100 películas de terror de culto para ver sin falta

Ver una selección de películas independientes y de culto

Vea cientos de películas independientes y de arte y ensayo, películas de culto y documentales cuidadosamente seleccionados de todo el mundo con una única suscripción, en cualquier dispositivo. Sin límites, sin anuncios.

Índice

La sublimación del miedo

películas de terror

He aquí uno de los géneros fundamentales de la cinematografía que ha producido cientos de películas imprescindibles. ¿Por qué el cine de terror y la literatura de terror son tan queridos y no conocen la crisis? Porque da solución a una de las necesidades fundamentales del ser humano, la de sublimar los miedos más profundos e irracionales, miedos que escapan a la racionalidad de la conciencia. Porque con miedo no se vive nada bien y hay que deshacerse de él. Al contrario, no se vive con miedo en absoluto. ¿En qué sentido?

Muchos piensan que lo contrario del amor es el odio. En realidad, el amor y el odio son dos caras de la misma moneda. Lo contrario del amor es el miedo. Con miedo es imposible amar y ser feliz. El miedo también está relacionado con algo que no existe realmente en el momento presente: es una mala premonición que está en un futuro hipotético.

Algo que tememos que nos pueda ocurrir. Lo que puede ocurrir o no. En la mayoría de los casos, el miedo vive en nuestra imaginación: es una amenaza que procede de la imaginación del futuro. A través de una novela o una película de terror nos enfrentamos cara a cara con nuestros miedos. Se materializan en la pantalla o en la página escrita y los experimentamos como algo que está ocurriendo realmente, en el presente. Experimentar el mayor miedo significa conocerlo mejor, redimensionarlo y finalmente sublimarlo. Cuando el miedo deja de ser algo indefinido y toma forma, podemos trazar sus límites, aceptarlo y superarlo.

IR AL CINE A VER

Subscribe

El nacimiento del género de terror

El género de terror tiene sus raíces en la antigüedad, en la literatura de la antigua Grecia y la antigua Roma. Son cuentos inspirados en el folclore y la tradición religiosa, inspirados por el miedo a lo invisible, lo desconocido o lo monstruoso. Historias pobladas por seres sobrenaturales, fantasmas, vampiros, hombres lobo, asesinos y todo lo relacionado con el Mal.

Una de las primeras huellas del género de terror la encontramos en Plutarco, en su obra Vidas paralelas describe el espíritu maligno del asesino Damone, que es asesinado en un baño público de Queronea. Plinio el Joven cuenta la historia de Atenodoro, que se aísla en una casa encantada para escribir su libro. La novela moderna de Frankenstein se inspira en la literatura griega clásica con los personajes de Prometeo e Hipólito.

Catalogo

El cine de terror en los orígenes del cine

El cine de terror casi comienza con la invención del propio cine. La primera película de terror se atribuye a Georges Melies y se titulaba Le manoir du diable, seguida de otro cortometraje del director-mago francés La cueva maldita.

Las mejores películas de terror de la época muda han marcado la historia del cine como Nosferatu el vampiro, de Murnau, Vampyr, de Dreyer, o El gabinete del doctor Caligari, la película que inició el movimiento cinematográfico expresionista. En aquellos años, el cine de terror habría tenido un gran florecimiento entre los directores alemanes.

Además del cine de vanguardia, Hollywood también produce obras maestras del terror que habrían quedado grabadas en la memoria, como Frankenstein, de James Whale, y Drácula, de Tod Browning. En los años veinte apareció el primer monstruo deforme de la historia del cine, El jorobado de Notre Dame. En 1925 Hollywood produjo otra película inolvidable, El fantasma de la ópera, protagonizada por el actor Lon Chaney.

IR AL CINE A VER

Las mejores películas de terror de los años 30 y 40

horror-movies-to-watch

En los años 30, Universal se especializó en películas de terror, creando una larga galería de monstruos. Después de Drácula y Frankenstein produjeron películas como La momia, El hombre invisible. Otros estudios como Paramount y Warner Brothers produjeron menos películas de terror, pero con algunos buenos resultados como La máscara de cera y Dr. Jekyll.

En la década de 1940, Universal se centra en los hombres lobo con películas como El hombre lobo, y en una larga serie de películas sobre Frankenstein. RKO produce El hombre leopardo, Yo anduve con un zombi, El beso de la pantera, dirigidas por Jacques Tourneur.

Las mejores películas de terror de los años 50 y 60

horror-movies-to-see

En los años 50, gracias a la tecnología y los efectos especiales, el cine de terror se cruza con la ciencia ficción para narrar la oscura atmósfera de la guerra fría, con películas como La cosa de otro mundo, de Howard Hawks, o La invasión de los ladrones de cuerpos.

Entre finales de los años 50 y principios de los 60 nació la primera productora especializada exclusivamente en cine de terror, la Hammer. Con el director Terence Fisher produjeron prototipos de lo que se convertiría en el cine de terror moderno. Algunos títulos para recordar son La máscara de Frankenstein, Drácula el vampiro, el remake de La momia.

Roger Corman produjo innumerables películas de terror, especializándose en las llamadas películas de serie b y llevando a la pantalla varios relatos cortos de Edgar Allan Poe. En los años sesenta, el cine de terror se vuelve más explícito y violento. El cine de terror también se utiliza para describir temores relacionados con la política y el desarrollo tecnológico y consumista, por ejemplo en la película Asalto a la Tierra.

A finales de los 60, los monstruos clásicos pasan a un segundo plano y el cine de terror se vuelve psicológico con películas como Psicosis, de Alfred Hitchcock, y El ojo asesino, de Michael Powell. ¡También se realizan numerosas películas independientes de bajo presupuesto, como Blood Feast (1963) y Two Thousand Maniacs! (1964) que inauguran el género splatter más sangriento. En 1968, George Romero da a conocer el género de los zombis. Con un presupuesto muy bajo realizó una de las películas de terror más importantes de la época La noche de los muertos vivientes.

IR AL CINE A VER

cult-movie

Cine de terror en los años 70

horror-películas-70s

En los años 70, sin embargo, el tema predominante del género de terror parece ser la posesión demoníaca de niños y adolescentes. Algunos títulos son Rosemary Baby de Roman Polanski, El exorcista de William Friedkin, Audrey Rose, The Omen. Un subgénero de terror que continuará en las décadas siguientes. La guerra de Vietnam también afecta a películas como No abras esa puerta y La última casa a la izquierda.

El creciente fenómeno del consumismo y el cambio de estilo de vida inspiraron numerosas películas de terror, como El demonio bajo tu piel, de David Cronenberg, y la secuela de La noche de los muertos vivientes, Zombie, de George Romero, en las que los protagonistas se ven atrapados. en un centro comercial.

En Italia, el maestro del thriller es Dario Argento. El director italiano realiza numerosas películas de terror de gran impacto, exportadas a todo el mundo. Mientras tanto, el joven y brillante director Brian De Palma prueba suerte en el género creando una de las mayores obras maestras del terror en la historia del cine: Carrie. Incluso John Carpenter a finales de los 70 y principios de los 80 implementará varios de terror. Uno de ellos se convierte en el mayor éxito del género slasher, un subprotagonismo de terror protagonizado por un grupo de jóvenes perseguidos por un asesino en serie. Esto es Halloween.

En 1979, el género de terror vuelve a fusionarse con la ciencia ficción en la obra maestra Alien, de Ridley Scott. Mientras tanto, nace en Europa una nueva y fértil producción de cine de terror de serie B con directores italianos como Mario Bava, Lucio Fulci, Ruggero Deodato. Directores españoles como Paul Naschy, Amando de Ossorio y Jesús Franco. Incluso el cine de Hong Kong es muy prolífico en el género de terror.

Cine de terror en los años 80

horror-películas-80s

En los años 80, las películas de terror se convirtieron en éxitos comerciales con un lenguaje menos original y directores con menos personalidad. Se estrenan películas de terror como Poltergeist, Viernes 13 Pesadilla, Hellraiser y muchas más. La excepción es la obra maestra El resplandor de Stanley Kubrick, una película 100% de autor que también consigue tener un gran éxito. John Carpenter crea un hermoso horror de ciencia ficción, ambientado en el hielo del polo, que, sin embargo, no está muy logrado. Esta es La Cosa, de 1982.

El vídeo doméstico contribuyó al crecimiento de un próspero mercado del VHS con películas comerciales de terror y de serie b de diversos géneros. Muchos directores hacen películas de terror independientes de presupuesto ultrabajo para el mercado del vídeo doméstico sin pasar por la distribución en salas. Películas como Motel Hell, de 1980, y Basket case, de 1982, retomaban temas del cine de terror anterior pero con un tono más irónico y grotesco. Algunos directores como Sam Raimi y Peter Jackson crean un nuevo tipo de cine de terror cómico con títulos como House 2 y Out of the Head, ambas películas independientes de bajo presupuesto.

La producción independiente de bajo coste del cine de terror de los años ochenta da lugar a la creación de distintos géneros para diferentes nichos de público. El más exitoso es el género splatter, que muestra la sangre y la violencia de la forma más explícita y truculenta. Nacen una serie de personajes que no se habían utilizado antes en el cine de terror, como los Gremlins, los duendes malvados y los muñecos asesinos.

Cine de terror en los 90

En los años 90, el cine de terror no produjo grandes novedades. Continúan los subgéneros y los prototipos probados desde los años 80. Se ruedan muchas secuelas, entre ellas las de Halloween y Pesadilla. El director John Carpenter continúa su negocio con películas de terror con implicaciones sociales y políticas muy interesantes, como La semilla de la locura. La película Scream trae de nuevo el subgénero del cine de terror cómico.

Una de las pocas producciones originales, de 1997, es la película canadiense El Cubo, que narra los miedos relacionados con cuestiones sociales como la burocracia. En los años 90, el cine de terror pasa a un segundo plano en comparación con otros géneros. Demasiadas películas mediocres de vídeo doméstico, excesivamente sangrientas, habían saturado el mercado y hartado al público adolescente. Los jóvenes empezaron a preferir las películas de ciencia ficción, cada vez más espectaculares gracias al uso de modernos efectos especiales digitales.

Una excepción es el Drácula de Francis Ford Coppola, que devuelve el terror a la tradición clásica de la película de la Hammer. En 1999, la película independiente El proyecto de la bruja de Blair, rodada por unos miles de euros por un grupo de niños estadounidenses, se convirtió en un éxito mundial, recaudando más de 200 millones de dólares en todo el mundo. En realidad es una película mediocre, pero lanzada mediante innovadoras estrategias de marketing en Internet a un público de adolescentes.

Cine de terror en la década de 2000

En la década de 2000, el género de terror empeoró aún más e intentó buscar el éxito de taquilla con una serie interminable de remakes y secuelas. Los videojuegos empujan a las productoras a invertir en nuevas películas de zombis y sólo obtienen resultados mediocres. Se produce una larga serie de películas comerciales de terror sin personalidad, como Amityville horror, The Ring, El exorcista – la génesis, Freddy contra Jason, Resident Evil, Destino final, El exorcismo de Emily Rose, Saw, El enigma, Hostel, Rec .

Una excepción a la normalización, cada vez mayor del cine de terror de la década de 2000 es la película de Rob Zombie, como la película House of 1000 Corpses. Rob Zombie es uno de los pocos directores que alimentan su cine de terror con interesantes referencias sociales y políticas, como incinema el de John Carpenter. No hay distinciones entre el bien y el mal, entre lo bueno y lo malo. Los monstruos suelen ser víctimas de un mecanismo social monstruoso y violento.

Películas de terror de la década de 2010

En la década de 2010 hay un renacimiento del cine de terror de autor con obras muy interesantes como Escape – Get out de Jordan Peele y películas del director Ari Aster como Hereditary – las raíces del mal y Midsommar – el pueblo de los malditos.

IR AL CINE A VER

Películas de terror para ver absolutamente

He aquí una lista de películas de terror que merece la pena ver al menos una vez: desde grandes clásicos, obras maestras y películas de culto hasta independientes menos conocidas y divertidas películas de serie B que quizá nunca haya visto u oído hablar de ellas.

El gabinete del doctor Caligari (1920)

El gabinete del Dr. Caligari (en alemán: Das Cabinet des Dr. Caligari) es una película alemana muda de terror de 1920 dirigida por Robert Wiene y escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer. La película está considerada como una de las más influyentes de la historia del cine.

Parcela

La película está ambientada en una pequeña ciudad alemana, Holstenwall. El Dr. Caligari, un hipnotizador, exhibe a Cesare, un asesino sonámbulo. Cesare mata a una serie de personas, entre ellas al padre de Francis, un joven estudiante. Francis, junto con un amigo, comienza a investigar al Dr. Caligari y descubre que es un loco que ha secuestrado a Cesare y lo utiliza para cometer sus crímenes.

Estilo

La película se caracteriza por su escenografía expresionista, que utiliza líneas torcidas, formas distorsionadas y colores llamativos para crear una atmósfera inquietante y surrealista. El estilo expresionista también es evidente en los ángulos de cámara, que a menudo están inclinados o distorsionados.

Temas

La película explora una serie de temas, entre ellos:

  • La locura: El Dr. Caligari es un personaje loco que se cree hipnotizador. Su locura está representada por la distorsionada escenografía y los inquietantes ángulos de cámara.
  • El poder de la hipnosis: Cesare es un sonámbulo que está bajo el control del hipnotizador. La hipnosis se representa como un poder peligroso que puede utilizarse para controlar a las personas.
  • Realidad e ilusión: La película juega con la realidad y la ilusión. Al final, se revela que el Dr. Caligari es un loco y que sus historias son sólo alucinaciones.

Ver El gabinete del doctor Caligari

El Golem: cómo llegó al mundo (1920)

El Golem: cómo llegó al mundo (en alemán: Der Golem, wie er in die Welt kam) es una película muda alemana de 1920 dirigida por Carl Boese y Paul Wegener, que también protagoniza el papel principal. Está basada en la novela homónima de Gustav Meyrink de 1915.

La película cuenta la historia de un rabino de la Praga del siglo XVI que crea un golem, una criatura de arcilla animada por la magia, para proteger a su pueblo de los pogromos. Al principio, el gólem es un sirviente leal, pero pronto se vuelve peligroso e incontrolable. El rabino se ve obligado a destruir al gólem para salvar la ciudad.

Parcela

En el gueto judío de la Praga del siglo XVI, el rabino Loew (Paul Wegener) se preocupa por la seguridad de los suyos, cada vez más amenazados por los pogromos. Loew decide crear un golem, una criatura de arcilla animada por la magia, para proteger a su pueblo.

Loew crea el golem mediante un ritual cabalístico. Al principio, el gólem es un sirviente leal, pero pronto se vuelve peligroso e incontrolable. El golem comienza matando a los enemigos del pueblo judío, pero pronto empieza a matar también a los inocentes.

Temas

The Golem: How He Came into the World explora una serie de temas, entre ellos:

  • El conflicto entre el bien y el mal: El gólem representa el lado oscuro de la naturaleza humana. Es un ser poderoso y destructivo que puede utilizarse para el bien o para el mal.
  • La creación: El golem es una obra de creación, tanto del rabino Loew como de Dios. La película explora el tema de la creación y sus consecuencias.
  • Identidad: El golem es un ser sin identidad. Es un ser artificial sin historia ni personalidad propias. La película explora el tema de la identidad y su importancia.

Recepción

The Golem: How He Came into the World fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, las interpretaciones de Wegener y su atractiva historia.

La película está considerada un clásico del cine expresionista alemán. Es una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de terror y fantasía.

Detalles adicionales:

  • La película se rodó en Praga, Checoslovaquia.
  • La película fue dirigida por Carl Boese y Paul Wegener, que también la protagoniza.
  • La película está basada en la novela homónima de Gustav Meyrink, publicada en 1915.
  • La película fue producida por Decla-Bioscop, una productora cinematográfica alemana.

Análisis:

The Golem: How He Came into the World es una película que explora el tema del conflicto entre el bien y el mal. El gólem representa el lado oscuro de la naturaleza humana. Es un ser poderoso y destructivo que puede utilizarse para el bien o para el mal.

La película también explora el tema de la creación y sus consecuencias. El golem es una obra de creación, tanto del rabino Loew como de Dios. La película explora el tema de la creación y sus consecuencias.

Por último, la película explora el tema de la identidad. El golem es un ser sin identidad. Es un ser artificial sin historia ni personalidad propias. La película explora el tema de la identidad y su importancia.

La película se rodó en un estilo expresionista, que hace hincapié en las formas y líneas angulosas. La película se caracteriza por una atmósfera oscura e inquietante que contribuye a crear una sensación de suspense y miedo.

El carruaje fantasma (1921)

El carruaje fantasma (Körkarlen; literalmente «El carretero») es una película muda sueca de 1921 dirigida por Victor Sjöström, basada en la novela homónima de 1912 de Selma Lagerlöf.

Parcela

La historia comienza con David Holm, un joven trabajador que vive en Estocolmo. David es un hombre violento y revoltoso que desatiende a su esposa Edit y a su hijo pequeño. Una noche, estando borracho, David mata a un hombre.

Al día siguiente, David se despierta en el cementerio, donde conoce a un misterioso carretero. El conductor le dice a David que está destinado a conducir su carruaje fantasma, que recoge las almas de los muertos que han vivido una vida de pecado.

David intenta escapar del conductor, pero es en vano. El conductor le lleva a un mundo de sombras y terror, donde David debe enfrentarse a las consecuencias de sus actos.

Temas

El carruaje fantasma explora una serie de temas, entre ellos:

  • Pecado y redención: La película explora el tema del pecado y la redención. David es un hombre que ha cometido un grave pecado, pero aún tiene la oportunidad de redimirse.
  • La muerte y el más allá: La película explora el tema de la muerte y el más allá. El carruaje fantasma representa el viaje del alma después de la muerte.
  • La naturaleza humana: La película explora la naturaleza humana, tanto el bien como el mal. David es un personaje complejo y polifacético que representa tanto el lado oscuro como el luminoso de la naturaleza humana.

Recepción

El carruaje fantasma fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, la dirección de Sjöström y la interpretación de Victor Sjöström como David Holm.

La película está considerada un clásico del cine mudo sueco. Es una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de ciencia ficción y terror.

Detalles adicionales:

  • La película se rodó en Suecia.
  • La película fue dirigida por Victor Sjöström, uno de los directores más importantes del cine mudo sueco.
  • La película está basada en la novela homónima de Selma Lagerlöf, publicada en 1912.
  • La película fue producida por Svensk Filmindustri, una productora cinematográfica sueca.

Análisis:

El carruaje fantasma es una película que explora el tema del pecado y la redención. David es un hombre que ha cometido un grave pecado, pero aún tiene la oportunidad de redimirse.

La película está ambientada en un mundo oscuro y premonitorio, que representa el mundo interior de David. El carretero representa la conciencia de David, que le obliga a enfrentarse a sus actos.

La película tiene un final abierto, que deja al público con una sensación de esperanza. David tiene la oportunidad de redimirse, pero debe afrontar un viaje largo y difícil.

Subscribe

Haxan (1922)

Obra maestra del terror única en la historia del cine Haxan es una película sobre brujas y también una película de arte y ensayo, un falso documental y una película de denuncia. Fue realizada por el brillante director sueco Benjamin Christensen, que interpreta al diablo en la película.

La película se divide en dos partes. La primera parte, «La brujería como superstición», examina los orígenes de la brujería en las creencias primitivas en demonios y espíritus malignos. La segunda parte, «La brujería como realidad», examina la persecución de las brujas en la Edad Media y su relación con la psicología humana.

Häxan es una película experimental que utiliza una combinación de técnicas documentales y narrativas. La película utiliza imágenes de archivo, actores y escenas reconstruidas para contar su historia.

La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su originalidad y por su exploración de un tema complejo y controvertido.

Parcela

La primera parte de la película comienza con un repaso a la historia de la brujería. La película sostiene que la brujería tiene su origen en creencias primitivas en demonios y espíritus malignos. Estas creencias se asociaban a menudo con las mujeres, a las que se solía acusar de brujas.

La primera parte de la película también examina las prácticas mágicas asociadas a la brujería. Estas prácticas incluían el uso de pociones, hechizos y rituales. La película sostiene que estas prácticas se utilizaban a menudo con fines benignos, como la curación o la protección.

La segunda parte de la película examina la persecución de las brujas en la Edad Media. La película sostiene que estas persecuciones a menudo estaban motivadas por el miedo y la ignorancia. A menudo se acusaba a las brujas de ser responsables de acontecimientos calamitosos, como hambrunas y plagas.

La segunda parte de la película también examina la relación entre la brujería y la psicología humana. La película sostiene que la brujería puede considerarse un producto de la imaginación humana. Las personas que creen en la brujería suelen proyectar sus propios deseos y miedos en los demás.

Interpretación

Häxan es una película que puede interpretarse de varias maneras. Una interpretación es que la película es una crítica a la superstición y la ignorancia. La película sostiene que la brujería es producto de estas fuerzas.

Otra interpretación es que la película es una reflexión sobre la naturaleza humana. La película sostiene que la brujería es un producto de la imaginación humana. Las personas que creen en la brujería suelen proyectar sus propios deseos y miedos en los demás.

Independientemente de su interpretación, Häxan es una película que sigue siendo relevante hoy en día. Es una película que nos pide que nos cuestionemos nuestra naturaleza humana y nuestra relación con el mundo que nos rodea.

Profanación de tumbas, torturas, monjas poseídas por el demonio y aquelarres de brujas: Haxan, brujería a través de los tiempos es una película de terror increíblemente original y fuera de lo común que se ha convertido en legendaria con el paso del tiempo. No es sólo una película de terror, sino una película de increíble profundidad moral y espiritual.

Ver Haxan

Nosferatu (1922)

Nosferatu (1922) es una película muda alemana de terror dirigida por F. W. Murnau y protagonizada por Max Schreck en el papel del Conde Orlok. La película es una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker, con los nombres de los personajes y los lugares cambiados.

Parcela

Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) es enviado por su agente inmobiliario Knock (Alexander Granach) a Transilvania para cerrar un trato con el misterioso conde Orlok (Max Schreck). Cuando Hutter llega al castillo de Orlok, es recibido por el criado del conde, Krenk (Georg H. Schnell). El propio Orlok es un horrible vampiro que se alimenta de los vivos.

Hutter pronto se da cuenta de que está en peligro, pero es incapaz de escapar del castillo. Orlok muerde a Hutter y bebe su sangre, dejándolo débil y enfermo. Orlok viaja entonces a Wisborg, la ciudad natal de Hutter, donde comienza a propagar la plaga.

Ellen (Greta Schröder), esposa de Hutter, sospecha que Orlok es un vampiro. Un sacerdote local le dice que la única forma de matar a un vampiro es clavarle una estaca en el corazón. Ellen se enfrenta a Orlok y le clava una estaca en el corazón, matándolo.

Estilo

Nosferatu está considerada una de las películas de terror más influyentes de la historia. Fue una de las primeras películas en utilizar el expresionismo, un estilo cinematográfico que emplea decorados e iluminación distorsionados para crear una sensación de inquietud y terror. La fotografía de la película también destaca por su uso de las sombras y los primeros planos.

Temas

Nosferatu explora una serie de temas, entre ellos:

  • Los peligros de la codicia: Hutter es enviado a Transilvania para cerrar un trato con Orlok, a pesar de que se le advierte de la peligrosa reputación del Conde. La codicia de Hutter le lleva a la perdición.
  • El poder del amor: El amor de Ellen por su marido le da fuerzas para enfrentarse a Orlok y matarlo.
  • Los peligros de lo desconocido: Orlok es una figura misteriosa y extraña. Representa los peligros de lo desconocido y el poder del mal.

Influencia

Nosferatu ha influido en innumerables cineastas, como Werner Herzog, Bela Lugosi y Christopher Lee. Las imágenes y los personajes icónicos de la película se han arraigado en la cultura popular.

Legado

Nosferatu está considerada una obra maestra del cine de terror. Es una película bien hecha que invita a la reflexión y que explora temas importantes como los peligros de la codicia, el poder del amor y los peligros de lo desconocido. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.

Dato curioso: Max Schreck, el actor que interpretó al Conde Orlok, era tan convincente en su papel que algunas personas creyeron que en realidad era un vampiro.

Dr. Mabuse, el jugador (1922)

Dr. Mabuse, el jugador (en alemán: Dr. Mabuse, der Spieler) es una película muda alemana de 1922 dirigida por Fritz Lang, basada en la novela homónima de Norbert Jacques. La película cuenta la historia del Dr. Mabuse, un cerebro criminal que controla la ciudad de Berlín a través de una red de crimen y corrupción.

Parcela

La película comienza con la fuga del Dr. Mabuse de un hospital psiquiátrico. Mabuse es un cerebro criminal que ha controlado la ciudad de Berlín a través de una red de crimen y corrupción. Mabuse ha sido internado en un hospital psiquiátrico, pero ha conseguido escapar.

Mabuse comienza a reconstruir su red criminal. Utiliza su poder para controlar la ciudad y enriquecerse. Mabuse es también un genio del crimen, y sus planes están siempre bien concebidos.

Al comisario von Wenk se le encarga capturar a Mabuse. Wenk es un hombre inteligente y decidido, pero Mabuse es un oponente formidable.

La película termina con la muerte del Dr. Mabuse. Mabuse muere en un accidente de coche, pero su espíritu sigue rondando la ciudad.

Temas

Dr. Mabuse, the Gambler explora una serie de temas, entre ellos:

  • El bien contra el mal: La película explora el conflicto entre el bien y el mal. El Dr. Mabuse representa el mal, mientras que el comisario von Wenk representa el bien.
  • Naturaleza humana: La película explora la naturaleza humana, tanto el bien como el mal. El Dr. Mabuse es un personaje complejo y polifacético que representa tanto el lado oscuro como el lado luminoso de la naturaleza humana.
  • Poder: La película explora el poder y su potencial para el mal. El Dr. Mabuse utiliza su poder para controlar la ciudad y enriquecerse.

