Las películas históricas nos transportan a un pasado lejano con minuciosas reconstrucciones escenográficas, trajes y costumbres de la época. La película histórica es una auténtica máquina del tiempo. Transportar al público a otra época es uno de los aspectos más fascinantes que han convencido a miles de productores para realizar películas históricas, a veces muy costosas. De hecho, la película histórica adquiere a menudo connotaciones de película colosal y épica.
Las reconstrucciones escenográficas son la parte más costosa de la producción de una película y en el caso de las películas históricas tienen un papel fundamental con un fuerte impacto en el presupuesto. Pensemos, por ejemplo, en las reconstrucciones de ambientes de épocas lejanas realizadas íntegramente en estudios. Las murallas de una antigua ciudad medieval se reconstruyen a tamaño natural con un material ligero de fibra de vidrio. Un material muy resistente capaz de sobrevivir durante décadas tras el rodaje de la película.
O la escenografía es real, pero hay que alquilar costosas localizaciones de una época determinada, como un castillo medieval o una casa noble del siglo XIX. También gracias al vestuario, las películas históricas tienen la capacidad de hacer algo que las demás artes sólo han podido hacer parcialmente: catapultar al espectador a otro espacio y otro tiempo, con increíble verosimilitud. Las películas históricas narran acontecimientos épicos, hechos históricos importantes, mitología y poemas épicos, historias de imperios y civilizaciones desaparecidas.
La película histórica puede atravesar otros géneros cinematográficos, como el catastrofista, en el que se narran las catástrofes naturales ocurridas en una época determinada. O el drama y el género biográfico, como en el caso de Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, donde toda la narración gira en torno a un único héroe principal. Pero el tema de la historia también puede ser un grupo de varias personas y un determinado acontecimiento de cambio social, como revoluciones y guerras. En este caso, la película histórica se une al género del cine bélico.
Teatro de disfraces
Cuando la ambientación histórica aparece como pretexto para mostrar imágenes sugerentes, a menudo podemos definir la película histórica como una película de disfraces. De hecho, el género de películas de época se dirige a un público diferente, y los acontecimientos históricos no desempeñan un papel central en él. Son películas menos exigentes que pueden atravesar distintos géneros cinematográficos. El vestuario y los decorados desempeñan un papel decorativo en la imagen sin estar necesariamente vinculados al contenido.
El documental histórico
Mención aparte merece el documental histórico, que se centra en la reconstrucción de los hechos reales que tuvieron lugar en una época determinada. La reconstrucción tiene lugar a través de escenas ficticias, con decorados, vestuario y entornos reconstruidos. La intención, sin embargo, es la de la reconstrucción minuciosa de los hechos y detalles que pretende contar, partiendo de testimonios y documentos de la actualidad.
El cine religioso y bíblico
Una vertiente especialmente prolífica de las películas históricas a lo largo de la historia del cine es la de las películas bíblicas y religiosas. Iniciado en la época del cine mudo, se convirtió en uno de los géneros más populares de las superproducciones estadounidenses en cuanto se crearon los estudios de Hollywood. Uno de los ejemplos más famosos es la película Los Diez Mandamientos de Cecil B. Demille, enorme colosal sobre los acontecimientos bíblicos del Pueblo de Israel y Moisés.
Películas históricas que no debe perderse
Entre las películas imprescindibles, el género histórico, en todas sus variantes, es uno de los más caros y difíciles de realizar. Entre decorados faraónicos, reconstrucciones de época, trajes oscarizados y cientos de extras, he aquí una breve lista de películas históricas muy interesantes, a veces imperdibles.
Vida y pasión de Cristo (1903)
La segunda adaptación cinematográfica de los relatos evangélicos tras la invención del cine. La película, dividida en 27 cuadros coloreados a mano, narra la vida de Jesús de Nazaret desde su infancia hasta su muerte y resurrección. Uno de los primeros intentos con éxito de una película histórica de disfraces con una escenografía fascinante, realizada en 1903 por Ferdinand Zecca en Francia para la naciente productora Pathè.
El nacimiento de una nación (1915)
Es una película histórica muda de 1915 dirigida por D.W. Griffith. Se considera una obra maestra del cine por sus técnicas innovadoras, pero también es conocida por las polémicas relacionadas con su contenido racista y su celebración del Ku Klux Klan.
La película narra la historia de dos familias durante la Guerra Civil estadounidense y la posterior Reconstrucción. La familia del Sur, los Cameron, representan la nobleza y la tradición, mientras que la familia del Norte, los Stoneman, representan a los republicanos radicales y a los afroamericanos. La película presenta a los afroamericanos como incivilizados, ignorantes y sexualmente pervertidos, mientras que el Ku Klux Klan es presentado como una fuerza salvadora y ejecutora.
La película ha sido criticada por su representación distorsionada de la historia y su promoción del racismo y la supremacía blanca. Sin embargo, también ha sido elogiada por su innovador uso de técnicas cinematográficas como el montaje paralelo y el enfoque selectivo.
La polémica en torno a «El nacimiento de una nación» sigue presente hoy en día, y la película se estudia a menudo en las clases de historia del cine como ejemplo de cómo el arte puede utilizarse para difundir ideologías negativas.
