Historias de amor, relaciones apasionadas, sentimientos y emociones. El género romántico es una tendencia inagotable que ha producido tantas películas para ver en la historia del cine. Las películas románticas se centran en las historias de amor de los protagonistas, relatando el deseo fundamental de todo ser: amar y ser amado. La búsqueda del amor en el viaje de la vida puede ser una de las búsquedas más complejas y apasionantes a las que se enfrenta cualquier persona.
Los conflictos y los enemigos y obstáculos a los que se enfrentan los protagonistas de las películas románticas son muy diferentes de los de otros géneros cinematográficos. Pueden ser conflictos internos como la discriminación racial o religiosa, problemas con la mentalidad tradicional y retrógrada de la familia de origen, problemas psicológicos que impiden que el amor entre en la propia vida. O pueden ser problemas externos y materiales, como dificultades económicas que envenenan la relación, un problema de salud, tentaciones sexuales y traiciones ajenas a la pareja.
Otro obstáculo importante que se encuentra a medio camino entre el mundo interior y la realidad exterior es la incompatibilidad de la pareja. De hecho, los malentendidos y las peleas suelen producirse por causas externas, pero tienen una raíz interna. A veces, la resolución del conflicto llega cuando uno de los miembros de la pareja cambia su visión personal del otro y de las cosas que han sucedido. Sin embargo, el principal enemigo, tanto en las historias de amor reales como en las películas, es la soledad. O quizá sea mejor definirlo como aislamiento: la falta de comunión con otra persona que nos haga sentirnos uno con el mundo.
Los subgéneros del cine romántico
Los temas más frecuentes en las películas románticas son el amor a primera vista, el amor entre personas con una gran diferencia de edad y el amor entre personas del mismo sexo. El amor no correspondido, la pasión amorosa obsesiva y destructiva que a menudo puede dar lugar al subgénero del drama romántico. El romance trágico, el amor autodestructivo y el amor que requiere un sacrificio extremo son temas de la película de drama romántico.
En algunos casos, el subgénero de las películas de drama romántico puede generar otro subgénero, que podríamos definir como películas románticas lloronas. Un tipo de película que recorre gran parte de la historia del cine: desde los melodramas sentimentales de los años 30 hasta nuestros días. La habilidad del director y del guionista para evocar emociones tristes hasta las lágrimas no es algo común: a veces es el resultado de un artificio bien construido, otras veces es la autenticidad de la vida real que el director ha sabido transmitir en la película.
Películas de drama romántico
El drama romántico es el pilar del género cinematográfico romántico. Este subgénero es el que ofrece mayores perspectivas a guionistas y directores porque es más rico en conflictos. Suelen ser las películas románticas las que hacen llorar a más público de ambos sexos. Relaciones extramatrimoniales Las escenas de sexo y los engaños son los ingredientes principales de las películas de drama romántico. La banda sonora se utiliza a menudo de forma más dramática que en las películas de comedia, enfatizando los intensos estados emocionales de los protagonistas.
El aislamiento y las dificultades a las que debe enfrentarse la pareja suelen adquirir matices más extremos y no faltan escenas extremadamente dramáticas. A menudo, las películas de drama romántico, aunque sugieran un final feliz, no lo muestran directamente al final de la película. Crest al público la posibilidad de interpretar la evolución de la historia.
Películas románticas para mujeres
Las películas románticas para mujeres adoptan una visión del mundo típicamente femenina. La protagonista es una mujer y el espectador experimenta sus tormentos y sus alegrías amorosas a través de un punto de vista femenino. Podríamos asociar la película romántica femenina con lo que en literatura se llama un romance.
La trama se centra principalmente en vicisitudes sentimentales, pero no explora los territorios del drama puro, como en las películas de drama romántico. Aunque hay momentos en la historia en los que el conflicto al que se enfrenta el protagonista puede ser dramático, suele quedarse anclado en sucesos sentimentales y eróticos, y no amplía el radio de acción a otros acontecimientos.
Películas de comedia romántica
Las comedias románticas, en cambio, exploran las vicisitudes sentimentales y amorosas de los protagonistas con un tono más ligero y desenfadado. Casi nunca hay escenas dramáticas y si las hay se suavizan con ironía. En algunos casos, el acontecimiento dramático se convierte en fuente de comedia.
Thriller romántico
Las películas de suspense romántico son un subgénero de las películas románticas en las que se inserta el elemento de suspense e intriga. La historia de amor se mezcla entonces con acontecimientos dramáticos y violentos, como misterios y asesinatos. En algunos casos prevalece claramente el elemento de thriller, como en la obra maestra de Alfred Hitchcock La mujer que vivió dos veces. A pesar de ser una película con un fuerte componente romántico y pasional, sigue siendo ante todo una película del maestro del género de suspense, en la que el elemento misterioso y la intriga representan la parte más importante de la historia. En las películas, como en El fantasma de la ópera y El turista, la historia de amor representa la historia principal, mientras que tiene como trama secundaria los elementos típicos del género de suspense y misterio.
Películas románticas para adolescentes
Las películas románticas para adolescentes, por su parte, tienen a adolescentes como protagonistas. Sus relaciones amorosas suelen estar ligadas al grupo social al que pertenecen, a la escuela y a la familia. En estas historias casi siempre están presentes las figuras de los padres, los profesores o las autoridades en general.
Personajes que crean obstáculos y malentendidos con los sentimientos de los protagonistas. Las películas románticas para adolescentes suelen tener mucho público entre los más jóvenes. Rara vez utilizan el estilo de las películas de arte y ensayo, sino que emplean un lenguaje más estándar, típico de las películas comerciales.
Películas románticas
Aquí tienes una selección de las mejores películas románticas que puedes ver inmediatamente en streaming. Estrictamente en orden cronológico.
Corazón fiel (1923)
Corazón fiel (Cœur fidèle, 1923) es una película muda francesa dirigida por Jean Epstein y protagonizada por Marie Bell, Georges Colin y Jean Dasté. Se trata de un melodrama ambientado en Marsella a principios del siglo XX.
Trama
La película sigue la historia de Marie, una joven prometida con Antoine, un marinero. Sin embargo, Marie también se siente atraída por Jean, un pescador que le salvó la vida cuando era niña. Cuando Antoine es enviado a un largo viaje, Marie y Jean comienzan a tener un romance.
Temas
Corazón fiel explora temas como el amor, la traición y el destino. También es un retrato de la vida obrera en Marsella.
Recepción crítica
Corazón fiel fue un éxito comercial y de crítica. Recibió elogios por su dirección, fotografía e interpretaciones. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos.
Obra maestra olvidada del cine impresionista, un emocionante melodrama lleno de experimentación visual. Un teorema filosófico y estilístico brutal. Corazón fiel se desarrolla al aire libre, en espacios reales y de mala reputación como el puerto, la taberna, los suburbios proletarios y de mala reputación, en escenarios naturales en la frontera entre la tierra y el mar.
Atalante (1934)
L’Atalante (1934) es una película francesa dirigida por Jean Vigo. Es la segunda y última película del director, que murió poco antes de terminar la obra.
Trama
La película sigue la historia de Jean, un joven marinero, y Juliette, una joven campesina. Ambos se casan y se embarcan en la gabarra L’Atalante, de la que Jean es capitán. Juliette lucha por adaptarse a la vida a bordo de la barcaza y Jean se ausenta a menudo por motivos de trabajo.
Temas
L’Atalante explora temas como el amor, la soledad, la libertad y la naturaleza. La película es también un retrato de la vida a bordo de una barcaza fluvial francesa.
Recepción crítica
L’Atalante fue un éxito comercial y de crítica. Recibió elogios por su dirección, fotografía e interpretaciones. La película está considerada una de las obras maestras del cine francés.
Una de las más bellas historias de amor de la historia del cine, equilibrada entre la vanguardia surrealista y el realismo poético. Jacques Louis Nounez, productor de la anterior película de Jean Vigo, Cero en conducta, bloqueada por la censura, aceptó producir la segunda película del director, Atalante.
La Bella y la Bestia (1946)
La Bella y la Bestia es una película romántica de 1946 dirigida por el director francés Jean Cocteau. La película es una adaptación del famoso cuento de hadas «La Bella y la Bestia» de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve.
La trama sigue a la joven Bella, interpretada por Josette Day, que es ofrecida en sacrificio por su padre a la misteriosa Bestia, interpretada por Jean Marais, a cambio de la libertad de su padre. Inicialmente asustada por la Bestia, Bella empieza a descubrir su humanidad y bondad bajo su brutal apariencia.
