Películas de guerra para ver

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Índice

Las películas bélicas son un género cinematográfico que incluye combates bélicos, marítimos, aéreos o terrestres, con escenas de batalla. Es un género cinematográfico relacionado con la historia del siglo XX. Desde principios del siglo XX se han producido numerosas películas bélicas, algunas de las cuales son obras maestras y de obligado visionado.

El carácter agitado de las escenas de lucha sugiere que las películas bélicas suelen terminar con una batalla final. Los temas tratados en las películas de guerra incluyen la retirada, la batalla y la supervivencia, la amistad entre soldados, el sacrificio, la futilidad y la inhumanidad de la guerra, los efectos de la guerra en la cultura y las preocupaciones humanas y éticas sobre la guerra.

Las películas bélicas suelen clasificarse según su ambientación y conflicto; uno de los temas más frecuentes es la Segunda Guerra Mundial. Las películas bélicas pueden ser de ficción, dramas históricos o, con menos frecuencia, biopics. Hay varias similitudes entre la película del oeste y la película bélica.

películas de guerra

Países como China, Indonesia, Japón y Rusia tienen sus propias producciones de cine bélico, a menudo centradas en la guerra de independencia pero explorando distintos géneros, desde la acción y el drama histórico hasta el cine bélico romántico.

Los subgéneros son las películas antibelicistas, las de propaganda, los docudramas y las comedias. Del mismo modo, existen subgéneros de la película de batallas en lugares concretos, como el Desierto Occidental del Norte de África y el Pacífico en la Segunda Guerra Mundial, Vietnam o la guerra soviético-afgana; e incluso películas ambientadas en determinados departamentos bélicos, como infantería, aviación, submarinos o campos de prisioneros.

El director Samuel Fuller definió la categoría afirmando que «el objetivo de una película bélica, por muy individual o psicológica que sea, es hacer que el público sienta realmente la guerra». Las películas bélicas no tienen los límites oficiales de un género como el western, pero tratan de batallas contemporáneas, especialmente de la Segunda Guerra Mundial.

Existen algunas similitudes entre la categoría de película bélica y la de western. Las películas bélicas suelen mostrar la Segunda Guerra Mundial como una disputa entre «buenos» y «malos», tal y como defienden la presión aliada y la Alemania nazi, mientras que el Oeste describe la cuestión entre la población occidental y la autóctona.

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El fugitivo (1910)

Es un cortometraje dirigido por DW Griffith. El guión era de John MacDonagh, que más tarde lucharía en el Alzamiento de Pascua bajo el mando de su hermano, Thomas MacDonagh, entre los 7 notarios de la Proclamación de la República Irlandesa, que llevarían a cabo los británicos más otros 15 líderes tras la Revuelta.

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Batalla y caída de Przemysl (1915)

Es un documental de guerra filmado en el Frente Oriental por el principal fotógrafo de batallas de las Potencias Centrales, Albert K. Dawson. Sus 4 bobinas ilustran el asedio de Przemyśl, temible para los austriacos, con casos recreados utilizando soldados como testigos.

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La gran ilusión (1937)

Es una película francesa dirigida por Jean Renoir en 1937. Para determinar el impacto de esta obra de Jean Renoir en los prisioneros de guerra franceses de la Primera Guerra Mundial y también en sus captores alemanes, vale la pena considerar que en realidad él no quería que se viera.

Joseph Goebbels la despreciaba, sobre todo por la forma en que sus críticas a la I Guerra Mundial se reflejaban severamente en Alemania al comenzar la II Guerra Mundial, proclamando a la película «enemigo público cinematográfico nº 1».

No sólo Alemania encontró problemática la película. Reestrenada en Francia en 1946, la película no gustó a muchos críticos franceses, debido a su descripción de las conexiones entre policías alemanes y franceses y a su perspectiva pacifista. Años después, la gran calidad puesta en la película supera estas ideas políticas.

Renoir llena La Grand Illusion de mensajes esperanzadores de que la humanidad normal puede superar el nacionalismo, pero también de la sensación de que la guerra puede ser un entrenamiento para alcanzar la verdadera ética. Es una sensacional expresión de humanismo.

Chocolate y soldados (1938)

Es una película japonesa dirigida por Sato Takeshi. Revela al típico soldado japonés como soldado raso y como hombre casado, a la vez que presenta a los soldados chinos contrarios como personas valientes. Se cree que es una película «humanista», que presta mucha atención a los sentimientos humanos tanto del soldado como de su familia.

Un padre de familia es llamado y enviado al frente. Se comunica con su familia escribiendo cartas: consisten en envoltorios de chocolate recogidos por sus amigos; su hijo está recogiendo envoltorios para canjear una caja de bombones totalmente gratis. El hombre se ofrece voluntario para un acto de valentía, alistándose en un escuadrón suicida.

Antes de partir, brinda en una copa que le ofrece su hijo y, como ocurre en otras películas «humanistas», sonríe para mostrar su objetivo de morir con sus amigos. El niño recibe la noticia de la muerte de su padre al mismo tiempo que los bombones de cortesía. Jura venganza; el negocio del chocolate le proporciona una beca.

El director estadounidense Frank Capra dijo de Chocolate and Soldiers: «No podemos superar este ejemplo. Quizá dentro de un año hagamos una película así. No tenemos los actores». Chocolate y soldados ofrece una visión propagandística de los nobles y leales militares japoneses que luchan por salvaguardar al emperador y a Japón, y estaba dirigida al público de la nación.

Alexander Nevsky (1938)

Es un drama bélico y película histórica soviética de 1938 dirigida por Sergey Eisenstein. Retrata el intento de intrusión en Nóvgorod en el siglo XIII por parte de los Caballeros Teutónicos del Sacro Imperio Romano Germánico y su derrota por el príncipe Alejandro, conocido como Alexander Nevsky.

Eisenstein realizó la película en asociación con Dmitri Vasilyev y con un guión coescrito con Pyotr Pavlenko; ambos fueron contratados para garantizar que Eisenstein no se perdiera en el «formalismo» y para ayudar en el rodaje.

Fue producida por Goskino bajo el sistema de producción Mosmovie, con Nikolai Cherkasov en el papel principal y un arreglo musical de Sergei Prokofiev. Alexander Nevsky fue la primera y más popular de las 3 películas sonoras de Eisenstein. Eisenstein, Pavlenko, Cherkasov y Abrikosov fueron galardonados con el Premio Stalin 1941 por la película.

En 1978, la película figuró entre las 100 más bellas del mundo, según una encuesta de opinión realizada por la editorial italiana Arnoldo Mondadori Editore. Alexander Nevsky es menos experimental en su estructura narrativa que las anteriores películas de Eisenstein; cuenta una historia con un único arco argumental y se centra en un personaje principal. Los efectos especiales y la cinematografía estaban entre los más sofisticados de la época.

El clímax de la película se sitúa en la media hora de la emocionante y victoriosa Batalla del Hielo de Prokofiev, una escena que ha servido eficazmente de modelo para impresionantes peleas cinematográficas desde entonces.

Esta pieza culminante fue la primera que se grabó, y teniendo en cuenta que se rodó durante un abrasador verano en las afueras de Moscú, el director de fotografía Eduard Tisse tuvo que tomar medidas extraordinarias para representar un paisaje invernal, entre ellas: utilizar un filtro para crear la luz de la estación invernal, pintar todos los árboles de azul y cubrirlos de yeso, producir un horizonte artificial con arena y construir placas de hielo simuladas con asfalto y vidrio fundido.

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El león tiene alas (1939)

Es una película británica de 1939, en blanco y negro, de propaganda bélica de estilo documental, dirigida por Adrian Brunel, Brian Desmond Hurst, Alexander Korda y también Michael Powell. Se rodó al estallar la Segunda Guerra Mundial y se estrenó en los cines muy rápidamente. Todo se hizo en 12 días y se terminó en unas 4 semanas, con un coste de sólo 30.000 yenes, un logro extraordinario para aquellos tiempos.

Pocos días después de su lanzamiento, ya se habían enviado ejemplares a 60 países. Su efecto real en el público es difícil de establecer, pero El león tiene alas se consideró una variable sustancial para animar al gobierno del Reino Unido a permitir que el mercado cinematográfico siguiera funcionando, y también se consideró que la película validaba cómo los cineastas podían hacer películas bélicas con éxito.

