: no se podría filmar una escena de batalla mejor. 6 años después de su estreno en Asia, y más de veinte años después de que Drunken Master convirtiera a Jackie Chan en una estrella en Hong Kong, La leyenda de Drunken Master puede ser la comedia de acción de kung fu más asombrosa hasta la fecha.
La película muestra a Chan en su magnificencia sin esfuerzo, asombrando por su habilidad para hacer que los duelos complejos parezcan entretenidos. Jackie protagonizó y dirigió varias películas de acción en su época anterior a Hollywood. Esta puede ser su obra maestra.
La ciudad del miedo (1994)
La Cité de la peur (La ciudad del miedo) es una comedia francesa de 1994 dirigida por Alain Berberian. La película es un thriller policíaco satírico que sigue la historia de Odile Deray, publicista de una película de terror de serie B llamada «Red is Dead». La película se desarrolla durante el Festival de Cannes y sigue a Odile en su intento de proteger la película y a su reparto de un misterioso asesino que utiliza una hoz y un martillo como armas.
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La película comienza con la proyección de las escenas finales de «Red is Dead», una película de terror de serie B en la que un asesino en serie comunista mata a sus víctimas con una hoz y un martillo. La película es un fracaso y se retira del Festival de Cannes. Odile Deray, publicista de la película, está decidida a salvar su carrera y la de la película.
Odile conoce a Serge Karamazov, un ex policía contratado para proteger al reparto de la película. Serge es un personaje excéntrico e incompetente, pero Odile se ve obligada a confiar en él.
Mientras tanto, un misterioso asesino comienza a aterrorizar al reparto de la película. El asesino utiliza la misma hoz y el mismo martillo que el asesino en serie de «Red is Dead». Odile y Serge deben encontrar la forma de detener al asesino antes de que sea demasiado tarde.
Temas
La Cité de la peur es una película satírica que explora temas como el cine, la fama y la violencia. La película es una parodia de las películas de terror de serie B y del Festival de Cannes. La película es también una crítica de la sociedad francesa.
Recepción
La Cité de la peur fue un éxito comercial y de crítica desde su estreno. La película fue elogiada por su humor, su sátira y su retrato de la sociedad francesa.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Alain Berberian.
- La película está protagonizada por Chantal Lauby, Alain Chabat y Dominique Farrugia.
- La película se rodó en Cannes, Francia.
- La película fue nominada a dos Premios César: Mejor Película y Mejor Guión Original.
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Es ya una película de culto intemporal que no necesita presentación en el ámbito de la comedia francesa. Sus numerosas escenas de culto que no han envejecido desde su estreno en 1994 están servidas por la banda de Dummies que se encuentran en compañía de un asesino de proyeccionistas en pleno festival de cine de Cannes. Uno de los papeles más divertidos que ha interpretado Gérard Darmon.
El RoyaI Tenenbaum (2001)
Es una comedia estadounidense de 2001 dirigida por Wes Anderson. La película es una comedia dramática que sigue la historia de los Tenenbaum, una familia de intelectuales y excéntricos de Nueva York.
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La película gira en torno a Royal Tenenbaum (interpretado por Gene Hackman), un padre que traicionó y abandonó a su familia años atrás, y que ahora intenta reconciliarse con sus hijos, Chas (interpretado por Ben Stiller), Margot (interpretada por Gwyneth Paltrow) y Richie (interpretado por Luke Wilson).
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La película fue aclamada por la crítica por su brillante guión, sus excelentes interpretaciones y la visionaria dirección de Anderson. La película fue nominada al Oscar al mejor guión original. La película está considerada una de las mejores de Wes Anderson y un clásico moderno del cine independiente estadounidense.
Gwyneth Paltrow, Luke Wilson y Ben Stiller interpretan a los hermanos, que se mueven en un escenario típicamente de Anderson, con rasgos hiperestilizados y tonos pastel. El guión contiene muchas buenas ideas, sin embargo es la desafortunada narrativa sobre el amor y la insatisfacción lo que da a la película su magia.
Festival de Cannes (2001)
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Cannes, 1999. Alice, actriz, quiere dirigir una película independiente y busca financiadores. Conoce a Kaz, un locuaz hombre de negocios, que le promete 3 millones de dólares si utiliza a Millie, una estrella francesa que ha pasado su juventud y ya no encuentra papeles interesantes.
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El popular cineasta independiente Henry Jaglom, poco conocido en Europa, rueda una comedia sentimental con gran libertad estilística, que parece un documental y se centra en las interpretaciones de los actores con un método de improvisación espontáneo y fluido, inspirado en el cine de Cassavetes.
