El cine japonés es una de las industrias culturales más importantes; es el cuarto mercado por número de películas producidas. Tokyo Story (1953) ocupa el tercer lugar entre las películas más importantes de todos los tiempos. El mayor estudio cinematográfico japonés se llama Toho. El Premio Anual de Cine de la Academia Japonesa, organizado por la Academia Nippon, se considera el equivalente japonés de los Premios de la Academia.
Historia del cine japonés
La historia del cine japonés comienza con el kinetoscopio, comercializado por Thomas Edison en Estados Unidos en 1894. Llegó a Japón en noviembre de 1896. Los camarógrafos de Lumière fueron los primeros en rodar películas en Japón. La primera película japonesa se rodó a finales de 1897 en Tokio. En 1898 se hicieron algunos cortos de fantasmas. Tsunekichi Shibata realizó una serie de películas con 2 famosas estrellas interpretando una escena de una popular comedia kabuki.
Cuando nacieron los cines en Japón, existían los benshi, escritores que se sentaban junto a la pantalla y narraban con palabras las imágenes mudas en movimiento. Los Benshi podrían ir acompañados de música, como las películas míticas de los cines occidentales. En 1908, Shōzō Makino, el director pionero del cine japonés, comenzó su importante profesión con Honnōji gassen, producida para Yokota Shōkai.
Onoe se convirtió en la primera estrella del cine japonés, apareciendo en más de 1.000 películas, principalmente cortometrajes, entre 1909 y 1926. El primer estudio japonés de producción cinematográfica fue creado en 1909 por la empresa Yoshizawa Shōten en Tokio. Muchos de los primeros críticos de cine emitieron juicios negativos sobre el trabajo de estudios como Nikkatsu y Tenkatsu, juzgando sus películas demasiado teatrales. no utilizar lo que se consideraban métodos más cinematográficos para contar historias, confiando más bien en los benshi.
Películas japonesas de los años veinte
Las películas japonesas tuvieron más éxito en Japón a mediados de la década de 1920 que las extranjeras, en parte impulsadas por el atractivo de las estrellas de cine. Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino han realizado películas de samuráis como Diario de viaje de Chuji y Roningai, que incluían antihéroes provocadores en escenas de batallas trepidantes que fueron tanto éxitos industriales como seriamente notorios. Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie y Utaemon Ichikawa, se han sentido motivadas por Makino Film Productions y han formado su propia producción independiente en empresas de las que directores como Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami y Sadao Yamanaka han desarrollado sus habilidades.
Con el auge de los movimientos políticos y los sindicatos de izquierdas a finales de los años veinte, surgió el llamado cine de izquierdas. En contraste con los productos comerciales. La Liga de Cine Proletario Marxista de Japón (Prokino) realizó obras en tamaños más pequeños (como 9,5 mm y 16 mm), con una intención más extrema. En la década de 1930, las películas de propaganda izquierdista sufrieron una severa censura, y los miembros de Prokino fueron encarcelados y el movimiento aplastado.
Una variante posterior de La hija del capitán fue una de las primeras películas sonoras. Utilizaba el sistema Mina Talkie. El mercado cinematográfico japonés se dividió en 2 grupos; uno mantuvo el sistema Mina Talkie, mientras que el otro utilizó el sistema Eastphone Talkie con el que se hicieron las películas de Tojo Masaki. El terremoto de 1923, la Batalla de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y los resultados naturales del clima y la humedad de Japón sobre las inestables y combustibles películas de nitrato provocaron una terrible falta de películas duraderas de este periodo.
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Películas japonesas de los años 30
A diferencia de Occidente, en Japón se siguió produciendo cine mudo hasta la década de 1930; en 1938, un tercio de las películas japonesas eran mudas. Una posada en Tokio por Yasujirō Ozu (1935), precursora del neorrealismo, era una película muda, y fue una de las primeras películas japonesas que llegaron a los cines de Estados Unidos; Las hermanas de Gion (Gion no shimai, 1936), de Kenji Mizoguchi; Elegía de Osaka (1936); y La historia de los últimos crisantemos (1939); y La humanidad y los globos de papel, de Sadao Yamanaka (1937).
La crítica cinematográfica ha compartido este vigor, y muchas revistas de cine, como Kinema Junpo, y periódicos han publicado conversaciones en profundidad. Predominaba una crítica «impresionista» culta, perseguida por críticos como Tadashi Iijima, Fuyuhiko Kitagawa y Matsuo Kishi, pero a la que se oponían críticos de izquierdas como Akira Iwasaki y Genjū Sasa, que buscaban una revisión ideológica de las películas.
La década de 1930 fue testigo de una mayor participación del gobierno federal en el cine, que asumió una mayor autoridad en el mercado cinematográfico, en 1939. El gobierno motivó ciertos tipos de cine, produciendo películas de propaganda y promoviendo documentales, películas culturales, realizadas por directores como Fumio Kamei. Teóricos del cine como Taihei Imamura y Heiichi Sugiyama promovieron el documental y el drama realista, mientras que directores como Hiroshi Shimizu y Tomotaka Tasaka produjeron películas de ficción.
Películas japonesas de los años 40
Desde la Segunda Guerra Mundial y la crisis económica, el desempleo se ha impuesto en Japón y el mercado cinematográfico se ha resentido. Durante este periodo, en el que Japón estaba expandiendo su imperio, el gobierno federal japonés vio en el cine una herramienta de propaganda para revelar el esplendor y la invencibilidad del Imperio de Japón. Por ello, muchas películas de este periodo retratan estilos militaristas y patrióticos.
En 1942, la película de Kajiro Yamamoto Guerra en el mar de Hawai a Malasia representó el ataque a Pearl Harbor; la película utilizó unos resultados únicos dirigidos por Eiji Tsuburaya, consistentes en un diseño en miniatura del propio Pearl Harbor. Akira Kurosawarealizó su primera película de acción con Sugata Sanshiro en 1943.
La primera película estrenada tras la guerra fue Soyokaze , de Yasushi Sasaki, de 1945. En la lista de restricciones a la producción de la CIE David Condein 1945, el nacionalismo, la masacre, el patriotismo y el suicidio, las películas violentas y despiadadas, etc., acabaron siendo productos prohibidos, lo que dificultó sustancialmente la producción de dramas históricos. Como resultado, las estrellas que realmente utilizaban el drama histórico se han pasado al drama moderno: Chiezō Kataoka «Bannai Tarao» (1946), Tsumasaburō Bandō «Torn Drum (1949), Hiroshi Inagaki» El niño de la mano y » Rey) de Daisuke Itō.
La duración tras la ocupación estadounidense provocó un aumento de la variedad en la circulación cinematográfica gracias a la mayor producción y atractivo de los estudios de cine de Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu y Toei. los 4 excelentes artistas del cine japonés: Masaki Kobayashi, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y Yasujirō Ozu. Las primeras colaboraciones entre Akira Kurosawa y la estrella Toshiro Mifune fueron Drunken Angel en 1948 y Stray Dog en 1949. Yasujirō Ozu dirigió la exitosa Primavera tardía en 1949.
Películas japonesas de los años 50
Los años 50 comienzan con la película de culto de Akira Kurosawa Rashomon (1950), León de Oro en el Festival de Venecia en 1951 y Oscar a la mejor película extraña fui en 1952, y marcan la entrada del cine japonés en la escena mundial. También aparece la famosa estrella Toshiro Mifune. En 1953, Entotsu no mieru basho, de Heinosuke Gosho, entró en competición en el III Festival Internacional de Cine de Berlín.
La década de 1950 suele considerarse la edad de oro del cine japonés. 3 películas japonesas de estos años (Rashomon, Seven Samurai y Tokyo Story) aparecieron en las 10 primeras encuestas de críticos y directores de Sight & Sound sobre las mejores películas de todos los tiempos en 2002. También aparecen en las encuestas de 2012, con Tokyo Story ( 1953) que supera a Ciudadano Kane en lo más alto de la clasificación.
Se empezaron a producir películas de guerra. «Escucha las voces del mar» de Hideo Sekigawa (1950), «Himeyuri no Tô – Torre de los lirios» de Tadashi Imai (1953), «Veinticuatro ojos» de Keisuke Kinoshita (1954), » » El arpa birmana «de Kon Ichikawa (1956), y otras obras destinadas a la terrible experiencia de la guerra, una tras otra, acabaron teniendo un gran impacto social. Otras películas nostálgicas como Battleship Yamato (1953) y Eagle of the Pacific (1953) se produjeron de la misma manera masiva.
Rentaro Mikuni, estrella del cine japonés, ha aparecido en más de 150 películas desde que se lanzó a la gran pantalla en 1951, y ha ganado 3 premios de la Academia al Mejor Actor y más de 7 nominaciones. La primera película japonesa en color fue Carmen vuelve a casa, dirigida por Keisuke Kinoshita y estrenada en 1951. Gate of Hell, una película de culto de 1953 dirigida por Teinosuke Kinugasa, fue la primera en utilizar película Eastmancolor.
En 1952, durante la posguerra, cuando el dolor de la guerra aún era fuerte, Kaneto Shindō realizó una película de culto del cine japonés, llena de atmósferas oscuras y realistas. Esto es Niños de Hiroshima. Takako Ishikawa es profesora en la costa de Hiroshima y lleva 4 años sin volver a su ciudad, golpeada por la bomba atómica. Su viaje a Hiroshima se convierte en un viaje a su patria destruida, en busca de viejos amigos supervivientes.
Teinosuke Kinugasa ha realizado obras maestras vanguardistas del cine mudo japonés años atrás, como Una página de locura. La Puerta del Infierno fue la primera película en color y la primera película japonesa en ser dist premiada fuera de Japón, obteniendo un Oscar en 1954 al Mejor Vestuario Sanzo Wada y un Premio Honorífico a la Mejor Película de Habla no Inglesa. Además, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, siendo la primera película japonesa en obtener este galardón.
En 1954, otra película de Kurosawa, Ikiru, compitió en el IV Festival Internacional de Cine de Berlín. El protagonista, Watanabe (Takashi Shimura), trabaja como contable en una oficina de Tokio. Descubre que tiene cáncer de estómago con metástasis en el hígado. Tras el diagnóstico, Watanabe decide abandonar su vida de satisfacción mediocre y centrarse en vivir sus últimos días con dignidad y sentido.
En 1955, Hiroshi Inagaki ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por la primera parte de su trilogía Samurai, y en 1958 obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia por Rickshaw Man. Kon Ichikawa dirigió 2 dramas antibelicistas: El arpa birmana (1956), que fue elegida mejor película de habla no inglesa en los premios de la Academia, y Fires On The Plain (1959), junto con Enjo (1958).
Mizoguchi ganó el Oso de Plata en el Festival de Venecia por Ugetsu. Las películas de Mizoguchi tratan principalmente de los desastres causados a las mujeres por la sociedad japonesa. Ugetsu narra la historia de un samurái que abandona a su familia en busca de riqueza y es seducido por una mujer de una antigua familia noble, descuida a su esposa y cae presa de la codicia y el poder. Ugetsu es una palabra japonesa que significa «ilusión» o «imagen engañosa».