El Gran Dictador (1940)

Es una comedia negra de la década de 1940 sátira política antibelicista estadounidense Charlie Chaplin, siguiendo el estilo de muchas de sus otras películas. Chaplin fue el único director de Hollywood que continuó haciendo películas mudas mientras duró el cine sonoro, por lo que ésta fue su primera película verdaderamente sonora.

La película de Chaplin relata con feroz sátira a Adolf Hitler, Benito Mussolini, el fascismo, el antisemitismo y los nazis. En el momento de su estreno, Estados Unidos aún estaba oficialmente en paz con la Alemania nazi y era neutral durante lo que eran los primeros días de la Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpreta los dos papeles principales: un totalitario fascista insensible y un barbero judío maltratado.

El Gran Dictador fue un gran éxito comercial para Chaplin. La crítica moderna la ha aplaudido como una película considerable, entre las mejores películas cómicas jamás realizadas y una obra esencial de la sátira. El monólogo culminante de Chaplin ha sido considerado a menudo por críticos, historiadores y cinéfilos como quizá el mejor monólogo de la historia del cine, y posiblemente el más conmovedor del siglo XX.

El Gran Dictador fue nominada a 5 premios de la Academia: Mejor Producción, Mejor Actor, Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto para Jack Oakie y Mejor Música Original.

Moscú contraataca (1941)

Es un documental de guerra soviético sobre la batalla de Moscú realizado durante los combates entre octubre de 1941 y enero de 1942, dirigido por Ilya Kopalin y Leonid Varlamov. Fue una de las 4 películas que ganaron un Oscar en 1942 al mejor documental.

La película comienza en Moscú, con los civiles preparando las defensas en sus calles. Hombre de paisano con fusiles se prepara para luchar. Las mujeres preparan casquillos y granadas de mano. Stalin pronuncia un discurso de combate en la Plaza Roja ante innumerables soldados del Ejército Rojo que desfilan con gabardinas, ushankas y bayonetas caladas. Hombres, camiones, tanques y armas avanzan hacia el combate.

Los cañones antiaéreos disparan hacia el cielo nocturno, atravesado por los haces de los reflectores. En primer plano se ve un bombardero alemán estrellado. Se están preparando y equipando cazas y bombarderos rusos.

Los camarógrafos rusos de primera línea rodaron una película que permanecerá en los archivos de nuestro tiempo. Moscú Contraataca no es una película que se pueda explicar en términos cinematográficos normales, ya que estos acontecimientos no se escenificaron, sino que se grabaron en película en medio de una batalla.

Paralelo 49 (1941)

Es una película canadiense y británica de drama bélico de 1941. Fue la tercera película realizada por el grupo cinematográfico británico formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. El Ministerio de Información del Reino Unido se puso en contacto con Michael Powell para que realizara una película de propaganda para ellos, recomendándole que hiciera «una película sobre el desminado».

Más bien, Powell optó por hacer una película para ayudar a ver la influencia en los entonces neutrales Estados Unidos. Powell dijo: «Esperaba que eso asustara a los estadounidenses» y los empujara a la guerra.

El guionista de cine Emeric Pressburger dijo: «Goebbels se consideraba un profesional de la propaganda, pero yo pensaba que iba a enseñarle algo o más». Powell animó a los gobiernos federales canadiense y británico y comenzó a rodar en 1940, pero cuando la película apareció en marzo de 1942, Estados Unidos, que había estado intentando evitar la guerra en Europa, había sido presionado para tomar partido contra Alemania.

Las evaluaciones críticas del 49º Paralelo fueron en general positivas. Acción cautivadora, actores excepcionales: cada parte, hasta el último detalle, está magníficamente interpretada.

Sergeant York (1941)

Película bélica estadounidense de 1941, realizada como biopic por el director Howard Hawks sobre el personaje de Alvin York (Gary Cooper). La historia sigue la evolución del protagonista desde el infierno de Tennessee hasta convertirse en un guerrero desinteresado dispuesto a anteponer el bien de los demás al suyo propio. Por el camino, York lucha primero con su ira y luego con su fe.

La versión cinematográfica del Ejército, retratado como una institución solidaria profundamente preocupada por la alegría y la salud de sus soldados y también feliz de conceder tiempo para la reflexión a quienes cuestionan la rectitud de su objetivo, es pura ficción. Sin embargo, la interpretación de Cooper, la autenticidad de la dirección de Hawks y la maestría del relato transformador la convierten en una representación del progreso ético de un hombre.

Por qué luchamos (1942)

Es una colección de 7 películas de propaganda realizadas por el Departamento de Guerra de los Estados Unidos entre 1942 y 1945, durante la Segunda Guerra Mundial. Fue escrita originalmente para los soldados estadounidenses con el fin de ayudarles a entender por qué Estados Unidos había entrado en la guerra, pero el Presidente Franklin Roosevelt obtuvo la película para su estreno público.

Después de la Primera Guerra Mundial, dar discursos a los soldados y al público de Estados Unidos ya no era fiable. La película acabó siendo la herramienta para animar a los soldados y a los ciudadanos de Estados Unidos sobre por qué la guerra era esencial. El cine supuso un gran esfuerzo para influir en el punto de vista de los militares estadounidenses, y se eligió como medio de comunicación porque integraba la visión y el oído, lo que le daba una ventaja sobre la radio o la prensa escrita.

Frank Capra, que no tenía experiencia en documentales, fue elegido por su dedicación a los ideales estadounidenses y el atractivo de algunos de sus primeros largometrajes. Se creía que entendía el cuerpo y el alma del público estadounidense.

Por quién doblan las campanas (1943)

Es una película épica estadounidense de 1943 sobre la guerra de Sam Wood y protagonizada por Gary Cooper, Ingrid Bergman, Akim Tamiroff, Katina Paxinou y Joseph Calleia. El guionista Dudley Nichols se basó en el libro de 1940 Por quién doblan las campanas, del escritor estadounidense Ernest Hemingway.

La película trata de un voluntario de las brigadas internacionales americanas, Robert Jordan (Cooper), que se enfrenta a la guerra civil española contra los fascistas. Durante su desesperado objetivo de volar un puente vital para salvaguardar la presión republicana, Jordan se enamora de una guerrillera (Bergman). La película fue un gran éxito comercial y figura entre las 100 películas más rentables de la taquilla estadounidense.

Roma, ciudad abierta (1945)

Es una película italiana de 1945 de drama bélico neorrealista dirigida por Roberto Rossellini y coescrita por Sergio Amidei, Celeste Negarville y Federico Fellini. La película narra la historia de un grupo variopinto de personajes durante la ocupación nazi de Roma, y de un hombre de la Resistencia que intenta escapar de la ciudad con la ayuda de un sacerdote católico.

El título describe la proclamación de Roma como ciudad abierta a partir del 14 de agosto de 1943. Crea la primera película de la «Trilogía Neorrealista» de Rosselini, seguida de Paisa’ (1946) y Alemania, Año Cero (1948).

La película está considerada una de las obras más representativas y vitales del neorrealismo italiano, así como un punto de inflexión esencial para el cine mundial en general. Ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1946 y fue nominada al Oscar al mejor guión adaptado. En ella se dio a conocer al director Rosselini, al guionista Fellini y a la actriz Anna Magnani.

La película fue un fracaso de taquilla y adquirió mucho más protagonismo a medida que se hizo popular en otros países y con el paso del tiempo. Es el mejor prototipo del Neorrealismo, cuya interpretación esencial corrió a cargo de André Bazin, crítico francés y fundador de los Cahiers du Cinemas.

La batalla de San Pietro (1945)

Es un documental dirigido por John Huston sobre la batalla de San Pietro Infine, a 97 kilómetros de Nápoles, durante la Segunda Guerra Mundial.

Se lanzó en Estados Unidos en 1945, pero antes se mostró a los soldados estadounidenses. Huston y su equipo, que incluía al guionista y escritor de cine británico Eric Ambler, fueron asignados al 143º Regimiento de la 36ª División del Ejército estadounidense.

A diferencia de muchos otros documentales militares, los camarógrafos de Houston rodaron junto a los soldados mientras luchaban por llegar a San Pedro.

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Eran prescindibles (1945)

Es una película bélica estadounidense de 1945 dirigida por John Ford, con Robert Montgomery y John Wayne. La película está basada en el libro homónimo de William Lindsay White de 1942, que relata las hazañas de la Motor Torpedo Boat Squadron Three salvaguardando Filipinas de la intrusión japonesa durante la Batalla de Filipinas en la Segunda Guerra Mundial.