Festival de Cannes
Amélie (2001)
Amélie (2001) es una película de 2001 escrita y dirigida por Jean-Pierre Jeunet. La película está protagonizada por Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Dominique Pinon, Rufus, Jamel Debbouze, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Clotilde Mollet, Claire Maurier, Isabelle Nanty, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou, Michel Robin, André Dussollier.
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Amélie Poulain es una joven que vive en Montmartre, París. Es soñadora y romántica, con una visión única del mundo. Amélie pasa los días observando a la gente que la rodea e imaginando cómo podría mejorar sus vidas.
Un día, Amélie descubre una caja en el desván. La caja está llena de recuerdos de la infancia de un niño que murió hace muchos años. Amélie decide encontrar al niño y devolverle la caja. Esta acción la inspira para empezar a ayudar a los demás de forma más concreta.
Amélie comienza a realizar pequeños actos de bondad con la gente que encuentra. Por ejemplo, ayuda a un ciego a encontrar su butaca favorita en el cine, asiste a un hombre a redescubrir su amor perdido y ayuda a un grupo de ancianos a cumplir su sueño de ver el mar.
A través de estas acciones, Amélie empieza a cambiar la vida de los que la rodean, y su propia vida empieza a cambiar también.
Recepción
Amélie fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su originalidad, frescura y dirección.
Análisis
Amélie es una película que explora temas como la bondad, el amor y el poder de los sueños. La película es una comedia romántica, pero también una película que invita a la reflexión.
La película muestra cómo la bondad puede tener un impacto positivo en las personas y en el mundo. Amélie es un personaje que encarna la bondad. Siempre está dispuesta a ayudar a los demás, aunque no los conozca.
La película también ilustra cómo el amor puede ser una fuerza poderosa. Amélie busca el amor y lo encuentra de forma inesperada.
La película es también una celebración del poder de los sueños. Amélie es una soñadora, y sus sueños la impulsan a cambiar el mundo.
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Amélie es un clásico del cine moderno. Es una película que sigue siendo apreciada por el público actual.
La película está bien elaborada y cuenta con interpretaciones magistrales del reparto. Audrey Tautou está perfecta en el papel de Amélie, y su interpretación es uno de los puntos fuertes de la película.
La película también invita a la reflexión, demostrando cómo la bondad, el amor y los sueños pueden tener un impacto positivo en la vida de las personas.
Kolja (1996)
Kolja (en checo: Kolja) es una película dramática checa de 1996 escrita y dirigida por Jan Svěrák, basada en una historia de Pavel Taussig. La película está protagonizada por el padre del director, Zdeněk Svěrák, en el papel principal de un soltero de mediana edad que se ve obligado a cuidar de un niño de cinco años llamado Kolja. La película ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la 70ª edición de los premios de la Academia de 1998.
Parcela
František Louka, un checo de mediana edad dedicado a la soltería y a la búsqueda de mujeres, es un concertista de violonchelo que lucha por ganarse la vida tocando funerales en los crematorios de Praga. Un día, se le acerca una mujer que dice ser la madre de un niño de cinco años llamado Kolja. Le pide a František que se haga pasar por el padre de Kolja para obtener un visado que le permita emigrar a Alemania. A cambio, promete pagarle una gran suma de dinero.
František acepta a regañadientes y Kolja no tarda en vivir con él en su estrecho apartamento de Praga. Al principio, František se siente abrumado por la responsabilidad de cuidar a un niño, pero poco a poco empieza a desarrollar un vínculo con Kolja. Aprende a disfrutar de la compañía de Kolja y se complace en enseñarle el mundo.
Temas
- La película explora los temas de la paternidad, la familia y el amor.
- También examina los cambios sociales y políticos que se estaban produciendo en la República Checa en la década de 1990.
Recepción crítica
Kolja fue un éxito comercial y de crítica. Ganó numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. La película fue elogiada por su conmovedora historia, sus interpretaciones y su dirección.
Premios
- Oscar a la mejor película de habla no inglesa (1998)
- Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera (1998)
- Premio del Cine Europeo al mejor actor (Zdeněk Svěrák) (1997)
- Premio del Cine Checo a la mejor película (1996)
Trivia
- La película se rodó en Praga, República Checa.
- La película se tituló originalmente Život s Koljou (La vida con Kolja).
- La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de 20 millones de dólares en todo el mundo.