Recepción

Dr. Mabuse, el jugador fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, la dirección de Lang y la interpretación de Rudolf Klein-Rogge como el Dr. Mabuse.

La película está considerada un clásico del cine expresionista alemán. Es una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de ciencia ficción y terror.

Detalles adicionales:

  • La película se rodó en Alemania.
  • La película fue dirigida por Fritz Lang, uno de los directores más importantes del cine expresionista alemán.
  • La película está basada en la novela homónima de Norbert Jacques, publicada en 1921.
  • La película fue producida por Decla-Bioscop, una productora cinematográfica alemana.

Análisis:

Dr. Mabuse, el jugador es una película que explora el tema del bien y del mal. El Dr. Mabuse representa el mal, mientras que el comisario von Wenk representa el bien.

La película está ambientada en un Berlín oscuro y premonitorio, que representa el lado oscuro de la naturaleza humana. El Dr. Mabuse es un genio del crimen, y sus planes están siempre bien concebidos.

La película tiene un final abierto, que deja al público con una sensación de inquietud. El Dr. Mabuse es un oponente formidable, y su espíritu sigue rondando la ciudad.

Las manos de Orlac (1924)

«Las manos de Orlac» es una película de 1924 dirigida por el director austriaco Robert Wiene. Es una película muda de la era del cine expresionista alemán, conocida por su inquietante argumento y su uso de técnicas visuales distorsionadas.

La película sigue la historia de Paul Orlac, un célebre pianista que pierde ambas manos en un accidente de tren. Presionado por su ambiciosa esposa, Yvonne, Orlac se somete a un trasplante de mano que le permite volver a tocar el piano. Sin embargo, Orlac empieza a temer que las nuevas manos sean las de un asesino, ya que comienza a experimentar visiones y pesadillas inquietantes.

La película explora temas como la identidad, la psicología y el conflicto interior, utilizando un enfoque visual muy estilizado. La dirección de Wiene utiliza la iluminación y los ángulos de cámara para crear una sensación de tensión y desorientación, mientras que el diseño de interiores y vestuario es muy estilizado y surrealista.

La película ha sido objeto de numerosos rodajes y adaptaciones, incluida una adaptación de 1935 protagonizada por Peter Lorre y un remake de 1960 titulado «Las manos de Orlac». La película está considerada un clásico del cine expresionista alemán e influyó en varios directores posteriores, como Alfred Hitchcock y David Lynch.

El fantasma de la ópera (1925)

El fantasma de la ópera (1925 ) es una película muda dirigida por Rupert Julian. Está basada en la novela homónima de Gaston Leroux, que cuenta la historia de Erik, un músico brillante pero desfigurado que vive oculto en las catacumbas de la Ópera de París; dispuesto a todo para llevar al éxito a la joven cantante Christine, de la que está secretamente enamorado.

La película está protagonizada por Lon Chaney como el Fantasma, Mary Philbin como Christine y Norman Kerry como Raoul, el prometido de Christine. Chaney fue elogiado por su interpretación, que ha sido calificada de «macabra e inquietante». La película también fue elogiada por su fotografía, que ha sido calificada de «sofisticada y atrevida».

El Fantasma de la Ópera fue un éxito comercial y de crítica desde su estreno. Está considerada una de las películas más importantes del cine mudo y contribuyó a consolidar la reputación de Chaney como uno de los mejores actores del cine.

Parcela

La película comienza con Christine Daaé, una joven soprano, en una audición para el papel de Christine Daaé en la Ópera de París. Al principio es rechazada, pero el Fantasma, una misteriosa figura que ronda el teatro de la ópera, la oye cantar y queda impresionado por su talento. Comienza a darle clases en secreto y pronto se convierte en una de las cantantes más populares de la ópera.

El éxito de Christine despierta los celos de Carlotta Giudicelli, la prima donna de la ópera. Carlotta está decidida a destruir a Christine y la acusa de robarle su papel. El Fantasma, que también está enamorado de Christine, interviene y la salva.

Interpretación

El Fantasma de la Ópera es una película compleja y polifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Una interpretación es que la película es un cuento con moraleja sobre los peligros de la obsesión. El Fantasma es un músico brillante, pero su obsesión por Christine le lleva a la locura. Está dispuesto a hacer cualquier cosa para poseerla, aunque eso signifique hacerle daño a ella o a otros.

Otra interpretación es que la película es una metáfora del proceso creativo. El Fantasma es un artista torturado que encuentra consuelo en su música. Es capaz de expresarse a través de su música de una forma que no puede hacerlo en el mundo real. Christine es una musa para el Fantasma, y su voz le inspira para crear.

Al final, el Fantasma es una figura trágica. Es víctima de su propia obsesión y de su propia creatividad. Es incapaz de encontrar la felicidad en el mundo real y acaba destruyéndose a sí mismo.

Legado

El Fantasma de la Ópera es un clásico del cine que ha sido adaptado a muchas otras formas, como musicales de teatro, programas de televisión y videojuegos. Es una historia de amor, obsesión y el lado oscuro de la psique humana.

Una página de locura (1926)

Una página de locura (狂った一頁, Kurutta Ippeiji) es una película japonesa muda de terror experimental de 1926 dirigida por Teinosuke Kinugasa. La película está considerada una obra maestra del cine japonés y una de las películas mudas más influyentes de la historia.

Parcela

La película cuenta la historia de un artista que se vuelve loco por su obsesión con una mujer que se parece a su esposa muerta. La locura del artista se manifiesta en una serie de visiones cada vez más inquietantes y surrealistas.

Estilo

A Page of Madness es conocida por su innovadora y rompedora cinematografía. Kinugasa utilizó diversas técnicas, como superposiciones, exposiciones múltiples y edición rápida, para crear una sensación de desorientación e inquietud. Las imágenes de la película también están muy estilizadas, y se centran en colores vivos y formas geométricas.

Temas

A Page of Madness explora una serie de temas, entre ellos:

  • La locura: La película es una poderosa exploración de la mente humana y su capacidad para la locura. El descenso a la locura del artista se muestra en una serie de imágenes cada vez más inquietantes y surrealistas.
  • Obsesión: El artista está obsesionado con una mujer que se parece a su esposa muerta. Esta obsesión le conduce a la locura y, en última instancia, a su destrucción.
  • Arte y realidad: La película explora la relación entre arte y realidad. La locura del artista se manifiesta en su arte, y éste empieza a difuminar las líneas que separan la realidad de la fantasía.

Influencia

Una página de locura es una de las películas mudas más influyentes de la historia. Ha inspirado a innumerables cineastas, entre ellos Akira Kurosawa, David Lynch y Martin Scorsese. La película también se considera una gran influencia en el desarrollo del cine japonés.

Legado

Una página de locura está considerada una obra maestra del cine japonés y una de las películas mudas más importantes de la historia. La película es alabada por su innovadora cinematografía, su poderosa exploración de la locura y su influencia en innumerables cineastas.

Dato curioso: La película se creyó perdida durante casi 50 años, pero fue redescubierta en 1971.

Ver Una página de locura

Catalogo

Fausto (1926)

Fausto es una película muda alemana dirigida por F. W. Murnau. Está basada en la obra clásica Fausto, de Johann Wolfgang von Goethe, que narra la leyenda de Fausto, un erudito que hace un pacto con el diablo Mefistófeles a cambio de juventud y conocimiento.

La película está protagonizada por Gösta Ekman como Fausto, Emil Jannings como Mefistófeles y Camilla Horn como Gretchen, el interés amoroso de Fausto. Está considerada una de las mejores películas mudas de la historia y es elogiada por sus efectos visuales innovadores, su cinematografía expresionista y su inquietante partitura.

Parcela

La película comienza con Fausto, un anciano alquimista que se lamenta de su vejez y de su falta de conocimientos. Clama a Dios pidiendo ayuda, y Mefistófeles aparece ante él, ofreciéndole juventud y conocimiento a cambio de su alma. Fausto acepta y Mefistófeles lo transforma en un joven.

Fausto y Mefistófeles viajan juntos por el mundo, entregándose a todo tipo de placeres. Fausto se enamora de Gretchen, una mujer joven e inocente. Sin embargo, su relación está condenada desde el principio, ya que el alma de Fausto pertenece a Mefistófeles.

Fausto (1926) es una película poderosa que invita a la reflexión y que explora temas como el bien y el mal, la tentación y la redención. Es una visita obligada para los aficionados al cine mudo y a la literatura clásica.

Frankenstein (1931)

Frankenstein (1931) es una película clásica de terror dirigida por James Whale y protagonizada por Colin Clive como Henry Frankenstein y Boris Karloff como la criatura. La película está basada en la novela homónima de Mary Shelley de 1818.

Parcela

El Dr. Henry Frankenstein es un brillante científico obsesionado con crear vida. Consigue ensamblar una criatura con partes del cuerpo del difunto, pero la criatura es deforme y monstruosa. Frankenstein se horroriza ante su creación y la abandona.

La criatura es abandonada a su suerte y rápidamente aprende que no es aceptada por la sociedad. Es temida y vilipendiada por todos los que encuentra a su paso. La criatura se enfada y se vuelve vengativa, y empieza a matar a la gente que le ha hecho daño.

Temas

Frankenstein explora una serie de temas, entre ellos:

  • Los peligros de la ambición científica: La ambición de Frankenstein por crear vida le lleva a la perdición. Crea un monstruo que no puede controlar y que acaba por destruirle.
  • La importancia de la aceptación: La criatura es rechazada por la sociedad debido a su apariencia. Este rechazo lleva a la criatura a enfadarse y volverse vengativa.
  • La naturaleza del bien y del mal: Frankenstein es una buena persona que se deja llevar por su ambición. La criatura es un monstruo, pero también una víctima. La película sugiere que el bien y el mal no siempre están bien definidos.

Influencia

Frankenstein es una de las películas de terror más influyentes de la historia. Ha sido rehecha y adaptada en numerosas ocasiones, y ha inspirado innumerables películas, libros y programas de televisión. Las imágenes y los personajes icónicos de la película se han arraigado en la cultura popular.

Legado

Frankenstein está considerado un clásico del cine de terror. Es una película bien hecha que invita a la reflexión y que explora temas importantes como los peligros de la ambición científica, la importancia de la aceptación y la naturaleza del bien y del mal. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.

Dato curioso: Boris Karloff nunca habló en la película. Sus únicas líneas eran gruñidos y gruñidos.

Drácula (1931)

Drácula (1931) es un clásico del cine de terror estadounidense dirigido por Tod Browning y protagonizado por Bela Lugosi en el papel del Conde Drácula. La película está basada en la novela homónima de 1897 de Bram Stoker.

Parcela

La película comienza con un joven abogado inglés, Renfield (Dwight Frye), que viaja a Transilvania para vender un castillo al Conde Drácula (Bela Lugosi). Renfield es advertido por los lugareños sobre Drácula, de quien se rumorea que es un vampiro, pero hace caso omiso de sus advertencias.

Cuando Renfield llega al castillo de Drácula, es recibido por el propio Conde. Drácula es un hombre encantador y sofisticado, pero también tiene un lado oscuro. Hipnotiza a Renfield y lo convierte en su esclavo.

Temas

Drácula explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza del bien y del mal: Drácula es una personificación del mal. Es una criatura de la noche que se aprovecha de los inocentes. Van Helsing, en cambio, es una representación del bien. Es un hombre sabio y compasivo que está decidido a destruir a Drácula.
  • Los peligros de la lujuria y la tentación: Drácula es un seductor que utiliza su encanto y su atractivo para atraer a sus víctimas. La película sugiere que la lujuria y la tentación pueden conducir al peligro.
  • La importancia de la fe: Van Helsing es un hombre religioso que cree en el poder de Dios para protegerle del mal. La película sugiere que la fe puede ser una fuerza poderosa contra el mal.

Influencia

Drácula es una de las películas de terror más influyentes de la historia. Ha sido rehecha y adaptada en numerosas ocasiones y ha inspirado innumerables películas, libros y programas de televisión. Las imágenes y los personajes icónicos de la película se han arraigado en la cultura popular.

Legado

Drácula está considerado un clásico del cine de terror. Es una película bien hecha que invita a la reflexión y que explora temas importantes como la naturaleza del bien y del mal, los peligros de la lujuria y la tentación, y la importancia de la fe. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.

Dato curioso: Bela Lugosi llevaba colmillos postizos en la película, pero eran tan incómodos que apenas podía hablar con ellos puestos.

El Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1931)

Es una película de terror estadounidense de 1931, dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Fredric March, que interpreta a un médico experto que descubre una nueva fórmula capaz de desatar fuerzas satánicas en las personas.

La película es una adaptación de El extraño caso del Dr. Jekyll y también Mr. Hyde, la historia de 1886 de Robert Louis Stevenson sobre un hombre que toma una cura que le transforma de un apacible hombre de ciencia en un lunático sediento de sangre. La película fue un éxito en su estreno. Elegido para 3 premios de la Academia, March ganó el de Mejor Actor.

El Dr. Henry Jekyll (Fredric March), un tranquilo médico inglés del Londres victoriano, sostiene que en todo hombre acechan tanto impulsos malos como buenos. Está loco por su futura esposa Muriel Carew (Rose Hobart) y desea casarse con ella.

Su padre, el general de brigada Sir Danvers Carew (Halliwell Hobbes), les ordena que esperen. Mientras pasea una noche por su casa con su colega, el Dr. John Lanyon (Holmes Herbert), Jekyll conoce a la cantante de un bar, Ivy Pierson (Miriam Hopkins), que es tiroteada por un hombre a la puerta de su casa. Jekyll ahuyenta al hombre y se lleva a Ivy a su casa para cuidar de ella.

La Momia (1932)

Es una película de terror estadounidense de 1932 dirigida por Karl Freund. El guión cinematográfico de John L. Balderston fue adaptado de un guión escrito por Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer.

Lanzada por Universal Studios como parte de la franquicia Universal Classic Monsters, la película está protagonizada por Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Edward Van Sloan y Arthur Byron.

En la película, Karloff interpreta a Imhotep, una antigua momia egipcia que fue eliminada por intentar revivir a su amante fallecida, Ankh-esen-amun. Tras ser descubierto por un grupo de excavadores, se disfraza de un egipcio moderno llamado Ardeth Bey y busca a Ankh-esen-amun, que cree que se ha reencarnado en el mundo contemporáneo.

Aunque tuvo mucho menos impacto cultural que sus predecesoras Drácula y Frankenstein, la película fue un gran éxito y dio lugar a numerosas secuelas, remakes y spin-offs.

Vampyr (1932)

«Vampyr» es una película de vampiros de 1932 dirigida por Carl Theodor Dreyer, considerada una de las obras maestras del cine mudo europeo. La trama sigue a Allan Gray, un joven estudioso de lo sobrenatural, que se ve envuelto en una serie de sucesos misteriosos y aterradores tras llegar a un pueblo aislado.

Gray se ve envuelto en la lucha entre un par de hermanos y una vampiresa que ha puesto sus ojos en una joven aldeana, Léone. La vampiresa y sus seguidores pretenden secuestrar a Léone para convertirla en su esclava y alimentarse de su sangre, pero Gray, con la ayuda del hermano de Léone, intenta detenerlos.

La película es conocida por su estilo visual único, que combina el uso de sombras, efectos de iluminación y encuadres inusuales para crear una atmósfera de angustia y terror. El director también emplea el sonido de forma innovadora, con efectos sonoros como el crujido de un molino de viento y los gritos del vampiro que amplifican la ansiedad y la angustia del público.

«Vampyr» recibió críticas dispares en su estreno, pero en los años transcurridos desde entonces ha sido revalorizada y considerada un hito del cine de terror. La película ha inspirado a numerosos directores y ha influido en el desarrollo del cine de arte y ensayo y del cine de terror durante décadas.

En «Vampyr», hay una constante sensación de sufrimiento y elementos imperceptibles que acechan en cada esquina. La fotografía de Rudolph Maté documenta cada matiz de luz y oscuridad en una danza extraordinaria.

Son famosas las tomas icónicas, como la de un hombre con una guadaña tocando una campana y la representación de una posada sobresaliendo contra un cielo oscuro. También son notables las escenas de culto, como aquella en la que Dreyer utiliza un claustrofóbico plano subjetivo que permite al espectador «entrar» en el ataúd donde se encuentra Allan.

VER VAMPYR

Freaks (1932)


Freaks (1932)
es una película de terror dirigida por Tod Browning y producida por MGM. La película está protagonizada por Wallace Ford, Leila Hyams y un gran elenco de artistas con discapacidad.

La película cuenta la historia de Hans (Ford), un enano que se enamora de Cleopatra (Hyams), una trapecista. Cleopatra sólo está interesada en el dinero de Hans, y trama matarlo con la ayuda de su amante, Hércules (Harry Earles).

Los demás artistas del circo, que son todos unos fenómenos, se enteran del plan de Cleopatra y deciden vengarse. Atraen a Hans y Cleopatra a la sala de atracciones del circo, donde los atacan.

Al final, Cleopatra y Hércules se convierten ellos mismos en bichos raros. Hans sale ileso, pero queda traumatizado por la experiencia.

Recepción crítica

Freaks fue un fracaso comercial y de crítica en su estreno. La película fue prohibida en muchos países por su contenido perturbador. Sin embargo, la película ha sido revalorizada desde entonces y ahora se considera un clásico del cine de terror.

Impacto

Freaks ha tenido un profundo impacto en el género de terror. Se trata de una de las primeras películas de terror protagonizadas por intérpretes discapacitados. La película también ha sido elogiada por sus temas oscuros y subversivos.

Escena icónica

Una de las escenas más emblemáticas de la película es aquella en la que Cleopatra y Hércules se transforman en fenómenos. La escena está rodada de tal manera que resulta inquietante e invita a la reflexión. La escena de la transformación es un poderoso recordatorio de la fragilidad del cuerpo humano y de la importancia de la aceptación.

Temas

Freaks explora una serie de temas, como los prejuicios, la aceptación y la naturaleza de la humanidad. El retrato que hace la película de los artistas de circo como personajes simpáticos y complejos ha sido elogiado por su humanidad. Freaks también se ha interpretado como un cuento con moraleja sobre los peligros de los prejuicios y la importancia de aceptar a los demás por lo que son.

cult-movie

El hombre invisible (1933)

Es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1933 dirigida por James Whale, basada en la novela de H. G. Wells de 1897 El hombre invisible, producida por Universal Pictures y protagonizada por Gloria Stuart, Claude Rains y William Harrigan.

La película presenta al Dr. Jack Griffin (Rains) cubierto de tiritas y con los ojos tapados por unas gafas oscuras, resultado de un experimento secreto que le hace invisible, que fija su residencia en el pueblo de Iping, hasta que su casera no descubre el secreto. León regresa al laboratorio de investigación del Dr. Cranley (Henry Travers) y revela su invisibilidad al Dr. Kemp (William Harrigan) y a su esposa Flora Cranley (Gloria Stuart), quienes descubren que Griffin se ha vuelto peligroso, llegando incluso a cometer asesinatos.

La película seguía en promoción para Universal ya en 1931, cuando Richard L. Schayer y Robert Florey recomendaron que la novela de Wells sería una excelente secuela de la película de terror Drácula. Universal prefirió hacer Frankenstein en 1931. Esto provocó una serie de ajustes en los guiones de las películas, así como una variedad de directores potenciales

Tras su estreno en 1933, la película fue un gran éxito financiero para Universal y cosechó sólidas críticas de numerosas revistas. La película dio lugar a varias secuelas que no estaban relacionadas con la película inicial en la década de 1940. Es una de sus películas favoritas de los directores John Carpenter, Joe Dante y Ray Harryhausen.

El misterio del museo de cera (1933)

Es una película de terror de misterio 1933 estadounidense dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Lionel Atwill, Fay Wray, Glenda Farrell y Frank McHugh. Fue editada por Warner Bros. y grabada en Technicolor bicolor.

Parcela

Ivan Igor (Lionel Atwill) es un escultor que dirige un museo de cera en Londres. Es un hombre cruel y sádico que disfruta torturando a sus víctimas. El socio de Igor, Joe Worth (Edwin Maxwell), quiere quemar el museo y cobrar el dinero del seguro. Igor se niega y Worth prende fuego al museo. Igor queda atrapado en el interior del museo en llamas y su rostro queda gravemente desfigurado.

Años después, Igor ha rehecho su vida en Nueva York. Ha abierto un nuevo museo de cera y ahora está casado con una bella mujer llamada Florence (Dorothy Burgess). Sin embargo, los viejos hábitos de Igor son difíciles de erradicar. Comienza a secuestrar personas y a crear estatuas de cera de ellas.

Temas

El Misterio del Museo de Cera explora una serie de temas, entre ellos:

  • Los peligros de la obsesión: Igor está obsesionado con crear estatuas de cera. Su obsesión le lleva a cometer un asesinato.
  • La dualidad de la naturaleza humana: Igor es un personaje complejo. Es a la vez un artista brillante y un asesino sádico.
  • El poder del amor: El amor de Florencia por su marido le da la fuerza para enfrentarse a él y matarlo.

Influencia

El Misterio del Museo de Cera fue un éxito comercial y de crítica. Fue una de las primeras películas de terror estrenadas en color. La película ha influido en innumerables películas de terror, como La casa de cera (1953) y La cámara de los horrores (1966).

Legado

El Misterio del Museo de Cera está considerado un clásico del cine de terror. Es una película de suspense bien hecha, con personajes memorables e imágenes icónicas. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.

Dato curioso: la película iba a rodarse originalmente en 3D, pero el proceso era demasiado caro en aquel momento.

Cat People (1942)

Cat People (1942) es una película de terror estadounidense de 1942 dirigida por Jacques Tourneur. La película cuenta la historia de Irena Dubrovna (Simone Simon), una joven que tiene la maldición de convertirse en pantera cada vez que se excita o se siente amenazada. Irena se enamora de Oliver Reed (Kent Smith), un zoólogo, pero teme revelarle su secreto. Cuando la ex novia de Oliver, Alice Moore (Jane Randolph), llega al pueblo, Irena se pone celosa y su lado oscuro empieza a aflorar.

Parcela

Irena Dubrovna es una joven a la que persigue un oscuro secreto: está maldita para convertirse en pantera cada vez que se excita o se siente amenazada. La maldición de Irena tiene sus raíces en la historia de su familia; su madre también era una mujer pantera, y su abuela fue asesinada por una pantera.

Irena conoce y se enamora de Oliver Reed, un zoólogo. Irena tiene miedo de contarle a Oliver lo de su maldición, pero está decidida a empezar una nueva vida con él. Sin embargo, el lado oscuro de Irena empieza a aflorar cuando la ex novia de Oliver, Alice Moore, llega a la ciudad.

Irena se pone celosa de Alice y de su relación con Oliver. Una noche, Irena sigue a Alice a casa y se enfurece tanto que se transforma en pantera. Alice es atacada y asesinada por la pantera, pero Irena escapa.

Temas

Cat People explora una serie de temas, como la dualidad, la sexualidad y la naturaleza de la humanidad. El retrato que hace la película de Irena como una mujer que es a la vez humana y bestia ha sido elogiado por su complejidad. Cat People también se ha interpretado como una metáfora de la experiencia femenina, en la que la maldición de Irena representa los peligros y las complejidades de la sexualidad femenina.

Recepción crítica

Cat People fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su atmósfera, su suspense y sus interpretaciones. Cat People está considerada actualmente una de las mejores películas de terror de la historia.

Impacto

Cat People tuvo un profundo impacto en el género de terror. La película contribuyó a popularizar el género de terror psicológico y está considerada una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos. Cat People también ha sido referenciada y parodiada en numerosas películas, programas de televisión y videojuegos.

Escena icónica

Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Irena se transforma en pantera por primera vez. La escena está rodada de forma que resulte a la vez de suspense y erótica. La transformación de Irena es una imagen poderosa e inquietante que ha perdurado en el público durante décadas.

¡A ellos! (1954)

Es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1954 de Warner Bros. Escrita por David Weisbart, dirigida por Gordon Douglas e interpretada por James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon y James Arness.

La película se basa en una adaptación del relato de George World Yates, que más tarde se convirtió en el guión de una película de Ted Sherdeman y que también adaptó Russell Hughes. Esta película es sólo una de las primeras sobre los monstruos nucleares de los años 50, y también el primer largometraje sobre el «gran insecto» que utiliza parásitos como monstruos.

Un nido de enormes hormigas irradiadas es descubierto en el desierto de Nuevo México; se convierten en una amenaza nacional cuando resulta que dos jóvenes hormigas reinas han escapado para construir nuevos nidos. La investigación nacional conduce finalmente a una batalla en el sistema de tubos de escape de Los Ángeles.

Demencia (1955)

«Dementia» es una película independiente estadounidense de terror de 1955 dirigida por John Parker y protagonizada por Sally Todd. La película es una mezcla de cine negro, terror y ciencia ficción, y tiene un tono muy experimental.

La historia sigue a una mujer llamada Joan (Todd) que se despierta en un hotel sin recordar cómo llegó allí, iniciando un viaje de pesadilla por la ciudad.

«Demencia» es una película muy peculiar y única. Es una película experimental que no se ciñe a las convenciones del género de terror. La película está repleta de imágenes inquietantes y atmósferas claustrofóbicas. La interpretación de Sally Todd es intensa y atractiva.

«Dementia» es una película que ha influido notablemente en el género de terror. La película ha sido elogiada por su originalidad y su visión única. «Dementia» es una película que aún hoy es apreciada por los aficionados al género de terror.

