La comedia dramática, o dramedia, es un género cinematográfico que mezcla elementos de comedia y drama. Las películas de este género suelen explorar temas serios y complejos, pero lo hacen con un tono ligero e irónico. Esta mezcla de géneros puede crear una experiencia cinematográfica única y atractiva, haciendo que el público se ría y se conmueva al mismo tiempo.
Historia del género
Los orígenes de la comedia dramática se remontan al teatro antiguo, donde eran habituales las obras que combinaban elementos cómicos y trágicos. En la época moderna, el género encontró su plena expresión en el cine, donde alcanzó gran popularidad a partir de la década de 1970.
En estas películas, el tono cómico se utiliza a menudo para aligerar la seriedad de los temas explorados, como la incomunicación generacional, la guerra y la mafia.
Características del género de la comedia dramática
Las películas de comedia dramática tienen varias características distintivas que las diferencian de las películas puramente cómicas o dramáticas.
Las películas de comedia dramática suelen explorar temas serios y complejos, como la muerte, la enfermedad, la discapacidad, el amor, la pérdida y el crecimiento personal. Estos temas suelen abordarse de forma realista y matizada, sin recurrir a soluciones fáciles ni a estereotipos.
A pesar de tratar temas serios, las películas de comedia dramática mantienen un tono ligero e irónico. Este tono se utiliza a menudo para aliviar la gravedad de los temas y hacer más atractiva la narración.
Los personajes de las películas de comedia dramática suelen ser complejos y polifacéticos. No son simples héroes o villanos, sino personas reales con puntos fuertes y defectos. Esto hace que los personajes sean más creíbles y relacionables con el público.
Las películas de comedia dramática suelen presentar un estilo cinematográfico distintivo que combina elementos de comedia y drama. Este estilo puede caracterizarse por un uso irónico de la banda sonora, una cinematografía que alterna entre momentos de luz y oscuridad, o una dirección que alterna entre escenas cómicas y dramáticas.
Ejemplos de personajes complejos y polifacéticos Algunos ejemplos de personajes complejos y polifacéticos en películas de comedia dramática son:
- Benjamin Braddock en «El Graduado» (1967) dirigida por Mike Nichols: un joven en crisis existencial.
- Hawkeye Pierce en «MASH» (1970) dirigida por Robert Altman: un médico sarcástico y cínico.
- Will Hunting en «Good Will Hunting» (1997) dirigida por Gus Van Sant: un joven inteligente pero problemático.
Películas de comedia dramática que hay que ver
He aquí una selección de las mejores películas de comedia dramática de la historia del cine, una lista que abarca obras maestras del género desde sus inicios en la década de 1920 hasta nuestros días. Estas extraordinarias películas mezclan hábilmente elementos cómicos y dramáticos para proporcionar experiencias cinematográficas únicas, capaces de hacernos reír y emocionarnos al mismo tiempo. Desde clásicos atemporales como «Sucedió una noche» hasta obras modernas como «Parásito», esta lista celebra la versatilidad y profundidad de la comedia dramática, demostrando cómo el género puede abordar temas serios y complejos con ingenio e inteligencia. Cada película es una pieza preciosa en la historia del cine y sigue inspirando al público con su combinación única de humor y patetismo.
Amanecer: A Song of Two Humans (1927)
«Aurora» es una obra maestra del cine mudo de 1927, también conocida como «Amanecer: Una canción de dos humanos». Dirigida por el célebre cineasta F.W. Murnau, constituye un ejemplo excepcional del cine de autor e independiente de su época. La película se distingue por su magistral uso de los efectos visuales y la expresividad de sus actores, basándose en gran medida en la narración no verbal.
La trama de «Aurora» se adentra en la dinámica de una relación matrimonial, con George O’Brien en el papel de un hombre que se ve tentado por una mujer de la ciudad, interpretada por Margaret Livingston. Este encuentro pone en peligro su matrimonio con su amada esposa, interpretada por Janet Gaynor. La película sigue el viaje de este hombre a través de las tentaciones de la vida en la ciudad y su regreso a la sencillez de la vida rural con su mujer y su hijo. La narración está impregnada de simbolismo, y el uso de elementos naturales y objetos cotidianos en la película contribuye a una narración visual profunda y emotiva.
La cinematografía de «Aurora» es extraordinaria para su época, con F.W. Murnau y el director de fotografía Charles Rosher utilizando de forma innovadora la luz y las sombras para crear una atmósfera visual convincente. Esto mejora significativamente la narración y el desarrollo de los personajes. Las escenas de la ciudad están llenas de una sensación de frenesí y tentación, mientras que las escenas del campo destilan tranquilidad y un retorno a lo esencial.