El día de los chiflados (2002)
Day of the Wacko fue un éxito comercial y de crítica en Polonia. Fue elogiada por su retrato realista de la vida cotidiana y su humor negro. La película también fue un éxito en otros países, como Hungría, la República Checa y Eslovaquia.
Premios y nominaciones
- Festival de Cine Polaco: Mejor Actor (Marek Kondrat), Mejor Guión (Marek Koterski), Mejor Director (Marek Koterski), Mejor Película (Marek Koterski)
- Camerimage: Mejor fotografía (Piotr Wojcik)
- Festival de Cine Húngaro: Mejor película extranjera
Legado
Day of the Wacko está considerada una de las películas polacas más importantes de la década de 2000. Ha sido elogiada por su retrato honesto e inquebrantable de la naturaleza humana. La película también ha contribuido a popularizar el cine polaco en otros países.
Trivia
- La película se basa en las propias experiencias de Koterski como profesor.
- La película se rodó en sólo 26 días.
- La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de un millón de dólares en Polonia.
- La película se ha rehecho en otros países, como Hungría, la República Checa y Eslovaquia.
God Forbid a Worse Thing Should Happen (2002)
God Forbid a Worse Thing Should Happen es una película croata de 2002 dirigida por Snježana Tribuson y protagonizada por Luka Dragić, Mirjana Rogina, Ivo Gregurević, Goran Navojec, Semka Sokolović-Bertok, Bojan Navojec, Borko Perić y Dora Fišter. Es una historia de madurez sobre un joven llamado Frula que vive en un pequeño pueblo de Croacia en los años sesenta.
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Frula es un niño curioso e imaginativo al que le fascina el mundo que le rodea. También es un poco alborotador y suele hacer travesuras con sus amigos.
A medida que Frula crece, empieza a experimentar las primeras punzadas del amor. Se enamora de una chica llamada Hana y está decidido a conquistar su corazón.
Sin embargo, la vida de Frula no está exenta de desafíos. Procede de una familia pobre y lucha por encajar con los demás niños de la escuela. También sufre el acoso de un grupo de chicos mayores.
A pesar de los retos a los que se enfrenta, Frula nunca pierde su sentido de la esperanza y el optimismo. Siempre busca lo bueno en el mundo y cree que todo es posible.
God Forbid a Worse Thing Should Happen es una película conmovedora y nostálgica sobre las alegrías y los retos de crecer. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.
Premios y nominaciones
- Festival de Cine de Pula: Mejor director (Snježana Tribuson), Mejor actor (Luka Dragić), Mejor actriz de reparto (Mirjana Rogina), Mejor fotografía (Goran Trbuljak), Mejor música (Darko Rundek).
- Festival Internacional de Cine de Tokio: Gran Premio
Primer bocado (2006)
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Gus es un hombre apuesto que trabaja como cocinero en un restaurante oriental de Montreal. Su jefe le envía a una remota isla de Tailandia para que conozca a un maestro de la cocina zen y mejore la calidad de sus platos. Allí conoce a una misteriosa mujer llamada Lake que vive en una cueva y le informa de que el maestro de cocina zen ha muerto.
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First Bite es una película independiente canadiense muy original que cruza diferentes géneros cinematográficos en su narración, pasando repentinamente del romanticismo al suspense y al terror. Entre misticismo, magia negra, historias de amor e islas tropicales, Primo bite es la odisea de un hombre que permanece prisionero en una trampa de la que ya no puede escapar, perdido entre pasiones y comidas exóticas.
Sueños de Hollywood (2007)
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Margie Chizek (Tanna Frederick), una aspirante a actriz de Iowa, se traslada a Los Ángeles para perseguir su sueño de triunfar en Hollywood. Pronto descubre que la industria es dura y que ella es sólo una de las muchas actrices con talento que luchan por hacerse notar.
Margie conoce a Robin Mack (Justin Kirk), un joven y prometedor actor que también lucha por hacerse un nombre. Se enamoran, pero su relación se complica por las presiones de sus carreras.
Al final, Margie consigue su gran oportunidad al ser elegida para el reparto de una gran película. Sin embargo, el éxito con el que siempre ha soñado tiene un precio. Se ve obligada a hacer concesiones con las que no se siente cómoda y empieza a cuestionarse si quiere formar parte de Hollywood.
Temas
Hollywood Dreams explora temas como la persecución de los sueños, el precio de la fama y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo. Es un cuento con moraleja sobre el lado oscuro de Hollywood, pero también celebra el poder de los sueños y la resistencia del espíritu humano.