He aquí algunas razones por las que «Demencia» es una película tan importante:

  • Es una de las primeras películas de terror experimental.
  • Está llena de imágenes inquietantes y atmósferas claustrofóbicas.
  • La interpretación de Sally Todd es intensa y atractiva.
  • La película ha influido notablemente en el género de terror.

Si eres fan del género de terror, te recomiendo ver «Dementia». Es una película única y experimental que le dejará sin aliento.

Ver Demencia

Los muertos vivientes (1957)

Una mujer entra en trance psíquico y retrocede en el tiempo directamente al cuerpo de una de sus antepasadas medievales, condenada a morir como bruja. Se escapa y una bruja real llamada Livia (Allison Hayes), que trabaja con el diablo. También hay otra bruja, un pícaro que ayuda a Livia, y uno de los psíquicos que viaja al pasado con ella.

Producida y dirigida por Roger Corman, se trata de una película de serie B poco convencional y entretenida: violencia, reencarnación, viajes en el tiempo, comedia y diversión. Hay escenas divertidas con la bruja y el duende que se convierten en animales.

Incluso el enterrador es entretenido con sus ingeniosas rimas y discusiones. Satanás es impresionante, con su risa constante y una enorme horca. Los sábados, convoca a un trío de chicas muertas para que salgan de la tumba y bailen.

La película destaca especialmente por el aspecto de la actriz Hayes, con un vestido muy ceñido. Podría decirse que Hayes fue una estrella del cine de serie B de los años 50, sobre todo por su aparición en Attack of the 50-Foot Woman. La película se rodó en seis días con un presupuesto previsto de 70.000 dólares, en un viejo supermercado. Tiene seguidores de culto entre los aficionados al cine de miedo, los autocines y las películas independientes de pequeño presupuesto. Si te gusta alguno de ellos, tienes que verlos a continuación.

I Vampiri (1957)

I Vampiri es una película de terror italiana de 1957 dirigida por Riccardo Freda y rematada por el director de fotografía de la película, Mario Bava. En el reparto Gianna Maria Canale, Carlo D’Angelo y Dario Michaelis.

La película trata de una serie de asesinatos de chicas a las que se descubre con tubos de drenaje de sangre. Los periódicos hablan de un asesino en serie llamado el Vampiro, lo que motiva al joven periodista Pierre Lantin a investigar los crímenes.

En el momento de su estreno, la película fue percibida como un objeto original y extraño para los seguidores del género de terror. Las escenas realmente terroríficas se reducen a unas pocas secuencias.

La película estableció los requisitos para un diseño estético que sería el marco de muchas películas de terror italianas similares: telarañas, puertas que crujen, degeneración y una iluminación fantástica. Cualquiera que sienta curiosidad por el cine de terror italiano debería verla: una película ignorada e infravalorada, con sugerencias del cine neorrealista.

Un cubo de sangre (1959)

Un cubo de sangre es una comedia de terror estadounidense de 1959 dirigida por Roger Corman. Está protagonizada por Dick Miller y se introdujo en la cultura beatnik de la Costa Oeste a finales de los años cincuenta. La película, producida con un presupuesto de 50.000 dólares, se rodó en 5 días y comparte muchos estilos cinematográficos de bajo presupuesto típicamente asociados a la obra de Corman.

La película es una oscura sátira cómica sobre un joven camarero algo bobalicón e impresionable que trabaja en una cafetería, conocido por ser un fino escultor. Mata sin querer al gato de su casera y esconde su cuerpo en la arcilla de una escultura para ocultar las pruebas. Acaba siendo un asesino en serie cuando se ve obligado a producir trabajos similares.

Un cubo de sangre fue la primera de un trío de colaboraciones entre Corman y Griffith en la entretenida categoría de terror, que incluye La pequeña tienda de los horrores, que se rodó en los mismos decorados, y La criatura del mar embrujado.

La película satiriza no sólo las películas de Corman, sino también el mundo del arte abstracto, además de las películas de adolescentes de bajo presupuesto de los años cincuenta. La película fue aplaudida en muchos círculos como una representación cándida e indiscriminada de los muchos elementos de la cultura beatnik.

Ver Un cubo de sangre

La pequeña tienda de los horrores (1960)

Es una comedia de terror estadounidense de 1960 dirigida por Roger Corman. Escrita por Charles B. Griffith, la película es una farsa sobre un florista que cultiva una planta que come sangre humana.

Gravis Mushnick es propietario de una floristería y tienda de diseño, regentada por él mismo y 2 empleados, la dulce Audrey Fulquard y el torpe Seymour Krelboined. Situada en un barrio de chabolas, la deteriorada tienda está poco organizada.

Mushnick despide a Seymour cuando éste arruina una entrega de flores para el malvado dentista Dr. Farb. Seymour le informa de una planta única que cultivó a partir de semillas que obtuvo de un «aficionado a los jardines japoneses de la Avenida Central». Seymour confiesa que llamó a la planta «Audrey Jr.», lo que excita a la verdadera Audrey.

Jack Nicholson, al describir la reacción a una proyección de la película, dijo que el público se reía tanto que apenas se oían los diálogos. El actor dijo que nunca antes había tenido una reacción tan favorable del público.

Entre las joyas de Corman, un tema loco que se escribió en una noche. Una película de éxito, con entretenidas interpretaciones proporcionadas por el reparto y excelentes resultados de dirección por parte de Corman mientras trabajaba bajo las presiones autoimpuestas de un rodaje rápido y un plan presupuestario.

Ver La pequeña tienda de los horrores

Domingo negro (1960)

En la Moldavia del siglo XVII, la princesa Asa Vajda, sospechosa de brujería, es condenada por la Inquisición y muere maldiciendo a su propia familia, considerada responsable de su destino. En el siglo XIX, los médicos Kruvajan y Gorobec, de camino a una conferencia médica, se encuentran con el ataúd de Asa y la despiertan accidentalmente. Se dispone sistemáticamente a buscar venganza…

La película fue criticada por los críticos italianos, mientras que en Francia fue apreciada inmediatamente como una obra maestra «pictórica». Es sin duda una de las mejores películas de Mario Bava, con secuencias de gran encanto y horror. La versión inglesa se vio empañada por un doblaje mediocre.

La crítica inglesa la apreció inicialmente por su producción de bajo presupuesto. En años posteriores, la película fue revalorizada y considerada entre las mejores películas de terror jamás realizadas: un festival de lo prohibido que desata el interés de los adolescentes por el mundo sobrenatural, aclamada como la obra maestra del terror gótico italiano.

La fotografía en claroscuro, bellamente compuesta, el estilo expresionista y la dirección confieren a la película una atmósfera única. Es cine en su forma más abundante y grandiosa, rebosante de imágenes resonantes.

Psicosis (1960)

Psicosis (1960) es una película estadounidense de terror psicológico dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Janet Leigh, Anthony Perkins, John Gavin y Vera Miles. La película está basada en la novela homónima de Robert Bloch de 1959.

Parcela

Marion Crane (Janet Leigh), una secretaria de Phoenix, Arizona, roba 40.000 dólares a su jefe y conduce hasta California para empezar una nueva vida con su novio, Sam Loomis (John Gavin). Por el camino, se detiene en un remoto motel regentado por Norman Bates (Anthony Perkins), un joven que vive con su dominante madre.

Marion se registra en el motel y deja su dinero en el coche. Va a su habitación a ducharse, pero es brutalmente asesinada por una misteriosa figura. Norman descubre el cadáver de Marion y se deshace de él en el pantano del motel.

Temas

Psicosis explora una serie de temas, entre ellos:

  • Enfermedad mental: Norman Bates es un personaje complejo que sufre un trastorno de identidad disociativo. La película explora los peligros de las enfermedades mentales y la importancia de buscar ayuda.
  • La naturaleza del bien y del mal: Norman Bates es un personaje de Jekyll y Hyde. Es a la vez un joven amable y gentil y un sádico asesino. La película sugiere que el bien y el mal pueden coexistir en una misma persona.
  • La importancia de la familia: La relación de Norman Bates con su madre es profundamente problemática. La película sugiere que las relaciones familiares pueden tener un poderoso impacto en nuestra salud mental.

Influencia

Psicosis está considerada una de las películas de terror más influyentes de la historia. Fue una de las primeras películas en centrarse en las motivaciones psicológicas de un asesino. La escena de la ducha de la película es una de las más icónicas de la historia del cine.

Legado

Psicosis es una obra maestra del cine de terror. Es una película de suspense bien hecha, con personajes complejos e imágenes icónicas. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.

Dato curioso: La escena de la ducha se rodó en sólo 45 segundos, pero se tardó siete días en editarla. Esta película de terror basada en una historia real de Ed Gein y de los asesinatos en Wisconsin.

Ojos sin rostro (1960)

El instructor Génessier, famoso cirujano especializado en trasplantes, es el responsable de un accidente del que su hijo Christiane salió con vida pero con la cara terriblemente mutilada. Con la ayuda de un ayudante, atrae a mujeres a su laboratorio, para arrancarles la piel de la cara y utilizarla para las heridas de su novio.

Una operación tan difícil que Génessier debe repetirla continuamente, tras cada fracaso de los injertos. Christiane, con una máscara en la cara, sigue sin entender absolutamente nada…

Los críticos franceses dijeron que era una repetición del expresionismo alemán o simplemente una decepción por el salto del director de documentales al cine de género. La prensa británica dijo que cuando un director como Georges Franju hace una película de terror, no se puede tratar de encontrar alegorías o niveles de lectura.

Ojos sin rostro se estrenó en los cines en septiembre de 1986 para acompañar las retrospectivas del National Film Theater de Londres y la Cinématèque Française. Con un nuevo interés, la película ha empezado a ser reevaluada.

La crítica francesa ha sido bastante más alentadora que en su estreno preliminar. El público descubrió el carácter poético de la película comparándola con la obra del poeta y director francés Jean Cocteau.

Peeping Tom (1960)

Peeping Tom (1960) es una película británica de terror psicológico dirigida por Michael Powell. Está protagonizada por Carl Boehm, Anna Massey y Moira Shearer.

La película cuenta la historia de Mark Lewis, un director de fotografía que asesina a mujeres y graba sus reacciones con una cámara oculta. Mark es un hombre atormentado por traumas infantiles, y su obsesión por el cine es una forma de controlar y dominar a sus víctimas.

La película es conocida por su atmósfera inquietante y su innovador uso de la cámara. Powell utiliza la cámara para crear una sensación de suspense y voyeurismo, y para explorar la psicología del protagonista.

Parcela

Mark Lewis es un director de fotografía que trabaja para un productor de películas de serie B. Mark es un hombre solitario e introvertido, y tiene una obsesión con la muerte.

Una noche, Mark sigue a una prostituta llamada Helen y la filma mientras se prepara para una cita. Mark asesina a Helen y filma su reacción.

A Mark le excita su primera experiencia de asesinato y empieza a matar a otras mujeres. Mark graba a sus víctimas con una cámara oculta y ve las grabaciones para masturbarse.

Mark se obsesiona cada vez más con la muerte y empieza a perder la cordura. Mark empieza a ver el fantasma de su madre, que le acusa de haberla matado.

Mark es finalmente capturado por la policía, pero se suicida antes de que pueda ser juzgado.

Análisis

Peeping Tom es una película que explora el lado oscuro de la mente humana. Mark Lewis es un hombre atormentado por traumas infantiles, y su obsesión por el cine es una forma de controlar y dominar a sus víctimas.

La película puede interpretarse como una alegoría de la violencia de la sociedad moderna. Mark es un producto de su cultura, y su violencia es un reflejo de la violencia que le rodea.

La película ha sido elogiada por la crítica por su atmósfera inquietante y su innovador uso de la cámara. Powell utiliza la cámara para crear una sensación de suspense y voyeurismo, y para explorar la psicología del protagonista.

Detalles adicionales:

  • La película se rodó en Londres, Inglaterra.
  • La película fue dirigida por Michael Powell, director británico conocido por su trabajo en películas experimentales y atrevidas.
  • La película fue escrita por Leo Marks, criptógrafo y guionista británico.
  • La película se proyectó en competición en el Festival de Cannes de 1960.
  • La película fue nominada al premio BAFTA a la mejor película británica.

El carnaval de las almas (1962)

Carnival of Souls (1962) es una película de terror independiente estadounidense dirigida por Herk Harvey y protagonizada por Candace Hilligoss, Sidney Berger y Frances Feist. La película sigue a Mary Henry (Hilligoss), una joven que sobrevive a un accidente de coche pero que se queda con una sensación de fatalidad inminente. Se muda a una nueva ciudad para empezar de cero, pero pronto empieza a tener visiones extrañas e inquietantes.

Parcela

Mary Henry es una joven organista que sobrevive a un accidente de coche junto a sus dos amigos, que resultan muertos. Tras el accidente, Mary se siente alejada del mundo y atormentada por extrañas visiones. Se traslada a la pequeña ciudad de Salt Lake City para empezar un nuevo trabajo como organista en la iglesia local.

En Salt Lake City, Mary comienza a tener extrañas e inquietantes visiones de un hombre pálido con los ojos hundidos y una mujer fantasmal vestida de blanco. También empieza a sentir que la vigilan y la siguen. Las visiones de Mary son cada vez más intensas y empieza a perder el control de la realidad.

Temas

Carnival of Souls explora una serie de temas, entre ellos:

  • La muerte y el más allá: Mary Henry muere en el accidente de coche al principio de la película, pero no es consciente de su propia muerte. La película explora los temas de la muerte y el más allá, y sugiere que puede haber algo más allá de este mundo.
  • La naturaleza de la realidad: Las visiones de María de la mujer fantasmal y el hombre pálido cuestionan la naturaleza de la realidad. La película sugiere que la línea que separa la realidad de la fantasía puede ser difusa.
  • Alienación y aislamiento: Mary se siente alienada y aislada del mundo tras el accidente de coche. Es incapaz de conectar con otras personas y se siente atormentada por sus propios pensamientos y sentimientos.

Influencia

Carnival of Souls es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por su cinematografía atmosférica, sus imágenes perturbadoras y su singular exploración de temas como la muerte, el más allá y la naturaleza de la realidad. La película ha influido en otras películas de terror, como El resplandor (1980) y Dark Water (2005).

Legado

Carnival of Souls es una película de terror única y atmosférica que ha superado la prueba del tiempo. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto. Película independiente de bajo presupuesto extraordinariamente exitosa y original, fuente de inspiración para directores como David Lynch.

VER LA PELÍCULA

El cerebro que no quería morir (1962)

Es una película de terror de ciencia ficción estadounidense con contaminaciones de terror corporal de 1962 dirigida por Joseph Green y escrita por Green y Rex Carlton. La película se terminó de rodar en 1959 con el título de La puerta negra, pero no se estrenó en los cines hasta el 3 de mayo de 1962, cuando se lanzó con su nuevo título como película doble con La invasión de las criaturas estelares.

Parcela

El Dr. Bill Cortner (Jason Evers) es un científico de éxito comprometido con una bella mujer llamada Jan Compton (Virginia Leith). Un día, Bill y Jan sufren un accidente de coche. Jan es decapitada, pero Bill consigue salvar su cabeza.

Bill se lleva la cabeza de Jan a su laboratorio y la mantiene viva en un frasco. Utiliza sus conocimientos científicos para mantener su cerebro en funcionamiento, y es capaz de comunicarse con ella telepáticamente.

Bill está decidido a encontrar la manera de volver a unir la cabeza de Jan a su cuerpo. Experimenta con varios animales, pero no tiene éxito. Finalmente, decide probar el procedimiento en un ser humano.

Bill secuestra a una joven llamada Doris Walker (Marilyn Hanold) y la lleva a su laboratorio. Realiza la operación y consigue unir la cabeza de Jan al cuerpo de Doris.

Temas

The Brain That Wouldn ‘t Die explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la vida y la muerte: La película plantea la cuestión de qué significa estar vivo. La cabeza de Jan está viva, pero es incapaz de funcionar por sí misma. Necesita un cuerpo para sobrevivir.
  • Los peligros de la ciencia: La película muestra cómo la ciencia puede utilizarse para el bien o para el mal. Bill utiliza sus conocimientos científicos para mantener viva la cabeza de Jan, pero también para experimentar con seres humanos.
  • El poder del amor: Bill quiere mucho a Jan, y está dispuesto a hacer cualquier cosa para devolverla a la vida. Sin embargo, su amor acaba llevándole a la perdición.

Influencia

El cerebro que no moría es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por su singular premisa, su trama de suspense y sus perturbadoras imágenes. La película ha influido en otras películas de terror, como Re-Animator (1985) y Frankenstein (2004).

Legado

El cerebro que no quería morir es una película de terror única y llena de suspense que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha con una actuación memorable de Jason Evers. Las perturbadoras imágenes de la película y su exploración de la naturaleza de la vida y la muerte la convierten en una visita obligada para los aficionados al cine de terror.

Dato curioso: La película se titulaba originalmente «La cabeza que no moría», pero el estudio cambió el título para evitar la censura. Comparte numerosos elementos de la historia con la película de terror de la Alemania occidental La cabeza (1959).

VER LA PELÍCULA

Las tres caras del miedo (1963)

Las tres caras del miedo (1963) es una película antológica de terror dirigida por Mario Bava bajo el seudónimo de John Old. La película se compone de tres historias separadas, cada una con su propio escenario y reparto.

Parcela

La chica de los ojos verdes

Una joven llamada Mary (Barbara Steele) está de vacaciones con su novio, John (John Saxon). Una noche, Mary se despierta de una pesadilla en la que un hombre le arroja un cuchillo a la cara.

Al día siguiente, Mary y John visitan un museo de cera. A María le intriga la estatua de un hombre con un cuchillo en la mano.

Más tarde, Mary vuelve a despertarse de una pesadilla. Esta vez, el hombre del cuchillo es real y le lanza el cuchillo a la cara.

Mary sobrevive al ataque, pero su rostro queda desfigurado. John la abandona y Mary se refugia en un hospital psiquiátrico.

El látigo y el cuerpo

Un hombre llamado Paul (John Richardson) se dirige a encontrarse con su novia, Elizabeth (Luana Anders). Por el camino, Paul conoce a una mujer llamada Irina (Barbara Steele).

Irina se ofrece a llevar a Paul y ambos se enamoran. Sin embargo, Irina tiene un secreto: es una vampira.

Paul descubre la verdadera naturaleza de Irina e intenta escapar de ella. Sin embargo, Irina lo captura y lo convierte en vampiro.

La máscara de Satán

Un grupo de amigos, formado por un director, un productor, un actor y una actriz, acude a un castillo encantado para rodar una película de terror.

Los chicos descubren que el castillo está embrujado por un demonio. El demonio posee a la actriz y la obliga a matar a sus amigos.

Temas

Las tres caras del miedo explora una serie de temas, entre ellos:

  • Miedo: La película es una exploración de los diferentes aspectos del miedo, incluido el miedo a lo desconocido, el miedo a la muerte y el miedo a la transformación.
  • La naturaleza del mal: La película explora la naturaleza del mal, como fuerza externa y como fuerza interna.
  • La sexualidad: La película explora la sexualidad como fuente de miedo y deseo.

Lo más inquietante de la película es su escenografía, en particular los interiores pictóricamente fantásticos. El guión y el doblaje están por encima de los métodos promedio «. El episodio» La gota de agua «es la mejor de las 3 historias y ha sido llamado» la obra más aterradora de Bava «.

«El Wurdalak» es una» pequeña Obra de arte «gracias también a la interpretación de Karloff que recuerda algo a la noche de los muertos vivientes. Es una antología fantástica del terror, llena de suspense y miedo durante toda su duración.

Onibaba (1964)

Onibaba (1964) es una película de terror japonesa dirigida por Kaneto Shindo. La película cuenta la historia de una suegra y su nuera que sobreviven a la Guerra Genpei del siglo XII matando y robando a soldados samuráis. Cuando la nuera inicia un romance con un desertor, la relación entre las dos mujeres se pone a prueba.

Parcela

Durante la Guerra Genpei, una suegra (Nobuko Otowa) y su nuera (Kei Satō) viven en una cabaña en medio de un pantano. Sus maridos se han ido a luchar a la guerra y las dos mujeres se ven obligadas a sobrevivir solas.

Para llegar a fin de mes, las mujeres matan y roban a los soldados samuráis que pasan por el pantano. Llevan máscaras para ocultar su identidad y dejan los cadáveres en el pantano para que los devoren los cangrejos.

Un día, la nuera conoce a un desertor llamado Hachi (Jitsuko Yoshimura). Hachi está herido y perdido, y la nuera lo lleva a su cabaña.

Temas

Onibaba explora una serie de temas, entre ellos:

  • Guerra y violencia: La película muestra los efectos devastadores de la guerra sobre las personas y la sociedad. La suegra y la nuera se ven obligadas a convertirse en asesinas para sobrevivir.
  • Celos y traición: La película explora los temas de los celos y la traición a través de la relación entre la suegra y la nuera. La suegra está celosa de la relación de la nuera con Hachi, y la traiciona intentando matarlo.
  • Locura y obsesión: La película muestra cómo la locura y la obsesión pueden ser causadas por traumas y pérdidas. La nuera se vuelve loca por la culpa de haber matado a su suegra, y acaba consumida por su obsesión con el fantasma.

Influencia

Onibaba es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por sus impresionantes efectos visuales, su cinematografía atmosférica y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en otras películas de terror, como Kwaidan (1964) y Audition (1999).

Legado

Onibaba es una película de terror única e inquietante que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección y una fotografía magistrales. La exploración de temas oscuros por parte de la película y sus perturbadoras imágenes la convierten en una visita obligada para los aficionados al cine de terror.

Consulte

Onibaba es una película de terror única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica y unas imágenes impactantes. Las interpretaciones son todas excelentes, especialmente las de Nobuko Otowa y Kei Satō.

La exploración de temas oscuros por parte de la película invita a la reflexión y resulta inquietante. Onibaba es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

Subscribe

El último hombre en la Tierra (1964)

El último hombre en la Tierra es una película de ciencia ficción de terror postapocalíptico de 1964 basada en la Leyenda AM de 1954 de Richard Matheson. La película fue dirigida por Ubaldo Ragona y Sidney Salkow. En el reparto Vincent Price y Franca Bettoia. El guión de la película fue escrito en parte por Matheson, sin embargo el escritor se sintió decepcionado por el resultado.

Es 1968 y el Dr. Robert Morgan permanece en una tierra donde todas las demás personas han sido contaminadas por un virus que las ha transformado en animales vampíricos no muertos que no soportan el sol, tienen miedo a los espejos y también son rechazados por el ajo. Sin duda eliminarían a Morgan si pudieran, pero no son muy inteligentes, además de débiles.

Todos los días Morgan realiza el mismo ritual idéntico: se despierta, recoge sus herramientas y sale en busca de vampiros, eliminando a todos los que puede y quemando los cadáveres para evitar que vuelvan. Durante la noche, se esconde en su casa.

La película no fue considerada un éxito en el momento de su lanzamiento, más tarde se convirtió en un clásico, quizás el papel más interesante de Vincent Price. Hubo un remake en 1971 con Charlton Heston, The Omega Man, pero no está al mismo nivel.

VER LA PELÍCULA

Sangre y encaje negro (1964)

Sangre y encaje negro (1964) es una película giallo italiana dirigida por Mario Bava. La película está ambientada en una casa de modas de Roma, donde un misterioso asesino empieza a asesinar a las modelos. El inspector Silvestri investiga el caso, pero se ve envuelto en una red de mentiras y secretos.

Parcela

Massimo Morlacchi y la condesa Cristiana Cuomo son propietarios de una casa de moda de alta gama en Roma. Una de sus modelos, Isabella, aparece asesinada en su apartamento. El inspector Silvestri es llamado al lugar de los hechos para investigar el caso.

Silvestri descubre que Isabella mantenía una relación con el anticuario Franco Scalo, propietario también de una máscara teatral que se encontró cerca del cadáver de la modelo. Scalo es interrogado por la policía, pero niega tener nada que ver con el asesinato.

Mientras tanto, otra modelo, Nicole, encuentra el diario de Isabella, que contiene revelaciones comprometedoras sobre todos los miembros del atelier. Nicole decide entregar el diario a Franco, pero es asesinada antes de que pueda hacerlo.

Silvestri investiga el pasado de las modelos y descubre que todas tienen oscuros secretos. Al final, el inspector descubre que el asesino es Massimo Morlacchi, celoso de la relación de Isabella con Franco.

Comentario

Sangre y encaje negro es una película giallo clásica, con una trama apasionante y un reparto de personajes ambiguos. La película también es conocida por sus escenas de asesinatos, a menudo violentas y salpicadas.

Bava es un maestro del suspense y la emoción, y la película está llena de momentos que mantendrán al espectador al borde de su asiento. La película también es visualmente impresionante, con una cuidada fotografía y un detallado diseño de producción.

Kwaidan (1968)

Kwaidan (1968) es una película antológica japonesa de terror dirigida por Masaki Kobayashi. Se basa en relatos de las colecciones de cuentos populares japoneses de Lafcadio Hearn, principalmente Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1904), de la que toma su nombre.

La película consta de cuatro historias separadas y sin relación entre sí:

  • El pelo negro: Un hombre abandona a su esposa por una mujer más joven, pero el pelo negro de su mujer vuelve para atormentarle.
  • La mujer en la nieve: Un leñador encuentra una hermosa mujer en la nieve, pero no es lo que parece.
  • Hoichi el sin orejas: Un monje ciego es atormentado por los fantasmas de los samuráis que mató en su vida pasada.
  • En una taza de té: Un samurai tiene una visión de una mujer ahogándose en su taza de té, y luego la vuelve a ver en la vida real.

Kwaidan es una película visualmente impresionante, con una exuberante fotografía y una elaborada escenografía. También es una película profundamente atmosférica, con una sensación de terror y suspense que impregna cada fotograma. Las cuatro historias de la película están bien contadas y son realmente aterradoras, y permanecen en el recuerdo mucho después de que hayan pasado los créditos.