La película fue aclamada por su belleza visual y su combinación de realismo y fantasía. Cocteau utilizó técnicas innovadoras para la época, como el uso de efectos especiales y espejos para crear un mundo mágico y surrealista.
La película también es conocida por su simbolismo, en el que la Bestia representa la parte oscura y reprimida del alma humana, mientras que Bella representa la belleza, el amor y la luz.
La película está considerada un clásico del cine francés y una de las más influyentes y queridas de la historia del cine. Ha inspirado numerosas obras, incluida la película de animación de Disney de 1991 del mismo título.
Carta de una desconocida (1948)
Carta de una desconocida es una película dramática romántica estadounidense de 1948 dirigida por Max Ophüls. La película está basada en la novela homónima de Stefan Zweig, y sigue la historia de Lisa Berndle, una joven que se enamora profundamente de Stefan Brand, un famoso pianista.
La película está protagonizada por Joan Fontaine en el papel de Lisa y Louis Jourdan en el de Stefan. Fontaine recibió una nominación al Oscar a la mejor actriz por su interpretación.
La historia comienza en Viena, Austria, en 1900. Lisa es una joven pobre que vive con su madre. Un día conoce a Stefan, un joven pianista de paso por la ciudad. Los dos se enamoran profundamente, pero Stefan está destinado a marcharse a América para seguir su carrera.
Lisa y Stefan se escriben desde hace tiempo, pero su relación se ve obstaculizada por la distancia y sus respectivas ambiciones. Stefan se convierte en un famoso pianista, pero Lisa se ve obligada a casarse con un hombre rico para poder mantener a su madre enferma.
La película es un melodrama clásico que explora el tema del amor imposible. El director Max Ophüls utiliza su habilidad estética para crear imágenes memorables y atmósferas evocadoras. La actuación de Joan Fontaine es especialmente conmovedora, y su interpretación de Lisa es una de las más memorables de la historia del cine.
Historia de un amor (1950)
Historia de un amor (Cronaca di un amore) es una película dramática italiana de 1950 dirigida por Michelangelo Antonioni y protagonizada por Lucia Bosé, Massimo Girotti y Ferdinando Sarmi. La película ganó el Premio Nastro d’Argento Cinta de Plata a la Mejor Banda Sonora Original (Giovanni Fusco) y la Cinta de Plata Especial (Michelangelo Antonioni) en 1951.
Trama
Paola (Lucia Bosé) es una joven de impresionante belleza casada con un rico industrial de edad avanzada. Cuando su marido empieza a sospechar de su infidelidad, contrata a un detective privado para que investigue su pasado. El detective descubre que Paola tuvo una apasionada aventura con un hombre llamado Guido (Massimo Girotti) justo antes de casarse.
Paola y Guido reavivan su romance y comienzan a tramar la muerte del marido de ella. Sin embargo, sus planes se complican por el creciente sentimiento de culpa de Paola y la creciente obsesión de Guido por ella.
Recepción crítica
La película fue elogiada por la crítica por su elegante dirección, sus complejos personajes y su exploración de la ambigüedad moral. Ha sido calificada de «obra maestra del cine italiano» y de «película inquietante e inolvidable».
Story of a Love Affair es un drama de combustión lenta que construye el suspense gradualmente. La película está bellamente rodada y cuenta con una memorable interpretación de Lucia Bosé. Es una película que permanece en la mente mucho después de que hayan pasado los créditos.
Miss Oyû (1951)
Miss Oyū (お遊さま, Oyū-sama) es una película dramática japonesa de 1951 dirigida por Kenji Mizoguchi. Está basada en la novela de 1932 El cortador de caña (葦刈, Ashikari) de Jun’ichirō Tanizaki. La película está protagonizada por Kinuyo Tanaka en el papel de Oyū Kayukawa, una viuda que cría a su hijo como cabeza de familia de su marido. Nobuko Otowa interpreta a Oshizu, la hermana menor de Oyū, y Yūji Hori a Shinnosuke Seribashi, un joven que es presentado a Oyū como posible pareja matrimonial para Oshizu.
Trama
La película sigue la historia de Oyū, una viuda que cría a su hijo como cabeza de familia de su marido. Oyū es una mujer fuerte e independiente, pero también se siente sola. Se siente atraída por Shinnosuke, pero sabe que no puede casarse con él porque está prometido a su hermana. Oyū convence a Shinnosuke para que se case con Oshizu, pero ella sigue amándolo desde la distancia.
Temas
La película explora temas como el amor, el sacrificio y el deber. También es el retrato de una mujer que se debate entre sus propios deseos y sus responsabilidades para con su familia.
Recepción crítica
Miss Oyū fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por sus interpretaciones, especialmente las de Kinuyo Tanaka y Nobuko Otowa. La película también fue nominada al premio a la mejor película en el Festival de Venecia de 1952.
La dama sin camelias (1953)
La dama sin camelias es una película dramática italiana de 1953 dirigida por Michelangelo Antonioni y protagonizada por Lucia Bosé, Gino Cervi, Andrea Checchi, Ivan Desny, Monica Clay y Alain Cuny. La película está basada en la novela homónima de Alexandre Dumas (fils) y sigue la historia de Clara Manni, una joven que triunfa en el mundo del cine.
La película supuso un punto de inflexión en la carrera de Antonioni, marcando su transición del neorrealismo al cine de observación. La película fue elogiada por la crítica por su elegante dirección, su exploración de la sociedad italiana y la interpretación de Lucia Bosé.
Trama
Clara Manni es una joven que trabaja como dependienta en una tienda de ropa de Roma. Un día conoce a un productor de cine, Ercole Nardi, que la invita a una audición para un papel protagonista en una película. Clara tiene éxito y se convierte rápidamente en una estrella de cine.
Nardi se enamora de Clara y se casa con ella. Sin embargo, su matrimonio es infeliz. Nardi está celoso de la carrera de Clara y la controla constantemente. Clara comienza una relación con otro hombre, Gianni Franchi.
Recepción crítica
La dama sin camelias fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su elegante dirección, su exploración de la sociedad italiana y su interpretación de Lucia Bosé. La película fue calificada de «obra maestra del cine italiano» y «película poderosa y conmovedora».
Escándalo en Sorrento (1955)
Escándalo en Sorrento es una película de comedia romántica de 1955 dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio De Sica, Gina Lollobrigida y Virna Lisi.
La trama de la película se desarrolla en un pequeño pueblo del sur de Italia durante la posguerra. Vittorio De Sica interpreta al mariscal Antonio Carotenuto, un hombre muy respetado en el pueblo pero con fama de mujeriego. Tras la llegada de una nueva profesora, Maria De Ritis (interpretada por Gina Lollobrigida), Carotenuto se enamora de ella, pero no consigue confesarle sus sentimientos.
La película cuenta la historia del amor no correspondido de Carotenuto por María y cómo intenta ganarse su corazón, pero también es una representación de la vida cotidiana en un pueblo italiano, entre las relaciones entre las personas y la dinámica social.
Escándalo en Sorrento es un clásico de la comedia italiana y ha recibido numerosos premios, entre ellos el BAFTA a la mejor película extranjera en 1956. La película es famosa por la interpretación de Vittorio De Sica y por la belleza de los planos, que muestran la naturaleza y los paisajes del sur de Italia de forma espléndida.
Todo lo que el cielo permite (1955)
Todo lo que el cielo permite es un melodrama romántico estadounidense de 1955 dirigido por Douglas Sirk, producido por Ross Hunter y adaptado por Peg Fenwick a partir de una historia de Edna L. Lee y Harry Lee. Está protagonizada por Jane Wyman y Rock Hudson en una historia sobre las complicaciones sociales que surgen tras el desarrollo de un romance entre una viuda acomodada y un viverista más joven y con los pies en la tierra.
Trama
Cary Scott (Jane Wyman), una viuda de clase alta con dos hijos mayores, tiene un pequeño círculo de amigos ricos. Cuando su amistad con Ron Kirby (Rock Hudson), un viverista, se convierte en amor, se enfrenta a las críticas de sus hijos y amigos.
Recepción crítica
All That Heaven Allows fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, interpretación y fotografía. Fue nominada a tres premios de la Academia, entre ellos el de mejor actriz para Wyman y el de mejor director para Sirk.