Intolerancia (1916)
Intolerancia es una película muda histórica dirigida por David Wark Griffith que se estrenó en 1916. Se trata de una película épica que narra cuatro historias distintas ambientadas en cuatro periodos históricos diferentes: la antigua Babilonia, la Francia del siglo XVII, la América de principios del siglo XX y la Palestina del siglo I. Las historias se entrelazan para mostrar cómo la intolerancia ha causado sufrimiento a lo largo de la historia.
El Kolossal que cambió la historia del cine aportando ingeniosas y numerosas innovaciones también al lenguaje cinematográfico. Realizada por el legendario director David W. Griffith como respuesta a las acusaciones de racismo por su anterior película, El nacimiento de una nación.
Cuatro historias distintas que abarcan 2.500 años narran en paralelo la intolerancia de la humanidad a lo largo de los tiempos: Los conflictos en la antigua Babilonia, el adulterio y la crucifixión en la historia bíblica de Judea, el Renacimiento francés, los disturbios sociales y los crímenes de la historia estadounidense a principios del siglo XX.
Obra maestra del cine mudo que cambió la historia de Hollywood y del cine. Una de las primeras superproducciones de la historia del cine, una película con decorados y vestuarios increíbles. Al ver esta obra maestra en alta definición en la versión restaurada, uno tiene la impresión de que la espectacularidad de las películas históricas del Hollywood moderno no ha hecho quién sabe qué grandes progresos. Una película tan ambiciosa que sigue siendo, incluso después de un siglo, una de las obras imprescindibles.
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Los Diez Mandamientos (1923)
Los Diez Mandamientos es una película histórica muda dirigida por Cecil B. DeMille que se estrenó en 1923. Es una película épica que narra la historia bíblica de Moisés y su liberación de los israelitas de Egipto.
La película comienza con Moisés, un bebé judío, que es salvado de la muerte por el faraón Seti I. Moisés es adoptado por la hermana del faraón, Miriam, y criado como un príncipe egipcio. Sin embargo, Moisés descubre más tarde su verdadera identidad y se une a los esclavos israelitas.
Moisés conduce a los israelitas fuera de Egipto a través del Mar Rojo. Tras llegar al monte Sinaí, Moisés recibe de Dios los Diez Mandamientos. Los Diez Mandamientos son un conjunto de leyes que Dios da a los israelitas para guiarles en la vida.
Clásico del cine mudo y primera versión de Los Diez Mandamientos dirigida y producida por Cecil B. De Mille. Una película que, para su época, era un colosal de enormes proporciones. De Mille gastó 1,4 millones de dólares en construir una ciudad egipcia cerca de Guadalupe, California.
Estatuas colosales, pirámides, templos y otras construcciones representaban una verdadera maravilla de la ficción cinematográfica. Para evitar que una escenografía tan rica pudiera ser utilizada por otros directores, De Mille prefirió destruirlo todo al final del rodaje.
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El acorazado Potemkin (1925)
El acorazado Potemkin es una película histórica soviética muda dirigida por Sergei Eisenstein que se estrenó en 1925. Es una película histórica que narra el motín de los marineros del crucero acorazado Potemkin Tauride, que tuvo lugar en Odessa en 1905.
La revuelta de los marineros del acorazado Potemkin y los ciudadanos de Odessa contra la despiadada policía del zar, que reacciona con una represalia y lleva a cabo una masacre. Sergei Eisenstein realiza una película por encargo de Goskino, la oficina de cinematografía y producción de películas de la Unión Soviética.
Se trata de una película de «propaganda» para la celebración de la revolución de 1905, pero Eisenstein la convierte en una obra experimental y grandiosa, destinada a cambiar para siempre la historia del cine y del montaje.
El drama de la revolución rusa contado a través de una de las mayores obras maestras del cine. Una película espectacular con una impresionante reconstrucción histórica que ha influido en cientos de directores de sucesivas generaciones
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Napoleón (1927)
«Napoleón» es una épica película histórica muda dirigida por Abel Gance en 1927. Esta película representa un importante ejemplo de innovación técnica y artística en la historia del cine.
La película narra la vida de Napoleón Bonaparte, desde su juventud en Córcega hasta su ascenso al poder como emperador francés y su posterior derrota. La película es conocida por su innovadora visión del cine, en la que se utilizan técnicas como la panorámica, la cámara en mano, el montaje paralelo, la doble exposición, la pantalla dividida y otras innovaciones consideradas asombrosas en la época.
En particular, el director Abel Gance utilizó una tecnología llamada «Polyvision» que empleaba tres proyectores para crear una imagen extremadamente ancha que cubría una porción de 180 grados de la pantalla. Esta técnica era puntera para su época y supuso un avance significativo en la proyección cinematográfica.
La película fue un gran éxito, tanto comercial como artístico, pero también causó problemas financieros por su costosa producción. Además, a pesar de ser un gran éxito inicial, «Napoleón» no obtuvo un gran éxito internacional y su difusión fue limitada.