Kwaidan se estrenó en Japón en 1964 y en Estados Unidos en 1968. Fue un éxito comercial y de crítica, y actualmente se considera una de las mejores películas de terror japonesas de la historia. Fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1969 y ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1965.

Kwaidan es una película imprescindible para los aficionados al terror japonés y al cine en general. Es una película verdaderamente única e inolvidable.

La noche de los muertos vivientes (1968)

Es una película independiente del género de terror estadounidense de 1968 dirigida y fotografiada por George A. Romero, con guión de John Russo y Romero, e interpretada también por Duane Jones y Judith O’Daa.

La historia sigue a 7 individuos que se encuentran atrapados en una granja rural del oeste de Pensilvania, que está siendo atacada por un grupo de zombis carnívoros. Tras pasar por numerosos borradores, el último guión de Russo y Romero se inspiró en la novela SOY LEYENDA de Richard Matheson de 1954.

El rodaje principal tuvo lugar entre julio de 1967 y enero de 1968 en la zona de Evans City. Entre los actores y el equipo había familiares del director, amigos, actores locales y aficionados, así como propietarios de casas locales.

La película supuso el lanzamiento de la dirigida por Romero, que utilizó muchas de las estrategias de guerrilla que había perfeccionado en sus trabajos comerciales y consiguió terminar la película con un plan de gastos de unos 100.000 dólares.

Después de su preestreno en Pittsburgh el 1 de octubre de 1968, la noche de los muertos vivientes al final ganó 12 millones de dólares a nivel local y 18 millones de dólares en todo el mundo, ganando su presupuesto previsto más de 250 veces y haciéndole entre una de las producciones cinematográficas más gratificantes jamás realizadas en la época.

La violencia y la sangre de la película se consideraron revolucionarias para la época, provocando un gran debate y evaluaciones desfavorables a su primer lanzamiento. Al final recogió un culto de adhesión y reconocimiento entre los dudosos, y apareció en las listas de las mejores películas jamás realizadas por puntos.

Reconocida habitualmente como la primera película moderna de zombis y también como un ejemplo en el progreso del género de terror, la cinta contiene una crítica a la sociedad estadounidense de los años 60, y fue una de las primeras películas protagonizadas por un afroamericano.

VER LA PELÍCULA

Kuroneko (1968)

Kuroneko (1968) es una película japonesa de terror dirigida por Kaneto Shindō. La película cuenta la historia de dos mujeres que son violadas y asesinadas por un grupo de samuráis. Tras su muerte, regresan como fantasmas y buscan vengarse de los samuráis.

Parcela

La película está ambientada en Japón durante el periodo Heian. Una suegra y su nuera viven solas en una casa en el bosque cuando son atacadas por un grupo de samuráis. Los samuráis violan y matan a las dos mujeres y luego las dejan morir.

La suegra y la nuera regresan de entre los muertos como fantasmas y comienzan a aterrorizar al pueblo. Matan y se comen a los samuráis que les atacaron, y también matan a otros inocentes.

Temas

Kuroneko explora una serie de temas, entre ellos:

  • Venganza: La película es una historia sobre la venganza y la naturaleza destructiva del odio. Los dos fantasmas están consumidos por su deseo de vengar sus muertes, y están dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.
  • La naturaleza del mal: La película también explora la naturaleza del mal. Los samuráis que atacan a las dos mujeres son malvados porque cometen violaciones y asesinatos. Sin embargo, los fantasmas de las dos mujeres también se vuelven malvados porque están consumidos por su odio.
  • Lo sobrenatural: La película también trata de lo sobrenatural. Los dos fantasmas son capaces de volver de entre los muertos y vengarse de sus agresores. Esto sugiere que existe un mundo más allá del mundo físico y que hay fuerzas que no podemos controlar.

Influencia

Kuroneko es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por sus impresionantes efectos visuales, su cinematografía atmosférica y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en otras películas de terror, como Kwaidan (1964) y Audition (1999).

Legado

Kuroneko es una película de terror única e inquietante que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección y una fotografía magistrales. La exploración de temas oscuros por parte de la película y sus perturbadoras imágenes la convierten en una visita obligada para los aficionados al cine de terror.

Consulte

Kuroneko es una película de terror única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica y unas imágenes impactantes. Las interpretaciones son todas excelentes, especialmente las de Nobuko Otowa y Kei Satō.

La exploración de temas oscuros por parte de la película invita a la reflexión y resulta inquietante. Kuroneko es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

Dato curioso: El título de la película, «Kuroneko», significa «gato negro» en japonés.

La hora del lobo (1968)

La hora del lobo (1968) es una película sueca de terror psicológico dirigida por Ingmar Bergman y protagonizada por Max von Sydow y Liv Ullmann. La película cuenta la historia de un artista y su esposa que se retiran a una isla remota para trabajar en un nuevo cuadro, pero el artista empieza a sufrir extrañas alucinaciones y pesadillas.

Parcela

Johan Borg (Max von Sydow) y su esposa, Alma (Liv Ullmann), son artistas que se retiran a una isla remota para trabajar en un nuevo cuadro. Johan lucha por encontrar la inspiración y empieza a tener extrañas alucinaciones y pesadillas.

En sus visiones, Johan ve a un grupo de personas misteriosas que intentan hacerle daño. También ve a Alma, pero ella se transforma en una criatura terrorífica.

Johan se vuelve cada vez más paranoico y retraído. Empieza a descuidar su trabajo y su relación con Alma.

Temas

La Hora del Lobo explora una serie de temas, entre ellos:

  • Enfermedad mental: La película explora los efectos de la enfermedad mental en el individuo y sus seres queridos. Las visiones y alucinaciones de Johan son una manifestación de sus miedos e inseguridades más profundos.
  • El proceso creativo: La película también explora el proceso creativo y los retos a los que se enfrentan los artistas. Johan se esfuerza por crear un nuevo cuadro, y sus visiones pueden ser un reflejo de su propia agitación interior.
  • La naturaleza de la realidad: La película cuestiona la naturaleza de la propia realidad. Las visiones de Johan pueden ser reales o imaginarias, y Alma se pregunta qué está ocurriendo realmente.

Influencia

La hora del lobo es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por su cinematografía atmosférica, sus imágenes perturbadoras y su compleja exploración de temas psicológicos. La película ha influido en otras películas de terror, como El resplandor (1980) y Dark Water (2005).

Legado

La hora del lobo es una película de terror única e inquietante que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección y una fotografía magistrales. Su compleja exploración de temas psicológicos y sus perturbadoras imágenes la convierten en una película imprescindible para los aficionados al cine de terror.

Consulte

La hora del lobo es una película de terror única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica e imágenes perturbadoras. Todas las interpretaciones son excelentes, especialmente las de Max von Sydow y Liv Ullmann.

La exploración de temas psicológicos que hace la película invita a la reflexión y es perturbadora. La hora del lobo es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

El bebé de Rosemary (1968)

El bebé de Rosemary (1968) es una película de terror estadounidense dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer. La película cuenta la historia de una joven pareja que se muda a un nuevo edificio de apartamentos en Nueva York y pronto se ve rodeada de vecinos extraños y sucesos inquietantes. Cuando Rosemary se queda embarazada, empieza a sospechar que sus vecinos forman parte de un aquelarre satánico y que planean robarle el bebé.

Parcela

Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) y su marido, Guy (John Cassavetes), son una joven pareja que se muda a un nuevo edificio de apartamentos en Nueva York. El edificio es propiedad de una pareja de ancianos, Minnie y Roman Castevet (Ruth Gordon y Sidney Blackmer), y sus vecinos son todos extraños y excéntricos.

Una noche, Rosemary y Guy son invitados a una cena en el apartamento de los Castevet. Tras la cena, Rosemary se siente drogada y es violada por un grupo de personas, entre ellas Guy.

Rosemary se queda embarazada, y su embarazo es difícil y complicado. Comienza a tener extraños sueños y visiones, y sospecha que sus vecinos planean robarle el bebé.

La carrera de Guy empieza a despegar y él se distancia cada vez más de Rosemary. Los amigos y la familia de Rosemary empiezan a actuar de forma extraña a su alrededor, y ella se siente cada vez más aislada.

Temas

El bebé de Rosemary explora una serie de temas, entre ellos:

  • Paranoia y aislamiento: Rosemary está cada vez más aislada y paranoica cuando empieza a sospechar que sus vecinos planean robarle el bebé.
  • Los peligros de la maternidad: El embarazo de Rosemary es difícil y complicado, y se ve constantemente amenazada por el aquelarre satánico.
  • La naturaleza del mal: La película explora la naturaleza del mal y cómo puede manifestarse en la gente corriente.

Influencia

El bebé de Rosemary es un clásico de culto del cine de terror. Ha sido elogiada por su atmósfera de suspense, sus imágenes perturbadoras y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en otras películas de terror, como El exorcista (1973) y Presagio (1976).

Legado

El bebé de Rosemary es una película de terror única e inquietante que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección y una fotografía magistrales. La exploración de temas oscuros por parte de la película y sus perturbadoras imágenes la convierten en una visita obligada para los aficionados al cine de terror.

Consulte

El bebé de Rosemary es una película de terror única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica e imágenes perturbadoras. Todas las interpretaciones son excelentes, especialmente la de Mia Farrow.

La exploración de temas oscuros que hace la película invita a la reflexión y es inquietante. El bebé de Rosemary es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

Curiosità:

  • La película está basada en la novela homónima de Ira Levin.
  • La película fue nominada a dos premios de la Academia, entre ellos el de mejor actriz para Mia Farrow y el de mejor guión adaptado para Roman Polanski.
  • La película fue dirigida por Roman Polanski, que en aquel momento estaba casado con Sharon Tate. Tate fue asesinada por la Familia Manson en 1969, poco después de que Polanski terminara de rodar El bebé de Rosemary.

El diablo cabalga (1968)

The Devil Rides Out (1968) es una película británica de terror basada en la novela homónima de Dennis Wheatley de 1934. Fue escrita por Richard Matheson y dirigida por Terence Fisher. La película está protagonizada por Christopher Lee, Charles Gray, Niké Arrighi y Leon Greene.

Parcela

La película comienza con la muerte del padre de Simon Aron. Simon es un joven criado por su tío, el duque de Richleau. El Duc es un estudioso de las ciencias ocultas y le preocupa el creciente interés de Simon por el satanismo.

El Duque descubre que Simon ha estado asistiendo a sesiones de espiritismo dirigidas por un hombre llamado Mocata. Mocata es un satanista que intenta invocar a un demonio. El Duque interviene y salva a Simón, pero Mocata jura vengarse.

Temas

The Devil Rides Out explora una serie de temas, entre ellos:

  • El bien contra el mal: La película es una clásica batalla entre el bien y el mal, en la que el Duc representa el bien y Mocata el mal.
  • La fe: La película explora el poder de la fe, tanto religiosa como espiritual. La fe del Duque en Dios le ayuda a derrotar a Mocata.
  • El ocultismo: la película explora los peligros del ocultismo y la importancia de tener cuidado al tratar con fuerzas oscuras.

Recepción

The Devil Rides Out fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus interpretaciones, en particular la de Lee como el Duc, su dirección y sus efectos especiales.

La película se considera hoy un clásico del cine de terror británico. Es una visita obligada para los aficionados al género.

Más información

  • La película se rodó en los estudios Bray de Inglaterra.
  • La película fue dirigida por Terence Fisher, más conocido por haber dirigido varias películas de terror de Hammer Films, como Drácula (1958) y Frankenstein creó a la mujer (1967).
  • La película está protagonizada por Christopher Lee, más conocido por sus papeles en películas de terror de Hammer Films, como Drácula (1958) y La momia (1959).
  • Los efectos especiales de la película fueron creados por Jim Danforth, más conocido por su trabajo en las películas de James Bond.

El pájaro del plumaje de cristal (1970)

Es una película italiana de terror Giallo de 1970 dirigida por Dario Argento, en su lanzamiento a la dirección. La película es la progenitora del ranking de películas amarillas italianas. En su estreno, la película tuvo un éxito considerable, recaudando 1.650.000.000 de liras italianas. También fue un éxito fuera de Italia.

El pájaro de la pluma de cristal (1970) es una película giallo italiana dirigida por Dario Argento. La película cuenta la historia de un joven escritor estadounidense, Sam Dalmas, que es testigo del asesinato fallido de una mujer. La mujer es apuñalada por un misterioso hombre que lleva un guante de cuero negro y una capa negra.

Parcela

Sam Dalmas (Tony Musante) es un joven escritor estadounidense que vive en Roma. Una noche, mientras pasea por las calles de la ciudad, Sam es testigo del asesinato fallido de una mujer. La mujer es apuñalada por un misterioso hombre que lleva un guante de cuero negro y una capa negra. Sam persigue al hombre, pero es incapaz de detenerlo.

La policía comienza a investigar el asesinato, pero es incapaz de encontrar ninguna pista. Sam decide investigar por su cuenta y descubre que el misterioso hombre es un asesino en serie que mata a las mujeres con un cuchillo de carnicero.

Sam sigue la pista del asesino y, tras una serie de persecuciones y giros, consigue detenerlo. Se descubre que el asesino es un hombre llamado Bruno Berti (Enrico Maria Salerno), obsesionado con un cuadro de un pájaro con plumaje de cristal.

Temas

El pájaro del plumaje de cristal explora una serie de temas, entre ellos:

  • Miedo: La película es un thriller psicológico que juega con los miedos del público. El asesino es un personaje misterioso y escurridizo, que representa el miedo al mal desconocido.
  • Paranoia: Sam empieza a sospechar de todo el mundo, incluso de los más cercanos. Esta paranoia le lleva a cometer errores que ponen en peligro su vida.
  • El amor: Sam está enamorado de una mujer llamada Gianna (Suzy Kendall), que también es una de las víctimas potenciales del asesino. Este amor le lleva a arriesgar su vida para salvarla.

Influencia

El pájaro de la pluma de cristal es un clásico de culto del cine giallo. Ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y sus imágenes icónicas. La película ha influido en otras películas giallo, como Rojo profundo (1975) y Suspiria (1977).

Legado

El pájaro del plumaje de cristal es una película única e inquietante que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección magistral y una cinematografía atmosférica. La exploración de temas oscuros y las imágenes perturbadoras de la película la convierten en una visita obligada para los aficionados al giallo.

Consulte

El pájaro del plumaje de cristal es una película única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica e imágenes icónicas. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Tony Musante y Suzy Kendall.

La exploración de temas oscuros que hace la película invita a la reflexión y resulta inquietante. El pájaro del plumaje de cristal es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

Curiosidades:

  • La película se rodó en blanco y negro, pero posteriormente se coloreó.
  • El título de la película, «El pájaro del plumaje de cristal», hace referencia a un cuadro que aparece en la película. El cuadro es una enigmática obra de arte que parece poseer poderes sobrenaturales.
  • La película compitió en el Festival de Cannes de 1970.

Noche de paz, noche sangrienta (1972)

Padre del género de terror-slasher estadounidense, incluso antes de Halloween: La noche de las brujas, de John Carpenter, Noche de paz, noche sangrienta fue rodada en 1972 por Theodore Gershuny.

Noche de paz, noche sangrienta (1972) es una película slasher estadounidense dirigida por Theodore Gershuny y coproducida por Lloyd Kaufman. La película está protagonizada por Patrick O’Neal y la actriz de culto Mary Woronov, con John Carradine en un papel secundario.

Parcela

La película comienza con la muerte de un hombre adinerado llamado Wilfred Butler (James Patterson) en su mansión en Nochebuena. La policía considera la muerte de Butler un suicidio, pero su joven esposa, Diane (Woronov), cree que fue asesinado.

Diez años después, Diane se ha vuelto a casar con un hombre llamado Jeff Parker (O’Neal), y se han mudado a la antigua mansión de Butler. En Nochebuena, Diane empieza a tener pesadillas sobre la muerte de su primer marido. También empieza a recibir llamadas amenazadoras de un misterioso desconocido.

Temas

Noche de paz, noche sangrienta explora una serie de temas, entre ellos:

  • Dolor y pérdida: Diane aún está de duelo por la muerte de su primer marido, y este dolor la hace vulnerable al asesino.
  • La naturaleza del mal: El asesino es una figura misteriosa y sin rostro, que representa el miedo al mal desconocido.
  • La importancia de la familia: A pesar de sus diferencias, Diane y Jeff deben aprender a trabajar juntos para sobrevivir a los ataques del asesino.

Influencia

Noche de paz, noche sangrienta es uno de los primeros ejemplos del género slasher. Ha sido elogiada por su atmósfera de suspense y sus espantosas muertes. La película ha influido en otras películas de terror, como Viernes 13 (1980) y Pesadilla en Elm Street (1984).

Legado

Noche de paz, noche sangrienta es un clásico de culto del slasher que sigue gustando a los aficionados al género. Es una película bien hecha, con una dirección magistral y una cinematografía atmosférica. Su atmósfera de suspense y sus horripilantes asesinatos la convierten en una película imprescindible para los aficionados al slasher.

Consulte

Silent Night, Bloody Night es una película slasher única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una cinematografía atmosférica y unas imágenes impactantes. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Mary Woronov y Patrick O’Neal.

Su atmósfera de suspense y sus espantosos asesinatos mantendrán al espectador en vilo. Silent Night, Bloody Night es una película imprescindible para los amantes del cine slasher.

Dato curioso: La película se titulaba originalmente Noche de luna llena , pero se rebautizó como Noche de paz, noche sangrienta para aprovechar la popularidad de las fiestas navideñas.

Película independiente con una dirección muy particular que desplaza y sorprende al espectador. Rodada con colores apagados y plomizos en un ambiente invernal sombrío, rodada con medios improvisados, no es en absoluto una película de empaque, y esto la convierte en un relato auténtico, que te sumerge directamente en los lugares donde se desarrolla la historia.

Ver Noche de paz, noche sangrienta

Catalogo
cult-movie

La última casa a la izquierda (1972)

Es una película de terror de 1972 dirigida por Wes Craven. La película fue escrita por Craven y la trama sigue la historia de dos adolescentes, Mari y Phyllis, que son secuestradas por un grupo de criminales fugitivos. Durante su secuestro, las niñas son sometidas a graves actos de violencia física y psicológica, como tortura y violencia sexual.

Los criminales, al final, se esconden en casa de una pareja de padres de las niñas, ajenos a su presencia. Cuando descubren la verdad sobre sus huéspedes, los padres deciden vengarse de la muerte de sus hijas.

La trama está llena de giros y momentos intensos y perturbadores, y la película se ha considerado una crítica social de la violencia y la impunidad. Sin embargo, la representación de la violencia ha suscitado muchas críticas y ha dado lugar a numerosas disputas. La película fue aclamada como una de las primeras películas slasher e inspiró muchas otras películas de la misma categoría.

Imágenes (1972)

Imágenes (1972) es una película de terror psicológico escrita y dirigida por Robert Altman. Está protagonizada por Susannah York, René Auberjonois y Marcel Bozzuffi.

Parcela

Cathryn (York), autora de libros infantiles, tiene problemas con su salud mental. Comienza a alucinar y a ver imágenes de sí misma y de su marido, Hugh (Auberjonois), en diferentes e inquietantes situaciones.

Al principio, Cathryn cree que sus alucinaciones son sólo producto de su imaginación. Sin embargo, a medida que se intensifican, empieza a cuestionarse su cordura y la realidad de sus circunstancias.

La película llega a su clímax cuando Cathryn se da cuenta de que no está sola en sus alucinaciones y de que hay una fuerza malévola actuando.

Comentario

Imágenes es una película visualmente impresionante, en la que Altman utiliza diversas técnicas para crear una sensación de inquietud y suspense. La película también destaca por sus sólidas interpretaciones, en particular la de York.

Imágenes es una película desafiante e inquietante, pero también gratificante. Es una película que explora el lado oscuro de la mente humana, y es una película que permanecerá con usted mucho tiempo después de haberla visto.

Además del resumen argumental anterior, Imágenes es también una película que explora los temas de la realidad y la ilusión. Cathryn vive en un mundo en el que cada vez es más difícil distinguir entre lo real y lo imaginario. Este tema es evidente en las escenas en las que Cathryn se encuentra en situaciones que parecen imposibles o improbables.

La película es también una exploración de la naturaleza de la locura. Cathryn es una mujer inteligente y racional, pero sus alucinaciones la llevan a cuestionarse su propia identidad. Este tema es evidente en la escena en la que Cathryn se encuentra en una institución mental.

Imágenes es una película compleja y sugerente que ofrece mucho sobre lo que reflexionar. Es una película difícil de olvidar.

Hermanas (1972)

Sisters es una película de terror psicológico dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Margot Kidder, Jennifer Salt y Charles Durning.

La película cuenta la historia de Danielle (Kidder) y Dominique (Kidder), siamesas que son separadas tras una arriesgada operación. Sin embargo, la operación no tiene éxito y Danielle queda con una conexión psíquica con Dominique.

Danielle empieza a tener visiones de Dominique cometiendo asesinatos y se da cuenta de que su hermana sigue viva. Danielle y su novio, Philip (William Finley), se asocian con un investigador privado (Durning) para encontrar a Dominique y evitar que vuelva a matar.

Sisters es una película elegante y de suspense con una gran interpretación de Kidder. La película explora temas como la identidad, la dualidad y el lado oscuro de la naturaleza humana. Se considera una de las mejores películas de De Palma.

Más información

Sisters se publicó en 1973 y fue un éxito comercial y de crítica. Desde entonces se ha convertido en un clásico de culto y está considerada una de las mejores películas de terror de los años setenta.

La película fue elogiada por su elegante dirección, su trama de suspense y sus sólidas interpretaciones. Kidder fue especialmente elogiada por su doble papel de Danielle y Dominique.

Sisters es una película visualmente impresionante, en la que De Palma utiliza diversas técnicas para crear una sensación de inquietud y suspense. La película también destaca por la partitura de Bernard Herrmann, una de las mejores obras del compositor.

Sisters es una película desafiante e inquietante, pero también gratificante. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.

Análisis

Sisters es una película llena de simbolismo y ambigüedad. La película puede interpretarse de muchas maneras diferentes, pero algunos de los temas clave son:

  • Identidad: La película explora el concepto de identidad y cómo puede ser fluida y fragmentada. Danielle y Dominique son dos personas conectadas física y mentalmente, pero también muy diferentes. Danielle es la hermana más inocente e ingenua, mientras que Dominique es la más manipuladora y peligrosa.
  • Dualidad: La película también explora el tema de la dualidad. Danielle y Dominique son las dos caras de una misma moneda, y representan el bien y el mal que existe en todos nosotros.
  • El lado oscuro de la naturaleza humana: La película explora el lado oscuro de la naturaleza humana, y cómo puede conducir a la violencia y la destrucción. Dominique es una representación del mal que existe en todos nosotros, y sus asesinatos son una manifestación de ese mal.

El hombre lobo de Washington (1973)

Es una película de terror y comedia de 1973 dirigida por Milton Moses Ginsberg. La trama sigue al periodista Jack Whittier, enviado presidencial a Budapest durante la presidencia de Nixon.

Tras ser mordido por un hombre lobo, Jack se convierte en tal y debe luchar por mantener el control de sus actos. La película ha sido criticada por su interpretación y su inconsciente argumento, pero se considera una película de culto de los años 70.

La trama sigue al periodista Jack Whittier, enviado presidencial a Budapest durante la presidencia de Nixon. Mientras está allí, Jack es mordido por un hombre lobo y comienza a desarrollar los síntomas de la transformación en hombre lobo. Con el tiempo, Jack empieza a perder el control de sus actos y a tener pesadillas nocturnas.

A pesar de sus esfuerzos por ocultar su enfermedad, Jack es investigado por una serie de asesinatos y debe luchar por mantener el control de sus actos antes de que sea demasiado tarde. Mientras tanto, también intenta resolver el misterio que se esconde tras su transformación y averiguar quién o qué está detrás de su condición de hombre lobo.

VER LA PELÍCULA

El exorcista (1973)

El exorcista (1973 ) es una película de terror dirigida por William Friedkin y basada en la novela homónima de William Peter Blatty. La película cuenta la historia de Regan McNeil, una niña de doce años que es poseída por el demonio Pazuzu.

Parcela

La película comienza con la familia McNeil mudándose a Georgetown, Washington, D.C. Regan, la hija de doce años, comienza a comportarse de forma extraña. Habla en idiomas que desconoce, maldice y vomita líquido verde.

Los padres de Regan, Chris y Burke, buscan ayuda en varios médicos, pero ninguno de ellos es capaz de diagnosticar el problema. Finalmente, Chris consulta a un sacerdote, el padre Karras, que atraviesa una crisis de fe.

El padre Karras y el padre Merrin, un experto exorcista, realizan un exorcismo a Regan. El exorcismo es un proceso largo y difícil, y finalmente el demonio Pazuzu es expulsado de Regan.

Temas

El Exorcista explora una serie de temas, entre ellos:

  • La fe: La película es una historia de fe y de lucha contra el mal. El padre Karras atraviesa una crisis de fe, pero finalmente encuentra fuerzas para luchar contra el demonio Pazuzu.
  • La familia: La película también explora el tema de la familia. La familia McNeil se ve puesta a prueba por la posesión de Regan, pero al final consiguen superar la crisis.
  • El mal: La película representa el mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas.

Influencia

El Exorcista es una de las películas de terror más famosas e influyentes de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y sus imágenes icónicas.

Legado

El Exorcista es una película que ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. La película ha inspirado una serie de secuelas, remakes y otras películas de terror.

Consulte

El Exorcista es un clásico del cine de terror que sigue gustando a los aficionados al género. La película es visualmente asombrosa, con una cinematografía atmosférica y una fuerte imaginería. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Ellen Burstyn, Linda Blair y Max von Sydow.