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Godzilla
Modificado para su estreno en Occidente, Godzilla acabó convirtiéndose en un icono mundial de Japón y engendró todo un subgénero de películas de kaiju, así como la franquicia cinematográfica más longeva. de la historia. Godzilla es un monstruo japonés conocido por su poder destructivo. El nombre de Godzilla procede de las palabras japonesas «gojira», que se traducen por «ballena» y «gorila». Godzilla es un monstruo gigante que apareció por primera vez en la película de 1954 que emite potentes emisiones radiactivas y tiene la capacidad de emitir aliento atómico por la boca. La primera película de Godzilla se creó como táctica para asustar a la gente que vivía cerca de la zona de pruebas nucleares de los comunistas franceses en el Océano Pacífico. Este monstruo gigante se hizo popular entre el público japonés y pronto apareció en 28 películas japonesas producidas entre 1954 y 1975.
Películas japonesas de los años 60
Toshiro Mifune estuvo en el centro de muchas de las películas de Kurosawa. El número de películas producidas alcanzó su máximo en los años sesenta. Yasujirō Ozu rodó su última película, Una tarde de otoño, en 1962. Mikio Naruse dirigió When a Woman Climb the Stairs en 1960; su última película fue Scattered Clouds en 1967.
Kon Ichikawa relató los momentos decisivos de los Juegos Olímpicos de 1964 en su documental de tres horas Tokyo Olympiad (1965). El director Seijun Suzuki fue despedido de la productora Nikkatsu por «hacer películas sin sentido y que no dan dinero» tras su película surrealista del hampa yakuza Branded to Kill (1967).
La década de 1960 fue el apogeo del movimiento de la Nueva Ola Japonesa, que comenzó en los años cincuenta y continuó hasta principios de los setenta. Cruel historia de juventud, noche y niebla en Japón y Muerte por ahorcamiento de Oshima, junto con Onibaba de Kaneto Shindo, Kanojo to kare de Hani y La mujer insecto de Imamura, acabaron siendo algunos de los ejemplos más conocidos del cine japonés de la Nouvelle Vague. .
El documental ha desempeñado una función esencial en la Nouvelle Vague, ya que directores como Hani, Kazuo Kuroki, Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara han pasado del documental a la ficción, mientras que directores como Oshima e Imamura también han realizado documentales.
Teshigahara ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes por La mujer en las dunas (1964) y fue elegida para el Oscar al Mejor Director y a la Mejor Película Extranjera. Masaki Kobayashi con Kwaidan (1965) también fue seleccionado para el premio especial del jurado del Festival de Cannes.
Películas japonesas de los años 70
La industria cinematográfica ha hecho películas de muchos tipos, como las de Kadokawa Pictures, de mayor presupuesto, o con material violento o explícitamente sexual y con un lenguaje que no podía programarse en televisión. El resultado fue que el mercado del cine rosa acabó siendo el trampolín de numerosos jóvenes directores independientes.
Toshiya Fujita realizó la película de venganza Lady Snowblood en 1973. Ese mismo año, Yoshishige Yoshida rodó la película Golpe de Estado, un retrato de Kita Ikki, el líder del Estado golpista japonés de 1936. La película tuvo una gran acogida crítica en Japón.
Kinji Fukasaku finalizó la impresionante serie de yakuzas Batallas sin honor ni humanidad. Yoji Yamada presentó la serie comercial Tora-San y dirigió también otras películas, como la popular El pañuelo amarillo, que ganó el primer Premio de la Academia Japonesa a la Mejor Película en 1978.
Películas japonesas de los años 80
La industria cinematográfica japonesa tuvo éxito en los años 80. La década fue testigo de muchas películas de acción de alto presupuesto que se hicieron populares entre el público de todo el mundo. Varios directores japoneses se han hecho famosos por su trabajo. Uno de ellos fue Kinji Fukasaku, director de Battle Royale y Battle Royale II: Requiem, dos divertidísimas y absolutamente atractivas películas de estilo manga sobre la batalla por la supervivencia. Otra fue Nagisa Oshima, que dirigió Feliz Navidad, Mr. Lawrence y En el reino de los sentidos. Oshima era conocido por utilizar sus películas para criticar la sociedad, la política y la cultura. Pasó seis años como ayudante de dirección en los estudios Shochiku, trabajando con directores como Yasujiro Ozu y Mikio Naruse.
Películas japonesas de los años 90
Las películas japonesas de los 90 introdujeron nuevos conceptos en el mundo, como el anime y el manga. El anime se ha hecho popular en Occidente y atrae a un amplio sector demográfico. En el cine japonés de los años 90 aumentaron el gasto público y sectores emergentes como los juegos de ordenador y la animación. Estos dos movimientos han hecho que las películas se centren más que antes en el género de la ciencia ficción y la fantasía.
Durante el mismo periodo, el cine japonés también experimentó un resurgimiento de nuevos géneros y estilos. El público recibió un soplo de aire fresco cuando se estrenaron nuevas películas que no eran meras repeticiones de películas de Hollywood. Ahora el público tenía que estar preparado para ver películas que combinaran el terror con la comedia, el drama familiar con la ciencia ficción.
Liderada por directores como Takashi Miike, Hideo Nakata y Kiyoshi Kurosawa, la década de 1990 vio un aumento en la cantidad de películas de terror asiáticas. En la década de 1990 también aumentó el número de directores japoneses independientes que asumían riesgos con sus películas. Kiyoshi Kurosawa: Kurosawa es conocido por su humor negro y su estilo tanto en la dirección como en la escritura. Masayuki Suo: Suo es conocido por su estilo narrativo, que a menudo se refleja en los recuerdos de la infancia de la gente. Tetsuya Nakashima: Nakashima es conocido por su narrativa de suspense, en la que a menudo intervienen niños.
Películas japonesas de la década de 2000
En los últimos años, se ha producido un renacimiento del cine japonés liderado por Hayao Miyazaki, considerado uno de los directores más exitosos de la historia. El número de películas realizadas en Japón ha aumentado desde el año 2000 y esta tendencia parece continuar incluso hoy en día, con directores famosos como Naomi Kawase e Hirokazu Koreeda premiados en festivales como Cannes o el Festival de Venecia, respectivamente.
Un ejemplo reciente de la implicación de Hollywood en Japón es «The Wolverine», rodada en Tokio y protagonizada por Hugh Jackman. Desde el estreno de «The Wolverine» en 2013, Hollywood no ha dejado de aumentar sus inversiones en Japón. Esto incluye las películas rodadas en Tokio, que apoyan a actores o actrices japoneses y colaboran con estudios japoneses.
Directores japoneses
Además de los grandes maestros del cine japonés ya mencionados, como Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa o Kenji Mizoguchi, hay muchos directores japoneses que han contribuido a engrandecer la historia del cine de su país. Algunos nombres: Hayao Miyazaki, Takashi Miike, Nagisa Oshima, Kaneto Shindo, Kinji Fukasaku, Masaki Kobayashi, Shiro Honda, Shinya Sukamoto . Algunos de los directores japoneses contemporáneos más famosos que siguen en activo son Takeshi Kitano, Hayao Miyazaki, Hirokazu Kore-eda, Takashi shimizu, Kiyoshi Kurosawa, Hideo Nakata.
Películas japonesas para ver
Una lista de películas japonesas que han marcado la historia del cine. Obras maestras inmortales e intemporales. Desde los clásicos de Ozu y Mizoguchi hasta perlas ocultas y raras de las que probablemente nunca haya oído hablar.
Almas en el camino (1921)
Almas en el camino (en japonés: 路上の霊魂, Rojō no Reikon) es una película muda de 1921 dirigida por Minoru Murata. Está considerada una de las películas más importantes de la historia del cine japonés y ha influido notablemente en el cine mundial.
La película está basada en la obra teatral The Lower Depths, de Maxim Gorky, y cuenta la historia de un grupo de personas que se encuentran viviendo en un tugurio de Tokio. Todos los personajes son marginados, y la película explora los temas de la pobreza, la desesperación y la lucha por la supervivencia.
Almas en la carretera es una película descarnada y realista, que no ahorra al espectador las duras realidades de la vida. Sin embargo, también es una película poética y conmovedora, que ofrece una fascinante visión de la vida en Tokio a principios del siglo XX.
La película fue dirigida por Minoru Murata, uno de los pioneros del cine japonés. Murata fue un director muy influyente, y su estilo influyó en muchos otros directores, entre ellos Akira Kurosawa.
Almas en la carretera es una película importante e influyente que desempeñó un papel significativo en la historia del cine japonés. La película sigue siendo hoy una obra de arte fascinante y conmovedora, que merece la pena ver.
Orochi (1925)
Orochi (雄呂血) es una película muda japonesa de 1925 dirigida por Buntarō Futagawa y protagonizada por Tsumasaburō Bandō. Considerada una de las mejores películas mudas de la historia, sigue siendo muy apreciada por los cinéfilos.
La trama de la película está ambientada en el periodo Edo y cuenta la historia de un joven samurái llamado Gennosuke (Tsumasaburō Bandō). Gennosuke es un hábil espadachín, pero también es impulsivo y se irrita con facilidad. Le acusan de un delito que no ha cometido y se ve obligado a huir de su casa.
Gennosuke se refugia en un pueblo remoto, donde conoce a una mujer llamada Otane (Misao Seki). Otane es una mujer amable y atenta, y se enamora de Gennosuke. Sin embargo, el pasado de Gennosuke le alcanza y se ve obligado a batirse en duelo con un poderoso samurái.
Orochi es una película compleja y polifacética. Es un drama de samuráis, una historia de amor y un thriller político. La película es también una joya visual, con una fotografía impresionante y un diseño de producción impactante.
Orochi es un clásico del cine japonés y sigue considerándose una de las mejores películas mudas de la historia. La película es imprescindible para cualquier persona interesada en el cine japonés o en el arte del cine mudo.
A Page of Madness (1926)
Es una película muda japonesa de 1926 dirigida por Teinosuke Kinugasa. Película independiente perdida durante 45 años hasta que Kinugasa la encontró en su almacén en 1971, es el producto de un grupo experimental de músicos de Japón llamado Escuela de Nuevas Percepciones que intentaron conquistar la representación naturalista. Yasunari Kawabata, que ganaría el Premio Nobel de Literatura en 1968, fue el autor de la historia inicial. Se trata de una obra agónica y viva de fantástico poder psicológico, una de las películas japonesas más duras y extremas jamás vistas. Sus inquietantes escenas, su iluminación y su montaje la convierten en un asombroso viaje a la locura, una reflexión sobre nuestro perturbador y maravilloso subconsciente.
Diario de los viajes de Chuji (1927)
Es una película muda japonesa jidaigeki de 1927 protagonizada por Denjirō Ōkōchi y dirigida por Daisuke Itō. Inicialmente se estrenó en 3 películas, todas las cuales se creían perdidas desde hacía mucho tiempo hasta que fueron descubiertas y recuperadas en 1991. Según una encuesta realizada en 1959, la película fue considerada la mejor película japonesa de la historia. En el momento de su estreno, Itō fue el líder de un nuevo estilo de película de samuráis que incluía héroes criminales, así como escenas de lucha con espada de ritmo muy rápido.
Heroísmo de los fieles difuntos: verdadero testamento de los Chūshingura (1928)
Es una película muda japonesa en blanco y negro de 1928 dirigida por Shozo Makino. Se produjo con motivo de la celebración del 50 cumpleaños de Makino y se basa en el tema intemporal del Chūshingura. Durante la producción de esta película, se produjo un incendio que dañó partes de la película inicial, pero afortunadamente se pudo salvar.