La película «Amanecer: Una canción de dos humanos» es un testimonio del poder del cine mudo para evocar emociones profundas y transmitir una historia compleja sin necesidad de diálogos verbales. Las interpretaciones de los protagonistas, Janet Gaynor y George O’Brien, son excepcionales y consiguen transmitir una amplia gama de emociones a través de las expresiones faciales y el lenguaje corporal. Esta capacidad para narrar una historia universal a través del arte visual es lo que hace de «Aurora» una obra icónica del cine de autor e independiente.
La gran ilusión (1937)
«La Gran Ilusión» es una película francesa de 1937 dirigida por Jean Renoir. Esta obra maestra del cine mudo francés, también conocida como «La gran ilusión» en inglés, es una obra extraordinaria que explora el tema de la guerra y las divisiones sociales.
La película está ambientada en la Primera Guerra Mundial y sigue la historia de unos prisioneros de guerra franceses, entre ellos el teniente Maréchal y el capitán de Boeldieu, que son recluidos en un campo de prisioneros de guerra alemán. La historia se centra en su amistad y en las relaciones que entablan con el comandante del campo y con los demás prisioneros.
Renoir utiliza la historia para examinar las diferencias sociales y culturales entre los personajes, destacando cómo estas divisiones son ilusorias e insignificantes ante la devastación de la guerra. La película aborda temas de humanidad, tolerancia y amistad en un contexto de conflicto y división.
La fotografía de «La gran ilusión» es notable para su época, y la dirección de Renoir es excepcional. Esta película está considerada una de las obras maestras del cine independiente y de arte, y ha dejado una huella indeleble en la historia del cine.
Sucedió una noche (1934)
«Sucedió una noche» es una película de 1934 dirigida por Frank Capra. Esta comedia romántica clásica ha dejado una huella indeleble en la historia del cine.
La película sigue la historia de Ellie Andrews, interpretada por Claudette Colbert, una joven rebelde que huye de un matrimonio concertado con un hombre rico y arrogante. Durante su huida, Ellie conoce a un periodista en paro, Peter Warne, interpretado por Clark Gable. Juntos, se embarcan en una serie de aventuras mientras viajan en autobús por Estados Unidos hasta Nueva York.
«Sucedió una noche» es conocida por establecer algunos de los tropos clásicos de las comedias románticas, incluidos los enfrentamientos iniciales y la transformación de los protagonistas a medida que se enamoran el uno del otro. La película recibió numerosos galardones, incluidos los cinco principales Oscar de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (para Clark Gable), Mejor Actriz (para Claudette Colbert) y Mejor Guión Original.
La película fue un gran éxito comercial e influyó en muchas comedias románticas futuras. La química entre los dos actores principales, Colbert y Gable, fue esencial para el éxito de la película. «Sucedió una noche» sigue siendo una obra icónica en el mundo del cine de arte y ensayo.
El Gran Dictador (1940)
«El Gran Dictador» es una película de 1940 dirigida por Charlie Chaplin. Se trata de una película emblemática que combina la comedia con un poderoso comentario político y que se conoce por el mismo título tanto en italiano como en inglés.
La película es una sátira del régimen dictatorial de Adolf Hitler y del nazismo. Charlie Chaplin interpreta dos papeles principales en la película: uno como el dictador Adenoid Hynkel, claramente inspirado en Hitler, y el otro como un pobre barbero judío que guarda un asombroso parecido con el dictador. La trama se desarrolla a medida que el barbero judío es confundido con Hynkel y se ve involuntariamente implicado en la política del régimen.
«El Gran Dictador» es famosa por su conmovedor discurso final, en el que Chaplin transmite un mensaje de esperanza y humanidad. La película es una obra maestra del cine y una obra que abordó con valentía temas políticos y éticos. Su relevancia y su fuerza emocional perduran hasta nuestros días.
Los viajes de Sullivan (1941)
«Los viajes de Sullivan» es una película de 1941. Se trata de una comedia clásica dirigida por Preston Sturges.
La película cuenta la historia de John L. Sullivan, un exitoso director de comedias ligeras que decide embarcarse en un viaje para experimentar la pobreza y el sufrimiento reales, con el fin de hacer una película dramática que refleje las luchas de la vida real. Sin embargo, el viaje de Sullivan le pone en situaciones cómicas y aventuras extraordinarias, enseñándole en última instancia importantes lecciones de vida y el significado de la comedia.
«Los viajes de Sullivan» es famosa por su perspicaz reflexión sobre el arte del cine y el papel del humor en la sociedad. La película ofrece una mezcla única de comedia y contemplación, con excepcionales interpretaciones del reparto. Se considera una obra maestra de la comedia que ha dejado un impacto duradero en el mundo del cine.
Casablanca (1942)
«Casablanca» es una película de 1942. Se trata de un drama romántico clásico dirigido por Michael Curtiz.