Aunque se trata de una obra de ficción, la historia se basa en personas y hechos reales. Los personajes de John Brickley (Montgomery) y Rusty Ryan (Wayne) son recreaciones del líder del ejército John D. Bulkeley, ganador de la Medalla de Honor, y su oficial ejecutivo Robert Kelly. Tanto el libro como la película ilustran sucesos relacionados con el combate que se cree que ocurrieron durante la batalla, junto con otros ficticios. La película es conocida por su verosimilitud en la representación de la batalla en el mar.

Paisà (1946)

Es una película italiana de 1946 de drama bélico neorrealista dirigida por Roberto Rossellini. En 6 episodios independientes, narra la liberación de Italia de la presión aliada durante la última fase de la Segunda Guerra Mundial. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia y ganó numerosos premios nacionales e internacionales.

El primer episodio, ambientado en Roma, cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses que liberan la ciudad de los alemanes. El segundo episodio, ambientado en Nápoles, cuenta la historia de un grupo de partisanos que organizan un levantamiento contra los alemanes.

El tercer episodio, ambientado en las montañas de los Apeninos, cuenta la historia de un grupo de partisanos que luchan contra los alemanes. El cuarto episodio, ambientado en Sicilia, cuenta la historia de un grupo de soldados alemanes en retirada que son atacados por partisanos.

El quinto episodio, ambientado en Florencia, cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses que liberan la ciudad de los alemanes. El sexto episodio, ambientado en un pequeño pueblo de la Toscana, cuenta la historia de un grupo de partisanos que celebran el final de la guerra.

En todo el mundo ha obtenido un reconocimiento esencial. El crítico francés André Bazin la eligió como la película crucial para mostrar el valor del neorrealismo italiano, destacando su comprensión de la realidad con una amalgama de documental y ficción. Ha obtenido reconocimiento en Estados Unidos, Bélgica, Japón y Suiza.

Alemania, Año Cero (1948)

Es una película de 1948 dirigida por Roberto Rossellini, y es también la última película de la trilogía de películas bélicas de Rossellini, que sigue a Roma , Ciudad abierta y Paisà. Alemania Año Cero está ambientada en la Alemania ocupada por los Aliados, a diferencia de las otras, que tienen lugar en la Roma ocupada por los alemanes y durante la invasión aliada de Italia.

Como en muchas películas neorrealistas, Rossellini utilizó principalmente actores locales no profesionales. rodada en Berlín un año después de su devastación casi total en la Segunda Guerra Mundial. Consta de imágenes significativas del Berlín destruido y de la lucha humana por la supervivencia en la devastación de la Alemania nazi. Numerosos críticos de cine que anteriormente habían elogiado a Rossellini condenaron la película por poco práctica e incluso teatral.

Película de vanguardia, definida por Charlie Chaplin como la más bella película italiana que había visto nunca, es un tipo de producción cinematográfica muy alejada de los cánones estéticos de Hollywood. Rossellini dijo que no era factible obtener críticas aún más negativas para una película que Alemania Año Cero.

El casco de acero (1951)

Es una película de guerra estadounidense de 1951 dirigida, creada y producida por Samuel Fuller durante la Guerra de Corea. Los actores son Gene Evans, Robert Hutton, Steve Brodie, James Edwards y también Richard Loo. Fue la primera película estadounidense sobre la guerra de Corea, así como la primera de varias películas bélicas de Fuller.

Es una película de bajo presupuesto rodada en muy poco tiempo, con algunas tomas notables. La película evita los tópicos bélicos y muestra algo parecido a las realidades de la Guerra de Corea. La historia es oscura y dura y está bien contada, con Gene Evans en el papel del sargento, un veterano de la Segunda Guerra Mundial, un hombre duro con un gran interés en sobrevivir y endurecido por la experiencia de la guerra.

Robert Hutton, objetor de conciencia en la última guerra, ahora feliz de luchar contra el comunismo; Steve Brodie, teniente; James Edwards, el médico negro, y Richard Loo, un valiente nisei, son los otros protagonistas que contribuyen al duro realismo de esta obra. Samuel Fuller dirige con tal maestría que la atención del espectador se mantiene en vilo de principio a fin.

Medalla roja al valor (1951)

Se trata de una película de guerra estadounidense de 1951 realizada por MGM. Dirigida por John Huston, fue producida por Gottfried Reinhardt con Dore Schary como productor ejecutivo. El guión de la película es de John Huston, adaptado por Albert Band del libro homónimo de 1895 de Stephen Crane. La fotografía es de Harold Rosson, y las canciones de Bronislau Kaper.

El director John Huston utilizó escenarios y ángulos de cámara poco habituales en el cine negro para crear un escenario de campo de batalla. Cuando el estudio redujo la duración de la película a 70 minutos e incluyó la narración del libro inicial tras unas supuestas malas proyecciones de prueba para el público, Houston se enfadó mucho. Algunos consideran la película una obra de arte mutilada. De los actores que aparecen en la película, 3 sirvieron en la Segunda Guerra Mundial.

John Huston esperaba mucho de esta película, incluso consideraba que el corte inicial de dos horas de la película era el mejor que había hecho como director. Tras una lucha de poder en la cúpula directiva de MGM, la película fue recortada de una legendaria versión de dos horas a la versión de 69 minutos estrenada en los cines. Tanto Huston como la estrella Audie Murphy intentaron sin éxito comprar la película para poder reeditarla en su duración inicial.

El mar cruel (1953)

Es una película bélica británica de 1953 protagonizada por Jack Hawkins, Donald Sinden, Denholm Elliott, Stanley Baker, Liam Redmond, Virginia McKenna y Moira Lister. Realizada por los estudios Ealing 7 años después del final de la Segunda Guerra Mundial, fue dirigida por Charles Frend y producida por Leslie Norman.

La película describe las condiciones en las que se libró la Batalla del Atlántico entre la Royal Navy y los submarinos alemanes, vistas desde la perspectiva de los oficiales navales y marinos británicos. Está basada en el popularísimo libro homónimo de 1951 del ex oficial de la marina Nicholas Monsarrat, aunque el guión cinematográfico de Eric Ambler omite algunos de los minutos más oscuros del libro. Ocupa el puesto 75 en la lista de las 100 mejores películas británicas del British Movie Institute.

La película es objeto de culto en la Marina Real Británica, donde se acostumbra que los nuevos miembros vean la película con el chaleco salvavidas puesto. Se trata de un rito de iniciación para muchos miembros de la Marina Real y se considera que cruzar la línea está muy bien visto. La película es una buena adaptación de un libro de éxito, excelentemente producida e interpretada.

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Stalag 17 (1953)

Se trata de una película bélica estadounidense de 1953 que narra la historia de un grupo de aviadores estadounidenses obligados a permanecer con 40.000 prisioneros en un campo de prisioneros alemán de la Segunda Guerra Mundial «en algún lugar del Danubio». Entre ellos había 630 sargentos que representaban a diversos puestos de las fuerzas aéreas, pero la película se centra en un puesto concreto, en el que los hombres creen que uno de ellos es un informante.

La película fue dirigida y producida por Billy Wilder, quien, junto con Edwin Blum, adaptó el guión cinematográfico de la obra teatral de Broadway del mismo nombre.

El guión fue escrito por Donald Bevan y Edmund Trzcinski, basándose en sus experiencias como reclusos en el Stalag 17B de Austria. La película está protagonizada por William Holden en una interpretación ganadora de un Oscar, así como por Don Taylor, Robert Strauss, Harvey Lembeck, Peter Graves, Neville Brand, Richard Erdman, Michael Moore, Sig Ruman y Otto Preminger. Strauss y Lembeck aparecieron en la producción inicial de Broadway.

Gracias a la dirección de Billy Wilder, y a la gran interpretación de todo el reparto, la película es una buena obra. El tono áspero encaja bien con el público masculino. William Holden encabeza el excelente reparto y Wilder equilibra con maestría el humor y el drama sin deslucir las escenas bélicas.

The Dam Busters (1955)

Es una película bélica británica de 1955 protagonizada por Richard Todd y Michael Redgrave. Fue dirigida por Michael Anderson. La película recrea la historia real de la Operación Chastise, cuando en 1943 el Escuadrón 617 de la RAF atacó las presas de Möhne, Eder y Sorpe en la Alemania nazi con la bomba de rebote de Barnes Wallis.