Alexander Nevsky (1938)
«Alexander Nevsky» es una película histórica de 1938 dirigida por Sergei Eisenstein y Dmitri Vasilyev. La película narra la historia del príncipe ruso Alejandro Nevski, que en el siglo XIII dirigió su ejército para defender Rusia contra los invasores Caballeros Teutónicos.
La película es conocida por sus espectaculares secuencias de batalla, especialmente la batalla en el hielo, en la que el ejército ruso se enfrenta a los Caballeros Teutónicos sobre el hielo del lago Peipus. La escena se rodó con gran esfuerzo, utilizando miles de extras, cientos de caballos y vehículos especialmente construidos para cruzar el hielo.
La película se produjo en un momento en que Rusia se enfrentaba a las amenazas del nazismo en Europa, y por este motivo se utilizó como propaganda política. El personaje de Alexander Nevsky fue presentado como un héroe nacional ruso que defendió su patria contra los invasores extranjeros, creando un fuerte sentimiento de orgullo nacional entre los espectadores soviéticos.
La partitura de la película, compuesta por Sergei Prokofiev, fue especialmente aclamada, ya que utilizaba instrumentos como el coro y el órgano para crear una atmósfera dramática y poderosa.
«Alexander Nevsky» está considerada una de las obras maestras del cine soviético, así como un clásico del cine bélico. La película se ha reeditado y restaurado varias veces a lo largo de los años y sigue considerándose una de las más importantes de la historia del cine ruso.
¿Quo Vadis? (1951)
«¿Quo Vadis?» es una película histórica de 1951 dirigida por Mervyn LeRoy, basada en la novela histórica homónima de Henryk Sienkiewicz, Premio Nobel de Literatura en 1905.
La película cuenta la historia de un oficial romano llamado Marco Vinicio (interpretado por Robert Taylor) que se enamora de la cristiana Ligia (interpretada por Deborah Kerr) durante el reinado del emperador Nerón (interpretado por Peter Ustinov). La trama gira en torno a la lucha de Marco Vinicio por encontrar la fe y su amor por Ligia, a pesar de las persecuciones del Imperio Romano contra los cristianos.
La película fue un gran éxito comercial y ganó varios premios, entre ellos el Oscar al mejor diseño de vestuario y a la mejor dirección artística. La banda sonora, compuesta por Miklós Rózsa, también ganó el Oscar a la mejor banda sonora original.
«¿Quo Vadis?» fue aclamada por su dirección, sus elaboradas escenografías y las interpretaciones de los actores, especialmente la de Peter Ustinov como Nerón. La película también influyó en la representación popular de la antigua Roma en la cultura popular, ya que el vestuario y los ambientes de la película inspiraron muchas películas y producciones teatrales posteriores ambientadas en la misma época histórica.
Los niños de Hiroshima (1952)
Hijos de Hiroshima es una película de drama histórico dirigida por Kaneto Shindo que se estrenó en 1952. La película cuenta la historia de Takako Ishikawa, una profesora que regresa a Hiroshima cuatro años después del bombardeo atómico.
Takako Ishikawa es maestra de escuela en la costa de Hiroshima y lleva 4 años sin volver a su ciudad devastada por la bomba atómica. Su viaje a Hiroshima se convierte en un viaje a su patria destruida, en busca de viejos amigos supervivientes. La ciudad está casi reconstruida, pero la tragedia sigue muy presente: los rostros desfigurados, los miembros arrugados, las mujeres estériles y los niños discapacitados sin alegría. En un anciano ciego acompañado de su sobrino Taro Takako reconoce al criado de su familia, destruido con la casa.
Película japonesa que da testimonio de un momento dramático de la historia como la explosión de la bomba en Hiroshima. El director Kaneto Shindo adopta un estilo lírico e intenso, describiendo los detalles de la historia con gran realismo. Rodada en 1953 y seleccionada en competición en el Festival de Cannes. La obra maestra de un director japonés poco conocido en Occidente.
Ver Los niños de Hiroshima
Ugetsu (1953)
Ugetsu (1953) es un drama histórico dirigido por el cineasta japonés Kenji Mizoguchi. La película está ambientada en el Japón del siglo XVI y cuenta dos historias entrelazadas:
Japón, finales del siglo XVI: el alfarero Genjurō y su hermano Tobei viven con sus esposas Miyagi y Ohama en un pueblo de la región de Omi; Genjurō, convencido de que puede ganar mucho dinero vendiendo sus mercancías en la ciudad cercana, viaja al condado de Omizo junto con Tobei, que se une a él con el único propósito de poder convertirse en samurái.
Una de las grandes obras maestras de la historia del cine firmada por el director japonés Kenji Mizoguchi. Ambientación histórica en un Japón oscuro y sangriento que parece el infierno en la tierra. Una historia esotérica universal sobre la tentación demoníaca disfrazada de pasión amorosa. Si nunca has visto esta película japonesa, tienes que verla.
Ver Ugetsu
Las puertas del infierno (1953)
La puerta del infierno (1953) es una película japonesa de drama histórico dirigida por Teinosuke Kinugasa. La película está ambientada en el Japón feudal y cuenta la historia de Morito, un samurái que salva la vida de su señor y obtiene el derecho a cumplir un deseo.