La película está ambientada en la Segunda Guerra Mundial y transcurre principalmente en el famoso «Rick’s Café Américain» de Casablanca, Marruecos. La historia sigue a Rick Blaine, interpretado por Humphrey Bogart, el propietario del establecimiento, un hombre cínico y neutral en un mundo trastornado por la guerra. Todo cambia cuando su antiguo amor, Ilsa Lund, interpretada por Ingrid Bergman, regresa a Casablanca con su marido, un combatiente de la resistencia.
«Casablanca» es un drama romántico lleno de romance e intriga. La película es célebre por sus extraordinarias interpretaciones, su brillante guión y su inolvidable banda sonora. Es una obra maestra que capta el encanto y la incertidumbre del periodo bélico y sigue siendo una de las películas más queridas y citadas de la historia del cine.
La strada (1954)
«La Strada» es una película de 1954 dirigida por Federico Fellini. Se trata de una obra maestra del cine italiano, conocida por el mismo título tanto en italiano como en inglés.
La película cuenta la historia de Gelsomina, una joven interpretada por Giulietta Masina, que es vendida por su padre a un rudo artista callejero llamado Zampanò, interpretado por Anthony Quinn. Juntos, viajan por pequeños pueblos, representando espectáculos callejeros. La relación entre ambos es el núcleo de la narración, y la película explora temas como la pobreza, la soledad y la humanidad.
«La Strada» es conocida por su intensa exploración de las emociones humanas y las poderosas interpretaciones de los actores principales. La película ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1957 y se considera un clásico del cine independiente y de arte y ensayo que ha dejado una huella duradera en la historia del cine.
Con faldas y a lo loco (1959)
«Some Like It Hot» es una película de 1959 dirigida por Billy Wilder. Se trata de una comedia de renombre con elementos de comedia romántica y de película de gángsters.
La película cuenta la historia de dos músicos, Joe y Jerry, interpretados por Tony Curtis y Jack Lemmon, que son testigos de una masacre en el hampa y deben esconderse disfrazándose de mujeres y uniéndose a una banda femenina de gira. Marilyn Monroe interpreta a Sugar, una de las miembros de la banda y objeto de los deseos de Joe. Esta situación conduce a una serie de escapadas cómicas y románticas mientras intentan ocultar sus verdaderas identidades.
«Con faldas y a lo loco» es muy apreciada por su humor ingenioso y las memorables interpretaciones del reparto, especialmente la de Marilyn Monroe. Se considera una de las mejores películas cómicas de todos los tiempos y sigue siendo apreciada por su espíritu ingenioso y divertido.
Dos mujeres (1960)
Dos mujeres (en italiano: La ciociara) es una película italiana de comedia dramática de 1960 dirigida por Vittorio De Sica a partir de un guión que escribió junto con Cesare Zavattini, basado en la novela homónima de 1957 de Alberto Moravia. La película está protagonizada por Sophia Loren en el papel de Cesira, una viuda que huye de Roma con su hija Rosetta (Eleonora Brown), de 13 años, durante la Segunda Guerra Mundial. Viajan al pueblo natal de Cesira en el campo, donde se ven atrapadas en el fuego cruzado entre los ejércitos aliado y alemán.
La película fue un éxito comercial y de crítica, y ganó dos premios de la Academia, a la Mejor Actriz (Loren) y al Mejor Guión Adaptado. También fue nominada a otros cinco Oscar, como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz Secundaria (Brown).
Parcela
Cesira es una viuda que regenta una pequeña tienda en Roma. Cuando se intensifican los bombardeos aliados sobre la ciudad, decide huir con su hija Rosetta, de 13 años. Viajan al pueblo natal de Cesira, en el campo, donde esperan encontrar seguridad.
Sin embargo, el pueblo no está a salvo. Está atrapada en el fuego cruzado entre los ejércitos aliado y alemán. Cesira y Rosetta se ven obligadas a huir de nuevo, esta vez a un convento cercano.
En el convento, Cesira y Rosetta están a salvo de los combates. Sin embargo, siguen atormentadas por la violencia que han presenciado. Rosetta está especialmente traumatizada por los acontecimientos y empieza a alejarse de su madre.
Finalmente, la guerra termina. Cesira y Rosetta regresan a Roma, donde empiezan a reconstruir sus vidas. Sin embargo, las cicatrices de la guerra nunca se borrarán del todo.
Recepción crítica
Dos mujeres fue aclamada por la crítica tras su estreno. La película fue elogiada por sus poderosas interpretaciones, su realista retrato de la guerra y su conmovedora historia.