La película está basada en los libros The Dam Busters (1951), de Paul Brickhill, y Enemy Coast Ahead (1946), de Guy Gibson. Las reflexivas escenas de la película transmiten la conmovedora mezcla de sentimientos que experimentan los personajes: el triunfo de asestar un golpe eficaz contra la base del adversario se ve atenuado por la aleccionadora comprensión de que muchos han muerto en el proceso.

La película fue muy aclamada y acabó siendo la más popular en los cines británicos en 1955. Su representación del asalto, junto con una escena similar de la película Escuadrón 633, sirvió de inspiración para la atracción de la Estrella de la Muerte en La guerra de las galaxias .

La película tiene una excelente atención a la información y con el tiempo su popularidad ha crecido y ahora se considera un clásico del cine británico. Está considerada una de las mejores películas británicas de la historia. Richard Todd considera la película una de sus favoritas de todas en las que ha aparecido.

El arpa birmana (1956)

Es una película de drama 1956 japonés Kon Ichikawa. Basada en un libro infantil del mismo nombre escrito por Michio Takeyama, cuenta la historia de los soldados japoneses que lucharon en la campaña de Birmania durante la Segunda Guerra Mundial. Un miembro del grupo se pierde tras la guerra, y los soldados quieren averiguar si su amigo ha resistido, y si es la misma persona convertida en monje budista que ven tocando un arpa. La película fue una de las primeras en revelar las pérdidas de la guerra desde el punto de vista de un soldado japonés.

La película fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1956. En 1985, Ichikawa rehizo El arpa birmana en color con un reparto totalmente nuevo, y el remake fue un notable éxito de taquilla. La película tiene una claridad y una sencillez de ejecución que la hacen atractiva.

La película revela que algunos soldados japoneses eran sin duda extremistas. La cita «Birmania es la nación de Buda» podría implicar que el imperialismo japonés está en la raíz del sufrimiento de todos los personajes de la película, ya que Birmania sólo pertenece a Buda y no a Japón ni a Gran Bretaña. Un excelente drama antibelicista.

El puente sobre el río Kwai (1957)

Es una película bélica de 1957 dirigida por David Lean y basada en la novela de 1952 escrita por Pierre Boulle. La película utiliza el escenario histórico de la construcción del Ferrocarril de Birmania en 1942-1943, la trama y los personajes del original de Boulle y el guión de la película son totalmente ficticios. El reparto está formado por William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins y Sessue Hayakawa.

El guión original fue escrito por el guionista Carl Foreman, que luego fue modificado por Michael Wilson. Ambos autores tuvieron que actuar en secreto, ya que estaban en la lista negra de Hollywood y tuvieron que huir al Reino Unido para seguir trabajando. Como resultado, Boulle, que no hablaba inglés, fue acreditado y galardonado con el Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado; varios años después, Foreman y Wilson recibieron el Oscar a título póstumo.

El puente sobre el río Kwai es hoy una de las mejores películas de la historia. Fue la película más taquillera de 1957 y obtuvo calificaciones muy favorables de la crítica. La película ganó 7 premios de la Academia (incluido el de mejor película) en la 30ª edición de los premios de la Academia.

Se trata de una película enorme y de gran alcance, un drama apasionante, hábilmente creado y manejado en todos los departamentos. Alec Guinness resulta convincente y William Holden ofrece una fuerte caracterización en un papel que es el eje de la historia. La dirección de Lean revela un sentido y un control intensamente musicales de los múltiples ritmos de una gran estructura, y una sensibilidad para la poesía de las circunstancias.

Cuando pasan las cigüeñas (1957)

Es una película soviética de 1957 sobre la Segunda Guerra Mundial. Ilustra la crueldad de la guerra y el daño causado al alma soviética, una guerra que fue percibida en la Unión Soviética como la Gran Guerra Patria. La película fue dirigida en Mosmovie por el director soviético de origen georgiano Mikhail Kalatozov en 1957 y protagonizada por Aleksey Batalov y Tatiana Samoilova.

Adaptada por Viktor Rozov a partir de su obra teatral, la película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1958, siendo la única película soviética en obtener ese galardón. Su protagonista, Veronika, ayudó a dar forma al movimiento soviético post-estalinista al contar con heroínas multidimensionales más complejas y centrarse en el efecto de la guerra en la gente corriente.

No sólo el público soviético simpatizó y aceptó la historia de Veronika. La actriz principal de Cranes, Tatiana Samoilova, conquistó Europa. Tras el triunfo de la película en el Festival de Cannes de 1958, donde ganó el ilustre Gran Premio, el mundo rindió homenaje a la protagonista y la crítica alabó la producción por su sensacional fotografía, interpretación, dirección y montaje. La pureza y credibilidad de Samoilova se comparaban con las de Brigitte Bardot.

Senderos de gloria (1957)

Senderos de gloria (1957) es una película bélica de 1957 dirigida por Stanley Kubrick. La película está ambientada en la Primera Guerra Mundial y cuenta la historia de un grupo de soldados franceses que son declarados culpables de motín y condenados a muerte.

La película comienza con una escena de batalla entre fuerzas francesas y alemanas. Un grupo de soldados franceses, dirigidos por el capitán Dax (Kirk Douglas), son enviados a capturar una colina estratégica. El ataque es un fracaso y los soldados franceses sufren grandes pérdidas.

Senderos de gloria es una película antibelicista que denuncia la locura de la guerra y la crueldad de los mandos militares. La película muestra cómo la guerra puede convertir a los hombres en monstruos y cómo es posible condenar a muerte a personas inocentes para satisfacer los propios objetivos políticos.

Senderos de gloria fue un éxito de crítica, pero también encontró la oposición de algunos grupos conservadores que la acusaron de antiamericana. La película estuvo prohibida en Francia durante varios años y en Italia sólo se estrenó en una versión censurada.

Jamila la argelina (1958)

Se trata de una película histórica egipcia de 1958 sobre una de las figuras más importantes de Argelia, Djamila Bouhired. La película fue escrita por Abd al-Rahman, Ali al-Zarqani y Naguib Mahfouz. La película destaca la historia de una mujer revolucionaria y revela la lucha de los argelinos contra los franceses. La película está protagonizada por Magda, Salah Zulfikar y Ahmed Mazhar.

Aunque la película influyó a la hora de recabar el apoyo de otros países árabes contra los franceses, fue prohibida en Argelia tanto bajo el dominio francés como tras la independencia. Algunos piensan que esto se debió a la relación matrimonial de Djamila Bouhired con el representante legal francés Jacques Vergès, pero otros creen que fue una técnica del gobierno argelino para silenciar aún más tanto el valiente papel de las mujeres en la transformación como el hecho de poner de relieve las violaciones y también los abusos en sus relatos.

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Run Silent, Run Deep (1958)

Es una película bélica estadounidense de 1958 en blanco y negro protagonizada por Clark Gable y Burt Lancaster, basada en el libro homónimo de 1955 del comandante Edward L. Beach Jr. La película fue dirigida por Robert Wise y producida por Harold Hecht. El título describe la «carrera silenciosa», una estrategia subacuática.

La historia narra la guerra submarina de la Segunda Guerra Mundial en el Océano Pacífico y aborda los temas de la venganza, la resistencia, el honor, el compromiso y el valor, y cómo éstos pueden controlarse durante la guerra.

Además de Gable y Lancaster como protagonistas, la película también cuenta con Jack Warden y fue el lanzamiento de Don Rickles. Basada en un libro del mismo nombre y con muchos de los mismos personajes, la trama de la película diverge de la del libro. Captain Beach, el autor del libro, no tenía muy buena opinión de la película; más tarde afirmó que la industria cinematográfica sólo compró el título del libro y no pensaba producir una representación exacta del estilo y la trama de su libro.

Se trata de una historia directa de aventuras submarinas protagonizada exclusivamente por hombres y rodada con un estilo duro, con grandes dosis de suspense hasta la batalla final, que mantiene al espectador pegado a su asiento.

Fires on the Plain (1959)

Es una película bélica japonesa de 1959 dirigida por Kon Ichikawa y protagonizada por Eiji Funakoshi. El guion de la película, escrito por Natto Wada, se basa en la novela Nobi (Tokio 1951) de Shōhei Ōoka. Al principio recibió valoraciones dispares por parte de la crítica internacional y japonesa, que criticó su violencia y su estilo oscuro. Sin embargo, en los últimos años se ha hecho muy popular.