Recepción
Hollywood Dreams fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su guión y su dirección. La película también fue elogiada por su retrato honesto y realista de la experiencia de Hollywood.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita y dirigida por Henry Jaglom.
- La película está protagonizada por Tanna Frederick, Justin Kirk, David Proval, Karen Black, Eric Roberts y Seymour Cassel.
- La película se rodó en Los Ángeles, California.
- La película fue nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance.
Consulte
Sueños de Hollywood es una película bien hecha y perspicaz que sin duda resonará en cualquiera que haya soñado alguna vez con triunfar en Hollywood. Es una película imprescindible para los aficionados al cine independiente y para quienes se interesan por el lado oscuro de la industria del entretenimiento. Hollywood Dreams engancha al público con la extraordinaria interpretación de Tanna Frederick y su personaje de actriz atormentada y mentalmente inestable.
La hora mágica (2008)
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Noboru Bingo, un gángster de poca monta, se mete en problemas con su jefe y se ve obligado a buscar a un legendario asesino a sueldo llamado Della Togashi. Sin embargo, Della Togashi es en realidad un mito, y Bingo está desesperado por encontrar a alguien que interprete el papel. Recluta a Taiki Murata, un actor en apuros, y le convence de que se le está brindando la oportunidad de su vida para protagonizar una gran película de gángsters.
Taiki viaja a la ciudad portuaria de Sucago, donde debe reunirse con Della Togashi. Sin embargo, pronto se da cuenta de que se ha visto envuelto en una auténtica guerra de bandas. Mientras intenta adentrarse en el peligroso mundo de los gángsters y los asesinos, Taiki debe enfrentarse también a sus propias dudas e inseguridades.
Temas
- Identidad
- Propósito
- El poder de contar historias
Recepción crítica
La hora mágica fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su agudo comentario social y sus interpretaciones, especialmente las de Satoshi Tsumabuki y Koichi Sato.
Premios
- Premio de la Academia Japonesa al Mejor Actor Secundario (Koichi Sato)
Información complementaria
- Director: Kōki Mitani
- Guión: Kōki Mitani, Minami Ichikawa, Kenji Shimizu
- Reparto: Satoshi Tsumabuki, Koichi Sato, Eri Fukatsu, Toshiyuki Nishida
- Duración: 126 minutos
- Fecha de lanzamiento: 7 de junio de 2008 (Japón)
Persiguiendo mariposas (2009)
Persiguiendo mariposas es una comedia dramática independiente de 2009 escrita y dirigida por Rod Bingaman.
Parcela
Nina (Amy Brienes), una joven a punto de casarse, decide abandonar su boda y marcharse en coche. Acaba conociendo y haciéndose amiga de Thomas (Matt Loney), un adolescente problemático que también huye de su vida. Juntos emprenden un viaje por carretera a través del país, en busca de sí mismos y de su lugar en el mundo.
Temas
Chasing Butterflies explora temas como el autodescubrimiento, la libertad y la importancia de la conexión humana. Es una historia sobre dos personas que están perdidas y tratan de encontrar su camino, y en última instancia celebra el poder transformador de la amistad y el amor.
Recepción
Chasing Butterflies fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su guión y su dirección. La película también fue elogiada por su retrato honesto y realista de la juventud.
Comentario
Persiguiendo mariposas es una película bien hecha y perspicaz que sin duda resonará en cualquiera que se haya sentido perdido o solo alguna vez. Es una película imprescindible para los aficionados al cine independiente y para quienes se interesan por las historias sobre la mayoría de edad.
Detalles adicionales:
La película fue escrita y dirigida por Rod Bingaman. La película está protagonizada por Amy Brienes, Matt Loney, Maria Cellario y Eric Walton. La película se rodó en Estados Unidos. La película fue nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Slamdance.
Reina del solar (2010)
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Una tobillera electrónica y el arresto domiciliario no bastan para impedir que la aspirante a actriz Maggie Chase (Tanna Frederick) persiga sus objetivos: hacerse famosa en el mundo del cine y encontrar una relación sentimental. Maggie quiere llegar a protagonizar películas de la máxima calidad y abandonar el mundo del cine de serie B.
Consulte
El director Henry Jaglom parece haber experimentado de primera mano las frustraciones y los absurdos de la industria cinematográfica dominante de Los Ángeles y cómo vampiriza las almas de las personas que la componen. Otra de las cualidades de Jaglom como guionista y director es su capacidad para contar una historia dramática y, al mismo tiempo, amar a sus personajes sin sentimentalismos.