Premios de la Academia
- Mejor actriz: Sophia Loren
- Mejor guión adaptado: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica y Alberto Moravia
Otros premios
- Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa
- Premio BAFTA a la mejor película de habla no inglesa
- Premio David di Donatello a la mejor película
- Premio Nastro d’Argento a la Mejor Película
- Premio Nastro d’Argento a la Mejor Actriz: Sophia Loren
- Premio Nastro d’Argento a la Mejor Actriz de Reparto: Eleonora Brown
Legado
Dos mujeres está considerada una de las mejores películas italianas de todos los tiempos. Es una historia poderosa y conmovedora sobre los horrores de la guerra y la resistencia del espíritu humano.
Harold y Maude (1971)
Harold y Maude (1971) es un clásico de culto de la comedia negra romántica estadounidense dirigida por Hal Ashby. Está protagonizada por Bud Cort en el papel de Harold, un joven obsesionado con la muerte, y Ruth Gordon como Maude, una anciana de espíritu libre que le enseña la importancia de vivir la vida al máximo.
La película sigue el viaje de Harold desde la desesperación suicida hasta un alegre abrazo a la vida, gracias a la influencia de Maude. Por el camino, se enamoran, a pesar de sus 60 años de diferencia de edad.
Harold y Maude es una película única y conmovedora que celebra la belleza de la vida y la importancia de vivir el momento. Es una película que ha resonado en el público durante generaciones y sigue siendo relevante hoy en día.
Éstos son algunos de los temas clave de la película:
- La importancia de vivir la vida al máximo: Maude enseña a Harold que la vida es preciosa y que hay que apreciarla. Le anima a ser espontáneo, a asumir riesgos y a encontrar la alegría en las cosas sencillas de la vida.
- El poder del amor: La historia de amor de Harold y Maude es un testimonio de que el amor puede trascender la edad, la clase social e incluso la muerte. Su amor les enseña a ambos a ser mejores personas y a vivir vidas más plenas.
- El absurdo de la muerte: Se demuestra que la obsesión de Harold por la muerte es, en última instancia, inútil. Maude le ayuda a ver que la muerte es una parte natural de la vida y que no hay que temerla.
Harold y Maude es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de que la veas. Es una película que te hará reír, llorar y pensar. Es una película que te inspirará a vivir tu vida al máximo.
MASH (1970)
MASH (1970) es una comedia negra bélica estadounidense de 1970 dirigida por Robert Altman. La película está basada en la novela de 1968 MASH: A Novel About Three Army Doctors, de Richard Hooker.
La película está ambientada en la Guerra de Corea y sigue la vida de un grupo de médicos y enfermeras del ejército estadounidense que trabajan en un hospital quirúrgico móvil del ejército (MASH). Los médicos, dirigidos por el teniente coronel Benjamin Franklin «Ojo de Halcón» Pierce (Donald Sutherland), utilizan el humor para hacer frente a los horrores de la guerra.
MASH fue un éxito comercial y de crítica, y ganó dos premios de la Academia al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Montaje Cinematográfico. La película fue elogiada por su humor, realismo y mensaje antibelicista.
Éstos son algunos de los temas clave de la película:
- El humor como mecanismo de defensa: Los médicos de MASH utilizan el humor para hacer frente a los horrores de la guerra. El humor es una forma de mantener la cordura y no perder la esperanza.
- El lado oscuro de la guerra: MASH muestra el lado oscuro de la guerra, con escenas de violencia, muerte y sufrimiento. La película no glorifica la guerra, sino que la muestra como una experiencia horrible e inhumana.
- El poder de la amistad: Los médicos de MASH están unidos por un fuerte sentimiento de amistad. La amistad es lo que les ayuda a superar los horrores de la guerra y a mantener su humanidad.
MASH es una película que sigue siendo relevante hoy en día. La película es una importante reflexión sobre la guerra y el poder del humor como mecanismo de defensa.
Detalles adicionales:
- La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de 80 millones de dólares en todo el mundo.
- La película fue nominada a siete premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Sutherland).
- La película se adaptó en una exitosa serie de televisión que se emitió de 1972 a 1983.
Legado:
MASH está considerada una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos. La película es una historia poderosa y conmovedora sobre los horrores de la guerra y la resistencia del espíritu humano.
Annie Hall (1977)
Annie Hall (1977) es una película de comedia romántica y drama dirigida por Woody Allen, que también la protagoniza junto a Diane Keaton. La película sigue la relación entre Alvy Singer (Allen), un neurótico cómico neoyorquino, y Annie Hall (Keaton), una aspirante a actriz de espíritu libre.
La película es conocida por su estilo innovador y rompedor, que incorpora elementos de fantasía, surrealismo y ruptura de la cuarta pared. Allen también utiliza diversas técnicas cinematográficas, como pantallas divididas, animación y subtítulos, para crear una película única y visualmente atractiva.