Bob le Flambeur (1956)
Bob le Flambeur es una película romántica de 1956 dirigida por el director francés Jean-Pierre Melville.
La película sigue a Bob Montagné, un antiguo ladrón que se ha retirado de la delincuencia y vive en el barrio parisino de Montmartre. Bob, sin embargo, se siente atraído por el juego y la oportunidad de dar un último gran golpe en el casino de Deauville.
Para llevar a cabo el atraco, Bob se reúne con una banda de ladrones, entre los que se encuentran el joven Paul y la bella Anne. Pero el plan inicialmente bien pensado empieza a resquebrajarse debido a acontecimientos inesperados y traiciones.
La película es conocida por su estilo noir, con una atmósfera melancólica y romántica. Melville utiliza eficazmente la luz y las sombras para crear una atmósfera de suspense y misterio. Además, el personaje de Bob Montagné fue visto como un precursor del «caballero ladrón» que se convertiría en un tema recurrente en el cine negro posterior.
La película. se considera un clásico del cine francés y ha influido en muchos directores posteriores. Fue también la primera película de Melville que obtuvo distribución internacional y lanzó su carrera como uno de los principales directores franceses de su época.
Crazed Fruit (1956)
Crazed Fruit (1956) (狂った果実, Kurutta kajitsu ) es una película japonesa de la Tribu del Sol de 1956 dirigida por Kō Nakahira. Es una adaptación de la novela homónima de Shintarō Ishihara, hermano mayor del miembro del reparto Yujiro Ishihara, y trata de dos hermanos que se enamoran de la misma mujer. La película está considerada una de las más importantes de la Nueva Ola Japonesa y fue elogiada por su retrato realista de la juventud japonesa de posguerra.
Trama
La película sigue la historia de dos hermanos, Haruji (Masahiko Tsugawa) y Saburō (Yujiro Ishihara), que se sienten atraídos por una mujer llamada Eri (Mie Kitahara). Eri es una mujer de espíritu libre que no teme decir lo que piensa ni desafiar las normas sociales. Los dos hermanos se sienten atraídos por la independencia y la vitalidad de Eri, pero también saben que no pueden tenerla los dos.
Temas
Crazed Fruit explora temas como el amor, el sexo y la libertad. La película es también una crítica a la sociedad japonesa de posguerra, que aún se tambaleaba por los efectos de la Segunda Guerra Mundial. Los personajes de la película están desilusionados con el mundo que les rodea y buscan un sentido a sus vidas.
Recepción crítica
Crazed Fruit fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por su retrato realista de la juventud japonesa de posguerra y por sus interpretaciones, en particular las de Masahiko Tsugawa y Mie Kitahara. La película también fue nominada al premio a la mejor película en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1957.
1984 (1956)
1984 (1956) es un telefilme británico dirigido por Michael Anderson, basado en la novela distópica de ciencia ficción Diecinueve Ochenta y Cuatro de George Orwell. La película está protagonizada por Edmond O’Brien, Michael Redgrave, Jan Sterling y Donald Pleasence. Fue emitido por primera vez por la BBC el 23 de diciembre de 1956.
Trama
La película está ambientada en 1984, en un mundo distópico donde la sociedad está controlada por un régimen totalitario llamado Ingsoc. Winston Smith (Edmond O’Brien), empleado del Ministerio de la Verdad, empieza a dudar del régimen y a cultivar ideas subversivas. Se enamora de Julia (Jan Sterling), una joven que comparte sus sentimientos. Ambos se unen a un grupo de disidentes que se oponen al régimen.
Temas
La película explora temas como la censura, la vigilancia, la propaganda y el control mental. Es una alegoría del peligro de los regímenes totalitarios y de la pérdida de libertad individual.
Ver 1984
Les Mistons (1955)
Les Mistons es un cortometraje francés de 1955 dirigido por François Truffaut. Es su segunda película después de Une Visite (1955), pero se considera su «primera película de verdad». Truffaut la llamó simplemente «mi primera película de verdad».
La trama se desarrolla en la Provenza, donde un grupo de jóvenes («mistons» se traduce más o menos como «mocosos») están encaprichados de una hermosa joven. Celosos de su apasionado romance, conspiran para crear problemas a la mujer y a su novio.
Recepción crítica
La película fue elogiada por la crítica por su animada dirección y su exploración de la naturaleza humana. Fue calificada de «película conmovedora y divertida» y «una de las mejores obras de Truffaut».
Influencia
Les Mistons está considerado un clásico del cine francés y ha influido notablemente en cineastas posteriores. La utilización de un equipo de aficionados y su estilo de dirección espontáneo contribuyeron a definir el movimiento de la Nouvelle Vague francesa.
L’avventura (1960)
L’avventura (1960) es una película dramática italiana dirigida por Michelangelo Antonioni. Es la primera entrega de la llamada «trilogía de la incomunicación», seguida de La notte y concluida por L’eclisse.
La película sigue la historia de un grupo de amigos que se van de vacaciones a una isla del Mediterráneo. Durante un viaje en barco, Anna (Lea Massari), una joven, desaparece. Su novio, Sandro (Gabriele Ferzetti), y su mejor amiga, Claudia (Monica Vitti), emprenden una búsqueda que les llevará a enfrentarse a su propia incomunicación.
Recepción crítica
L’avventura fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su innovadora dirección, su exploración de temas existenciales y su interpretación de Monica Vitti.
Análisis
L’avventura es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de una desaparición. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza humana y la sociedad moderna.
La película explora los temas de la incomunicación, la alienación y la incertidumbre. Todos los personajes de la película están alienados entre sí y de la sociedad en la que viven. Son incapaces de comunicarse de forma significativa y buscan constantemente algo que no encuentran.
La notte (1961)
La notte (1961) es una película dramática italiana dirigida por Michelangelo Antonioni. Es la segunda entrega de la llamada «trilogía de la incomunicación», seguida de L’avventura y concluida por L’eclisse.
La película sigue la historia de un matrimonio, Giovanni (Marcello Mastroianni) y Lidia (Jeanne Moreau), en crisis. Giovanni es un escritor de éxito, pero está insatisfecho con su vida y su matrimonio. Lidia es una mujer insatisfecha y alienada, que busca un sentido a su vida.
Análisis
La notte es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de una pareja en crisis. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza humana y la sociedad moderna.
La película explora los temas de la incomunicación, la alienación y la crisis matrimonial. Todos los personajes de la película están alienados entre sí y de la sociedad en la que viven. Son incapaces de comunicarse de forma significativa y buscan constantemente algo que no encuentran.
L’eclisse (1962)
L’eclisse (1962) es una película dramática italiana dirigida por Michelangelo Antonioni. Es la tercera y última entrega de la llamada «trilogía de la incomunicación», tras L’avventura y La notte.
La película sigue la historia de una joven, Vittoria (Monica Vitti), que deja atrás una relación fracasada. Se enamora de Piero (Alain Delon), un corredor de bolsa, pero su relación está condenada al fracaso.
Análisis
L’eclisse es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de una relación fracasada. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza humana y la sociedad moderna.
La película explora los temas de la incomunicación, la alienación y la búsqueda de sentido. Todos los personajes de la película están alienados entre sí y de la sociedad en la que viven. Son incapaces de comunicarse de forma significativa y buscan constantemente algo que no encuentran.
La película es también una exploración de la modernidad. La ciudad de Roma, donde se desarrolla la película, se representa como un lugar alienante e impersonal. Los personajes de la película se encuentran a menudo perdidos y confusos en la gran ciudad.
La piel suave (1964)
La peau douce (1964) es una película francesa de drama romántico dirigida por François Truffaut. Está basada en la novela homónima de Antoine Blondin de 1959.
La película sigue la historia de Pierre Lachenay (Jean Desailly), un conocido escritor y conferenciante casado de mediana edad, que se enamora de Nicole (Françoise Fabian), una bella azafata de vuelo.
Análisis
La piel suave es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un hombre casado que tiene una aventura. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza humana, el amor y la búsqueda del sentido de la vida.
La película explora los temas de la pasión, la infidelidad y el existencialismo. Pierre es un hombre atrapado en un matrimonio cómodo pero insatisfactorio. Se siente atraído por Nicole porque es libre y espontánea. Su romance es apasionado y excitante, pero también fugaz y condenado al fracaso.