Queen of the Lot es una película independiente con un estilo claramente reconocible de un autor fuera de la caja y la banalidad del cine comercial. Tanna Frederick vuelve a ser una actriz apasionada y con talento al servicio de Jaglom.
Tournee (2010)
Tournee es una película de 2010 dirigida por Mathieu Amalric. La película cuenta la historia de Joachim, un antiguo productor de televisión parisino que se traslada a Estados Unidos para hacer realidad un sueño de juventud: crear un grupo de burlesque.
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Joachim es un antiguo productor de televisión desilusionado que se traslada a Estados Unidos para perseguir su sueño infantil de crear una compañía de burlesque.
Un día, Joachim conoce a un grupo de mujeres que representan un espectáculo de burlesque. Inmediatamente queda cautivado por el burlesque y decide crear su propia compañía.
Joachim empieza a reclutar bailarinas para su compañía. Las mujeres proceden de todo el mundo y tienen historias diferentes, pero a todas las une su pasión por el burlesque.
Joachim y los bailarines se embarcan en una gira por Estados Unidos. Durante la gira, los bailarines actúan en diversos espectáculos y conocen a gente de toda condición.
Temas
Tournee explora temas como el autodescubrimiento, la pasión y el poder del arte. La película es una celebración de la belleza y la sensualidad del burlesque.
Recepción
Tournee fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento. Fue elogiada por sus interpretaciones, su guión y su dirección.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Mathieu Amalric.
- La película está protagonizada por Mathieu Amalric, Lola Dueñas, Mélanie Bernier y Laetitia Casta.
- La película se rodó en varios lugares de Estados Unidos.
Consulte
Inspirado en el cine independiente estadounidense de los años 70 de John Cassavetes. El protagonista es interpretado por el propio director, que demuestra ser un actor de alto nivel. Presentada en el Festival de Cannes de 2010, donde ganó el premio Fipresci y el premio al mejor director. Una película muy interesante, que no hay que perderse.
Comida china para llevar (2011)
Chinese Take-Away (2011) es una película argentina dirigida por Sebastián Borensztein. Está protagonizada por Ricardo Darín en el papel de Roberto, un ferretero gruñón y misántropo que vive en Buenos Aires. Un día, la vida de Roberto da un vuelco cuando conoce a Jun, un chino que ha llegado a Argentina en busca de su tío. Jun no habla español, pero Roberto acepta que se quede con él.
La película explora los temas de la amistad, la aceptación y el poder del amor. Es una historia conmovedora y divertida sobre dos amigos improbables que aprenden a ver el mundo de una manera nueva.
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Roberto es un hombre de 50 años que vive solo en Buenos Aires desde hace muchos años. Es un hombre gruñón y misántropo que ha renunciado al amor y a la amistad. Un día, Roberto está leyendo el periódico cuando ve una noticia sobre una vaca que cayó del cielo en China y mató a una joven. A Roberto le intriga la historia y empieza a preguntarse qué más podría caer del cielo.
Al día siguiente, Roberto está trabajando en su ferretería cuando ve a un hombre fuera. El hombre es chino y no habla español. Roberto intenta comunicarse con él, pero el hombre no le entiende. Roberto está a punto de darse por vencido cuando se da cuenta de que el hombre está buscando a su tío.
Roberto acepta que el hombre se quede con él hasta que encuentre a su tío. El hombre, que se llama Jun, es amable y gentil. También siente gran curiosidad por Argentina y su cultura. Al principio, Roberto se muestra reacio a que Jun se quede con él, pero acaba cayéndole bien.
Recepción
Chinese Take-Away fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su humor, su conmovedora historia y sus interpretaciones. Fue nominada a varios premios, incluido el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
Consulte
Chinese Take-Away es una película conmovedora y divertida que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto. Es una historia sobre el poder de la amistad, la aceptación y la importancia de ver el mundo a través de los ojos de otra persona.
La película está bien hecha y bien interpretada. Ricardo Darín está excelente como Roberto, e Ignacio Huang es encantador como Jun. La película también está muy bien rodada, con una atmósfera cálida y acogedora.
Curiosidades
- La película se rodó en Buenos Aires, Argentina.
- La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2011.
- La película ganó el premio a la mejor película en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 2011.
Thelma, Louise et Chantal (2012)
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Chantal (Catherine Jacob), Gabrielle (Caroline Cellier) y Nelly (Jane Birkin) son tres amigas que atraviesan diferentes etapas de sus vidas. Chantal es un ama de casa cansada de su rutina, Gabrielle es una abogada que lucha con su carrera y Nelly es una viuda que intenta encontrar su lugar en el mundo.