Durante la Rebelión de Heiji en Japón en 1159, el señor Kiyomori abandonó su castillo para luchar. Mientras está ausente, algunos señores locales intentan dar un golpe de estado para apoderarse del castillo de Sanjo. El samurái Endō Morito escolta a la dama de compañía Kesa en su salida del palacio disfrazada de hermana del daimyō, lo que da tiempo a su padre y a su hermana real a escapar sin ser vistos.
Gema del cine japonés olvidada en Occidente, ganadora de un Oscar por el diseño de vestuario, Gate of Hell es una película muy figurativa. La reproducción de los trajes y decorados del Japón medieval es sumamente fascinante. Una sociedad en guerra en la que la arrogancia y la brutalidad de los samuráis son esenciales para sobrevivir. De nuevo un tema recurrente en la cinematografía art house japonesa: el amor enfermizo, la posesividad, la incapacidad para gestionar las pasiones sentimentales llevan al hombre a destruirse a sí mismo y al mundo que le rodea.
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Ben-Hur (1959)
«Ben-Hur» es una película épica histórica de 1959 dirigida por William Wyler, basada en la novela de 1880 «Ben-Hur: A Tale of the Christ» de Lew Wallace. La película ganó once premios de la Academia, incluido el de mejor película, y fue un gran éxito de crítica y público.
La película sigue la vida de Judá Ben-Hur, un noble judío que vive en la época de Jesucristo. Tras ser acusado falsamente de un crimen y condenado a años de trabajos forzados, Ben-Hur jura vengarse de su antiguo amigo y compañero de estudios, Mesala, por haberle traicionado.
La historia de Ben-Hur se entrelaza con la de Jesucristo, que se presenta como un personaje de fondo pero influyente en la trama. La película culmina con una espectacular escena de carreras de cuadrigas en el Circo Máximo de Roma, en la que Ben-Hur compite contra Mesala. El reparto de la película incluye a Charlton Heston como Judah Ben-Hur, Jack Hawkins como el patricio romano Quintus Arrio, Stephen Boyd como Messala y Haya Harareet como Esther, la amiga de la infancia de Ben-Hur.
La película fue un gran éxito por su dirección, guión, interpretación y efectos especiales, especialmente la escena de la carrera de cuadrigas, aclamada como una de las secuencias más épicas de la historia del cine. La película se ha convertido en un clásico del cine y sigue siendo vista y amada por muchas personas en todo el mundo.
Spartacus (1960)
«Espartaco» es una película épica histórica de 1960 dirigida por Stanley Kubrick, basada en la historia real de Espartaco, un gladiador esclavo que lideró una revuelta contra el dominio romano en el año 73 a.C.
La película está protagonizada por Kirk Douglas en el papel principal, y cuenta con un reparto de lujo, que incluye a Laurence Olivier, Jean Simmons, Peter Ustinov y Charles Laughton. El guión fue escrito por Dalton Trumbo, que había sufrido las consecuencias del macartismo en Hollywood.
La trama de la película sigue la historia de Espartaco, un gladiador esclavizado que es entrenado para luchar en la ciudad de Capua. Tras una humillante derrota contra un gladiador romano, Espartaco lidera una revuelta contra sus opresores y pronto se le unen más esclavos que quieren su libertad. Juntos forman un ejército de rebeldes que desafía al ejército romano en una serie de batallas épicas.
La película ganó cuatro premios de la Academia, entre ellos el de mejor fotografía y mejor actor de reparto por la interpretación de Ustinov. Se convirtió en un clásico del cine e influyó en muchas películas épicas posteriores, con su representación icónica de una revuelta contra un opresor tiránico.
El Evangelio según San Mateo (1964)
El Evangelio según San Mateo (1964) es una película histórica dirigida por el cineasta italiano Pier Paolo Pasolini. La película es una adaptación cinematográfica del Evangelio de Mateo, uno de los cuatro evangelios canónicos del Nuevo Testamento.
Relato fiel de la vida de Jesucristo tomado del Evangelio de Mateo, la película comienza con el anuncio a María del nacimiento del hijo de Dios, para mostrar su matrimonio con José y la huida a Egipto para escapar de la masacre de los inocentes. ù
En la segunda parte vemos a Jesús, ya adulto, superar las tentaciones en el desierto y luego partir hacia Israel, junto con los Apóstoles, para predicar la palabra de Dios, hasta su crucifixión y resurrección.
Película del gran director y poeta italiano Pierpaolo Pasolini, interpretada por actores no profesionales y campesinos, siguiendo el estilo del neorrealismo. El Evangelio según San Mateo suscitó muchas discusiones por su visión laica de la historia religiosa. Bloqueado por la censura, consiguió del director una denuncia por desacato a la religión.
Simón del desierto (1965)
Es una película surrealista e histórica de 1965 dirigida por el director Luis Buñuel. La película cuenta la historia de Simón (interpretado por Claudio Brook), un santo que vive en lo alto de un pilar en el desierto para intentar alcanzar la perfección espiritual.
La película es una sátira de la ambición humana y la religión organizada. Simón es considerado un santo por muchas personas que se reúnen en torno a su columna, pero la película también muestra lo corrupta que está la humanidad y cómo sus seguidores intentan manipular su imagen para sus propios fines.