La película también explora la naturaleza del amor. ¿Qué es el amor? ¿Es simplemente una atracción física? ¿O se trata de algo más profundo y significativo? La película sugiere que el amor es una emoción compleja y difícil de definir.
El beso desnudo (1964)
El beso desnudo (1964) es una película británica de drama criminal dirigida por Samuel Fuller, escrita por Fuller y James Poe, y protagonizada por Constance Smith, Anthony Eisley, Michael Dante y Susan Harrison. La película fue estrenada el 20 de mayo de 1964 por Columbia Pictures.
Trama
La película sigue la historia de Kelly Moran (Constance Smith), una prostituta que abandona su vida de prostitución para trabajar como cantante en un bar. Sin embargo, es acusada de asesinato y se ve obligada a volver a su antigua vida para limpiar su nombre.
Temas
La película explora temas como la prostitución, la violencia y la redención. También aborda el tema de la desigualdad de género, ya que Kelly suele ser tratada como víctima y mercancía.
Recepción crítica
El beso desnudo fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por sus interpretaciones, en particular la de Smith, y por su descarnado realismo. La película también fue nominada al Gran Premio del Festival de Cannes de 1964.
Bonnie y Clyde (1967)
Bonnie and Clyde (1967) es una película policíaca estadounidense dirigida por Arthur Penn. Está basada en la historia real de Bonnie Parker y Clyde Barrow, dos célebres forajidos que protagonizaron una ola de crímenes en el Medio Oeste americano durante la Gran Depresión.
Análisis
Bonnie and Clyde es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es una simple historia de dos forajidos que se enamoran y se lanzan a una ola de crímenes. Sin embargo, la película también puede considerarse un comentario sobre la sociedad estadounidense de los años treinta.
La película explora los temas de la clase social y la desigualdad. Bonnie y Clyde proceden de entornos pobres y se ven empujados al crimen por su deseo de dinero y de una vida mejor. La película también explora el sueño americano, es decir, la idea de que cualquiera puede alcanzar el éxito si trabaja lo suficiente. Bonnie y Clyde creen que pueden alcanzar el sueño americano a través del crimen, pero al final no lo consiguen.
La película también explora el tema de la violencia. La violencia de la película es gráfica e impactante, y a menudo se utiliza para transmitir la brutalidad del mundo en el que viven Bonnie y Clyde. La violencia también sirve para socavar el mito del sueño americano. El sueño americano suele verse como un lugar donde la violencia no es necesaria, pero la historia de Bonnie y Clyde demuestra que la violencia suele formar parte de la experiencia americana.
Besos robados (1968)
Les baisers volés (1968) es una película francesa de comedia romántica dirigida por François Truffaut. Es la segunda entrega de la serie Antoine Doinel de Truffaut, tras Los 400 golpes (1959) y precediendo a Cama y tabla (1970) y Amor a la fuga (1979).
Análisis
Les baisers volés es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un adolescente que se enamora por primera vez. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre los retos de crecer y la importancia del primer amor.
La película explora los temas del primer amor, la inocencia de la juventud y los retos de hacerse mayor. Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) es un joven que alcanza la mayoría de edad. Está experimentando los primeros brotes de amor, pero también está luchando con las presiones de la escuela, la familia y su propio futuro incierto.
La sirena del Mississippi (1969)
La sirena del Mississippi (La sirène du Mississippi, 1969) es una película francesa de drama romántico dirigida por François Truffaut. Es la tercera entrega de la serie Antoine Doinel de Truffaut, tras Les baisers volés (Los besos robados ) (1968) y precediendo a Cama y tabla (1970).
Análisis
La Sirenita del Mississippi es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un hombre que se enamora de una mujer misteriosa. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza del amor, la obsesión y el encanto de lo desconocido.
La película explora los temas del amor, la obsesión y la complejidad de las relaciones humanas. Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) es un joven que se enamora de Marie (Catherine Deneuve). Marie es una mujer bella y misteriosa que parece tener un poder sobre Antoine. Antoine está dispuesto a hacer cualquier cosa para estar con Marie, aunque eso signifique poner en peligro su propia vida.
Mi noche en casa de Maud (1969)
Mi noche en casa de Maud (La nuit américaine) es una película dramática francesa dirigida por François Truffaut. Es la cuarta entrega de la serie Antoine Doinel de Truffaut, tras Les baisers volés (Los besos rob ados) (1968), Mississippi Mermaid (La sirena del Mississippi ) (1969), y precede a Bed and Board (Cama y tabla ) (1970).
Análisis
Mi noche en casa de Maud es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un hombre que pasa una noche con una mujer y se cuestiona sus creencias sobre la fe y el amor. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza de la fe, la duda y la búsqueda de sentido en el mundo moderno.
La película explora los temas de la fe, la duda y la búsqueda de sentido a través de los personajes de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) y Maud (Françoise Fabian). Antoine es un joven que lucha por encontrar un sentido a su vida. Se cuestiona sus creencias religiosas y sus relaciones con las mujeres. Maud es una mujer que también busca un sentido a su vida. Es una católica devota que intenta conciliar su fe con sus propias dudas y contradicciones.
Domicile conjugal (1970)
Domicile conjugal (Domicilio conyugal) es la quinta y última entrega de la serie Antoine Doinel de François Truffaut, tras Les baisers volés (Los besos robados ) (1968), La sirena del Mississippi (1969), Mi noche en casa de Maud (1969) y Amor a la fuga (1979).
Análisis
Domicile conjugal es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la sencilla historia de un matrimonio que lucha contra la infidelidad y los retos de las relaciones duraderas. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la institución del matrimonio y las presiones que ejerce sobre las parejas.
La película explora los temas del matrimonio, el amor y el adulterio a través de los personajes de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) y Christine Doinel (Claude Jade). Antoine es un hombre que lucha por encontrar la felicidad en su matrimonio. Le tientan otras mujeres y se cuestiona constantemente su compromiso con Christine. Christine es una mujer que intenta mantener unido su matrimonio, pero también siente la tensión de su relación con Antoine.
La rodilla de Claire (1970)
La rodilla de Claire (Le Genou de Claire, 1970) es una película francesa de drama romántico escrita y dirigida por Éric Rohmer. Es la quinta entrega de la serie de los Seis cuentos morales (1963-1972). La rodilla de Claire se estrenó en Francia el 11 de diciembre de 1970, con gran éxito de crítica.
Trama
Jérôme, un joven veinteañero, pasa las vacaciones de verano en Annecy con su novia, Laura. Un día, mientras hace senderismo por el campo, conoce a Claire, una adolescente que se aloja en la misma pensión que él. Jérôme se siente inmediatamente atraído por Claire y empieza a pasar cada vez más tiempo con ella, para disgusto de Laura.
Análisis
La rodilla de Claire es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un joven tentado por una mujer más joven. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza del amor, el deseo y el poder de la atracción.
La película explora los temas de la inocencia, el deseo y el amor a través de los personajes de Jérôme y Claire. Jérôme es un hombre atrapado entre su deseo por Claire y su compromiso con Laura. Claire es una joven que aún está explorando su propia sexualidad.
Dos inglesas (1971)
Dos inglesas y el continente (Les deux anglaises et le continent, 1971) es una película francesa de drama romántico escrita y dirigida por François Truffaut. Es el sexto episodio de la serie de los Seis cuentos morales (1963-1972). Two English Girls se estrenó en Francia el 18 de noviembre de 1971, con gran éxito de crítica.
Trama
Claude, un joven francés, está de vacaciones en Inglaterra con su familia. Un día conoce a Anne, una chica inglesa que está de vacaciones con su familia. Claude se siente inmediatamente atraído por Anne y ambos empiezan a flirtear.
La relación entre Claude y Anne es romántica y apasionada. Ambos pasan mucho tiempo juntos y se enamoran. Sin embargo, su relación se ve entorpecida por las diferencias culturales entre ambos países.
Análisis
Dos inglesas es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es una historia sencilla de dos jóvenes que se enamoran a pesar de las diferencias culturales. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza del amor, las diferencias culturales y la búsqueda de identidad.
La película explora los temas del amor, las diferencias culturales y la búsqueda de identidad a través de los personajes de Claude y Anne. Claude es un joven francés que intenta encontrar su identidad. Anne es una joven inglesa que intenta liberarse de las expectativas de su familia.
El último tango en París (1972)
El último tango en París (1972) es una película francesa de drama erótico dirigida por Bernardo Bertolucci. La película está protagonizada por Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud y Maria Michi. Se estrenó en Francia el 20 de marzo de 1972, con éxito comercial y de crítica.