Las tres mujeres deciden hacer un viaje por carretera a La Rochelle para asistir a la boda de un ex novio de Gabrielle. Por el camino, viven una serie de desventuras que les obligan a enfrentarse a sus propias vidas y a tomar algunas decisiones difíciles.
Temas
Thelma, Louise et Chantal explora temas como la amistad, el amor y el autodescubrimiento. La película es una mirada desenfadada y humorística a la vida de tres mujeres que intentan encontrar su camino en el mundo.
Recepción
Thelma, Louise et Chantal fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su guión y su dirección. La película también fue elogiada por su retrato honesto y realista de las mujeres de mediana edad.
Comentario
Thelma, Louise et Chantal es una película bien hecha y entretenida que sin duda gustará a público de todas las edades. La película es una cita ineludible para los aficionados al cine francés y para quienes se interesan por las historias sobre la amistad femenina.
Más información
- La película fue escrita y dirigida por Claude Pinoteau.
- La película está protagonizada por Catherine Jacob, Caroline Cellier y Jane Birkin.
- La película se rodó en Francia.
- La película fue nominada a dos Premios César: Mejor actriz (Catherine Jacob) y Mejor actriz de reparto (Caroline Cellier).
Storie pazzesche (2014)
Relatos salvajes (2014) es una película argentina dirigida por Damián Szifrón y coproducida por Agustín Almodóvar y Pedro Almodóvar. Fue nominada a la mejor película de habla no inglesa en la 87ª edición de los Óscar.
La película se compone de seis historias diferentes, cada una de las cuales explora el tema de la violencia y la venganza. Las historias están interconectadas por un único hilo conductor: un hombre que muere atropellado por un coche.
El primer relato, titulado «El ejecutor», cuenta la historia de un hombre que es atropellado por un coche conducido por un chico de familia adinerada. El padre del chico ofrece una gran suma de dinero al jardinero de la familia para que asuma la culpa del accidente. El jardinero acepta, pero empieza a ser perseguido por el fantasma del hombre al que mató.
El segundo relato, titulado «La venganza de la novia», cuenta la historia de una mujer que es abandonada en el altar por su marido. La mujer decide vengarse de su marido haciendo que le despidan del trabajo y arruinando su reputación.
El tercer relato, titulado «El atraco», cuenta la historia de un hombre que es atracado por un grupo de delincuentes. El hombre decide vengarse de los criminales matándolos uno a uno.
El cuarto relato, titulado «El partido de fútbol», cuenta la historia de un hombre que es atacado por un grupo de aficionados al fútbol. El hombre decide vengarse de los aficionados matándolos durante un partido de fútbol.
El quinto relato, titulado «La estafa», cuenta la historia de un hombre que es estafado por un grupo de delincuentes. El hombre decide vengarse de los criminales violando a su hija.
El sexto relato, titulado «El fantasma», cuenta la historia de un hombre que es asesinado por un grupo de delincuentes. El fantasma del hombre empieza a perseguir a los criminales, obligándoles a confesar su crimen.
Recepción
Relatos salvajes fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su guión, dirección e interpretaciones. Fue nominada a la mejor película de habla no inglesa en la 87ª edición de los Óscar.
Consulte
Relatos salvajes es una película satírica e irónica que explora el tema de la violencia de forma original y provocadora. La película muestra cómo la violencia puede tener consecuencias trágicas e irreversibles, pero lo hace de forma divertida y atractiva.
Curiosidades
- La película se rodó en Argentina en sólo 22 días.
- El director Damián Szifrón ha declarado que la película se inspira en una historia real.
- La película tuvo un remake estadounidense en 2019, titulado «6 Underground».
El ciudadano distinguido (2016)
El ciudadano ilustre (2016) es una película argentino-española dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn. Está protagonizada por Óscar Martínez en el papel de Daniel Mantovani, un novelista ganador del Premio Nobel que regresa a su pueblo natal en Argentina tras décadas viviendo en el extranjero.
Parcela
La película cuenta la historia de Daniel Mantovani, un novelista ganador del Premio Nobel que vive en Europa durante décadas. Mantovani regresa a su ciudad natal, Salas, en Argentina, para recibir un premio.
Mantovani es un hombre complejo y contradictorio. Es un gran escritor, pero también es arrogante y egocéntrico. También está desconectado de su ciudad natal y de su gente.