La película comienza con el alta de Tamura en el hospital militar, a pesar de seguir padeciendo tuberculosis. Su jefe de escuadrón le ordena convencer a los médicos de que le readmitan para otra ocasión, o se verá obligado a cometer seppuku. El personal médico, sin embargo, se niega a admitirlo en su campamento hospitalario porque tienen pacientes en condiciones mucho peores. Abandonado por todos a su suerte, Tamura comienza a vagar sin rumbo por el frente filipino.

Fires on the Plain es una película impactante e inquietante que ofrece una visión realista y cruda de la guerra. La película ha sido elogiada por su dirección, fotografía e interpretación de Eiji Funakoshi como Tamura.

La película fue un éxito de crítica, pero también encontró la oposición de algunos grupos conservadores que la acusaron de antimilitarista. La película fue prohibida en algunos países, entre ellos China y Japón.

Los cañones de Navarone (1961)

Es una película bélica de 1961 dirigida por J. Lee Thompson a partir de un guión de Carl Foreman, basado en el libro homónimo de 1957 de Alistair MacLean. El director también produjo la película. La película está protagonizada por Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn, junto con Stanley Baker, Anthony Quayle, Irene Papas, Gia Scala, James Darren y Richard Harris.

La película y el libro comparten argumento: los esfuerzos de un sistema de fuerzas especiales aliadas para destruir una fortaleza alemana aparentemente inexpugnable que amenaza a los buques de guerra aliados en el mar Egeo.

Es una película musculosa y espectacular que pone más énfasis en el melodrama que en el carácter o la fiabilidad de la trama. La historia es previsible, pero las explosivas escenas de acción funcionan bien. Es un drama que te mantiene enganchado durante toda su historia, con muchas estrellas importantes, fantásticos efectos especiales, un excelente trabajo de cámara y técnico. El guión, la dirección, la interpretación y la fotografía son de gran calidad, con increíbles escenarios en las islas griegas y escenas de acción extrema.

Lawrence de Arabia (1962)

Es una película épica histórica británica de 1962 basada en la vida de TE Lawrence y su publicación de 1926 Siete pilares de sabiduría. Fue dirigida por David Lean y producida también por Sam Spiegel. La película está protagonizada por Peter O’Toole en el papel de Lawrence y por Alec Guinness en el del príncipe Faisal.

La película también está protagonizada por Jack Hawkins, Anthony Quinn, Omar Sharif, Anthony Quayle, Claude Rains y Arthur Kennedy. El guión de la película fue escrito por Robert Bolt y Michael Wilson.

Tras su lanzamiento, Lawrence de Arabia fue un gran éxito económico y también fue ampliamente conocida por el público y la crítica. Los efectos visuales de la película, la música, el guión y la interpretación de Peter O’Toole recibieron una valoración positiva unánime; la película se considera comúnmente una obra de arte del cine mundial y también una de las mejores películas de la historia.

De hecho, su estilo estético ha impresionado a numerosos directores, entre ellos George Lucas, Sam Peckinpah, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Ridley Scott, Brian De Palma, Oliver Stone y Steven Spielberg, que calificó la película de «maravilla».

La infancia de Iván (1962)

Es una película soviética de drama bélico de 1962 dirigida por Andrei Tarkovsky. Coescrita por Mikhail Papava, Andrei Konchalovsky y un Tarkovsky sin acreditar, está basada en el relato corto de Vladimir Bogomolov de 1957 «Ivan». En la película aparecen los actores Nikolai Burlyayev y Valentin Zubkov, Evgeny Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko y la esposa de Tarkovski, Irma Raush.

La película cuenta la historia del niño huérfano Ivan, cuyos padres fueron asesinados por las fuerzas alemanas, y sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial. Fue una de las muchas películas soviéticas de su época, como Las grullas vuelan y Balada de un soldado, que abordaban el coste humano de la guerra y no glorificaban la experiencia bélica, como hacían las películas producidas antes de Jruschov. En una entrevista de 1962, Tarkovski dijo que al hacer la película quería transmitir todo su odio por la guerra, que eligió contar su infancia porque es lo que más contrasta con la guerra.

Fue el primer largometraje de Tarkovski y le valió un importante éxito y le dio a conocer mundialmente. Ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 1962 y el Golden Gate Award en el Festival Internacional de Cine de San Francisco de 1962. La película también fue elegida para el premio a la mejor película de habla no inglesa en la 36ª edición de los Oscar, pero ha sido rechazada como candidata. Directores famosos como Ingmar Bergman, Sergei Parajanov y Krzysztof Kieślowski aplaudieron la película y dijeron que había influido en su trabajo.

Jean-Paul Sartre escribió un breve artículo defendiendo la película contra una crítica de Alberto Moravia, afirmando que era una de las películas más impresionantes que había visto nunca. En una entrevista posterior, Tarkovski, que consideró la película como una de sus mejores obras, confesó estar de acuerdo con las críticas de Moravia, al encontrar la defensa de Sartre demasiado filosófica. Los directores Sergei Parajanov y Krzysztof Kieślowski aplaudieron la película y la mencionaron como inspiración en su trabajo.

La gran evasión (1963)

Es una película bélica estadounidense de 1963 protagonizada por Steve McQueen, James Garner y Richard Attenborough e incluye a James Donald, Charles Bronson, Donald Pleasence, James Coburn , Hannes Messemer, David McCallum, Karl-Otto Alberty, Gordon Jackson, John Leyton y Angus Lennie. Fue rodada en Panavision y su arreglo musical fue compuesto por Elmer Bernstein.

La película está basada en el libro homónimo de Paul Brickhill de 1950, un relato de la huida en masa de prisioneros de guerra de la Commonwealth británica del campo de prisioneros alemán Stalag Luft III de Sagan (Polonia) durante la época nazi. La película muestra una versión muy ficticia de la huida, con varios compromisos, como una mayor atención a la participación estadounidense en la huida.

La película, producida y dirigida por John Sturges, se convirtió en una de las más taquilleras del año, le valió a McQueen el premio al Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Moscú y hoy es una película de culto. La Gran Evasión también es conocida por su escena de persecución y zambullida en moto, considerada una de las mejores acrobacias jamás realizadas.

El tren (1964)

Es una película bélica de 1964 dirigida por John Frankenheimer y protagonizada por Burt Lancaster, Paul Scofield y Jeanne Moreau. El guión de la película, escrito por Franklin Coen, Frank Davis y Walter Bernstein, se basa libremente en el libro Le front de l’art de Rose Valland. Arthur Penn fue el director inicial de El tren, pero Frankenheimer lo cambió a los tres días de empezar la producción.

Ambientada en agosto de 1944, durante la Segunda Guerra Mundial, enfrenta a Paul Labiche (Lancaster), miembro de la Resistencia francesa, con el coronel alemán Franz von Waldheim (Scofield), que intenta trasladar en tren a Alemania obras de arte robadas.

El Tren se basa en el certero libro de 1961 Le front de l’art, de Rose Valland, historiadora del arte del Jeu de Paume, que ponía de relieve las obras maestras allí almacenadas que habían sido saqueadas por los alemanes de museos y colecciones de arte personales de toda Francia y se disponía a entregar a Alemania durante la Segunda Guerra Mundial.

En contraste con la acción y el drama representados en la película, la entrega de obras de arte que los alemanes intentaban conseguir en París el 1 de agosto de 1944 fue frustrada por la Resistencia francesa con un aluvión de documentación y burocracia y quedó detenida en una estación de ferrocarril a un par de kilómetros de París.

Shenandoah (1965)

Se trata de una película del oeste estadounidense de 1965 ambientada durante la Guerra Civil estadounidense con James Stewart y Doug McClure, Glenn Corbett, Patrick Wayne y, en sus debuts cinematográficos, Katharine Ross y Rosemary Forsyth. La película fue dirigida por Andrew V. McLaglen.

Es un drama de la Guerra Civil» con Stewart actuando de forma impecable bajo la minuciosa instrucción de Andrew V. McLaglen. El technicolor carga el dramatismo, la diversión y también una particular calidad escénica de los parques nacionales especialmente en el clímax.

Hoy en día sigue siendo una película interesante con un carácter especial y lleno de suspense. Stewart abandona sus técnicas de actuación ordinarias para sentir compasión por este viudo que crió a sus numerosos hijos.