La película es conocida por su estructura surrealista y sus numerosas imágenes simbólicas. Buñuel utiliza a menudo imágenes de choque para crear una fuerte impresión en el espectador, y hay muchas escenas que pueden interpretarse de diferentes maneras.
Es una película que trata temas muy complejos, como la religión, la imagen pública y la corrupción humana, a través de un lenguaje visual muy fuerte y original. Si le apasiona el cine de autor puede ser una excelente elección.
La batalla de Argel (1966)
Es una famosa película histórica de 1966 dirigida por Gillo Pontecorvo que narra la historia de la revolución argelina contra el dominio colonial francés en la década de 1950.
La película se centra en los acontecimientos que condujeron a la fundación del Frente Argelino de Liberación Nacional (FLN) y en la lucha armada contra el ejército francés, destacando las estrategias empleadas por los dos bandos en el conflicto.
La película se rodó con un estilo realista y documental, utilizando un reparto compuesto principalmente por actores no profesionales y reproduciendo con precisión los lugares reales de los hechos.
La película se centra especialmente en la figura de Ali La Pointe, un joven argelino que se convierte en uno de los líderes de la resistencia, y en el coronel Mathieu, el oficial francés encargado de reprimir la revuelta.
La película fue aclamada por la crítica y ganó numerosos premios, incluido el León de Oro en el Festival de Venecia. Se considera un clásico del cine político y un importante documento histórico sobre la Guerra de Independencia argelina.
Aguirre, la cólera de Dios (1972)
Es una película histórica de 1972 dirigida por Werner Herzog, ambientada en la expedición española del siglo XVI en busca de la legendaria ciudad dorada de El Dorado. La película se centra en la figura de Don Lope de Aguirre, interpretado por Klaus Kinski, un ambicioso conquistador español que lidera la expedición a la selva amazónica.
La película se rodó en gran parte en Perú, con actores locales para los papeles de los nativos americanos. La película obtuvo un gran éxito comercial y de crítica, convirtiéndose en una de las películas más famosas de Herzog y en una de las obras maestras del cine de autor de la década de 1970.
La película es especialmente conocida por la icónica interpretación de Kinski, que dio vida a uno de los personajes más memorables del cine. La película tiene una fuerte carga simbólica y metafórica, y explora temas como la ambición, la locura, la corrupción y el descenso hacia la autodestrucción.
La banda sonora de la película, compuesta por Popol Vuh, un grupo alemán de música new age, también fue muy elogiada, ya que ayudó a crear la atmósfera surrealista y misteriosa de la película.
Se trata de una película de gran importancia histórica y cultural, que influyó profundamente en el cine de autor de los años siguientes. Su estilo único y la inolvidable interpretación de Klaus Kinski la convierten en piedra angular del cine alemán y mundial.
Barry Lyndon (1975)
Barry Lyndon es una película histórica de 1975 dirigida por Stanley Kubrick y basada en la novela «Las memorias de Barry Lyndon» de William Makepeace Thackeray. Ambientada en la segunda mitad del siglo XVIII, la película cuenta la historia de Redmond Barry, un joven irlandés de origen humilde que intenta ascender en la escala social para convertirse en noble.
La película fue aclamada por su belleza visual, con fotografía de John Alcott y diseño de vestuario de Milena Canonero, ambos galardonados con premios de la Academia por su trabajo. La elección de Kubrick de utilizar únicamente luz natural en la fotografía ha creado imágenes muy realistas y evocadoras.
La película también es conocida por su duración y su ritmo lento, lo que la convierte en todo un reto para algunos espectadores. Sin embargo, muchos aprecian el minucioso cuidado y la atención que Kubrick ha dedicado a reconstruir la época, creando una experiencia cinematográfica envolvente.
Barry Lyndon recibió siete nominaciones a los premios de la Academia, ganando cuatro por cinematografía, diseño de vestuario, diseño de producción y partitura. Aunque la película no fue un gran éxito de taquilla en su estreno, ahora se considera una de las obras maestras de Kubrick y una de las mejores películas sobre la vida en el siglo XVIII.
1900 (1976)
La película fue dirigida por Bernardo Bertolucci en 1976. Es una película histórica y política que cuenta la historia de dos familias, una campesina y otra aristocrática, desde principios del siglo XX hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, a través de las vidas de sus hijos, Alfredo (interpretado por Robert De Niro) y Olmo (interpretado por Gérard Depardieu).
La película aborda temas como la lucha de clases, la opresión y la resistencia política, y muestra la brecha entre los dos mundos, el de los campesinos pobres y el de los nobles terratenientes, y cómo el advenimiento del fascismo les da la vuelta.
La película dura más de cinco horas y se hizo en dos partes de unas dos horas y media cada una. El reparto de la película está repleto de estrellas del cine internacional, entre las que figuran, además de De Niro y Depardieu, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Sterling Hayden y Dominique Sanda.
1900 recibió críticas dispares en su estreno, pero está considerada una de las películas más importantes de la filmografía de Bertolucci y una obra maestra del cine italiano. Su duración y complejidad la convierten en una película difícil, pero su épica narrativa y su fuerte carga política la convierten en una obra memorable e inolvidable.