Crossways (1928)
Es una película japonesa muda de 1928 dirigida por Teinosuke Kinugasa. Se cree que fue la primera o una de las primeras películas japonesas que se vieron en Europa. Aunque fue recibida positivamente por los críticos de cine de Berlín y París, el crítico de cine del New York Times dijo que la película «tiene la cualidad de la autenticidad, pero también un ritmo pesado». En los años posteriores, los críticos de cine no han dejado de hablar del impacto del cine expresionista alemán en Crossroads, especialmente de la obra de Fritz Lang.
La espantosa era de Kurama Tengu (1928)
Es una película japonesa muda en blanco y negro de 1928 dirigida por Teppei Yamaguchi. Forma parte de la serie Kurama Tengu e incluye la lucha entre los personajes del título, Kurama Tengu, y su oponente. La última escena, con las luchas a espada de ritmo trepidante, es una de las cosas que han hecho famosa a esta película, sobre todo la gran actuación de los chicos.
Camina con alegría (1930)
«¡Camina alegremente!» es una película japonesa de 1930 dirigida por Yasujirō Ozu. Es una película muda del periodo anterior a la guerra y pertenece al género del cine de gángsters japonés. La trama sigue la historia de un joven gángster, interpretado por Minoru Takada, que se enamora de una joven e intenta cambiar su vida delictiva para labrarse un futuro mejor.
La película es conocida por su estilo de dirección y su enfoque intimista del retrato de los personajes. Como muchas de las obras de Ozu, «¡Caminad alegremente!» reflexiona sobre la sociedad japonesa de su época y la dinámica de las relaciones humanas.
¿Qué le hizo hacerlo? (1930)
¿Qué le hizo hacerlo? (何が彼女をそうさせたか, Nani ga kanojo o sō saseta ka) es una película muda japonesa de 1930 dirigida por Shigeyoshi Suzuki. Fue la película japonesa más taquillera de la era del cine mudo. Notable como ejemplo del género cinematográfico de moda, supuestamente causó disturbios durante su proyección en el distrito de Asakusa de Tokio.
La película cuenta la historia de Sumiko (Keiko Takatsu), una joven que es enviada a vivir con unos parientes que no la quieren. La tratan mal y finalmente la obligan a trabajar como prostituta. Sumiko acaba rebelándose contra su situación e incendia el orfanato donde está recluida.
¿Qué le hizo hacerlo? es una película impactante y controvertida que explora los temas de la injusticia social, la pobreza y la explotación. La película fue recibida con reacciones encontradas tras su estreno, con algunos críticos alabando su comentario social y otros criticando su violencia.
A pesar de su polémica, ¿qué la impulsó a hacerlo? es una película significativa en la cinematografía japonesa. Es uno de los primeros ejemplos del género cinematográfico mainstream y ayudó a allanar el camino para películas con mayor conciencia social en los años venideros.
Coro de Tokio (1931)
«Coro de Tokio» es una película japonesa de 1931 dirigida por Yasujirō Ozu. Está considerada una de las obras maestras del director y una obra importante del cine mudo japonés.
La película cuenta la historia de un joven oficinista llamado Okajima, interpretado por Takeshi Sakamoto, que lucha por mantener a su familia durante la Gran Depresión. Tras ser despedido de la empresa en la que trabajaba por un malentendido, Okajima se enfrenta a diversas dificultades mientras intenta mantener su dignidad y cuidar de su familia.
«Tokyo Chorus» es conocida por su estilo realista y la forma en que aborda temas sociales y familiares. Ozu tiene un estilo característico para retratar la vida cotidiana y los conflictos internos de sus personajes. La película ofrece una visión auténtica de la sociedad japonesa de la época y de los retos a los que se enfrentaban las familias durante la recesión económica.
La película tuvo un impacto significativo en la cinematografía japonesa y contribuyó a consolidar la reputación de Ozu como uno de los más grandes directores de la historia del cine. Si le gusta el cine de autor y el realismo social, «Tokyo Chorus» puede ser una obra interesante para descubrir.
¿Dónde están ahora los sueños de la juventud? (1932)
¿Dónde están los sueños de la juventud? (1932) es una película muda japonesa dirigida por Yasujirō Ozu. La película cuenta la historia de cuatro amigos universitarios que se ven obligados a pedir trabajo a un cuarto, el hijo del presidente de una empresa. La película explora los temas de la amistad, la traición y la pérdida de la inocencia.
La película está ambientada a principios de los años 30, en una época de penuria económica en Japón. Los cuatro amigos proceden de entornos sociales diferentes, pero les une el sueño común de un futuro mejor. Sin embargo, cuando se incorporan al mercado laboral, se enfrentan a las duras realidades de la vida. La película les sigue en su lucha por encontrar trabajo, llegar a fin de mes y mantener sus amistades.
¿Dónde están los sueños de la juventud? es una película bellamente rodada que capta la esencia de la cultura japonesa de principios de los años treinta. La película es también una conmovedora descripción de la pérdida de la inocencia y los retos de la edad adulta.
Nací, pero… (1932)
La película «Yo nací, pero…» es un clásico del cine japonés dirigido por Yasujirō Ozu y estrenado en 1932. Es una comedia dramática que cuenta la historia de dos jóvenes hermanos que chocan con la realidad de la jerarquía social cuando su familia se traslada a una nueva ciudad.
La película explora temas como el crecimiento, los malentendidos entre generaciones y la lucha por la identidad en un mundo que cambia rápidamente. Está considerada una de las obras maestras de Ozu y un importante ejemplo del cine mudo japonés.
Passing Fancy (1933)
«Passing Fancy» es otra película dirigida por Yasujirō Ozu, estrenada en 1933, y forma parte de la trilogía «Juventud y familia» junto con «Yo nací, pero…» y «Otona no miru ehon – Umarete wa mita keredo » (título internacional: «Una historia de malas hierbas flotantes»).
La película cuenta la historia de un padre soltero llamado Kihachi y su relación con su hijo Tomio. La trama se centra en la lucha de Kihachi por conservar su trabajo y en las dificultades que tiene para equilibrar su papel de padre y sus esperanzas de un futuro mejor.
Como muchas películas de Ozu, «Passing Fancy» explora temas familiares, la importancia de las relaciones interpersonales y la búsqueda de la felicidad en las pequeñas alegrías de la vida cotidiana. Ozu es conocido por su estilo realista e intimista, que capta los detalles y la dinámica de las relaciones humanas de forma profunda y significativa. La película se considera otro ejemplo significativo del cine japonés de los años treinta.
Aparte de ti (1933)
Apart from You (1933) es una película japonesa de drama mudo escrita y dirigida por Mikio Naruse. La película sigue a Kikue, una anciana geisha, cuyo hijo adolescente, Yoshio, está disgustado con su profesión. Yoshio se siente cercano a Terugiku, una joven colega de Kikue, y ella le invita a casa de sus padres en un pueblo pesquero.
La película es un retrato amable y devastador de las vidas de tres mujeres que luchan por encontrar su lugar en el mundo. Kikue es una mujer que ha visto lo mejor y lo peor de la vida, y que ahora lucha por mantener su dignidad en un mundo que la desprecia. Terugiku es una joven que intenta encontrar su camino en la vida, pero se ve obstaculizada por las expectativas de su familia y su propia inseguridad. Yoshio es un chico que creció en un entorno difícil y ahora busca un sentido de pertenencia.
Apart from You es una película que explora las complejidades de las relaciones familiares, los límites de la sociedad y la fuerza de las mujeres. Es una película que sigue estando de actualidad y que ofrece una visión profunda y conmovedora de la condición humana.
El mago del agua (1933)
«El mago del agua» (Suizokukan no majo) es una película japonesa de 1933 dirigida por Kenji Mizoguchi. Se trata de una película muda en blanco y negro basada en la novela «Kasane» de Naoya Shiga. La trama se desarrolla en la primera mitad del siglo XX y cuenta la historia de una joven llamada Sumiko, que trabaja como ilusionista en un parque acuático de Tokio. Sumiko es una figura fascinante y misteriosa, capaz de captar la atención del público con sus mágicas actuaciones. Sin embargo, su vida da un giro cuando se enamora de un joven universitario, y la historia se desarrolla a través del drama y los retos a los que se enfrentan.
La película es conocida por su lírica narración y por la maestría de Mizoguchi a la hora de utilizar la dirección y las imágenes para expresar los sentimientos y emociones de los personajes. El mago del agua» fue un éxito en su época y contribuyó a consolidar la reputación de Mizoguchi como uno de los grandes directores del cine japonés. Aunque la película es muda, su fuerza narrativa y su atractivo visual la convirtieron en una obra de arte perdurable en el panorama cinematográfico.
Chicas japonesas en el puerto (1933)
«Chicas japonesas en el puerto» (también conocida como «Cuento del puerto» o «Minato no Nihon Musume») es una película muda clásica japonesa dirigida por Hiroshi Shimizu. Se estrenó en 1933 y se considera una de las obras importantes del primer cine japonés.
La película cuenta la historia de dos jóvenes, Sunako y Dora, que viven en una pequeña ciudad costera. Ambos trabajan en una fábrica local y comparten una estrecha amistad. Sin embargo, sus vidas dan un giro dramático cuando un joven llamado Henry llega a la ciudad. Ambas chicas se encaprichan de él, lo que da lugar a un triángulo amoroso que explora temas como la juventud, el amor y las complejidades de las emociones humanas.
«Chicas japonesas en el puerto» ha recibido elogios por su descripción realista de la vida cotidiana en el Japón de principios de los años treinta y su evocadora representación de las emociones de los personajes. La dirección y el estilo narrativo de Hiroshi Shimizu contribuyeron a su éxito.
Al ser una película muda, se basa en la narración visual y la actuación expresiva para transmitir la historia, lo que la convierte en una experiencia cinematográfica única. Si es usted fan del cine clásico o le interesa explorar las primeras películas japonesas, «Japanese Girls at the Harbor» merece sin duda la pena.
Dreams Every Night (1933)
Dreams Every Night es una película japonesa de drama mudo dirigida por Mikio Naruse en 1933. Narra la historia de una madre soltera, Omitsu, que trabaja como camarera en un café para mantener a su hijo pequeño, Fumio. Cuando Mizuhara, el marido de Omitsu, regresa tras años de ausencia, promete cambiar de vida y convertirse en un mejor marido y padre. Sin embargo, Mizuhara es incapaz de encontrar un trabajo estable y pronto vuelve a las andadas. Como resultado, Omitsu se ve obligada a trabajar aún más para mantener a su familia.
La película es una poderosa y conmovedora descripción de la difícil situación de las madres solteras en el Japón de la era de la Depresión. También es una exploración sensible de las complejas relaciones entre madres e hijos. Dreams Every Night es una película bien hecha y bellamente rodada, y está considerada una de las mejores obras de Naruse.
Historia de las hierbas flotantes (1934)
Una historia de hierbas flotantes (浮草物語 Ukikusa monogatari) es una película de 1934 dirigida por Yasujirō Ozu. El mismo director realizó un remake en 1959 titulado Hierbas flotantes.