La película es un retrato de la difícil relación entre Mantovani y su ciudad natal. Mantovani es constantemente cuestionado y criticado por la gente que conoce. Se ve obligado a enfrentarse a sus propios prejuicios y suposiciones.
Recepción
El Ciudadano Ilustre fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus interpretaciones, dirección y guión. Fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa y al BAFTA a la mejor película de habla no inglesa.
Consulte
El ciudadano ilustre es una película bien hecha y que invita a la reflexión. Es un retrato complejo y lleno de matices de un hombre que intenta encontrar su lugar en el mundo.
La película es elogiada por sus interpretaciones, especialmente la de Oscar Martínez, que interpreta a Mantovani con gran maestría. Martínez consigue que el personaje de Mantovani sea a la vez encantador y repulsivo, inteligente y arrogante.
La dirección de Gastón Duprat y Mariano Cohn es impecable. La película está rodada con gran cuidado y atención al detalle. El guión, escrito por Andrés Duprat, es inteligente y perspicaz.
Curiosidades
- La película se rodó en Argentina en sólo 22 días.
- El director Gastón Duprat ha declarado que la película se inspira en una historia real.
El día más hermoso (2017)
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Andi es una pianista ingresada en una clínica de fibrosis pulmonar, a la espera de un donante para un trasplante que puede no llegar a tiempo. Benno es un ladrón hospitalizado en la misma clínica por un tumor cerebral y el diagnóstico le deja poco tiempo de vida. Benno consigue convencer a la tímida Andi para que le siga en su loca idea: huir de la clínica donde están hospitalizados y encontrar algo de dinero para hacer un viaje a África y vivir el mejor día de sus vidas.
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Un viaje por carretera a bordo de una autocaravana que atraviesa el sur de África, de Mombasa a Ciudad del Cabo. Un viaje que se convierte en metáfora del sentido de la vida. El día más hermoso elige el tono de la comedia para contar un tema dramático como el de la muerte y la enfermedad terminal, encontrando un equilibrio en la interpretación de los dos protagonistas que nunca acaba en patetismo.
El astronauta (2018)
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The Astronot sigue el viaje de Daniel McKovsky, un alma errante y perdida que ha pasado los últimos 30 años de su vida solo, contemplando las estrellas a través de su fiel telescopio de latón. Los recuerdos de la desaparición de su padre durante la Segunda Guerra Mundial atormentan la mente de Daniel, que sigue buscando un propósito en la vida. Al crecer sin su madre y abandonado a su suerte en los bosques del centro de Oregón, Daniel sueña con convertirse en astronauta y explorar los vastos confines desconocidos del espacio. Sin embargo, no pierde de vista la ironía de su situación, ya que sigue atrapado en su mundo aislado.
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The Astronot es una comedia romántica con estética vintage que transcurre en una remota zona rural de Estados Unidos. A pesar de su tono desenfadado, la película explora los retos que puede plantear la vida y el impacto que tienen en el viaje de Daniel. Sus trágicas experiencias crean una profunda empatía con el público, que es testigo de cómo un personaje divertido y entrañable lucha por encontrar su lugar en el mundo. Con su mezcla de humor y drama, The Astronot es una película única y cautivadora que dejará a los espectadores apoyando el éxito de Daniel.
Vida lenta (2021)
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Lino Stella (Alessandro Macaluso) es un empleado insatisfecho de la biblioteca municipal que sueña con una vida más relajada y creativa. Tras una serie de acontecimientos estresantes, Lino decide tomarse un periodo de excedencia en su trabajo y dedicarse a su pasión por dibujar cómics. Sin embargo, sus planes de retiro tranquilo se ven interrumpidos por una serie de molestas interrupciones de sus vecinos, el administrador del edificio, el cartero, un guardia de seguridad, un agente inmobiliario y la gatera del piso de abajo.
Temas
Slow Life explora temas como el escapismo, la búsqueda de la felicidad y los retos de encontrar el equilibrio en un mundo acelerado. La película describe con humor la lucha de Lino por mantener su recién descubierta tranquilidad en medio del caos de la vida cotidiana.
Más información
- La película fue dirigida por Fabio Del Greco.
- La película está protagonizada por Fabio Del Greco, Rimi Beqiri, Chiara Pavoni, Mariagrazia Casagrande y Roberto Pensa.
- La película se rodó en Ostia, Italia.
Una comedia muy negra y surrealista del director Fabio del Greco, que adquiere tintes de thriller y terror al final. El tema es el que viven los ciudadanos cada día en su propia piel: la persecución del Estado, los impuestos, las normas de condominio, la burocracia que nos aplasta como individuos.