Sebastiane (1976)
Sebastiane (1976) es un drama británico-romano, película histórica dirigida por Derek Jarman. La película está ambientada en la antigua Roma y cuenta la historia de Sebastián, un soldado romano que es martirizado por su fe cristiana.
En el siglo III después de Cristo, Sebastiane formaba parte de la guardia del emperador Diocleciano. Cuando intenta evitar el asesinato de una de las prometidas del emperador, es severamente castigado, privado de su cargo y enviado al exilio a un lugar lejano. La gente cree que Sebastiane es un cristiano primitivo, pero en realidad rinde culto al dios Febo Apolo, con el que sublima su atracción erótica por los cuerpos masculinos.
Reinterpretación de la historia de San Sebastiano a través de los evangelios apócrifos firmada por el director icono del movimiento gay Derek Jarman. Una poderosa metáfora histórica sobre la discriminación y la persecución de la homosexualidad. Tras su estreno, la película provocó un escándalo en Inglaterra y fue censurada en muchos otros países. De hecho, los cadáveres y efusiones amorosas de los centuriones romanos se muestran sin filtros. La película fue realizada por Jarman con diálogos en directo en latín.
Ver Sebastiane
El nombre de la rosa (1986)
Es una película histórica de 1986 dirigida por Jean Jacques Annaud, basada en la novela homónima de Umberto Eco. La película está ambientada en el siglo XIV en una abadía benedictina donde se producen una serie de misteriosos asesinatos. El protagonista, interpretado por Sean Connery, es un fraile franciscano llamado Guillermo de Baskerville, que es llamado para investigar los asesinatos junto con su ayudante Adso de Melk, interpretado por Christian Slater.
A lo largo de la película, Guglielmo utiliza sus conocimientos de filosofía y ciencia para resolver crímenes, mientras Adso se enamora de una joven que vive en la abadía. La película también explora las tensiones entre la Iglesia y las instituciones laicas, así como la lucha por el poder dentro de la propia abadía.
La película fue un gran éxito de taquilla y recibió muchas críticas positivas de los críticos, que alabaron su fidelidad a la novela de Eco, su impresionante fotografía y las sólidas interpretaciones de los actores principales. La película también fue nominada a numerosos premios, y ganó el César a la mejor fotografía y el BAFTA al mejor diseño de producción.
Se trata de una película convincente y visualmente impactante que aborda temas importantes como la religión, la ciencia y el poder, ofreciendo al espectador una evocadora visión de la vida en la Edad Media.
Ran (1987)
«Ran» es una película épica histórica japonesa de 1985 dirigida por Akira Kurosawa. La película se inspira en la obra de Shakespeare «El Rey Lear» y sigue la historia de Hidetora Ichimonji, un caudillo japonés que decide dividir su reino entre sus tres hijos en lugar de traspasarlo a su heredero natural, lo que provoca agitación y tragedia.
La película es conocida por su espectacular fotografía, el uso del color y su banda sonora. También ha sido alabado por su capacidad para transmitir una sensación de grandeza y tragedia mediante el uso de imágenes poderosas y simbólicas.
«Ran» ha recibido numerosas nominaciones y premios, entre ellos una nominación al Oscar al mejor director y una victoria en el Festival de Cannes como mejor director. Está considerada una de las obras maestras de Kurosawa y una de las películas más importantes de la historia del cine japonés.
El último emperador (1987)
La película fue dirigida por Bernardo Bertolucci y estrenada en 1987. Se trata de un biopic, película histórica sobre la vida del último emperador chino, Pu Yi, interpretado por tres actores diferentes según la edad del personaje.
La historia comienza con el destronamiento de Pu Yi por el gobierno comunista chino y luego pasa a mostrar su vida como emperador, empezando por su coronación a los tres años. La película sigue a Pu Yi durante su infancia, adolescencia y edad adulta, mostrando sus relaciones con sus consejeros, su familia, sus esposas y otros miembros de la corte imperial.
La película ganó nueve premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor guión original. También ha recibido otros muchos premios y reconocimientos internacionales. La película fue elogiada por su reconstrucción fiel a la época y su atención al detalle, así como por las interpretaciones de los actores, la banda sonora y la fotografía.
Es una película que cuenta la historia de un hombre que pasó por una experiencia extraordinaria, pero finalmente descubrió que su vida había cambiado para siempre. La película ofrece una interesante visión del imperio chino del siglo XX, una civilización milenaria que experimentó profundos cambios políticos y sociales a lo largo del siglo XX.
Kundun (1997)
«Kundun» es una película histórica de 1997 dirigida por Martin Scorsese que narra la vida del Dalai Lama Tenzin Gyatso, desde los dos años hasta su huida a la India en 1959, debido a la invasión del Tíbet por la China comunista.
La película es una fiel representación de la vida del Dalai Lama, interpretado por el actor tibetano Tenzin Thuthob Tsarong. La historia comienza cuando el joven Tenzin es elegido como la reencarnación del Decimotercer Dalai Lama, y muestra su educación y ascenso al poder durante una época tumultuosa de la historia del Tíbet.