La película cuenta la historia de Kihachi (Takeshi Sakamoto), un comediante jefe de una compañía de teatro que viaja a un pueblo pesquero con su compañía. En el pueblo, Kihachi conoce a Oyoshi (Choko Iida), una mujer que tuvo un hijo suyo en el pasado y que cree que es su tío. Kihachi y Oyoshi se enamoran de nuevo y deciden casarse. Sin embargo, el matrimonio no es aceptado por la familia de Oyoshi, que se siente humillada por el hecho de que su hija se case con un actor. Oyoshi se ve obligado a abandonar el pueblo con Kihachi y su grupo de teatro.
La película es un clásico del cine japonés y está considerada una de las mejores de Ozu. La historia es sencilla pero conmovedora, y la película está rodada con un estilo minimalista que refleja la filosofía de vida de Ozu. Una historia de hierbas flotantes es una película sobre el amor, la pérdida y el significado de la familia. Es una película que tiene algo que decir a todo el mundo, y que sigue siendo apreciada por el público y la crítica en la actualidad.
Una posada en Tokio (1935)
Una posada en Tokio (東京の宿, Tōkyō no yado) es una película muda de 1935 dirigida por Yasujirō Ozu. La película es el último filme mudo de Ozu y fue elogiada por su descripción realista de la vida de un hombre en paro y sus hijos.
La historia sigue la vida de Kihachi, un desempleado que vive en Tokio con sus dos hijos, Akira e Hiroshi. Kihachi intenta desesperadamente encontrar trabajo, pero sin éxito. La familia se ve obligada a vivir en una pequeña habitación alquilada y a luchar por sobrevivir.
Un día, Kihachi conoce a Otsune, una joven que trabaja de camarera en una posada. Otsune cuida de Kihachi y sus hijos, y ambos se enamoran. Kihachi encuentra por fin un trabajo y la familia consigue mejorar su situación económica.
Una posada en Tokio es una película conmovedora y realista que ofrece una visión de la vida de una familia japonesa durante la Gran Depresión.
La película fue elogiada por su descripción realista de la vida de un hombre en paro y sus hijos. Ozu utilizó varias técnicas para crear una sensación de realismo, como el uso de actores no profesionales, la elección de rodar en localizaciones reales y el empleo de un montaje sencillo y lineal.
La película también fue elogiada por su sensibilidad y compasión. Ozu no juzga a sus personajes, sino que simplemente intenta mostrar su vida cotidiana. La película es un conmovedor retrato del poder del amor y la familia, que ofrece un mensaje de esperanza en tiempos de crisis.
¡Esposa! Sé como una rosa (1935)
Es una película de comedia japonesa de 1935 dirigida por Mikio Naruse. Está basada en la obra de teatro shinpa Futari tsuma de Minoru Nakano y es también una de las primeras películas sonoras de Naruse. Fue una de las primeras películas japonesas en estrenarse en Estados Unidos. La película recibió el premio Kinema Junpo a la mejor película del año en 1936 y también se estrenó en Nueva York en 1937 con el título de Kimiko. Los críticos de cine destacaron el «sentimiento vivo y moderno» de la película, así como su «estilo estético vanguardista» y sus «modernas perspectivas sociales».
Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo (1935)
«Sazen Tange y la olla que vale un millón de ryo» (en japonés: «Tange Sazen Yowa: Hyakuman Ryo no Tsubo») es una película japonesa de 1935 dirigida por Sadao Yamanaka. La película es una adaptación cinematográfica de una novela japonesa del siglo XVIII escrita por Kyokutei Bakin.
El argumento de la película sigue las aventuras de Sazen Tange, un hábil espadachín de una sola mano, en su búsqueda de un antiguo jarrón japonés valorado en un millón de ryo. En el transcurso de su búsqueda, Sazen conoce a varios personajes excéntricos y se enfrenta a numerosos enemigos, enzarzándose en espectaculares duelos.
La película está considerada un clásico del cine japonés y ha influido en muchos directores posteriores. En particular, el personaje de Sazen Tange se ha convertido en un icono de la cultura popular japonesa y ha inspirado numerosas películas y obras televisivas.
Lamentablemente, el director Sadao Yamanaka murió pocos años después del estreno de la película, durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que «Sazen Tange y la olla que valía un millón de ryo» es una de sus últimas obras. Sin embargo, su influencia en el cine japonés sigue siendo muy fuerte y la película sigue siendo una obra muy apreciada por la crítica y el público.
Hermanas de Gion (1936)
Es una película dramática japonesa en blanco y negro de 1936 dirigida por Kenji Mizoguchi sobre 2 geishas que viven en la zona de Gion, en Kioto. Crea un díptico con Osaka Elegy, de Mizoguchi, que comparte muchos de los mismos actores y equipo de producción. 2 geishas, Umekichi y Omocha, viven en su casa de acogida en la zona de Gion, en Kioto. Ambas mujeres tienen expectativas muy diferentes de los hombres. Umekichi, la hermana mayor, ha recibido formación clásica de geisha y utiliza albornoz, además de sentir un sólido sentido del compromiso con su cliente. La hermana menor de Umekichi, Omocha, fue educada en escuelas públicas y también viste ropa occidental, excepto cuando trabaja como geisha. A diferencia de Umekichi, Omocha no confía en los hombres y piensa que sólo utilizarán a las geishas y luego las dejarán sin tratamiento. Por tanto, utilice a los clientes en su beneficio.
Elegía de Osaka (1936)
Es una película dramática japonesa de 1936 dirigida por Kenji Mizoguchi. Sonosuke Asai, jefe de la compañía farmacéutica Asai, tiene una relación matrimonial miserable con su esposa Sumiko. Mientras trata a los empleados con desprecio, Sumiko le dice que debe su puesto a los miembros de su familia con los que está casado. Se le insinúa a una de sus empleadas, Ayako, pero ella le rechaza.
La humanidad y los globos de papel( 1937)
Es una película japonesa de 1937 dirigida por Sadao Yamanaka. Fue la última película de Yamanaka antes de su muerte. La película está ambientada en el Japón feudal del siglo XVIII, periodo conocido como Edo. Retrata las batallas y también los planes de Matajuro Unno, un rōnin, o samurái sin amo, y de su vecina Shinza, una esteticista. La historia comienza en un barrio marginal donde las familias realizan tareas rutinarias. Shinza, aunque peluquero de profesión, en realidad se gana la vida regentando locales de juego ilegales y empeñando también sus objetos de valor. Unno, que coquetea con su mujer al lado, es hijo de Matabei Unno, un samurái. Tras la muerte de su padre, a Unno le cuesta encontrar trabajo y espera que Mouri, el antiguo amo de su padre, le contrate tras leer una carta de éste. Mouri se aleja de Unno y también descubre razones para no leer la carta de su padre. Unno busca a Mouri todos los días y le sigue allá donde vaya. Mouri intenta acabar con Unno enviando una banda de hombres para disuadirle e informando a sus guardias de la entrada para que le impidan el paso.
Yamanaka es uno de los mejores directores de películas jidaigeki, y éste es su mejor trabajo. La película narra la época feudal y ofrece una severa revisión de los problemas políticos y sociales del momento en que se realizó. Está considerada una de las películas imprescindibles.
La historia de los últimos crisantemos (1939)
Es una película dramática japonesa de 1939 dirigida por Kenji Mizoguchi. Basada en un relato corto de Shōfu Muramatsu, cuenta la historia de un onnagata, actor masculino experto en interpretar papeles femeninos, que tiene dificultades en el Japón de finales del siglo XIX. Kikunosuke Onoe, comúnmente llamado Kiku, es el hijo del séquito de una conocida actriz de kabuki de Tokio, que estudia para que su padre prospere. Mientras alaban con justicia la actuación de Onoe, el resto de los artistas de su padre se burlan de él a sus espaldas. Otoku es la única lo suficientemente honesta como para reconocer sus imperfecciones y mejorar. Cuando Otoku es ignorada por los familiares de Kiku por estar demasiado unida al joven maestro, Kiku la localiza y le dice que desea casarse con ella. Su familia se enfada y Kiku tiene que abandonar Tokio, coger el tren a Nagoya y perfeccionar su arte lejos de su padre, para enfado de éste.
La guerra en el mar, de Hawai a Malaya (1942)
Es una película de guerra japonesa en blanco y negro de 1942 dirigida por Kajiro Yamamoto. La película fue vista por 100 millones de personas en Japón. Es una película crónica de los acontecimientos de Pearl Harbor. los críticos de cine de la época la consideraron la mejor película de 1942. La película fue confiscada por el Mando Supremo de las Potencias Aliadas después de la batalla, que la interpretó erróneamente como un documento cinematográfico real del asalto.
Sanshiro Sugata (1943)
Es una película japonesa de artes marciales de 1943, lanzamiento como director del director de cine japonés Akira Kurosawa. La película está basada en la historia del mismo nombre escrita por Tsuneo Tomita, hijo del popular judoka Tsunejiro Tomita. Cuenta la historia de Sanshiro, un joven que hace un viaje a la ciudad para descubrir el Jujutsu. A su llegada descubre un nuevo tipo de defensa personal: el judo. El personaje principal está basado en Saigō Shirō. La película es un ejemplo temprano del estilo cinematográfico de Kurosawa y posee muchos de sus rasgos distintivos como director. La película fue muy popular en su momento. Dio lugar a una secuela, Sanshiro Sugata Parte II, estrenada en 1945 y dirigida también por Kurosawa.
Sin remordimientos de juventud (1946)
Es una película japonesa de 1946 escrita y dirigida por Akira Kurosawa. Se basa en el suceso de Takigawa de 1933. La película está protagonizada por Setsuko Hara, Susumu Fujita, Takashi Shimura y Denjirō Ōkōchi. El personaje de Fujita estaba influido por el de la vida real, Hotsumi Ozaki, que ayudó al popular espía soviético Richard Sorge, por lo que acabó siendo el único residente japonés que sufrió la pena de muerte por traición durante la Segunda Guerra Mundial. La película es en blanco y negro y dura 110 minutos. La historia comienza en 1933. Estudiantes de la Universidad Imperial de Kioto se oponen a la invasión japonesa de Manchuria. La hija del profesor, Yukie (Setsuko Hara), sale con dos alumnos de su padre: Ryukichi Wild (Susumu Fujita) e Itokawa (Akitake Kôno). Itokawa es modesto y sensato, mientras que Wild es apasionado y de extrema izquierda. Yukie acaba sintiéndose atraída por Wild.
El baile en casa de los Anjo (1947)
Es una película japonesa de 1947 dirigida por Kozaburō Yoshimura. La película ganó el premio Kinema Junpo de 1947 a la mejor película. Tras la derrota de Japón en la Guerra del Pacífico, la acaudalada familia Anjō debe renunciar a sus propiedades y cambiar su modo de vida a raíz de la reforma agraria de posguerra. Mientras el padre viudo, Tadahiko, se lamenta por su estatus social, mientras su hijo Masahiko y su hermano mayor ridiculizan a sus antiguos amantes de clase baja venidos a menos, la joven Atsuko acepta la situación y busca su posición personal en el nuevo Japón .