Su atmósfera de suspense y sus imágenes icónicas la convierten en una película imprescindible para los aficionados al cine de terror.

Curiosidades:

  • La película se rodó en Georgetown, Washington D.C., y en otros lugares de Maryland.
  • La película fue prohibida en varios países, entre ellos Irlanda y España.
  • La película fue un gran éxito comercial, recaudando más de 441 millones de dólares en todo el mundo.
  • La película ganó dos premios de la Academia, a la mejor banda sonora original y al mejor montaje de sonido.

Controversias:

El Exorcista ha sido objeto de cierta controversia, en particular por su violencia y su representación del demonio Pazuzu. La película ha sido acusada de blasfema y de incitar al odio religioso.

A pesar de la controversia, El exorcista sigue siendo una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.

El Exorcista es la progenitora y la mejor película del subgénero de terror de exorcismos, una emocionante película de arte y ensayo que ha asombrado al público de todo el mundo. Algunos espectadores incluso enfermaron durante las proyecciones.

Incluso quienes no la han visto la asocian con la película más terrorífica jamás rodada. Otras ni siquiera son películas de exorcismos, simplemente son películas que no son «El exorcista». Cualquier otra cosa es una imitación.

Carne para Frankenstein (1973)

Carne para Frankenstein (1973) es una película de terror grotesco dirigida por Paul Morrissey y protagonizada por Udo Kier, Joe Dallesandro, Monique van Vooren y Arno Juerging. La película es una adaptación libre de Frankenstein, la novela de Mary Shelley de 1818, y está ambientada en Serbia a principios del siglo XIX.

Parcela

El barón Victor Frankenstein (Kier), un nacionalista serbio con delirios de grandeza, está obsesionado con crear una raza perfecta de superhombres. Con la ayuda de su ayudante Otto (Juerging), crea un hombre y una mujer a partir de partes del cuerpo, pero los dos monstruos son estériles.

Frankenstein decide entonces aparear al monstruo macho con una mujer humana, y elige a la bella Katrin (van Vooren) como víctima.

Consulte

Carne para Frankenstein es una película controvertida, pero también una obra de gran impacto visual y narrativo. La película es conocida por sus escenas de violencia y depravación sexual, que pueden resultar muy perturbadoras para algunos espectadores.

La película fue elogiada por la crítica por su originalidad y su sentido de la provocación. También fue un éxito comercial y ayudó a lanzar la carrera de Joe Dallesandro, que interpreta el papel de Nicholas.

Curiosidades

  • La película fue producida por Andy Warhol, que contribuyó a su financiación y supervisó su producción.
  • La película se rodó en Italia, y algunas escenas se rodaron en el castillo Orsini-Odescalchi de Bracciano.
  • La película fue prohibida en algunos países, entre ellos el Reino Unido y Australia.

Además del resumen argumental ofrecido más arriba, Carne para Frankenstein es también una película que explora los temas de la locura, la perversión y la violencia. Frankenstein es un personaje complejo y ambiguo, que es a la vez un genio y un loco. Su deseo de crear una raza perfecta le lleva a cometer actos de violencia y depravación.

La película es también una sátira de la sociedad contemporánea. Frankenstein es un símbolo de la locura del hombre, que está dispuesto a todo para conseguir sus objetivos.

Ganja y Hess (1973)

Ganja & Hess (1973) es una película de terror estadounidense de 1973 dirigida por Bill Gun n y protagonizada por Duane Jones, Marlene Clark y Bill Gunn. La película es una adaptación libre de Frankenstein, la novela de Mary Shelley de 1818, ambientada en la Nueva York de los años setenta.

Parcela

El Dr. Hess Green (Jones), un destacado antropólogo negro, es apuñalado con una daga maldita por su inteligente pero inestable ayudante, George Meda (Gunn). Hess se convierte en vampiro y comienza a alimentarse de sangre humana.

Hess conoce a Ganja Meda (Clark), la esposa de George, que también se convierte en vampiro. Ambos se enamoran y comienzan una relación.

La historia se sitúa en un mundo distópico en el que los negros son oprimidos por los blancos. Hess y Ganja son vistos como una amenaza y son perseguidos por la policía.

Consulte

Ganja & Hess es una película controvertida, pero también una obra de gran impacto visual y narrativo. La película es conocida por sus escenas de violencia y depravación sexual, que pueden resultar muy perturbadoras para algunos espectadores.

La película fue elogiada por la crítica por su originalidad y su sentido de la provocación. También fue un éxito comercial y ayudó a lanzar la carrera de Duane Jones, que interpreta el papel de Hess.

La película se estrenó inicialmente en Estados Unidos con el título de Blackenstein. Posteriormente se publicó con el título Ganja & Hess.

La película fue un fracaso comercial en el momento de su estreno, pero desde entonces ha sido redescubierta y ahora se considera un clásico del cine de terror estadounidense. Es elogiada por su innovadora exploración de la raza y la sexualidad, así como por sus estilizados efectos visuales y sus potentes interpretaciones.

La matanza de Texas (1974)

La matanza de Texas es una película de terror estadounidense de 1974 dirigida por Tobe Hooper. La película cuenta la historia de un grupo de cinco amigos que se embarcan en un viaje por carretera a través de la Texas rural. Por el camino, se encuentran con una familia de caníbales, liderados por Leatherface, un hombre con una motosierra que lleva una máscara hecha de piel humana.

La película fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las películas de terror más importantes de todos los tiempos. Ha sido elogiada por su violencia realista, su atmósfera claustrofóbica y su crítica de la sociedad estadounidense.

Parcela

La película comienza con un grupo de cinco amigos, Sally Hardesty, su hermano Franklin, el novio de Sally, Jerry, la mejor amiga de Sally, Pam, y el novio de Pam, Kirk, que se embarcan en un viaje por carretera a través de la Texas rural. Por el camino, se detienen en un cementerio para visitar la tumba del abuelo de Sally y Franklin. Mientras están allí, se les acerca un grupo de adolescentes que les advierten que no vayan más lejos, pero los adolescentes hacen caso omiso de su advertencia.

Más tarde, los adolescentes pasan la noche en una casa abandonada. Durante la noche, Franklin es atacado por un hombre enmascarado con una motosierra. Sally y los demás huyen, pero son perseguidos por la familia caníbal, liderada por Leatherface.

Recepción crítica

La matanza de Texas fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las películas de terror más importantes de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su violencia realista, su atmósfera claustrofóbica y su crítica de la sociedad estadounidense.

La violencia de la película ha sido criticada a menudo, pero también ha sido elogiada por su autenticidad. La película se rodó con un presupuesto bajo y los efectos especiales se hicieron para que parecieran realistas. La atmósfera claustrofóbica de la película se creó utilizando técnicas como la cámara en mano y una música espeluznante. La película también ha sido criticada por su crítica a la sociedad estadounidense. La película presenta una visión cínica y oscura de la América rural.

Impacto

La matanza de Texas tuvo un profundo impacto en el cine de terror. La película ayudó a definir el género slasher, caracterizado por asesinos enmascarados que acechan y matan a un grupo de adolescentes. La película también contribuyó a popularizar el uso de la violencia realista en las películas de terror.

La película ha tenido numerosas secuelas, remakes y spin-offs. La película más reciente, La matanza de Texas (2022), es una secuela directa de la película original.

Rojo intenso (1975)

Deep Red es una película giallo italiana de 1975 dirigida por Dario Argento. La película cuenta la historia de un pianista de jazz británico, Marcus Daly, que presencia el asesinato de su vecina, una vidente llamada Helga Ullman. Marcus decide investigar por su cuenta, pero pronto se da cuenta de que todos los que podrían ayudarle a resolver el misterio están siendo asesinados.

Parcela

La película comienza con Marcus Daly, un pianista de jazz británico que se traslada a Roma por motivos de trabajo. Una noche, Marcus es testigo del asesinato de Helga Ullman, una vidente que vive en su edificio de apartamentos. Marcus está conmocionado por el suceso y decide investigar por su cuenta.

Marcus se pone en contacto con Gianna Brezzi, una periodista que también investiga el caso. Juntos, los dos descubren que Helga había sido contactada por varios hombres antes de ser asesinada. Todos estos hombres estaban conectados por un oscuro secreto.

Recepción crítica

Deep Red fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las obras maestras del cine de terror. La película ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y su banda sonora.

El suspense de la película se creó utilizando técnicas como la cámara en mano y el montaje rápido. La atmósfera de la película se creó con colores vivos y una banda sonora espeluznante. La banda sonora de la película, compuesta por Goblin, se ha convertido en una de las más icónicas del cine de terror de todos los tiempos.

Impacto

Deep Red tuvo un profundo impacto en el cine de terror. La película ayudó a definir el género giallo, que se caracteriza por un fuerte componente psicológico y una atmósfera oscura e inquietante. La película también contribuyó a popularizar el uso de colores llamativos en las películas de terror.

Secuencia icónica

Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Marcus Daly presencia el asesinato de Helga Ullman. La secuencia está rodada de tal manera que crea una atmósfera de suspense y terror. La víctima es asesinada con un martillo y su cuerpo es enterrado bajo el suelo de su apartamento.

Carrie (1976)

Carrie (1976) es una película de terror dirigida por Brian De Palma y basada en la novela homónima de Stephen King. La película está protagonizada por Sissy Spacek en el papel de Carrie White, una adolescente tímida que sufre acoso escolar y tiene poderes telequinéticos.

La película comienza con Carrie siendo acosada en el vestuario tras su primer periodo menstrual. Es humillada y traumatizada, y sus poderes telequinéticos comienzan a manifestarse.

Carrie también es acosada en casa por su autoritaria madre, Margaret (Piper Laurie). Margaret es una fanática religiosa que cree que Carrie es malvada por sus poderes telequinéticos.

Un día, Carrie es invitada al baile de graduación por Tommy Ross (William Katt). Carrie está encantada, pero su felicidad dura poco. Sus compañeros de clase han planeado una cruel broma contra ella, y es humillada públicamente en el baile de graduación.

Carrie es una película de terror clásica que explora temas como el acoso escolar, el extremismo religioso y los peligros de la ira reprimida. La película es también una historia de madurez sobre una joven que aprende a aceptar su poder.

La película fue un éxito comercial y de crítica, y ha sido elogiada por sus interpretaciones, dirección y fotografía. Carrie también ha influido en otras películas de terror, como Carrie (2013) e It (2017).

Carrie es una película poderosa e inquietante que sigue siendo relevante hoy en día. Es un cuento con moraleja sobre los peligros del acoso y la importancia de la aceptación.

Temas

Carrie explora una serie de temas, entre ellos:

  • Acoso escolar: La película explora los devastadores efectos del acoso en la víctima. Carrie sufre acoso en la escuela y en casa, lo que la lleva a desarrollar una ira reprimida que acaba desatando.
  • Extremismo religioso: Margaret es una fanática religiosa que cree que Carrie es malvada por sus poderes telequinéticos. Esta creencia extremista lleva a Margaret a tratar cruelmente a Carrie y contribuye a su aislamiento.
  • Ira reprimida: Carrie es una chica tímida e insegura que reprime su ira. Esta ira acaba desatándose en un acto de violencia que destruye su vida y la de los que la rodean.

Influencia

Carrie es una de las películas de terror más famosas e influyentes de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y sus imágenes icónicas.

Legado

Carrie es una película que ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. La película ha inspirado una serie de secuelas, remakes y otras películas de terror.

Consulte

Carrie es un clásico del cine de terror que sigue gustando a los aficionados al género. La película es visualmente asombrosa, con una cinematografía atmosférica y una fuerte imaginería. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Sissy Spacek y Piper Laurie.

La atmósfera de suspense y las imágenes icónicas de la película la convierten en una visita obligada para los aficionados al cine de terror.

Curiosidades:

  • La película se rodó en Toronto (Canadá).
  • La película fue prohibida en varios países, entre ellos Irlanda y España.
  • La película fue un gran éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.
  • La película ganó un Oscar al Mejor Maquillaje.

Controversias:

Carrie ha sido objeto de cierta controversia, sobre todo por su violencia y su representación del acoso escolar. La película ha sido acusada de blasfema y de incitar al odio religioso.

A pesar de la controversia, Carrie sigue siendo una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.

La casa de las ventanas que ríen (1976)

La casa de las ventanas que ríen (1976 ) es una película de terror italiana dirigida por Pupi Avati. La película cuenta la historia de Stefano, un joven restaurador que es enviado a un pequeño pueblo del valle del Po para restaurar un fresco de un pintor que murió suicidado.

La película comienza con la llegada de Stefano al pueblo y su encuentro con el alcalde, que le explica la historia del fresco. El fresco es una obra macabra que representa el martirio de San Sebastián entre dos figuras que ríen. El alcalde cree que el fresco está maldito y que es la causa de la muerte de varias personas del pueblo.

Stefano comienza a trabajar en el fresco y pronto empieza a notar cosas extrañas. Los aldeanos empiezan a comportarse de forma cada vez más extraña e inquietante. Stefano empieza a temer por su seguridad.

Temas

La casa de las ventanas que ríen explora una serie de temas:

  • El mal: La película explora el tema del mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas.
  • Miedo: La película es de terror y, por tanto, el miedo es un tema central. La película explora las distintas formas del miedo, desde el miedo al demonio hasta el miedo a lo desconocido.
  • El misterio: La película es un misterio y, por tanto, el misterio es un tema central. La película explora el misterio de la muerte del pintor, el significado del fresco y la identidad del demonio.

Influencia

La casa de las ventanas que ríen es un clásico del cine de terror italiano que ha tenido un impacto significativo en el género. La película ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y sus imágenes icónicas.

Consulte

La casa de las ventanas que ríen es una película de terror bien hecha que sigue siendo capaz de asustar e inquietar al público moderno. La película es visualmente asombrosa, con una cinematografía atmosférica y una fuerte imaginería. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Gianni Cavina, Lino Capolicchio y Francesca Marciano.

La atmósfera de suspense y las imágenes icónicas de la película la convierten en una visita obligada para los aficionados al terror.

Curiosidades:

  • La película se rodó en un pequeño pueblo del valle del Po, en la provincia de Ferrara (Italia).
  • En un principio, la película estaba prohibida a los menores de 18 años.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 2.000 millones de liras en Italia.
  • La película ganó el Premio de la Crítica en el Festival de Cine Fantástico de París.

Controversias:

La casa de las ventanas que ríen ha sido objeto de cierta controversia, sobre todo por su violencia y su representación del mal. La película ha sido acusada de blasfema y de incitar al odio religioso.

A pesar de la controversia, La casa de las ventanas que ríen sigue siendo una de las películas de terror italianas más importantes e influyentes de todos los tiempos.

Suspiria (1977)

Suspiria (1977) es una película de terror sobrenatural dirigida por Dario Argento y protagonizada por Jessica Harper, Alida Valli y Stefania Casini. La película es la primera entrega de la trilogía de las Tres Madres de Argento, seguida de Inferno (1980) y La madre de las lágrimas (2007).

La película sigue a Suzy Bannion (Harper), una joven bailarina estadounidense que viaja a Friburgo, Alemania, para asistir a una prestigiosa academia de ballet. Sin embargo, pronto descubre que la academia es la tapadera de un aquelarre de brujas dirigido por Madame Blanc (Valli).

Suzy se ve arrastrada a los oscuros secretos del aquelarre y debe luchar por sobrevivir cuando las brujas comienzan a asesinar a los estudiantes uno a uno. La película es conocida por sus exuberantes efectos visuales, su banda sonora atmosférica y su violencia gráfica.

Temas

Suspiria explora una serie de temas, entre ellos:

  • Brujería: La película está ambientada en un mundo donde la brujería es real y poderosa. Las brujas son a la vez hermosas y peligrosas, y sus poderes son a la vez seductores y aterradores.
  • Madres: El título de la película deriva de la palabra latina «suspirium», que significa «suspiro». El suspiro es un símbolo tanto del nacimiento como de la muerte, y refleja los temas de la película sobre la maternidad y el matriarcado.
  • La danza: El escenario de la película, una academia de ballet, sirve como metáfora del cuerpo femenino y de las formas en que puede ser controlado y explotado. Las secuencias de baile de la película son a la vez bellas e inquietantes, y reflejan los temas de sexualidad y violencia de la película.

Influencia

Suspiria es una película muy influyente que ha sido elogiada por sus rompedores efectos visuales, su innovador diseño sonoro y sus subversivos temas feministas. La película ha inspirado otras muchas, como El resplandor (1980), Cisne negro (2010) y el propio remake de Suspiria de 2018.

Consulte

Suspiria es una película de terror clásica que sigue siendo a la vez visualmente impresionante y emocionalmente perturbadora. La exuberante fotografía en Technicolor, la banda sonora atmosférica y la violencia gráfica contribuyen a crear una atmósfera única e inolvidable.

Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Jessica Harper, Alida Valli y Stefania Casini. Harper es convincentemente vulnerable como Suzy Bannion, y Valli es escalofriantemente regia como Madame Blanc.

Suspiria es una película imprescindible para los amantes del cine de terror, y seguro que se les quedará grabada en la retina mucho tiempo después de haberla visto.

Curiosidades:

  • La icónica banda sonora de la película fue compuesta por la banda italiana de prog rock Goblin.
  • La película fue prohibida originalmente en el Reino Unido por su violencia gráfica.
  • La película fue rehecha en 2018 por Luca Guadagnino, protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton y Chloë Grace Moretz.

Suspiria ha sido mencionada por la crítica como una película de culto, un prototipo de terror extremo aplaudido por historiadores y críticos cinematográficos por su trabajo de intrincados colores y escenografía: cada fotograma está compuesto por una creativa y sorprendente atención al color, considerada entre las películas más terroríficas de la historia.

Casa (1977)

House (1977) es una comedia de terror experimental japonesa dirigida y producida por Nobuhiko Obayashi. Está protagonizada por Kimiko Ikegami, Saho Sasazawa, Kumiko Óba, Yōko Minamida, Asei Kobayashi y Miki Jinbo.

La película cuenta la historia de Oshare (Ikegami), una colegiala que lleva a sus seis compañeros de clase a la casa de campo de su tía. Allí se encuentran cara a cara con espíritus malignos, un gato doméstico y un piano encantado.

La película es conocida por sus imágenes extrañas y surrealistas, su humor negro y sus temas feministas. Ha sido elogiada por la crítica por su originalidad y creatividad, y está considerada una de las mejores películas de terror japonesas de la historia.

Más información

House se publicó en Japón en 1977 y fue un éxito comercial y de crítica. Desde entonces se ha estrenado en muchos otros países y se ha convertido en un clásico de culto.

La película ha sido elogiada por su originalidad, creatividad e impacto visual. También ha sido elogiada por su humor negro y sus temas feministas.

Análisis

House es una película compleja y desafiante que puede interpretarse de muchas maneras diferentes. Algunos de los temas clave de la película son:

  • La mayoría de edad: La película puede considerarse una historia de madurez, ya que las siete chicas se ven obligadas a enfrentarse a sus miedos y a aprender a confiar las unas en las otras.
  • Feminismo: La película también puede considerarse feminista, ya que las siete chicas son personajes fuertes e independientes que luchan contra los espíritus malignos.
  • La naturaleza de la realidad: La película también explora la naturaleza de la realidad y la distinción entre lo real y lo irreal.

Halloween (1978)

Halloween (1978) es una película de terror dirigida por John Carpenter y protagonizada por Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis y Nancy Loomis. Está considerada una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.

La película sigue a Michael Myers, un niño de seis años que asesina a su hermana mayor Judith. Tras quince años internado, Michael escapa y regresa a su pueblo natal de Haddonfield, Illinois, la noche de Halloween.

Michael comienza a matar a las personas con las que se cruza, incluida Laurie Strode, una estudiante de secundaria que cuida a dos niños.

Temas

Halloween explora una serie de temas, entre ellos:

  • El mal: La película explora el tema del mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas. Michael Myers es un símbolo del mal en estado puro, y su violencia es inexplicable e incontrolable.
  • Miedo: La película es de terror y, por tanto, el miedo es un tema central. La película explora las diferentes formas del miedo, desde el miedo a lo desconocido hasta el miedo a la muerte.
  • Venganza: La película puede verse como una historia de venganza. Michael Myers mata a las personas que le humillaron o le hicieron daño en el pasado.

Influencia

Halloween fue un éxito comercial y de crítica, y ha tenido un impacto significativo en el género de terror. La película fue elogiada por su suspense, atmósfera y representación del mal.

Halloween ha inspirado otras películas de terror, como Halloween II (1981), Halloween III: Season of the Witch (1982) y la serie de televisión Halloween (2018-presente).

Consulte

Halloween es una película de terror clásica que sigue siendo una experiencia aterradora e inquietante a día de hoy. La película es visualmente impresionante, con una fotografía en blanco y negro que crea una atmósfera de suspense y miedo.

Las interpretaciones son todas excelentes, en particular la de Donald Pleasence como el Dr. Loomis, el único que parece comprender la verdadera naturaleza de Michael Myers.

Halloween es una película imprescindible para los amantes del terror, y seguro que se te queda grabada en la retina mucho tiempo después de haberla visto.

Curiosidades:

  • La película se rodó en una única localización, la ciudad de South Pasadena, California.
  • La película fue clasificada originalmente R por su violencia.
  • La película recaudó más de 70 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en una de las películas de terror más taquilleras de todos los tiempos.

Ver Halloween

La furia (1978)

La furia (1978) es una película estadounidense de suspense y terror sobrenatural dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Kirk Douglas, Amy Irving y John Cassavetes. La película está basada en la novela homónima de John Farris.

La película sigue a Peter Sandza (Douglas), un antiguo agente de la CIA que está criando a su hijo telepático, Robin (Andrew Stevens), en la clandestinidad. Peter es perseguido por una agencia gubernamental encubierta llamada «El Instituto» que dirige Ben Childress (Cassavetes). El Instituto quiere capturar a Robin y usar sus poderes para sus propios fines.

Robin también es perseguido por una misteriosa asesina telepática llamada Gillian Bellaver (Irving). Bellaver es capaz de controlar la mente de las personas y hacer que cumplan sus órdenes. Quiere matar a Robin y convertirse en el ser telepático más poderoso del mundo.

Temas

  • Paranoia: La película explora el tema de la paranoia y el miedo a ser observado. Peter Sandza está en constante movimiento, temiendo que El Instituto le encuentre y capture a su hijo.
  • Poder: La película también explora el tema del poder y la influencia corruptora que puede tener sobre las personas. El Instituto está dispuesto a todo para hacerse con los poderes de Robin, aunque eso signifique matarlo.
  • La familia: La película también explora el tema de la familia y la importancia de proteger a los seres queridos. Peter Sandza está dispuesto a arriesgarlo todo para proteger a su hijo, Robin.

Influencia

La Furia ha sido elogiada por su atmósfera de suspense, sus elegantes efectos visuales y sus sólidas interpretaciones. La película también ha influido en otras, como Carrie, Altered States y Scanners.

Consulte

La Furia es un thriller de suspense bien hecho que explora algunos temas interesantes. La película es visualmente impresionante, con algunas imágenes realmente memorables. Todas las interpretaciones son excelentes, en particular las de Kirk Douglas, Amy Irving y John Cassavetes.

La película no está exenta de defectos. La trama puede ser un poco enrevesada a veces, y el final es algo abrupto. Sin embargo, los puntos fuertes de la película compensan sus debilidades. La Furia es una cita ineludible para los amantes del género de suspense.

Curiosidades:

  • La película se rodó en Nueva York, Los Ángeles y Toronto.
  • Los efectos especiales de la película fueron pioneros para la época.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.

Zombi (1978)

Zombi (1978), también conocida como El amanecer de los muertos, es una película de terror estadounidense de 1978 dirigida por George A. Romero. La película es la secuela de La noche de los muertos vivientes(1968), de Romero, y está considerada una de las mejores películas de terror de la historia.

Parcela

La película comienza con una noticia sobre una misteriosa plaga que está convirtiendo a la gente en zombis. Cuatro supervivientes, Stephen, Fran, Roger y Peter, se refugian en un centro comercial, donde esperan estar a salvo de los zombis. Sin embargo, el centro comercial pronto es invadido por los zombis, y los supervivientes deben luchar por sus vidas.

Temas

Zombi explora una serie de temas, como el consumismo, el capitalismo y la naturaleza de la humanidad. El retrato que hace la película del centro comercial como un microcosmos de la sociedad ha sido elogiado por la crítica por su comentario social.

Recepción crítica

Zombi fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las mejores películas de terror de la historia. La película ha sido elogiada por su suspense, su atmósfera y su comentario social.

Impacto

Zombi tuvo un profundo impacto en el género de terror. La película contribuyó a popularizar el género zombi y está considerada una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos. La película también ha sido referenciada y parodiada en otras muchas películas, programas de televisión y videojuegos.

Secuencia icónica

Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que los supervivientes se atrincheran en el centro comercial y observan cómo los zombis se reúnen fuera. La secuencia está rodada de tal forma que crea una atmósfera de suspense y terror. Los zombis se muestran implacables e imparables, y los supervivientes se sienten indefensos y vulnerables.

El asesino del taladro (1979)

El asesino del taladro (1979) es una película estadounidense de terror y explotación dirigida por Abel Ferrara y protagonizada por el propio Ferrara, Carolyn Marz y Baybi Day. La película sigue a Reno Miller (Ferrara), un artista en apuros que cae en la locura y empieza a matar a gente con un taladro eléctrico.

La película es conocida por su violencia gráfica, sus imágenes perturbadoras y su atmósfera surrealista. Ha sido elogiada por algunos críticos por su originalidad y energía bruta, pero también ha sido condenada por otros por su explotación de la violencia.