La película también explora la compleja relación entre el Tíbet y China, que condujo a la conquista del Tíbet y al exilio del Dalai Lama. Scorsese adopta un enfoque poético y espiritual en su descripción de la vida del Dalai Lama, utilizando imágenes evocadoras y una banda sonora evocadora para evocar una sensación de espiritualidad y paz interior.
La película recibió críticas positivas de la crítica y fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor fotografía. «Kundun» es un retrato conmovedor y poético de la vida del Dalai Lama y su lucha por mantener la paz y la espiritualidad en su tierra natal.
Cantar detrás de las pantallas (2003)
Es una película histórica de 2003 dirigida por el realizador Ermanno Olmi y protagonizada por Hiroshi Abe, Béatrice Romand y Jacques Gamblin. La película es una coproducción internacional entre Italia, Francia y Japón, y se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 2003.
La trama de la película se desarrolla durante la era Meiji del Japón del siglo XIX. La historia sigue a un joven estudiante de medicina japonés, Muzuki, que es enviado a una remota isla de Japón para ayudar al médico local. Durante su estancia en la isla, Muzuki conoce a una joven francesa llamada Alice, que vive con su padre, un conocido artista. Muzuki se enamora de Alice, pero tiene que hacer frente a las dificultades de una relación intercultural y a las tensiones políticas que están surgiendo en Japón en ese momento.
La película destaca por su estética visual, con un cuidadoso uso del color y la luz para crear una atmósfera onírica y de ensueño. La banda sonora de la película también es impresionante, con música compuesta por Ennio Morricone.
Es una película muy poética y sensible, que explora temas como el amor, la identidad cultural y el conflicto entre tradición y modernidad. Es una obra lírica y delicada que cautiva al espectador por su belleza visual y su profundidad emocional.
Apocalypto (2006)
Apocalypto es una película de acción, aventuras e historia dirigida por Mel Gibson y estrenada en 2006. La trama se desarrolla en la Mesoamérica del siglo XV y sigue la vida de un joven cazador maya llamado Garra de Jaguar, interpretado por Rudy Youngblood.
La historia comienza con un ataque sorpresa de una tribu enemiga que se lleva a Garra de Jaguar y a muchos otros miembros de su tribu como cautivos para sacrificios humanos. La mujer de Pata de Jaguar y su hijo pequeño consiguen esconderse en un agujero en el suelo, mientras él intenta desesperadamente encontrar una forma de escapar y volver con su familia.
La película presenta muchas escenas de violencia y sacrificios humanos, así como descripciones realistas de las antiguas prácticas mayas y de la cultura de Mesoamérica. La historia se desarrolla a través de la acción y la tensión mientras Garra de Jaguar intenta escapar de su cautiverio y salvar a su familia.
La película recibió una nominación al Oscar a la mejor fotografía y fue aclamada por la crítica por su fidelidad histórica y su capacidad para mostrar con autenticidad la cultura maya. Sin embargo, la película también ha sido criticada por su descripción excesivamente violenta y estereotipada de los pueblos indígenas. Apocalypto es una película de acción apasionante y espectacular que ofrece una mirada a una época y una cultura antiguas.
Zoe (2008)
Los horrores de la guerra y la ocupación nazi en Piamonte, una película sobre la Resistencia en forma de cuento de hadas nunca se había visto antes. Con Francesco Baccini, Serena Grandi y Bebo Storti.
Premiada en el Salento International Film, en el MIFF Milano International Film Festival (Mejor Montaje), en el Terre di Siena Film Festival (Premio de la Crítica «Music Feel»), en el Brazov Film Festival (Mejor Vestuario), en el Busseto Film Music Festival ( Mejor Banda Sonora), en el Festival Internacional «Historias de la Historia» (Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz de Reparto).
El monje (2011)
El monje (2011) es una película histórica, de suspense, dirigida por Dominik Moll y protagonizada por Vincent Cassel y Geraldine Chaplin. La película es una adaptación de la novela homónima, un clásico de la literatura gótica escrito por Matthew Gregory Lewis en 1796.
En la España del siglo XVII, un niño es abandonado en la puerta de un monasterio. De adulto se convertirá en el padre capuchino Ambrosio. Criado con los frailes, es estimado por haber sido siempre un incorruptible hombre de Dios, de gran rigor moral y espiritual. Ambrosio es un ejemplo para los demás. Sin embargo, de repente se ve enfrentado a tentaciones debido a un hombre que llega al convento.
Una de las mejores películas Históricas ambientadas en la Edad Media, realizada en 2011. Rodada en una claustrofóbica localización entre los muros de un convento medieval, similar a la de la famosa novela de Umberto Eco El nombre de la rosa, El monje, interpretado por Vincent Cassel, es una película francesa, dirigida por Dominik Moll. Un equilibrio entre el drama y el thriller que también se funde parcialmente con el género de terror. El tema es el de la posesión satánica que destruye al hombre a través de la belleza y la seducción. Pero también es el tema opuesto: el hombre de Dios extremadamente riguroso, que mortifica el cuerpo, que se convierte en víctima de un terrible fanatismo espiritual.