El ángel borracho (1948)
Es una película japonesa de 1948 dirigida por Akira Kurosawa. Destaca por ser la primera de las dieciséis colaboraciones cinematográficas entre Kurosawa y la estrella Toshiro Mifune. Sanada (Takashi Shimura) es un médico alcohólico del Japón de posguerra que atiende a un pequeño yakuza llamado Matsunaga (Toshiro Mifune) tras un tiroteo con una organización rival. El médico, al ver que Matsunaga tosía, le diagnosticó tuberculosis. Tras regañar con frecuencia a Matsunaga, que se niega a que le traten su enfermedad, sobre la obligación de empezar a cuidarse, el mafioso accede finalmente a dejar de prostituirse y emborracharse, y permite también a Sanada que se cuide. hasta que Okada, el hermano de Matsunaga, que también es el ex novio maltratador de Miyo, la ayudante femenina del doctor, sale de la cárcel.
Cordillera Azul (1949)
Es una película japonesa en blanco y negro de 1949 dirigida por Tadashi Imai. Está basada en el libro homónimo de Yōjirō Ishizaka, publicado por primera vez en forma de serie en 1947. La instructora Yukiko, que ha sido trasladada desde Tokio, resulta estar en contra de los profesores y ciudadanos conformistas.
Perro callejero (1949)
Es una película japonesa de cine negro de 1949 dirigida por Akira Kurosawa y protagonizada por Toshiro Mifune y Takashi Shimura. Se considera una de las primeras películas japonesas del género policíaco, una historia que narra el estado de ánimo de Japón durante su angustiosa recuperación de posguerra. La película también se considera precursora de los modernos 2 buddy cop crime drama, por su facilidad para combinar a dos policías con diversos caracteres e inspiraciones mutuas en una situación difícil. Banda sonora (Fumio Hayasaka), En 2009 la película fue elegida número 10 en la lista de las mejores películas japonesas de todos los tiempos por la publicación cinematográfica japonesa Kinema Junpo.
Primavera tardía (1949)
Es una película japonesa de 1949 dirigida por Yasujirō Ozu y escrita por Ozu y Kogo Noda, basada en la novela corta original Padre e hija del escritor y crítico de cine del siglo XX Kazuo Hirotsu. La película se estrenó durante la ocupación de Japón por las potencias aliadas y superó las principales exigencias de censura de la ocupación. Protagonizada por Chishū Ryū, que ha aparecido en la mayoría de las películas del director, así como por Setsuko Hara, es la película inaugural de la «trilogía Noriko» de Ozu, que sigue con A principios de verano (1951) y Cuento de Tokio (Tokio 1953) . En cada una de estas películas, Hara interpreta a una chica llamada Noriko, soltera en el Japón de la posguerra.
La película deriva del tipo de cine japonés llamado shomin-geki, una categoría que narra la vida cotidiana y los individuos de clase media de los tiempos modernos. La película está considerada como la primera obra del último periodo innovador del director, en las décadas de 1960 y 1950. Estas películas se caracterizan por una especial atención a las historias familiares en la inmediata posguerra japonesa, por una inclinación a dirigir historias muy sencillas y por el uso de un plano fijo sin movimiento.
Rashomon (1950)
Se trata de la película de suspense Jidaigeki, de 1950, dirigida por Akira Kurosawa, que trabaja en estrecha colaboración con el director de fotografía Kazuo Miyagawa. Protagonizada por Toshiro Mifune, Machiko Kyō, Masayuki Mori y Takashi Shimura como diferentes personajes que cuentan cómo un samurái fue asesinado en un bosque, la historia y los personajes se basan en el relato corto de Ryunosuke Akutagawa «En una arboleda», con el título y la historia basados en «Rashōmon», otro cuento de Akutagawa. Todos los elementos son los mismos, desde el samurái asesinado que habla a través de un vidente sintoísta hasta el forajido en el bosque, el monje y el engañoso recuento de los hechos en el que cada persona revela quién es.
La película es reconocida por un mecanismo narrativo en el que intervienen numerosos personajes que ofrecen versiones subjetivas, incoherentes y alternativas de un mismo suceso. Rashomon fue la primera película japonesa en tener un papel importante en todo el mundo; ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1951, recibió un Premio Honorífico de la Academia en la 24ª edición de los Premios de la Academia en 1952, y también está considerada entre las mejores películas de la historia.
Escucha las voces del mar (1950)
Es una película japonesa antibelicista de 1950 dirigida por Hideo Sekigawa. Se basa en la exitosa publicación de 1949 Hear Voices from the Sea, una recopilación de cartas de soldados japoneses muertos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue la primera película japonesa de posguerra en incluir escenas de lucha, y también un gran éxito de taquilla en los cines japoneses.
Akatsuki no Dassō (1950)
Se trata de una película japonesa de 1950 centrada en un terrible suceso entre un soldado asociado al proyecto Manchuria y una prostituta. Mikami, un soldado japonés que lucha en China, está en apuros. Consigue escapar, pero es acosado por sus compañeros. Tras enamorarse de una prostituta llamada Harumi, ella le convence para que se vayan a vivir juntos y abandonen el ejército.
Hasta la vista (1950)
Es una película japonesa antibelicista de 1950 dirigida por Tadashi Imai. Está basada en la novela Pierre et Luce de Romain Rolland. La película está protagonizada por Eiji Okada como Tajima Saburo y Yoshiko Kuga como Ono Keiko. Tajima Saburo es pacifista y poeta aficionado en el Japón de la Segunda Guerra Mundial, cualidad que desencadena conflictos entre él y su familia. Su hermano mayor, Ichiro, murió en la guerra dejando a su mujer, Masako, que actualmente cuida de los miembros de la familia Tajima. Su otro hermano mayor, Jiro, ya ha hecho lo mismo para unirse a la guerra, para desaliento de Saburo. Esto convierte a Saburo en un paria en la familia, ya que Jiro y su padre muestran su descontento por su falta de nacionalismo. Durante un agitado simulacro de bomba, Saburo encuentra a una mujer en el santuario, Ono Keiko, y la protege de los bombardeos del exterior. Sus manos se tocan y Keiko también queda grabada para siempre en la mente de Saburo. Cuando se retira el santuario, Saburo extravía a Keiko y opta por volver a casa.
Carmen vuelve a casa (1951)
Es una divertida película japonesa de 1951 dirigida por Keisuke Kinoshita. Debido a la renovación de la oficina de Tokio donde trabaja, la artista Carmen y su querida amiga Maya hacen una visita a su pequeño pueblo natal de Nagano. El padre de Carmen nunca ha permitido que abandone la familia y quiere quedársela. Muchos ciudadanos se maravillan y entusiasman con la gran celebridad de la ciudad. Al final, el arte de Carmen es un espectáculo de striptease que interpretará en un show del magnate local Maruju.
Tiempo de cosecha del trigo (1951)
Noriko, una secretaria de Tokio, reside en Kamakura con su familia junto a sus padres Shūkichi y Shige, su hermano mayor Kōichi, médico, su mujer Fumiko, y sus 2 hijos Minoru e Isamu. Las amigas de Noriko se dividen en 2 grupos, las casadas y las solteras, que se toman el pelo constantemente, siendo Aya Tamura su aliada más cercana en el grupo de solteras. Precioso drama sobre la unidad familiar que forma parte de la trilogía temática de Ozu denominada La trilogía de Noriko: Primavera tardía, Tiempo de cosecha de trigo y Viaje a Tokio.
Repast (1951)
Es una película japonesa de 1951 dirigida por Mikio Naruse e interpretada por Setsuko Hara. Está basada en la inacabada y también última novela de Fumiko Hayashi, y fue también el comienzo de una serie de adaptaciones de su obra por parte del director.
Michiyo se trasladó de Tokio para instalarse en Osaka con su marido oficinista, con el que se casó en contra de la voluntad de sus padres. Un par de años más tarde, durante la relación conyugal, su marido la trata desconsideradamente y ella se va desgastando poco a poco por la rutina doméstica. La situación empeora cuando su bella sobrina, huyendo de los preparativos de su madre y su padre para un matrimonio forzado, seduce a su marido. Decepcionada con sus iniciativas para mejorar su vida familiar, le dice a su sobrina Tokio que se quede temporalmente con sus familiares.
Los niños de Hiroshima (1952)
Takako Ishikawa es maestra de escuela en la costa de Hiroshima y lleva 4 años sin volver a su ciudad devastada por la bomba atómica. Su viaje a Hiroshima se convierte en un viaje a su patria destruida, en busca de viejos amigos supervivientes. La ciudad está casi reconstruida, pero la tragedia sigue muy presente: los rostros desfigurados, los miembros arrugados, las mujeres estériles y los niños discapacitados sin alegría.
película rodada con sobriedad, muestra la tragedia de la bomba sólo en un breve flashback del protagonista en unos segundos de imágenes alucinantes. Sin embargo, la breve escena permanece siempre presente tanto en su mente como en la del espectador. El tono de Kaneto Shindo no es el de un relato histórico, sino el de una emoción lírica intensa y contenida, que busca su esencia en los detalles. En el cielo, por fin, pasa un avión: los ojos del profesor están llenos de angustia, los del niño sólo son puros y curiosos.
Ugetsu (1953)
Japón, finales del siglo XVI: el alfarero Genjurō y su hermano Tobei viven con sus esposas Miyagi y Ohama en un pueblo de la región de Omi; Genjurō, convencido de que puede ganar mucho dinero vendiendo sus mercancías en la ciudad cercana, viaja al condado de Omizo junto con Tobei, que se une a él con el único propósito de poder convertirse en samurái. Leyenda e innovación del lenguaje cinematográfico, un mundo maravilloso junto a un mundo brutal y cruel. Película de misterio que abre una conversación con los planos invisibles de la existencia, los fantasmas y las incursiones en lo fantástico, realizada por Kenji Mizoguchi en un Japón aún congelado por las dos bombas atómicas lanzadas sobre Hiroshima y Nagasaki.
Cuentos de Tokio (1953)
Es una película japonesa de 1953 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishū Ryū y Chieko Higashiyama sobre una pareja de ancianos que hace un viaje a Tokio para ver a sus hijos mayores. Tras su estreno, no obtuvo reconocimiento mundial y se consideró de escaso valor para las distribuidoras cinematográficas japonesas. Se proyectó en 1957 en Londres, donde ganó el Trofeo Sutherland inaugural al año siguiente, y recibió los elogios de la crítica cinematográfica estadounidense tras una proyección en 1972 en Nueva York.
Cuentos de Tokio está considerada la obra maestra de Ozu, así como una de las mejores películas de la historia. Fue elegida la mejor película de todos los tiempos en la versión de 2012 de una encuesta ampliamente considerada por directores de cine de la publicación Sight & Sound.
La puerta del infierno (1953)
Es una película japonesa de 1953 dirigida por Teinosuke Kinugasa. Cuenta la historia de un samurái (Kazuo Hasegawa) que se enamora perdidamente de una mujer (Machiko Kyō) a la que rescata, sólo para descubrir que actualmente está casada. Rodada en Eastmancolor, fue la primera película en color de Daiei y también la primera película japonesa en color estrenada fuera de Japón. Probablemente la clave de su éxito es la forma en que mezcla una pasión subyacente de sentimientos con las espectaculares escenas de la realidad física. La tensión y las miserias humanas implosionan tras una fotografía y un rigor estético magníficos. La extrema importancia de la antigua sociedad japonesa se representa concretamente en esta película.