Temas

El asesino del taladro explora una serie de temas, entre ellos:

  • Enfermedad mental: Reno Miller sufre claramente una enfermedad mental, pero la película no ofrece respuestas ni soluciones fáciles. Es una cruda exploración del lado oscuro de la psique humana.
  • Violencia: La película es extremadamente violenta, y ha sido criticada por su explotación de la violencia. Sin embargo, la película también puede verse como una crítica de la violencia y sus efectos destructivos.
  • Arte: Reno Miller es un artista, y su arte es a menudo violento y perturbador. La película puede verse como una exploración de la relación entre arte y violencia.

Influencia

El asesino del taladro ha influido en otras películas de terror, como American Psycho (2000) y Taxidermia (2006). También se ha hecho referencia a la película en otras obras de la cultura popular, como el videojuego Grand Theft Auto IV y la canción «Driller Killer» del grupo The Dillinger Escape Plan.

Consulte

El asesino del taladro es una película desafiante e inquietante, no apta para pusilánimes. Es una mirada gráfica e inquebrantable al lado oscuro de la psique humana. La película no está exenta de defectos, pero es una experiencia única e inolvidable.

Curiosidades:

  • La película se rodó con un presupuesto mínimo de 20.000 dólares.
  • La película fue prohibida originalmente en el Reino Unido por su violencia.
  • La película ha sido elogiada por algunos críticos por su originalidad y energía bruta, pero también ha sido condenada por otros por su explotación de la violencia.

Aliens (1979)

Alien (1979) es una película de terror y ciencia ficción dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt e Ian Holm. La película sigue a la tripulación de la nave comercial Nostromo mientras investigan una señal de socorro procedente de un planeta lejano. Pronto descubren una mortífera criatura alienígena que comienza a darles caza uno a uno.

Alien está considerada una de las mejores películas de terror de ciencia ficción de todos los tiempos. Es elogiada por su atmósfera de suspense, sus innovadores efectos especiales y sus imágenes icónicas. La película también cuenta con un sólido reparto, encabezado por la innovadora interpretación de Sigourney Weaver como Ellen Ripley.

Temas

Alien explora una serie de temas, entre ellos:

  • Aislamiento: La tripulación de la Nostromo está aislada del resto de la humanidad, tanto física como psicológicamente. Este aislamiento contribuye a la atmósfera de suspense de la película y hace que la tripulación sea más vulnerable a la criatura alienígena.
  • Tecnología: La película presenta una serie de dispositivos tecnológicos avanzados, como la nave espacial Nostromo y la propia criatura alienígena. Sin embargo, la tecnología también se muestra falible y peligrosa.
  • Maternidad: Ellen Ripley es una figura materna para el resto de la tripulación. También es la única capaz de derrotar a la criatura alienígena. Esto sugiere que la maternidad es una fuente de fuerza y resistencia.

Influencia

Alien ha ejercido una gran influencia tanto en el cine de ciencia ficción como en el de terror. Ha inspirado varias secuelas, precuelas y spin-offs, así como otras películas como La cosa (1982), Depredador (1987) y Horizonte de sucesos (1997).

Consulte

Alien es un clásico del cine de terror de ciencia ficción que aún hoy mantiene el suspense y el terror. Los efectos especiales de la película siguen siendo impresionantes y las imágenes son icónicas. El reparto también es excelente, encabezado por la rompedora interpretación de Sigourney Weaver como Ellen Ripley.

Alien es una visita obligada para los amantes de la ciencia ficción y el cine de terror. Es una película de suspense, terrorífica y visualmente impresionante que ha tenido un impacto duradero en el género.

Curiosidades:

  • La criatura alienígena de la película fue diseñada por H.R. Giger, que ganó un Oscar a los mejores efectos visuales por su trabajo en la película.
  • La película fue prohibida originalmente en el Reino Unido por su violencia y terror.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo.

Entre las películas de terror sobre extraterrestres, nada supera el suspense de «Alien», de Ridley Scott.

La prole (1979)

The Brood (1979) es una película canadiense de terror psicológico corporal escrita y dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Oliver Reed, Samantha Eggar y Art Hindle. La película sigue a un hombre y a su ex mujer, enferma mental, que ha sido secuestrada por un psiquiatra conocido por sus controvertidas técnicas terapéuticas. Una serie de brutales asesinatos sin resolver sirve de telón de fondo a la narración central.

Parcela

Frank Carveth (Hindle) lucha por conseguir la custodia de su hija de cinco años, Candice, de su ex mujer, Nola (Eggar), que ha sido internada por el Dr. Raglan (Reed). Raglan está experimentando con una nueva forma de terapia llamada «psicoplasmia», que, según afirma, puede hacer aflorar recuerdos y emociones reprimidos.

Nola es una de las pacientes de Raglan, y ha dado a luz a una serie de criaturas monstruosas a las que Raglan llama «la prole». La prole son pequeñas criaturas humanoides que protegen ferozmente a Nola. Comienzan a atacar y matar a los amigos y familiares de Frank, y éste debe encontrar la forma de detenerlos antes de que lleguen a Candice.

Temas

The Brood explora una serie de temas, entre ellos:

  • Enfermedades mentales
  • La familia
  • Violencia
  • La naturaleza de la realidad

La película es una inquietante mirada al lado oscuro de la naturaleza humana, y sigue siendo una de las películas más aclamadas de Cronenberg.

La venganza es mía (1979)

La venganza es mía (1979) es una película japonesa de drama criminal dirigida por Shōhei Imamura, basada en el libro homónimo de Ryūzō Saki. Narra la historia real del asesino en serie Akira Nishiguchi, cambiando el nombre del protagonista por el de Iwao Enokizu.

Parcela

La película comienza con el traslado de Enokizu a una comisaría de policía, donde es recibido por una turba enfurecida y una gran multitud de periodistas. La policía le interroga, pero se niega a responder. La película pasa entonces a una serie de secuencias retrospectivas, empezando por los asesinatos iniciales.

Enokizu es un hombre muy problemático, con un historial de violencia y enfermedades mentales. También es un católico devoto, lo que añade una capa de complejidad a su personaje. Las víctimas de Enokizu son todas desconocidas, y no parece tener ningún motivo en particular para matarlas.

La película sigue a Enokizu en su matanza, eludiendo a la policía durante 78 días. Durante este tiempo, también se le muestra interactuando con su familia y amigos, que desconocen sus crímenes.

Reseñas

Vengeance Is Mine es una película inquietante y desafiante. La dirección de Imamura es inquebrantable, y la película no rehúye mostrar la violencia y brutalidad de los crímenes de Enokizu. La película también explora temas complejos como el bien y el mal, la fe y la duda, y la naturaleza de la violencia.

Vengeance Is Mine fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las mejores películas japonesas de la historia. Ganó numerosos premios, incluido el Premio de Oro en el Festival Internacional de Cine de Moscú de 1979.

La película ha sido elogiada por su descripción realista y poco sensacionalista del asesinato en serie, así como por su examen complejo y lleno de matices de la psicología del asesino. También ha sido criticada por su violencia gráfica y su visión sombría y nihilista del mundo.

Curiosidades

  • La película se basa en la historia real de Akira Nishiguchi, un asesino en serie japonés que mató a 16 mujeres entre 1971 y 1972.
  • La película se rodó durante un periodo de gran agitación social y política en Japón.
  • La película fue censurada en algunos países, incluido Estados Unidos.

El resplandor (1980)

«El resplandor» es una película de 1980 dirigida por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Stephen King. La película está considerada un clásico del género de terror y a menudo se menciona como una de las mejores películas de todos los tiempos.

La historia sigue a Jack Torrance, interpretado por Jack Nicholson, que acepta un trabajo como vigilante de invierno en un gran hotel aislado en las montañas. Junto a su esposa Wendy (interpretada por Shelley Duvall) y su hijo Danny (interpretado por Danny Lloyd), Jack se instala en el hotel durante la estación invernal, pero pronto comienza a experimentar visiones alucinantes y a perder la salud mientras el hotel se ve atenazado por fuerzas sobrenaturales.

«El resplandor» es famosa por su excelente dirección, su impresionante fotografía y la aterradora música de Kubrick. Jack Nicholson ofrece una interpretación icónica e intensa como Jack Torrance, y la película se ha convertido en un símbolo de su carrera. La escena en la que Jack rompe la puerta de la habitación de Danny con un hacha se ha convertido en una imagen icónicamente aterradora en la cultura popular.

El mes exacto del primer viernes 13, El resplandor no es sólo una película de terror de los 80. Es una película que ha dejado una huella indeleble, como casi todas las del maestro Stanley Kubrick. Una película de artículos con una fotografía extraordinaria, la habilidad de la estrella Shelley Duvall y Jack Nicholson. Es la única película de terror rodada por Kubrick en su carrera. El Resplandor sigue siendo una inquietante y escalofriante película de culto con un gran impacto en el cine moderno.

Inferno (1980)

Inferno es una película de terror sobrenatural de 1980 escrita y dirigida por Dario Argento e interpretada por Irene Miracle, Leigh McCloskey, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi y Alida Valli.

La trama sigue la investigación de una chica sobre la desaparición de su hermana, que vivía en un apartamento de Nueva York que también servía de hogar a una bruja centenaria.

Secuela temática de Suspiria (1977), la película es la segunda parte de la trilogía de las tres madres de plata, aunque es la primera de la trilogía en explicar el concepto de las tres madres. Las 3 películas tienen en parte su origen en la obra de Thomas de Quincey de 1845 Suspiria de Profundis, una colección de poemas en prosa en la que propone el principio de las 3 «Damas del Dolor» (Mater Lachrymarum, Mater Suspiriorum y Mater Cartebarum) , en relación con el parque de las 3 y gracias en el folclore griego.

Rose Elliot, una poetisa que vive sola en el Upper West Side de Nueva York, adquiere de un anticuario un libro titulado Las tres madres. El libro, escrito por un alquimista llamado Varelli, habla de 3 hermanas malvadas que gobiernan el mundo con dolor, lágrimas y oscuridad y viven dentro de varias casas que en realidad habían sido construidas para ellas por el alquimista.

Mater Suspiriorum, la madre de los suspiros, vive en Friburgo. Mater Lachrymarum, la madre de las lágrimas, vive en Roma, y Mater Cartebarum, la madre de las tinieblas, reside en Nueva York. Rose cree que residía en la estructura de Mater Scherum y escribe a su hermano Mark, aprendiz de música en Roma, empujándole a visitarla.

Utilizando las ideas que ofrece el libro, Rose explora el sótano del edificio y encuentra un agujero en el suelo al que se puede llegar en una sala de baile llena de agua.

Un hombre lobo americano en Londres (1981)

Un hombre lobo americano en Londres (1981 ) es una comedia de terror estadounidense de 1981 escrita y dirigida por John Landis y protagonizada por David Naughton, Griffin Dunne y Jenny Agutter. La película sigue a dos amigos estadounidenses, David y Jack, que son atacados por un hombre lobo mientras viajan de mochileros por Inglaterra. David sobrevive, pero descubre que ha sido infectado por el hombre lobo y se transforma en una criatura similar a un lobo cada noche de luna llena.

La película es conocida por sus innovadores efectos especiales, que contribuyeron a hacer del hombre lobo el más realista jamás visto en el cine. La película también fue elogiada por su humor negro y su sátira de la cultura británica.

Temas

Un hombre lobo americano en Londres explora una serie de temas, entre ellos:

  • El miedo al otro: La película explora el miedo al otro, tanto en términos de raza como de especie. David es un estadounidense en Inglaterra, y a menudo se le considera un intruso. El hombre lobo es una criatura extraña y aterradora, que representa el miedo a lo desconocido.
  • La naturaleza de la identidad: La película explora la naturaleza de la identidad y cómo puede cambiar por una experiencia traumática. David es un hombre normal, pero el ataque del hombre lobo lo transforma en una criatura monstruosa. Este cambio le obliga a reconsiderar su identidad y su lugar en el mundo.
  • Amor y amistad: La película explora la importancia del amor y la amistad. David y Jack son amigos inseparables, y su vínculo se pone a prueba cuando David se transforma en hombre lobo. La película sugiere que el amor y la amistad pueden superar incluso los mayores desafíos.

Consulte

Un hombre lobo americano en Londres es una película de terror clásica que sigue siendo divertida y aterradora hoy en día. La película está bien hecha, con efectos especiales innovadores y un reparto excelente. La película también está llena de humor negro y sátira, lo que la convierte en una experiencia única y memorable.

Curiosidades:

  • La película se rodó en Londres y Yorkshire.
  • Los efectos especiales de la película fueron creados por el equipo de Rick Baker, que ganó un Oscar al Mejor Maquillaje.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.

Gracias a Un hombre lobo americano en Londres, se inició la tradición de las horribles escenas de transformación y los bares poco acogedores, que se repitió en muchas películas posteriores. Para un director con una abundante herencia de películas cómicas, «Un hombre lobo americano en Londres» encaja perfectamente con John Landis.

Es una comedia de terror con un gran corazón de cómic negro, que supera a los títulos de los mismos años. La transformación a la luz de la luna de Rick Baker fue un gran avance, una escena increíble en la que los huesos y la piel se estiraban hasta desgarrarse. Es una película de terror con auténtica profundidad, fiel al traje de hombre lobo, pero con un toque vanguardista.

The Evil Dead (1981)

The Evil Dead (1981) es una película estadounidense de terror sobrenatural de 1981 escrita y dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Richard DeManicor, Betsy Baker y Theresa Tilly. La película sigue a un grupo de cinco estudiantes universitarios que viajan a una remota cabaña en el bosque para pasar unas vacaciones, sólo para descubrir un libro que contiene antiguos hechizos sumerios que despiertan a un malévolo demonio.

La película se rodó con un presupuesto de 350.000 dólares durante 21 días en una cabaña en un bosque de Tennessee. Fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 50 millones de dólares en todo el mundo. La película dio lugar a una franquicia que incluye dos secuelas, una película cruzada, un remake y una serie de televisión.

Influencia

The Evil Dead ha ejercido una gran influencia en el género de terror. La producción de bajo presupuesto de la película, su uso del gore y la violencia, y su enfoque en el desarrollo de personajes han inspirado una serie de películas de terror posteriores, incluyendo Re-Animator (1985), The Cabin in the Woods (2011) y Don’t Breathe (2016).

Consulte

The Evil Dead es una película de terror clásica que sigue siendo aterradora e inquietante a día de hoy. La película está bien hecha, con excelentes interpretaciones del reparto e innovadores efectos especiales. La película es también sorprendentemente suspense y atmosférica, creando una sensación de terror y claustrofobia.

Curiosidades:

  • La película se tituló originalmente Book of the Dead, pero el título se cambió a The Evil Dead para evitar confusiones con La noche de los muertos vivientes (1968), de George A. Romero.
  • Los efectos especiales de la película fueron creados por Tom Sullivan y Greg Nicotero, que posteriormente trabajaron en otras películas de terror de éxito, como La Cosa (1982) y Armee of Darkness (1992).
  • La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 50 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 350.000 dólares.
  • La película dio lugar a una franquicia que incluye dos secuelas, una película cruzada, un remake y una serie de televisión.

Escáneres (1981)

Scanners es una película de ciencia ficción con elementos de Body Horror de 1981 dirigida por David Cronenberg. La película sigue la historia de un hombre que descubre que tiene la capacidad de leer los pensamientos de los demás y que se ve envuelto en una lucha entre dos facciones de exploradores que luchan por el control de su mente.

La película ha ganado popularidad por sus escenas violentas y por sus imágenes perturbadoras y también ha llamado a Cronenberg como uno de los principales directores del género de terror/sci-fi.

Scanners sigue la historia de Cameron Vale, un hombre que descubre que tiene la capacidad de leer los pensamientos de los demás e influir en sus mentes. Vale es reclutado por una organización secreta que quiere utilizar sus habilidades para combatir a otra facción de escáneres que intenta hacerse con el control del mundo.

La historia se centra en la lucha entre Vale y los líderes de la facción malvada, que tienen el control de muchos escáneres e intentan aumentar su poder. Vale debe encontrar la forma de detener los planes de la facción y salvar al mundo de su destructiva influencia mental.

Scanners fue recibida con críticas dispares cuando se estrenó en 1981. Algunos críticos alabaron la película por su enfoque distópico de la tecnología y por sus escenas violentas e inquietantes, mientras que otros criticaron la confusa trama y la actuación poco convincente.

A pesar de las críticas mixtas, Scanners tuvo un éxito comercial justo en taquilla y ganó cierta popularidad en los años siguientes. La película consagró a David Cronenberg como director de talento e influyó en muchas otras películas del género de terror/sci-fi.

Hoy en día, Scanners se considera un clásico y a menudo se menciona como una de las mejores películas de ciencia ficción de los años 80.

Aullidos (1981)

The Howling es una película de terror estadounidense de 1981 dirigida por Joe Dante, basada en la novela homónima de 1977 escrita por Gary Brandner. La película está protagonizada por Dee Wallace, Patrick Macnee, Dennis Dugan y Kevin McCarthy.

Parcela

Karen White, una reportera de Los Ángeles, queda traumatizada tras presenciar un brutal asesinato. Su terapeuta, el Dr. George Waggner, le sugiere que se vaya a una remota estación de montaña llamada La Colonia para recuperarse.

En la Colonia, Karen conoce a un grupo de personas que se están recuperando de experiencias traumáticas. Sin embargo, Karen pronto se da cuenta de que la Colonia no es lo que parece. Los habitantes de la Colonia son todos hombres lobo y planean convertir a Karen en uno de ellos.

Karen debe luchar por su vida contra los hombres lobo, y también debe encontrar la forma de escapar de la Colonia.

Recepción crítica

The Howling fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las mejores películas de hombres lobo de la historia. La película fue elogiada por sus efectos especiales, su atmósfera de suspense y su humor negro.

Secuencia icónica

Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Karen se transforma en hombre lobo. La secuencia está rodada de forma que resulte a la vez espantosa y llena de suspense. La escena de la transformación es una de las más memorables de la historia del cine de terror.

Posesión (1981)

Posesión (1981) es una película de terror psicológico dirigida por Andrzej Żuławski y protagonizada por Isabelle Adjani y Sam Neill. La película cuenta la historia de una pareja cuyo matrimonio se está desintegrando y que comienza a experimentar sucesos extraños e inquietantes.

Parcela

Anna (Adjani) y Mark (Neill) son un matrimonio que vive en Berlín. Su matrimonio está en crisis y Anna pide el divorcio. Mark se sorprende al principio, pero acaba aceptando. Al iniciarse el proceso de divorcio, el comportamiento de Anna se vuelve cada vez más errático y perturbador. Empieza a tener pesadillas y dice ver a una criatura misteriosa.

Mark contrata a un investigador privado para que siga a Anna, y pronto descubre que ella tiene una aventura con Heinrich (Heinz Bennent), un científico alemán. Mark está furioso, pero también aliviado porque ahora tiene una razón para el extraño comportamiento de Anna.

Sin embargo, el alivio de Mark dura poco. Pronto se da cuenta de que la aventura de Anna es sólo un síntoma de un problema mucho más profundo. Anna está siendo poseída por una fuerza malévola, y se está transformando en algo monstruoso.

Reseñas

Posesión es una película inquietante y desafiante. Es una exploración visceral de la ruptura de un matrimonio y de la oscuridad que puede haber en la psique humana. La película es también una meditación sobre el poder del subconsciente y la fragilidad de la mente humana.

La película fue un fracaso comercial y de crítica en su estreno, pero desde entonces ha sido revalorizada como una obra maestra del cine de terror. La película ha sido elogiada por su inquebrantable retrato de la violencia y la sexualidad, sus imágenes surrealistas y las poderosas interpretaciones de Adjani y Neill.

Curiosidades

  • La película se rodó en Berlín, Alemania, durante la Guerra Fría.
  • La escena en la que Anna es poseída por una fuerza malévola se rodó en una sola toma.
  • La película fue prohibida en algunos países, entre ellos Alemania, por su violencia y sexualidad explícitas.

La Cosa (1982)

La Cosa (1982) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1982 dirigida por John Carpenter y protagonizada por Kurt Russell, Wilford Brimley, T. K. Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Maloney, Richard Masur, Donald Moffat, Joel Polis y Thomas Waites. La película sigue a un grupo de investigadores de una estación de investigación antártica que son atacados por una entidad parásita alienígena que puede adoptar la forma de cualquier ser vivo.

La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo. Fue elogiada por su atmósfera de suspense, sus innovadores efectos especiales y las interpretaciones del reparto.

Temas

  • Aislamiento: La película se desarrolla en una remota estación de investigación antártica, que aísla a los investigadores del resto del mundo. Este aislamiento contribuye a la atmósfera de suspense de la película y hace que los investigadores sean más vulnerables a la Cosa.
  • La sospecha: La película explora el tema de la sospecha. Los investigadores no saben en quién confiar, ya que la Cosa puede adoptar la forma de cualquiera. Esta sospecha provoca paranoia y violencia entre los investigadores.
  • La identidad: La película explora el tema de la identidad. La Cosa puede adoptar la forma de cualquiera, lo que pone en entredicho la propia identidad de los personajes. Este tema también se explora a través del personaje de MacReady, que es un hombre solitario y aislado.

Consulte

La Cosa es un clásico del cine de terror que sigue inspirando suspense y terror hasta nuestros días. La película está bien hecha, con efectos especiales innovadores y un reparto excelente. La película también está llena de suspense y tensión, creando una atmósfera de pavor y terror.

Curiosidades:

  • La película está basada en el relato «¿Quién va allí?» de John W. Campbell Jr., que también sirvió de base para la película La cosa de otro mundo (1951) de Howard Hawks.
  • Los efectos especiales de la película fueron creados por Rob Bottin, que ganó un Oscar al Mejor Maquillaje.
  • La película se rodó en Canadá, principalmente en Alberta y Columbia Británica.
  • La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo.

Videodrome (1983)

«Videodrome» es una película de terror corporal de 1983 dirigida por David Cronenberg. Se trata de un thriller de ciencia ficción que explora los peligros de la tecnología y la distorsión de la realidad a través de los medios de comunicación de masas.

La película se considera un clásico del cine de ciencia ficción y suele citarse como ejemplo de películade «terror corporal» que explora los temas de la tecnología y la manipulación de la realidad.

El argumento de «Videodrome» sigue al productor de televisión Max Renn, que busca una programación extrema para su cadena. Cuando se topa con «Videodrome», un programa que parece mostrar torturas y asesinatos en directo, Max queda cautivado al instante y decidido a emitirlo.

Sin embargo, pronto descubre que «Videodrome» tiene un efecto alucinógeno en su mente y está manipulando su percepción de la realidad. Max se encuentra luchando contra fuerzas oscuras que quieren utilizar «Videodrome» como arma para controlar las mentes de las masas.

La trama se vuelve cada vez más surrealista e inquietante, y Max tiene que enfrentarse no sólo a la amenaza de «Videodrome», sino también a su propia identidad y a la naturaleza de la realidad.

El hambre (1983)

The Hunger es una película de terror erótico de 1983 dirigida por Tony Scott en su debut como director. La película está protagonizada por Catherine Deneuve, David Bowie y Susan Sarandon.

La película cuenta la historia de Miriam Blaylock (Deneuve), una vampiresa centenaria que debe alimentarse de la sangre de hombres jóvenes para mantenerse con vida. Su amante, John Blaylock (Bowie), es un hombre mortal que empieza a envejecer rápidamente tras ser mordido por ella.

Miriam busca la ayuda de Sarah Roberts (Sarandon), una reputada gerontóloga, para encontrar una cura para la enfermedad de John. Sin embargo, Miriam también se siente atraída por Sarah y comienza a seducirla.

El Hambre es una película visualmente impactante y elegante, con un reparto sólido. Sin embargo, la película también tiene un ritmo lento y algo desenfocado. El Hambre es una película que probablemente dividirá al público, pero en última instancia es una experiencia única e inolvidable.

Temas

El Hambre explora una serie de temas, entre ellos:

  • Amor y pérdida
  • Inmortalidad y mortalidad
  • Atracción entre personas de distintas edades
  • El poder de Eros

Recepción

The Hunger fue un fracaso comercial y de crítica en su estreno. Sin embargo, la película ha sido revalorizada desde entonces como un clásico de culto. La película ha sido elogiada por su dirección, sus interpretaciones y su mezcla única de terror, erotismo y ciencia ficción.

Consulte

El Hambre es una película única e inolvidable. La película es visualmente impresionante, con una elegante fotografía y una banda sonora memorable. Las interpretaciones de Deneuve, Bowie y Sarandon son excelentes.

Sin embargo, la película también es lenta y algo imprecisa. La trama es a menudo confusa y la película no siempre sabe lo que quiere ser. A pesar de sus defectos, El Hambre es una película que merece la pena ver.

Pesadilla en Elm Street (1984)

Pesadilla en Elm Street es una película slasher estadounidense de 1984 dirigida por Wes Craven. La película cuenta la historia de Nancy Thompson, una joven que es acechada y asesinada por Freddy Krueger, un espíritu vengativo que puede entrar en los sueños de las personas y matarlas.

Parcela

Tina Grey, una chica de 15 años, se despierta gritando de una pesadilla en la que la persigue un hombre monstruosamente desfigurado con un sombrero marrón y cuchillos por dedos. Su novio, Rod Lane, es acusado del asesinato de Tina, pero Nancy Thompson, la mejor amiga de Tina, está convencida de que Freddy Krueger, un asesino en serie que fue quemado vivo por los padres de Tina y Nancy, ha regresado de entre los muertos para vengarse.

Nancy empieza a investigar a Freddy y descubre que es capaz de entrar en sus sueños y matarla. Nancy debe encontrar la manera de derrotar a Freddy y salvar su vida.

Recepción crítica

Pesadilla en Elm Street fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su suspense, atmósfera e innovación.