El hijo de Saúl (2015)
Es una película histórica húngara de 2015 dirigida por László Nemes e interpretada por Géza Röhrig. La película ganó el Gran Premio en el Festival de Cannes de 2015 y fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
La película está ambientada en el campo de concentración de Auschwitz durante el Holocausto. La historia sigue la vida de Saul Ausländer, un prisionero judío que trabaja como miembro del Sonderkommando, un grupo de prisioneros obligados a trabajar en los crematorios y cámaras de gas del campo. Mientras trabaja, Saul descubre el cadáver de un niño que cree que es su hijo y decide darle al pequeño un entierro apropiado.
La trama de la película es muy cruda e inquietante, y muestra el horror del Holocausto y el papel que los prisioneros judíos se ven obligados a desempeñar en los campos de concentración. La dirección de Nemes es especialmente interesante, ya que la mayor parte de la película está rodada en primer plano sobre el rostro del protagonista, lo que crea una sensación de claustrofobia y aislamiento. La película fue aclamada por la crítica por su descripción realista y respetuosa del Holocausto, así como por las interpretaciones de los actores.
Es una película poderosa y conmovedora que pone de relieve la brutalidad y la humanidad del Holocausto. No es una película fácil de ver, pero es un importante testimonio de uno de los periodos más oscuros de la historia de la humanidad.
Silencio (2016)
«Silencio» es una película histórica de 2016 dirigida por Martin Scorsese, basada en la novela histórica homónima de Shūsaku Endō de 1966. La película está ambientada en el siglo XVII y sigue la historia de dos jóvenes sacerdotes jesuitas portugueses, Sebastião Rodrigues (interpretado por Andrew Garfield) y Francisco Garupe (interpretado por Adam Driver), que viajan a Japón para encontrar a su mentor, el padre Ferreira ( interpretado por Liam Neeson), de quien se dice que ha caído en la apostasía.
Durante su viaje, los dos jóvenes sacerdotes se encuentran con un país extremadamente hostil al cristianismo, donde los cristianos son perseguidos y asesinados. La película escenifica su lucha por encontrar a su padre Ferreira y su experiencia de fe frente a la violencia y el sufrimiento.
La película es una profunda reflexión sobre la fe, la duda y el sufrimiento, y aborda temas universales como la búsqueda de sentido en situaciones difíciles, la coherencia de los propios valores frente a la adversidad y la tensión entre la libertad personal y el respeto a las culturas y tradiciones ajenas.
Silencio» ha recibido muchas críticas positivas por la dirección de Scorsese, la impresionante fotografía, el guión y las interpretaciones de los actores. Sin embargo, también fue criticada por ser una película lenta con una trama complicada y pesada.
«Silencio» es una película desafiante pero profunda, que aborda temas existenciales universales de forma cuidadosa y respetuosa.
El hombre del norte (2022)
«The Northman» es una película de acción, historia y aventuras dirigida por Robert Eggers de 2022. La película está ambientada en la Islandia del siglo X y sigue la historia de un joven vikingo, interpretado por Alexander Skarsgård, que busca venganza por la muerte de su padre.
El reparto de la película también incluye a Anya Taylor-Joy, Nicole Kidman, Willem Dafoe, Ethan Hawke y Björk. La banda sonora fue compuesta por Mark Korven.
El director Robert Eggers es más conocido por haber dirigido «La bruja» y «El faro», y «El hombre del norte» mantiene el mismo tono oscuro e inquietante de sus anteriores películas.
La película se rodó en diversos lugares, entre ellos Irlanda del Norte y Nueva Zelanda, con una ambientación espectacular y una fotografía asombrosa.
«The Northman» es una historia épica de venganza y tiene un fuerte impacto visual, gracias a la dirección de Eggers y al reparto de actores de talento.
Babylon (2023)
«Babylon» es una película de drama histórico dirigida por Damien Chazelle, el director ganador de un Oscar por «La La Land». La película está ambientada en la Edad de Oro de Hollywood, en los años veinte, y sigue la historia de una joven actriz y un chófer negro que luchan por establecerse en la industria cinematográfica.
El reparto de la película incluye a varios actores de talento como Margot Robbie, Brad Pitt, Diego Calva, Li Jun Li, Jovan Adepo, Olivia Wilde, Max Minghella y Katherine Waterston, entre otros.
Manny Torres, un inmigrante mexicano que ha salido de la pobreza para convertirse en un productor cinematográfico de éxito, lucha por hacerse un hueco en la nueva era del cine. Se debate entre su lealtad a su estrella del cine mudo, Norma Desmond, y su deseo de abrazar el futuro del cine sonoro.
Norma Desmond es una estrella del cine mudo que se niega a abandonar su carrera. Está desesperada por volver, pero su anticuado estilo interpretativo y los nuevos tiempos le dificultan encontrar trabajo.
La película lleva varios años en producción y el director ha declarado que la ve como un homenaje al Hollywood clásico, tanto en términos de estilo como de narración, y ha sido descrita como una epopeya que explora el lado oscuro de la industria cinematográfica , con temas como el poder, la corrupción y la lucha por la igualdad de género y racial.