Donde se ven chimeneas (1953)
Es una película japonesa de comedia y drama de 1953 dirigida por Heinosuke Gosho. Participó en el 3er Festival Internacional de Cine de Berlín. Basada en una novela de Rinzō Shiina, Donde se ven chimeneas está considerada una de las películas fundamentales de Gosho, así como un ejemplo paradigmático del estilo shomin-geki.
Hiroko Ogata y su segundo marido Ryukichi (se cree que su primer marido Tsukahara murió en combate durante la Segunda Guerra Mundial) también permanecen en los confines de clase baja de Tokio. El último piso de la planta Ogata se alquila a Kenzo y Senko, un chico y una mujer que descubren su pasión el uno por el otro, pero que aún no son pareja. Un día, los Ogata descubren a un niño en el vestíbulo de su casa con una carta firmada por Tsukahara en la que se especifica que es hijo de Hiroko. La relación matrimonial se ve envuelta en un dilema, con Hiroko abocada a la autodestrucción. Kenzo vaga por la ciudad en busca de Tsukahara y acaba descubriéndolo junto a su nueva esposa, la verdadera madre del niño abandonado, que en un principio quería matarlo.
Águila del Pacífico (1953)
Es una película épica de la Guerra de Japón de 1953 dirigida por Ishirō Honda. La película narra el inicio de la acción militar de Japón en la Segunda Guerra Mundial, centrándose en el papel de Isoroku Yamamoto. La película ganó 163 millones de yenes, la tercera cantidad total más alta para una película japonesa en 1953.
Godzilla (1954)
Es una película japonesa de 1954 dirigida y coescrita por Ishirō Honda, con efectos especiales de Eiji Tsuburaya. Producida y distribuida por Toho Co., Ltd., es la primera película de la franquicia Godzilla. La película está protagonizada por Akira Takarada, Momoko Kōchi, Akihiko Hirata y Takashi Shimura, con Haruo Nakajima y Katsumi Tezuka como Godzilla.
En la película, las autoridades japonesas deben luchar contra un enorme monstruo, cuyos ataques hacen temer un holocausto nuclear en todo el Japón de posguerra. Godzilla empezó a producirse después de que fracasara una coproducción entre Japón e Indonesia. Tsuburaya sugirió originalmente un pulpo gigante antes de que los realizadores se decidieran por un animal inspirado en los dinosaurios. El rodaje de la película duró 51 días, y la creación de los efectos especiales, 71.
Veinticuatro ojos (1954)
Es una película japonesa de 1954 dirigida por Keisuke Kinoshita, basada en el libro homónimo de 1952 de Sakae Tsuboi. La película está protagonizada por Hideko Takamine en el papel de una profesora llamada Hisako Ōishi, que vive durante el nacionalismo japonés a principios de la era Shōwa.
La historia comienza en 1928 con la excelencia de los alumnos del profesor y la sigue hasta 1946. Twenty-Four Eyes fue lanzada en Japón por Shochiku el 15 de septiembre de 1954, donde obtuvo críticas generalmente favorables, así como éxito comercial. La película cosechó numerosos elogios, entre ellos el Premio Kinema Junpo «Best One» de 1954, junto con el Premio Henrietta en el 5º Festival Anual Favorito del Cine Mundial. La película fue recordada por su visión antibelicista.
7 Samurais (1954)
Es una película japonesa de samuráis de 1954 co-escrita, editada y dirigida por Akira Kurosawa. El relato transcurre en 1586, durante el periodo Sengoku de Japón. Cuenta la historia de un pueblo de granjeros desesperanzados que emplean a 7 rōnin, samuráis sin amo, para hacer frente a los forajidos que vienen a robar sus cosechas.
En su momento, la película fue una de las más caras realizadas en Japón. Se tardó un año en rodar en el plató y la película también se enfrentó a varios problemas. Fue la segunda película más taquillera en Japón en 1954. Numerosas críticas han comparado la película con los westerns. Desde su estreno, Seven Samurai ha figurado sistemáticamente en las listas de las mejores películas de la historia del cine elaboradas por los críticos. Su impacto en la industria cinematográfica fue realmente incomparable, y hoy en día se la considera una de las películas más «rodadas, rehechas y referenciadas».
Sansho, el alguacil (1954)
Es una película histórica japonesa de 1954 dirigida por Kenji Mizoguchi. Basada en un relato homónimo de Mori Ōgai de 1915, que a su vez se basaba en un cuento popular, presenta a dos niños esclavizados. Sansho el alguacil da vida a una serie de características de Mizoguchi, como las representaciones de las penurias y las tomas largas elaboradamente coreografiadas por el director de fotografía Kazuo Miyagawa, colaborador habitual de Mizoguchi. Hoy en día, esta película se considera, junto con Ugetsu (1953), una de las mejores obras de Mizoguchi.
Crazed Fruit (1956)
Es una película japonesa de la Tribu del Sol de 1956 dirigida por Kō Nakahira. Es una adaptación del libro homónimo de Shintaro Ishihara, hermano mayor de los actores participantes Yujiro Ishihara, y trata de 2 hermanos que se enamoran de la misma mujer y también del conflicto resultante. Debido a su retrato de la juventud japonesa, la película causó controversia en el momento de su estreno. Más tarde fue calificada de obra fundamental de la categoría de la Tribu del Sol.Nouvelle Vague
La dulce vida de los jóvenes japoneses ricos de la subcultura Sun Tribe, inspirada en el estilo de vida occidental de finales de los años 50, entre lujuria y violencia, esquí acuático y lanchas rápidas. Una historia de amor, pasión y traición. Obra maestra casi desconocida en Occidente, provocó un escándalo en el momento de su estreno. Es la película que allana el camino e inspira la Nouvelle Vague japonesa.
El arpa birmana (1956)
Es una película japonesa de 1956 dirigida por Kon Ichikawa. Basada en el libro infantil del mismo nombre escrito por Michio Takeyama, narra la historia de los soldados japoneses que se enfrentaron a la campaña de Birmania durante la Segunda Guerra Mundial. Un miembro del escuadrón se pierde tras la batalla, y los soldados planean averiguar si su camarada sobrevivió y si se ha convertido en un monje budista al que ven tocando un arpa. La película fue una de las primeras en revelar las pérdidas de la guerra desde el punto de vista de un soldado japonés. La película fue preseleccionada para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa de 1956. En 1985, Ichikawa rehizo El arpa birmana con un nuevo actor, y el remake también fue un gran éxito de taquilla, convirtiéndose en la primera película japonesa de 1985 y también en la segunda japonesa más taquillera hasta ese momento.
Rickshaw Man (1958)
Es una película japonesa de 1958 dirigida por Hiroshi Inagaki. Se trata de un remake de su película de 1943. En la versión de 1943, Tsumasaburo Bando interpretó el papel de Muhōmatsu. Ambientada en las décadas de 1940 y 1930, cuenta la historia de Muhōmatsu, un chico rickshaw interpretado por Toshiro Mifune, que se convierte en padrastro del hijo de una mujer recién enviudada interpretada por Hideko Takamine.
Enjo (1958)
Es una película japonesa de 1958 dirigida por Kon Ichikawa y adaptada de la novela de Yukio Mishima El templo del pabellón dorado. Enjō narra la crisis emocional de Goichi (Raizo Ichikawa), un joven budista que viaja a un lugar sagrado de Kioto -el Pabellón Dorado- para recibir un curso de repaso.
Goichi está obsesionado con 2 cosas: explorar el adulterio de su madre, que le maltrata mentalmente, y su padre, que cae enfermo de repente. Idealista y tímido, además de aquejado de un problema de tartamudez, Goichi llega al lugar sagrado obsesionado por la opinión de su difunto padre de que «el pabellón dorado del templo Shukaku es uno de los lugares más bellos del mundo».
Fires on the Plain (1959)
Es una película bélica japonesa de 1959 dirigida por Kon Ichikawa y protagonizada por Eiji Funakoshi. El guion de la película, creado por Natto Wada, se basa en la novela Nobi (Tokio 1951) de Shōhei Ōoka, traducida en Incendios en la llanura. Inicialmente obtuvo críticas mixtas tanto de la crítica internacional como de la japonesa por su violencia y estilo oscuro. Con los años, sin embargo, ha adquirido un gran prestigio. La película cuenta la historia de un japonés tuberculoso y su lucha por sobrevivir durante la última parte de la Segunda Guerra Mundial. Kon Ichikawa abordó los temas de la película de supervivencia y el tipo de guerra.
Buenos días (1959)
Es una película cómica japonesa de 1959 escrita y dirigida por Yasujirō Ozu. Se trata de un remake de su película muda de 1932 Yo nací, pero…, y es también la segunda película en color de Ozu. La película se desarrolla en la provincia de Tokio y comienza con un grupo de jóvenes estudiantes que regresan a casa.
La película tiene una subtrama que cuenta las costumbres de las mujeres de un club de barrio. Hablan entre ellos sobre el robo de dinero, y también imaginan que la Sra. Haraguchi puede haber utilizado el dinero para comprarse un nuevo equipo de limpieza. La Sra. Haraguchi reta a la Sra. Hayashi por haber arruinado su reputación, pero la Sra. Hayashi especifica que entregó el dinero a la madre de Haraguchi. Más tarde, la Sra. Haraguchi comprende que fue un error suyo y lo más probable es que se disculpe.
Maleza flotante (1959)
Es una película japonesa de 1959 dirigida por Yasujirō Ozu, con Nakamura Ganjirō II y Machiko Kyō. Se trata de un remake de la película muda en blanco y negro de Ozu Una historia de hierbas flotantes (1934) y está considerada una de las mejores películas de la historia.
Durante el verano de 1958, en un balneario japonés, llega en barco un grupo de artistas de teatro ambulantes, encabezados por el protagonista y director de artistas, Komajuro. Mientras el resto de los artistas recorren la ciudad promocionando su espectáculo, Komajuro ve a su ex novia, Oyoshi, que regenta un pequeño restaurante en la comunidad. Tienen un hijo adulto, Kiyoshi, que trabaja en correos y estudia en la universidad. Ella no sabe que es Komajuro y cree que es su tío. Komajuro invita a Kiyoshi a pescar.
La condición humana (1959 – 1961)
Se trata de una serie de 3 películas bélicas japonesas dirigidas por Masaki Kobayashi, basadas en el libro homónimo creado por Junpei Gomikawa. Las películas son No Greater Love (1959), Road to Eternity (1959) y A Soldier’s Prayer (1961). La trilogía narra la vida de Kaji, un pacifista socialista japonés, que intenta sobrevivir en el mundo autoritario y totalitario del Japón de la Segunda Guerra Mundial. La Condición Humana narra el periplo de Kaji, simpático pero ingenuo, que pasa de gerente a soldado del Ejército Imperial y, en un momento dado, a prisionero de guerra soviético. Kaji, que regularmente intenta elevarse por encima de un sistema corrupto, señala repetidamente sus ideales como un obstáculo más que como una ventaja.
La isla desnuda (1960)
Marido y mujer viven con sus hijos en una isla salvaje donde las condiciones de supervivencia son muy difíciles. El duro trabajo en el campo, la monotonía de los días y el luto por la muerte de uno de sus hijos dificultan su vida. De vez en cuando tienen que desplazarse de su pequeña isla para conseguir comida y agua en las islas más grandes. El hombre y la mujer intentan seguir cultivando su tierra y luchan con resignación ante las adversidades de la vida.