Trama
Paul, un hombre de negocios estadounidense de mediana edad, vive en París tras el suicidio de su esposa. Conoce a Jeanne, una joven francesa, en un funeral. Comienzan una relación apasionada pero anónima, reuniéndose en un apartamento vacío donde mantienen una serie de encuentros sexuales sadomasoquistas.
Análisis
El último tango en París es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es una simple historia de dos personas que se enamoran. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza del amor, la pérdida y el sadomasoquismo.
La película explora los temas del amor, la pérdida y el sadomasoquismo a través de los personajes de Paul y Jeanne. Paul es un hombre de mediana edad que aún llora la muerte de su esposa. Jeanne es una joven que aún no ha superado su propio pasado.
El amor de la tarde (1972)
El amor de la tarde es una película francesa de comedia romántica de 1972 escrita y dirigida por Éric Rohmer, y protagonizada por Bernard Verley, Zouzou y Françoise Verley. Es la sexta y última entrega de la serie Seis cuentos morales de Rohmer, que explora el tema del amor y la fidelidad.
Trama
Frédéric, un abogado parisino de éxito, está felizmente casado con Hélène, una maestra de escuela. Tienen dos hijos y su vida parece perfecta. Sin embargo, Frédéric no es inmune a la tentación y empieza a soñar despierto con tener aventuras con otras mujeres.
Un día, Frédéric se encuentra con Chloé, una vieja conocida de su juventud. Chloé es ahora una mujer de espíritu libre que no teme expresar sus deseos. Frédéric se siente inmediatamente atraído por ella y comienzan un romance.
Análisis
La película explora los temas del amor, la fidelidad y el deseo a través de los personajes de Frédéric, Hélène y Chloé. Frédéric es un hombre que se debate entre el amor a su esposa y el deseo de otra mujer. Hélène es una mujer que intenta mantener unido su matrimonio, pero también se siente resentida por la infidelidad de su marido. Chloé es una mujer de espíritu libre y sin miedo a expresar sus deseos, pero también está sola y busca el amor.
Annie Hall (1977)
Annie Hall (1977) es una comedia dramática romántica estadounidense de 1977 escrita, dirigida y protagonizada por Woody Allen, y coprotagonizada por Diane Keaton. La película utiliza una combinación de narrativa tradicional y dispositivos autorreflexivos, incluida la dirección directa a la cámara, para explorar la relación entre Alvy Singer, un neurótico cómico judío, y Annie Hall, una mujer de espíritu libre. La película está considerada una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos.
Trama
Alvy Singer, un neurótico cómico judío, relata su relación con Annie Hall, una excéntrica artista. Su relación se caracteriza tanto por el amor como por el conflicto, ya que luchan por conciliar sus diferencias y encontrar la manera de que su relación funcione.
Análisis
La película explora los temas del amor, las relaciones y la neurosis a través de los personajes de Alvy Singer y Annie Hall. Alvy es un cómico neurótico que analiza constantemente sus propios pensamientos y sentimientos. Annie es una artista de espíritu libre que se siente más cómoda con la espontaneidad y la emoción.
El hombre que amaba a las mujeres (1977)
El hombre que amaba a las mujeres (1977) es una comedia romántica francesa de 1977 dirigida por François Truffaut y protagonizada por Jean-Paul Belmondo, Charles Denner, Nelly Borgeaud y Claude Brasseur. La película está basada en la novela homónima de Jules Amiot.
Trama
Bernard Latour es un hombre de mediana edad obsesionado con las mujeres. Es un mujeriego en serie que ha tenido innumerables aventuras, pero nunca ha encontrado el amor verdadero.
Un día, Bernard conoce a Catherine, una mujer que parece ser diferente a las demás. Es una mujer inteligente e independiente que no tiene miedo de ser ella misma. Bernard se siente inmediatamente atraído por ella, pero también le asusta la idea de ser vulnerable.
Análisis
El hombre que amaba a las mujeres es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Por un lado, es la simple historia de un hombre que busca el amor. Sin embargo, la película también puede verse como un comentario sobre la naturaleza del amor, las relaciones y la masculinidad.
La película explora los temas del amor, las relaciones y la masculinidad a través del personaje de Bernard Latour. Bernard es un hombre complejo y contradictorio. Es un hombre inteligente y encantador, pero también egoísta e inseguro. Es un hombre obsesionado con las mujeres, pero también le aterroriza la idea de ser vulnerable.
Amor a la fuga (1979)
Amor a la fuga (L’amour en fuite) es una comedia dramática francesa de 1979 escrita y dirigida por François Truffaut, quinta y última película de su serie Antoine Doinel. La película está protagonizada por Jean-Pierre Léaud, Marie-France Pisier, Claude Jade y Jean-Pierre Aumont. Se estrenó en Francia el 24 de enero de 1979 con gran éxito de crítica.
Trama
Al final de la película anterior, Besos robados (1968), Antoine Doinel (Léaud) se queda solo después de que su mujer Colette (Jade) le abandone. En «Amor a la fuga», Antoine es un treintañero divorciado de Colette. Trabaja como corrector de pruebas en una editorial y vive con Sabine (Pisier), vendedora en una tienda de discos. Sin embargo, Antoine sigue enamorado de Colette y un día se cruza con ella en una estación de tren. Reavivan su relación y Antoine empieza a cuestionarse su vida con Sabine.
Análisis
La película explora los temas del amor, las relaciones y el compromiso a través de los personajes de Antoine, Colette y Sabine. Antoine es un hombre que sigue luchando por encontrar su lugar en el mundo. Se siente atraído tanto por Colette como por Sabine, pero también tiene miedo de que le hagan daño.
Colette es una mujer independiente y de espíritu libre. No tiene miedo de abandonar una relación si no la hace feliz. Sabine es una mujer amable y comprensiva. Está dispuesta a aceptar a Antoine tal como es, pero también quiere que se comprometa con ella.
Manhattan (1979)
Manhattan es una película romántica de 1979 dirigida por Woody Allen, que también la escribió e interpretó al protagonista. La película es una comedia romántica ambientada en Nueva York que sigue la vida de Isaac Davis (Woody Allen), un exitoso escritor de mediana edad insatisfecho con su vida amorosa.
La trama gira en torno a la relación de Isaac con Tracy (Mariel Hemingway), una estudiante de instituto de 17 años que inicia una relación con Isaac a pesar de su diferencia de edad y de la desaprobación de sus amigos. Isaac también mantiene una tumultuosa relación con su ex mujer Jill (Meryl Streep) y se enamora de su mejor amiga, la talentosa escritora Mary (Diane Keaton).
La película está ambientada en el corazón de Manhattan y es conocida por su emblemática partitura de música clásica, que incluye piezas de George Gershwin y Richard Wagner. La película también fue alabada por su fotografía en blanco y negro y su descripción de la ciudad de Nueva York.
«Manhattan» fue un éxito de crítica y obtuvo tres nominaciones al Oscar, incluida la de mejor actriz de reparto para Mariel Hemingway. La película se convirtió en una de las más famosas de Woody Allen e influyó en muchas películas románticas posteriores. Sin embargo, la película también ha sido criticada por su retrato de la relación entre un hombre adulto y una chica menor de edad.
Antes del amanecer (1995)
Antes del amanecer es una película romántica de 1995 dirigida por Richard Linklater y protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy. La trama sigue la historia de dos jóvenes, Jesse y Celine, que se conocen por casualidad en un tren en Europa y deciden pasar una noche juntos en Viena, antes de que Jesse tenga que coger un avión de vuelta a Estados Unidos.
La película se centra en la conversación entre los dos protagonistas y su descubrimiento mutuo mientras exploran la ciudad de Viena y discuten sobre diversos temas, como el amor, la vida, la muerte, el arte y la cultura. La película fue aclamada por la crítica por su descripción realista de las relaciones humanas y la capacidad de los actores para crear personajes auténticos y convincentes.
Es la primera película de la trilogía de Linklater, que también incluye Antes del atardecer (2004) y Antes de medianoche (2013), que siguen la historia de Jesse y Celine cuando se reencuentran después de nueve y dieciocho años, respectivamente. La película se ha convertido en un clásico de culto del cine independiente y ha sido citada como una de las mejores películas románticas de todos los tiempos.