Annie Hall es una película aclamada por la crítica que ha sido elogiada por su humor inteligente, su retrato realista de las relaciones y su estilo cinematográfico innovador. La película ganó cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz para Keaton y Mejor Guión Original para Allen y Marshall Brickman.
Éstos son algunos de los temas clave de la película:
- La naturaleza del amor y las relaciones: Annie Hall explora la naturaleza compleja y a menudo desordenada del amor y las relaciones. La película muestra que el amor no siempre es fácil, pero que merece la pena luchar por él.
- La importancia de la autoconciencia: Alvy Singer es un personaje profundamente neurótico y obsesionado consigo mismo. Sin embargo, acaba aprendiendo la importancia de ser consciente de sí mismo y de aceptarse como es.
- La importancia de vivir el momento: Annie Hall es un recordatorio de que hay que vivir el momento y apreciar los buenos momentos. La película muestra que la vida es demasiado corta para desperdiciarla en lamentaciones y preocupaciones.
Terms of Endearment (1983)
Terms of Endearment (1983) es una película de comedia dramática dirigida por James L. Brooks y protagonizada por Shirley MacLaine, Debra Winger, Jack Nicholson y Jeff Daniels. La película está basada en la novela homónima de 1979 de Larry McMurtry.
La película sigue la relación entre Aurora Greenway (MacLaine), una mujer ferozmente independiente y obstinada, y su hija, Emma (Winger), una artista sensible y neurótica. La película narra los altibajos de su relación a lo largo de 30 años, mientras se enfrentan a los retos de la vida, el amor y la pérdida.
Terms of Endearment fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 100 millones de dólares en todo el mundo y ganando cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director, mejor actriz para MacLaine, mejor guión adaptado para Brooks y mejor actor de reparto para Nicholson.
La película es conocida por su retrato realista y honesto de la vida familiar, sus momentos reconfortantes y humorísticos, y su impacto emocional. Terms of Endearment es una película clásica que sigue resonando en el público actual.
Éstos son algunos de los temas clave de la película:
- La importancia de la familia: Terms of Endearment es una celebración de la importancia de la familia, aunque las familias puedan ser desordenadas y complicadas. La película muestra que la familia es la base de nuestras vidas, y que siempre debemos apreciar a las personas que queremos.
- El poder del amor: El amor es una fuerza poderosa que puede superar muchos obstáculos. La película muestra que el amor puede trascender generaciones, clases sociales e incluso la muerte.
- La importancia de vivir la vida al máximo: Terms of Endearment es un recordatorio de que hay que vivir la vida al máximo y apreciar cada momento. La película muestra que la vida es demasiado corta para desperdiciarla en lamentaciones y oportunidades perdidas.
El gran Lebowski (1998)
El Gran Lebowski (1998) es una comedia policíaca estadounidense escrita, producida y dirigida por Joel y Ethan Coen. Está protagonizada por Jeff Bridges en el papel de Jeffrey «El Dandy» Lebowski, un holgazán de Los Ángeles y ávido jugador de bolos. La película sigue al Dandy cuando lo confunden con un millonario del mismo nombre y se ve envuelto en una trama de secuestro.
La película también está protagonizada por John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, John Turturro, Ben Gazzara y Philip Seymour Hoffman. Es conocida por sus excéntricos personajes, sus citables diálogos y su singular mezcla de humor y crimen.
El Gran Lebowski fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 46 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 15 millones. Desde entonces se ha convertido en un clásico de culto y se considera una de las mejores películas de los hermanos Coen.
Temas:
- Nihilismo: El Dandy es nihilista, lo que significa que cree que la vida no tiene ningún significado o propósito inherente. Esto se refleja en su actitud relajada y en su negativa a implicarse en los conflictos que le rodean.
- Identidad: El Dandy es confundido constantemente con otras personas, lo que da lugar a una serie de situaciones humorísticas. La película explora la idea de identidad y cómo la construyen los demás.
- El Sueño Americano: El Dandy representa el Sueño Americano, pero de un modo retorcido. Es un vago que vive del paro, pero también está contento y es feliz. La película sugiere que el Sueño Americano no siempre consiste en el éxito material.
Pequeña Miss Sunshine (2006)
Pequeña Miss Sunshine (2006) es una película estadounidense de comedia y drama de carretera escrita por Michael Arndt y dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris. La película está protagonizada por Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Alan Arkin, Paul Dano y Abigail Breslin. Sigue a la familia Hoover, un grupo disfuncional de seis personas, mientras atraviesan el país en coche para inscribir a su hija menor en el concurso de belleza Pequeña Miss Sunshine.
Por el camino, los Hoover afrontan diversos retos, como un autobús averiado, una sobredosis de drogas y un intento de suicidio. Pero a pesar de todo, aprenden a apoyarse mutuamente y a encontrar la fuerza en su vínculo familiar.