Escena icónica

Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Nancy es despertada por Freddy Krueger apuñalándola en el pecho. La escena está rodada de forma que da miedo y produce suspense.

La mosca (1986)

La mosca (1986 ) es una película estadounidense de terror y ciencia ficción de 1986 dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Jeff Goldblum y Geena Davis. La película es un remake de la película homónima de 1958, basada en el cuento homónimo de 1957 de George Langelaan.

En la película, Seth Brundle (Goldblum) es un brillante pero excéntrico científico que inventa un par de dispositivos de teletransporte. Mientras prueba los dispositivos, una mosca entra accidentalmente en uno de ellos con Brundle, y su ADN se fusiona. Brundle comienza a transformarse en un híbrido humano-mosca, y su estado físico y mental se deterioran rápidamente.

La Mosca es una película visualmente impresionante, con efectos especiales pioneros de Chris Walas. La película también destaca por su inquietante y sugerente descripción del horror corporal y la ética de la experimentación científica.

Temas

  • Terror corporal: La Mosca es un ejemplo clásico del body horror, un subgénero del terror que se centra en la transformación grotesca del cuerpo humano. La transformación de Brundle en un híbrido humano-mosca es física y psicológicamente espeluznante, y plantea interrogantes sobre la naturaleza de la identidad y lo que significa ser humano.
  • La ética de la experimentación científica: La Mosca también explora la ética de la experimentación científica. El trabajo de Brundle sobre el teletransporte es muy ambicioso y potencialmente peligroso, y al final paga un alto precio por su arrogancia. La película sugiere que los científicos tienen la responsabilidad de considerar las posibles consecuencias de su trabajo, tanto para ellos mismos como para los demás.
  • El miedo a la muerte: La Mosca también puede verse como una meditación sobre el miedo a la muerte. La transformación de Brundle es irreversible y sabe que está condenado a morir. La película explora sus intentos de hacer frente a su inminente mortalidad y de encontrar algún sentido a su sufrimiento.

Consulte

La Mosca es un clásico del cine de terror que aún hoy mantiene el suspense y el terror. La película está bien hecha, con excelentes interpretaciones del reparto y efectos especiales rompedores. La película también está llena de suspense y tensión, creando una atmósfera de pavor y terror.

La Mosca no es para todos. Los elementos de terror corporal de la película son extremadamente gráficos y perturbadores. Sin embargo, para los espectadores capaces de digerir la violencia y el gore de la película, La mosca es una experiencia gratificante e inolvidable.

Aliens (1986)

«Aliens» es una película de 1986 dirigida por James Cameron y protagonizada por Sigourney Weaver, Michael Biehn y Paul Reiser. Es la secuela de «Alien», la película de Ridley Scott de 1979.

La película sigue a la oficial de la nave Ellen Ripley, que se une a un equipo de marines para hacer frente a una amenaza alienígena en la remota colonia de LV-426. Tras permanecer 57 años atrapada en estado de hibernación, Ripley se une a la misión para derrotar a los alienígenas y sobrevivir.

Aliens» fue aclamada por la crítica por su espectacular realismo, su extraordinaria dirección y las intensas interpretaciones de sus actores. La película también tuvo un gran éxito comercial y ganó dos premios de la Academia a la mejor fotografía y al mejor sonido.

Además, «Aliens» está considerada una de las mejores secuelas de todos los tiempos y una piedra angular del género de ciencia ficción. Su mezcla de acción, aventura y terror ha influido en muchas otras películas del género y ha hecho de la franquicia «Alien» una de las más populares y longevas de la historia del cine.

Trasladando la localización principal de una casa encantada a la guerra de Vietnam, «Aliens» tiene su punto fuerte en seguir contando el personaje de Ripley tanto como la película inicial. Simplemente aumente su alcance y escala. Los Xenomorfos han vuelto, pero esta vez han traído a su madre.

Gracias a una escena eliminada de «Alien», el ciclo vital de las feroces bestias nunca se desveló del todo. Así que aquí viene un monstruo mucho más aterrador: la Reina Alienígena. «Aliens» es también un guión perfecto, sin un fotograma desperdiciado ni una línea de diálogo.

Evil Dead 2 (1987)

Evil Dead II (1987) es una comedia de terror estadounidense de 1987 dirigida por Sam Raimi, quien la co-escribió con Scott Spiegel. Segunda entrega de la serie de películas Evil Dead, se considera tanto un remake como una secuela (o «re-cuela») de The Evil Dead (1981).

Parcela

Ash Williams, aún traumatizado por los sucesos de la primera película, está conduciendo por el Medio Oeste cuando es atacado por un árbol poseído. Ash es transportado a una dimensión alternativa, donde es perseguido por demonios. Conoce a un grupo de supervivientes, entre ellos Annie Knowby, la hija del profesor que escribió el Necronomicón.

Ash y los supervivientes se unen para luchar contra los demonios. Sin embargo, los demonios son demasiado fuertes y los supervivientes empiezan a morir uno a uno. Ash es el único que puede detener a los demonios y volver a su mundo.

Recepción crítica

Evil Dead II fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su acción, humor y efectos especiales.

Secuencia icónica

Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Ash lucha contra un demonio con su motosierra. La secuencia está rodada de forma que resulte divertida y aterradora al mismo tiempo.

Viven (1988)

They Live (1988) es una película de ciencia ficción distópica escrita, dirigida y protagonizada por John Carpenter. La película cuenta la historia de Nada (Roddy Piper), un trabajador en paro que descubre que la sociedad está controlada por alienígenas parásitos que controlan las mentes humanas a través de mensajes subliminales en la televisión y otros medios de comunicación.

Nada descubre la verdad tras ponerse unas gafas especiales que le permiten ver a los alienígenas tal y como son. Los alienígenas son criaturas malévolas que se alimentan de la energía humana y mantienen a la humanidad en un estado de esclavitud. Nada decide rebelarse contra los alienígenas y liberar a la humanidad de su control.

They Live es una película satírica que explora los temas del control social, la propaganda y la manipulación. La película es también un thriller de acción lleno de suspense y giros. They Live es una película de culto que ha sido elogiada por fans y críticos de todo el mundo.

Estas son algunas de las razones por las que Viven es considerada una película de culto:

  • La historia es original y provocativa.
  • Los personajes están bien desarrollados y son carismáticos.
  • La dirección de John Carpenter es excelente.
  • Las escenas de acción son adrenalínicas y atractivas.
  • El mensaje de la película es importante y pertinente.

They Live es una película imprescindible que sigue siendo apreciada por aficionados y críticos de todo el mundo. Es una película que te hace pensar y te invita a mirar el mundo con otros ojos.

La desaparición (1988)

The Vanishing (1988) es un thriller psicológico de terror dirigido por George Sluizer. La película cuenta la historia de Rex Hofman, un hombre que, durante unas vacaciones en Francia con su novia Saskia, la ve desaparecer misteriosamente. Tres años después, Rex recibe una carta de un hombre que dice saber dónde está Saskia. Rex accede a reunirse con él, pero el encuentro acabará de forma trágica e inesperada.

Temas

The Vanishing explora una serie de temas, entre ellos:

  • Pérdida y duelo
  • Locura y depravación humanas
  • La naturaleza de la realidad

Influencias

The Vanishing está influenciada por varias obras, entre ellas:

  • La novela «El huevo de oro» de Tim Krabbé
  • La película «El silencio de los corderos» de Jonathan Demme
  • La película «El Exorcista» de William Friedkin

Consulte

The Vanishing es una película que no deja indiferente a nadie. Es una película difícil de olvidar, por su inquietante historia y su dramática conclusión.

Tetsuo: El hombre de hierro (1989)

«Tetsuo: el hombre de hierro» es una película japonesa de 1989 dirigida por Shinya Tsukamoto. Es una película de ciencia ficción ciberpunk que explora los temas de la tecnología, la mutación humana y la subjetividad.

La trama sigue al personaje de un hombre que, tras verse involucrado en un accidente con un ciborg, empieza a desarrollar gradualmente características metálicas. A medida que su cuerpo se transforma, el personaje se vuelve cada vez más loco y violento, provocando el caos y la destrucción allá donde va.

La película fue aclamada por su visión surrealista e inquietante de la tecnología y su relación con la humanidad, así como por su extraordinaria dirección, fotografía y montaje. Tetsuo: el hombre de hierro» también ha tenido un gran impacto en la cultura popular y ha inspirado muchas otras obras de los géneros de ciencia ficción y terror.

El desordenado y sensual viaje del director japonés Shinya Tsukamoto lleva el ciberpunk a lugares extraordinariamente nuevos, utilizando innovadores efectos de bajo presupuesto para contar la surrealista historia de un «fetichista del metal» cuya muerte en un accidente de coche y camión desencadena un escandaloso capítulo del progreso humano.

Fuego camina conmigo (1992)

Lanzada como precuela de la serie de televisión Twin Peaks, Fire Walk with Me es una película de terror de los 90 que lleva al público a través de la historia de Laura Palmer (Sheryl Lee), hasta el punto en el que comienza la serie anterior.

La película fue dirigida por Lynch y protagonizada por Sheryl Lee como Laura Palmer, Kyle MacLachlan como Dale Cooper y Ray Wise como Leland Palmer. Fue una decepción crítica y comercial, pero desde entonces ha sido reevaluada y elogiada por su atmósfera lynchiana y su exploración de temas oscuros.

Parcela

La película comienza con Laura Palmer (Sheryl Lee) despertándose en la habitación de un motel con un desconocido. Está confusa y desorientada, y no recuerda cómo llegó allí. Vuelve a casa, pero sus recuerdos siguen perturbándola.

Laura es una estudiante de instituto popular, pero también es drogadicta y prostituta. Es maltratada por su padre, Leland Palmer (Ray Wise), que está poseído por el espíritu de BOB, una entidad demoníaca.

Influencia

Twin Peaks: Fuego camina conmigo ha tenido una influencia significativa en la cultura popular. El estilo oscuro y atmosférico de la película ha sido elogiado tanto por la crítica como por los cineastas. La película también ha sido elogiada por su exploración de temas oscuros, que a menudo se evitan en el cine convencional.

Recepción crítica

Twin Peaks: Fuego camina conmigo fue una decepción crítica y comercial en su estreno en 1992. La película fue criticada por su ritmo lento, su violencia y su falta de cierre. Sin embargo, desde entonces la película ha sido reevaluada y elogiada por su atmósfera lynchiana y su exploración de temas oscuros.

Legado

Twin Peaks: Fuego camina conmigo es un clásico de culto que ha sido alabado por críticos y cineastas por igual. La película está considerada una de las obras más importantes de David Lynch y ha ejercido una influencia significativa en la cultura popular.

En los años siguientes, el «caos» se convirtió en la mejor cualidad de la película: el estilo visionario y onírico de David Lynch. Una película vanguardista realizada en formato de serie, veinte años antes de las series de televisión en streaming. Sólo Lynch podía ser tan brillante.

Drácula de Bram Stoker (1992)

Drácula» es una película dramática de terror de 1992 dirigida por Francis Ford Coppola y basada en la novela homónima de Bram Stoker de 1897. La película presenta una versión reimaginada de la historia original de Drácula, centrada en la relación entre el Conde Drácula y la joven escritora Mina Harker.

Gary Oldman interpreta al Conde Drácula, mientras que Winona Ryder es Mina Harker. El reparto también incluye a Anthony Hopkins, Keanu Reeves y Richard E. Grant. La película recibió elogios por sus interpretaciones de primera categoría, la dirección visualmente cautivadora de Coppola y su elaborada representación del Conde Drácula.

La película también recibió muchas críticas por su interpretación poco rigurosa y controvertida de la historia original, así como por la naturaleza romántica y sexual de la relación entre Drácula y Mina. A pesar de ello, el «Drácula» de 1992 se considera un clásico del género de terror y sigue teniendo seguidores en todo el mundo. Este terror de culto de los 90 reinventa la historia de Stoker del siglo XIX. Su fotografía, estilo de vestuario y uso del color la convierten en un caprichoso terror gótico.

Tesis (1996)

«Tesis» es una película española de terror de 1996 dirigida por Alejandro Amenabar. Se trata de un thriller que explora el mundo académico y las consecuencias que pueden derivarse de una investigación universitaria.

La protagonista, Angelika, es una joven estudiante de cine que trabaja en su tesis sobre las representaciones de la muerte en el cine. Durante su investigación, conoce a un estudiante que trabaja en un tema similar, pero centrado en las snuff movies, es decir, películas que representan la muerte real de personas. A medida que Angelika sigue adentrándose en el oscuro mundo de las snuff movies, encuentra muchas dificultades y se topa con personas que intentan impedir que continúe su investigación. También empieza a recibir amenazas y a temer por su vida.

«Tesis» fue muy bien recibida por la crítica y considerada una de las mejores películas españolas de los 90. Ha ganado numerosos premios, entre ellos cuatro premios Goya, los más importantes del cine español. La película es interesante porque ofrece una visión de los peligros del mundo académico y de cómo la investigación puede tener consecuencias imprevisibles. Además, el apasionante argumento y los rompecabezas psicológicos hicieron de «Tesis» una película que se quedó grabada en la mente de mucha gente. Esta película es la ganadora de 7 premios Goya 1996, consistentes en los premios a la mejor película, al mejor guión original y al mejor director.

Oldboy (2003)

Oldboy (2003) es una película surcoreana de acción y suspense de 2003 dirigida por Park Chan-wook y protagonizada por Choi Min-sik, Yoo Ji-tae y Kang Hye-jung. La película es un remake de la película japonesa de 1999 Oldboy, pero se considera una obra original por derecho propio.

Parcela

Oh Dae-su (Choi Min-sik) es un hombre que es secuestrado y encarcelado en una habitación de hotel durante 15 años sin saber quién lo secuestró ni por qué. Tras 15 años, por fin es liberado y se dispone a encontrar a su captor para vengarse.

En el transcurso de su búsqueda, Dae-su descubre que su captor es un hombre de negocios llamado Lee Woo-jin (Yoo Ji-tae). Lee Woo-jin le revela a Dae-su que lo secuestró porque su mujer tuvo una aventura con él. Lee Woo-jin secuestró a Dae-su para vengarse de su mujer y hacerle sentir el dolor que él sentía.

Temas

Oldboy explora una serie de temas, entre ellos:

  • Venganza: La película explora la naturaleza de la venganza y sus consecuencias. Dae-su está obsesionado con vengarse de su captor, y esta obsesión le lleva a la ruina.
  • La identidad: La película también explora el tema de la identidad. Dae-su es secuestrado y encarcelado durante 15 años, y durante ese tiempo pierde su identidad. Cuando es liberado, debe reconstruir su identidad y averiguar quién es realmente.
  • Victoria y derrota: La película termina con una escena ambigua en la que es difícil decir quién ha ganado y quién ha perdido. Dae-su ha conseguido su venganza, pero también ha perdido su humanidad.

Influencia

Oldboy fue un éxito comercial y de crítica, y ha influido notablemente en el cine. La película fue elogiada por su dirección, su guión, sus interpretaciones y su atmósfera. Oldboy está considerada una de las mejores películas de acción de todos los tiempos.

Recepción crítica

Oldboy recibió elogios de la crítica por su dirección, su guión, sus interpretaciones y su atmósfera. La película ganó numerosos premios, incluido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2003.

Conclusión

Oldboy es una película compleja y provocadora que explora temas oscuros e inquietantes. La película es una obra de arte visionaria que ha dejado una huella perdurable en el cine.

Si busca terror coreano atemporal, eche un vistazo al thriller de venganza «Oldboy», de Park Chan-wook, de 2003.

Los Rechazados del Diablo (2005)

Es una película de 2005 dirigida por Rob Zombie. Es una película de terror que sigue la historia de la familia Firefly, un grupo de criminales que es perseguido por un sheriff decidido a detenerlos.

La película es conocida por su intensa y cruda representación de la violencia, así como por su audaz dirección y su convincente trama. La película tuvo una acogida desigual por parte de la crítica y el público.

Muchos alabaron la dirección de Zombie y su intensa y cruda representación de la violencia, pero otros criticaron la película por su libre representación de la violencia y por su contenido perturbador.

Es una película que dividió al público y a la crítica por su intensa y cruda representación de la violencia y por su inquietante contenido. Sin embargo, muchos fans del género de terror alabaron la dirección de Zombie y su convincente trama.

Primer bocado (2006)

First Bite (2006) es una película dramática canadiense-tailandesa dirigida por Hunt Hoe. Está protagonizada por David La Haye, Leah Pinsent y Napakpapha Nakprasitte. La película cuenta la historia de un chef canadiense que se enamora de una misteriosa tailandesa y viaja a Tailandia para estar con ella. Sin embargo, pronto descubre que ella no es quien parece, y se ve arrastrado a un mundo de magia oscura y rituales ancestrales.

La película se rodó en Tailandia y fue elogiada por su bella fotografía y su auténtica representación de la cultura tailandesa. Sin embargo, también fue criticada por su ritmo lento y su confusa trama.

Parcela

La película comienza con David (La Haye), un chef canadiense que trabaja en un prestigioso restaurante de Montreal. Es un chef con talento, pero también está inquieto e insatisfecho con su vida.

Un día, David conoce a una misteriosa tailandesa llamada Mai (Nakprasitte). Mai es bella y enigmática, y David se siente inmediatamente atraído por ella. Comienzan un apasionado romance y David pronto decide dejar su trabajo y viajar a Tailandia para estar con ella.

Cuando David llega a Tailandia, al principio queda cautivado por la belleza del país y la calidez de sus gentes. Sin embargo, pronto empieza a darse cuenta de que Mai no es quien parece. Es reservada y retraída, y parece tener un pasado oscuro.

David también descubre que Mai está implicada en una secta que practica magia negra y rituales ancestrales. David se horroriza, pero también se siente atraído por el poder y el misterio de la secta.

David acaba participando en uno de los rituales de la secta y es mordido por una serpiente. La mordedura le otorga poderes especiales, pero también empieza a transformarle en algo menos que humano.

David debe ahora elegir entre su amor por Mai y su humanidad. También debe encontrar la forma de impedir que la secta lleve a cabo sus malvados planes.

Temas

First Bite explora una serie de temas, entre ellos:

  • Amor y obsesión: El amor de David por Mai es el motor de la película. Sin embargo, su amor por ella también le lleva a tomar decisiones peligrosas y destructivas.
  • El bien contra el mal: David está atrapado en una lucha entre el bien y el mal. Debe elegir entre su humanidad y los poderes oscuros que ha adquirido.
  • Identidad: La identidad de David se ve cuestionada por sus experiencias en Tailandia. Debe decidir quién quiere ser y qué tipo de vida quiere llevar.

First Bite es una película independiente canadiense que cruza varios géneros cinematográficos en su narrativa, pasando repentinamente del romance al thriller y al terror fantasmal. La dirección, el montaje y la escritura nunca son banales, apoyados por planos con objetivos gran angular que aumentan la tensión y por unos actores en magnífica forma.

Ver First Bite

Mártires (2008)

Martyrs (2008) es una película francesa de terror dirigida por Pascal Laugier y protagonizada por Mylène Jampanoï y Morjana Alaoui. La película sigue a Lucie, una joven que es secuestrada y torturada durante un año antes de ser rescatada. Tras su rescate, Lucie se siente atormentada por sus experiencias y busca vengarse de sus captores.

Parcela

Lucie es secuestrada y llevada a un almacén abandonado, donde es torturada durante un año. Finalmente es rescatada, pero queda marcada física y emocionalmente.

Lucie está decidida a encontrar a sus captores y vengarse. Les sigue la pista y los mata uno a uno. Sin embargo, la venganza de Lucie no le trae la paz que esperaba.

Temas

Martyrs explora una serie de temas, entre ellos:

  • Trauma: La película explora los efectos del trauma en la mente y el cuerpo humanos. Lucie está profundamente traumatizada por sus experiencias de cautiverio, y su trauma se manifiesta tanto física como psicológicamente.
  • Venganza: La película también explora el tema de la venganza. Lucie está obsesionada con vengarse de sus captores, pero al final se da cuenta de que la venganza no trae la paz.
  • La religión: La película también toca temas de religión y fe. Lucie se ha criado en un hogar católico, pero sus experiencias en el cautiverio la llevan a cuestionar su fe.

Influencia

Martyrs es una película controvertida que ha sido alabada y criticada tanto por la crítica como por el público. La película ha sido elogiada por su descripción realista del trauma y sus imágenes perturbadoras. Sin embargo, la película también ha sido criticada por su violencia y su sombrío final.

Recepción crítica

Martyrs recibió críticas dispares. Algunos críticos alabaron el realismo de la película y sus perturbadoras imágenes, mientras que otros criticaron su violencia y su sombrío final. La película fue un éxito de taquilla en Francia, pero no tuvo tanto éxito en otros países.

Sed (2009)

Thirst (2009) es una película surcoreana de terror y vampiros dirigida por Park Chan-wook. La película está protagonizada por Song Kang-ho en el papel de Sang-hyun, un sacerdote católico que se ofrece voluntario para un experimento médico destinado a desarrollar una cura para un virus mortal. El experimento fracasa y Sang-hyun se transforma en vampiro.

Tras su transformación, Sang-hyun lucha por mantener su humanidad al tiempo que lidia con su recién descubierta sed de sangre. Se enamora de Tae-ju (Kim Ok-bin), la mujer de su mejor amigo. Tae-ju también se siente atraída por Sang-hyun, pero le repugna su naturaleza vampírica.

Temas

La sed explora una serie de temas, entre ellos:

  • La tentación: La película trata sobre la tentación del pecado y la lucha por mantener la propia humanidad frente a la tentación. Sang-hyun se ve tentado por su sed de sangre, pero también intenta resistirse a la tentación y llevar una vida moral.
  • El amor: La película también trata del amor y del poder del amor para superar incluso los obstáculos más oscuros. Sang-hyun y Tae-ju están profundamente enamorados, pero su amor es prohibido y peligroso.
  • Religión: La sed también explora el tema de la religión y el conflicto entre fe y ciencia. Sang-hyun es un católico devoto, pero su fe se pone a prueba con su transformación en vampiro.

Recepción

Thirst fue un éxito comercial y de crítica. Ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2009, y fue elogiada por sus sólidas interpretaciones, su elegante dirección y su exploración de temas complejos.

Conclusión

Thirst es una película poderosa e inquietante que explora temas oscuros y desafiantes. La película no es para todo el mundo, pero es una experiencia gratificante para los espectadores que estén dispuestos a comprometerse con sus complejas ideas y su inquebrantable descripción de la naturaleza humana.

Shutter Island (2010)

Leonardo DiCaprio protagoniza este thriller de terror ambientado en un manicomio. Shutter Island, de Martin Scorsese, es una película intrigante llena de conspiraciones y miedo que deja la verdad en el aire.

Parcela

Teddy Daniels y su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo) son enviados a Shutter Island para investigar la desaparición de Rachel Solando (Emily Mortimer), una paciente del Hospital Ashecliffe, un centro psiquiátrico para criminales dementes. Teddy también está decidido a encontrar a su esposa, Dolores Chanal (Michelle Williams), que murió en un incendio cinco años antes.

A medida que Teddy investiga el hospital, empieza a descubrir inquietantes secretos. También experimenta extrañas alucinaciones y flashbacks, que le llevan a cuestionarse su propia cordura. Teddy acaba descubriendo que el hospital es en realidad la tapadera de un experimento gubernamental de control mental. Los médicos del hospital utilizan una droga llamada D-67 para borrar la memoria de los pacientes e implantarles una nueva.

Temas

Shutter Island explora una serie de temas, entre ellos:

  • Cordura frente a locura: La película explora la naturaleza de la cordura y la locura. Teddy/Andrew es un personaje complejo que lucha por distinguir entre la realidad y el engaño. La película también plantea cuestiones sobre la ética del control mental y la naturaleza de la identidad.
  • El trauma: La película también explora el tema del trauma. Andrew está traumatizado por el asesinato de su esposa, y este trauma le lleva a crear un mundo delirante en el que puede escapar de su dolor.
  • Culpa y redención: La película también explora los temas de la culpa y la redención. Andrew está consumido por la culpa por el asesinato de su esposa, y busca la redención intentando encontrar a Rachel Solando y salvarla.

Recepción

Shutter Island fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por sus interpretaciones, dirección y guión. La película también fue nominada a cuatro premios de la Academia, entre ellos los de mejor director, mejor guión adaptado, mejor fotografía y mejor banda sonora original.

A pesar de todos sus éxitos anteriores a partir de la década de 1970, Shutter Island acabó siendo la película más taquillera de Martin Scorsese hasta que fue superada por El lobo de Wall Street. El impacto de la película en los sentidos es devastador.

Cisne negro (2010)

Cisne negro es una película de terror y suspense psicológico de 2010 dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey y Winona Ryder. La película sigue a Nina Sayers (Portman), una joven bailarina que es elegida para interpretar tanto al Cisne Blanco como al Cisne Negro en una producción de El lago de los cisnes de Tchaikovsky, pero que empieza a perder el control de la realidad a medida que se obsesiona con el papel.

Parcela

Nina es una perfeccionista que ha dedicado su vida al ballet. Vive con su sobreprotectora madre, Erica (Hershey), que también fue bailarina pero se vio obligada a retirarse debido a una lesión. Nina es elegida para interpretar al Cisne Blanco, el personaje inocente y frágil, en una producción de El lago de los cisnes. Sin embargo, el director artístico, Thomas Leroy (Cassel), cree que no es la adecuada para el papel del Cisne Negro, personaje sensual y oscuro.