Festival de Cannes (2001)
Cannes, 1999. Alice, actriz, quiere dirigir una película independiente y busca financiadores. Conoce a Kaz, un locuaz hombre de negocios, que le promete 3 millones de dólares si utiliza a Millie, una estrella francesa que ha pasado su juventud y ya no encuentra papeles interesantes.
Alice le cuenta la historia de la película a Millie y la actriz se enamora del proyecto. Pero Rick, un importante productor que trabaja para un gran estudio de Hollywood, necesita a Millie para un pequeño papel en una película que se rodará en otoño, o de lo contrario perderá a su estrella, Tom Hanks. ¿Es Kaz un productor de verdad o es un charlatán?
Una película rodada con gran libertad estilística, como un documental, durante la edición de 1999 del festival, que se centra en las interpretaciones de los actores con un método de improvisación espontáneo y fluido, inspirado en el cine de Cassavetes.
Amélie (2001)
Amélie es una película romántica de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet, que cuenta la historia de una joven francesa, Amélie Poulain, interpretada por Audrey Tautou.
Amélie es una chica solitaria que trabaja de camarera en un café de Montmartre, un barrio de París. Un día, descubre una vieja caja escondida en su apartamento que contiene tesoros de la infancia de un antiguo inquilino. Este descubrimiento la impulsa a intentar encontrar al propietario original de los objetos y devolvérselos. Este primer acto desinteresado allana el camino para una serie de buenas acciones hacia quienes la rodean, mientras ella también intenta encontrar el amor y la felicidad en su vida.
La película es conocida por su ambiente fantástico, colorista y desenfadado. La banda sonora fue compuesta por Yann Tiersen y contribuye a la atmósfera mágica y encantadora de la película. La dirección es innovadora y utiliza varias técnicas visuales para contar la historia y crear un estilo único.
La película recibió muchas críticas positivas de la crítica, fue un gran éxito de público y ganó numerosos premios, entre ellos cuatro Premios César (el equivalente francés del Oscar) y recibió cinco nominaciones al Oscar, incluida la de mejor película extranjera.
El diario de Noa (2004)
El diario de Noa es una película romántica de 2004 dirigida por Nick Cassavetes, basada en la novela homónima de Nicholas Sparks. La película narra la historia de amor entre Allie (interpretada por Rachel McAdams) y Noah (interpretado por Ryan Gosling), dos jóvenes que se enamoran intensamente durante el verano de 1940 en Carolina del Norte.
El drama se desarrolla a través de un flashback, en el que un anciano Noah (interpretado por James Garner) lee la historia de su amor a Allie (interpretada por Gena Rowlands), que padece Alzheimer y ya no recuerda su pasado. La película es conocida por su final lacrimógeno y su emotiva banda sonora.
La película alcanzó un gran éxito crítico y comercial, y se convirtió en un auténtico culto romántico. También lanzó la carrera de Rachel McAdams y cimentó la de Ryan Gosling, que más tarde se convirtieron en dos de las estrellas más queridas de Hollywood.
Se considera una película que marcó una época para el género romántico, gracias a su capacidad para tocar las cuerdas emocionales de los espectadores y representar el amor de forma intensa y apasionada.
Sueños de Hollywood (2006)
Hollywood Dreams (2006) es una comedia romántica independiente estadounidense de 2006 escrita y dirigida por Henry Jaglom. La película está protagonizada por Tanna Frederick, Justin Kirk, David Proval, Zack Norman y Melissa Leo. Se estrenó en Estados Unidos el 27 de octubre de 2006.
Trama
Margie Chizek (Frederick) es una aspirante a actriz que llega a Los Ángeles desde Iowa con grandes sueños de triunfar en el cine. Pronto se ve atrapada en el ajetreo de Hollywood, donde se enfrenta al rechazo, la tentación y el reto de encontrar su verdadero yo.
Análisis
Sueños de Hollywood es una película encantadora y agridulce que ofrece una mirada humorística y perspicaz al mundo de Hollywood. La película está bien interpretada y rodada, y cuenta con una banda sonora pegadiza. Aunque la película no está exenta de defectos, merece la pena añadirla a cualquier colección de cine independiente.
Primer bocado (2006)
First Bite (2006) es una película canadiense de terror y romance de 2006 escrita y dirigida por Hunt Hoe. La película está protagonizada por David La Haye, Leah Pinsent y Napakpapha Nakprasitte. Se estrenó en Canadá el 9 de septiembre de 2006.
Gus es un hombre encantador que trabaja como cocinero en un restaurante oriental de Montreal. Su jefe le envía a una remota isla de Tailandia para que conozca a un maestro de cocina zen y mejore la calidad de sus platos.
Allí conoce a una extraña mujer llamada Lake que vive en una cueva y le informa de que el maestro de cocina zen ha muerto. Gus se va a vivir a la cueva y comienza un romance con Lake. Lake no quiere que Gus se vaya, pero Gus siente que necesita escapar de la isla y que su vida corre peligro.
Bite es una película indie canadiense extremadamente original que cruza varios estilos cinematográficos en su narración, pasando repentinamente del romance al thriller y al terror. Entre magia negra, historias de amor e islas tropicales, Primo bite es la odisea de un hombre preso en una trampa de la que ya no puede escapar, perdido entre pasiones y comidas exóticas.
Las vacaciones (2006)
The Holiday es una comedia romántica de 2006 dirigida por Nancy Meyers e interpretada por un reparto de estrellas que incluye a Cameron Diaz, Kate Winslet, Jude Law y Jack Black. La trama sigue a dos mujeres, una estadounidense y otra británica, que se conocen por Internet y deciden intercambiar sus casas durante las vacaciones de Navidad, tratando de escapar de sus respectivos problemas sentimentales.
Amanda Woods (Cameron Diaz) es una exitosa productora de trailers de películas que vive en Los Ángeles, California, y tras descubrir el engaño de su novio decide tomarse un descanso y pasar las vacaciones en un lugar nuevo. Iris Simpkins (Kate Winslet) es una periodista que vive en Surrey, Inglaterra, y que acaba de descubrir que el hombre al que ama se va a casar con otra mujer. Las dos mujeres se conocen en Internet a través de un sitio de intercambio de casas y deciden intercambiar sus hogares durante dos semanas.
Amanda llega a Surrey y conoce al hermano mayor de Iris, Graham (Jude Law), un viudo con dos hijas, mientras que Iris llega a Los Ángeles y conoce a un viejo guionista de Hollywood, Arthur Abbott (Eli Wallach), que se convierte en su mentor .
La película sigue la historia de las dos mujeres mientras se adaptan a sus nuevas vidas en sus respectivas casas de vacaciones, afrontando los retos y emociones que encuentran por el camino. Amanda empieza a salir con Graham, pero descubre que él no es lo que parece. Iris se hace amiga de Miles (Jack Black), un compositor de música que acaba de perder a su novia.
«Las vacaciones» es un Película divertida y romántica que aborda temas universales como el amor, la traición, la amistad y el valor de asumir riesgos. La banda sonora, que incluye canciones de Hans Zimmer y de artistas como Nancy Wilson, es el acompañamiento perfecto para la historia.
Vicky Cristina Barcelona (2008)
Vicky Cristina Barcelona es una película romántica de 2008 escrita y dirigida por Woody Allen. La trama sigue la historia de dos mujeres americanas, Vicky y Cristina, que pasan un verano en Barcelona y ambas se enamoran del mismo hombre, Juan Antonio, un artista bohemio español.
El paisaje de la ciudad catalana y la música española crean una atmósfera romántica y cautivadora. La película fue elogiada por su retrato de un trío amoroso, con gran atención al detalle de los personajes y su psicología.
El reparto de «Vicky Cristina Barcelona» está formado por grandes nombres del cine como Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Javier Bardem y Rebecca Hall, que han sido alabados por sus interpretaciones. La película también fue nominada a varios premios, entre ellos el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto para Penélope Cruz, que también ganó el Oscar en la misma categoría.
«Vicky Cristina Barcelona» es una película que aborda temas como el amor, la pasión y el destino, sumergiéndose en una ciudad fascinante como Barcelona y contando una historia apasionante y atractiva.
Persiguiendo mariposas (2009)
Nina se escapa de casa horas antes de su boda. Para no aplazar su boda, su madre se hace pasar por Nina y se casa con su novio. Poco después, los dos comienzan su búsqueda para descubrir a Nina y llevarla de vuelta a su casa: El novio de Nina está convencido de que ella ya no le quiere.