Una valiente película de Kanedo Shindo que se basa exclusivamente en la narración con música y ruidos. La película ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Moscú y cosechó un gran éxito de público tanto en Japón como en el extranjero.
Cuando una mujer sube las escaleras (1960)
Es una película japonesa de 1960 dirigida por Mikio Naruse. Keiko, una joven viuda de casi 30 años, trabaja en un bar de Ginza. Al darse cuenta de que se está haciendo vieja, decide, tras hablar con el dueño del bar, Komatsu, que desea abrir su propio bar en lugar de volver a casarse y deshonrar a su difunto marido, a cuyo recuerdo sigue unida. Para conseguirlo, debería contar con algunos préstamos de algunos clientes de alto nivel que frecuentan su bar, pero el asunto no parece fácil.
Cruel historia de juventud (1960)
Es una película japonesa de 1960 dirigida por Nagisa Ōshima, protagonizada por Yusuke Kawazu y también Miyuki Kuwano como adolescentes transgresores y apasionados. Es el segundo largometraje de Ōshima y es conocido por sus aspectos de nuberu bagu japonés. La película ganó en 1960 el premio Blue Ribbon al mejor actor revelación para Ōshima.
Después de que Makoto Shinjo pida a un desconocido que la lleve, el conductor del vehículo intenta acosarla, pero se le une Kiyoshi Fuji. La lleva de paseo con él, al principio para disfrutar de las protestas de Anpo contra el Tratado de Seguridad entre EE.UU. y Japón, y más tarde para montar en una lancha rápida por un río, donde la viola. Un día, tras intentar esperarle en un bar que él visita a menudo, ella es objetivo de la mafia que regenta la prostitución, pero Kiyoshi se opone a ellos y la libera a cambio de una suma de dinero. Los dos se enamoran y Makoto pasa más tiempo con él. Para ganar dinero, Makoto atrae a un motorista y Kiyoshi lo atrapa.
Noche y niebla en Japón (1960)
Es una película japonesa de 1960 dirigida por Nagisa Ōshima. Es una película extremadamente política y social. En 1960, a raíz de las protestas de Anpo contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón, unos visitantes no deseados perturban el matrimonio entre Nozawa, periodista y radical de los años 50, y Reiko, miembro de un grupo de presión. Acusan a la pareja y por haber descuidado sus acciones políticas, evocando una serie de polémicas no resueltas de años atrás, en el ámbito estudiantil. Las acusaciones reabren viejas heridas sobre las experiencias de Nozawa en las décadas de 1950 y 1960.
Dos personajes, uno que murió por suicidio y otro un dirigente político estalinista, son objeto de una mayor atención. La memoria de Takao, un joven estudiante que se suicidó tras dejar totalmente libre a un «espía», se reconstruye como acc7sa a la tiránica gestión de Zengakuren en 1950.
Yojimbo (1961)
Es una película japonesa de 1961 coescrita, escrita, editada y dirigida por Akira KurosawaIlmovie interpretato da Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Yoko Tsukasa, Isuzu Yamada, Daisuke Katō, Takashi Shimura, Kamatari Fujiwara e Atsushi Watanabe.
En la película, un rōnin llega a un pueblo donde hay jefes del crimen enfrentados. Ambos jefes intentan contratar al novato como guardaespaldas. Basándose en el éxito de Yojimbo, la siguiente película de Kurosawa, Sanjuro (1962), se convirtió en su principal protagonista.
La película fue estrenada y producida por Toho el 25 de abril de 1961. Yojimbo recibió críticas muy favorables y, con el paso de los años, ha sido considerada como una de las mejores películas de Kurosawa y también como una de las mejores películas de la historia. La película recaudó alrededor de 2,5 millones de dólares en todo el mundo con un gasto de 90,87 millones de yenes. Sergio Leone la filmó extraoficialmente como spaghetti western Un puñado de dólares (1964), lo que provocó una demanda de Toho por plagio. .
Una tarde de otoño (1962)
Es una película japonesa de 1962 dirigida por Yasujirō Ozu para Shochiku movies. Está protagonizada por Chishū Ryū en el papel del patriarca de la familia Hirayama, que en un momento dado se da cuenta de que tiene la tarea de preparar una relación conyugal para su pequeña Michiko (Shima Iwashita). Fue la última película de Ozu; murió al año siguiente, el día que cumplía 60 años. Hoy en día, Una tarde de otoño está considerada por muchos como una de las mejores obras de Ozu.
Tokio, 1962. Shūhei Hirayama (Chishū Ryū) es un anciano viudo con un hijo casado de 32 años, Kōichi (Keiji Sada), así como 2 jóvenes hijos solteros, Michiko (Shima Iwashita) de 24 años y Kazuo (Shin’ichirō Mikami) de 21 años. La edad de los jóvenes y también lo que recuerdan de su madre sugieren que murió antes del final de la guerra, probablemente en la batalla de Tokio en 1944-45.
Ella y él (1963)
Es una película japonesa de 1963 dirigida por Susumu Hani. Participó en el 14º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde Sachiko Hidari ganó el Oso de Plata a la mejor actriz. Naoko Ishikawa (Sachiko Hidari), una mujer de clase media de Tokio, vive con su marido en un apartamento en una colina cerca de un barrio degradado. Mientras su marido Eiichi (Eiji Okada) está cada vez más ocupado con su vida de empresario, Naoko busca formas de ampliar su vida y la de sus seres queridos. Cuando comprende las dificultades del barrio, pierde su sensación de seguridad. Se siente extrañamente atraída por un trapero, Ikona (Kikuji Yamashita), que vive en una choza de hojalata con un niño ciego y un perro, y las comodidades protectoras de su vida de clase media se desvanecen.
La mujer insecto (1963)
Es una película japonesa de 1963 dirigida por Shōhei Imamura. Asistió al 14º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde Sachiko Hidari ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz. También se concedieron varios premios cinematográficos a escala nacional. La película habla de Tome, una chica nacida en 1918 en el seno de una familia de clase baja de la campiña de Tōhoku que, tras una larga serie de problemas, se convierte en prostituta después de la guerra. Castigada con la cárcel, su hija Nobuko se convierte en la amante de su proxeneta, pero más tarde se queda con su dinero para utilizarlo en la construcción de un distrito agrícola.
Bushido, Saga Samurai (1963)
Es una película japonesa y jidaigeki de 1963 dirigida por Tadashi Imai. Participó en el 13º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde ganó el Oso de Oro. La historia abarca 7 generaciones de una familia, desde el comienzo del shogunato Tokugawa hasta principios de la década de 1960, y también los extremos a los que llegan sus participantes gracias a un compromiso inquebrantable con la empresa, la nación y los que ostentan el poder, a costa de su vida y la de sus seres queridos. Susumu, el último de los sucesores masculinos, opta finalmente por ponerse del lado contrario a esta mentalidad tras el intento de suicidio de su futura esposa.
La mujer en las dunas (1964)
Es una película japonesa de la Nueva Ola de 1964 dirigida por Hiroshi Teshigahara, con Eiji Okada como entomólogo en busca de insectos y Kyōko Kishida como la mujer titular. Recibió críticas favorables y fue preseleccionada para dos premios de la Academia. El guion de la película fue adaptado por Kōbō Abe a partir de su libro de 1962. La película es una inquietante alegoría de la vida humana y de la necesidad de alejarse de la vida colectiva. Nathaniel Thompson creó «las canciones aquí son casi un personaje propio, que se cuela en el material de la película imperceptiblemente, como la arena.
Kwaidan (1964)
Es una película japonesa de terror a 1964 episodios dirigidos por Masaki Kobayashi. Se basa en relatos de la colección de cuentos populares japoneses de Lafcadio Hearn, titulada Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1904), que le da nombre. La película incluye 4 historias cortas no relacionadas y muy diferentes entre sí. Kwaidan es una transliteración anticuada del término kaidan, que sugiere una historia de fantasmas. La película ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1965 y obtuvo una nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. En Japón, la película le valió a Yoko Mizuki el Kinema Junpo al mejor guión. El color en la película se utiliza de forma muy expresiva y las historias se quedan contigo mucho tiempo después de verla. «Kwaidan» es una armonía de colores y sonidos con un riguroso ritmo de montaje y sensaciones extremas, un tour de force estéticamente notable.
Onibaba (1964)
El componente estético del cine de Kaneto Shindo queda patente en Onibaba, película de terror que narra la historia de dos mujeres abandonadas a su suerte que viven de robar y matar a samuráis en desbandada.
Inspirada en un antiguo cuento de hadas budista, la película cuenta la historia de dos mujeres que viven en la extrema pobreza, en una choza a orillas de un río. Sobreviven matando y robando a samuráis curtidos en mil batallas, utilizando técnicas que han perfeccionado a lo largo del tiempo.
Un día, una vecina, Hachi, informa a las dos mujeres de que el hijo de una de ellas, que fue a la guerra, ha muerto. El hombre también les propone ayudarles en sus robos y sus asesinatos. Pero las mujeres no confían y se niegan. Pero con el tiempo uno de los dos se irá enamorando poco a poco de Hachi. Una noche la mujer mata a un poderoso caballero con una inquietante máscara con una de las trampas probadas. Pero cuando le quita la máscara, descubre que tras ella se esconden los rasgos inhumanos de un terrorífico demonio.
Olimpiada de Tokio (1965)
Se trata de un documental japonés de 1965 dirigido por Kon Ichikawa en el que se graban los Juegos Olímpicos de Verano de 1964 celebrados en Tokio. Al igual que Olympia de Leni Riefenstahl, que grabó los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 en Berlín, la película de Ichikawa se consideró un punto de inflexión cinematográfico en la producción de docudramas. La película hace mucho más hincapié en el ambiente de los juegos y en el lado humano de los atletas profesionales en lugar de centrarse en la victoria y los logros. Es uno de los docudramas deportivos incluidos en la guía 1001 películas que hay que ver antes de morir. La película goza de gran prestigio y se considera, junto con Olympia de Leni Riefenstahl, una de las mejores películas sobre los Juegos Olímpicos y, sin duda, uno de los mejores docudramas deportivos de la historia. Su enfoque en la humanidad de los espectadores y los atletas profesionales, revelando el esfuerzo, la diversión, la dicha del triunfo e incluso la frustración de la derrota, en contraposición a la mera grabación de los resultados, se consideró sumamente interesante, y el uso de objetivos zoom y primeros planos ha creado una nueva exigencia para las películas de deportes.
Marcado para matar (1967)
Es una película japonesa de 1967 dirigida por Seijun Suzuki y protagonizada por Joe Shishido, Koji Nanbara, Annu Mari y también Mariko Ogawa. La historia cuenta cómo el asesino profesional Goro Hanada es contratado por una extraña mujer llamada Misako para un objetivo difícil. Cuando el objetivo fracasa, se ve perseguido por el fantasma asesino número uno, cuyos ataques ponen en peligro su vida y su tranquilidad.
La película fue calificada por su productora, Nikkatsu, como una película de serie B de bajo presupuesto. Decepcionada con el guión inicial, la producción se puso en contacto con Suzuki para que revisara y dirigiera la película poco antes de que comenzara la producción. Suzuki pensó la mayoría de sus ideas para la película la noche anterior o durante la grabación, y también pidió sugerencias a sus colegas; el guión de la película se atribuye a Hachiro Guryu, un equipo de guionistas que incluía a Suzuki y a otros 7 escritores, entre ellos sus compañeros habituales Takeo Kimura y Atsushi Yamatoya. Suzuki dio a la película un tono grotesco, estéticamente abigarrado y anárquico, en contra de lo que quería la productora. La postproducción finalizó un día antes del lanzamiento, previsto para el 15 de junio de 1967.