Temas

Cisne Negro explora una serie de temas, entre ellos:

  • Perfeccionismo: Nina es una perfeccionista impulsada a triunfar a toda costa. Su obsesión por la perfección la lleva a la perdición.
  • Obsesión: Nina se obsesiona con el papel del Cisne Negro, que representa su lado oscuro. Su obsesión la lleva a perder el control de la realidad.
  • Dualidad: La película explora la dualidad de la naturaleza humana. Nina representa al inocente Cisne Blanco, pero también tiene un lado oscuro que está representado por el Cisne Negro.
  • Relaciones madre-hija: La relación entre Nina y su madre es compleja y poco saludable. Erica es sobreprotectora y controladora, y sus expectativas sobre Nina son poco realistas.

Recepción crítica

Cisne Negro fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 333 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de 13 millones. La película fue elogiada por sus interpretaciones, en particular la de Portman, su dirección y su atmósfera oscura y de suspense. Fue nominada a cinco premios de la Academia, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor actriz para Portman.

La piel que habito (2011)

La piel que habito (2011 ) es una película española de ciencia ficción y suspense psicológico dirigida por Pedro Almodóvary protagonizada por Antonio Banderas y Elena Anaya. La película está basada en la novela Tarantola (Mygale) de Thierry Jonquet.

Parcela

El Dr. Robert Ledgard (Banderas) es un brillante cirujano plástico que ha desarrollado un nuevo tipo de piel sintética resistente a los daños. Utiliza esta piel para crear una nueva identidad para Vera Cruz (Anaya), una mujer que sufrió quemaduras graves en un accidente de coche.

Vera es mantenida cautiva en la mansión de Ledgard, donde se ve obligada a llevar una máscara para ocultar su verdadera identidad. También es sometida a los experimentos de Ledgard, que intenta perfeccionar su nueva piel.

Un día, Vera escapa de la mansión de Ledgard con la ayuda de su hijo, Zeca (Jan Cornet). Vera y Zeca se enamoran, pero su relación se complica por el hecho de que Vera sigue siendo perseguida por Ledgard.

Temas

La piel que habito explora varios temas:

  • La identidad: La película explora la naturaleza de la identidad y cómo puede construirse y reconstruirse. La identidad de Vera cambia constantemente, ya que se ve obligada a asumir distintos papeles para sobrevivir.
  • El trauma: La película también explora el tema del trauma y cómo puede moldear nuestras vidas. Vera está profundamente traumatizada por sus experiencias, y su trauma la lleva a tomar algunas decisiones peligrosas.
  • Venganza: La película también explora el tema de la venganza. Vera está decidida a vengarse de Ledgard por el dolor que le ha causado.

Recepción

La piel que habito fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por sus interpretaciones, dirección y guión. La película también fue nominada a cuatro Premios Goya, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Guión Original.

Conclusión

La piel que habito es una película compleja e inquietante que explora temas oscuros y desafiantes. La película no es para todo el mundo, pero es una experiencia gratificante para los espectadores que estén dispuestos a comprometerse con sus ideas y su descripción inquebrantable de la condición humana.

Más información

  • La película está ambientada en un mundo futurista en el que la tecnología ha avanzado hasta el punto de que los seres humanos pueden modificarse de formas antes inimaginables.
  • Los efectos visuales de la película son impresionantes, y el uso que hace Almodóvar del color y el simbolismo es magistral.
  • Todas las interpretaciones de la película son excelentes, pero destaca la de Anaya en el papel de Vera.

El Babadook (2014)

The Babadook (2014) es una película australiana de terror psicológico de 2014 escrita y dirigida por Jennifer Kent. La película está protagonizada por Essie Davis en el papel de Amelia Vanek, una madre soltera que cría a su hijo Samuel (Noah Wiseman), de seis años, tras la muerte de su marido. Amelia lucha por superar su dolor y las exigencias de la maternidad, y su relación se vuelve cada vez más tensa.

Una noche, Samuel encuentra en su casa un misterioso libro pop-up llamado «The Babadook». El libro cuenta la historia de una criatura malévola que atormenta a quienes leen sobre ella. Al principio, Amelia descarta el libro como un inofensivo cuento para dormir, pero Samuel se obsesiona cada vez más con él y Amelia empieza a experimentar cosas extrañas e inquietantes.

Amelia pronto se da cuenta de que The Babadook no es sólo un cuento; es una criatura real que ha venido a atormentarlos. Mientras Amelia y Samuel luchan por sobrevivir, también deben enfrentarse a sus propios demonios interiores.

Recepción crítica

The Babadook fue un éxito comercial y de crítica, con elogios por su atmósfera oscura, su complejidad psicológica y sus interpretaciones. La película fue nominada a seis premios AACTA, entre ellos los de mejor película y mejor director, y ganó el de mejor guión original.

Impacto

The Babadook ha sido elogiada por su visión única e innovadora del género de terror. La película ha sido citada como influencia por otros cineastas, y se le ha atribuido el mérito de ayudar a revivir el género de terror psicológico.

Escena icónica

Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Amelia se enfrenta a The Babadook en su cocina. La escena está rodada de forma que resulte a la vez terrorífica y llena de suspense, con Amelia utilizando diversos objetos domésticos para defenderse de la criatura.

La bruja del amor (2016)

Elaine, una joven y hermosa bruja, se dirige a Arcata, California, una ciudad donde la brujería es aceptada, para empezar una nueva vida tras la muerte de su marido Jerry. Tal vez Elaine podría haberlo matado.

Cuando está allí, alquila una casa victoriana propiedad de la profesora de Elaine, Barbara, y amueblada por su decoradora de interiores, Trish Manning. En un intento de hacerse amiga de la chica, Trish lleva a Elaine a una casa de té, donde conoce a su marido Richard, que rápidamente se enamora de Elaine.

Deseosa de encontrar un nuevo amante, Elaine lleva a cabo un ritual para descubrirlo y conoce a Wayne, un profesor de literatura de la universidad. Los dos viajan a casa de Wayne, donde ella le hace consumir un brebaje que incluye alucinógenos. Cuando ambos hacen el amor, Wayne acaba siendo posesivo, lo que inquieta a Elaine.

Muere al día siguiente y Elaine entierra su cuerpo con un amuleto contra la brujería que contiene su orina. Decide que el próximo hombre al que intentará seducir será Richard porque está casado y no puede ser posesivo.

The Love Witch, de Anna Biller, no se parece a ninguna otra comedia de terror reciente. La película se apoya en gran medida en su maravillosa fotografía de los años 60, que en algunas escenas recuerda a las películas de Dario Argento.

Hay una belleza en el aspecto que Anna Biller ha construido en todo su esplendor tecnicolor que te hechiza de inmediato. The Love Witch se encarga de ser a la vez oscura y luminosa, es una película de brujas con algunas líneas realmente maravillosas e irónicas gracias a la actriz perfecta para la historia, Samantha Robinson.

La doncella (2016)

The Handmaiden (2016) (아가씨, Ah-ga-ssi) es una película surcoreana de terror y suspense psicológico dirigida por Park Chan-wook y protagonizada por Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo y Cho Jin-woong. La película está basada en la novela de 2002 Fingersmith, de Sarah Waters, ambientada en la Inglaterra victoriana. Sin embargo, Park Chan-wook trasladó la historia a Corea durante el periodo colonial japonés (1910-1945).

Parcela

La película cuenta la historia de Sook-hee (Kim Tae-ri), una joven carterista que es contratada para hacerse pasar por doncella de Lady Hideko (Kim Min-hee), una heredera japonesa que vive con su acaudalado tío, Kouzuki (Ha Jung-woo). En realidad, Sook-hee está trabajando con un estafador llamado Fujiwara (Cho Jin-woong), que planea casarse con Hideko y luego internarla en un psiquiátrico para poder reclamar su herencia.

Sin embargo, Sook-hee y Hideko desarrollan una inesperada atracción mutua y comienzan a conspirar contra Fujiwara.

Temas

The Handmaiden explora una serie de temas, entre ellos:

  • Sexualidad: La película es una celebración de la sexualidad y el deseo femeninos. La relación entre Sook-hee y Hideko es apasionada e intensa, y la película desafía las nociones tradicionales de género y sexualidad.
  • Poder y control: La película también explora los temas del poder y el control. Kouzuki intenta controlar a Hideko a través de su riqueza y su estado mental. Sin embargo, Sook-hee y Hideko acaban tomando las riendas de sus propias vidas y destinos.
  • La identidad: La película también explora el tema de la identidad. Sook-hee y Hideko se ven obligadas a asumir diferentes identidades para sobrevivir. Sin embargo, al final llegan a un acuerdo con su verdadero yo y encuentran su propia voz.

Recepción

The Handmaiden fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por sus interpretaciones, dirección, guión y fotografía. La película también fue nominada a varios premios, incluida la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2016.

Conclusión

The Handmaiden es una película compleja y visualmente impactante que explora temas oscuros y desafiantes. La película no es para todo el mundo, pero es una experiencia gratificante para los espectadores que estén dispuestos a comprometerse con sus ideas y su inquebrantable retrato de la naturaleza humana.

Más información

  • La película destaca por sus escenas eróticas, tan explícitas como bellas.
  • La fotografía de la película es impresionante, y Park Chan-wook utiliza diversas técnicas visuales para crear una sensación de atmósfera y suspense.
  • Todas las interpretaciones de la película son excelentes, pero destacan las de Kim Min-hee y Kim Tae-ri como Hideko y Sook-hee, respectivamente.

Una cura de bienestar (2016)

Es una película que sigue la tradición de los dioses de una manera original película de asilo, filmada en 2016 dirigida por Verbinski Montañas. La película sigue la historia de un hombre llamado Lockhart, interpretado por Dane DeHaan, que es enviado a una remota clínica de bienestar en Suiza para recuperar al director general de su empresa.

Una vez allí, Lockhart descubre que la clínica es extraña e inquietante, y que sus pacientes están atrapados allí contra su voluntad. Con la ayuda de una joven enfermera, interpretada por Mia Goth, Lockhart comienza a investigar la clínica y a su misterioso fundador, que parece tener la capacidad de curar las enfermedades más graves.

La película recibió críticas dispares: algunos la alabaron por su inquietante atmósfera y su enrevesada narración, mientras que otros la criticaron por su falta de coherencia y su confusa conclusión. A pesar de ello, «La cura del bienestar» se considera una película de culto entre los aficionados al género de terror/thriller y sigue teniendo seguidores entregados.

A Cure for Wellness se rodó en un centro médico real de la Primera Guerra Mundial en el que podría haber estado ingresado el mismísimo Hitler. Un thriller psicológico ambientado principalmente en un remoto balneario de los Alpes que tiene todas las características visuales de un manicomio de la época de la tuberculosis.

¡Madre! (2017)

Madre! es una película de terror psicológico de 2017 escrita y dirigida por Darren Aronofsky, protagonizada por Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Brian Gleeson y Kristen Wiig. Sigue a una joven cuya tranquila vida con su marido en su casa de campo se ve alterada por la llegada de una misteriosa pareja.

La película se ha interpretado de muchas maneras diferentes, pero algunas de las interpretaciones más comunes son:

  • Una metáfora del proceso creativo: La película puede considerarse una metáfora del proceso de creación artística, en la que la madre representa al artista y la pareja al público. La película explora los temas de la inspiración, la creatividad y el poder destructivo del arte.
  • Una alegoría de la relación entre Dios y la humanidad: La película también puede verse como una alegoría de la relación entre Dios y la humanidad, en la que la Madre representa a la Madre Tierra y la pareja a la humanidad. La película explora los temas de la creación, la destrucción y la relación entre lo divino y lo humano.
  • Un análisis de la violencia y el abuso: La película también puede verse como un análisis de la violencia y el abuso, en el que Madre representa a una víctima de abusos. La película explora los temas del trauma, el poder y el ciclo de la violencia.

La película fue un éxito comercial, recaudando más de 44 millones de dólares en todo el mundo. También fue nominada a varios premios, entre ellos el León de Oro del Festival de Venecia y el León de Plata – Gran Premio del Jurado.

He aquí un resumen más detallado del argumento de la película:

Parcela

La película comienza con una joven llamada Madre (Lawrence) que vive en una casa aislada con su marido, un poeta de éxito llamado Him (Bardem). Su vida es idílica y su madre se dedica a cuidar de la casa y de él.

Un día, un misterioso desconocido (Él) llega a la puerta. Se presenta como admirador de Him y le pregunta si puede quedarse un rato. Él accede, y el hombre empieza a frecuentar la casa.

Pronto, el hombre trae a su mujer (Her) y a sus dos hijos. La presencia de estos nuevos invitados empieza a tensar a Madre. La casa está invadida por el caos, y Madre se siente cada vez más abandonada y oprimida.

La situación empeora aún más cuando el hombre empieza a comportarse de forma violenta. La madre se ve obligada a defenderse y la casa se convierte en un lugar de violencia y destrucción.

Recepción crítica

La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 44 millones de dólares en todo el mundo. También fue nominada a varios premios, entre ellos el León de Oro del Festival de Venecia y el León de Plata – Gran Premio del Jurado.

Suspiria (2018)

Más de cuarenta años después de su estreno, el clásico del cine de terror italiano de Dario Argento tiene un remake, dirigido por Luca Guadagnino.

Suspiria (2018) es una película de terror sobrenatural dirigida por Luca Guadagnino y escrita por David Kajganich. Es un remake de la película italiana de 1977 del mismo nombre de Dario Argento.

Parcela

Susie Bannion es una joven bailarina estadounidense que llega a Berlín para asistir a la prestigiosa escuela de danza Markos Tanztheater. Desde su audición, Susie demuestra ser una bailarina talentosa y decidida, tanto que atrae la atención de Madame Blanc, la coreógrafa de la escuela.

Pronto, Susie empieza a sospechar que la escuela oculta un terrible secreto. Una serie de misteriosos asesinatos comienza a sacudir la escuela, y Susie descubre que Markos Tanztheater es en realidad un aquelarre de brujas que intentan resucitar a su líder, Helena Markos.

Estilo

Suspiria es una película muy estilizada, con una cinematografía desaturada y una banda sonora ambiental. Guadagnino crea una atmósfera inquietante y opresiva, que se refleja en la historia y los personajes.

Recepción

Suspiria recibió elogios generalizados de la crítica por su dirección, fotografía, interpretación y banda sonora. La película fue nominada a dos premios de la Academia, a la mejor fotografía y al mejor maquillaje y peluquería.

Conclusión

Suspiria es una película de terror compleja y ambiciosa que ofrece mucho que ver y sobre lo que pensar. Es una película que permanecerá en la memoria del público mucho tiempo después de haberla visto.

Más información

La película está ambientada en Berlín en 1977, durante la Guerra Fría. El clima político y social de la época se refleja en la película, en la que el aquelarre de brujas representa una fuerza oscura y opresiva que amenaza con socavar la estabilidad de la ciudad.

La banda sonora de la película, compuesta por Thom Yorke de Radiohead, también es notable. Es una partitura inquietante y atmosférica que complementa a la perfección los efectos visuales de la película.

Entre las películas de miedo más esperadas de 2018 se encuentra una cinta que transforma el filme original de Dario Argento en algo completamente diferente, con un riguroso lenguaje de dirección que la convierte en mucho más que terror sobrenatural: una extraordinaria película de autor.

Un lugar tranquilo (2018)

Un lugar tranquilo es una película estadounidense de terror postapocalíptico de 2018 escrita y dirigida por John Krasinski, que protagoniza el filme junto a su esposa Emily Blunt. La película sigue a una familia de cuatro miembros que debe vivir en silencio mientras se esconde de criaturas ciegas que cazan por el sonido.

Parcela

La familia Abbott -Lee (Krasinski), Evelyn (Blunt), Regan (Millicent Simmonds) y Marcus (Noah Jupe)- vive en una granja aislada en un mundo postapocalíptico donde criaturas ciegas pero sensibles al ruido cazan a los humanos. La familia se comunica en lenguaje de signos para no hacer ruido y ha desarrollado una serie de normas que les ayudan a sobrevivir, como caminar por senderos de arena para no dejar huellas y utilizar el fuego sólo por la noche.

Un día, Evelyn da a luz a un niño y Lee se sacrifica para salvar a la familia de las criaturas. Evelyn y los niños deben encontrar la forma de sobrevivir por su cuenta, y Regan acaba descubriendo que las criaturas son vulnerables a los ruidos de alta frecuencia. Utiliza su audífono para amplificar el sonido de su implante coclear, que mata a las criaturas.

La familia acaba abandonando la granja en busca de un lugar más seguro donde vivir.

Recepción crítica

Un lugar tranquilo fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 340 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de 17 millones. La película fue elogiada por su atmósfera de suspense, sus interpretaciones (especialmente la de Simmonds) y su diseño de sonido. Fue nominada a varios premios, entre ellos el Globo de Oro a la mejor película dramática y el Oscar al mejor montaje de sonido.

Temas

Un lugar tranquilo explora una serie de temas, entre ellos:

  • Supervivencia: En última instancia, la película es una historia de supervivencia, tanto física como emocional. La familia Abbott debe encontrar la manera de sobrevivir en un mundo peligroso, y también debe hacer frente a la pérdida de sus seres queridos.
  • La comunicación: La película también explora la importancia de la comunicación. La familia Abbott debe comunicarse entre sí para sobrevivir, y también debe aprender a comunicarse con el mundo exterior.
  • La familia: La película es una celebración de la familia. La familia Abbott es una unidad muy unida y están dispuestos a sacrificarlo todo los unos por los otros.

Hereditary (2018)

Hereditary (2018) es una película de terror sobrenatural escrita y dirigida por Ari Aster en su debut como director. Está protagonizada por Toni Collette, Alex Wolff, Milly Shapiro y Gabriel Byrne.

La película sigue a la familia Graham, acechada por una misteriosa presencia tras la muerte de su abuela, Ellen. Annie Graham (Collette) es una artista de miniaturas que aún llora la pérdida de su madre cuando empieza a experimentar extraños sucesos en su casa. Su hijo, Peter (Wolff), es un adolescente problemático que lucha por superar la muerte de su abuela. Su hija, Charlie (Shapiro), es una joven con un inquietante secreto.

A medida que la vida de los Graham se descontrola, se ven obligados a enfrentarse a los oscuros secretos de su historia familiar y a las fuerzas siniestras que amenazan con consumirlos.

Temas

Hereditary explora una serie de temas, entre ellos:

  • Duelo y pérdida
  • Trauma hereditario
  • La naturaleza del mal
  • Lo oculto

Estilo

Hereditary es una película de terror de acción lenta que se basa en la atmósfera y el suspense para crear tensión. Aster utiliza diversas técnicas cinematográficas, como movimientos de cámara amplios y primeros planos, para crear una sensación de inquietud y terror. La banda sonora de la película, a cargo de Colin Stetson, también es muy eficaz a la hora de crear una atmósfera inquietante y perturbadora.

Recepción

Hereditary recibió elogios de la crítica por su dirección, fotografía, interpretación y guión. También fue un éxito comercial, recaudando más de 79 millones de dólares en todo el mundo.

Conclusión

Hereditary es una película de terror compleja e inquietante que ofrece mucho que ver y sobre lo que pensar. Es una película que permanecerá en la memoria del público mucho tiempo después de haberla visto.

Más información

El título de la película hace referencia al concepto de rasgos heredados, tanto físicos como psicológicos. Los Graham son perseguidos por los oscuros secretos de su historia familiar, y estos secretos tienen un profundo impacto en sus vidas.

Midsommar (2019)

Midsommar (2019) es una película de terror psicológico dirigida por Ari Aster y protagonizada por Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, Vilhelm Blomgren y William Jackson Harper. La película sigue la historia de Dani Ardor, una joven que atraviesa un momento difícil tras la muerte de su familia. Su novio, Christian, la invita a unirse a él y a sus amigos en un viaje a Suecia para asistir a la fiesta pagana de Midsommar.

A su llegada a Suecia, Dani y el grupo de amigos son recibidos por la comunidad local, que parece hospitalaria y amistosa. Sin embargo, Dani pronto empieza a sospechar que algo no es lo que parece. La comunidad celebra rituales paganos que se vuelven cada vez más inquietantes, y Dani se encuentra a sí misma llegando a un acuerdo con su pasado y su relación con Christian.

Personajes

  • Dani Ardor (Florence Pugh): una joven que atraviesa un momento difícil tras la muerte de su familia.
  • Christian (Jack Reynor): El novio de Dani.
  • Josh (Will Poulter): El mejor amigo de Christian.
  • Pelle (Vilhelm Blomgren): un amigo de Christian que pertenece a la comunidad sueca.
  • Mark (William Jackson Harper): amigo de Christian.
  • Connie (Ellora Torchia): La novia de Mark.

Temas

Midsommar explora una serie de temas, entre ellos:

  • Pérdida y duelo
  • La relación entre amor y control
  • La naturaleza de la locura

Estilo

Midsommar es una película visualmente impresionante, con una fotografía exuberante y una banda sonora inquietante. Aster crea una atmósfera opresiva e inquietante que se refleja en la historia y los personajes.

Recepción

Midsommar recibió el aplauso generalizado de la crítica, que elogió su dirección, fotografía, interpretación y guión. La película fue un éxito comercial, recaudando más de 40 millones de dólares en todo el mundo.

Saint Maud (2019)

Saint Maud es una película británica de terror psicológico de 2019 escrita y dirigida por Rose Glass en su debut como directora de largometrajes. Está protagonizada por Morfydd Clark en el papel de Maud, una devota enfermera católica que se obsesiona con salvar el alma de su paciente moribunda, Amanda (Jennifer Ehle).

La película comienza con Maud practicando la reanimación cardiopulmonar a un paciente que muere en su presencia. La experiencia la traumatiza profundamente y refuerza su convicción de que su misión en la vida es salvar almas.

Maud es contratada entonces para cuidar de Amanda, una bailarina rica y reclusa que se está muriendo de un cáncer terminal. Amanda es una figura compleja y contradictoria. Es a la vez profundamente religiosa y profundamente hedonista. También se siente profundamente sola y aislada.

Al principio, Maud se siente atraída por la vulnerabilidad de Amanda, pero pronto se obsesiona con ella. Empieza a creer que ha sido elegida por Dios para salvar el alma de Amanda.

Saint Maud es una película de atmósfera oscura e inquietante que explora temas como la fe, la obsesión y la locura. Se trata de una poderosa e inolvidable ópera prima de Rose Glass.

La película ha sido elogiada por la crítica por sus interpretaciones, en particular la de Clark como Maud, su dirección y su atmósfera única e inquietante. Ha sido nominada a varios premios, entre ellos el British Independent Film Award a la mejor película.

Boda 93 (2021)

Boda 93 (2021) es un documental-ficción camboyano dirigido por Davy Chou. Cuenta la historia de una joven llamada Rah que se ve obligada a contraer un matrimonio concertado en 1993, dos años después del fin del régimen de los Jemeres Rojos.

La película comienza el día de la boda de Rah. Vestida con un traje de novia tradicional camboyano, se sienta tranquilamente en el escenario mientras llegan el novio y su familia. Rah es reacia al matrimonio, pero se siente presionada por su familia y su comunidad.

Tras la boda, Rah y su nuevo marido se mudan a la casa de él. Rah es infeliz en su nuevo matrimonio y empieza a tener extrañas visiones y alucinaciones. También la atormenta el recuerdo de su primer amor, asesinado durante el régimen de los Jemeres Rojos.

Boda 93 es una película impactante e inquietante que explora los temas del trauma, el duelo y la posesión. También es una película sobre la resistencia del espíritu humano. Rah es una figura compleja y trágica, pero también es una superviviente.

La película ha sido elogiada por su estilo cinematográfico único y su mirada inquebrantable a un oscuro capítulo de la historia de Camboya. Ha ganado varios premios, entre ellos el de mejor documental en el Festival de Cine de Tribeca.

Boda 93 es una película que te acompañará mucho tiempo después de haberla visto. Es una película desafiante y gratificante a la vez.

Detalles adicionales:

  • La película se rodó en Camboya, con una combinación de imágenes documentales y escenas de ficción.
  • La protagonista de la película, Rah, está interpretada por una camboyana real llamada Rah.
  • La película se realizó en colaboración con la familia de Rah.

Análisis:

Boda 93 es una película que explora el trauma psicológico y sus consecuencias. Rah es una joven que ha sufrido un trauma importante en su vida, la muerte de su primer amor durante el régimen de los Jemeres Rojos. Este trauma la lleva a desarrollar síntomas de trastorno de estrés postraumático (TEPT), que incluyen pesadillas, flashbacks y alucinaciones.

El matrimonio concertado de Rah es un factor adicional que contribuye a su trauma. Rah no quiere casarse con el hombre que han elegido para ella, pero se siente obligada por su familia y su comunidad. Este conflicto interno la lleva a sentirse aún más alienada y sola.

Háblame (2022)

Talk to Me es una película australiana de terror sobrenatural dirigida por Danny y Michael Philippou. Está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Miranda Otto, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson y Alexandria Steffensen.

La película sigue a un grupo de adolescentes que descubren que pueden contactar con espíritus utilizando una misteriosa mano embalsamada. Al principio, utilizan la mano como un juego de fiesta, pero cuando uno de ellos va demasiado lejos, desatan terroríficas fuerzas sobrenaturales.

La película se estrenó en Australia el 27 de julio de 2023 y se estrenará en Estados Unidos el 13 de octubre de 2023. Ha recibido críticas dispares: algunos alaban su atmósfera y sus sustos, mientras que otros critican su trama y sus personajes.

En general, Hable conmigo (2022) es una película de terror de suspense y atmósfera con algunos sustos efectivos. Sin embargo, no está exenta de defectos, y algunos críticos critican su trama y sus personajes.

He aquí algunos detalles adicionales sobre la película:

  • La película se rodó en Sydney, Australia.
  • La mano embalsamada fue creada por artistas de efectos especiales.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por el grupo australiano The Jezabels.

Cientos de películas y documentales seleccionados sin límites

Nuevas películas cada semana. Véalo en cualquier dispositivo, sin anuncios. Cancele en cualquier momento.