La batalla de Argel (1966)

Es una película de guerra italo-argelina de 1966 escrita y dirigida por Gillo Pontecorvo. Se basa en los acontecimientos protagonizados por los rebeldes durante la guerra de Argelia (1954-1962) contra el gobierno francés en el norte de África, uno de los más populares es la batalla homónima de Argel.Se rodó en un estilo de noticiario inspirado en Roberto Rossellini: en blanco y negro con montaje de tipo documental tico para contribuir a su sensación de verosimilitud histórica, con actores en su mayoría no profesionales que habían vivido la batalla real.

La música de la película fue compuesta por Pontecorvo y Ennio Morricone. Es una película vinculada al cine neorrealista italiano. Podría ser una experiencia cinematográfica mucho más profunda de lo que muchos cinéfilos pueden soportar: incluso deprimente, realista, desgarradora y dura. Tiene que ver con la guerra de Argelia, aunque quien no esté interesado en Argelia podría sustituirla por cualquier guerra; La batalla de Argel tiene un contexto global.

Está considerada entre las mejores películas de todos los tiempos. El director estadounidense Stanley Kubrick aplaudió la película afirmando: «Todas las películas son, en cierto sentido, documentales equivocados. Intentan acercarse lo más posible a la verdad, sólo que no es la verdad. Hay personas que hacen cosas extremadamente brillantes , que en realidad me asombraron completamente así como me engañaron.

La batalla de Argel. Es verdaderamente excepcional». Según especificó Anthony Frewin, ayudante personal de Kubrick: «Cuando empecé a trabajar para Stanley en septiembre de 1965, me informó de que no podría entender realmente de qué iba el cine sin ver La batalla de Argel. Seguía entusiasmado con esta película poco antes de su muerte».

La caza (1966)

Es una película española de 1966 dirigida por Carlos Saura. La película es un thriller sobre 3 veteranos de la Guerra Civil española que se reúnen en una granja para organizar una cacería de conejos. La caza del conejo se convierte en un catalizador para recordar episodios sangrientos de la guerra y para hacer balance de sus vidas y de su amistad.

Fue el primer éxito verdaderamente mundial de Saura, que ganó el Oso de Plata al Mejor Director en la 16ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín. Se considera un clásico del cine español y Sam Peckinpah dijo que le había impactado mucho. Saura ganó el Oso de Plata al Mejor Director en la 16ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín en 1966.

Donde las águilas se atreven (1968)

Es una película bélica de 1968 dirigida por Brian G. Hutton y protagonizada por Richard Burton, Clint Eastwood y Mary Ure. Sigue a un grupo británico-estadounidense de paracaidistas de operaciones especiales que asaltan un castillo en Baviera. Se grabó en Panavision utilizando el proceso Metrocolor. Alistair MacLean escribió el guión de la película al mismo tiempo que el libro del mismo nombre. Ambos acabaron siendo éxitos comerciales.

La película contó con algunos de los principales dobles de la época y está considerada un clásico. El doble de Hollywood Yakima Canutt actuó como director de segunda unidad y rodó la mayoría de las escenas de acción; el doble británico Alf Joint sustituyó a Burton en numerosas escenas, entre ellas la batalla en lo alto del teleférico.

Numerosos críticos calificaron la trama de bastante complicada, la crítica cinematográfica fue en general favorable, aplaudiendo las escenas de acción y la cinematografía. Años después de su estreno, la película es considerada por muchos como una de las mejores películas bélicas de la historia.

Bajo la estrella polar (1968)

Aquí, bajo la estrella polar (1968) es una película japonesa de ciencia ficción postapocalíptica de 1968 dirigida por Tetsurō Amino, basada en el manga homónimo de Keiji Nakazawa. La película está ambientada en un futuro desolado en el que la guerra nuclear ha destruido la civilización. Dos supervivientes, Shōzō Ban y Shūhei Noda, viven en un refugio bajo una torre de radio. Luchan por sobrevivir en el duro entorno y se enfrentan a la amenaza de bandidos y mutantes.

La película comienza con una escena de destrucción mientras llueven bombas nucleares sobre la Tierra. Shōzō Ban y Shūhei Noda, dos supervivientes, se encuentran en un paisaje desolado. Se refugian bajo una torre de radio, donde construyen una pequeña comunidad con otros supervivientes.

Shōzō y Shūhei se ven obligados a buscar comida y provisiones, y se enfrentan a la amenaza de bandidos y mutantes. También se enfrentan al trauma psicológico del apocalipsis y luchan por mantener su humanidad.

Aquí, Bajo la estrella polar fue un éxito comercial y de crítica. Recibió elogios por su descripción realista de un mundo postapocalíptico, y sus personajes fueron considerados convincentes y cercanos. La película también fue elogiada por su mensaje antibelicista.

¡Oh! Qué guerra más bonita (1968)

¡Oh! Qué guerra más bonita (1968) es una película satírica musical bélica británica dirigida por Richard Attenborough. La película está ambientada en la Primera Guerra Mundial y sigue la suerte de un grupo de soldados británicos desde las trincheras hasta el Somme. La película es un mordaz alegato contra la guerra y su inutilidad, y está considerada una de las películas británicas más importantes de la historia.

La película comienza con una escena de soldados marchando a la guerra, cantando una alegre canción sobre las alegrías del conflicto. A continuación, la película sigue a los soldados mientras experimentan los horrores de las trincheras, el aburrimiento de la vida en las zonas de retaguardia y la desilusión que supone ver morir a sus amigos y compañeros.

La película se intercala con canciones que se burlan de la guerra, del ejército y de los políticos que la iniciaron. Las canciones son a menudo irreverentes y chocantes, pero también muy divertidas.

¡Oh! What a Lovely War fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por su originalidad, su energía y su mensaje antibelicista. La película también fue nominada a siete premios de la Academia, incluido el de mejor película.

¡Torah! ¡Torah! ¡Torah! (1970)

Es una película bélica de 1970 que narra el ataque japonés a Pearl Harbor en 1941. La película fue producida por Elmo Williams y dirigida por Richard Fleischer, Toshio Masuda y Kinji Fukasaku, y está protagonizada por un reparto que incluye a Martin Balsam, Joseph Cotten, So Yamamura, EG Marshall, James Whitmore, Tatsuya Mihashi, Takahiro Tamura, Wesley Addy y Jason Robards.

Fue la primera película en inglés de Masuda y Fukasaku y la primera coproducción mundial. La tora del título es la palabra en clave japonesa de dos sílabas utilizada para indicar que se había logrado realmente la sorpresa total.

La película recibió valoraciones dispares por parte de la crítica, pero fue aplaudida por su precisión histórica y su atención a la información, sus efectos visuales y sus escenas de acción. Para los estadounidenses, la película fue la fuente más común de comprensión popular del ataque a Pearl Harbor. ¡Torah! ¡Torah! Torah! fue nominada a 5 Oscar en la 43ª edición de los premios de la Academia, a la mejor fotografía y al mejor montaje cinematográfico, y ganó el premio a los mejores efectos visuales.

La película ha sido definida como una de las más aburridas jamás realizadas y con personajes sin profundidad. Un presupuesto de 25 millones de dólares que no ayudó mucho.

Catch-22 (1970)

Es una película bélica y comedia negra estadounidense de 1970, adaptación del libro homónimo de Joseph Heller de 1961. Para producir una comedia centrada en los «personajes» de la sátira antibelicista original de Heller ambientada en una base mediterránea ficticia durante la Segunda Guerra Mundial, el director Mike Nichols y el guionista Buck Henry (también en el reparto) se ocuparon del guión de la película durante 2 años, dando vueltas al complejo libro de Heller.

El reparto estaba formado por Alan Arkin, Bob Balaban, Martin Balsam, Richard Benjamin, la actriz italiana Olimpia Carlisi, el cómico francés Marcel Dalio, Art Garfunkel (en su debut como actor), Jack Gilford, Charles Grodin, Bob Newhart, Anthony Perkins, Austin Pendleton, Paula Prentiss, Martin Sheen, Jon Voight y Orson Welles.

Es una película conmovedora e inteligente, con un equilibrio entre diversión y drama. Mike Nichols dijo: «Es la fría rabia del libro la que sustenta la película. En los chistes que importan, la película es como un diamante, fría al tacto y deslumbrante a la vista. Para Nichols, es una película sobre la muerte; para Arkin, una película sobre el egoísmo; para el público, una comedia bélica de miedo, con énfasis en el miedo.