Una película independiente anárquica y ambiciosa que nos lleva a reflexionar sobre cómo el ser humano se reduce a la rueda de un engranaje. Un engranaje al que no le interesan su felicidad ni su dignidad. Para ver absolutamente.
El Palacio (2023)
El palacio es una película de comedia negra de 2023 dirigida por Roman Polanski, que coescribió el guión con Jerzy Skolimowski y Ewa Piaskowska. La película está ambientada en la Nochevieja de 1999 en un lujoso hotel suizo, donde se entrecruzan las vidas de los trabajadores del hotel y de varios huéspedes.
La sátira de la clase alta
La película es una sátira de la clase alta, retratada como un mundo de lujo, frivolidad e hipocresía. Los huéspedes del hotel son retratados como personas superficiales y egoístas, más interesadas en su propio bienestar que en el de los demás. Su existencia es de excesos y ostentación, que contrasta con la violencia y brutalidad del grupo de hombres armados.
La relación entre la protagonista y su hija
La película también explora la relación entre la protagonista, una mujer anónima que trabaja como camarera en el hotel, y su hija, que es una de las huéspedes. La relación entre ambos es difícil y conflictiva, pero la situación de los rehenes les obligará a acercarse.
El final sorpresa
La película termina con un final sorprendente, que deja al espectador con una reflexión sobre la naturaleza humana. La película sugiere que incluso las personas más frágiles y vulnerables pueden ser capaces de actos de valor y resistencia.
He aquí algunos detalles adicionales que he añadido a la descripción:
- El contexto histórico: La película está ambientada en la Nochevieja de 1999, un momento de gran esperanza y expectación por el futuro. Sin embargo, la llegada del grupo de hombres armados simboliza la violencia y la incertidumbre que caracterizan al mundo real.
- Los temas: La película explora temas como el absurdo de la clase alta, la naturaleza humana, el fin del milenio y la violencia.
- La dirección: Roman Polanski dirige la película con maestría, creando una atmósfera de suspense y tensión. Las escenas de los rehenes están especialmente bien realizadas y consiguen transmitir una sensación de claustrofobia y peligro.
- Las interpretaciones: El reparto de la película es sólido, con una excelente interpretación de Oliver Masucci como el líder del grupo de hombres armados.
Conclusión
El Palacio es una película compleja y significativa. Es una película que puede interpretarse de diferentes maneras y que puede dejar huella en el espectador.
El libro de las soluciones es una comedia dramática francesa de 2022 escrita y dirigida por Michel Gondry. Está protagonizada por Pierre Niney, Blanche Gardin y André Dussollier. La película cuenta la historia de Marc, un joven cineasta independiente frustrado con su carrera. Tras discutir con su productor, Marc decide huir al campo con el metraje de su última película para terminar el trabajo de forma independiente.
Parcela
Marc es un cineasta independiente que siempre ha tenido dificultades para hacerse un nombre en el mundo del cine. Sus películas suelen ser aclamadas por la crítica, pero no encuentran público. Marc está frustrado con su trabajo y con la industria del cine.
Un día, Marc tiene una idea: decide huir al campo con el metraje de su última película para terminar el trabajo de forma independiente. Marc espera que, libre de las presiones del productor, pueda por fin hacer la película con la que siempre ha soñado.
En el campo, Marc conoce a una joven llamada Alice. Alice es músico y tiene un pequeño estudio de grabación. Marc y Alice se enamoran y empiezan a trabajar juntos en la película.
Con la ayuda de Alice, Marc empieza a ver su película bajo una nueva luz. Empieza a comprender que la película no es sólo un producto comercial, sino también una expresión de su creatividad.
Recepción crítica
El Libro de las Soluciones fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su original historia, sus interpretaciones y la dirección de Gondry.
Trivia
- La película se rodó en Francia, concretamente en la región de Luberon.
- El título original de la película es Le livre des solutions.
- La película fue producida por Luc Besson.
Reflexiones adicionales
El libro de las soluciones es una película personal para Gondry, que ha hablado de sus propias luchas como cineasta independiente. La película es también un reflejo del estilo visual único de Gondry, que se muestra en todo su esplendor en las imágenes caprichosas y fantásticas de la película.
El mensaje de libertad creativa de la película tiene especial resonancia en el mundo actual, donde los artistas se enfrentan a menudo a las presiones del comercialismo y el conformismo. El Libro de las Soluciones es un recordatorio de que el arte es más poderoso cuando se crea desde la autenticidad y la pasión.