Pequeña Miss Sunshine fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 100 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 8 millones. Ganó dos premios de la Academia, al Mejor Guión Original y al Mejor Actor Secundario para Arkin.
Temas:
- La familia: Pequeña Miss Sunshine es una película sobre la importancia de la familia, incluso cuando las familias son disfuncionales. La familia Hoover dista mucho de ser perfecta, pero se quieren y se apoyan en las buenas y en las malas.
- Autoaceptación: Pequeña Miss Sunshine es una película sobre la autoaceptación. Olive Hoover (Breslin) no es una concursante de concursos de belleza convencional, pero aprende a aceptarse por lo que es.
- La importancia de los sueños: Pequeña Miss Sunshine es una película sobre la importancia de seguir tus sueños. Olive Hoover sueña con ganar el concurso Pequeña Miss Sunshine, y su familia apoya su sueño, incluso cuando parece imposible.
500 días de verano (2009)
(500) Días de Verano es una película estadounidense de 2009 de comedia romántica y drama dirigida por Marc Webb y protagonizada por Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel. La película sigue la historia de Tom Hansen, un joven escritor que se enamora de Summer Finn, una mujer cínica que no cree en el amor.
Trama:
Tom Hansen es un joven escritor que trabaja como ayudante en una empresa de tarjetas de felicitación. Un día conoce a Summer Finn, una nueva empleada, y se enamora perdidamente de ella. Summer es una mujer cínica que no cree en el amor, pero Tom está decidido a hacerla cambiar de opinión.
La historia de Tom y Summer se cuenta en un orden no lineal, con Tom reflexionando sobre los 500 días de su relación. Los dos se enamoran rápidamente y pasan momentos felices juntos. Sin embargo, Summer acaba rompiendo con Tom, diciéndole que no está preparada para una relación seria.
Tom está destrozado por la ruptura y tarda mucho tiempo en superarlo. Al final, sin embargo, se da cuenta de que necesita seguir adelante con su vida.
Temas:
- Amor y deseo: (500) Days of Summer es una película sobre el amor y el deseo. Tom es un romántico que cree en el amor verdadero, mientras que Summer es una cínica que no cree en el amor. Su historia explora la naturaleza del amor y el deseo, y cómo pueden ser tanto positivos como negativos.
- Pérdida y duelo: (500) Days of Summer también es una película sobre la pérdida y el duelo. Tom está destrozado por la ruptura con Summer y tarda mucho tiempo en superarlo. Su historia explora el dolor de la pérdida y cómo puede ser difícil seguir adelante.
- Crecimiento y cambio: (500) Days of Summer es, en última instancia, una película sobre el crecimiento y el cambio. Tom es un personaje que crece y cambia a lo largo de la película. Aprende a superar su decepción con Summer y a encontrar la felicidad por sí mismo.
Silver Linings Playbook (2012)
Silver Linings Playbook es una película estadounidense de 2012 de comedia romántica y drama dirigida por David O. Russell y protagonizada por Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver y Chris Tucker. La película sigue la historia de Pat Solitano, un hombre con trastorno bipolar que, tras pasar ocho meses en una institución psiquiátrica, vuelve a vivir con sus padres.
Trama:
Pat Solitano es un antiguo profesor de instituto que padece trastorno bipolar. Tras descubrir que su mujer Nikki le engaña con su mejor amigo, Pat tiene un arrebato de ira y le agrede. Por este motivo, Pat es enviado a una institución psiquiátrica, donde pasa ocho meses.
Tras salir del hospital, Pat vuelve a vivir con sus padres. Está decidido a recuperar a Nikki, pero primero debe aprender a controlar su enfermedad.
Un día, Pat conoce a Tiffany Maxwell, una joven viuda que busca pareja para un concurso de baile. Tiffany es una mujer excéntrica y cínica, pero Pat encuentra en ella a alguien que le comprende.
Pat y Tiffany deciden formar equipo para competir en el concurso de baile. Durante los ensayos, las dos se acercan y se enamoran.
Temas:
- Amor y curación: Silver Linings Playbook es una película sobre el amor y la curación. Pat y Tiffany son dos personas que han sufrido un trauma y necesitan curarse. Su amor es un proceso de curación mutua.
- La familia: Silver Linings Playbook es también una película sobre la familia. Pat es un hombre que ha perdido a su familia. El amor de sus padres y de Tiffany le ayuda a encontrar de nuevo a su familia.
- Esperanza: Silver Linings Playbook es una película sobre la esperanza. Pat es un hombre que ha perdido la esperanza. El amor de Tiffany le ayuda a recuperar la esperanza.