Un empollón de quince años conoce a Nina en la calle e intenta impresionarla con el Corvette de su padre que ha robado sin tener carnet de conducir. Una joven rebelde y su novio huido se encuentran con el chico y le roban el Corvette, sembrando el caos con una serie de robos mientras se dirigen a Canadá en busca de una vida mejor y dinero.
Persiguiendo mariposas es una comedia romántica llena de acción con personajes predestinados a seguir caminos separados. Todos se niegan a encerrarse en las convenciones sociales, incluso cuando ellos mismos las han buscado, incluso cuando la convención social es la de casarse con un chico que todavía te gusta.
500 días de verano (2009)
500 Days of Summer es una película romántica de 2009 dirigida por Marc Webb y escrita por Scott Neustadter y Michael H. Weber. La película es una comedia romántica que sigue la relación entre Tom, un desilusionado escritor de tarjetas de felicitación, y Summer, una mujer que no cree en el amor.
La película está estructurada de forma no lineal, saltando adelante y atrás a través de los 500 días de la relación de Tom y Summer, desde su primer encuentro hasta su ruptura. La película pone de relieve las diferentes formas en que los dos personajes ven y viven su relación, con Summer más centrada en la libertad y en ser ella misma, mientras Tom intenta desesperadamente encontrar el amor verdadero.
El reparto está formado por Joseph Gordon-Levitt como Tom y Zooey Deschanel como Summer. La película fue aclamada por la crítica por su originalidad y su capacidad para abordar temas complejos como el amor y la pérdida de forma desenfadada y entretenida. Además, la banda sonora de la película fue muy elogiada, con canciones de artistas como Regina Spektor y The Smiths.
En conjunto, «500 días de verano» es una película que explora la complejidad de las relaciones humanas de forma divertida y original, y que puede disfrutarse tanto como comedia romántica como una reflexión más profunda sobre la naturaleza del amor.
Blue Valentine (2010)
Blue Valentine es una película de drama romántico de 2010 dirigida por Derek Cianfrance. La película narra la historia de amor entre Dean, interpretado por Ryan Gosling, y Cindy, interpretada por Michelle Williams, a través de dos periodos de sus vidas: el primero, cuando se conocen y se enamoran, y el segundo, unos años después, cuando su matrimonio está en crisis.
La película es conocida por su descripción realista y descarnada de las relaciones humanas y por las intensas interpretaciones de Gosling y Williams. La narración no lineal muestra los altibajos de la relación de Dean y Cindy, desde las primeras etapas del enamoramiento hasta la desintegración de su matrimonio.
La película fue aclamada por la crítica por su autenticidad emocional y su capacidad para describir la complejidad de las relaciones humanas de forma realista y conmovedora. Gosling y Williams han recibido elogios por sus interpretaciones, que han sido descritas como intensas y vulnerables.
Sin embargo, «Blue Valentine» es también una película muy dolorosa y oscura, y contiene escenas que pueden resultar difíciles de ver para algunos espectadores. La película explora temas como el amor, la pérdida, la soledad y la depresión, y puede considerarse un retrato preciso y despiadado de las dificultades de las relaciones humanas.
Celeste y Jesse para siempre (2012)
Celeste y Jesse para siempre es una película de comedia romántica de 2012 dirigida por Lee Toland Krieger y escrita por Rashida Jones y Will McCormack.
La trama sigue la historia de Celeste (interpretada por Rashida Jones) y Jesse (interpretado por Andy Samberg), una ex pareja que ha decidido separarse pero que siguen siendo amigos. Aunque siguen muy unidos, Celeste se da cuenta de que necesita seguir adelante con su vida y encontrar una nueva relación, mientras que Jesse intenta volver a conectar con ella y tratar de que su matrimonio funcione.
La película explora los temas del crecimiento personal, la separación y la posibilidad de encontrar el amor de forma inesperada. Rashida Jones escribió el guión basándose en parte en su experiencia personal de relaciones fracasadas.
La película fue bien recibida por la crítica, que alabó las interpretaciones de los actores y la capacidad de la película para tratar temas complejos de forma auténtica y sensible. Celeste y Jesse para siempre es una comedia romántica inteligente y dulce que explora la complejidad de las relaciones humanas de una forma realista y atractiva.
El inmigrante (2013)
El inmigrante es una película de drama romántico de 2013 dirigida por James Gray y protagonizada por Marion Cotillard, Joaquin Phoenix y Jeremy Renner. La trama sigue a la inmigrante polaca Ewa Cybulska (interpretada por Cotillard), que llega a Ellis Island con su hermana Malvina. Después de que Malvina sea separada de Ewa y deportada por enfermedad, Ewa se ve obligada a confiar en un hosco y manipulador director de teatro, Bruno Weiss (interpretado por Phoenix), para encontrar trabajo y sobrevivir.
La película explora los temas de la desesperación, la inmigración, el fraude y la lucha por la supervivencia. La interpretación de Cotillard fue aclamada por la crítica y le valió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de drama.
La película también fue elogiada por su fidelidad histórica y su descripción exacta de la Nueva York de los años veinte, así como por su descripción realista del difícil mundo de los inmigrantes de la época.
Ruby Sparks (2012)
Ruby Sparks es una película romántica de 2012 dirigida por Jonathan Dayton e Valerie Faris. La trama sigue a Calvin (interpretado por Paul Dano), un joven escritor que lucha por encontrar inspiración para su próxima novela. Cuando tiene un sueño vívido con una chica llamada Ruby Sparks (interpretada por Zoe Kazan), empieza a escribir sobre ella, hasta que un día Ruby aparece en su vida, física y realistamente.
Al principio, Calvin está encantado de tener a Ruby como novia ideal, pero al final se da cuenta de que es producto de su imaginación y que su control sobre su vida está limitado por su capacidad para escribir sobre ella. A medida que Calvin intenta manipular la vida de Ruby a través de sus escritos, la relación se vuelve tóxica y Ruby se impacienta cada vez más ante el control de Calvin.
La película trata temas como la obsesión, el poder creativo, la autodeterminación y la responsabilidad. Fue bien recibida por la crítica por su original argumento y su bien elegido reparto, especialmente la interpretación de Kazan, que también escribió el guión de la película. «Ruby Sparks» es una interesante obra cinematográfica
The Spectacular Now (2013)
The Spectacular Now es una película romántica de 2013 dirigida por James Ponsoldt, basada en la novela homónima de Tim Tharp. La película sigue la historia de Sutter Keely (interpretado por Miles Teller), un estudiante de instituto extrovertido y alcohólico que conoce a Aimee Finicky (interpretada por Shailene Woodley), una chica introvertida y estudiosa. A pesar de sus personalidades opuestas, ambos comienzan a desarrollar una relación romántica.
La película explora temas como la adolescencia, la adicción al alcohol y la dificultad de afrontar el futuro. Sutter es un personaje complejo, fascinante y problemático que intenta eludir cualquier responsabilidad y vivir sólo el momento presente. Aimee, por su parte, es una chica dulce y vulnerable que intenta encontrar su lugar en el mundo.
El reparto es excepcional, con las intensas y realistas interpretaciones de Miles Teller y Shailene Woodley. El director James Ponsoldt ha sabido crear una historia sensible e intensa, que aborda temas difíciles pero importantes para los jóvenes. Es una película que ha recibido muchas críticas positivas y ha ganado varios premios en festivales de cine, convirtiéndose en una de las películas independientes más aclamadas de 2013.
La persona que amo (2014)
The One I Love es una película de 2014 dirigida por Charlie McDowell y protagonizada por Mark Duplass y Elisabeth Moss. La película es una comedia romántica psicológica que sigue a una joven pareja en crisis que intenta salvar su matrimonio.
La trama de la película sigue a Ethan y Sophie, una pareja casada desde hace seis años que se aleja poco a poco el uno del otro. Tras reunirse con un terapeuta matrimonial que los dirige a una casa aislada en el campo, Ethan y Sophie descubren que la casa guarda un misterioso secreto.
Mientras intentan descubrir la verdad sobre el secreto de la casa, Ethan y Sophie descubren que hay versiones de sí mismos dentro de la casa, que parecen ser la solución a sus problemas matrimoniales. Pero pronto, la situación se vuelve cada vez más compleja y las identidades de Ethan y Sophie se confunden, lo que conduce a un final sorprendente e inesperado.