M * A * S * H (1970)

Es una comedia negra y bélica película estadounidense de 1970 dirigida por Robert Altman y escrita por Ring Lardner Jr., basada en el relato corto de 1968 de Richard Hooker MASH: A Novel About Three. La película es el único largometraje estrenado en cines de la serie M*A*S*H, y se convirtió en una de las películas más significativas de principios de la década de 1970.El

La película retrata un sistema de trabajadores médicos en un Hospital Quirúrgico Móvil del Ejército (MASH) durante la Guerra de Corea.Está protagonizada por Donald Sutherland, Tom Skerritt y Elliott Gould, con Sally Kellerman, Robert Duvall, René Auberjonois, Gary Burghoff, Roger Bowen, Michael Murphy y, en su película de lanzamiento, el veterano jugador de fútbol americano Fred Williamson.

La Guerra de Corea es el escenario de la historia de la película, el subtexto es la Guerra de Vietnam, una ocasión que existía en el momento en que se rodó la película. La película ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Cannes de 1970. La película obtuvo cinco premios de la Academia, incluido el de mejor película, y ganó el de mejor guión adaptado.

Quizá no haya nada tan glamuroso como emprender una venganza psicológica contra alguien que no nos gusta. Y es el odio total de «M*A*S*H» lo que hace que funcione. Debido a que no son graciosos, muchos personajes nos piden que nos riamos de cosas que en realidad no lo son; en esto nos reímos específicamente. Nos reímos, no para llorar. Si los cirujanos estéticos no tuvieran que tratar con cadáveres, el resto de su vida no tendría sentido.

Pero ninguno de estos puntos de vista se acerca al demencial razonamiento de «M*A*S*H», que se logra a través de una extraña relación marital de cinematografía, interpretación, dirección y composición. Una de las cosas que hace que «M*A*S*H» sea tan divertida es que también es desesperada.

Un puente lejano (1977)

Es una película bélica de 1977 que ilustra la Operación Market Garden, una fallida operación aliada en los Países Bajos ocupados por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Basada en un libro homónimo de no ficción del historiador Cornelius Ryan, la película está dirigida por Richard Attenborough y cuenta con guión de William Goldman.

Está protagonizada por un reparto de lujo: Dirk Bogarde, James Caan, Michael Caine, Sean Connery, Edward Fox, Elliott Gould, Gene Hackman, Anthony Hopkins, Hardy Krüger, Laurence Olivier, Ryan O’Neal, Robert Redford, Maximilian Schell y Liv Ullmann.

Producida por Richard y Joseph E. Levine, fue la segunda película basada en un libro de Ryan que se adaptaba a la pantalla después de El día más largo, de 1962. zonas auténticas donde ocurrieron acontecimientos históricos. En el momento de su estreno, fue la película más cara jamás producida.

La película tuvo una acogida calurosa y vital, y recibió numerosos premios. En la 31ª edición de los premios BAFTA obtuvo 4 de los 8 galardones, entre ellos el de mejor actor secundario para Edward Fox y el de mejor banda sonora para John Addison, que había servido en el Cuerpo XXX británico en Market Garden. Attenborough optaba al premio al Mejor Director y la película al de Mejor Película.

Los críticos coincidieron en que la película estaba bien montada y era precisa, aunque muchos la consideraron demasiado larga y repetitiva. Es una película enorme, informe, repentinamente conmovedora, desconcertante, vibrante y realmente, larga. James Caan y Anthony Hopkins han sido citados por muchos críticos por la calidad de sus interpretaciones en una película con numerosos papeles y cameos de muchas de las estrellas.

Los oficiales Urquhart y Horrocks actuaron como asesores militares en la película, contribuyendo a su exactitud histórica. Algunos espectadores han sugerido que la película contiene errores históricos y es un análisis «hollywoodiense» de los acontecimientos. comentó Robin Neilllands: Un gran número de veteranos han confiado en la historia de la película.

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El cazador (1978)

Es una película de drama bélico de 1978 escrita y dirigida por Michael Cimino sobre una tríada de trabajadores del acero eslavo-estadounidenses cuyas vidas dan un vuelco tras luchar en la guerra de Vietnam. Los tres soldados son interpretados por Robert De Niro, Christopher Walken y John Savage, con John Cazale, Meryl Streep y George Dzundza.

La película comienza con Michael, Nick y Steven trabajando en una acería de Pittsburgh. A los tres amigos les une una profunda amistad y la pasión por la caza. Cuando estalla la guerra de Vietnam, los tres amigos se alistan en el ejército.

En Vietnam, Michael, Nick y Steven experimentan los horrores de la guerra. Están expuestos a la violencia, la muerte y la tortura. Michael resulta herido y es enviado a casa, pero Nick y Steven permanecen en Vietnam.

Al volver a casa, Michael se entera de que Nick ha muerto en combate. Steven, por su parte, sobrevivió a la guerra, pero está profundamente traumatizado. Michael y Steven intentan rehacer sus vidas, pero la guerra les ha marcado para siempre.

The Deer Hunter fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, su guión, sus interpretaciones y su fotografía. La película ganó cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor de reparto (Christopher Walken).

Apocalypse Now (1979)

Es una película bélica estadounidense de 1979 producida y dirigida por Francis Ford Coppola. El guión de la película, coescrito por Coppola, John Milius y también Michael Herr, se basa libremente en la novela de 1899 El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, con el escenario transformado del Congo de finales del siglo XIX a la guerra de Vietnam.

La película sigue un viaje fluvial de Vietnam del Sur a Camboya emprendido por el capitán Willard (Martin Sheen), que tiene el objetivo secreto de ejecutar al coronel Kurtz (Marlon Brando), un soldado de las Fuerzas Especiales sin escrúpulos que también está implicado en el genocidio. como presunto asesino. Entre los actores también figuran Robert Duvall, Frederic Forrest, Albert Hall, Sam Bottoms, Laurence Fishburne y Dennis Hopper.

La inquietante película de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam es el cine más visionario y aventurero. En su estreno, Apocalypse Now recibió críticas dispares. Al cabo de unos años empezó a ser considerada una de las mejores obras maestras de la historia del cine y una de las primeras películas bélicas de la historia.

El Gran Rojo (1980)

Es una película bélica estadounidense de Samuel Fuller de 1980. Samuel Fuller ya había sido reportero de sucesos, escritor de novelas pulp, guionista de cine y soldado antes de convertirse en director. Aunque aportó sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial a muchas de sus películas, Fuller aportó muchos componentes autobiográficos a esta misma obra, una gran película bélica basada en sus vivencias en la 1ª División de Infantería del Ejército.

En un principio, había intentado realizar The Big Red One en la década de 1950, pero no llegó a producirla. Su realización parecía cada vez menos probable con el paso de los años, pero el valiente Fuller siguió intentándolo. Acostumbrado a trabajar con bajos presupuestos, realizó una historia de guerra que sigue a un pelotón de infantería primero en el norte de África, luego en Italia y finalmente en un campo de prisioneros de guerra checo. Robert Carradine coprotagoniza junto a Mark Hamill y Lee Marvin.

La película narra las experiencias de un pequeño grupo de soldados en el oscuro corazón de la guerra. Fuller relata los estragos de la guerra tanto en soldados como en ciudadanos particulares, al tiempo que muestra por qué la guerra parece la única opción.

Platoon (1986)

Es una película de batalla estadounidense de 1986 también escrita y dirigida por Oliver Stone, protagonizada por Tom Berenger, Willem Dafoe, Charlie Sheen, Keith David, Kevin Dillon, John C. McGinley , Forest Whitaker y Johnny Depp. Es la película inaugural de una trilogía de películas sobre la guerra de Vietnam dirigidas por Stone.

La película, basada en las experiencias de Stone en la guerra, sigue a un voluntario del ejército estadounidense (Sheen) que se presenta voluntario en Vietnam mientras su sargento de pelotón y su jefe de escuadrón (Berenger y Dafoe) discuten sobre los principios del ejército y de la propia guerra.

Impregnada de las experiencias personales del director Oliver Stone en Vietnam, Platoon renuncia a los simples sermones para ofrecer una visión traumática y a ras de suelo de la batalla, realzada por la actuación sin tapujos de Charlie Sheen y Willem Dafoe.