El Gran Hotel Budapest (2014)
El Gran Hotel Budapest (2014) es una película de comedia y drama escrita y dirigida por Wes Anderson. La película está protagonizada por Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Adrien Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton, Léa Seydoux, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson y Tilda Swinton.
La película cuenta la historia de Gustave H., el legendario conserje del Gran Hotel Budapest en la ficticia República de Zubrowka, y su chico de recepción, Zero Moustafa. La historia está ambientada en los años 30, y sigue a Gustave y a Zero mientras se enredan en la investigación de un asesinato.
El Gran Hotel Budapest es una película visualmente impresionante, con el estilo característico de Anderson en plena exhibición. La película también es conocida por sus ingeniosos diálogos, sus excéntricos personajes y su conmovedora historia.
Temas:
- Amistad y lealtad El Gran Hotel Budapest es una película sobre la amistad y la lealtad. Gustave y Zero son dos personas muy diferentes entre sí, pero profundamente leales. Su amistad es uno de los elementos más fuertes de la película.
- La importancia de la bondad: El Gran Hotel Budapest es también una película sobre la importancia de la bondad. Gustave es un hombre amable y compasivo, aunque a menudo esté rodeado de personas crueles y egoístas. Su bondad es una de las cosas que hacen de él un personaje tan simpático.
- El poder de la esperanza: El Gran Hotel Budapest es una película sobre el poder de la esperanza. Aunque Gustave y Zero se enfrentan a muchos retos, nunca pierden la esperanza. Su esperanza es una de las cosas que les ayuda a superar los obstáculos que se encuentran en su camino.
Birdman (2014)
Birdman (2014) es una película de comedia negra y drama dirigida y escrita por Alejandro G. Iñárritu. La película está protagonizada por Michael Keaton en el papel de Riggan Thomson, un actor fracasado que intenta reaparecer dirigiendo, escribiendo y protagonizando una adaptación para Broadway del relato corto de Raymond Carver «De qué hablamos cuando hablamos de amor».
Keaton está respaldado por un reparto que incluye a Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts, Amy Ryan, Zach Galifianakis y Amy Adams.
Birdman es una película visualmente impactante, en la que Iñárritu y el director de fotografía Emmanuel Lubezki utilizan un único plano ininterrumpido para crear la ilusión de una toma continua. La película también es conocida por su humor negro, su aguda sátira y su exploración de temas como el ego, la ambición y el proceso creativo.
Temas:
- Ego: Birdman es una película sobre el ego. Riggan Thomson es un hombre que está tan obsesionado con su propio éxito que está dispuesto a sacrificar todo lo demás para conseguirlo. Su ego es su mayor fuerza y su mayor debilidad.
- La ambición: Birdman es también una película sobre la ambición. Riggan está decidido a volver y demostrar al mundo que sigue siendo relevante. Su ambición le impulsa a trabajar duro y a crear algo realmente especial.
- El proceso creativo: Birdman es una película sobre el proceso creativo. Riggan es un hombre que lucha por crear algo nuevo y original. Duda constantemente de sí mismo y de sus capacidades. Pero al final, aprende que el proceso creativo es desordenado e impredecible, y que lo más importante es ser fiel a uno mismo.
Legado:
Birdman fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 103 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 18 millones. La película ganó cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Fotografía.
Birdman es una película que ha resonado entre el público de todas las edades. Es una película divertida, que invita a la reflexión y visualmente impresionante, que explora la condición humana de un modo único y perspicaz.
The Lobster (2015)
La Langosta (2015) es una película de ciencia ficción y humor negro escrita y dirigida por Yorgos Lanthimos. La película está protagonizada por Colin Farrell, Rachel Weisz, Jessica Barden, Olivia Colman, Ashley Jensen, Ariane Labed, Angeliki Papoulia y John C. Reilly.
La película está ambientada en un futuro distópico en el que a los solteros se les dan 45 días para encontrar una pareja romántica o ser transformados en un animal de su elección. David (Colin Farrell) es un hombre que acaba de ser abandonado por su mujer. Le envían al Hotel, donde le dan 45 días para encontrar pareja.
En el Hotel, David conoce a otros solteros, como una mujer a la que sólo atraen las personas cojas (Jessica Barden), un hombre obsesionado con las hemorragias nasales (John C. Reilly) y una mujer a la que sólo atraen las personas mudas (Léa Seydoux).
David lucha por encontrar pareja en el Hotel. Se siente atraído por una mujer llamada Rachel (Rachel Weisz), pero a ella sólo le atraen los hombres que son más fuertes que ella. David intenta hacerse más fuerte, pero es incapaz de derrotar a Rachel en una pelea.
Al final, David decide escapar del Hotel con Rachel. Se unen a un grupo de rebeldes que viven en el bosque. Los rebeldes han rechazado las normas del Hotel y viven libremente.