La película fue muy elogiada por su original argumento y las interpretaciones de los actores principales. En particular, Mark Duplass y Elisabeth Moss han recibido elogios por su interpretación de los personajes principales. The One I Love» ha sido descrita como una mezcla de comedia romántica, thriller psicológico y drama, y ha recibido críticas positivas de crítica y público.
Carol (2015)
Carol es una película de drama romántico de 2015 dirigida por Todd Haynes y basada en la novela ‘El precio de la sal’ de Patricia Highsmith. La película está ambientada en los años 50 y sigue la historia de amor entre Carol Aird (interpretada por Cate Blanchett), una mujer sofisticada insatisfecha con su vida matrimonial, y Therese Belivet (interpretada por Rooney Mara), una joven vendedora de una boutique que sueña con convertirse en fotógrafa.
La relación entre Carol y Therese comienza como una amistad, pero pronto se convierte en algo más profundo y romántico. Sin embargo, la sociedad de la época no acepta el amor entre mujeres y Carol se ve obligada a luchar para conservar la custodia de su bebé y mantener su trabajo. Mientras tanto, Therese debe decidir si seguir sus sentimientos por Carol o tomar un camino más convencional en la vida.
La película fue aclamada por la crítica por las interpretaciones de Blanchett y Mara, así como por la dirección y el guión. «Carol» fue nominada a seis premios de la Academia, entre ellos el de mejor actriz para Blanchett y el de mejor actriz de reparto para Mara. La película también ganó varios premios, entre ellos el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el Premio a la Mejor Película de la Crítica de Nueva York.
The Lobster (2015)
The Lobster es una película de 2015 dirigida por Yorgos Lanthimos. Se trata de una comedia negra que transcurre en un futuro próximo en el que la gente se ve obligada a encontrar una pareja romántica en un plazo determinado o se convertirá en un animal de su elección.
El protagonista, interpretado por Colin Farrell, es un hombre que acaba de ser abandonado por su mujer y se ve obligado a registrarse en un hotel donde debe encontrar una nueva pareja en un plazo de 45 días. En caso de que falle, se transformará en una babosa, elección que hizo anteriormente.
El hotel se rige por normas estrictas y grotescas, que incluyen la obligación de que todos lleven la misma ropa, la prohibición de masturbarse y la caza nocturna de los que se escapan del hotel.
La película explora temas como el amor, la soledad, la presión social, la deshumanización y la pérdida de la libertad individual. Es una sátira salvaje de la cultura de las citas y el conformismo social, que cuestiona la idea misma de identidad y libertad individuales.
El reparto de la película también incluye a Rachel Weisz, Olivia Colman, Ben Whishaw y Léa Seydoux. La película se estrenó en el Festival de Cannes de 2015, donde ganó el Premio del Jurado, y fue nominada al Oscar al Mejor Guion Original en 2017.
Moonlight (2016)
Moonlight es una película de 2016 dirigida por Barry Jenkins y ganadora de tres Oscar, incluido el de Mejor Película. La película se divide en tres capítulos que cuentan la historia de Chiron, un niño afroamericano que crece en un barrio difícil de Miami.
El primer capítulo se centra en la infancia de Quirón, apodado «Pequeño», que sufre el acoso constante de sus compañeros de colegio. Un día es rescatado por Juan, un traficante que se convierte en una especie de figura paterna para Quirón y le introduce en el mundo de las drogas.
El segundo capítulo sigue a Quirón a los dieciséis años, cuando todavía sufre acoso y se siente marginado por su homosexualidad. Durante este tiempo, su amistad con Kevin se convierte en un breve momento de intimidad, que sin embargo se interrumpe cuando Kevin se ve obligado a dar una paliza a Chiron delante de sus compañeros de colegio.
El tercer y último capítulo muestra a Chiron en la edad adulta, donde vive en Atlanta con un nuevo nombre, «Black», y es traficante de drogas como Juan. Sin embargo, tras una conversación telefónica con Kevin, decide volver a Miami para enfrentarse a su pasado.
La película es muy intensa y trata temas como la homosexualidad, el acoso escolar, la violencia y la drogadicción, a través de una narración muy visual y sugerente. La interpretación de los actores, entre ellos Mahershala Ali, Naomie Harris y Trevante Rhodes, fue ampliamente elogiada por la crítica, al igual que la dirección de Barry Jenkins.
Llámame por tu nombre (2017)
Call Me by Your Name es una película de drama romántico de 2017 dirigida por Luca Guadagnino y basada en la novela homónima de André Aciman de 2007. La película sigue la historia de Elio, un chico de diecisiete años que pasa el verano de 1983 en la villa familiar del norte de Italia. Durante este tiempo, Elio comienza una relación romántica con Oliver, un ayudante de investigación estadounidense que viene a vivir con la familia de Elio durante el verano.
La película fue alabada por la crítica por su dirección, fotografía, interpretaciones de los actores y banda sonora. Timothée Chalamet, que interpreta a Elio, recibió una nominación al Oscar al Mejor Actor, mientras que la propia película recibió una nominación a la Mejor Película.
«Call Me by Your Name» es una historia sensible e intensa de amor y autodescubrimiento, que explora la compleja y a menudo incomprensible dinámica de la atracción y la pasión. La película también aborda temas más amplios, como la sexualidad, la identidad y la familia.
Ha nacido una estrella (2018)
Ha nacido una estrella es una película de drama musical de 2018, dirigida por Bradley Cooper, quien también protagoniza el papel principal masculino. La película fue distribuida por Warner Bros. Pictures y es un remake de la película homónima de 1937.
La trama de la película sigue la historia de Jackson Maine (Bradley Cooper), un músico de country rock en decadencia que descubre y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven cantautora con una voz extraordinaria. Ally se ve catapultada a la industria musical, convirtiéndose en una celebridad, mientras que la adicción de Jackson al alcohol y las drogas sigue empeorando, poniendo en peligro su carrera y la vida de él.
La película fue alabada por crítica y público por las interpretaciones de Cooper y Gaga, así como por las canciones originales de la banda sonora, entre ellas «Shallow», que ganó el Oscar a la Mejor Canción Original. La película también trata temas importantes como la adicción, el amor no correspondido, la fama y el éxito en el negocio de la música.
En general, «Ha nacido una estrella» fue un gran éxito y recibió numerosas nominaciones y premios, incluidas ocho candidaturas al Oscar. Fue considerada una de las mejores películas de 2018 y un clásico moderno del género musical.
If Beales Could Talk (2018)
If Beales Could Talk es una película de 2018 dirigida por Barry Jenkins, basada en la novela homónima de James Baldwin.
La trama sigue la historia de amor entre Tish y Fonny, dos jóvenes afroamericanos que viven en Nueva York en los años setenta. Cuando Fonny es acusado falsamente de violación, Tish y su familia trabajan para demostrar su inocencia y traerlo a casa antes de que nazca su bebé.
La película explora temas como la justicia racial, la discriminación, el amor y la unidad familiar. La dirección de Jenkins es muy intensa y la partitura original de Nicholas Britell añade otra dimensión emocional a la película.
El reparto está formado por actores de talento como KiKi Layne, Stephan James, Regina King y Colman Domingo, que ofrecen interpretaciones conmovedoras y realistas.
La película recibió críticas positivas de la crítica y obtuvo numerosos galardones, entre ellos el Oscar a la mejor actriz de reparto para Regina King. Es una película conmovedora y poderosa que aborda importantes cuestiones sociales de forma sensible y respetuosa.
Nika (2020)
Nika sigue la historia de una joven de Los Ángeles que perdió a sus padres en un accidente de coche. Aunque ha emprendido una carrera como modelo, Nika siente un vacío en la existencia y el peso del tiempo que pasa. Aunque ha estudiado en varios campos artísticos, no ha logrado el éxito que esperaba y su amiga, que se ha convertido en una popular estrella, no parece contenta. Nika, desesperada económicamente, se enfrenta a una decisión vital que podría hacerla triunfar o fracasar: convertirse en acompañante.
La película representa un mundo de fragilidad y personajes que buscan sentido en una sociedad que parece hostil. La directora Leilani Amour Arenzana, a través de inspiraciones surrealistas y oníricas, cuenta la historia de unos personajes presos en una trampa «occidental», donde los vicios, la fragilidad psicológica y el materialismo se imponen. Nika es una película que mezcla drama y romance, narrando un periodo de transformación y redención de la protagonista.