Full Metal Jacket (1987)

Full Metal Jacket (1987) es una película bélica satírica estadounidense de 1987 dirigida por Stanley Kubrick, basada libremente en la novela The Short-Timers (1979) de Gustav Hasford. La película se divide en dos partes: la primera mitad sigue a un grupo de reclutas de la Infantería de Marina durante su brutal entrenamiento en Parris Island bajo el mando del sádico sargento de artillería Hartman, y la segunda mitad sigue al mismo grupo de marines durante la batalla de Huế en la guerra de Vietnam.

Parte 1: La película comienza con un grupo de jóvenes que llegan a Parris Island para el campamento de entrenamiento del Cuerpo de Marines. Son sometidos a un riguroso entrenamiento bajo el mando del despiadado sargento de artillería Hartman, que los destroza mental y físicamente. El objetivo de Hartman es crear «máquinas de matar» a partir de los reclutas, y es implacable en su persecución de este objetivo.

A medida que los reclutas avanzan en el entrenamiento, son sometidos a una serie de ejercicios humillantes y deshumanizadores. Se ven obligados a soportar privación de sueño, castigos físicos e intensa presión psicológica. La película explora los efectos psicológicos del campo de entrenamiento en los reclutas y muestra cómo pasan de ser civiles a soldados.

Parte 2: La película salta a la Batalla de Huế durante la Guerra de Vietnam. El mismo grupo de marines, ahora veteranos curtidos, es enviado a la ciudad para luchar contra el Viet Cong. La batalla es intensa y brutal, y los marines se ven obligados a enfrentarse a los horrores de la guerra.

La película es particularmente gráfica en su descripción de la violencia de la guerra, y no rehúye mostrar el coste humano del conflicto. La película es un poderoso alegato contra la guerra y cuestiona la finalidad y el valor del sacrificio humano.

Full Metal Jacket fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, su guión, sus interpretaciones y su violencia. La película también fue nominada a siete premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor actor de reparto (Matthew Modine).

Víctimas de guerra (1989)

Es una película bélica estadounidense de Brian De Palma de 1989. La película se inspira en los hechos del secuestro, violación y asesinato de una joven vietnamita. La producción no tuvo éxito en taquilla, contribuyendo a completar el ciclo de películas sobre la guerra de Vietnam de la década de 1980 y eclipsando la carrera de la celebridad Michael J Fox.

La película está ambientada en la guerra de Vietnam y cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses que violan y asesinan a una joven vietnamita. El soldado Eriksson, interpretado por Michael J. Fox, es el único que denuncia a sus compañeros, pero es condenado al ostracismo y amenazado.

Casualties of War fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y mensaje antibelicista. La película también fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de mejor actor de reparto (Sean Penn).

Sigue siendo una película difícil de ver, debido en parte a que De Palma vuelca sus habilidades como director de películas de suspense en una historia de desgarradora desesperación en la que un pelotón de soldados estadounidenses utiliza el aval de un aterrador y apuesto oficial ( Sean Penn) para participar en actos de barbarie.

Las montañas Taebaek (1994)

Es una película surcoreana de 1994 dirigida por Im Kwon-taek. La historia se centra en el problema generacional entre ricos y campesinos, que representan el trasfondo ideológico de la derecha y la izquierda. Al tiempo que revela por qué y cómo surgió el problema, el relato ilustra elementos fascinantes, confucianos e incluso chamánicos de los contemporáneos.

La película deriva de la excelente historia larga Taebaegsanmaek, de 10 capítulos, escrita por Cho Jeong-rae. La historia define el problema generacional entre ricos (propietarios) y pobres (campesinos) que en un momento dado se convierte en una creencia de derechas e izquierdas. Al tiempo que revela por qué y cómo se produjo la disputa, la historia presenta facetas fascinantes, confucianas e incluso chamánicas.

La delgada línea roja (1998)

Es una película bélica estadounidense de 1998 dirigida por Terence Malick. La adaptación de Malick de la novela de 1962 de James Jones basada en sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial en el Proyecto Guadalcanal transformó radicalmente la forma. Primera película de Malick en 20 años, La delgada línea roja contó con la participación de celebridades y nuevos talentos, algunos de los cuales vieron recortados sus papeles, e incluso cancelados en el montaje.

Existe una versión alternativa de la película en la que aparecen Bill Pullman, Mickey Rourke y Lukas Haas, y Adrien Brody desempeña un papel fundamental en lugar de aparecer un par de minutos en pantalla.

Los editores de Malick proporcionan la descripción más eficaz de su toma de decisiones en materia de montaje: Malick recortó la película para incluir voces en off. Combinadas con impresionantes imágenes de la batalla en el Pacífico, ofrecen descripciones líricas de las experiencias de guerra de los personajes y de la pérdida de inocencia que caracteriza esas experiencias.

Malick muestra una especie de infierno en la tierra, utiliza sus habilidades visuales para conmocionar al público. La guerra arruina todo lo que toca, desde los que participan en ella hasta la propia tierra. Para Malick, la guerra es un acto de terrible desafío a la civilización.

Redacted (2007)

Es una película bélica estadounidense de 2007 escrita y dirigida por Brian De Palma. Se trata de un drama ficticio, vagamente basado en los asesinatos de Mahmudiyah, Irak, en 2006, cuando soldados del ejército estadounidense violaron a una mujer iraquí y la mataron junto a su familia. Se rodó en Jordania. Redacted se estrenó en el Festival de Venecia de 2007, donde ganó el León de Plata al Mejor Director.

También fue seleccionada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Festival de Cine de Nueva York y el Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. La película recibió respuestas mixtas de la crítica y una pobre reacción del público en taquilla.

Las críticas fueron malas y algunos críticos la calificaron de la peor película jamás vista, repulsiva, empañada por una actuación machacona y malos diálogos. Los personajes fueron calificados de ridículos, y algunos tacharon la película de documental ficticio poco convincente, vergonzoso, autocomplaciente y pesado. En realidad, la película experimental es uno de los rarísimos ejemplos de cine de vanguardia en el género de las películas bélicas, totalmente brillante, una de las poquísimas películas libres de las superestructuras mentales y narrativas del cine mainstream más reciente.

Inspirada en películas de la Nouvelle Vague como los primeros trabajos de De Palma, es una película extraordinaria de un director que vuelve a sus orígenes y pasiones con un película independiente tras una larga carrera al servicio de los grandes estudios, donde contribuyó quizás más que ningún otro director a elevar el nivel del lenguaje cinematográfico.

American Sniper (2014)

Es una película bélica biográfica estadounidense de 2014 dirigida por Clint Eastwood. Está vagamente basada en las memorias American Sniper (2012) de Chris Kyle, protagonizada por Scott McEwen y Jim DeFelice. La película sigue la vida de Kyle, que se convirtió en el tirador más peligroso del ejército estadounidense, con 255 muertos en 4 viajes a la guerra de Irak, 160 de los cuales fueron verificados formalmente por el Departamento de Defensa.

Kyle ha sido conmemorado por sus logros militares, pero su trabajo se ha cobrado un alto precio en su vida personal y familiar. Está protagonizada por Cooper como Kyle y Sienna Miller como su esposa Taya, con Luke Grimes, Jake McDorman, Cory Hardrict, Kevin Lacz, Navid Negahban y Keir O’Donnell en papeles secundarios.

Apoyada en la segura dirección de Clint Eastwood y en la apasionante interpretación principal de Bradley Cooper, American Sniper aporta suspense y emoción a su historia real. El conflicto interior de la protagonista es tan intenso que se hace casi insoportable en la pantalla. El drama y las escenas de acción se mezclan a la perfección en una de las mejores películas de Clint Eastwood.

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1917 (2019)

1917 es una película bélica de 2019 dirigida por Sam Mendes, quien la coescribió junto a Krysty Wilson-Cairns. Inspirada en parte en los hechos contados a Mendes por su abuelo Alfred sobre sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, la película tiene lugar tras el escondite alemán en la Línea Hindenburg durante la Operación Alberich y sigue a 2 soldados británicos, Will Schofield (George MacKay) y Tom Blake (Dean-Charles Chapman), en su objetivo de entregar un mensaje crucial para deshacer el ataque. Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Claire Duburcq, Colin Firth y Benedict Cumberbatch interpretan papeles secundarios.

La película capta la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial con una inmediatez descarnada e impactante. Numerosos críticos de cine han definido la película entre las mejores de 2019. La película es un resultado técnico y estético asombroso: compuesta por un único plano muy largo en tiempo real, el estilo de Mendes es perturbador y atractivo, y lleva al espectador directamente a la batalla como pocas otras películas bélicas.

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