David y Raquel se enamoran, pero su relación es difícil. Discuten y se pelean constantemente. Al final, deciden cegarse para que sólo les atraiga la personalidad del otro.
Temas:
- Amor y relaciones: La Langosta es una película sobre el amor y las relaciones. La película explora las distintas formas en que las personas encuentran el amor y los retos de mantener las relaciones.
- La sociedad y la conformidad: La Langosta también es una película sobre la sociedad y la conformidad. La película satiriza el modo en que la sociedad presiona a las personas para que se ajusten a determinados cánones de belleza y comportamiento.
- Elección y libertad: La Langosta es una película sobre la elección y la libertad. La película explora la importancia de tener opciones en la vida y los retos de vivir en un mundo en el que nuestras opciones son limitadas.
Legado:
La Langosta fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 18 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 4 millones. La película ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2015.
Lady Bird (2017)
Lady Bird (2017) es una comedia dramática sobre la mayoría de edad escrita y dirigida por Greta Gerwig en su debut como directora en solitario. La película está protagonizada por Saoirse Ronan en el papel de Christine «Lady Bird» McPherson, una estudiante de último curso de secundaria de Sacramento, California, que anhela abandonar su ciudad natal y asistir a la universidad en la Costa Este.
Lady Bird es un personaje complejo y reconocible. Es inteligente, ambiciosa y apasionada, pero también insegura y egocéntrica. Mantiene una tensa relación con su madre, Marion (Laurie Metcalf), que protege ferozmente a su hija, pero a menudo tiene dificultades para comprenderla.
El último año de instituto de Lady Bird está lleno de altibajos. Experimenta su primer desengaño amoroso, navega por la compleja dinámica social del instituto e intenta averiguar qué quiere hacer con su futuro. También aprende a apreciar a su familia y a sus amigos más que nunca.
Lady Bird es una película bellamente escrita y dirigida que capta la experiencia universal de crecer. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.
Temas:
- La mayoría de edad: Lady Bird es una clásica historia de mayoría de edad sobre una joven que aprende a navegar por el mundo y a encontrar su lugar en él.
- Relaciones madre-hija: La película también explora la compleja relación entre Lady Bird y su madre. Su relación es a menudo tensa, pero al final se quieren y se apoyan mutuamente.
- Autodescubrimiento: Lady Bird es un viaje de autodescubrimiento para el personaje del título. Aprende más sobre sí misma, su familia y su comunidad mientras se prepara para ir a la universidad.
Legado:
Lady Bird fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 79 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 10 millones. La película fue nominada a cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director, mejor actriz para Saoirse Ronan y mejor actriz de reparto para Laurie Metcalf.
Parásito (2019)
Parásito (2019) es una película surcoreana de suspense y comedia dramática dirigida por Bong Joon-ho. La película está protagonizada por Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Park So-dam, Choi Woo-shik, Park Myung-hoon, Lee Jung-eun, Kim Hye-jin y Jung Ziso.
La película cuenta la historia de la familia Kim, una familia pobre que trama ser contratada por la acaudalada familia Park haciéndose pasar por personas no emparentadas y altamente cualificadas.
Parásito es una película oscuramente divertida y llena de suspense que explora los temas de la desigualdad de clases, la injusticia social y la explotación de los pobres por los ricos. Es una película oportuna que invita a la reflexión y que ha calado en el público de todo el mundo.
Temas:
- Desigualdad de clases: Parásito es una película sobre el marcado contraste entre ricos y pobres en Corea del Sur. La familia Kim vive en un estrecho semisótano, mientras que la familia Park vive en una lujosa mansión. La película muestra cómo los ricos y los pobres viven en dos mundos completamente distintos, con muy poca interacción entre ellos.
- La injusticia social: Parásito es también una película sobre la injusticia social y la explotación de los pobres por los ricos. La familia Kim se ve obligada a conspirar y mentir para salir adelante, mientras que la familia Park da por sentado su privilegio. La película muestra cómo el sistema está amañado a favor de los ricos, y cómo a menudo se abandona a los pobres a su suerte.
- La explotación de los pobres: Parásito es también una película sobre la explotación de los pobres por los ricos. La familia Park confía en la familia Kim para que haga todo su trabajo sucio, y les pagan muy poco por ello. La película muestra cómo los ricos explotan a menudo a los pobres sin tener en cuenta su bienestar.
Legado:
Parásito fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 266 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 11 millones. Ganó cuatro premios de la Academia, entre ellos los de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Largometraje Internacional.
Parásito es una película histórica que ha hecho historia como la primera película de habla no inglesa en ganar el Oscar a la Mejor Película. Es una película imprescindible para los amantes de las comedias dramáticas, los thrillers y las películas que exploran importantes cuestiones sociales.