Retrato de Chieko (1967)
Es una película japonesa de 1967 dirigida por Noboru Nakamura. Se basa tanto en la colección de versos Chieko-shō del poeta y artista japonés Kōtarō Takamura, que recuerda a su esposa Chieko, como en la novela Shōsetsu Chieko-shō de Haruo Satō. La película fue preseleccionada para el Oscar a la mejor película internacional. Se trata de una magnífica película japonesa en la que Shima Iwashita ofrece una interpretación cuidadosamente controlada, captando cada sutileza del personaje con hábiles dotes interpretativas.
Muerte en la horca (1968)
Es una película japonesa de 1968 dirigida por Nagisa Ōshima y protagonizada por Do-yun Yu. Es conocido por sus ingeniosas estrategias brechtianas y sus temas sobre la culpa, así como la concienciación, la justicia y la opresión de los coreanos étnicos en Japón.
La película tiene una apertura de tipo documental en la que aparece una sala de la muerte en la que tendrá lugar una ejecución. Inexplicablemente, el hombre al que hay que matar, un coreano étnico conocido como R, es ahorcado pero sobrevive y pierde la memoria. Las autoridades que presenciaron el ahorcamiento debaten cómo continuar, ya que la legislación podría utilizarse para limitar la ejecución de una persona que no recuerda sus delitos ni su condena. Toman la decisión de animar a R a expiar sus crímenes, y entonces la película pasa a un escenario muy teatral.
La película es divertida, intrigante y se centra en la condena a muerte, y en un momento dado se vuelve explícitamente godardiana y brechtiana. La dirección es extremadamente atenta y dedicada al tipo de cine que desempeña un papel activo en la cultura.
Kuroneko (1968)
Otra película de terror de Shindo especialmente interesante es Kuroneko. En la era japonesa Jidai-geki, que comienza en el siglo XVII, una terrible guerra civil está destrozando los pueblos del país. Dos mujeres que viven en una casa de bambú son violadas y asesinadas por un grupo de despiadados samuráis. Algún tiempo después, en la misma zona, unos samuráis aparecen desangrados. El gobernador envía a un valiente samurái a investigar.
Kaneto Shindo era un cineasta independiente con poca inclinación al compromiso. Shindo descuenta quizás excesivamente la incapacidad de elegir entre los modelos tradicionales y los que ofrece en cambio la ola del Nuevo Cine de los años 60.
Dodes’ka-den (1970)
Es una película japonesa de 1970 dirigida por Akira Kurosawa. La película está protagonizada por Yoshitaka Zushi, Kin Sugai, Toshiyuki Tonomura y Shinsuke Minami. Está basada en el libro de Shūgorō Yamamoto de 1962 Una ciudad sin estaciones y trata sobre un grupo de personas sin hogar que viven en la pobreza en las afueras de Tokio. Dodes’ka-den fue la primera película de Kurosawa en cinco años, la primera protagonizada por Toshiro Mifune desde Ikiru en 1952, y también su primera película sin el autor Masaru Sato desde Seven Samurai en 1954.
La grabación comenzó el 23 de abril de 1970 y finalizó 28 días después. Esta fue la primera película en color de Kurosawa y tenía un plan de gastos de sólo 100 millones de yenes. Para financiar la película, Kurosawa hipotecó su casa, pero la película perdió dinero, ganando menos de lo presupuestado, lo que le dejó con enormes deudas financieras y, a los sesenta y un años, prácticamente en paro. La insatisfacción de Kurosawa se hizo insoportable un año después, el 22 de diciembre de 1971, cuando intentó suicidarse cortándose las muñecas y el cuello con una navaja.
Lady Snowblood (1973)
Es una película japonesa de 1973 dirigida por Toshiya Fujita e interpretada por Meiko Kaji. Basada en la serie de manga homónima de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura, la película cuenta la historia de Yuki (Kaji), una mujer que busca vengarse de 3 personas que violaron y mataron a su madre, a su padre e incluso a su hermano. Junto a Kaji, los actores de la película son Toshio Kurosawa, Masaaki Daimonm, Miyoko Akaza y Kō Nishimura. Lady Snowblood se estrenó en los cines de Japón el 1 de diciembre de 1973 y también fue distribuida por Toho. Dio lugar a una secuela, Love Song of Vengeance (1974). Lady Snowblood fue una importante fuente de inspiración para la película de Quentin Tarantino Kill Bill (2003).
Golpe de Estado (1973)
Es una película japonesa de 1973 dirigida por Yoshishige Yoshida. Se basa en la vida de Ikki Kita. Fue la representante de Japón en la 46ª edición de los Oscar a la mejor película de habla no inglesa, pero fue rechazada como candidata. La película narra el intento de derrocamiento del gobierno federal japonés por parte de los militares el 26 de febrero de 1936. Se basa en la vida del intelectual ultranacionalista Ikki Kita.
Batallas sin honor ni humanidad (1973)
Es una serie de películas japonesas de yakuzas creada por la compañía Toei. Influenciada por una colección de artículos del periodista Kōichi Iiboshi basados en las memorias del yakuza de la vida real Kōzō Minō, la película narra las luchas de la yakuza en la prefectura de Hiroshima. Son cinco películas dirigidas por Kinji Fukasaku y protagonizadas por Bunta Sugawara como Shozo Hirono, basadas en Minō, realizadas entre 1973 y 1974, dentro del subgénero yakuza llamado Jitsuroku eiga, que suele basarse en historias reales. Fukasaku dirigió otras tres películas independientes bajo los títulos Nuevas batallas sin honor y Humanidad entre 1974 y 1976. En 1979, 2000 y 2003 se produjeron otras tres películas de varios directores.
Sandakan nº 8 (1974)
Es una película japonesa de 1974 dirigida por In Kumai, con Yoko Takahashi, Komaki Kurihara y Kinuyo Tanaka. Fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1975. También se convirtió en una de las películas japonesas más taquilleras en China, donde generó millones de entradas. Una joven periodista, Keiko Mitani (Komaki Kurihara), intenta escribir un artículo sobre las mujeres japonesas que ejercían el trabajo sexual en los burdeles asiáticos a principios del siglo XX. Localiza a Osaki (Kinuyo Tanaka), una anciana que cuida gatos en una choza de un pueblo remoto. Osaki accede a contar la historia de su vida, y la narración retrocede en el tiempo y cuenta su historia a principios de los años 20.
En el reino de los sentidos (1976)
Es una película artística japonesa de 1976 escrita y dirigida por Nagisa Ōshima. Es una historia ficticia de un asesinato cometido en 1936 por Sada Abe. Coproducción de Francia y Japón, la película creó un formidable debate en el momento de su estreno. Aunque está prevista para un estreno general, la película contiene escenas de sexo no simulado entre los actores, Eiko Matsuda y Tatsuya Fuji, entre otros. Todos los tabúes sexuales se superan en esta famosa película, una historia psicológica y sexual extrema e intrigante.
El pañuelo amarillo (1977)
Es una película japonesa de 1977 dirigida por Yoji Yamada. Fue la ganadora del premio a la mejor película en los Premios de la Academia Japonesa. La película está influenciada por la canción estadounidense «Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree», basada a su vez en una colección de artículos del periodista Pete Hamill para el New York Post en 1971. Kinya Hanada, se enamora de Nobuko, y éste abandona repentinamente la fábrica donde trabaja. Con su jubilación, se compró un Mazda Familia rojo brillante y cogió un ferry solo hasta Hokkaido para recuperarse de su corazón roto.
La venganza es mía (1979)
Es una película japonesa de 1979 dirigida por Shōhei Imamurabasada en el libro homónimo de Ryūzō Saki. Muestra la historia real del asesino en serie Akira Nishiguchi, transformando el nombre del protagonista en Iwao Enokizu. Con su historia fuera de lo común y su humor chocante, Imamura descubre un trasfondo sórdido de la cultura japonesa». La película es un grito de angustia y abatimiento en apoyo de su escandaloso héroe, lo bastante conmovedor y terrible como para merecer una comparación con Crimen y castigo.
Kagemusha (1980)
Es una película japonesa jidaigeki de 1980 dirigida por Akira Kurosawa. Está ambientada en la era Sengoku de Japón y cuenta la historia de un delincuente de clase baja al que se le encarga sustituir al moribundo daimyō Takeda Shingen para disuadir a los clanes rivales de golpear a su propio clan. Kagemusha es el término japonés para un señuelo político, que tiene el significado de un guerrero que actúa en la oscuridad. La película termina con la terrible batalla de Nagashino en 1575. La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1980. También fue preseleccionada para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y recibió otros galardones. La publicación cinematográfica japonesa Kinema Junpo la considera una de las grandes películas japonesas de todos los tiempos.
Zigeunerweisen (1980)
Es una película independiente japonesa de 1980 dirigida por Seijun Suzuki y basada también en la novela de Hyakken Uchida, Disco de Sarasate. Su título procede de una grabación para gramófono de la composición para violín Zigeunerweisen, de Pablo de Sarasate, que encaja perfectamente en la narración. La película forma la parte inicial de la trilogía Taishō Roman de Suzuki, a la que siguen Kagero-za (1981) y también Yumeji (1991), drama psicológico modernista e historias de fantasmas relacionadas con el diseño y el periodo de Taishō (1912-1926).
Como las salas de cine no querían proyectar la película, el productor Arato la proyectó él mismo en una tienda de campaña móvil hinchable con gran éxito. La película obtuvo una mención honorífica en el 31º Festival Internacional de Cine de Berlín, fue preseleccionada para 9 premios de la Academia Japonesa y ganó 4, entre ellos el de mejor director y mejor película, y también fue elegida mejor película japonesa de los años 80 por la crítica cinematográfica japonesa.
Ran (1985)
Es una película épica histórica de 1985 dirigida, editada y coescrita por Akira Kurosawa. La historia tiene su origen en el Rey Lear de William Shakespeare y también incluye partes basadas en los cuentos del daimyō Mōri Motonari. La película está protagonizada por Tatsuya Nakadai en el papel de Hidetora Ichimonji, un anciano señor de la guerra del periodo Sengoku que decide ceder el liderazgo a sus 3 hijos. Como la mayoría de las obras de Kurosawa en las décadas de 1970 y 1980, Ran es una producción internacional, en este caso una empresa franco-japonesa creada por Herald Ace, Nippon Herald movies y Greenwich movie Productions.
La preparación de la producción fue muy larga. Kurosawa desarrolló la historia de Ran a mediados de la década de 1970, cuando conoció la historia de Motonari, famoso por tener 3 hijos muy devotos. Kurosawa diseñó una historia en la que los chicos entran en conflicto con su padre. La película acabó inspirándose en gran medida en la obra de Shakespeare El rey Lear, que Kurosawa empezó a utilizar poco después de iniciar los preparativos de Ran. Tras este trabajo preparatorio, Kurosawa realizó entretanto otras películas, Dersu Uzala en 1975, seguida de Kagemusha a principios de los ochenta, antes de llegar a la realización de la película Ran.
